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《云水谣》是一部根据作家张克辉创作的电影文学剧本《寻找》改编而成的爱情片。下面是读文网小编给大家整理的电影云水谣影评,希望能帮到大家!
两个小时的片长,就是为了将一个非常简单的故事讲得七零八落?前面五十分钟,徐若瑄和陈坤的对手戏,简直惨不忍睹。徐若瑄以三十高龄扮二八女子,扮不像啊。先扮清纯,后扮从容淡定,不论扮什么,看到她的戏份,都叫人心里堵得慌,一个字--- 装。
青春气息是装得出来的?大家闺秀是装得出来的?书卷气是装得出来的?艺术气质是装得出来的?“从容淡定“是装得出来的?我不讨厌她,她长得美,大眼睛,黑眼仁,翘翘的鼻子,可是看她演电影,真是急死人。陈坤这个角色以及徐若瑄的角色都像是符号,交织剧情的符号。直到后面李冰冰的出现,才看到了点血肉。
故事情节很简单,总结为一句话:四个执著的男女的故事。
这部电影里的四位男女的执著真是叫人瞠目结舌。一个执著也罢了,偏偏四个都执著,感情那些专一男女都让编剧给碰到了。
女一号死等男一号一生,男一号在等了近二十年无望之后,终于败给了从朝鲜战场一直追到西藏的女二号。女二号是个人物啊,为了让男一号接受她,把自个儿的名字都改成了女一号的名字;而男二号呢,除了要为男女一号通风报信之外,还负担着守护女一号,为女一号在大陆找寻男一号的责任,直到自己蜡烛成灰泪始干。
大伙儿都常说这样的爱情美?要搁在很多年前,我大概会说,嘿,美。现在,那可要迟疑一下。
执著的爱,固执的等,对于某人某物某事的专一,常常为人所称道。原因之一,大概是物以稀为贵,毕竟执著的人是少数,极少数。随波逐流,随遇而安是大多数人的生存方法。原因之二,大概是本来也很难做到。比如女一号那种,那么个美人,自个儿守了六十年,其间要耐住多少寂寞和辛苦。至于,这是不是好?不知道。毕竟是各人自己的生活,不好妄加评论。不过,既然种群的大多数选择了,随遇而安,随波逐流,应该说,这样可能更利“生”吧。
去年把老版上海滩带来看,看完出借给朋友们看。女友一名曾经打电话说,“为什么许文强那么快就爱上了阿第?他才到香港多长时间啊? 他就把程程忘啦?” 我还一时真说不上来,这是岁月在心里积下的答案,言语无法有效的表达。许文强没有忘记程程。在那种情况下,他连自己的命都保不住,又怎会还有重回上海与自己的仇人的女儿重修旧好的幻想?而此时此刻阿第出现了,而且阿第还是一名很好的女人,模样儿不错,心地善良,你要许文强怎样?继续做自己的大情圣?不如擦擦眼泪,添添伤口,把程程存放好,继续生活?毕竟生活中,不仅仅只有爱情。
执著,有时候给其他的人带来很大的困扰。 不过这是事情是你情我愿,一个愿打一个愿挨的事儿。不过,设若人家不愿意当黄盖了,或者周瑜决定辞职,咱也得让他走人不是?合着你要当情圣,就活该我成全?
唱你的独角戏不就结了。
2.片子用了好多的运动镜头啊,那个镜头摇啊,升啊,降啊(等等专业名词),忽高忽低,光那女一号家的院墙就被镜头翻越了超过两次以上。看得我眼花缭乱。这就美啦?这就流丽啦?运动镜头后面就有内容啦?用到就剩了“油滑”二字。就连片首的那支曲子,好像是“四季”里面“秋”的某一乐章吧 (如果记错了,请纠正),拉的真滑,真滑。一到陈坤同学四处奔跑,就开始用音乐煽情,真把音乐当脂粉,把电影当女人了。
画面美,片子就美啦?就钻到人的心里去啦?至于剧情,有一点小资--- 梁洛施那个全世界飞的,随时携带笔记本电脑去泡酒吧。 有一点大资--- 女一号成了画家,海外侨胞嘛,在纽约曼哈顿区拥有豪华好像还是两层的公寓(编剧,纽约曼哈顿区的豪华公寓要多少钱知不知道?),满屋子画作和艺术品,闲来可以缅怀过去的人事;有点文艺 --- 钢琴伴奏男女合唱的one day when we were young,微风卷着窗帘。真打算满足文艺男女青年对人生的所有梦想啊?
就为这把个故事讲得七零八落?
不过,看电影欣赏文艺,大概都是愿打愿挨的事儿。爱的人,会说你不懂得欣赏,会说你不懂得感动。得,那就让电影唱独角戏好了。
另外,片中那首“One day, when we were young.” ,现在唱起来,必用低沉的嗓音极慢地唱。
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一如众多“以微见著”题材的作品(如《冬春的日子》),《云水谣》沿用了双关的主题形式:以陈秋水和王碧云的命运辗转来映射两岸云水相隔/连的无奈现实与情感诉求,以个人感情与民族情绪的激荡来展开文化的根性之旅从而实现政治的诉求。影片最后那段由电脑合成的全景扫描(panoramic scan)颇有意味:一只雄鹰由青藏高原两条母亲河的源头腾空而起,穿越云海,东向而去,在河水的纽带、海水的阻隔与云海的无穷变幻之中,全能的(omniscient)的视角定格于大中国雄伟版图的东南一隅,在一段气势磅礴的交响乐背景之中,全片似乎在精神境界上由此得到了最终的升华。
1 革命,意识形态,台湾的女性与女性的台湾
一反以往反映两岸关系题材的影片中的固有模式(大陆游子飘零台湾,一水之隔却成为一世之恨,时光消磨中诉说着对祖国母亲的无穷的眷恋),《云水谣》以台湾和1947年“二·二八”事件为背景出发点,陈秋水被迫逃往大陆,留下年轻貌美的未婚妻与垂垂老母。在这里,影片不仅在文化同根性的运用上继承了前辈的传统,而且在意识形态上似乎更有了明显的“突破”:如果说对当年逃往台湾的描述从某种意义上说还具有意识形态的模糊性——衣锦还乡的台胞千里寻访大陆亲人,似乎在证明台湾经济社会发展的进步性,如果不是政治意识形态的先进性的话——这种模糊性只有在浓烈的文化同根性轰轰烈烈的激情演绎中来掩饰和稀释,那么这次向大陆的“逆向逃亡”则可以“名正言顺”地来展示自己不需要羞答答遮掩的充分理由。
高谈鲁迅和新民主主义的陈秋水除了得到王碧云母亲几句唠叨以外(也完全是为了女儿的安危而不是政治性的),奇迹般地获得了几乎所有人的认可。逃往大陆,则意味着奔向“革命的圣地”,实现“让更多的人过上更有尊严的生活”的理想。在这种意识形态的引导下,政治性的过滤则不可避免。不难想象,像陈秋水这种身份的人,在一波波革命浪潮中所受到的冲击是不言而喻的。然而他在西藏雪崩中非常“适时”“适地”的牺牲最终成就了他“革命圣徒”的地位,也挽救了革命的圣洁性。
而与此同时,台湾也以一种独特的形式被女性化。缺少陈秋水的台湾顿时成为一个女性的世界:盼儿归来的老母、望穿秋水的未婚妻、自我“柏拉图”化的追求者,政治性暧昧的小资父亲。他们“不关心政治”,“只想过一份属于自己安安静静的日子”。在这里,母亲的形象不再是祖国,因为祖国业已占据了雄鹰式的男性的革命形象。母亲已然只是传统式的港湾,情感的纽带。而奔父去母则成为政治上“正确”的选择。
妻子,则必须永远守候,圣女般的,孝而贞。而失败的追求者薛子路(名字是不是颇有孔圣人门生的意味?)不无奇怪地为自己设定了一个两难处境——只有王碧云还矢志不渝地爱着陈秋水,他才能去爱王碧云。一切都进行得那么圣洁无瑕。在去性化的(asexual)这个女性的世界中,我们依稀看到的一个来自大陆的得意的男性目光,他可以为自己的不贞找到一个似是而非(plausible)的借口,而这群女人的贞血也只有从薛子路的鼻孔里不时地借代性地显影。更要命的是,这个唯一具有威胁的男性,必须在有生之年发挥自己可被利用的价值,然后再冠冕堂皇地被安排死掉。从此,作为私有财产的妻子便会得到安全的安置。
2 双重的影象(double images),取代的政治(politics of substitution)
两个王碧云,两个陈秋水。一个是同一时代不同地点,一个是不同时代共同空间。
陈秋水可以将自己名字改变来寄托对母亲和未婚妻的思念,而王金娣也可以将自己变为王碧云。陈秋水/徐秋云与王金娣/王碧云的结合似乎完成了一次成功的取代,却不料发生了一次意想不到的错位。最终结合的仍然不是云和水。王金娣改名王碧云,是一次改变身份的企图。然而交杯酒间她对自己作为替代者这一位置的再次确认,却又说明这种企图是多么的无奈与不可能。王金娣以丧失自己身份的代价来成全陈秋水的幻想,她得到的永远只是别人的。如果她是自私的,那她的幸福则永远是悲哀的。如果她是无私的,这种感情本身就很难成立,而同时也将陈秋水陷入不道德的境地。作为生命的个体,有些东西是无法替代的。
王金娣是在“替”王碧云在另一个空间延续一份感情。当她承诺今生今世而将来生交给王碧云的时候,当陈秋水默认了这个无理的承诺的时候,他们如果不是为自己的情欲寻找借口,那么就是在理智上承认了这个人为空间阻隔的不可战胜性。因为一旦阻隔解除,云水相逢,三方在伦理上将会承受不可解决的两难(这样的例子在“伤痕文学”作品中并不少见);在这里,取代的可能是以绝望的阻隔为前提的。
老年的王碧云在网络上再见年轻时的陈秋水,他是“陈秋水和王碧云的儿子”——这听似一句安慰,而对于真正的听者来说,却意味着对自己成为替代品这一事实的认识,或者说是,自己成为自己戏剧人生的局外人。如果说在前者中还有替代的可能性,那么这里则将这种可能性完全排除。现代科技为云水创造出同一空间,但是时间已经成为不可逾越的阻隔。
3 前现代的纯真,怀旧,与“原始的激情”
影片以一个些许玩世不恭的现代女孩的追寻之旅为线索,串起水彩般的镜头片断,游走于时空的交错之间。女孩不相信现代社会的爱情,因此她要去追寻爱情的真谛。一如现代主义者对拯救现代文明的良方的追寻,女孩的目光游向了前现代原始的纯真。她相信那时的激情能抵抗或治愈现世的堕落。跟随她的目光,我们进入了过去,抵达了那“激情燃烧的岁月”;我们又将自己的目光投向了纽约曼哈顿、台北、西螺、香港、朝鲜、中国大陆、西藏雪山。后现代的时空碎裂,却为我们拼接出一幅通往原始圣洁之源的道路。
颇为昭彰的是,在王碧云完成布里斯科(Lily Briscoe)式的最终画卷中,掩埋着陈秋水的高原流淌着血色的雪——
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如果没有所谓的让李冰冰“得逞”,那就是用主人公的悲惨换来我们对爱情的完美幻想的追求
深深理解他们的痛苦,我真心的希望有个人能替碧云来照顾秋水
一个女人,能容忍自己的爱人心里有另一个女人,心甘情愿地当她的替代品,连自己的名字也不要,连自己的爸爸妈妈也不顾,这是怎样的勇气才能办到
只是靠着少年时期的爱恋,分开那么久,真的能一直持续下去吗
环境最终会改变两个人
最残忍的结局,也许不是电影里拍的一去不复返,生死相隔
而是他们最终团聚,却发现两个人已经不再合适
看这部片子,被碧云的坚持感动和怪碧云苦等比较起来,我更倾向于后者,我更希望她和秋水都有了好的归属,把对彼此的纯洁的火热的过去埋在心里。
永远要记得,人生最重要的事情,不是留恋或者后悔的过去,而是为自己创造美好的未来。
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《魔兽》是由美国环球影业公司出品的奇幻动作片,邓肯·琼斯执导,崔维斯·费米尔、托比·凯贝尔、本·福斯特、本·施耐泽、多米尼克·库珀、罗伯特·卡辛斯基、宝拉·巴顿、鲁丝·内伽联合主演。 根据暴雪娱乐网络游戏《魔兽世界》改编,讲述了黑暗之门打开之后,两个世界的种族为了各自的生存和家园奋起而战的故事 。下面是读文网小编给大家整理的关于电影魔兽的影评。
和很多人提起暴雪,知道的人不多,但是提起魔兽确几乎是人人都知道。
喏,别人问我:你玩什么游戏。
我当然很自信的回答:魔兽世界。
哇,看不出来你居然还玩魔兽(因为我是妹子),魔兽那么难啊!那你应该玩得好了噢,一般玩魔兽的人都玩得好吧!
