环境艺术的创造,不只是给人提供生活需要,更重要的是提高人们的审美意识,这种审美意识是利用多学科的总体形象,直接或间接的同人们进行感情交融。下面是读文网小编为大家整理的环境艺术设计的毕业论文，供大家参考。

环境艺术设计的毕业论文范文一：智慧型城市环境艺术设计研究

一、发展背景

人类的文明史也可以说成是城市建设发展史，优秀的城市建设发展模式也会被借鉴和学习。当前我国城市的发展面临诸多实际操作与管理相融合协调的问题，智慧城市将改变现有的城市管理模式使之达到一个新的管理层面，会带来几个方面的转变：一，科学地规划我国的城市建设体系;二，智慧中枢的建立可以第一时间管理城市发生问题;三，智慧应用会让人们更好地体验到城市配套系统的便捷，极大地促进城市的高效管理和循环再生。

(一)国内发展的实际现状

我国是一个传统农业大国，最近几年城市化发展迅速，城市化发展取得了巨大成绩。人们的生活水平在不断的提高，城市化让一切变得皆有可能，城市功能的完善，让公共设施更加便捷地服务于人民，城市设施的承载能力也日趋加强，城市建设中信息网络技术的普及慢慢变成了一个最基础的重要设施。

(二)我国智慧型城市发展现存问题

近几年城市的建设和发展取得了一些成绩，也相应地产生饿了一些问题。随着城市规模的不断拓展，人口问题日益严重，出行拥堵、产业结构不合理、环境治理脏乱差、食品安全问题突出、信息网络不公开透明等一系列的城市问题正日益严重。

二、共性和个性的融合创新，科学地发展智慧城市

智慧城市的建设已经是一个重大的课题，在建设的过程中不仅要和现在的城市建设互相融合，也要注重其自身的特点，找到好的可行的办法去实施。就目前来看，大多数城市都可以发挥城市自身优势，在此基础上做出智慧的方针和设计，找到可行性发展方针。

(一)智慧城市跨领域发展及新兴产业集群凸显

搞任何事物都需要创新，智慧型产业也是如此。目前中国各大城市已经纷纷进行了跨界的产业调整，以及互相融合的产业模式来开展智慧型城市建议，如智能公交系统、智能电网设计、智能在线教育、智能医疗救助等，并在智慧城市发展的过程中不断地运用新技术来更新这些系统。新技术新产业比来带来更多的就业机会，这些产业有待孵化，可以先抓重点的应用示范设施，比如医疗卫生、公共安全、城市交通等一些民生领域的应用。通过这些应用的实施，再来争取一些大型的企业投产，形成一个良性的发展，来带动本地其他产业的有效发展。

(二)坚持中枢平台化控制、集成模块化发展

在产业链结构复杂、行业众多以及信息资源整合共享的时代，智慧城市建设首要就是抓重点抓关键。方案解决商和运营商都在解决问题，目前无法实现平台信息的交换，只能够在自己的领域作业，这就必须通过城市管理者来协调，让这些领域实现真正的信息交换，打破交流屏障，实现跨系统的综合应用发展、各个部门的信息共享，这样就可以避免各自为政的信息孤岛局面，也只有这样才能实现真正意义上的智慧化城市建设。

三、技术与课程的交互实施

本项目以湖北工业大学工程技术学院环境艺术设计专业为研究对象，针对当前环境艺术设计课程进行应用型探讨，培养出具备工程实践和艺术设计能力，符合社会需求，顺应国家战略发展需要的创新型人才这一重要选题进行研究。具体研究内容分为以下三个部分：

(一)智慧型城市中智慧环境艺术设计课程的研究

城市的健康循环发展必定会变成一个智慧循环的系统，这是发展趋势、要有崭新的资源整合理念、新的产业结构、要发展智慧产业、要有信息化整合能力、要有新理念规划智慧城市，这就需要环境艺术专业的课程对此作出融合，环境艺术是一门综合学科包括了室内和室外，但是现阶段单一的设计已经不能满足宏观城市规划下的需求，很多设计一拥而上，各搞各的，结果只能是能源过剩，不整体规划就总有一天需要推倒重来，很多城市建设了没多久，因为地铁建设和新的环境建设，不得已又要把还是很新的建筑景观重新修筑，这是一个资源的浪费。环境艺术设计课程在以前单纯做基础上应该做一些交互和转变，让智慧型设计融入进课堂来。

(二)智慧城市建设发展的顶层设计与环境艺术设计

教学内容的融合创新这个新的产业必定在环境艺术设计中有一个大的融合，通过教学内容的扩充以新目标为指导，充分发挥城市智慧型产业优势，集成先进生产力，真正做到“推进信息网络综合化、宽带化、物联化、智能化，加快智慧型商务、文化教育、医药卫生、城市建设管理、城市交通、环境监控、公共服务、居家生活等领域建设，全面提高资源利用效率、城市管理水平和市民生活质量”，提升现有的生活环境。引进这个教学内容，是设计与智慧产业的基础，从整体设计出发，将城市建成为一个基础设施完善、生态环境优美、城市管理完善、信息快捷、应用便利、生活便捷、公共服务完备的智慧城市。

(三)在环境艺术设计中新学科的融合方法与实践

在艺术设计课程里环境艺术设计一直是核心的专业课程。环境艺术专业的学生具备一定的创意思维能力，审美品位的可塑性强，有分析处理问题的逻辑思维能力。在课堂教学之外，可以帮助学生联系一些社会的项目来让学生参与设计，与企业和公司合作，根据实际的课题，来进行课程教学以及动手操作。在与市场相结合的方式下，来进行课题设计，能使学生的设计创意与市场的大环境和城市发展的动脉保持一定的联系。本课题的研究，将着重解决以下问题：我国的环境艺术教育进入了一个鼎盛发展的历史阶段，但我们必须还要居安思危，好的市场前景带给我们好的机遇的同时也带来一些问题，如果不进行资源整合或者进行创新，一个再好的专业也会出现人才过剩的情况，在这个情况下必须有一些新的想法出现。环境艺术除了有环境设计的专业学科外对于城市规划的整体设计也应该有一定的研究，让环境艺术设计不再只是室内外的界面设计，更是一个系统的设计，这个系统涉及到了城市的可持续性发展问题，环保问题、绿色能源问题，这些问题都是当今世界首待解决的具体的问题。智慧型城市建设课程的实施，将突出以下创新特性：智慧城市的基础首先必然是可持续发展的城市，什么构成了可持续发展的城市?有序的交通、绿色的楼宇、良好的水处理技术以及智能化供电系统，能让城市化进程步入可持续发展道路。借助适当的技术，城市可以变得更环保，居民的生活质量得到提高，同时还能降低相关成本，这里可作出深入的课程研究。通过环境艺术专业的系统的设计为绿色楼宇、水处理、交通基础设施，公共安全系统以及医疗等领域定制的环保的、可持续发展的解决方案，在中国创建拥有新面貌的可持续发展智慧城市。智慧城市设计让城市的各项基础设施和信息设施建设有了一个长远的整合，积极促进城市的可持续发展。

四、环境艺术设计中智慧型城市的建设发展前景

智慧城市的发展前景和目标就是“发展更科学，管理更高效，生活更美好”。环境艺术设计是一门研究室内外环境的学科，在做功能性设计的基础上，去研究智慧型的设计，做到“城市，让生活更美好”是环境艺术设计的精髓。

(一)发展趋于科学模块化

智慧城市建设的最重要的一点就是分析现状、找出问题、转变设计建设方式，并以此来带动整个城市的经济发展。智慧型也是低能耗型产业发展，环境艺术设计中的绿色建筑，智慧城市设计等专业的开展在此基础上做出了相关的研究。

(二)中枢系统下的统一管理

城市系统的有效循环，必需有一个中枢的管理系统来做统一的管理。通过物联网的技术、空间地理控制等手段，对环境，道路、地设施、管网等基础的城市设施进行有效的编排设计用于以后的定期维修;对生活物品、医疗物品、战争储备等重要的物品进行有效的管控并有可视的监测系统;对于人口的进出和流动有一个有效的监测以用来反映城市人口现状问题。通过有效的中枢管理系统来实现智慧的交通枢纽、智慧的清洁管理、智慧的城市应急系统、智慧的城市配套设施、智慧的食品药品监管系统、智慧的政务便民系统。

(三)生活更美好

信息环境和基础环境的完善，让市民在任何地点、时间、渠道下都可以随时得到想要的24小时服务，这将是非常便捷的一个事情;强大的基础设计的智慧建设，可以让人们感受到城市的美好，心理上获得认同感，体会到便捷与关怀。地理上的位置再也不是人与人之间交流的障碍，人与人的交流变得更加简便，不论是来自哪里的人都会被这样一座智能的城市所吸引从而留下来继续发展，这是城市建设的美好目标。

五、智慧城市的技术体系

智慧城市是一个非常复杂的结构系统，涉及到多个层次的设计技术体系，想要做到集成控制必然需要以一个顶层系统为平台来综合控制，这就像控制中枢系统，底下还有多个子系统来支持这个中枢系统的运转。而环境艺术设计这门学科的目标正是基于顶层设计之上的统筹规划整体协调设计，让复杂的结构体系以智慧循环、生态持久为目标来设计，这样的融合必然会带来更好的结果。智慧城市设计是一种融合多种先进技术的城市设计理念，需要一个逐步被认识和真正可以实施建设的过程。通过建立一个与时俱进的科学的评价系统，用标尺性的指标来确定智慧程度，这样可以更加方便地了解城市建设的发展以及智慧型的应用程度，及时改变，正确优化，确保一个良性发展的智慧城市系统。

环境艺术设计的毕业论文范文二：文化建筑环境艺术设计论文

1文化建筑的环境艺术设计与审美心理

1.1美学与审美心理

文化建筑体现出的美学感受是一相对矛盾的综合体，多变的社会发展现况与复杂的自然环境相互制约、相互联系，二者在发展的过程中都对文化建筑的美学享受与价值体现产生很大影响，所以，美学的审美心理，人的心理机能是主导感情情绪的主要因素。所谓审美，主要是对于美感的产生和个人体验，而所谓的心理学就是人对于事物感知的情意变化。因此，审美的心理学是一门研究和阐述人们美感产生与体验心理活动的过程，由此可见，审美心理学是介于美学与心理学之间的交叉学科。当我们处于不同空间之中，通过感官感受到的心理反应既不是完全相同的，也不是极端个性化的，环境艺术设计语言的发展和综合运用可以引起人们审美感受的共鸣，而不同的群体又能解读到不一样的审美体验。文化建筑的审美感受，将具有时代美感的文化建筑呈现给公众。

1.2环境艺术设计与审美

环境艺术设计与审美的创造去设计改善环境，是人类结合规律与目的的创造活动。环境艺术设计创造出的既合乎自然规律又满足不同人类活动需求的环境，这就是审美创造意义所在。马克思所理解的劳动是活的、是塑造形象之火。“劳动”即是带有目的性、富有创造性的，是鲜活的存在，并不是机械、重复的劳动，这就是经过设计的劳动。越是复杂周密的生产劳动，就需要进行周密细致的设计，他们的审美创造意义就越大。环境艺术的审美创造意义，是一种富有创造性的、进行周密细致设计的活动。因地制宜的创新是它的灵魂，能够恰到好处的处理设计，才能赋予设计本身生命。诚然，环境艺术设计需要重视时代性、公众性，如果不顾及大众的审美爱好，可能很难被接受。但是对于环境艺术设计来说，如果没有前瞻性、创新性的大胆尝试，能预见公众的审美发展趋势，那么设计本身也会失去新鲜感。这就好比设计一张桌子，其带来的不仅仅是外观的新鲜，而是设计一种使用的方式。环境艺术设计本质就是改变公众工作、劳动、娱乐、休憩的活动形式，是艺术对社会一项影响深远的审美创造。环境艺术设计对于审美来说，具有其他设计达不到的审美高度。因为环境艺术设计可以从多方面包括：建筑的外形、建筑自然环境的搭配、内部居室的色彩配比等切身的让使用者体验到审美感受，这种感受是具有真实的载体，能够营造出范围性的审美效应，这就是审美观赏。对于环境艺术设计的审美观赏来说，基础的使用价值都是最先考虑的，如果在本身的最基本的审美上出现了偏差，那么就会最大限度地降低审美观赏价值。其次，在完善了基本的使用价值后，能够合理大胆地表现设计本身的内容，让人的情感产生美学欣赏，置身于设计环境之中，得到精神上的满足，这就完整地体验了审美观赏。审美观赏主要是欣赏环境艺术设计物化的外在形式美，在设计创造的环境中感受美学，外在形式是其美学的主要表现形式。

1.3环境艺术设计的创作与审美的心理——中国国家博物馆为例

博物馆是具有典型性的文化建筑，在世界各地都有相当著名的博物馆。中国国家博物馆作为大名鼎鼎的博物馆，在环境艺术创作上具有独特的审美。

(1)设计的公众需求。文化建筑环境艺术设计所体现的外在美学价值，只能满足一部分公众的感官享受，不能引起全部人在思想上的共鸣，文化建筑体现的是思想形式的交流，所以加强艺术的情感，就必须要先提高设计本身的艺术精神价值，做到能够贴近生活，服务于大众，又能高于生活，提升思想上的审美享受。设计师的思维对于行为能力的影响很大，在统一的主题之下，环境艺术设计师必须调动人与环境的协同作用，给人实用享受的同时，也为观众呈现一个全新的审美角度。以中国国家博物馆为例，因为中国国家博物馆保存了中国著名的文化遗产，所有陈列的文物都具有很高的文化价值，由种类、年代、内容进行详细的分类，并按照一定顺序有序地摆放在博物馆中，这样不仅能够突出文物的收藏价值，也能和预先设定好展示环境相配合。从认知角度，文物的摆放与展厅的布局，都明显具有美学的艺术享受价值，也正因为人为的设计陈列摆放，使其艺术审美价值更高。

(2)设计思维的变化。传统设计理念讲究的是文化建筑的功能性，融入审美理念的文化建筑则不同，要在提高环境艺术内涵的同时，适当引入符号设计元素，利用符号设计的手法强制性地提高审美理念和规范的融合性。环境艺术设计的矛盾性不但呈现出相反的艺术理念，有时也会给不同的群体带来不一样的艺术感受，所以文化建筑需要在设计思维上不断地变革，应用发散性的设计思维，找到现代设计理念与审美的结合点，开展创新性的环境艺术设计项目。以中国国家博物馆为例，它展厅宽敞明亮，一切陈列品都是依照建筑格局排列，没有突兀感。室内的环境艺术设计也和展品相辅相成，整体风格浑然一体，营造出浓厚的文化氛围。因此，在设计的构思阶段，设计师应该更加注重项目本身文化共鸣，运用多变的形式，将公众的视觉、听觉、思维有机地融合为一体，全方面直观地展示对博物馆的感性认识。

(3)审美视野的传达。在环境艺术设计中人经常来此休息聚会、祭拜先人。1944年7月16日，上海犹太人组织在此举行报告会，纪念赫茨尔博士逝世40周年以及比亚利克和雅布延斯基两位已故犹太名人。1947年4月22日，8000多名犹太人在此集会抗议在巴勒斯坦的英国当局绞死犹太民族主义组织4名成员，此集会震惊了整个上海。[1]1993年，以色列拉宾访华参观摩西会堂和霍山公园，拉宾参观后留言“：二次世界大战时，上海人民卓越无比的人道主义壮举，拯救了千万犹太人民，我谨以以色列政府的名义表示感谢。”2004年10月15日，美国NBA总裁大卫•斯特恩参观霍山公园。为纪念“二战”期间曾在提篮桥地区生活居住的犹太难民，虹口区人民政府在霍山公园内立了一块题为“二战期间犹太难民居住区”的黑色大理石碑，正面用中文、英文、希伯来文篆刻着如下说明词“：第二次世界大战期间，数万犹太人为逃避法西斯的迫害来到上海，日本侵华当局以犹太难民无国籍为由设立隔离区，对他们的行动加以限制。此区域西起公平路，东至通北路，南起惠民路，北至周家嘴路”。反面镌刻着“二战期间犹太难民居住区碑志”。