当我给别人提起魔兽要拍电影,别人都很期待,(不光是暴雪粉丝,魔兽粉丝期待)别人都说魔兽这种片子一定要大爆。
暴雪你看,别人都知道你大魔兽,都觉得电影会大爆。也许只有粉丝才有那么一点担心。。
和一些做游戏做动画的朋友聊到魔兽,他们都可是特别钦佩你暴雪的技术,都夸你魔兽场景,角色,流体细节等做得特别棒,总会反反复复的研究你暴雪的魔兽资料片宣传CG。
当然我从来没有想过玩游戏可以玩出优越感来,但是接触你魔兽,慢慢爱上它,感情越来越深,被游戏的各种吸引最后居然玩出一种优越感。 那么多的游戏,唯独你魔兽,让我爱上里面的3D场景,各种角色,包括一些技能特效,连背景音乐我都爱得不得了。当你公布要拍电影,我想所有魔兽玩家心都特别激动,然而你一拖在拖,一直跳票,最后终于不跳票了。现在预告也看见,看着预告里熟悉的角色,熟悉的场景,泪流满面。
你看现在电影还有这么久才上映,大家就讨论着,看电影是不是要准备各个阵营服装,是不是要带着自己的宠物去,是不是要开无敌去,要潜行去。,或者电影院联盟部落分开坐,或者来个联盟部落票房打比拼。大家还担心会不会在电影院喊一句:为了联盟! 为了部落!而打起来,看多么有意思的讨论。千万不要让大家失望,我不知道哪儿来的信心觉得你一定不会让大家失望。
电影上映我一定会穿着阵营服,然后把前后左右位置买了。
看了魔兽影评-电影魔兽影评4篇
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《穹顶之下》围绕雾霾是什么?从哪儿来?我们该怎么办?进行了一系列调查,它让人们了解了中国正在遭受前所未有的环境污染,生活在这样的环境下,必将影响着我们乃至下一代的身心健康,可持续发展更是无从谈起。大家观看了之后会有那些感受呢?下面就跟读文网小编来看看 穹顶之下观后感800字吧!
在完整观看这个时长103分钟的专题片《穹顶之下》之后,我深为该片表现的诚意、理性、担当所感动,应当说,它的确向我这个缺少专业知识的普通观众,普及性地解答了这三个问题:雾霾是什么,它从哪儿来,我们怎么办。毫无疑问,《穹顶之下》在今年两会之前推出,也势必成为两会焦点话题,它对于我国治理雾霾决心和决策的推动意义,也是不容置疑的。 但是,作为《穹顶之下》的一位观众,我认为,“柴静的意义”是远不限于促进雾霾治理的。“柴静的意义”,应当从公民精神建设的层面来理解。
【中国社会的良知】柴静在片子自述,她制作这部专题片的初始动机是为了给自己出生即患肿瘤的女儿追求一个健康安全的生存环境。但是,她以个人身份,自费约100万元,并动用自己资深媒体人的社会资源,耗时一年多制作这部专题片,完成的一是个对关系中国亿万孩子生存安全的环境问题调查和思考。“同呼吸,共患难”,母亲柴静在片中表达的焦虑和渴求,是为天下孩子,当然也是为所有生存在这个“雾霾穹顶”下的全体中国人发出的。
【中国媒体的勇气】观看《穹顶之下》,柴静作为媒体人的追究意识和批评态度是非常明确的,她始终表现了新闻监督的问责立场。她追根溯源,对无论来自企业、还是官方对造成环境污染、破坏责任的推诿,是不留情面的质询和展示。对于非环境专业人员,柴静面临的挑战和压力,既有专业方面的,又有社会方面的。她令人敬佩的勇气表现在,她为自己设定了一个需要巨大勇气和毅力才能完成的课题,而且她成功地完成了。由此,我看到中国媒体的勇气。
【中国公民的理性】今天的中国社会,面临公共问题,情绪表达多于理性追求,借此“国情”,便有某些“社会良知”不仅得意于自我无知无畏、以讹传讹,更以危言耸听、谣言惑众作为代言公众的常态。《穹顶之下》让我们看到,柴静作为一个非雾霾研究的专业人员,为了帮助观众解答“雾霾是什么,它从哪儿来,我们怎么办”,不仅竭力收集相关资料、积极向国内外专家求教,而且不惜冒险充当实验对象。《穹顶之下》是求理、讲理,以理服人的。这个专题片的力量,是牢牢的建立在对真相的渴求、对科学的尊重和对真理的敬畏之上的。《穹顶之下》表达的是一个普通公民对健康安全的生存空间的诉求,但这个诉求之所以值得敬佩,是它基于深刻的公民理性。
【中国母亲的希望】近年来,“雾霾”已经成为一个令国人绝望的名词,它不仅现实的伤害着我们的身体,而且威胁着将出生的孩子。在“雾霾穹顶”下,作为一个母亲是恐惧而绝望的——因此,逃往大洋彼岸或者放弃生育,正在成为越来越多年轻人的梦想或选择。但是,通过《穹顶之下》,柴静以一个母亲的爱心和理性,告诉我们,只要我们切实认知雾霾危害,放弃我们的私心和懒惰,我们每个人都可以为减轻雾霾做贡献,而全社会共同努力,我们的孩子就会在不远的将来生活在干净的蓝天下。中国母亲的希望,是唤醒社会的公益精神,是激发从我做起的对我们共同的家园的爱惜和维护——这就是母亲柴静真正要告诉我们的。
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大家都说《盗梦空间》这部电影很是“烧脑”,的确,相比于《变形金刚》,《钢铁侠》,《蜘蛛侠》这些好莱坞商业片的“模范”来说。下面是有盗梦空间影评,欢迎参阅。
已经是第三次看这部大家心目中的“神作”了,关于盗梦空间的理解以及影评多得数不胜数。下面仅仅是发表一下我个人的一些不成熟的理解和感想,只为抛砖引玉,交流经验之用。
大家都说这部电影很是“烧脑”,的确,相比于《变形金刚》,《钢铁侠》,《蜘蛛侠》这些好莱坞商业片的“模范”来说。这部影片在故事方面就着实高深了一把。首先它并非是好莱坞商业片所固有的“英雄开挂模式”,作为商业片,大团圆的结局是必须的。即便是导演编剧制片都是诺兰,华纳的大佬们也不会买账。那么问题来了,如何才能既满足普通大众的胃口,有博得电影结构大师和毒蛇影评人们的欢心?诺兰告诉你们答案。每当我打开一部电影时,看到影片分类:动作,科幻。然后就出现了两个大大的字母“WB”,我便放心了下来。因为“华纳出品,主角必胜”这个理念几乎适用于所有出自于华纳的动作片。于是看到主角身陷重围,死去活来我都特别淡定,笑而不语。然后默默地看着主角如何逆袭最终变成高富帅,迎娶白富美,走向人生巅峰。我承认第一次看盗梦空间的时候依然是这种想法。然而没过多久我就发现自己犯了个错,梅尔如梦魇一般深深植入了柯布的大脑,也植入了我的内心。使得他的每次行动都深受其影响。弗洛伊德就曾说,梦的一切素材都来源于我们睡觉之前的经验和愿望。也就是说,梦是我们愿望的达成。诺兰充分发挥了这一点,梅尔不仅仅是柯布的“经验”,更是他心中的期望。使得他每次做梦都逃不开梅尔。梅尔也就成为了故事发展的一个重要线索。直到影片最后,已经看出,诺兰对于剧本做出了不少妥协。要是依照《记忆碎片》或是《追随》和《致命魔术》,这样处理的话,结尾应该有更加隐晦的表达。尽管如此,诺兰还是展现了他超常的才华,影片最后陀螺的抖动,使得影片真正达到了高潮,紧紧是一个细微的处理,足见这位好莱坞新宠导演的奇智了。
对于本片的剧情,一般都认为出现了所谓的“六层世界”,即现实,梦一,梦二,梦三,梦四以及混沌。还有认为是“五层世界”,即认为梦四和混沌是一重世界。这样也有道理,因为诺兰对于梦四和混沌的表达都很隐晦。如何区分现实与梦境呢?诺兰给了我们一个简单的方法,即梅尔。在这里不由衷的赞一下玛丽昂·歌利亚的演技,每次与小李对手都在气势和演技上盖过了小李。每当柯布处于梦境中时,强大的梅尔总能够在柯布的梦中留下许许多多映射。比如疾驰的火车,阳光下的海浪,柯布的孩子们等。如果注意到这些,那么就会很好区分了。而在影片最后,诺兰颇为隐晦的安排了父子团聚。注意,孩子与梅尔和火车不同,孩子是现实中真实存在的,并非是柯布的回忆。因此本片从结尾就分成了两派。我个人较为倾向于“六层世界”论。对于观众来说,大家都希望历经艰辛的柯布最终与家人团聚了。然而对于一些电影分析者来说,陀螺会一直转下去,孩子贯穿始终都是柯布的一个梦境。这就造成了类似于《穆赫兰道》那样的理解,是有别与不同的两派而形成的一中新的理解即为“双层论”。整部电影都是柯布的一个复杂充满愿望交织的梦境。正如影片中所说,柯布曾经是最好的造梦师。但他却不能在造梦了,而又违心的造了一个“记忆监狱”,为了使得这么做更为合理,便安排了本片的诸多任务。此时的柯布早已是身陷混沌之中。用自己超常的想象力来编制了一个宏大的梦境,现实也如电影中所介绍的那样,柯布得罪了大公司,不得已让自己置身于混沌之中。混沌是虚无的,正因为如此,柯布充分发挥了自己最强造梦师的本事,编制了这样一个复杂而又离奇的梦。究竟有多少层?究竟还有多少种理解?那就是仁者见仁智者见智了。
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《盗梦空间》在电影史上是一部具有突破性质的作品,它重新定义了电影表达能力的疆界,展现了复杂逻辑的魅力。下面是有盗梦空间的影评,欢迎参阅。
几乎大部分的人,讲到自己的梦想,都会哭得一塌糊涂。
因为,梦想只能在梦中实现,现实的无奈给了梦想一个梦的舞台。但是清醒的时候比较多,那么,我们只能以哭代替年少的轻狂和风流。
盗梦空间,给我们一个现实和梦境走于平行线的机会。
我觉得很多时候导演如果没有编剧的功力,那么他会是一坨。但是,当导演将编剧升华以后,编剧就宛如刚学会吃奶的孩子,看着导演指挥着成人们在表演戏内的游戏。导演的死亡可以宣布编剧的死亡,编剧的死亡却永远不能告白天下导演的消失。
梦,是最高理想。那么现实呢,只是我们妥协的工具吗???
我们总是在怀疑我们的国家和环境给了我们太多的痛苦,我们总是在质问我们的家庭给了我们太多的责任。那么,麻烦你想一想,作为男人,你做了什么。男人对于现在的父系社会又意味着什么。
女人是半边天,是男人在无聊的时候玩的游戏。女人也许永远无法理解男人在癫狂的时候为了女人付出一切,可是啊,亲爱的女孩们,你们没有理智的爱一个男人的时候是否会想到男人其实忘记了你。
盗梦空间的最后,陀螺的不间断不停歇,也就是为了续集,更是为了,女孩们。女孩们,当你们女人的时候,你是否会为了自己的梦境而义无反顾的把男人踩在脚下???
当我们的老帅哥不停的STSTST的时候,那女人的完美一跳是否赢来上帝对耶稣说:你回去吧,人们的罪孽你已承受。那么,麻烦,我的儿子,请给他们幸福把。
小萝莉出场的时候,我居然怀疑导演的用意,靠,萝莉控啊。可一个男人老去的心灵只能用青春的泉水浇灌以后,才能适当自己的岁月。无论梦境是五十年,还是五百年。那么,梦之后,我们的现实告诉我们,对不起,你被淘汰了。
每当,听到,陈奕迅的淘汰,你是否会做梦。梦中,你是否会想起你的初恋情人。
无论,你,是男人还是女人,那么,只要为人,不是人妖他妈生的,请一起挽起我们的手臂,对着上帝竖起中指:靠,我的命运我做主。
那么,真的,你成为了你自己的上帝,梦想也是现实了。
所以盗梦空间的导演哭了。嘿嘿。
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《一代宗师》中的中华武士会都是近代国家主义的产物,江湖人士自此也背负上了救亡图存的使命。下面是有一代宗师影评,欢迎参阅。
武林是个大擂台
可能有人在看了开篇的雨中打斗会产生疑惑,难道这种打法就是一代宗师?雨中的梁朝伟一拳一个,招招都是杀着,来者不是断手就是断脚,众人纷纷倒下,这种打法似乎完全没有宗师风范嘛。宗师应该以德服人,所谓“拳脚小功夫,容人大丈夫”,既使要打也不该招招毙命,每一招都应留有余地,手下留情。
但真正的武林是就是这样。“输赢”就是武林的唯一规矩,影片开头梁朝伟的一句话就点中了武林的要穴,“别跟我说你功夫有多深,师父有多厉害,门派有多深奥,功夫,两个字,一横一竖,错的躺下,站着的才有资格讲话”。所以,所谓武林之事就是一横一竖,行走江湖或是开宗立派,就是要不断地挑战别人或接受挑战。武林没有那么多的客套话和玄奥理论,只有打赢了站着的人才有资格讲话,才有条件开宗立派。而武林中的故事,说那么多爱恨情仇、家国大义,归根到底就是论个输赢。文无第一、武无第二,武林的故事很简单,就是一横一竖。
所以宫二从小是看着父亲跟人交手长大的,听得最多的就是骨头断裂的声音。可以看出江湖就是如此残酷,不断的打擂交手就是武林争名夺利的方式。武林就是一个大擂台,最后站着的就是盟主,所以踢馆打擂自然是常事。叶问一心想看宫家的六十四手,但最终没有看到,这也是江湖规矩使然。自家功夫都是秘不示人,传男不传女,女儿嫁人就不是自家的人了。江湖中人将家门分得特别清楚,宫二要找马三报仇,必定要断发奉道,这是规矩。叶问轻易想看六十四手,哪有这般道理。在1950年的香港,还有一段戏,叶问想看六十四手,宫二说“你要是一进门就说这话,那恐怕得先唱一出《杀四门》”就是这个道理。你想看人家的武艺,从没有人家表演给你看的道理,唯有将人家打败方能提这种要求,这也是踢馆的套路,你想看看人家武艺的门道,唯有上门讨教切磋,否则就是免谈,绝没有坐下来开学术讨论会的事情。
不过1950年代香港的叶问已经跟二十年前有了很大的区别,这时他已没有门派之分,一心想把六十四手传下去,而宫二仍活在自己的时代,不愿打破这个规矩。叶问觉得可惜,宫二则不然,“武学千年,烟消云功的还少吗?凭什么宫家的就不能绝。”这就是武林的规矩,各派武艺没有高下之分,这是现代的说法,放在过去行不通。武功有高下,武艺自然也有高低,判定门派高下的唯一方式就是“打”,赢的可以开宗立派、广收门徒,输的,不管你的功夫再玄奥,也只有烟消云散,所以武学千年,多少玄奥武艺因人的成败而烟消云散,都是时势使然,宫二看得很清楚。
叶问在影片开头的雨中群殴,是一个旧派江湖人士,以成败论英雄。这段戏在情节上割裂于整片剧情,讲的是江湖旧事,而到了掰饼论艺和香港传道,叶问已然是个有新思想的新派人物了。
江湖与庙堂
我们看的武侠小说或是江湖功夫片,情节纷繁复杂,最后讲的就是争个武林盟主,说到底就是论个输赢。什么“为国为民,侠之大者”这已经超出了江湖的意识形态范筹,上升为民族主义的思想形态。真正的江湖,以拳脚论高低,一个个打下去,战斗到最后就是侠。当然,关于“侠”的意义也有学术争论,王学泰先生说,中国自唐代之后已无侠。这个暂且不论,不过我很反感金老爷子对于“为国为民,侠之大者”的提法,把国家社会的意识形态强加于游民社会之上,江湖自有江湖的规矩,武林也有武林的评价原则,这跟爱不爱国没有关系。处江湖之远而思庙堂之忧不是个纯粹的大侠,换句话说,郭靖死守襄阳,已不是江湖人士,称他“郭大侠”自然不妥,我们也没有称岳飞为“岳大侠”称杨宗保为“杨大侠”吧。所以“侠”是个江湖称谓,用“为国为民”的庙堂标准来评判一个江湖称谓,自然有失公允。在电影《笑傲江湖》中有一首诗,“皇图霸业谈笑间,不胜人生一场醉”,“皇”应改成“王”,纯粹的江湖中人,一心只想当个武林盟主,少有想当皇帝的,江湖和庙堂是两个世界,人不可能如此分裂。
我说江湖和庙堂是两个世界,并不代表这两个世界没有交集。在电影《霍元甲》中这点看得最清楚,霍元甲年轻时干得最多的事就是跟人打擂,一心想当津门第一,这是江湖行为,无可厚非,江湖就是这样。但元甲的眼镜儿朋友却喝着咖啡告诉他,脑袋里也要想点国家的事儿。最终元甲跳脱出了江湖的规则成立了精武体操会。这便是一个江湖人士的从良,这种江湖意识形态的转变只在近代发生过。电影中用国家意识形态的标准评判江湖的行事原则,其实是不对的,在江湖人看来,庙堂的人在争权夺利,自己亦然,两个都无高下对错之分。而庙堂的人是没有资格看不起江湖的行为规则的,你当了武林盟主,既使天下换了皇帝,你还是武林盟主,地上社会和地下社会是两回事。我争江湖的老大,庙堂谁当老大跟我没关系。而近代国家主义民族主义的观念传入中国后,这种江湖庙堂泾渭分明的界限就有所打破。日本人打进来,管你是地下的盟主还是地上的皇帝,都是亡国奴,所以才有霍元甲的从良。
而精武体操会和《一代宗师》中的中华武士会都是近代国家主义的产物,江湖人士自此也背负上了救亡图存的使命。不过在影片中我们仍可看到这个江湖和庙堂过渡期的风貌。
宫宝森接了大师兄李存义的班主事中华武士会,其行事规则仍有旧派武林的风范,虽合并了形意和八卦,但却并没有广收门徒将武艺发扬光大,马三学了形意,宫二学了八卦掌,其外在影片中我们没有看到更多人的会这门功夫,所以在影片中,中华武士会并没有达到现代意义的民间武术团体,反而是个门派,不断将其他门派合并,而自己当盟主。而五虎下江南、北拳南传,在影片中反而有点打擂和闹场子的味道。宫宝森虽知道“凭一口气点一盏灯”的道理,但中华武士会本身就是个门派,而不是整个世界。所以划定了一个团体反而缩小了自己的视界。这一点叶问看到了。
武侠片的民族自卑
前面已经提到,江湖和庙堂本是两回事,一个纯粹的江湖片应该是商女不知亡国恨的。武侠片作为中国人发明的独特类型片自然有它的独特类型价值。武侠片就是一个江湖社会或者是一个游民社会的故事,说白了就是地下社会的故事。地下社会自有地下社会的江湖规矩和行为准则。蒋介石是国民党总裁,但私下里仍是洪门的后辈,黑道没法洗白,洗白了就是白道,两条道各有各的门道。而武侠片来讲家国情仇、民族大义,就是黑道洗白。
中国因为近代的屈辱史,江湖中人也背负上了强国强种的责任,而武侠片也渐渐沦为国人以求自强的工具,而它的出发点无非是国人的民族自卑。于是《叶问》和《霍元甲》们也纷纷抡拳砸向日本人,以歪曲历史的方式构建国人的强种自信。“东亚病夫”是专属于中国人的恶名称谓,现实的孱弱不能靠外在的强壮来改变,唯图精神上的胜利,于是武林人士救国变成了我们的影视作品乐于表现的题材,但这些全不是武侠片。因为并没有武侠片特有的意识形态内核,而这个内核就是江湖规则,李连杰版的《黄飞鸿》是个极其纠结的个体存在,在身份上,黄飞鸿无法被归类。你说他是武林中人,但并无明显的门派,宝芝林是个医馆,不是武馆,他没认真授徒,也不参合任何江湖之事,既使当了清军教头,也相当于兼职。他的收入来源主要来自于治病救人,所以严格说来他并不是武林中人。而《黄飞鸿》中所宣扬的民族大义也不是武侠片所特有的,我们看到黄飞鸿的一切打斗都不是武林恩怨,除了第一集跟铁布衫的对决有点江湖味道外,其续集就彻底滑向了民族大义的深渊,江湖味道全无。而黄飞鸿又是一个极其纠结的所在,空有一身好武艺,既没有武林的名号也没有庙堂的声名,他只是个新旧时代夹缝中的产物。我不是说武侠片中有了家国大义就不是武侠片,而是武侠片中如果没有了江湖法则就不是武侠片。
王家卫显然跳出了这个窠臼,《一代宗师》中既有家国大义又有武林规则。他没有再让叶问去打日本人,更在影片中隐去了国仇家恨的抗日年代,因为这个年代,武人是没有什么大作为的。《一代宗师》是个汤料正宗的武侠片,里面的家国大义因为篇幅的原因全被王家卫剪去,或者说隐而不发。
佛山的金楼叫共和楼,据王家卫最近采访得知,宫宝森过去曾来此楼送炸弹,这个炸弹是蔡元培亲自配制,三天后炸了广州的凤山,民国自此开始,所以它叫共和楼。而丁连山也有其背后的故事,1905年发生的头等大事就是吴樾暗杀出洋五大臣,而其策划者很有可能就是关东之鬼丁连山,所以事败之后丁连山才逃到佛山,“在太阳旗下,能容得我这只鬼?”