2霍山公园的景观分析

2.1平面布局

霍山公园在上海的城市公园中来讲面积非常小(3678㎡)，公园格局与设计并不突出，是二战时期避难提篮桥的犹太人给这个公园带来了与众不同的“身份”与关注度。公园平面呈一个规整的长方形，大门面霍山路而开，其他三面均被紧贴围墙的民房环绕，空间具有一定的内向性。公园内有一条约2.3米宽的“健康步道”(园内主路)与围墙保持3～5米左右的绿化距离绕公园一周。前部集中了主要的园林景观要素，太湖石、特色木构西方柱式廊架、藤架等，中部有“二战期间犹太难民居住区”字样的纪念碑竖立，前部与中部景观通过掩映的植物营造出空间的层次感与进深感。后部主要是公园的辅助用房和市民活动中心。

2.2中西混搭

弹丸之地的霍山公园，今天值得描述的景观似乎并不太多：硬质景观方面，呈现出中西并置、材质各异的特点。公园正门以钢筋混凝土结构营造了一个现代简洁透空的“重门”造型，迎面可见矗立在视觉中心的一组太湖假山石。太湖石假山矗立在正门前凸显出中国传统园林的特色，而在植物掩映的正后方之木构西方柱式大概是为了表明西人曾经生活于斯，太湖石的白色明亮显眼，木构西方柱式褐黑沉重似乎表明犹太人曾经在此生活的种种苦难和悲惨境地。入口处的太湖假山叠石、藤架下的漏窗属于典型的中式园林景观要素，西式弧形特色柱廊则是简化、改良过的多利克柱式，无柱头构造，以木质柱身和柱檐取代西式的石头构造。软质景观方面，主要依靠栽植各种植物来柔化边界、组织空间、引导视线。园中树木疏密有致，全园有树木41种共678棵。

2.3环境氛围

霍山公园的大门正对着美犹联合救济委员会旧址，处于整个提篮桥历史文化风貌区的中心位置，往西数十米就是舟山路，这里也是犹太人遗址、遗迹保存最为集中的地段，犹太文化的印记十分明显。公园所处地段，城市格局目前保存完好，道路、街巷、建筑基本保持原有的空间格局，沿街小商业功能也保持较好。很多保存较好的建筑群集中在霍山公园周边，如舟山路南段、霍山路、惠民路两侧的花园住宅和旧式公寓以及提篮桥监狱所在的整个街区。以摩西会堂为代表的犹太教堂、住宅、店铺、学校等建筑物及犹太人生活过的历史环境在虹口甚至整个上海都具有独特的文化价值。

3小结

霍山公园的特殊意义和价值在于当时特定的时代环境之下给犹太人“生的希望”和“活的欢愉”提供了唯一的室外“桃源”。如果纯粹从景观特色、历史长度或者大小规模来评判，霍山公园实在太普通、太渺小。但如果从城市文化和犹太人历史的角度来看，这里是不可忽视的一段体现上海人民伟大的国际主义人道精神的历史。如果霍山公园、提篮桥没有犹太人曾经的生活踪迹，上海也就少了一段独特的历史文化和城市记忆，值得我们永久的珍视与保存。

随着艺术设计事业的蓬勃发展,艺术设计越来越受到大家的关注,而其中创造性思维在艺术设计中的应用也成为了大家谈论的焦点之一。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计系毕业论文，供大家参考。

艺术设计系毕业论文范文一：中职素描艺术设计价值分析

【摘要】素描是目前我国很多中职学校的重要课程，是艺术设计专业最重要的基础课程，因为素描是艺术设计的基础和前提，通过素描的学习可以在很大程度上提升学生的抽象思维水平，这对于促进学生艺术设计质量的提高具有十分重要的帮助。本文基于此对素描在中职艺术设计专业中的重要价值进行了分析和研究，然后在此基础上指出了目前中职艺术设计专业素描的发展现状，并进一步指出了提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施。

【关键词】中职学校;艺术设计;素描;教学理念

一般情况下来说，素描是美术学习的一个十分重要的方面，通过素描的学习和训练，可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，从而为进一步促进和加强学生对艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，明确素描在中职艺术设计专业中的应用价值，然后在此基础上积极采取有效的措施，不断提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

一、素描在中职艺术设计专业中的重要价值

总体来看，素描在中职艺术设计专业中占有十分重要的地位，对于提高艺术设计的学习质量发挥着重要的作用。本文认为素描在中职艺术设计专业中的重要价值主要体现在以下几个方面：

(一)素描是艺术设计的基础和前提

艺术设计涉及的内容非常广阔，主要有平面广告设计、服装设计以及造型设计等，无论是哪一种类型的艺术设计都需要用到素描，因此可以说素描是艺术设计的基础和前提，这是素描在中职艺术设计专业中的重要价值和重要体现。具体来说，设计者想要提高艺术设计的质量，就必须要在正式开始艺术设计之前将自己的相关创意和想法进行展示，然后根据自己的草图再进行深入的加工和设计，在这个过程中素描就派上了大用场，因为设计者必须具备一定的素描基础才能通过草图的形式将自己的艺术设计的想法和创意进行良好地展示，从这个角度来说，素描是艺术设计的基础和前提。

(二)素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量

一般情况下来说，设计者在对实际的物体进行艺术设计的时候，通常会在脑海里对物体的线条以及画面进行整理和综合，然后通过素描的形式进行再现。从这个角度来说，设计在进行素描表现的时候，也是对自己的创意和理念以及思想感情进行表达的时候。通过素描的训练可以使设计者的创造能力以及想象能力和思维能力等得到良好的锻炼和提升，这对于能够激发创作灵感、提高艺术设计质量具有不可或缺的重要作用。因此，只有通过素描训练，才能使设计者在艺术设计的过程中更多地融入自己的感情和创意，从而设计出更加出色的艺术作品。因此，素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量。

二、目前中职艺术设计专业素描的发展现状

目前我国很多中职学校的艺术设计专业都开设了素描的相关课程，但是由于种种因素的影响，艺术设计专业素描实际的教学质量却没有太大的提升，而且还存在着各种各样的问题，这在一定程度上阻碍了素描在中职艺术设计专业中的重要价值的发挥。通过实际的调查和研究发现，目前我国很多中职学校的艺术设计专业的素描教学依然采用以教师为中心的传统教学模式，在这种以教师为中心的教学模式下，素描教学的内容比较陈旧，并且教学的形式也非常单调，很难激发学生的学习兴趣和积极主动性。另外，教师为中心的传统教学模式注重通过教师讲授的方式来传达素描的相关技巧和经验等，而严重忽视了学生的自我发展和自主学习，从而阻碍了学生素描能力的有效提升，不利于学生的未来就业，而且还在某种程度上违背了中职学校应用为目的的教育理念。

三、提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施

针对目前中职艺术设计专业素描的发展现状，我们应当积极采取更加有效的措施，努力提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

(一)促进素描教学理念的创新和发展

一般情况下来说，教学理念对于教学活动和教学方式有着十分重要的影响，我们想要提高素描教学的质量必须要努力促进教学理念的创新和发展。随着时代的发展和进步，职业教育的相关教学理念也有了很大的发展和进步，目前我国的职业教育更加注重培养学生的能力，使学生学到真正的技术，从而有效增加学生的就业机会。因此对于中职学校来说，应当更加注重促进素描教学理念的发展和进步。具体来说，我们应当促进艺术设计课题的发展，使学生能够适应社会的发展需求，同时学校要不断提高素描教学过程中的创作意识，使学生在素描的实际学习过程中，感受到艺术的魅力和生命，同时提高自身的观察能力和思维能力，使学生能够更好地跟随时代的脚步，通过素描的学习设计出更好的艺术作品。

(二)树立以学生为中心的教学方法

教学方法对于教学质量的影响是直接的和重大的，因此中职学校必须树立以学生为中心的教学方法，努力提高素描教学质量。具体来说，树立以学生为中心的教学方法，教师可以将素描学习划分成为几个项目，然后将划分好的项目分别分配给不同的学生。接下来教师要帮助学生明确自己所应当完成项目的主要任务，然后在此基础上经过具体讨论确定项目的实施计划，在这种情况下，学生就会更加积极主动地学习和自己感兴趣的有关知识，同时还会促使学生加强互相交流与帮助，从而使学生能够提高素描知识水平。最后教师将各个不同的素描项目和相关的课程内容进行结合，在此基础上开展有效的实践教学，这样可以使学生的艺术创作能力得到有效提升，增强自身的实践创作能力。

(三)增加信息技术在素描教学中的创新应用

所谓增加信息技术在素描教学中的创新应用，主要是指教师可以通过信息技术的相关设备和手段来吸引学生的注意力，提高学生的学习兴趣。一般情况下来说，传统的素描教学方式主要是通过教师的单纯讲授来向学生进行知识的传递，在这种情况下学生的学习主动性不高。而通过信息技术的应用，可以使素描相关的知识内容通过图片以及视频等方式进行良好的呈现，这样既可以有效激发学生对于素描的学习兴趣，同时还可以有效提高学生对于素描知识的认识水平以及掌握程度。除此之外，通过信息技术的应用，还可以使学生对于素描知识进行更加形象立体的认识，这样就可以使学生的想象思维能力和艺术创造能力得到非常有效的锻炼，从而促进学生创造出更加有效的艺术作品。而且，通过信息技术的应用，还有助于提高教师的教学水平，因为在信息化的背景下，教师必须要不断加强学习，掌握更多的新知识和新理念，只有这样才不会与时代脱节，才能在更大程度上提高教学水平，因此通过信息技术的应用，有助于提高教师的教学水平。

总而言之，增加信息技术在素描教学中的创新应用对于提高中职学校艺术设计专业的素描教学质量具有重大帮助。

四、结语

综上所述，素描是很多中职学校艺术设计专业最重要的基础课程，学习素描可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，为进一步促进学生加强艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值，这种重要的价值具体体现在素描是艺术设计的基础和前提，以及素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量等方面。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，然后在此基础上积极采取有效的措施，促进素描教学理念的创新和发展，加强新的素描教学方法的应用，增加信息技术在素描教学中的创新应用，只有这样才能真正提高素描教学质量，真正促进素描在中职艺术设计专业中发挥重要的价值。

参考文献：

[1]黄斌斌.艺术设计专业结构素描教学审思[J].美术教育研究,2013(19).

[2]宋协海.艺术设计专业素描教学改革探索[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,2005(2).

艺术设计系毕业论文范文二：美术教学中计算机辅助设计与整合

【摘要】素描是目前我国很多中职学校的重要课程，是艺术设计专业最重要的基础课程，因为素描是艺术设计的基础和前提，通过素描的学习可以在很大程度上提升学生的抽象思维水平，这对于促进学生艺术设计质量的提高具有十分重要的帮助。本文基于此对素描在中职艺术设计专业中的重要价值进行了分析和研究，然后在此基础上指出了目前中职艺术设计专业素描的发展现状，并进一步指出了提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施。

【关键词】中职学校;艺术设计;素描;教学理念

一般情况下来说，素描是美术学习的一个十分重要的方面，通过素描的学习和训练，可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，从而为进一步促进和加强学生对艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，明确素描在中职艺术设计专业中的应用价值，然后在此基础上积极采取有效的措施，不断提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

一、素描在中职艺术设计专业中的重要价值

总体来看，素描在中职艺术设计专业中占有十分重要的地位，对于提高艺术设计的学习质量发挥着重要的作用。本文认为素描在中职艺术设计专业中的重要价值主要体现在以下几个方面：

(一)素描是艺术设计的基础和前提

艺术设计涉及的内容非常广阔，主要有平面广告设计、服装设计以及造型设计等，无论是哪一种类型的艺术设计都需要用到素描，因此可以说素描是艺术设计的基础和前提，这是素描在中职艺术设计专业中的重要价值和重要体现。具体来说，设计者想要提高艺术设计的质量，就必须要在正式开始艺术设计之前将自己的相关创意和想法进行展示，然后根据自己的草图再进行深入的加工和设计，在这个过程中素描就派上了大用场，因为设计者必须具备一定的素描基础才能通过草图的形式将自己的艺术设计的想法和创意进行良好地展示，从这个角度来说，素描是艺术设计的基础和前提。

(二)素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量

一般情况下来说，设计者在对实际的物体进行艺术设计的时候，通常会在脑海里对物体的线条以及画面进行整理和综合，然后通过素描的形式进行再现。从这个角度来说，设计在进行素描表现的时候，也是对自己的创意和理念以及思想感情进行表达的时候。通过素描的训练可以使设计者的创造能力以及想象能力和思维能力等得到良好的锻炼和提升，这对于能够激发创作灵感、提高艺术设计质量具有不可或缺的重要作用。因此，只有通过素描训练，才能使设计者在艺术设计的过程中更多地融入自己的感情和创意，从而设计出更加出色的艺术作品。因此，素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量。

二、目前中职艺术设计专业素描的发展现状

目前我国很多中职学校的艺术设计专业都开设了素描的相关课程，但是由于种种因素的影响，艺术设计专业素描实际的教学质量却没有太大的提升，而且还存在着各种各样的问题，这在一定程度上阻碍了素描在中职艺术设计专业中的重要价值的发挥。通过实际的调查和研究发现，目前我国很多中职学校的艺术设计专业的素描教学依然采用以教师为中心的传统教学模式，在这种以教师为中心的教学模式下，素描教学的内容比较陈旧，并且教学的形式也非常单调，很难激发学生的学习兴趣和积极主动性。另外，教师为中心的传统教学模式注重通过教师讲授的方式来传达素描的相关技巧和经验等，而严重忽视了学生的自我发展和自主学习，从而阻碍了学生素描能力的有效提升，不利于学生的未来就业，而且还在某种程度上违背了中职学校应用为目的的教育理念。

三、提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施

针对目前中职艺术设计专业素描的发展现状，我们应当积极采取更加有效的措施，努力提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

(一)促进素描教学理念的创新和发展

一般情况下来说，教学理念对于教学活动和教学方式有着十分重要的影响，我们想要提高素描教学的质量必须要努力促进教学理念的创新和发展。随着时代的发展和进步，职业教育的相关教学理念也有了很大的发展和进步，目前我国的职业教育更加注重培养学生的能力，使学生学到真正的技术，从而有效增加学生的就业机会。因此对于中职学校来说，应当更加注重促进素描教学理念的发展和进步。具体来说，我们应当促进艺术设计课题的发展，使学生能够适应社会的发展需求，同时学校要不断提高素描教学过程中的创作意识，使学生在素描的实际学习过程中，感受到艺术的魅力和生命，同时提高自身的观察能力和思维能力，使学生能够更好地跟随时代的脚步，通过素描的学习设计出更好的艺术作品。

(二)树立以学生为中心的教学方法

教学方法对于教学质量的影响是直接的和重大的，因此中职学校必须树立以学生为中心的教学方法，努力提高素描教学质量。具体来说，树立以学生为中心的教学方法，教师可以将素描学习划分成为几个项目，然后将划分好的项目分别分配给不同的学生。接下来教师要帮助学生明确自己所应当完成项目的主要任务，然后在此基础上经过具体讨论确定项目的实施计划，在这种情况下，学生就会更加积极主动地学习和自己感兴趣的有关知识，同时还会促使学生加强互相交流与帮助，从而使学生能够提高素描知识水平。最后教师将各个不同的素描项目和相关的课程内容进行结合，在此基础上开展有效的实践教学，这样可以使学生的艺术创作能力得到有效提升，增强自身的实践创作能力。

(三)增加信息技术在素描教学中的创新应用

所谓增加信息技术在素描教学中的创新应用，主要是指教师可以通过信息技术的相关设备和手段来吸引学生的注意力，提高学生的学习兴趣。一般情况下来说，传统的素描教学方式主要是通过教师的单纯讲授来向学生进行知识的传递，在这种情况下学生的学习主动性不高。而通过信息技术的应用，可以使素描相关的知识内容通过图片以及视频等方式进行良好的呈现，这样既可以有效激发学生对于素描的学习兴趣，同时还可以有效提高学生对于素描知识的认识水平以及掌握程度。除此之外，通过信息技术的应用，还可以使学生对于素描知识进行更加形象立体的认识，这样就可以使学生的想象思维能力和艺术创造能力得到非常有效的锻炼，从而促进学生创造出更加有效的艺术作品。而且，通过信息技术的应用，还有助于提高教师的教学水平，因为在信息化的背景下，教师必须要不断加强学习，掌握更多的新知识和新理念，只有这样才不会与时代脱节，才能在更大程度上提高教学水平，因此通过信息技术的应用，有助于提高教师的教学水平。

总而言之，增加信息技术在素描教学中的创新应用对于提高中职学校艺术设计专业的素描教学质量具有重大帮助。

四、结语

综上所述，素描是很多中职学校艺术设计专业最重要的基础课程，学习素描可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，为进一步促进学生加强艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值，这种重要的价值具体体现在素描是艺术设计的基础和前提，以及素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量等方面。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，然后在此基础上积极采取有效的措施，促进素描教学理念的创新和发展，加强新的素描教学方法的应用，增加信息技术在素描教学中的创新应用，只有这样才能真正提高素描教学质量，真正促进素描在中职艺术设计专业中发挥重要的价值。

参考文献：

[1]黄斌斌.艺术设计专业结构素描教学审思[J].美术教育研究,2013(19).