而在吴樾的《暗杀时代》中处处可见这种武林江湖气息。“以复仇为援兵,则愈杀愈仇,愈仇愈杀。仇杀相寻,势不至革命而不已!”而影片中的一线天自然也是吴樾一般的人物。
武林丛谈
影片中处处透露着武林仪轨,多不胜数,观之欲罢不能,在此笔者尽拣精彩处说。在掰饼论艺一段已足够让人看得大胞眼福,这段“比想法”的较量,张艺谋在《英雄》中也有一段,就是甄子丹和李连杰用意念比试,但两相对照,跟王家卫的掰饼论艺相比,简直不知低了多少个身段。首先张艺谋的片段过于天马行空没有实际操作的可能,而王家卫的片段确意有所指,就是杨露蝉鸟不飞的绝技,用自己的力气化解掉麻雀的借力,夺饼也是同样道理。在夺饼中,叶问第一次掌心向上,是谓阳手,也就是“慈悲”这招只会伤人不会死人,当此招掰饼失败后,叶问又掌心向下,是谓阴手,也就是“超度”这就是狠招了,最后两招全无用后,叶问就用咏春听桥,这就如太极中的推手或黏手,借力使力,跟着你走,咏春功夫较柔,这门听桥克刚克柔无往不利,在前面的贺拳中,叶问正是用听桥化解了勇哥的半步崩拳,在形意拳中,就有“半步崩拳打天下”一说,听桥既可化解猛拳,亦可化解柔势。
而一线天在三江水的挑衅后也有一段话,“念经就限这么一回,下回要超度了”,在这里的“超度”跟叶问的二次夺饼是一个意思,都是杀着,不留情面之意。
影片还有一处“老猿挂印”。马三投日就是当了日本人的官儿,而宫宝森告诉他,此招的关隘不是挂印而是“回头”就是让马三回头是岸,马三当时没悟懂既而跟师父大打出手,而取宫宝森性命的正是老猿挂印一招。“老猿挂印”就是用膝盖去撞对手胸骨,是谓挂印,而宝森用了一招“叶里藏花”将马三推出。其实两招均是杀着,在这两招比试中就看谁快谁猛,但显然宫宝森慢了一着,他心存善念,望徒弟浪子回头,所以手下留情。而最后在宫二和马三的比试中,他们依然用了这两招,马三被打败后趴在地下才悟到“当年的话,我没听懂,还以为是他慢了”。
我们还可以看到小流氓跟一代宗师的区别,三江水打斗的方式是“你捅我三刀,我捅你三刀”在这八极拳宗师看来俗了,什么叫雅?一线天来了招“美人挂画”八极拳的劈和扑力道十足,“打人如挂画”我们看到三江水如一张画一样横推到墙上。
影片中还有宫二先生的“叶里藏花”和宫家六十四式,以及她的断发奉道,当然还有金楼里面的奇女子和众豪杰。都有极考究的江湖仪轨,精彩之处说之不尽。
就此收功。
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《桃姐》的英文译名直截了当----A Simple Life。她的生命本是如此,却最终蒙了纪念。这故事的成功离不开三个重大的因素:剧本本身、导演和演员。下面是有桃姐影评,欢迎参阅。
我是来还欠账来的。听说这部电影,了解背景,已经几年。可我始终没有预备好观影,好像下意识在刻意‘回避’着什么,我不知道。
主仆情,是个很难下得去手的情感关系。如今的时代背景,更是鲜有的。要让观众不仅看懂,认可,产生共鸣,是件不容易的事情。
《桃姐》的英文译名直截了当----A Simple Life。她的生命本是如此,却最终蒙了纪念。这故事的成功离不开三个重大的因素:剧本本身、导演和演员。
说剧本是因为源 于生活的真情实感,没有这个是打动不了人的。桃姐服务梁家一辈子,从十几岁卖身为仆,超过六十载岁月,服侍四代人,见证了这家族的成长,扩散。
可故事的切入点没有截取她青春韶华之时,否则那极有可能成为一个爱情故事。更或者,是一则大家族的编外野史,与年岁相当的男主人和一手带大的青春期少爷之间复杂的三角畸恋。。。总之,这个角度令我新奇,七十余岁的仆人与五十岁上下的少爷,将残的风烛老人与事业成功,却依旧孑然一身的中年男士,有怎么样的化学反应?
许导的功力是可以让叙事变得平而不淡,如一杯香茗,在人唇齿留香,久久才回过味来。
通篇漫溢的一种‘孤独’,除了老人本身的话题以外,三个不同年龄段的角色----桃姐、杰少和秦海璐饰演的蔡姑娘,将一种不一样的孤独呈现得淋漓尽致。与老人院其他老人的孤独有所区别,因为这种孤独是被动的,是被家人遗弃的结果。他们三人的孤独则是主动的选择。
两处的对话浅处见深。一是发生在桃姐和杰少在公园里对于双方择偶的讨论,‘你要求太高,看不上人家’。二是发生在农历新年,桃姐和留守老人院值班的蔡姑娘之间很短、点到即止的对白,‘我是主任,让下属放假’‘那你的家人呢?’
蔡姑娘:她的选择易懂一些。人在他乡,身为护工,服务一群孤寡老人,没有爱心和忍耐是做不了太久的。她没有抱怨,没有变得苦毒暴躁,没有发泄自己的不满到这些老人身上。为什么?因为他们给了她‘被人需要的认可感’。老人院里的老人并没把那里当家,可蔡姑娘有。
桃姐:身为仆人,她的价值和存在感是注定依附于主人家而决定的。可明显,梁家知书达理,对她给予尊重,也未限制她离开的自由。年轻时的美貌,引来许多人追求,而且都是有一定经济能力的小老板,加上杰少小学同学对话中隐含曾经的幻想都证明了桃姐的魅力。为什么不离开呢?一定有更强大的理由不是吗?通常是爱,所以杰少才会玩笑称桃姐肯定爱上了老爸。我觉得不见得,她爱上的或许是整个梁家。虽然她在梁家的身份是仆人,可她在精神上却是独立和自由的,甚至有一些影响力和地位。嫁出去,一定更好吗?
我曾经读过广东一带‘自梳女’的报导,她们自梳不嫁 ,甘心做一大家子的嬷嬷。追求的是女性的精神自由,自己养活自己,这是种选择。
杰少:他的独身就有待探讨了,个人认为是精神洁癖,无法也不愿意让人靠得太近。他明明出身优越,留洋的学识背景,人又长得不残不缺,有份稳定体面的工作,更要命的还不是那种IT宅男型的工程师工种。混娱乐圈的电影监制,要不要社交广?要不要玲珑八面?少不少接触美女?无数桥段已经证明他的社交能力并不低。他偏偏人到五十还背个书包到处走,穿个蓝色夹克与修空调的一模一样。电影首映式上的燕尾服和末了葬礼上的黑色西服帅不帅?这不是缺乏条件的问题,是个固执到不愿意改变的问题。
杰少自己的母亲回港探望的那段互动颇耐人寻味。母亲和桃姐同龄,坐在床上看圣经,却不断吩咐儿子别那么大声看电视,别那么大声翻报纸。杰少在客厅的沙发上独坐,明显神游在外,一言不发,乖乖遵从。可在桃姐 面前,他要吃牛舌,被桃姐好不客气地一嘴顶回来‘你还想再搭个桥?’(指明杰少有心脏病,饮食要节制)可转头却暗暗做好了,放在冰箱里,明显是宠着杰少的。关系的亲疏,不言而喻。
仆人,是个影子般的存在。若非桃姐中风,杰少恐怕永远无法发现这个他生命中最为亲近的女人对于自己的价值。明白后,他选择了去珍惜之后与她相处的时间。我可怜杰少,桃姐走后,他一个人默默回家的孤独。
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《桃姐》,未播先火,获奖无数。一个熟悉名字再度出现大家的眼中——叶德娴,时隔11年了,叶德娴好久没有出现在大屏幕中。下面读文网小编整理的电影桃姐影评,欢迎参阅。
《桃姐》,未播先火,获奖无数。一个熟悉名字再度出现大家的眼中——叶德娴,时隔11年了,叶德娴好久没有出现在大屏幕中。自1999年凭借《笨小孩》拿下金马奖后,又接拍了几部片子,2001后年几乎淡出娱乐圈。这次的复出,叶德娴接连夺下威尼斯影后,金马影后两个大奖,金像影后也是志在必得。
她出身于50年代的香港,以歌手的身份签约,却在电影的舞台上大展拳脚;她演绎过各种角色,几度封后,最后却无奈的淡出娱乐圈,她总是拍摄喜剧,被观众戏称“港味笑妈”,但是现实中她与丈夫离婚,亲子关系疏远,总是孤单一人。她就是叶德娴,一个有着沙哑的爵士音,有着癫狂又悲情的眼神的女人。
再次归来,叶德娴在《桃姐》中饰演一位忠实又固执的女佣人,忠心耿耿的伺候了这个家族的五代人,在年老的一次中风后,被送进了养老院。导演许鞍华说:“没有人觉得叶德娴在演戏,她就是那个人,很真实。”叶德娴自己也说,她不是去演一个老人,不是去演一部别人写好的剧本,而是在体验一位老人真实的内心。或许,桃姐晚年孤独的心态和叶德娴一样,63岁的她,孑然一身,子女常年在国外居住,很少与其来往。她曾自责的觉得自己不是个合格的母亲,因为年轻的时候拼命于工作,与两个孩子相处的时间很少,但又常常对他们要求严格。老了,和桃姐一样,会留着孩子小时候的玩具和衣物。这深藏的心酸恐怕只有叶德娴一个人演绎的出。叶德娴表演的是70多岁的老妇人买菜,上楼,生病的细节,各种滋味她也是尝试过的,曾经的她因坐骨神经出问题,主拐杖长达半年之久。整部影片中,没有激烈的戏剧冲突和煽情的对白,只是淡淡的情感流出,让人深思。
不同的是,影片中的桃姐一直是为别人而活,而叶德娴却坚持为自己而活,每次出席都是精致的妆容,得体优雅的衣着,说话字斟句酌。行内人都知道叶德娴很重细节,是个追求完美的人。剧本不好不拍,对导演对手要求颇高,有“叶皇后”的外号。尽管完美,内心的孤独还是无法抹去,不幸的婚姻给她带来的还是无法弥补的伤害。那个总在舞台唱着赤子落泪的女子,无人陪伴。
这次与华仔的合作并不是第一次,三十多年,他们十多次扮演母子,感情深厚。外界传言,生活中的她脾气乖戾,与世隔绝的叶德娴说,刘德华是唯一可以让她开怀大笑的。获奖当场,叶德娴将奖杯作为生日礼物送给了比儿子还“亲”的刘德华。华仔更是当场单膝跪地地感谢她。
有人问过叶德娴对进养老院的看法,她表示不想去养老院,也不需要子女的照顾,她选择安乐死。“因为生命是自己的,不是我生了他们,他们就帮我做主,我是个独立的人。或许,选择安乐死,叶德娴会觉得有尊严。
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大红灯笼高高挂,英文名是raise the red lantern,把大红灯笼挂起来!多么振奋的祈使句。毫无疑问,这又是巩利作为主角的女人的戏。下面是有《大红灯笼高高挂》影评,欢迎参阅。
大红灯笼高高挂,英文名是raise the red lantern,把大红灯笼挂起来!多么振奋的祈使句。毫无疑问,这又是巩利作为主角的女人的戏。
似水年华,却被迫嫁于豪门老主人,自然是作妾。传统中男人怎么总是要有三妻四妾。年芳十九,上过洋校,新太太自然得宠,上一任自然嫉妒。一个老到都像是百岁的正房,一个和蔼绵软的二房,一个犀利风华正茂的三房,一个刚刚入门的四房。OK,精彩后宫大戏开演。当然在颂莲过门之前,宫斗已然开演了很多年,就像“这是府里的规矩”。
不坐花轿,独自过门,不用下人拎箱子,一入自己的院,看见后面选衣的丫头,蹲下来说句话,却迎来冷冷的“四太太”,于是毅然摆开太太的谱,我还真就是太太。这个女人开场就不卑不亢,不输老手,让我期待着看封建体制下一个女人的抗争……
第一次被长相丑陋手法独特的二婶捶脚的她很不适应不喜欢,但“把脚理顺了,人就顺了”,因为老爷谁哪过夜,哪里就挂灯笼捶脚。开始你不在乎,可一次次的大红灯笼一声声的“点灯”,让你在得到与没得到之间感觉差异明显。于是第一条真理出来了。就是要大动作、大场面的强化妻妾们的这种意识,让你感觉到捶脚这种折磨的事情,反倒是你们非常渴望得到的,于是受虐意识培养起来了,你就是喜欢这个,并且争风吃醋每天就只算计这个。何况谁点灯还联系着第二天早上的点菜,一环扣一环,这都是府里传下来的规矩。
每个大院里都有个秘密小屋,陈家大院的角楼上的小屋就是府里人人忌讳的死人屋。“死了几个上辈子的女人”。她们是谁?肯定是命运悲剧被封建礼教被勾心斗角逼死的姨太太们,一个个一尺白绫悬挂于这个院里高高的小屋。反正人和鬼就差一口气。
自己的丫头也不是服贴的下人,居然是个有心思有梦想的丫头。老夫少妾,下人大院,这必然让我想到了雷雨。尤其是颂莲和少爷在楼上笛声飞扬,在走廊依依惜别,一左一右,华丽的对偶,我不禁感慨,又一个繁漪啊!又一段冲破樊篱可歌可泣的自由恋爱啊。
可是我错了,我一次次的错了。二太太不是和蔼绵软而是毒心蝎心,她并未放弃希望平静地享受太太生活却经验老道。雁儿没有成就她的太太梦却被颂莲这个倔强好强人本善良的主角弄死了。以后颂莲的生日就是雁儿的祭日啊。三太太的秘密居然是颂莲说出的,她为什么说出?因为她寂寞孤单,没有依靠,因为少爷不给她依靠。为什么少爷不给她依靠,因为他不能给她依靠。当她的笛子还没吹就被老爷烧了,没有资本前进的她,只能等着他向她走出99步,可是他也就只能向前走0.9步。生日时喝点酒算什么,喝醉了说出自己想说的算什么。可是一个女人被“按府里的规矩了”。
我想错了!大错特错!因为那个死人屋不是姨太太们了却红尘的密地,竟是执行府里规矩的地方,那是murder,啊,这个吃人的社会。是啊如果是一尺白绫或者是一根绳,那都是自己的选择,到最后你都自由了解放了。可是不是,不行,你没有权利。这电影太悲剧了,没有一点余地。这么说来雁儿倒突然有点幸运了,她最后还是死在自己的坚持,虽然她不得不坚持因为她的人生已经下不了台。
于是我做好了看悲剧受虐的准备却一次次超越了我受虐的预期。可是越是这样我越觉得这是部好电影。是因为我一次次悲哀走向更悲哀、受虐走向更受虐时更能产生共鸣么??
电影最后总算转好了点,因为最后她疯了,她自由地疯了,她被逼疯了而没有被逼变态地正常生活。她的红灯笼挂起来了,那一横二竖的红,怎么看怎么像一个女人的**,傲然占满整个屏幕。这个女人的抗争竟然又成功了!
于是我又错了,这不是悲剧,这是喜剧。
而我们呢?我们的日子还要继续。世界虐我千百遍,我待世界如初恋。
看过“《大红灯笼高高挂》影评”
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《 花样年华》,一个关于婚外情的故事。一段暧昧的感情,两个迷茫的灵魂,在不经意间走在了一起,又默默的离开。下面是有电影花样年华影评,欢迎参阅。
缘起
单身久了就不得不给自己找事做。没女朋友缠着得自己缠着自己,要么精神会失常最后变成打人毁物的独居动物。鲁滨逊在荒岛上给个椰子壳画上了个笑脸每天练习对话就是这个道理。在打完第七遍生化危机4的时候,按完最后一下存档,决定检查下邮箱,发现White Rabbit画廊组织电影小组见面,主题《花样年华》。这不是那部传遍大江南北被各届人士传为神话的艺术电影么,这是国粹啊!挺想了解那帮鬼佬怎么看这部片子的,于是便想着先做点调查。在网上看了遍粤语版之后就一发不可收拾把王家卫的所有作品全部看了一遍。结束了,倒烟灰缸刷盘子开窗户开灯泡茶,脑子昏昏沉沉的,仿佛自己是给猪做按摩和被打得满头是血的何志武,又或是独自在家安慰肥皂的警员633。看来看去还是喜欢《花样年华》,大概是因为我是巨蟹座的吧。同时又坠入王家卫所营造的世界一下子出不来。以下写点感想和分析欢迎吐槽。
技术
《花样年华》是一部和王家卫其他电影有点区别的作品,尽管每个人解读都不一样,但导演明显反复推敲捣碎揉捏重新讲述了这个很简单的故事,而不再经营他一贯的平行世界的说辞。剪辑是减法的艺术,这部电影的剪辑应该属于大刀阔斧加匕首乱捅的那种极简外加混乱重组手法。所以,这给我们出了一点难题需要动动脑之外还产生了些开放性解读的效果。例如,A和B两天干了同样的事,可以两个镜头带过,只不过换了A或B的服装,情节继续,却是两天的事,不细看绝对就忽视掉了。又或,A在第一天说想做一件事,下个镜头就变成A做完了这件事,可能是在第N天后发生的。《花》的画面里出现的所有细节都不只是体现那个时代的感觉而大多是有所图的,挂钟上面的时间,带唇印的烟蒂;拖鞋和变换无数的旗袍都有所指有所意。音乐是主观的东西,不说了。只是,就千万不要迷失在那种让人忘我的曲调中,因为它太美。最喜欢的镜头全在慢动作里面,开片的一组镜头用的神了。陈太太走进打麻将的屋子坐在自家先生后面的同时周先生出来换太太进桌。我才明白,和着,这是一个讲述换妻的电影,但是我错了。而后的每次慢动作我都留意着看,看着张曼玉如何小鹿乱撞的看着梁朝伟,看着她如何唱着歌给梁朝伟,而他拍手应着。很难相信,这么好的女人就这么让他伤了。这个世界上也只有梁朝伟能伤,我想不到还有谁能。
花样 年华
要说张曼玉是花瓶估计大部分人都要最轻的用板砖拍我吧。不过考虑到被忽视的梁朝伟的戏份在这部电影中的暗度陈仓,张曼玉那绚丽的服装起码先视为一个华丽的烟雾弹。当我第一次看的时候被那变幻莫测的旗袍给弄混了头脑,我忘了,这个叫周慕云的男人的表现并不合理。所以,先说说苏丽珍。当然,我不知道你们怎么想,这样一位优雅的可爱的近乎天真的女人是应该被男人所珍视的。第一次看《花》的时候我大概十四岁,剧情几乎都忘了只记得苏丽珍趴在周慕云身上哭的那个难过。依照莎士比亚的名言:女人是天生要用来被爱的。我补一句,所以伤心难过必须是难免的。尤其是在那个年代。而这部电影所表现的也是那个时代的悲哀。
再说说梁朝伟,毕竟周慕云应该是重头。可是王家卫非要给他捂的严严实实,只给梁朝伟轻轻的露出一小丝表情算是线索。这不得不从一个问题开始,周慕云到底要什么?要与苏丽珍一时玩乐?要这个女人续弦?还是只想有个伴?很遗憾,都不是的。他要报复。Maslow对人的需求划分为五种境界:生理;安全;情感归属;尊重;自我实现。这五层中我在最上方两层抽取两项条目:自信与接受现实。
故事是这样的,周先生最近不太高兴,发现妻子与隔壁陈先生有染,他一定快被这种背叛感吞噬得快窒息了。他颜面尽失,尽管没有几个人知道。他是个理性的人又是个生活缺乏点激情的人,可并不能说他是个无趣的人,和苏丽珍演戏揣测自己妻子和对方丈夫如何勾搭的就说明这点。他只是没遇到对的人,周慕云是个已婚文艺青年,闲暇时间愿意看点武侠写点小说,太太是个在酒店工作的接待,总有出差的机会,八成左右逢源,和谁都热乎。也就是这样的性格和职业特点让她有机会接触更多的男人。周先生是说不出来的苦,说出来丢人,只能憋在心里消化,直到他发现陈太太也知道了。他需要证明,需要让自己证明给自己他是个男人,能接受这个事实,只是他先要找回自信,尤其是那个年代,男人带了绿帽子等于正面打脸还不能躲。唯一算上朋友的朋友又在问他借借钱的也带了句看见了他的妻与别的男人走在一起,更加重了他的报复心理。于是,周慕云抽了颗烟,想了个辙。最好的方法就是让他的妻爱上他而他甩一甩头带风的走开。
开始的苏丽珍帮老板对付老婆给他制造借口和二房约会,她不喜欢这个老板就像周慕云不喜欢他的那个朋友一样,他们都不允许自己堕落到那个级别。可是这个世界不知怎么了,苏的老板包着二房,周的朋友赌博输了精光却拿嫖妓当娱乐节目。连后面周住的房间旁一溜大红的窗帘都像让她这颗红杏早日出墙,连房间内的装饰都好似告诉住客这间房乃一标准高级炮房。可是,但可是,虽然邻居看不到她穿梭在这种场所,她却被自己的所谓贞节牌坊给牵得死死的。她不允许自己出轨却享受着和周先生尴尬的独处,和他演戏和他写作和他吃饭。她得知周生病了得知他想吃芝麻糊就去做芝麻糊,一个电话就让她在出租车里忐忑的咬着手指,去赴周的约。
中了周的下怀,他的消失果然有效,她确实打来找她。为什么是中了下怀呢?这个地方比较巧,一连串的剪辑带出了苏丽珍焦急的赶到周下榻的旅馆,画面一下定在周对着镜子抽烟。发黄的灯光,周看着自己听到外面一串脚步声。注意梁朝伟的表情,轻轻的低下头,在把烟凑到嘴上的时候露出一丝微笑,很轻很轻的微笑。这不是等待爱人的微笑,这绝对是猎物上钩前的喜悦。他们开始在旅馆里的写作生活。镜头摇移,带出苏的笑脸,那是女人恋爱的时候的表情。又带出周对苏的观察。爱情的目光是需要回应的,而胶片中没有男人目光交接的回应正是告诉大家这个男人不爱或者说还没爱到放弃自尊的程度。好事多磨,邻居的告诫又让苏丽珍警惕起来,自己绝对不可成为邻居的谈资。遂决定还是留下来看大妈们打麻将,但是自己又不会不玩。就连老板给苏的一个周打过电话的通知之后都斜眼瞟去,那心思再简单不过了,这女的肯定有猫腻。
周先生又抽了颗烟,决定放出绝招。话说两个人都是好演员,戏里戏外都是。苏入戏极深,在旅馆里演对手戏演着演着竟演成真的哭了起来。男的更加是好演员,能在船票后的表白留住眼泪含在眼眶中,惹得太太乱了阵脚。他知道,只有这一推才能让她放弃最后的底线。再加上雨后的道别让苏彻底伤心了起来,趴在周的肩膀抽泣。周的表情极其不自然。要我说,那是混合着压抑着的爱恋与成功后的愧疚的复杂情感,他高兴不起来,虽然他赢得了她的芳心,理性告诉他,他不能爱上她因为他做这些的前提是为了一个不可告人的秘密。