[2]宋协海.艺术设计专业素描教学改革探索[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,2005(2).

随着中国经济的飞速发展,中国的艺术设计领域开始迎来生机蓬勃的春天,中国也逐渐成长为世界上最大的设计教育国家,艺术设计专业成为了中国最热门的专业之一。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业本科毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业本科毕业论文范文一：数字媒体艺术对中国艺术设计的影响

摘要：现代社会数字化越来越普及，数字化的艺术设计是时代发展的必然趋势。传统艺术设计向数字艺术设计的转变有必要性，但也有负面影响。数字化艺术设计的发展，为设计增添了新的表现形式，为设计增添了更多的新元素，但也为现代中国艺术设计的发展和教育造成了许多弊端，本课题就是围绕数字媒体艺术的发展对中国艺术设计和教育的影响。

关键词：数字技术;艺术设计;数字媒体;新媒体艺术

随着信息技术的快速发展，人类社会已进入数字化时代。数字化是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输与处理的过程。数字媒体艺术设计是基于数字科技发展而产生的一种新生的艺术形式，主要涉及到视觉艺术、人机界面、信息传播、多媒体、数字网络、动画、广告、游戏、虚拟环境，虚拟产品设计等方面，是高新技术与艺术思维的完美结合。新型的技术不仅给人们带来了新的思维空间和视觉空间，也带来了新的艺术表现形式。

一、数字媒体艺术的正确认识

新生事物的发展是在质疑和改善中不断发展的，数字化对艺术设计的发展有利有弊。电脑数字化技术的发展使得设计师们使用电脑进行设计，这是现代艺术设计史上设计方式的一次大革命，它标志着一种新艺术形式的产生。但是，对于数字技术的过度依赖，同时也让我们的设计师们进入了一个误区，让我们的设计师们过度的注重数字技术的学习，而忽略了对艺术理论的学习和领悟，这个错误的观念导致了软件应用能力很高，但设计水平良莠不齐。艺术创作中的数字技术固然重要，通过计算机数字技术可以制作出丰富多彩的艺术品，不仅仅能“再现客观”，更能“虚拟现实”，能为设计者带来更广阔的设计思维，更有效的设计方法，更独到的设计表现，更广阔的交流空间。即使这样，数字技术也不能成为艺术设计中的主导，艺术设计的灵魂还是在于设计，在于创意，而数字技术只能作为创意的一种表现形式。因此，现在很多设计师局限于对数字技术的追求这种做法是错误的。在数字时代，数字技术与现代艺术设计的相结合是历史发展的必然。随着计算机的发展和普及，数字技术已经融合到了艺术设计的各个领域。现代艺术设计与数字技术已经是密不可分的关系。我们要科学的去认识和平衡数字技术与现代艺术设计之间的关系。时代的发展，设计已经成为人们生活中不可缺少的部分，设计不仅要适应时代，更要引领潮流，所以现代艺术设计必然要创造更新的设计文化。数字技术为现代艺术设计搭建了一个更好的发展平台，设计师们应该更好地利用这个平台，在数字技术中融入传统设计文化、传统设计思维，并把传统的与现代设计思维相结合，通过现代数字技术表现出来，以超前的设计意识使现代艺术设计更好地服务于社会。

二、数字媒体艺术设计对传统艺术设计的影响

1、设计思维能力得到了延伸

数字化技术的运用，替代设计师完成了大部分理性工作，给艺术设计的造型语言、设计观念、组织方式、工作方法、表现形式、设计效率等方面带来了崭新的面貌，产生了强大的震撼，其对传统艺术设计的影响深远。进入数字化信息社会的设计，设计对象和心理环境发生了很大变化，大量与现代化科技有关的新产品层出不穷，而传统设计的产品也不断吸纳现代信息的元素，使设计出的产品在产品本身和制造方面都带有了智能化的色彩。设计的产品更具人性化，冷冰冰的产品拥有了人情味，使人们在科技包围的环境中不再感到陌生，这也成了现代设计的准则。数字化技术除了让我们有了一个便捷聪明的工具以外，同时使我们的设计思维得以延伸，设计思路更为大胆，设计触点越发广泛。开启了设计师原本无法触及的领域和长期封闭的灵感边缘。

2、设计内容形式得到了丰富

新的传播形式和传播媒介的出现，使得视觉传达艺术设计所涉及的内容得到极大的丰富和拓展。网络、数字电视、互动媒体、交互游戏、虚拟空间等都成为信息传播的形式和主要介质，传统的视觉传达设计范畴受到突破性的冲击，数字载体的发展极大地延伸了视觉传达的设计形式和内容。新媒体艺术设计理论和美学范畴继承了部分传统的视觉传达设计的理论体系。传统的视觉传达设计的理论体系依然可以作为数字媒体艺术设计的理论基础。其在美学的审美理论基础是相同的。在设计的理论和平面视觉创意法则方面是相似的。在设计和表现的内容上是相近的。数字媒体艺术设计是时代的产物，它具有时代的先进性，它的表现形式更丰富，信息量更大，更具备科学性、时代性。因此，数字媒体艺术设计，在继承传统设计理论的基础上，还必须根据其信息传播的形式、媒介以及传播的复合性、学科的综合性、技术的数字化等特征，来完善提高这一新型学科。

3、设计手段方式得到了提升

在传统艺术设计过程中，设计师是靠手工来绘制设计方案，。设计与制造由不同的人来完成。当产品完成之后，设计者再根据产品、静态图来讨论设计的功效。而使用者与产品之间是动态的，是多种感觉的一种直接交互的使用过程，这与设计者与产品之间的关系具有很大的不同，设计者还得依靠使用者的反馈才能了解设计的成效，这造成了设计与使用的不连续性。新媒体艺术设计，充分运用数字化技术。展示了其存储方便、修改容易，设计效果稳定等优势。消除了设计与使用之间的不连续性，使设计能在模拟真实使用的情景下完成，从而提高了设计的功效，在很大程度上消除了传统设计手段的局限，使构思、设计、制造和使用更具连贯和一致性，使产品更人性化。

三、数字媒体艺术推动了现代艺术设计的教育变革

随着数字艺术设计的发展，艺术设计的教育也发生了质的改变。传统的教育方式注重的是对学生进行艺术史、艺术学等学术型的教育方式，学生们在学校学习的仅仅是理论知识，要通过自己对艺术的理解和对艺术创造的能力来自我完善才能真正地创作出艺术作品。这样的教育体制是不完善的，导致了很多不知道如何学习的学生放弃了艺术设计。数字时代的艺术设计强调的是艺术与技术的结合，而教育也同样如此，学生学习的不仅仅是那些基础知识，还要学习数字技术，在艺术修养和数字技术两者之间平衡发展，教育技术与艺术相结合的新型的艺术人才。这样助于我们构建起科学的可持续发展的设计教学结构体系，是教育更具有时代意义。

参考文献

[1]任斌：《艺术与数字技术相结合的新媒体艺术设计》，191页，西北大学学报，2008(6)

艺术设计专业本科毕业论文范文二：环境艺术设计生态性研究

摘要：面对资源不断枯竭和环境不断破坏的现实，人们意识到加强环境和生态保护的重要性。在这种情况下，各个领域开始加强生态性分析，希望能够实现经济快速发展和生态保护的共同进步，在这种情况下，积极加强环境艺术设计的生态性分析具有重要意义。本文以桂林愚自乐园这一中国现阶段唯一的文化艺术公益重点项目为例，对环境艺术设计的生态性含义、特征及设计原则进行了详细的论述，并从选址和对当地自然景观的充分应用角度对桂林愚自乐园进行了描述。

关键词：环境艺术设计;生态性;桂林愚自乐园

前言：

在科学和信息技术不断进步的背景下，世界经济取得较大进步，然而人类、环境与资源之间的关系也越来越恶劣。近年来，人们的思想意识不断提高，加强了对环境的设计，希望在给人们带来良好的生活氛围的基础上，加大环境保护力度，环境艺术设计的生态性就是在这种情况下产生并得到有效应用的，该设计要求人们能够对自然可再生资源进行充分的利用，如土壤、阳光和气候等，并为维护植物良好的生活环境而努力。桂林愚自乐园是我国生态性环境艺术设计的典型，加强对这一典型的研究，对于我国未来环境保护的发展具有促进作用。

一、环境艺术设计的生态性概述

1、环境艺术设计的含义

相对宽泛的内涵存在于环境艺术当中，在环境艺术当中，为了创造出良好的环境，会专门进行艺术品的设计，同时，还应当对地景艺术、偶发艺术等进行充分的利用。通常情况下，构成环境的因素较多，可以说，只要是人们视觉能够触及的事物都可以对环境产生一定影响。例如，树木、花草和山水等是来源于自然界的环境艺术，而建筑、服装等是人为构建的环境艺术。在构建环境艺术的过程中，需要按照一定自然法则进行，而这种自然法则需要建立在特定的生活条件和自然环境背景之下，而且在构建过程中，还应当严格遵守艺术和工程施工技术的相关规则和顺序。只有这样，构建起来的环境艺术才能够符合当地人们审美和生活的需求，也才能够将美的规律充分展现出来。

2、环境艺术设计的特征

空间与外部环境设计是环境艺术设计的两个重要组成成分，而在环境艺术设计中应用生态性理念，最终的目标是希望能够促使人们的日常工作和生活能够同外部环境保护高度的一致;而在进行空间环境设计的过程中，必须能够保证人们身处其中能够拥有良好的生活空间和质量，并逐渐引导人们享受健康的生活。在这种情况下，必须保证人们日常工作和生活过程中所需的相关设备能够处于良好的工作状态之下，并在此基础上达到节能和资源充分利用的效果。由此可见，在进行环境艺术设计的过程中，必须保证设计的多样性、循环性、连续性和高效性。首先，多样性指的是，在进行环境艺术设计的过程中，能够保证设计产品拥有多种形式和内涵，能够满足人们不同种类的需求[1]。因此在设计过程中，必须能够以消费者的需求为中心，这样做不仅充分体现了我国以人为本的中心思想，还能够减少资源浪费现象的产生，对于保护生态和环境具有重要意义;其次，循环性指的是，在进行环境艺术设计的过程中，为了达到节能和保护环境的目的，需要保证相关原材料能够得到充分的循环利用，实现这一目标的过程中，应当对物理学、化学等知识进行综合使用，在对剩余原材料进行分解以后，再将其投入到其他方面展开利用;再次，连续性指的是，在进行环境艺术设计的过程中，包含的园林等多种设计内容，需要对多种设备进行充分的利用，从而实现良好的结构布局，提升环境艺术设计的质量，并满足人们的需求，这就要求环境艺术设计中拥有连续性的配套设施，供人们在日常生活中进行充分的利用;最后，高效性指的是，对资源进行充分合理的应用，严禁资源浪费现象的产生，针对不可再生资源而言，必须在保证实现经济效益的基础上才能够对其进行充分的利用。

二、生态性环境艺术设计原则

1、地方性

在设计环境艺术的过程中，必须要结合当地的气候、环境、地质等多方面地方性特色。例如，在我国，多数地区是不可以对热带植物进行种植的，因此在日常农业发展中就应当根据当地具体情况，种植属于自身的植物。在进行生态性环境艺术设计的过程中，突出地方性特点和设计原则，是实现环境艺术设计的关键。这一原则要求设计师在日常工作中，能够深入当地对环境、气候等进行充分的掌握，从而在亲身体验的基础上，来完成设计整个过程。现阶段，我国多数地区在进行环境艺术设计的过程中，为了将我国传统文化中的精髓进行充分的传播，需要结合当地的风土和文化习俗等。同时，为了保证环境艺术设计的科学性，还应当对当地的自然地理因素，如水文等进行充分的了解，同时还应当考虑到政治和经济等客观存在，保证这些因素能够在环境艺术设计中完整而充分的展现出来。因此，在进行环境艺术设计的过程中，设计师保险对当地的民俗文化进行充分的尊重，并在长时间的琢磨和思考中，产生自己的理解和启示，从而形成独具特色的本土文化艺术作品。然而，现阶段，我国各地在进行环境艺术设计的过程中，不可以始终沿用当地传统的设计格局和形式，还应当综合考虑实际情况，进行一定程度的创新，保证环境艺术设计能够为人们的生活带来新鲜的体验[2]。

2、人本性

在进行环境艺术设计的过程中，应意识到主体是人，因此以人为本应当是设计的根本原则之一。也就是说，在进行设计的过程中，应当充分考虑到人们日常工作和生活中的物质和精神需求，相关设计应当有利于提升人们的生活环境，向人们传递一种积极向上的精神。与此同时，还应当保证人们生活中不再对大自然和生态系统产生破坏[3]。在充分体现人本性的过程中，还应当注重环境艺术设计能够为社会经济的发展和进步做贡献。因此，一个良好的环境设计既能够给予人们美的享受，也能够为社会进步起到促进作用。现阶段，人类生产和经营过程中，同自然与生态产生了一定冲突，在这种情况下，应将环境艺术设计的优势充分发挥出来，为改善我国环境做贡献。3、整体性整体性是环境的主要因素，环境是一个大的系统，每一个环节受到破坏都会对环境造成严重的损害。在这种情况下，积极从整体性出发进行环境艺术设计至关重要。从整体性出发，就应当综合考虑自然同人类的需求，促使构建的艺术作品能够形成一个自动循环的良性系统[4]。因此，设计过程中，还应当在大方面设计中牺牲一部分小的利益，并且从长远的角度出发，对环境艺术设计进行综合思考和把握。因此将艺术与生态二者之间的关系进行良好的协调也是环境艺术设计的关键，这一过程中，需要将当地的本土文化。植物与自然界有关的事物进行全面的考虑，从而保证安排与构建的科学性，此时内部结构得以优化。