陈先生从日本回来了,给独守空房的妻点播歌曲,两人静静地听着不知如何是好。镜头带入电话机以及铃声和打字声,电话没拿起,时钟指在十一点。画外音,周:如果我多一张船票,你会不会和我一起走?开放性的情景:1.这是周打电话过去真心希望苏和他走,她沉默拒绝;2.这是周内心独白而已,没有这通电话,一切都按部就班的发展,苏该上班上班,没发生任何与周的联系;我赌2。因为下一场是苏焦急的下楼,再下一场景是苏的难过戏,画外音:如果我有多一张船票,你会不会带我一起走?这是苏想问周的。
新加坡的第一场就直奔主题,这个破碎的蒙太奇重新连起来是这样的一段戏:苏来到周在新加坡住的旅馆抽了一支烟,打量着他的生活,拿走了她原来的绣花拖鞋,那是她一点惩罚也好或者又是最后的一点安慰,因为毕竟说明他心里还是有她的。用他的电话给他工作的地方打了电话,只听周喂了两声,沉默无语,放下电话。她看上去无比的忧伤可又那么的好看。吃晚饭时,周开始谈起如何倾诉秘密,因为他憋着秘密太沉重太愧疚。回到家第二天早上发现信物没有了,问房童,房童反问,无语。回到屋子,拿起带唇印的烟蒂,明白她来过。
63年和66年她去找过他,他也去找过她,两次擦身而过。前者是找到了却不让对方遇见自己,后者是找不到而只留一世遗憾。看着隔壁的房门。66年,在回到原来的住所的苏驻留在窗前暗自神伤又不能被人发现,马上隐藏伤痛。
那一年的两组镜头,带出最终的两个结果:苏和周的儿子,庸生。(看到这个名字我顿时石化。)
周在柬埔寨的忏悔。一个演员的忏悔。
那个时代已经过去。
属于那个时代的一切都不存在了。
那些消失了的岁月,
仿佛隔着一块
积着灰尘的玻璃,
看得到,抓不着。
他一直在怀念着过去的一切。
如果他能冲破
那块积着灰尘的玻璃,
他会走回早已消逝的岁月。
他和她都知道,他们都回不去了。
所以,周慕云亲手营造了一场戏毁了这个本应该让他爱的至深的女人。
看过“电影花样年华影评”
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《倾城之恋》由许鞍华执导,周润发饰演风流倜傥的范柳原,漂亮的选择。可惜的是,流苏却让缪赛人演绎地有些不伦不类。下面是有倾城之恋影评,欢迎参阅。
这个学期要看的几部电影里面,只有这一部《倾城之恋》是看过原著的,但是就是因为看过原著,于是整部电影看起来就总是觉得这个地方差一点,那个地方也差一点。下了课以后和同学说起电影里的情节的时候,同学瓮声瓮气地说,这部电影也太不给力了。
于我来说,比起男主角是周润发来说更吃一惊的是导演是许鞍华,之前女人四十、我要成名和姨妈的后现代生活都断断续续地看过,不算太久以前的天水围的日与夜声名鹊起的时候又是看到她的专访一本杂志一本杂志地上,所以连着张爱玲的名字在一起难免期望过分地大了一点。片头的游园惊梦确实吃惊,就以为接下来是有大幅改动的手笔,心里抓紧了要仔细看下去的念头,却在白公馆有些挤的小房间里铺开一屋子的逼仄里慢慢放松下来。缪骞人一身银线镶花的月牙白旗袍扮作白流苏坐在屋子的一角,背脊僵硬,捏了根针不紧不慢地钉手上一双绣鞋,三爷油光满面地喊起来:“老四你猜怎么着……”。想起来看到这里的时候自己脸上一定是掩饰不住的失落,一是因为这个白公馆不是自己想象中的白公馆,“白家是大户人家,虽说已经破落,但规矩还是很多的,其中的一条规矩就是一般情况下到了晚上不出外访客,也没有什么客人来访”,总觉得白公馆应该更大一点、更亮一点、更潦草一点;而白流苏也不是自己想象里的白流苏,张爱玲描述的白流苏是这样的:“她那一类的娇小的身躯是最不显老的一种,永远是纤瘦的腰,孩子似的萌芽的乳。她的脸,从前是白得像磁,现在由磁变为玉──半透明的轻青的玉。上颔起初是圆的,近年来渐渐的尖了,越显得那小小的脸,小得可爱。脸庞原是相当的窄,可是眉心很宽。一双娇滴滴,滴滴娇的清水眼”,想象里的白流苏会更凛冽一些、更娇媚一些、更美一些。
而后基本上是一边看一边想起来从前看过的小说文本来,竟是分文不差——这真的是要命的地方,本来,如果电影改得面目全非,一旦看精彩了,心里也还要叹一口气,怎么就改得我都看不出是张爱玲的手笔了;而要是按了《倾城》的下笔像古天乐李若彤的《神雕侠侣》那样照瓢画葫地复刻了一遍,纵使是心里看踏实了,嘴上也饶不了它,更何况本来就是个影像簿坯子的《倾城之恋》,若是如此,不知道要落多少人的口舌。
偏偏也就是有这么多不满意的地方。电影基本上把书里所有的有些名气的句子都用上了,哪怕是旁白似的警句,也要搬出来指派一个人来说出来——这也自然有它的好处,但是于我来说,还是感觉一块硬壳卡在中间,没有揉平,于是整部电影看的时候颇有种心惊肉跳的感觉,生怕又从谁的嘴里溜出来一句话。事后想想也觉得自己可笑。
读小说的时候心里也曾给自己放过小电影,中间被放大的是流苏和柳原第一次的见面,他和她在舞厅里跳了一支舞,又跳了一支舞。电影这部分却像小说里那样被四太太两言三语地带过去了,看的时候心里有说不出的失落,本来觉得流苏已经在选角方面输了一层,却还当当地把这个让角色立起来的机会放掉了,虽然不能算大错,但心里还是希望这一幕哪怕是占些时间也好。流苏是精明的,上海的小女人,骨子里应该还透着一股压抑的风骚和无依傍的单薄,只在少数时候放下端了几十年地架子像个卸了装的戏子。柳原也应该是被她身上的这种不自知的美吸引,他是留洋回来的,看到流苏的时候也像是洋人看京戏那样,不知所以然地爱上了,却是用洋人的眼光和方式。缪骞人也有她自己漂亮的地方,肢体笑靥却是硬的,没有流苏这个名字里娇媚的感觉。
但是觉得周润发就是范柳原。找资料的时候知道,原来周润发认为自己对这个角色的处理是失败的,演绎方法也是错误的。周润发认为自己是个不喜欢读书的人,不适合扮演知识分子角色,因为很多东西不是即时学来的。但是于我看来范柳原却难有第二人之想,柳原的风流倜傥、圆滑世故,待流苏的若即若离——想起来似乎也只有他能够轻而易举地让人信服。
这点说起来也可笑,当初看张的小说的时候,心里一直惦念着什么时候看看电影的版本——再不济,电视剧的版本也是要瞧上一眼的。但是到了电影一出来,心里又百般挑剔,恨不得自己替导演编了剧本去。其实平心而论,这部电影在看的时候也没有特别难受的地方,有些刻板,但好歹舒舒服服的一路看下来了。电影里流苏在送走柳原以后一个人站在房子里,扶着肩,墙底的一片粉绿色像八教二楼的走廊。流苏用手指弹了一下墙壁,继而伸出整个手掌摁上去,然后半痴半醉地摁亮了灯,撑了身子往楼上晃荡过去,最后劈头倒在床上。门未关,脚步声由远及近慢腾腾地沿了梯子把灯关上。
许鞍华回忆在筹拍《倾城之恋》的时候,说是为了跟张爱玲谈版权,她联系到张爱玲在香港的挚友宋祺。拍片前,宋祺还请过许鞍华和周润发到他家吃春卷,跟他们讲那个时候男人应该怎么坐、怎么站。宋祺建议周润发演得轻一点,不要太情深款款。许鞍华还向宋祺问过拍片的建议,她后来说,“我很后悔没有听他的。他说《倾城之恋》,应该像是一个男女斗争斗智的喜剧,像一个四十年代的喜剧。”
从前老师说过,她不喜欢张爱玲的原因是她明明是历经了那个混乱动荡的年代的,但是从她的文章里一点都看不出那个年代的特征,这次的《倾城》也是这样,电影最后结尾的时候时局动荡的烽火还是像蜻蜓点水一般一笔带过。
结尾的字幕的确有点多余,但是没了这个字幕,就更不知道要怎么收尾了。
看过“倾城之恋影评”
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《七宗罪》这部电影塑了与以往电影中截然不同的一类杀手。《下面是有电影七宗罪影评,欢迎参阅。
这个世界很美好,值得我们为之奋斗。大卫芬奇让摩根弗里曼告诉观众,他只相信后半句。
我曾经很迷恋塔科夫斯基的电影,诗人一般的叙述,但是后来我对他的热情逐渐冷淡。我逐渐形成一种偏见,那就是一部电影只有具有了深刻的主题,才能够被称为杰出的电影。有许多电影,具有高超的技巧、完美的剧情,但是因为主题不够深刻,只能被称为优秀的电影。比如《泰坦尼克号》,比如《星球大战》,甚至包括《教父》三部曲、《辛德勒的名单》。
我现在非常反感将戈达尔之类的人物划归为大师的荒谬讲法,戈达尔之流仅仅是一些电影工匠,他们懂得怎样把镜头晃得更加后现代主义,却根本不懂后现代主义。真正的电影大师,首先是一个具有丰厚人文底蕴的人,他的作品必定表现出对人类的关注,无论是以个人的形式抑或是以整体为单位。基耶洛夫斯基《两生花》关注人在这个世界上的个体命运(孤独?不孤独?),其电影来源于存在主义的启发。大卫芬奇这一部《七宗罪》关注的则是整个人类,关注人类是否已经被上帝编织了未来——因无法摆脱“七宗罪”而罪恶地牺牲。它使我们再一次询问自己上帝是否存在,询问自己所在的这个世界终究是善良的还是邪恶的,询问自己所在这个世界会像尼采说的那样越来越好(因为人的强力意志可以控制宇宙的轨迹而人类当然希望这个世界越来越好)还是像叔本华认为的那样渺小的人类无法阻止世界走向毁灭的命运。
每次看这部电影的时候,我都强烈地感到电影末尾那段在汽车里的对话(凯文斯潘塞与布拉德皮特)所具有深刻的宗教含义。凯文斯潘塞此时扮演的正是上帝——全知全能、平静温和,布拉德皮特扮演的正是人类——愚昧无知、暴躁易怒。布拉德皮特对“被他逮捕归案的罪犯”不停地挖苦讽刺,但是都被凯文斯潘塞睿智而富含寓意的话语回击得无言以对而愈益激动:
凯文:我绝非异于常人,然而,我所作所为很特别。我的作品。
布拉德:你的作品?约翰(凯文饰演的罪犯的名字)。
凯文:是的。
布拉德:但我不觉得它有何特别。
凯文:你错了。
布拉德:我没错。可笑的是…过两个月后,没人会在乎你的作品。没人记得你。
凯文:你还没见到全貌。当我做完了,当它大功告成时,它将成为……人们将很难完全了解,却又无法否认的事件。
布拉德:这变态怪物故弄玄虚。
凯文:只要是伟大的计划,我等不及让你看见。它真的很不平凡,我会站在你身旁。
布拉德:等它发生时,千万要告诉我,我不想错过。
凯文:放心,你绝对不会错过的。什么都不会遗漏的。
……
凯文:我没得选择,我是被选中的。
……
布拉德:我认为你只是滥杀无辜。
凯文:无辜?你在开玩笑?一个死胖子,肥得站不起来,你若在街上看到,会跟朋友一起嘲笑他,你若正在吃饭,他会令你无法下咽。你们该感谢我挑中的律师,他一辈子都在赚昧着良心的钱,而且满嘴谎话连篇地……帮强奸和杀人犯逍遥法外。
布拉德:杀人犯?那美女……杀人犯?像你?
凯文:那美女……她内心太丑陋。她怕外在不美就活不下去。一个搞鸡奸的毒贩,别忘了还有带病的妓女。只有在这堕落的世界,才能无愧地说他们是无辜的。这正是我的信念。
……
凯文:别要求我可怜那些人,我不哀悼他们,也不哀悼索多玛那种邪城。
布拉德:你是说你做的是上帝的善事?
凯文:上帝的做法是奥秘的。
当人们评论《七宗罪》的时候,重心都在精妙回环、前后呼应的结构和天衣无缝、意味深长的结局上,而忽略了最终精彩结局之前的对话。在我看来,这段对话才是电影中的精华所在——承载着电影最深刻的主题。
我们细细去品味凯文说话时的平静表情,儒雅沉静的外表、略微蠕动的嘴唇,反观布拉德血气方刚的外表、夸张肆意的表情,使观众很难对“正义”的布拉德予以赞美,对“邪恶”的凯文予以斥责。凯文的表现使观众觉得并非是作为警察身份的布拉德在审判凯文,而是作为罪犯身份的凯文在审判布拉德。表面上凯文被戴上手铐,被铁栏与前排隔离开,被摩根和布拉德押解前往目的地,但实际上只有他才知道目的地在哪里,知道为什么要去那里,所以真正的押解者是凯文,被押解的是摩根和布拉德,就像上帝摆渡人类前往赎罪的彼岸。凯文押解着布拉德,到目的地去完成七宗罪的最后两项——嫉妒和愤怒。凯文如耶稣一般殉道,陪葬者还有布拉德。对,最后布拉德没有死,他枪杀了凯文,但是他心已死,因为之前还狂妄的他被凯文彻底地打败,他用自己的行动证明了凯文信念的正确性。所谓哀莫大于心死,而人死亦次之。
再仔细体味凯文所说的“它将成为……人们将很难完全了解,却又无法否认的事件”这句话,更能深刻体会躁狂的布拉德在开枪打死凯文以后那形似枯槁的表情——双目空洞、嘴微翕张地遥望着某处。瞬间落差极大的表现深深震撼了观众的心,一方面是布拉德精湛的表演,另一方面是每个人其实都会有类似的心灵体验,只是当时并不是每个人都能明白。你所追求的信念被自己的行动所粉碎的同时证明了你一直抵触的信念,人生意义就在此刻丧失掉了。这就是“无法了解”和“无法否认”的含义所在。所以说因七宗罪而被审判的七个人里,最惨的其实是活下来的布拉德。
凯文在电影里还说了一句话:想要人听你说话,拍拍他的肩膀是不够的,必须让他震撼一下,这样人家才会仔细听你。凯文的目的是彻底地达到了,他不仅震撼了电影里的每一个在场者,更加震撼了电影外的每一个在世者。
随着经院哲学的没落以及科学技术的兴盛,宗教已经越发地可有可无,像但丁的作品《神曲》以前是被作为天主教的典籍来研究,而现在仅仅是一部语言优美的文学著作罢了。包括里面提到的七宗罪——饕餮、贪婪、懒惰、淫欲、傲慢、嫉妒和愤怒,也越来越被人所忽视。但是,这部电影告诉我们,有些东西纵然我们一时无法看到、无法了解却依然存在,七宗罪时时刻刻萦绕着人类的心灵,指引人的心灵渡向地狱,走向毁灭。布拉德枪杀凯文那种无奈、绝望的表情正是对七宗罪的最好诠释,因为即使被摩根告知凯文的目的就是要以他的枪杀作为伟大作品的句号,布拉德仍然无法克制自己。而人类就像布拉德无法摆脱“愤怒”一样无法摆脱七宗罪。
这样的一个世界无疑是一个悲观的世界。我们的自由意志成为笑谈,我们的心灵不过是在局限的范围内“自由”地跳舞,我们自己所能决定的只能是以什么方式走向毁灭,而无法改变走向毁灭的命运。科学技术的发展曾经使盲目的乐观情绪充斥着每个人的内心,仿佛人类能够以自身之力使向日葵在冬日盛开、使羊头长在马的躯干上,人类就成了宇宙的主宰,人类就成了上帝,决定万事万物该以怎么样的方式运行。但是人类没看清一个东西,那就是人类的力量所能改变的仅仅是形而下的东西,对于自身,人类永远无法了解透彻。或许,上帝并非以控制万事万物来控制人类,而是通过控制人类的心灵。人的世界的控制力越强,上帝对世界的控制力就越强,上帝的力量就越能显现于尘世之中。
值得一提的是,我在此并非要宣扬传统的上帝概念,而我相信《七宗罪》也不是一部宣扬传统经院哲学的电影,托马斯·阿奎那仅仅是过时的哲学家。克尔恺郭尔向现代的西方人提供了一种非传统意义的上帝。阿奎那的上帝是一个理性的上帝,克尔恺郭尔的上帝是非理性的上帝。克尔恺郭尔认为上帝是一种个人意识,强调个人信仰的主观作用,上帝的真实性取决于我们追求它的热情与专一。在以前,我们需要宗教来接近上帝,而现在,我们不再需要宗教作为中介,我们只要坦诚地面对自己,就能感受到心中的上帝。凯文斯潘塞正是这样一个现代意义上的天主教徒。
海明威错估了这个世界的前途,大卫芬奇依然以乐观的态度面对这个混帐的世界。上帝说:“只有在这堕落的世界,才能无愧地说他们是无辜的。”假如我们每个人不过是宇宙毁灭的过程中那小小的一步与另一步,人生的意义是不是在瞬间就丧失了呢?不,上帝给我们自欺欺人的能力,就是要我们快乐幸福地活下去。
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相较以往的韩国古装片,《霜花店》不得不说是柳河的野心之作,从题材选择,风格定位,演员因素,演技把握,幕后巨细,组成了这部高质量的影片。下面是有霜花店影评,欢迎参阅。
洪林内心的答案真如最后兵戈相见时那般决绝吗?因公事前往碧澜渡的洪林,意外殿下连短暂的分离都会思念他而专程乔装而来。那夜,紧紧偎依在熟睡的殿下身边的洪林,怎会是那说出从没爱过他的人呢?