三、生态性环境艺术设计实例分析—以桂林愚自乐园为例

1、选址

桂林愚自乐园于1996年始建，并由曹日章这位台湾企业家投资。桂林愚自乐园在构建过程中，最初的目标是为当代艺术提供一个良好的环境，为当代艺术的传承提供平台，并将我国的经典文化向全世界展现出去。而在设计过程中，是紧紧围绕这一目标进行的，并在其中融入了保护自然的理念[5]。从现在的角度来看，这一设计能够将山水的纯美进行充分的体现，促使人们在踏入桂林愚自乐园的时候就会感受到融入山水、被自然环抱的情怀。产生这种现象的主要原因就是其科学合理的选址。桂林愚自乐园能够促使自然环境同布局进行充分的结合，对桂林当地的青山绿水进行了充分的利用，同时还结合了地下天然形成的溶洞艺术，通过人工和现代科技的能力，构建了地景迷宫，灯光技术的有效应用，促使水底和溶洞呈现出千万种变化层次，同时，在波光潋滟的水景中，人们能够感受到大自然独特的仙境魅力，促使人们产生对大自然的崇敬和敬畏[6]。同时，通过对绿篱和矮树等天然和人工设备的应用，构建起了造型独特的迷宫，人们身处其中，会感受到盘旋和大自然的多种变化，不仅能够促使人们的生态保护意识得以增强，还能够得到智力上的开发。由此可见，科学合理的选址，是应用和实现生态性环境艺术设计的关键所在。这一过程中，不仅要将当地天然的环境和生态资源进行充分的利用，还需要设计师们经过精心的设计，将当地的特色与科学技术进行紧密的结合，从而为人们创造出更加独特而宝贵的艺术品。然而，尽管桂林愚自乐园进行了科学的选址，构建过程中，也对当地的山水景色等进行了充分的利用，但是，桂林愚自乐园的设计并没有仅限于此，而是积极邀请了世界各国著名的艺术设计师参与到了设计当中，并针对当地的环境、景观和地理位置等设计了不同的作品[7]。现阶段，桂林愚自乐园当中已经用过二百多件来自不同艺术家之手的雕塑作品，分别位于桂林愚自乐园当中的山脚下、松林中等不同位置，体现出了不同的艺术境界。

2、对本土文化的应用

近年来，在科学和信息技术飞速发展的背景下，我国的经济和社会发展速度加快，在这种情况下，我国广阔的国内市场受到世界各国的关注，其为了能够在我国市场当中占据优势，甚至运用外来文化来向我国进行倾销，这种现象一定程度上削弱了我国人民的本土意识。现阶段，我国很多公民日常生活中，一味的认为外来文化和产品才是最好的，这种行为和思想不利于我国传统文化中的精髓被发扬和传承，在这种情况下，积极进行生态性环境艺术设计的过程中，应当积极融入本土文化，促使人们能够在日常生活中体会到我国文化的精髓和深刻性。桂林愚自乐园在构建的过程中，就能够将当地的本土文化进行了充分的传播。秀丽委婉可以说是桂林地区人们和山水景色的最大特点，因此在构建桂林愚自乐园的过程中，设计者们就将这一特点发挥到了极致[8]。在这种情况下，桂林愚自乐园在呈现出各国著名设计师不同设计作品的过程中，也充分运用了“小桥流水人家”的设计理念。例如，桂林愚自乐园在整体设计过程中，设计师根据当地地形和地质条件，在图纸中构建了露天剧场、艺术村、创作生活区等多个生活区域，充分体现了桂林地区人们细腻的感情体会。而根据当地山水的细腻，有设计了日观湖景区和甲漓水工程;同时，针对当地独特的洞窟艺术而言，又制定了专门的开发计划。这种设计方式，将桂林当地的本土文化充分的展现了出来，不仅为工程节省了大量的资源，同时还能够创作出更加高尚的艺术。再如，桂林愚自乐园中的史洞窟的构建，依山而筑，一共拥有1.5公里的长度，其构建过程中，在当地自然景观和本土文化的基础上，充分应用了浮雕和笔试等技术，在艺术洞窟当中，会邀请不同风格的艺术家进行不同类型的设计，并最终将这一独特的设计掩埋与桂林山体的腹内，从而对当地自然景观进行充分利用的同时，也将古今中外的美术艺术进行了良好的保存和传扬[9]。由此可见，增加对当地本土文化的应用和传扬，在生态性环境艺术设计中具有不容忽视的重要性。

结论：

综上所述，近年来，我国在积极加强环境和生态保护的过程中，全国大范围的开展了生态性环境艺术设计，桂林愚自乐园是我国著名的文化艺术项目，在设计和构建过程中，充分应用了生态性环境艺术设计理念，通过对桂林当地的溶洞景观进行开发，再加上艺术大师设计的雕塑，成功的为人们搭建了一座活的博物馆，不仅有利于当地生态和环境系统的良性循环，更有利于将我国的传统文化进行广泛的发扬和传承。(作者单位：广西师范大学漓江学院)课题：生态艺术的创意文化产业生产方式研究

参考文献

[1]唐果.基于生态性的衡山萱洲古镇环境艺术设计研究[D].湖南大学,2012.

[2]肖璇.论中国梅山文化生态园环境艺术设计中的文化性表达[D].湖南大学,2010.

[3]宋霞.基于生态文明观下的现代环境艺术设计的分析[J].现代园艺,2015,02:78.

[4]郭威.珠三角地区中小城镇广场优化设计研究[D].华南理工大学,2014.

[5]曲含怡.可持续发展理论在环境艺术设计专业教学中的应用[D].哈尔滨师范大学,2014.

[6]刘征.生态审美范式下我国艺术设计专业本科美育课程体系的创新思考[D].北京印刷学院,2008.

[7]冯涛.中国传统建筑中的吉祥文化及其在现代环境艺术设计中的应用研究[D].西安建筑科技大学,2008.

[8]宋歌.关于城市环境艺术设计和“生态设计”的分析[J].艺术品鉴,2015,11:20+110.

[9]于冬波.生态城市规划中环境艺术设计的研究[D].东北师范大学,2006

近几年来,艺术类专业在高校专业设置中如雨后春笋般涌现,从利用多学科的资源开发设计教育市场、拓展设计专业领域、培养艺术设计专门人才的角度来说,无疑起到了重要作用。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：高职艺术设计实训课教探析

【摘要】当下我国所使用的图案实训课程已经脱离了当今高职学校艺术设计专业的学习和课程需求，在图案实训课程的教学活动中，削弱了写生的次数和内容，增加了传统纹样的应用内容，为了培养学生的现代设计理念，充分发挥他们的创新力和创造力，使学生真正意义上掌握现代的设计理念，兵并且通过对设计材料、制作工艺、制作成本的大概估算，从而丰富学生对图案的应用的相关认识和设计技能以及设计理念。

【关键词】图案;实训;设计

在现在的教学实践活动中，应该减少图案课程编排中变形方面的比重，在题材的选择和变现方式上更加倾向自由随意的风格。

(1)在课程设计和安排上，应该尽量条理化和清晰化图案设计的设计规律的讲解，教师在课程中就应该让学生在实践活动中，自己发现规律、自己总结规律，这种规律类似于学科知识，枯燥无味，过于枯燥晦涩的规律往往会限制住学生的跳跃性思维，尤其是处于思维极度发展的青少年，过于规律化的条理性规律会将学生局限在这些规律之中，使学生在思考问题时无法跳出来，遇见任何事情都习惯用这个规律去解决，从而导致作品生硬呆板，缺乏个性和创意，通过变形，我们可以让学生自己去总结总结自己作品中表现出的规律，从而让学生更加深入的理解图案设计中所存在的规律。

(2)21世纪是一个青春非常，充满个性的时代，较之前相比，每个人的审美理念和时尚观念都发生了天翻地覆的变化，我们现在所处的社会已经进入了一个崇尚自由民主、思维跳跃的时代，而图案设计作为美化生活的一个有力武器，就更应该灵活多变，体现当代人多变的性格。也就是这道理，我们不必再将自己局限在之前设定好的条条框框里，我们可以放开自己的思维。作为授课教师，不要谈“变形”色变，而更应该紧跟现代发展的潮流，充分体现当代设计理念和潮流，不必再跟“几何”等概念牵扯。新的时尚观念也带来了新的图案理念，自由跳跃的画风可以在最大程度上培养学生的创新观念，有利于学生设计潜力的发挥和培养。

(3)教师在授课中，要增强教学内容的连贯和互动。尤其是在实训课中，要贴近艺术，满足艺术设计课程的要求，把之前单独设计的动物、植物、人物、景物等课程融会贯通起来，发展成为多种方面的多方面训练。学生可以选择自己感兴趣的话题进行选择。同时教师要注意到不同学生所存在的不同的优势，要有针对性的进行训练，要单独进行辅导，并且要强调在表现手法上不能在过于拘泥，可以把所学过的所有的表现手法进行归纳和选择，这样不仅可以提高学生的设计能力，也能提高学生的审美观念和意识。

一、必须对中国传统纹样进行深入的记忆，以及熟悉外国传统纹样

随着中国改革开放的发展，中国越来越融入了世界的潮流，外国文化不断涌入中国，使得中国传统的文化难以得到继承和发挥。现在的学生对于中国传统文化知识的缺乏已经成为大家公认的事实。在课堂中，由于各种教学工具的使用，学生对传统文化的学习也缺乏重视和激情，在要展开设计时，往往面临的就是没有灵感没有思维，在面对复杂难懂的纹样图案时，往往又表现出了不耐烦和缺乏耐心。为什么会产生这种情况?究其主要原因，就是学生缺乏对中国传统知识的理解和认识。所以说，在传统的图案教学活动中，最主要的就是教会学生重视当今传统的图案纹样，为自己铺平设计之路。让学生试图自己总结传统图案设计的规律。如何能准备把我住传统纹样设计的精髓，我认为最主要的就是在学习中，把握住每个图案的造型类型、色彩搭配、构图方式等等，并对这些加以总结，只要将这些进行仔细的归纳和分析，我们才能在最大程度上把握古人的设计理念和设计精髓。

二、结合传统图案设计理念进行创新

其实仔细研究便可发现，学生在对传统纹样设计进行学习之时，往往存在很多的学习误区。比如：没有灵感，照搬照抄源设计，要么就是对源设计进行简单的修改，换汤不换药，其所表现的作品枯燥乏味，没有生动性。何为重塑，就是对传统的作品进行回炉重造，重点体现创新观念。在课堂实际的教学活动中，要让学生根据当今流行的时尚设计理念，当今季度所流行的畅销元素，对经典进行重新解释和再造，体现自己的创新理念，表现自己的设计思维和理念。让自己的作品更多的贴上时代的标签。赋予它时代意义。

三、结束语

综上所述，我们所做的这些，都是为了让学生把握住图案实训课程的精髓所在，提高学生的设计水平。一方面可以提高学生对枯燥乏味的课程的学习兴趣，另一方面，也可以通过实训，让学生体会到图案与时代之间的密切关系，让自己的作品更多的被赋予时代含义。这样不仅可以让学生的学习和见解视野更加的开阔，就可以进一步的引导和激励学生，使学生朝着正确的设计之路上顺利前行。除此之外，我们还可以采取更加有趣的方式增强学生的动手能力。我们可以将学生已经设计完结的作品进行一些一些小小的改动，可以将这些作品移植在短袖、一次性纸杯、陶瓷杯等实物上，这样的话，不仅可以提高学生动手参与的热情，还可以增加实训课程的乐趣，活跃课堂氛围，以一种最直观的方式将作品体现在实际生活当中，让学生理解作品设计与单纯的艺术构想方面的差别。自由这样，学生才会想要动手，才会愿意动手。动手能力才会得到你最大的提高。

【参考文献】

[1]盘湘龙.《设计管理》课程教学改革与研究探讨[J].文艺生活(艺术中国),2011,06.

[2]黄尔.模拟公司模式授课制在艺术设计专业的作用[J].资治文摘(管理版),2009,03.

[3]曾超.艺术设计专业教学改革初探[J].淮北煤炭师范学院学报(哲学社会科学版),2007,03.

[4]杨频.动静相宜，教学相长——情景教学在《中医护理》教学中的应用[A].甘肃省中医药学会2009年学术研讨会论文专辑[C].2009.

[5]葛剑虹.强化实践教育——“光电子学”课程教改探索[A].2006～2010年教育部高等学校光电信息科学与工程专业教学指导分委员会及协作委员会2009年全体会议论文集[C].2009.

艺术设计专业毕业论文范文二：高职艺术设计教学改革思考

[摘要]当今社会已经进入高科技时代，信息的快速发展和不断进步的社会科技元素，使艺术设计不再单纯地停留在一种艺术类型的层面上，而成为社会发展和社会文明的一部分。但是高职高专的艺术设计教学存在诸多问题，迫切需要改革。

[关键词]艺术设计;审美水平;改革

本科的艺术教育就像是母体，而高职高专的艺术设计并没有从这个母体完全地分离出来，所以，高职高专的艺术设计本身的特点就不能够明显地凸显出来。只有把社会市场的人才需求和高职高专的教学改革结合起来，才能够实现更好的发展。

一、艺术设计本身就是一种综合艺术

艺术设计的范畴不是单一的，它包含诸多组成部分。工业设计、装潢装修设计、产品设计、广告宣传设计，甚至还包含环境设计这些内容。高职高专艺术设计的教育意义在于为诸多设计领域培养专业的、高技能的从事相关领域的人才，使这些人才不仅能够熟练地掌握艺术设计的深刻内涵，还能够更好地为职业岗位服务。

二、高职高专教育当前阶段存在的一些误区

职业教育应该以市场为向导，在市场的引领下安排人才培养计划。但是目前的现状是高职高专艺术设计教育没有形成科学的、准确的定位，并不能完全地从本科教育的模式当中分离出来。这样，就不能完全符合教育部“高职高专教育就是就业教育”的定位要求。教育本身的定位不准确，因此不能对教育的改革进行正确的认识，更不能够凸显特点，发挥特点。高职高专教育的存在，说到底是为了技术的应用而存在的，或者说是为了就业存在的。高职高专的艺术设计就是为了培养应用型的艺术设计人才方便就业存在的，所以，就应该发挥高职高专教育的职业性特点，这样才能够对市场有实用性，对教育有有效性。对高职高专教育进行改革，可从以下几点入手：

(一)教学目标的确立应该遵循就业为主的原则

高职高专的艺术设计教育并不在于培养学生自身的艺术修养，而在于实现学生的就业目的。想就业就得符合市场需求。高职高专教育是为了培养技术应用人才，在于满足市场的职业要求，适应社会主义市场经济的发展，而不是单纯地培养学生的审美水平，因此，教师应在市场和就业的引导下，培养技术型人才，在教育教学过程中找准市场的需求和经济的走向制订教学目标和开展教学课程是非常必要的。

(二)建立起使用的课程体系

艺术设计教学的改革应该从基础抓起，让学生在适应基础课程的条件下，注重自身的应用性和实践性。学生的基础教学应该远不止于单纯的技巧传授和经验传授，而应该更加注重专业课的基础，这样才能够在掌握一定的艺术设计的知识的前提下使教学成为名副其实的实用性教学。只有在掌握了一定的基础上，学生才能在教学的过程中“举一反三”，才能够在实际就业的应用中得到良好的发挥。

(三)注重实践，在实践中总结经验，促进改革

在高职高专的教学设计中，实践是一个重要环节。在实践中，高职高专学生的艺术设计能力可以得到培养，在实际的工作中就可以做到学有所用，不至于在工作就业之后缺少工作实际经验而造成纰漏。在高职高专教学设计上，实践还是帮助学生技能训练的一项重要渠道。促进高职高专艺术设计的教学改革是一项长久而又艰巨的任务，做好这项任务是每个艺术设计教育工作者的责任。这项任务不仅是为了高职高专艺术设计学生的长远利益，同时也是为了高职高专艺术设计的众多老师的长远利益。教育工作者应该把教育的最终目的放在为社会服务的宗旨上，这样才能够把高职高专的艺术设计教学改革放在首要位置，才能更好地推进改革的发展进程。

参考文献：

[1]罗杰?怀特.现代设计艺术[M].北京：华夏出版社，2005.

[2]李光.深化高职高专教学改革中的四个关键问题[D].开封大学学报，2007.探讨高职高专艺术设计教学改革

随着中国经济的飞速发展,中国的艺术设计领域开始迎来生机蓬勃的春天,中国也逐渐成长为世界上最大的设计教育国家,艺术设计专业成为了中国最热门的专业之一。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文，供大家参考。

艺术设计毕业论文范文一：高职艺术设计教学改革思考

[摘要]当今社会已经进入高科技时代，信息的快速发展和不断进步的社会科技元素，使艺术设计不再单纯地停留在一种艺术类型的层面上，而成为社会发展和社会文明的一部分。但是高职高专的艺术设计教学存在诸多问题，迫切需要改革。

[关键词]艺术设计;审美水平;改革

本科的艺术教育就像是母体，而高职高专的艺术设计并没有从这个母体完全地分离出来，所以，高职高专的艺术设计本身的特点就不能够明显地凸显出来。只有把社会市场的人才需求和高职高专的教学改革结合起来，才能够实现更好的发展。

一、艺术设计本身就是一种综合艺术

艺术设计的范畴不是单一的，它包含诸多组成部分。工业设计、装潢装修设计、产品设计、广告宣传设计，甚至还包含环境设计这些内容。高职高专艺术设计的教育意义在于为诸多设计领域培养专业的、高技能的从事相关领域的人才，使这些人才不仅能够熟练地掌握艺术设计的深刻内涵，还能够更好地为职业岗位服务。

二、高职高专教育当前阶段存在的一些误区

职业教育应该以市场为向导，在市场的引领下安排人才培养计划。但是目前的现状是高职高专艺术设计教育没有形成科学的、准确的定位，并不能完全地从本科教育的模式当中分离出来。这样，就不能完全符合教育部“高职高专教育就是就业教育”的定位要求。教育本身的定位不准确，因此不能对教育的改革进行正确的认识，更不能够凸显特点，发挥特点。高职高专教育的存在，说到底是为了技术的应用而存在的，或者说是为了就业存在的。高职高专的艺术设计就是为了培养应用型的艺术设计人才方便就业存在的，所以，就应该发挥高职高专教育的职业性特点，这样才能够对市场有实用性，对教育有有效性。对高职高专教育进行改革，可从以下几点入手：

(一)教学目标的确立应该遵循就业为主的原则

高职高专的艺术设计教育并不在于培养学生自身的艺术修养，而在于实现学生的就业目的。想就业就得符合市场需求。高职高专教育是为了培养技术应用人才，在于满足市场的职业要求，适应社会主义市场经济的发展，而不是单纯地培养学生的审美水平，因此，教师应在市场和就业的引导下，培养技术型人才，在教育教学过程中找准市场的需求和经济的走向制订教学目标和开展教学课程是非常必要的。

(二)建立起使用的课程体系

艺术设计教学的改革应该从基础抓起，让学生在适应基础课程的条件下，注重自身的应用性和实践性。学生的基础教学应该远不止于单纯的技巧传授和经验传授，而应该更加注重专业课的基础，这样才能够在掌握一定的艺术设计的知识的前提下使教学成为名副其实的实用性教学。只有在掌握了一定的基础上，学生才能在教学的过程中“举一反三”，才能够在实际就业的应用中得到良好的发挥。

(三)注重实践，在实践中总结经验，促进改革

在高职高专的教学设计中，实践是一个重要环节。在实践中，高职高专学生的艺术设计能力可以得到培养，在实际的工作中就可以做到学有所用，不至于在工作就业之后缺少工作实际经验而造成纰漏。在高职高专教学设计上，实践还是帮助学生技能训练的一项重要渠道。促进高职高专艺术设计的教学改革是一项长久而又艰巨的任务，做好这项任务是每个艺术设计教育工作者的责任。这项任务不仅是为了高职高专艺术设计学生的长远利益，同时也是为了高职高专艺术设计的众多老师的长远利益。教育工作者应该把教育的最终目的放在为社会服务的宗旨上，这样才能够把高职高专的艺术设计教学改革放在首要位置，才能更好地推进改革的发展进程。

参考文献：

[1]罗杰?怀特.现代设计艺术[M].北京：华夏出版社，2005.

[2]李光.深化高职高专教学改革中的四个关键问题[D].开封大学学报，2007.探讨高职高专艺术设计教学改革

艺术设计毕业论文范文二：高职教育艺术设计项目制课程实践

[内容摘要]项目制课程作为职业教育教学模式的改革方向之一，受到越来越多高校的重视。但是，很多项目在执行中无法摆脱原有教学体系的制约，出现“新瓶装旧酒”的现象。珠海城市职业技术学院“工作室制”下的项目制课程实践，通过知识细分，提高学生的职业技能;通过分小组合作，提高学生的敬业精神、合作意识。

[关键词]项目制课程;知识;技能;素质

项目课程是指以实际工作任务为中心选择组织课程内容，并以完成工作任务为主要学习目标的课程模式。珠海城市职业技术学院艺术设计专业“工作室制”的项目制课程，以项目打通课程之间的壁垒，项目的推进就是知识的更新、技能的提升、职业能力的升级。知识传授、技能训练和设计力培养贯穿工作室制定的3年培养计划的全过程，和企业用人需求完美对接，实现项目学习内容与岗位工作内容的一体化。

一、“工作室制”下的项目制课程与一般项目制课程的区别

一般项目制课程中知识传授的学科性强、实用性不够。珠海城市职业技术学院“工作室制”的项目制课程设置突破了学科制课程体系的限制，建立以就业岗位为导向，以职业技能习得为中心的项目体系，以工作室为教育教学管理的主体，实现教学过程与工作过程的对接。

(一)“工作室制”下的项目课程设置

一般的项目制课程体系设置以独立的课程为单位，项目的内容由科任教师自主安排，独立的教学规划和项目操作使各个项目互不关联。项目的开始和结束是以课程时间的安排为准绳，不符合真实环境下的工作状态。“工作室制”下的项目制课程打通了不同项目之间的关联，前一个项目的训练内容能够为下一个项目的展开打下基础，下个项目是前一个项目的巩固与提高。上下游项目之间的关联性增强了，知识和技能的体系在项目执行中融会贯通。项目的递进式设计与项目执行时间的弹性设置是艺术设计专业工作室制下的项目制课程的主要特征之一。

(二)“工作室制”下的项目制课程管理

“工作室制”下的项目课程的另一个主要特征是项目管理的一贯性与项目评价的综合性。工作室导师制实行三年一贯制，既履行传统班级中班主任的职责，做好班级的日常管理，又是班级的主课教师，完成工作室大部分课程的实践教学工作。这种一以贯之的管理，能够确保不同项目课程都为工作室制定的培养目标服务。项目成果评定包括：技术分、成果分、态度分。技术评分以操作技能的熟练程度和项目成果的实现难度为标准;成果分以最终设计的视觉效果为标准，主要考核设计理念和设计的实用性;态度分包括考勤考核以及协作意识等。技术分和态度分由工作室负责人评定，成果分由项目委托方按等级评定，虚拟项目则由工作室邀请相关企业或设计公司相关部门主管评定，使项目教学和市场应用对接。

二、“工作室制”下的项目制课程知识的习得

知识是人们在改造世界的实践中所获取的认识和经验的总和。某门学科的发展、某项技术的进步总是以相应的认知为前提，最后通过经验的总结得出一般的认识。高职类艺术设计类专业基本上以软件的操作为主要的工作手段，而熟练的软件操作能力并不能够保证会创作出优秀的设计作品。这就要求学生在掌握设计技术的基础上，具备创意设计的能力。“工作室制”下的项目制课程的引入，是以项目为依托来传播知识、传授技能。通过项目设置的承接性，构建学生在相关专业上的知识体系。

(一)项目细分和学科基础知识结构相结合

艺术设计专业“工作室制”下的项目制课程设计中要体现知识先行的观念，在项目制定时把项目分为若干个任务，每个任务中都包括知识、技能和项目训练。把知识的讲授和巩固作为课程授课的基础。比如：广告设计工作室的广告实务项目课程引入××项目，这样就可以把项目分为：××品牌的广告调查、××品牌产品分析、××品牌目标消费群体分析、××品牌广告创意、××品牌平面广告设计等部分，把各个任务的最终成果综合在一起就构成了一个完整的××项目策划案。项目细分的过程就是知识细化的过程，把各个任务涉及的知识分别传授，通过任务把知识应用到操作实践中去。在最后的整合中，指导学生把项目制作的各个部分综合起来，检验项目制作各部分的统一性，达到掌握知识、运用知识的目的。

(二)一般知识和项目知识相结合

把“从实践中来、到实践中去”的认知规律应用到项目制课程教学中。在项目实施的开始阶段，明确任务完成所需要掌握的知识结构;然后引导学生进行案例分析和实操练习，总结得出项目任务的一般知识和一般操作步骤，完成从特殊到一般的归纳和总结;接着布置项目任务，通过上一步总结得到的一般规律或者方法指导分析具体的项目任务，即所要完成××项目的××任务，把总结得到的知识应用到实践中去;在任务完成阶段，结合任务完成的情况对所学知识进行综合讲解。

三、“工作室制”下的项目制课程技能训练的要求

艺术设计专业工作室制下的项目课程要针对专业面对的岗位群和相关岗位对专业技能的要求，设置虚拟训练项目或者引入真实项目。由于艺术设计工作具有一定的创造性，这要求工作室在设置项目训练的过程中要把一般技能和具体应用相结合，把多能和一专相结合。

(一)一般技能和具体应用相结合

艺术设计专业工作室制下的项目制课程的重心环节就是技能的训练和提高。在技能训练的过程中要求强调一般技能的熟练掌握。一般技能包含设计工作的基本流程、基本操作步骤以及基本操作规范。一般技能是进行设计创作的基础，只有熟练掌握这些基本技能才能在具体的设计制作中发挥主观能动性和想象力。具体应用是学生熟练掌握一般技能的途径，通过具体应用还可以提高学生的创造力和设计能力。这种不能够用语言言明的能力，只有通过应用练习才能够获得。工作室引入的真实项目使学生的操作技能、应用能力以及创意设计和市场无缝对接。

(二)多能和一专相结合

艺术设计专业“工作室制”下的项目制课程在实施中要体现一专多能的特点。专业特长是学生就业和立足的根本，也是培养高素质技能型人才的基本要求。在项目执行的过程中要抓住核心技能，强化练习，要求每个学生在这方面都能够独当一面。工作室制下的项目制课程可以为难度系数比较大的技能练习提供充足的弹性课时，保证技能训练的有效性。高职生作为未来工作一线的骨干、技术员、指挥者，这就要求他们不但要掌握高超的专业技能，还要掌握和专业工作相关的基本技能。工作室的小组协作完成项目任务的学习模式有利于学生对与设计相关领域的知识技能的掌握，既突出了主要矛盾，又兼顾次要矛盾，把项目主要训练的技能和关联技能相结合，达到最佳的练习效果。技能是就业的保障，知识是职业提升的基础，素质是事业发展的必要条件。艺术设计专业工作室制下的项目制课程在设计上要体现实践—理论一体化的教学方针，把技能传授、知识传播和素质的提升融入到项目教学的各个环节中去，培养受企业欢迎的合格艺术设计人才。

参考文献：

1.程波.高职高专“项目制课程”的开发设计.职业技术教育,2007

2.朱小平,刘根平.关于项目课程改革的几点建议.交通职业教育,2008.6

随着艺术设计事业的蓬勃发展,艺术设计越来越受到大家的关注,而其中创造性思维在艺术设计中的应用也成为了大家谈论的焦点之一。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文，供大家参考。

艺术设计毕业论文范文一：全息与现代艺术设计研究

摘要：全息技术，最开始在1948年被发现，到21世纪的今天它得到了越来越广泛的运用。全息影像技术随着科技的飞速进步也在发展，它就像一个鲜活的细胞，不断被激活复制培养，不断被创新运用。艺术设计与全息技术的恰当运用，使其效果产生翻天覆地的变化，称得上是锦上添花。而关于全息的未来，相信它的发展会为人类带来越来越新鲜，活力，刺激的体验。

作为一种新兴的技术，全息技术近几年甚至发展深入到人们的各种生产生活之中，并得到愈来愈充分广泛的应用。随着科技的进步，全息影像技术在不断的向前发展，并被逐步运用到现代人生活的各个角落。全息正伴随着人类迈向不能预见的未来。全息(holography)(来自于拉丁词汇，whole+drawing的复合)，特指一种技术，从他的复合英文whole+drawing这两个词中，不难观察到全息代表的是对物体的全方位的描摹，也就是口语中所说的“3D效果”。这是近些年来极其流行的一种高科技技术手段，它是通过一种特殊设备展示方式，把事先制作好的内容展示成一种新的特殊的立体的形式的方式。它的特别之处是既可以使不复存在的物体能够被重现，并使其位置和大小同之前一模一样，也可以把目前不可实现的概念事物得到展现，这些都是三维立体的非常具有时尚感，空间感，科技感。一般的三维图像只是二维的平面上通过构图及色彩明暗变化实现人眼的三维感觉，而全息图像则包含了被记录物体的尺寸、性状、亮度和对比度等信息，能提供“视差”。

全息影像的特点。全息技术是计算机技术、全息技术和电子成像技术三者相互融合的产物。全息影像是立体呈像，使在体验之中的任何人不用使用其他设备，在视觉感受下，通过全息影像的再现出来的物体与它的原物完全相同。虽然全息影像使物体的立体现象得到实现，并且它也能够使观众看到呈像物体的不同角度，但是它只可被用作为一种展示的手段，而呈现出来的物体却是摸不着的。以下是它的突出作用：(1)再造出来的立体影像有利于保存珍贵的艺术品资料进行收藏。(2)拍摄时每一点都记录在全息片的任何一点上，一旦照片损坏也关系不大。(3)全息照片的景物立体感强，形象逼真，借助激光器可以在各种展览会上进行展示，会得到非常好的效果。全息影像发展到今天，在人们生产生活所处的各个领域上面都存在对于它的应用。尤其是在在强调艺术与科技的现在，全息技术的发展对艺术设计作品的展示提供了更富余的空间。摄影方面。全息成像的运用成为一种高端的时尚，用来提升形象。运用了全息成像的画面，空间感十足，立体感强、形象更加逼真、信息量答到更大，所以全息摄影的用途变得非常广泛。在我们普通的日常生活中，全息摄影技术应用的例子有很多，比如一些图书背面、信用卡、纸币上和烟酒包装上的发光的贴纸就是全息图像，从不同角度观察会发现它们确实是立体的图像，它们是用来实现防伪的目的，而这些都是全息影像的刚开始的应用。把一些珍贵的文物用全息摄影技术拍摄下来，待到展出时可以真实地并且三维立体的再现文物的外观，参观者欣赏时可以获得更加全面的文物信息，而原物则可以妥善保存。