朱镇模与赵仁成,各自于屏幕之上演绎硬汉形象的人,却在霜花店里如此温柔痴缠地相遇了。以过人的演技,成就了一场痴迷,一段饮恨。臣对君不能示爱,即便二人心意相投,即便同枕或合奏,于是君对臣的爱错觉成不能违抗必须顺从的命。洪林与中殿合房后,开启了身心未知的本能,然而是欲是爱,判断不清之际,殿下以强硬激进的方式,击退了洪林优柔与辗转的情感,彻底站成了对立面。
当恨,蒙蔽了爱。观众的心也想探究,仅仅我们眼见肌肤相亲,同床而眠,温柔相伺是爱,还是对中殿压抑的爱欲与渴求是爱。当恨,挥剑砍向曾经温存过的寝室与床塌,砍向始终眼里心中满是自己的“敌人”,爱又何复。
殿下问的最多,就是洪总管去了哪里,洪总管何时回来。洪林至少最后那刻明白了殿下想见他的心,咽气前望向殿下的眼神复杂到无法揣度。那一柄断剑,不是此生了结。
此片将爱欲与人物内心起伏描写得细腻而浓重,男色的鲜亮更逼退了片中女性的光芒。宋智孝尽管高度出位,仍被两位仅用眼神就完成了所有演技的男主角比了下去。
韩国电影,生鲜活色,甚至演技派男演员也一再出位,尺度放到令人咋舌,尽管有担心这犹如障眼法,然而事实证明优秀的影片与演技不会因此隐没或被忽视,前者有《丑闻》为例,今有《霜花店》。
柳河在韩国虽不是高产,却是文学气息非常浓厚的一位导演。他的作品构思严谨,缜密,有着鲜明而清晰的情感脉络,浑厚,令人信服。
相较以往的韩国古装片,《霜花店》不得不说是柳河的野心之作,从题材选择,风格定位,演员因素,演技把握,幕后巨细,组成了这部高质量的影片。
没想此片引发了大讨论和争议,较真的观众似乎忘了这只是场艺术创作,为了剧中人物内心所向争执不休。那些疑问,大概赵仁成与朱镇模心里也不会有答案,惟有柳导行善,为众人逐一解答,化解这场纷争了。
大家都好奇洪林对王的感情,也有自己的评判与思量,如果影片令你愿意去揣摩,只证明它的成功,剩下的,即便无解又何妨呢。
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如果将这部《毒战》放置在杜琪峰整个电影创作生涯中来看,它绝对算不上是最优秀的代表作,只是保持了杜琪峰警匪片创作的基本水准。下面是有毒战影评,欢迎参阅。
我很纳闷杜琪峰的《毒战》为什么获得了极佳的评价。如果一直是银河映像的fans,估计看完这部电影,会深深的感叹:为了通过内地电影审查制度能够在国内上映,这部电影真的牺牲太多了。假如高评价是影片本身,估计觉得隔着靴子挠痒---不尽兴。
影片一开始的快节奏交代人物情节,处于模棱两可的古天乐扮演的毒贩,一直都压抑着自己的内心,而把孙红雷扮演的缉毒警察抬得太高了。通过一系列与毒贩的斗智斗勇,充分显现了缉毒警察的“高威猛”。虽然条件艰辛但是坚韧不拔。看得我以为是内地哪一部警察连续剧的剧情啊!吐血呢。随着“连续剧”的进行,缉毒警察的形象逐渐完成,然后慢慢完毕。这个时候影像一转,强烈的杜式风格满满的占据屏幕。当熟悉的银河映像班底的出现,我才恍然大悟,对啦,我看的就是他们:林雪,卢海鹏,林家栋,叶璇,张兆辉,姜皓文,吴廷烨,这个豪华配角班底的出现,正是表示一场杜式电影的登场,如果不是为了内地审查制度,这结局的半个小时估计是最出彩的演出了。
沉闷的警察教育片画风一转,在一个学校门口进行了最后的敌我双方较量。当古天乐扮演的毒贩告知同伴,其实周围都是警察的一刻,就表示从头一直压抑自己的毒贩,要开始反击了。“站式射击”是具有独特杜式风格的警匪对战画面,高空镜头囊括了所有人物,一系列快节奏的人物切换画面,远景近景的变化,每一个枪声都发挥到最佳的听觉和视觉效果。而古天乐扮演的毒贩在这个影片当中,把“无情”扩展到无尽的高度,当所有的人物都徐徐落幕,他却顽强的以退为进的成为了最终赢家。只是考虑到内地电影审查制度,最后结局当然是“高威猛”的警察获胜,正义是高于一切的。惨不忍睹的情节转换,变得不伦不类。这就是一种无奈的妥协。(古天乐在采访中透露影片还有另一版的结局——蔡添明在枪战中成功幸存,并在八年后与警察的碰面中再次逃出)。
影片的成功之处,在于为了国内强大的票房市场和香港本土电影的相结合。杜琪峰进行了完美的相交接。所以,上半场和下半场的不同影像,正是妥协内地和最大的还原自我风格的尝试。要知道,拍摄内地的枪战和描述警察的电影,那是多需要勇气和不能犯禁的话题啊。如果说,《毒战》的成功,就是一种新的风格的形成,虽然不是成功之作,也是吃螃蟹的第一人了。
由于不尽兴,所以,需要好好温故一下银河映像的香港本土电影才行。
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《天台爱情》是爱情题材的歌舞片。“歌舞片是奥斯卡的新宠。”2013年英国导演汤姆·霍伯执导的歌舞电影《悲惨世界》获得了奥斯卡最佳影片提名,而音乐是周杰伦擅长的领域,他随即拍板,四个剧本中,先拍《天台爱情》。下面是有天台爱情影评,欢迎参阅。
总体而言,周董想玩的东西太多,以致有佳句而非佳章,即好创意很多,故事却半调子。
1.歌舞未尽。在宣传之初,周董就给《天台爱情》打起了歌舞片招牌。就影片而言,确实很多场歌舞的场面调度与节奏把控都很不错,尤其天台那几场群像式的表演,很美好,很乌托邦。但歌舞元素在后半场渐趋式微,或者是有歌无舞,有点力不从心之感。
2.色彩变奏。开场色彩很炫,用色大胆,融合人物布景,呈现一种花样折纸的立体效果。同时,时代感设定也不突兀,新潮搭配复古,仿佛昔日看千里之外mv的感觉。回想周董当初选费玉清唱副歌,显然也是出于这种混搭效果。但影片后半场,色彩开始变奏,悲剧冷色悄然涌现,甚至电影院高潮戏,也全然放弃了青春的暖色。尽管这样的色彩转变是为了贴合剧情,但整体上还是显得完成度欠佳。一部电影,类型可以混搭,但气息不能分裂,有些该贯穿始终的东西,还是应该贯穿始终,比如色彩。但目前来看,《天台爱情》很像是两部电影的嫁接品。当然,这种玩法也有导演能玩得很好,但冲着周杰伦这股蛮劲,是没法彻底玩开的。
3.女主心艾。依然是周董惯有的长发卡哇伊口味,说话嗲嗲的,很傻很天真,估计是为了符合影片的漫画式设定,还原女主在男主畅想中的单纯吧。但我觉得这个设定的夸张程度还不够,若能呈现出提线木偶与自由人之间的来回转变,那就更有张力了。而且作为女主角,她甚至没有一段完整的歌舞时间,确实说不过去。回想《芝加哥》中的提线木偶那一唱段,虽略显过火冗长,但着实很点题,可以借鉴。
4.影院高潮。这场高潮戏加上之后的飙车戏,估计是最受争议的类型混搭了。但我个人还挺喜欢影院那场戏的,虽然这种虚实交叠的惊悚悬疑效果早有大师玩过,如伍迪·艾伦、希区柯克、巴斯特·基顿等。但周董将此经典玩法搬上国内银幕,还是挺大胆的。回想多年前的《不能说的秘密》,他也同样玩了一次“第六感”式的经典结构,尽管都玩得不够好,却也都挺有意思。至于最后那场飙车戏,就纯粹是周董的个人喜好了吧,《头文字D》乱入。
5.天台影戏。有人说这是全片最浪漫的一场戏,应该也是周董在拍戏过程中的一个好创意。将影子幕布戏码融合浪漫歌舞,这样的瞬间足够美好。可见,光与影最本真最原始的魅力才是最美的。如果说,天台是一个乌托邦世外桃源,那么这场戏就是最好的点睛,因为在这里,爱情的衍生品不是一场虚张声势的首映,而仅仅需要一块幕布一束光。
6.最后不得不吐槽的是结尾,这种结尾剧不剧透都无所谓了,老周董回眸一笑的雷人就不说了,只是这结尾也太不认真了吧,总觉得是被某局仓促删改了。私下觉得周董最初的想法应该会更好些。
7.关于剧情脑残的说法我不同意,周杰伦本身就是想讲一个简单的故事,妮可·基德曼主演的《红磨坊》不也很简单嘛,故事也有点类似,无需太多苛责。但与此同时,我们也该认真反思一下最终成品的优劣。从这点而言,《天台爱情》的完成度与优秀度还远远不够。国内这一大批跨界创作的新晋明星导演,且不说粉丝效应如何席卷票房,这至少不是我所真正关心的;仅从作品本身而言,确实都显得虎头蛇尾,作品完成度不够,都是半调子,尤其是影片后半段,都给人一种力不从心的疲态,包括《致青春》、《小时代》,以及这部《天台爱情》,都没有那么差,却也没有那么好。我常常听到很多人说,够好了,够好了,不错嘛,值得肯定了。但是,真的真的还不够好啊,总是还差那么几口气嘛。
8.关于《天台爱情》与7-11连锁便利店的合作,我倒是觉得无可厚非,毕竟影片的日漫风格也挺贴合的,选在7月11日这天上映也恰如其时。我只是不太明白,周董为嘛要把他在影片中的主角名“浪子膏”打在便利店内部的海报上。试想,哪天总会有人跑进7-11喊一句:老板,给我来份浪子膏!
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《复仇者联盟》大概是打架片中涵盖的武器种类最多、最复杂也最奇特的电影了。下面是有复仇者联盟影评,欢迎参阅。
漫威漫画公司(Marvel Comics)旧译为“惊奇漫画”,是美国与DC漫画公司(DC Comics)齐名的漫画巨头。它创建于1939年,于1961年正式定名为Marvel,旗下拥有蜘蛛侠、钢铁侠、美国队长、黑寡妇、雷神托尔、绿巨人、金刚狼、超胆侠、恶灵骑士、蚁人等8000多名漫画角色和复仇者联盟、神奇四侠、X战警、银河护卫队等超级英雄团队。2008年底,华特迪士尼公司以42.4亿美元收购Marvel Entertainment Inc.,获得了绝大部分漫画角色的所有权。2010年9月,Marvel宣布其正式中文名称为“漫威”。(摘自百度百科)
借用《复联2》中钢铁侠的一句话,好像有人在下一盘好大的棋。历数看过的超级英雄,不管是蜘蛛侠、绿巨人还是钢铁侠、蚁人,都是为了漫威的复仇者联盟打下一个坚实的基础。毕竟漫画的观众还是有限,但是一旦搬到了银幕上,那么受众会更多,大家对于各路超级英雄会更加熟悉。看着自己喜爱的超级英雄,加入一个联盟,拯救世界、拯救地球,这不是观众们最喜爱的场景和设想吗!曾几何时,我以为X战警才是最强大的,他们更贴近现实,更加接近常人,而复联只是呯呯梆梆的战斗场景。“没有调查就没有发言权”,这句话适用于任何场景。从钢铁侠到雷神到复联2,再到复联1,一路走来,我才发现,在这绚丽超级英雄阵容的外表下,深藏着一颗真诚的心,一个正直的信念。从旁观到喜爱到入迷,看似肤浅的电影也会有深藏的意义。
复联1里面,各路英雄大显身手。每一个团队的建立都会经历阵痛。越是强大的人,越容易以自我为中心,在团队里很难放下身段与他人合作。而同样,强大的人,也会产生惺惺相惜的感觉,怎么才能让这么一群超级英雄,放下自己的骄傲,携手共同打败敌人呢?内讧、互相不信任、各自为政,虽然大家都是同一个目的,但是并没有磨合成一个整体。而phil的意外身亡,引发了美国队长和钢铁侠内心的愧疚和正义感,他们放下罅隙,握手言和。而雷神、绿巨人、鹰眼、黑寡妇也共同携起手来,面对如潮水般涌来的外星侵略者,大杀四方。
复联1的最大意义并不是他们战胜了敌人,最大的意义是这个联盟正式成立了。成员之间形成了一种真正的友谊和情感。纵使大家相隔四方,也会在某一天,为了一个共同的目标,而共聚一堂。世界有了复联的庇护,会更加安全和和平。
从一部漫画作品里,看出如此深意,恐怕会遭人耻笑,不过whatever,我已经是个粉丝了,爱就是爱了,不介意异样眼光。
片中笑料不多,但是都是货真价实。让人想起来,也会莞尔一笑。
笑点一:大部分笑料都是钢铁侠贡献的。他玩世不恭,凡事都会有出人意料的言语,却往往能取得好的效果。初见绿巨人的时候,一般人都会小心翼翼,钢铁侠大大咧咧地说:“很高兴认识你”,blahblahblahblah,当人以为钢铁侠会称赞班纳博士的博学多才时,他却话锋一转,称自己钦佩对方变身,哈哈,就连阴霾满面的浩克,也被他所逗笑了。
笑点二:当大家和外星怪物们打得热火朝天的时候,突然有人问到,“战斗力最强的浩克去哪儿了?”好吧,我承认,战斗力最强是我自己加上去的。这时候,只见浩克骑着一辆老掉牙的摩托车,突突突地来到大家眼前。那一刻真是让人无限欢乐。
笑点三 …… 时隔有点长了,想不太起来。
附加一点:昨天看了关于美剧《神盾局》的一点评论,说是这部影片开头拖沓、情节枯燥,被影迷们所诟病。但是随着《美队2》九头蛇的叛变情节暴露后,《神盾局》的情节变得紧凑而又精彩起来。我没有看过《神盾局》,但是看到这则评论,我的感慨更多是针对这些电影、电视工作者,即便是娱乐大众,也以一颗认真执着的心来对待。怀揣这样的梦想,那么任何一件稀松平常的事情也会变成令人敬佩的成就。漫威在下一盘棋,很多人执棋,但幸运的是,这些人全都出于一个团队,他们不仅在下棋,更主要的,是在不断地勾画棋盘。
看过“复仇者联盟影评”
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