对于广告策划展示的行业来说，如何使物品产品吸引观众的眼球从而打动到消费者的心理是销售的最终目的，那么如何把物品产品展示的生动又酷炫是他们的解决问题的关键。运用全息影像的展示，将三维画面悬浮在实景的半空中成像，营造了亦幻亦真的氛围，效果炫目，科技感十足。生活节奏的加快，人们对生活的质量并没有减弱，对于舞台的审美态度也变得以越来越刺激为目标，传统舞台上面的对于声光电技术的运用，已经渐渐不能满足台下观众对于视觉上的冲击力的要求，因此舞台设计的创新度要变得越来越高，于是全息投影技术的运用就必不可少了。2013年亚洲天王周杰伦的2013魔天伦世界巡回演唱会中运用了全息投影技术，把邓丽君隔空请到了演出现场，带来了不可思议的又震撼的体验效果。全息投影的时装秀是全息与服装的创意结合。运用高科技的手段，不仅可以吸引T台下面观众的眼球，而且更加增加了品牌的感召力也让消费者感受到品牌的与时俱进的活力与实力。Disel时装发布T台秀中全息投影技术的运用，不断变换呈现的全息影像画面把整个秀不断推向一个又一个高潮，艺术与技术的创新恰当融合，把一场服装秀变成了一场时尚的科幻大片，它给观众展示了一场视觉盛宴。在影视方面，全息影像的应用可以称得上是大大推进了它的发展。运用全息技术可以把天马行空的想象以以假乱真的形式实现，几乎解决了科幻电影中似乎让人不可思议的场面不能得到视觉呈现的问题。此后，电影的内容变得异常丰富，场景画面也异常生动。《普罗米修斯》电影，构思奇幻，贯穿整个影片的透明显示屏，投影墙，投射了未来现实屏幕的趋势。人类全息技术，通过在头脑中录入事先存档的知识系统就能轻巧掌握各种技能，由此预测，在未来，学习知识变得轻而易举，未来的人类，每个人都可能是天才甚至全才。

全息正在一步步的贴近人们的生活。2014年7月17日，首款全息手机takee全息手机的问世，这款手机可以让你在各个角度感受浮在手机屏幕上的全息效果。2015年1月22日，微软发布了一款全息投影头戴设备Hololens。不久的将来，全息技术会得到更进一步的应用，更将会有更多全息产品的出现，丰富我们的生活。不过,目前对于全息影像技术的应用大都还停留在基础的阶段，但全息影像技术未来的前景远不局限于此。许多概念的设计被人类想象出来了，比如系列影片黑镜中，人们带着一片小小的隐形眼镜，可以在任何地方任何时间全息出你脑海中记忆的画面。全息技术的潜力更是巨大的，只要发挥无限的想想，未来的设计，不可估量。科学技术在进步，全息影像的技术也在不断的发展着，它被从虚拟的幻像逐步渗透到真实生活当中去。全息技术通过它独特的吸引力，占领着世界产业新领域，相信它的发展会为人类带来越来越新鲜，活力，刺激的体验。

艺术设计毕业论文范文二：中职素描艺术设计价值分析

【摘要】素描是目前我国很多中职学校的重要课程，是艺术设计专业最重要的基础课程，因为素描是艺术设计的基础和前提，通过素描的学习可以在很大程度上提升学生的抽象思维水平，这对于促进学生艺术设计质量的提高具有十分重要的帮助。本文基于此对素描在中职艺术设计专业中的重要价值进行了分析和研究，然后在此基础上指出了目前中职艺术设计专业素描的发展现状，并进一步指出了提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施。

【关键词】中职学校;艺术设计;素描;教学理念

一般情况下来说，素描是美术学习的一个十分重要的方面，通过素描的学习和训练，可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，从而为进一步促进和加强学生对艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，明确素描在中职艺术设计专业中的应用价值，然后在此基础上积极采取有效的措施，不断提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

一、素描在中职艺术设计专业中的重要价值

总体来看，素描在中职艺术设计专业中占有十分重要的地位，对于提高艺术设计的学习质量发挥着重要的作用。本文认为素描在中职艺术设计专业中的重要价值主要体现在以下几个方面：

(一)素描是艺术设计的基础和前提

艺术设计涉及的内容非常广阔，主要有平面广告设计、服装设计以及造型设计等，无论是哪一种类型的艺术设计都需要用到素描，因此可以说素描是艺术设计的基础和前提，这是素描在中职艺术设计专业中的重要价值和重要体现。具体来说，设计者想要提高艺术设计的质量，就必须要在正式开始艺术设计之前将自己的相关创意和想法进行展示，然后根据自己的草图再进行深入的加工和设计，在这个过程中素描就派上了大用场，因为设计者必须具备一定的素描基础才能通过草图的形式将自己的艺术设计的想法和创意进行良好地展示，从这个角度来说，素描是艺术设计的基础和前提。

(二)素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量

一般情况下来说，设计者在对实际的物体进行艺术设计的时候，通常会在脑海里对物体的线条以及画面进行整理和综合，然后通过素描的形式进行再现。从这个角度来说，设计在进行素描表现的时候，也是对自己的创意和理念以及思想感情进行表达的时候。通过素描的训练可以使设计者的创造能力以及想象能力和思维能力等得到良好的锻炼和提升，这对于能够激发创作灵感、提高艺术设计质量具有不可或缺的重要作用。因此，只有通过素描训练，才能使设计者在艺术设计的过程中更多地融入自己的感情和创意，从而设计出更加出色的艺术作品。因此，素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量。

二、目前中职艺术设计专业素描的发展现状

目前我国很多中职学校的艺术设计专业都开设了素描的相关课程，但是由于种种因素的影响，艺术设计专业素描实际的教学质量却没有太大的提升，而且还存在着各种各样的问题，这在一定程度上阻碍了素描在中职艺术设计专业中的重要价值的发挥。通过实际的调查和研究发现，目前我国很多中职学校的艺术设计专业的素描教学依然采用以教师为中心的传统教学模式，在这种以教师为中心的教学模式下，素描教学的内容比较陈旧，并且教学的形式也非常单调，很难激发学生的学习兴趣和积极主动性。另外，教师为中心的传统教学模式注重通过教师讲授的方式来传达素描的相关技巧和经验等，而严重忽视了学生的自我发展和自主学习，从而阻碍了学生素描能力的有效提升，不利于学生的未来就业，而且还在某种程度上违背了中职学校应用为目的的教育理念。

三、提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量的具体措施

针对目前中职艺术设计专业素描的发展现状，我们应当积极采取更加有效的措施，努力提高素描在中职艺术设计专业中的应用质量。

(一)促进素描教学理念的创新和发展

一般情况下来说，教学理念对于教学活动和教学方式有着十分重要的影响，我们想要提高素描教学的质量必须要努力促进教学理念的创新和发展。随着时代的发展和进步，职业教育的相关教学理念也有了很大的发展和进步，目前我国的职业教育更加注重培养学生的能力，使学生学到真正的技术，从而有效增加学生的就业机会。因此对于中职学校来说，应当更加注重促进素描教学理念的发展和进步。具体来说，我们应当促进艺术设计课题的发展，使学生能够适应社会的发展需求，同时学校要不断提高素描教学过程中的创作意识，使学生在素描的实际学习过程中，感受到艺术的魅力和生命，同时提高自身的观察能力和思维能力，使学生能够更好地跟随时代的脚步，通过素描的学习设计出更好的艺术作品。

(二)树立以学生为中心的教学方法

教学方法对于教学质量的影响是直接的和重大的，因此中职学校必须树立以学生为中心的教学方法，努力提高素描教学质量。具体来说，树立以学生为中心的教学方法，教师可以将素描学习划分成为几个项目，然后将划分好的项目分别分配给不同的学生。接下来教师要帮助学生明确自己所应当完成项目的主要任务，然后在此基础上经过具体讨论确定项目的实施计划，在这种情况下，学生就会更加积极主动地学习和自己感兴趣的有关知识，同时还会促使学生加强互相交流与帮助，从而使学生能够提高素描知识水平。最后教师将各个不同的素描项目和相关的课程内容进行结合，在此基础上开展有效的实践教学，这样可以使学生的艺术创作能力得到有效提升，增强自身的实践创作能力。

(三)增加信息技术在素描教学中的创新应用

所谓增加信息技术在素描教学中的创新应用，主要是指教师可以通过信息技术的相关设备和手段来吸引学生的注意力，提高学生的学习兴趣。一般情况下来说，传统的素描教学方式主要是通过教师的单纯讲授来向学生进行知识的传递，在这种情况下学生的学习主动性不高。而通过信息技术的应用，可以使素描相关的知识内容通过图片以及视频等方式进行良好的呈现，这样既可以有效激发学生对于素描的学习兴趣，同时还可以有效提高学生对于素描知识的认识水平以及掌握程度。除此之外，通过信息技术的应用，还可以使学生对于素描知识进行更加形象立体的认识，这样就可以使学生的想象思维能力和艺术创造能力得到非常有效的锻炼，从而促进学生创造出更加有效的艺术作品。而且，通过信息技术的应用，还有助于提高教师的教学水平，因为在信息化的背景下，教师必须要不断加强学习，掌握更多的新知识和新理念，只有这样才不会与时代脱节，才能在更大程度上提高教学水平，因此通过信息技术的应用，有助于提高教师的教学水平。

总而言之，增加信息技术在素描教学中的创新应用对于提高中职学校艺术设计专业的素描教学质量具有重大帮助。

四、结语

综上所述，素描是很多中职学校艺术设计专业最重要的基础课程，学习素描可以使学生的抽象思维能力得到很好的锻炼和提升，为进一步促进学生加强艺术设计的学习打下良好的基础，因此，素描在中职艺术设计专业中有着非常重要的应用价值，这种重要的价值具体体现在素描是艺术设计的基础和前提，以及素描能够激发创作灵感和提高艺术设计质量等方面。但是由于种种因素的影响，目前我国部分中职学校的素描教学质量不容乐观，存在着各种各样的问题，我们必须要对目前中职学校的素描教学现状进行深入分析，然后在此基础上积极采取有效的措施，促进素描教学理念的创新和发展，加强新的素描教学方法的应用，增加信息技术在素描教学中的创新应用，只有这样才能真正提高素描教学质量，真正促进素描在中职艺术设计专业中发挥重要的价值。

参考文献：

[1]黄斌斌.艺术设计专业结构素描教学审思[J].美术教育研究,2013(19).

[2]宋协海.艺术设计专业素描教学改革探索[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,2005(2).

艺术设计专业毕业论文的写作,有助于提高学生的综合能力,培养其严谨求实的作风,促进教学质量、和教师科研水平的提高。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文，供大家参考。

艺术设计毕业论文范文一：高等职业教育艺术设计教学思路

随着我国职业教育的发展，高等职业教育已从基础设施建设转变为内涵建设。内涵建设是指专业标准、课程标准、教学模式、师资培养等教学体系的建立与加强，就此，职业教育已形成了比较完整的理论构架，但其理论构架在各专业的应用还未取得系统的成果，各专业的教学体系还处于研究与探索状态。当今艺术设计专业也是经历了层次教育转向类型教育的过程，在发展成类型教育的背景下，如何重构符合高职教育发展规律的教学体系，在高职艺术设计教育融入职业工作情境中，艺术设计专业教学过程与职业工作过程互渗互融，是我们研究的重要课题。而在教学与实践探索的基础上，艺术设计专业关于项目教学也并不是一个全新的概念。传统项目教学模式一般是在学科体系之下学完理论知识之后，为让学生整合并应用所学知识而开展的一种教学活动，即“实践是理论的应用”理念下的应用式课程模式。这种课程模式无法使学生受到更多职业情境的熏陶，因而缺乏职业技术知识，特别是取得隐性知识的生成。“工作室制”项目教学是以工作任务为中心的聚合式教学模式，是把项目课程作为专业课程体系中的主体，实行课程的综合化和模块化，让学生在工作任务的引领下，树立“学习即工作，工作即学习”的理念;在工作过程中自主制订计划，自主开展学习探究活动，独立构建自己的行动知识和行动能力，促进隐性知识的形成。实质上，这种课程是一种以学生为中心的建构式课程模式，其目的是让学生在工作过程中受到职业情境的熏陶，得到工作过程的体验，从而真正主动地掌握就业所必备的技术知识和职业能力。在项目工作室教学体系中，学生不再是知识信息的被动接受者，而是在与教师以及实践的交互作用中，主动地建构着自身的知识和能力结构。学生变成了主角，并能够对教学内容进行自主地选择，对学习过程进行自我调整，超越了传统教学中的那种被动性与依附性。

在讨论、探索的过程中，学生学会了思考，学会了“学习”和创造。营造与实际工作岗位高度一致的学习环境和氛围，从而激发其内在的潜能。在对项目的设计学习过程中，要求学生具备以下能力：1.能力目标：引导学生学习各类设计风格，促进个性设计的发展，培养学生谦虚、好学、勤于思考、做事认真的良好作风，培养他们良好的职业道德与自学能力。2.知识目标：培养学生职业岗位适应能力，提高学生的创新精神与审美能力，掌握设计效果图的表现技法，能分析、制作各类设计效果图，通过“项目”教学模式的实施，掌握设计的整个流程。3.素质目标：培养学生的沟通能力及团队协作精神和勇于创新、敬岗乐业的工作作风。培养学生的质量、安全意识。同时促进学生实现由“适应能力”向“建构能力”的实际性转变，使之成为具有较强职业素养的社会职业人。

项目工作室制教学体系是将真实项目引入课堂，以工作室为单位，借鉴企业的管理方式，建立专业标准、课程体系、教学模式，并以此进行课堂管理、教学设计和教学评价的教学体系。第一，项目工作室制的教学体系是应对高职教育艺术设计专业人才培养的新要求而探索、实施的。目前，设计行业、企业的岗位在不断地细化，由于设计行业的特殊性，设计企业越来越倾向于一种非集约形式，这意味着岗位点不断细分的同时，设计企业还要求设计从业者具备设计能力、项目操作能力和团队协作能力。市场和企业人才需求的变化，对我们高职教育者在人才培养模式上提出了新的课题。因此，构建新的艺术设计专业标准，成为高职艺术设计专业发展的必由之路。第二，新专业标准的实施最根本的支撑点在其课程体系的建立上，如何建立“以工作过程为导向”的课程标准成为整个教学体系的关键。项目工作室的设立应以艺术设计行业、岗位作为依据，每个项目工作室，为应对设计行业分工日益细化的趋势，必须将设计流程按工作实际解构成为多个岗位，并按照其岗位能力培养作为课程内容的标准，从而形成岗位能力课程，再将各岗位、能力课程构成为整个项目工作室课程体系。项目工作室课程体系是以真实项目作为课程载体，作为课程资源的重要组成部分。真实项目的储备成为课程开发的重点。由于项目的时效性，一些项目的引进在实际操作过程中不可能与课程同步，因而，也就要求每一个工作室必须具备相关项目的协调能力，完善项目工作室的课程体系。第三，在新的专业标准和课程体系建立的同时，我们还要有相匹配的新的教学模式。在课堂管理上，通过“小组教学”强调教师和学生的一种交流式、互动性教学。一方面，“小组教学”模式符合现代设计企业、公司的日常管理方式，即依据项目来组织团队进行设计，这对于让学生提前感受企业、公司工作氛围有很大的帮助;另一方面，在“小组教学”模式下，学生的自主发挥性和团队精神得到训练。而教师置身于学生之中，参与讨论、研究，师生之间不再是单纯的“教与学”的关系，而是相互交流、共同学习。教师要用激励、理解、提醒的教学原则来发现学生的优点，充分提升高职艺术专业学生的自信心。

在教学设计上，教师改变以往照本宣科地布置作业的做法，一般采用以下教学法：1.项目教学法：围绕真实项目安排学生具体任务，在工作任务书中明确工作内容、要求、程序、完成时间。2.现场教学法：根据课程内容的需要，进行实地考察教学。如丈量作业现场尺寸，进行市场调研等。3.案例教学法：要求学生搜集项目方案的案例，并分析研究，拓展学生的视野，丰富学生的设计知识，提高学生的鉴赏能力。4.启发引导法：教师将知识点设计成若干个问题，给学生思考的空间，并对学生的思考或不完整的答案进行归纳，培养学生勤于思考的习惯。

在课程考核方式中，应执行“公司化”的考核机制，按照公司的管理模式进行考核。1.工作任务评价本门课程的工作任务，涵盖了课程需要的基础知识、专业技能、综合素质等所有内容，在单项评价中，对于主要知识点、技能点都有合理的权重设计，所以，根据工作任务完成情况，在各单项评价的基础上，进行评价，较全面、客观地反映学生的学习情况。2.基础理论与基本技能考核按照职业资格考试要求，以快题设计作为主要考试手段，对学生的基础理论与基本技能进行全面考核。3.工作过程(出勤情况)考核按公司的管理要求，严格执行考勤制度。4.总成绩计算实践教学占总成绩的60%，理论及大作业占总成绩的40%。总之，高职艺术设计教育只有根据艺术设计岗位工作体系构建教学体系，从工作结构中获得课程结构，深化课程改革，并以典型的设计项目为载体，才能逐步形成职业型、开放性、立体化的设计教育格局;才能与时俱进，适应市场变化;才能更好地培养适应工作岗位需求的新型高职艺术设计人才。

艺术设计毕业论文范文二：现代艺术设计中民间美术启示分析

民间美术是民间的人民群众依据生活需要和审美需要而自行创造的，与人们生活密切相关的，将生活实用性和精神审美性融为一体的民间艺术，它是自给自足的小农经济发展的产物，是中华民族人民的情感、思维和心理的一种寄托，且具备延续性，是民族情感的集中体现。它对于现代艺术设计产生的启示是多方面的，也是深刻性的。现代艺术设计也只有根植于民间美术这一源泉，才能够使设计出的事物体现出物质和精神上的高度统一。现代设计只有在应用民间美术的方面取其精华，去其糟粕，做到民间艺术为我所用，才能真正创造出体现中华民族心理归属感的真正艺术品。下面，我主要从民间美术的基本特性和现代艺术设计的基本特性来引出民间美术与现代美术的相关性，进而进一步探讨现代艺术设计可以从民间美术中获得哪些启示。

一、民间美术的基本特性

1、民间美术的生活实用性

民间美术的基本特性之一就是生活实用性，这种民间艺术品更多的是为了更好地运用于生活。因为在我国古代长期小农经济的经济背景下，人民多追求自给自足的生活理念，在这种观念引领下衍生出的民间艺术，也多是和经济适用性具有相关性的生活用品，只是这些生活用品经过长期的发展，与当代社会流行趋势不相吻合而逐渐没落，但是其中蕴含的是古代人们的艺术精神的结晶，其中的很多元素已经成为当今中华民族的标志性元素。比如，古代的小孩子穿的鞋子样式就有很多种，虎头鞋、无毒花鞋等，都是具备了很多美好的寓意，但其主要目的还是讲究实用性，是实用性与少许观赏性的有机结合，这种民间美术源于生活，最终又服务于生活，是民间美术生活实用性的典型体现。

2、民间美术的审美性

民间美术体现的另一显著特性就是审美性，但是这种审美性并不是贯穿我国古代社会发展的始终，只是在特定时代发展下衍生的产物，其体现的是当时社会中人们生活中的一种闲适状态，是在经济发展较为迅速的阶段才产生出来的，其艺术作品的审美性也是对当时社会生活状态的一种影射。只有经济发展能够满足人们的物质需要，人们才有可能在生活中有超越物质性的精神方面的追求。以清代的青花瓷为例，当时的经济政策为重农抑商，农业实现了较快发展，农民丰衣足食，也就有了闲暇在一些器皿上作出精美的图案以满足自己的审美需要。这种艺术品主要是为了满足精神上的需求而不是为了生活实用性，是为了给生活增添一种美感而实行的专门性的创造性活动。

3、民间美术的民俗性

我国的民间美术大多数都是与民俗有着千丝万缕的联系的，由民俗活动中衍生出来的民俗文化，大多都包含着人们对于美好生活的一种期许，因此，这些民间美术多有着其美好的含意，其本身的文化价值已经超越了物质性价值。比如我国民间美术中的一些象征性的事物，风筝、年画等，其制作材料并不是一些稀缺珍贵的资源，但是在式样成型后，却总能带给人们心理一种美好的感受，使人们的精神寄托。

4、民间美术的本原性

民间美术是由最初的本原进而发展到二元和多元的，也就是说，开始的艺术创造是不讲究实用性和审美性的，只是一种单纯的适应性行为，随着人脑的开化和生存环境的逐渐舒适化，人们才有了最初的实用性和审美性的模糊界限，将实用性和审美性明确分别开来又需要经过漫长的演变，进而才实现了最终的民间艺术的实用性偏向和审美性偏向。民间美术主要通过物质形态表现一种精神寄托，寓意会产生变化，但是物质载体却很少改变。

二、现代艺术设计的基本特性

1、现代艺术设计的经济性

首先，我们要明确一个概念，就是艺术设计和艺术创作在本质上是不同的。艺术创作主要是作者为了向世人传达自己的某种价值观而进行的艺术活动，其只注重最终的形象传达，对于实用性没有要求。但是艺术设计的目的之一便是能够产生实用性，为人们的生活提供相应的便利。这与当今的社会经济发展形势不无关联，艺术设计要想在注重物质化的环境下存活，就一定要具备一定的功利性特点，满足人们对于艺术品经济性的需求。

2、现代艺术设计的高科技性

科技为人们的社会生活带来了诸多便利，这是不争的事实，因此，高科技在现代艺术设计的广泛应用也是一种常态。电子计算机技术的飞速发展，为现代艺术设计带来了灵感，各种高科技物质设施和设计软件的出现为艺术设计这个行业注入了新鲜的血液，这种高科技性也确实能够完成诸多人力无法完成的项目制作，因此高科技的使用已经在现代艺术设计中实现了长驻。

3、现代艺术设计的社会性

社会性也是现代艺术设计所无法规避的现实，因为人们对于艺术设计的需求已经不再是从前的小众效应，现代艺术设计已经成为涉及社会方方面面阶层的一种必需品，遍及社会生活的各个角落。比如，楼梯的式样需要设计灵感的注入，现代意义上的楼梯已经超越了之前只注重实用性的时代，注重的是一种美感，要能体现出人们生活的一种态度，用当今社会的话来说就是要有一种“设计感”。一个简单的楼梯对于设计的需求尚表现如此，那么扩展到整个社会需求，可想而知，现代艺术设计已经无法规避社会性这一倾向了。

4、现代艺术设计的文化性

现代艺术设计不能规避的一个问题便是文化性方面的问题，不同的国家、不同的地区、不同的民族对于文化符号的运用都是不尽相同的，甚至会对一种文化符合的使用产生完全相反的含义。以此，在进行现代艺术设计时，就不得不考虑到这种状况。比如，许多国家是很喜欢绿色的，认为绿色是生命的象征，但是在日本、马来西亚、埃及等国家，人们认为绿色是不吉祥的，是灾难的象征。因此，在进行艺术设计时，这些文化因素都要被考虑在内，否则就不能实现理想范围内理想程度的传播。

三、民间美术与现代艺术设计的关系

民间美术与现代艺术设计在表现形式上看似毫无关联，许多人也认为民间艺术已经不能展现出当代人的生活状态和风采了，是一种过时的艺术。但是，只要对现代艺术设计稍有研究的人，便会明白一个亘古不变的道理，那就是现代艺术设计离不开民间美术艺术灵感上的激发，民间艺术与现代艺术设计有着共同的民族和心理起源，民间美术是对现代艺术设计的重要支撑。

1、民间美术与现代艺术设计关系的误区

有许多人认为，民间美术与现代艺术设计产生的经济背景、文化背景、政治背景和社会背景都不甚相同，因此民间美术是一种过时的艺术，并不能为现代艺术设计提供灵感上的支持，给予民间美术创作出的现代艺术设计也必将无法满足当代人们对于艺术的需求，必然是一种艺术上的失败品。这是一种对于艺术设计不甚了解的错误言论。中华文化源远流长，民间美术中蕴含的民族精神和民族特性不管经历了多长时间的演变，也不管社会主要形式发生了多少变化，只要是中华民族儿女，在民族心理认同感方面是有着无法改变的统一性的，民间美术相对于当今的现代艺术设计，也必然吸收了更多民族文化的精华。而且随着经济全球化的发展，现代美术设计还需满足国际上对于设计美感的接受度，民族的就是世界的，要想艺术设计在国际舞台上绽放不朽光彩，也一定要立足于民间美术，立足于民族的本源，只有这样，才能摆脱现代艺术设计无本之木的尴尬局面。

2、民间美术与现代艺术设计同源同宗

民间美术与现代艺术设计不管在表现形式上如何创新发展，其实两者都是由同一个艺术源头泛化出来的，我们暂时称之为原始美术。原始美术的产生最直接的目的是为了给其物质资料以装饰作用，在满足了物质需求的大前提下才会考虑到精神美感的需要。而且反观民间美术与现代艺术设计，都是将实用性摆在了首要位置，审美特性虽然是一个不可缺少的存在，但是它还是实用性的附属品。所以说，民间美术与现代艺术设计是有着相同艺术源头的艺术表现形式，两者同源同宗，现代艺术设计是可以从民间美术中汲取大量民族文化营养以增加自身文化积淀性的。

四、民间美术对现代艺术设计的启示

1、现代艺术设计必须走民族化的发展道路

在当今艺术设计领域流传着“民族的就是世界的”这句经典俗语，从这一观点中我们也可以得知民族文化对于现代艺术设计的中坚支撑作用，没有了民族化的东西融入设计中，设计就相当于没有归属，也自然无法使人们对此作品产生共鸣，那么这种设计产品也是五意义可言的。因此，现代艺术设计必须走民族化的发展道路。以服装设计为例，我曾经在日本一家高档百货大楼里看到过一件日本民族服饰与现代流行装扮有机结合的衣服，这件衣服充满了现代感，又可以使人在第一感觉上就能知道是融入了日本文化在其中的，为流行加入了沉重的民族文化积淀，这件衣服也吸引了众多人的驻足观赏，由此可见民族特点在现代艺术设计中的应用是多么重要。

2、现代艺术设计必须走人性化发展道路

民间美术十分讲究人性化，在情感表达与审美外形出现冲突时，其会不惜舍弃原定的审美外形，而力求将主要的情感表达完整展现出来。对于现代艺术设计者来说，人性化是必须遵循的一种设计理念，外形的表现力是掩藏不住其蕴含的真实情感传达的。

五、结语

民间美术对于现代艺术设计来说蕴含着无限的民族文化宝藏，现代艺术设计不能脱离民间美术这样一个具有长久中华民族文化积淀的文化源头。现代艺术设计应对于民间艺术采取取其精华，去其糟粕的借鉴方法，将古代审美灵活的运用到现代设计中去，以求更好地展现出现代设计的现代美感，这两者并不是相冲突的，只是在民族文化元素的使用上有所差异，其最终效果都是能够唤起人们内心的共鸣，使设计真正能够称之为艺术。

随着国家对文化领域的不断改革,文化市场逐渐走向了多元化发展的道路。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计类毕业论文，供大家参考。

艺术设计类毕业论文范文一：高职艺术设计实训课教探析

【摘要】当下我国所使用的图案实训课程已经脱离了当今高职学校艺术设计专业的学习和课程需求，在图案实训课程的教学活动中，削弱了写生的次数和内容，增加了传统纹样的应用内容，为了培养学生的现代设计理念，充分发挥他们的创新力和创造力，使学生真正意义上掌握现代的设计理念，兵并且通过对设计材料、制作工艺、制作成本的大概估算，从而丰富学生对图案的应用的相关认识和设计技能以及设计理念。

【关键词】图案;实训;设计

在现在的教学实践活动中，应该减少图案课程编排中变形方面的比重，在题材的选择和变现方式上更加倾向自由随意的风格。

(1)在课程设计和安排上，应该尽量条理化和清晰化图案设计的设计规律的讲解，教师在课程中就应该让学生在实践活动中，自己发现规律、自己总结规律，这种规律类似于学科知识，枯燥无味，过于枯燥晦涩的规律往往会限制住学生的跳跃性思维，尤其是处于思维极度发展的青少年，过于规律化的条理性规律会将学生局限在这些规律之中，使学生在思考问题时无法跳出来，遇见任何事情都习惯用这个规律去解决，从而导致作品生硬呆板，缺乏个性和创意，通过变形，我们可以让学生自己去总结总结自己作品中表现出的规律，从而让学生更加深入的理解图案设计中所存在的规律。

(2)21世纪是一个青春非常，充满个性的时代，较之前相比，每个人的审美理念和时尚观念都发生了天翻地覆的变化，我们现在所处的社会已经进入了一个崇尚自由民主、思维跳跃的时代，而图案设计作为美化生活的一个有力武器，就更应该灵活多变，体现当代人多变的性格。也就是这道理，我们不必再将自己局限在之前设定好的条条框框里，我们可以放开自己的思维。作为授课教师，不要谈“变形”色变，而更应该紧跟现代发展的潮流，充分体现当代设计理念和潮流，不必再跟“几何”等概念牵扯。新的时尚观念也带来了新的图案理念，自由跳跃的画风可以在最大程度上培养学生的创新观念，有利于学生设计潜力的发挥和培养。

(3)教师在授课中，要增强教学内容的连贯和互动。尤其是在实训课中，要贴近艺术，满足艺术设计课程的要求，把之前单独设计的动物、植物、人物、景物等课程融会贯通起来，发展成为多种方面的多方面训练。学生可以选择自己感兴趣的话题进行选择。同时教师要注意到不同学生所存在的不同的优势，要有针对性的进行训练，要单独进行辅导，并且要强调在表现手法上不能在过于拘泥，可以把所学过的所有的表现手法进行归纳和选择，这样不仅可以提高学生的设计能力，也能提高学生的审美观念和意识。

一、必须对中国传统纹样进行深入的记忆，以及熟悉外国传统纹样

随着中国改革开放的发展，中国越来越融入了世界的潮流，外国文化不断涌入中国，使得中国传统的文化难以得到继承和发挥。现在的学生对于中国传统文化知识的缺乏已经成为大家公认的事实。在课堂中，由于各种教学工具的使用，学生对传统文化的学习也缺乏重视和激情，在要展开设计时，往往面临的就是没有灵感没有思维，在面对复杂难懂的纹样图案时，往往又表现出了不耐烦和缺乏耐心。为什么会产生这种情况?究其主要原因，就是学生缺乏对中国传统知识的理解和认识。所以说，在传统的图案教学活动中，最主要的就是教会学生重视当今传统的图案纹样，为自己铺平设计之路。让学生试图自己总结传统图案设计的规律。如何能准备把我住传统纹样设计的精髓，我认为最主要的就是在学习中，把握住每个图案的造型类型、色彩搭配、构图方式等等，并对这些加以总结，只要将这些进行仔细的归纳和分析，我们才能在最大程度上把握古人的设计理念和设计精髓。

二、结合传统图案设计理念进行创新

其实仔细研究便可发现，学生在对传统纹样设计进行学习之时，往往存在很多的学习误区。比如：没有灵感，照搬照抄源设计，要么就是对源设计进行简单的修改，换汤不换药，其所表现的作品枯燥乏味，没有生动性。何为重塑，就是对传统的作品进行回炉重造，重点体现创新观念。在课堂实际的教学活动中，要让学生根据当今流行的时尚设计理念，当今季度所流行的畅销元素，对经典进行重新解释和再造，体现自己的创新理念，表现自己的设计思维和理念。让自己的作品更多的贴上时代的标签。赋予它时代意义。

三、结束语

综上所述，我们所做的这些，都是为了让学生把握住图案实训课程的精髓所在，提高学生的设计水平。一方面可以提高学生对枯燥乏味的课程的学习兴趣，另一方面，也可以通过实训，让学生体会到图案与时代之间的密切关系，让自己的作品更多的被赋予时代含义。这样不仅可以让学生的学习和见解视野更加的开阔，就可以进一步的引导和激励学生，使学生朝着正确的设计之路上顺利前行。除此之外，我们还可以采取更加有趣的方式增强学生的动手能力。我们可以将学生已经设计完结的作品进行一些一些小小的改动，可以将这些作品移植在短袖、一次性纸杯、陶瓷杯等实物上，这样的话，不仅可以提高学生动手参与的热情，还可以增加实训课程的乐趣，活跃课堂氛围，以一种最直观的方式将作品体现在实际生活当中，让学生理解作品设计与单纯的艺术构想方面的差别。自由这样，学生才会想要动手，才会愿意动手。动手能力才会得到你最大的提高。

【参考文献】

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[4]杨频.动静相宜，教学相长——情景教学在《中医护理》教学中的应用[A].甘肃省中医药学会2009年学术研讨会论文专辑[C].2009.

[5]葛剑虹.强化实践教育——“光电子学”课程教改探索[A].2006～2010年教育部高等学校光电信息科学与工程专业教学指导分委员会及协作委员会2009年全体会议论文集[C].2009.

艺术设计类毕业论文范文二：包装艺术设计下地域文化影响研究

摘要：商品包装体现了企业、产品的形象，现代包装艺术设计除了保护产品安全流通之外，还要对产品进行宣传。在现代包装设计中赋予鲜明的地域文化，可以吸引消费者的注意，从而达到营销的目的。因此，地域文化在现代包装设计中逐渐被广泛运用。本文简要的探讨了地域文化对现代包装艺术设计的影响。

关键词：地域文化;现代包装艺术设计;影响;消费

随着工业技术的发展，越来越多的产品出现在消费者的面前。包装作为产品流通过程中的重要环节，除了要保证产品安全运输销售之外，还要促进产品的营销。产品包装的成本、环保、吸引力等因素，决定了现代包装艺术设计水平的高低。如何合理运用地域文化来塑造产品形象，让现代包装成为沟通企业和消费者的重要桥梁，是当下包装设计师应注意的问题。

一、地域文化与现代包装艺术设计

1、地域文化的概念

由于的不同自然环境条件和社会环境条件的影响，人类在发展的过程中，不同地域、不同民族有其独有的语言、习俗、审美、文化等等，我们将其称之为地域文化。地域文化是地区发展的过程中文化的积累和沉淀，它是特定区域内人文与环境的结合，对地区的发展有着传承的作用。

2、现代包装艺术设计的概念

现代包装设计以确保产品的安全流通、促进产品的营销为目的，通过图像、色彩、形体、文化、材料等手段来制作产品的包装。现代包装主要分为工业包装和商业包装两种，产品的工业包装主要是为确保产品的安全运输，产品的商业包装主要以吸引客户消费为目的。作为一个复杂的专业设计概念的现代包装艺术设计，是产品流通销售中的最后一个环节，也是最重要的一个环节，现代包装设计水平的高低，关系着产品能否吸引消费者去购买，更是一个企业、产品的形象。

3、地域文化与现代包装艺术设计的关系

文化与设计之间相互连接、相互作用，设计是文化的体现，而文化是设计表现的基本手段。现代包装设计是为了将保护产品的流通运输，突出产品的优点吸引消费者进行购买，达到产品销售的目的。随着社会经济的发展，越来越多的产品出现在消费者面前，单凭产品质量的优劣很难在产品竞争中脱颖而出，达到销售的目的。如何抓住消费者的购买需求，吸引消费者的注意力已经成为各个企业最关注的问题。将地域文化运用到现代包装设计中，把地域文化与现代防护技术相结合，形成独特的产品包装风格展现给消费者并区别于其他同类型产品，让消费者一目了然，使产品具有生活化、人性化、个性化、地域化等特征。此类型的包装更能吸引消费者的注意力，有利于产品的流通销售，实现企业的盈利。具有地域文化特色的产品包装，不仅能吸引消费者的购买欲望，更能传递产品形象和企业文化，得到消费者的认可，为产品以及企业日后的发展做了品牌的铺垫，满足消费者物质以及精神的双重需求。

二、地域文化在现代包装艺术设计的应用

1、地域文化在现代包装艺术设计中应用的原理

设计师在设计产品包装时，可以通过材料的选择，准确表达出产品的地域文化或地方特色，在结合传统文化的同时，提倡创新精神，将传统地域文化与现代时尚元素相结合，设计出独一无二、易为现代消费者接受的产品包装。中国地域宽广，人口众多，五十六个民族以及各个地域都各有其独特的地域文化。包装设计师在设计产品包装时，要准确表达出产品的地域文化特色，让消费者直观的了解到产品的地域文化，满足消费者对包装的情感需求，并且要具有独特性、代表性，避免与市场上其他同类产品在企业文化信息上产生混淆，尤其是对于一些地域性的特产，更应注意这一点。以黄山头酒的包装为例，企业将其定位为楚文化第一酒，所以在产品的包装上，融入了大量的楚地文化。设计师将黄山头酒瓶身设计为编钟造型，外包装和瓶身的颜色选用了传统的中国红，将传统地域文化与现代防护技术完美结合。现今，黄山头酒已成为湖北酒业的代表，这与它在包装上的成功有着必然的关系。在包装产品的材料选择上，要结合产品本地的风俗习惯、产品特性，以凸显地域文化特征为目标，同时考虑材料制作的技术工艺、制作成本、是否环保等问题。其中，若同时能在包装用料上展示地域文化特征将会使产品更具有地域性。比如说，青岛的海产品包装时多在包装上印有大海，这与青岛临海的地域环境有关;景德镇的土产品多用瓷器样式来包装，这与景德镇瓷器在全国中有较大知名度有关;云南的过桥米线包装上多印有竹楼，这与云南的地域建筑文化有关。合理的选择材料还要考虑材料的成本，就像我们不能用景德镇的瓷器去包装海产品一样。现代包装艺术设计时要尽可能的把制作成本降低，保证产品正常运输流通和达到宣传目的的要求下，控制包装成本就可以降低产品的生产流通成本，更好的服务于民。现代包装设计应紧跟时代潮流，引领消费时尚。随着社会的快速发展，消费者的审美以及关注热点一直在不断变化，所以在设计产品包装时，要把握流行时尚，抓住消费者的心理，从而让产品顺利销售。在产品的包装形式上，现代包装艺术设计应准确的表达出产品的特性、用途，凸显产品的性质。以“老君眉”茶为例，如果消费者从包装上把“老君眉”茶误认为是玫瑰花茶，那么不管产品设计多么精良，包装多么华丽，没有准确的向消费者传递产品性质，就是一个失败的包装。另外在现代包装设计内容上，要注意不同的形象在不同地域、不同人群所表达的含义，结合消费者的风俗习惯以及消费需求等多方面因素来设计产品包装。如回族人不吃猪肉，对猪有忌讳，那么产品包装设计师在设计清真产品包装时就不能用猪的形象;如幼儿多喜欢卡通人物形象，所以在儿童的产品包装设计上可采用以漫画、插画等形式来表现。

三、地域文化在现代包装艺术设计中应用的现状

1、地域文化在现代包装艺术设计中各国应用现状

传统文化与现代防护技术相结合的现代包装设计，反映了一个地区、一个民族、一个国家独特的地域文化。我国产品包装设计师要更好地在产品包装设计中凸显我国独特的文化，展现和发扬中华民族独特的民族风貌，需借鉴国外先进的包装设计经验，取其精华，融合中华特色地域文化，将其应用在现代包装设计中。日本的现代包装设计一直是各国学习效仿的对象。首先，日本的包装提倡材料的环保性。日本是一个自然资源匮乏的岛国，为保护仅有的生态资源，国家大力倡导环保，所以我们在市场上看到的日本产品包装，大到空调、冰箱，小到毛巾、茶叶，大多都采用可回收的环保材料，这种绿色包装已成为日本现代包装设计的标志。其次，日本现代包装设计的严谨性也是我们要学习的地方。日本产品包装大多没有浮夸的造型，但无论何种产品都有着严谨性的结构和丰富的表现形式，包装材料虽然朴实，却能通过设计和精致的制作工艺实现高品质。最后，日本的产品包装不仅很好的融合了现代包装的设计语言，还能赋予包装浓郁地域传统文化。现在日本市场上的产品包装主要分为两大类，一种是具有国际时尚语言的包装，另一种是有着浓郁大和民族特色的日本传统包装。在日本传统包装设计中，日本包装设计师并不是生搬硬套的将日本传统文化用在产品包装上，而是融入现代时尚元素，让消费者一方面能从产品包装中领略到日本的地域文化，另一方面又让日本包装设计走在时尚的前沿，在发扬日本传统地域文化的同时，又使产品包装设计具有时代的特征。欧美的设计引领时尚的发展，欧美各国都有其独特的地域文化以及审美观点，所以在包装设计风格上各有不同。法国产品的包装展现了法式“浪漫”与“优雅”的包装风格，法国人浪漫的生活和情怀世界闻名。在法国，一个成功的包装设计必须具有浪漫元素，例如：法国娇兰，创立于1828年，187年来，法国娇兰为世人带来不断的惊喜，并在世界上同类的产品脱颖而出，成为世界顶级的化妆品牌，除了产品质量外，还与它的包装设计有关。对于娇兰而言，每一款产品都有着精致美丽的包装，其包装形式是展现产品灵魂的重要载体，是表达情绪，创造愉悦，彰显个性品味的体现。成功的包装设计必须考虑消费者的审美观点，法国娇兰的包装将法式的贵族气息和浪漫生活方式的融入到设计的美感中去，使产品的包装成为具有法国特色的时尚风格。德国的包装设计注重包装的严谨性，这与德意志民族严谨的工作和生活态度有着必不可分的联系。在德国，产品的包装设计更注重实用性，设计常以简练的文字、图形、色彩构成表达出产品的特性，形成了德式包装独有的极简风格。在包装结构设计上，德国人更注重对产品的保护，将审美与实用相结合。造型美观大方又注重实用性的德国现代包装设计，值得我们借鉴，提升我国产品包装设计的严谨性。美国是近年来迅速发展起来的资本主义国家，在多元化、多民族的美国倡导自由、轻松的设计理念，所以在包装设计上更注重表现形式的幽默感和人性化。美式的诙谐通过电影得到了有效的传播，变得通俗易懂，他们追求的是可以轻松、自由展现自我的生活方式，这一地域文化特征在包装设计上得到了完美的体现。如美国迪斯尼电影里卡通人物形象，受到全世界人民的喜爱，当消费者看到这些形象在产品包装上出现，会带给我们快乐的体验，并会对这一产品产生购买欲望，从而达到产品销售的目的。

2、地域文化在现代包装艺术设计中国内应用现状

中国地域广阔、民族众多，不同的地域、民族有着不用的地域文化，一个地区的地域文化是这个地区形象的展现。我国具有浓郁地域文化特色的产品包装实例有很多，在包装中添加地域文化元素，能更好地展现产品的特色以及当地的文化特征。例如水井坊世纪典藏酒的包装设计为例，在酒的内部设计上，瓶身造型为水井的形象，突出了水井坊的名称，酒瓶底座的包装材料为四川特有的乌木，突出了四川的地域文化特征。在酒的外部设计上，外部包装造型为古代编钟形象，且在外部包装材料选择上，采用了青铜合金，整个外部包装形象具有浓郁的中国传统文化特色。包装设计师在设计产品包装时，要根据产品的特性和消费者的审美需求，结合地域文化特征来设计包装。我们在学习国外先进的现代包装设计时，要取其精华弃其糟粕，不能全部按照别国的模式来设计中国特色产品的包装，应结合我国人民的审美观点，将中国地域文化体现到产品的包装设计上。

四、地域文化对现代包装艺术设计的影响

地域文化是一个特定区域发展的过程中人文与环境的积累沉淀。现代包装设计中色彩、图形、材料以及文化的运用，都深刻体现了地域文化对现代包装设计的影响。在现代包装设计中，色彩的运用是最醒目的体现。地域文化中，不同的色彩代表不同的含义，比如，红色在中国代表喜庆、温暖、祥和，过节团圆时中国人民都会张灯结彩，整个国家沉浸在红色的氛围中。但在欧洲国家，红色代表着恐怖、血腥，是不吉利的颜色。所以针对不同的地域文化，在设计产品包装时，要结合当地风俗、审美来进行包装色彩的选择。在现代包装设计中，图形的运用最能直观地展示产品形象。图形的设计包括企业形象设计以及包装上的图案设计，经典的图形设计可以使消费者更容易记住所要购买的产品品牌。比如，消费者对海尔最直观的印象就是两个小男孩的图形标志，在海尔的标志图形设计中加入剪纸等传统民间工艺的元素，能准确展示出中国地域文化。在现代包装设计中，包装材料的选择变得越来越重要。随着社会工业的发展，生态资源日渐匮乏，全世界都在倡导环保，倡导可持续的设计理念。设计师在选择包装材料时，既要考虑材料加工成本，又要考虑材料的安全性与环保性。合理的选择包装材料，能更好的突出地域特征，如云南的特产的包装材料多为竹子，云南省是我国乃至世界公认的竹类种质资源大省，用当地的竹子作为特产的包装既能体现云南的地域文化，又符合人们提倡的环保主题。在现代包装设计中，文化元素的融入更能引起消费者的共鸣。中国传统文化讲究道德、正统、稳重，所以中国人较含蓄、沉稳。西方文化讲究自由、浪漫、平等，所以西方的设计热情且富有创造力。产品包装设计师需要利用地域文化的侧重点，设计出具有地域特点的产品包装，引起消费者的共鸣。

五、结语

地域文化可以通过色彩、图形、材料等方面融入现代包装设计。在我国，产品的包装设计不仅起到保护产品的作用，更应该结合时代传承和弘扬中华优秀传统文化和美学精神。中国特色产品的包装还应肩负起活化传统工艺与地方产业的使命，包装设计需将传统工艺与新材料、新技术相结合，研发出具有中国特色、符合现代人审美的包装。

参考文献

[1]张杰，张伟.地域文化对现代包装艺术设计的影响[J].中国美术馆.2008(02).

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艺术设计与管理的结合是社会发展的必然趋势。随着企业艺术设计工作的日益系统化和复杂化，艺术设计活动本身也需要进行系统的管理。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：现代艺术设计中应用民间美术构成元素

摘要：色彩和造型都是民间美术的重要构成元素，对于现代艺术有着很深的影响。民间美术的构成元素与现代艺术设计的有效融合，使得现代艺术设计更加富有内涵和生命力。本文对民间美术的构成元素在现代艺术设计中的应用进行深入分析，希望对相关人员能够有所启示，使得我国现代艺术设计领域可以发展到一个新的高度。

关键词：民间美术;构成元素;现代艺术设计;应用;发展

民间美术与现代艺术设计属于相辅相成的关系，二者在表现形式和表现内容方面都有着很多的相同之处。民间美术的构成元素能够给予现代艺术设计人员很多的灵感，丰富现代艺术设计人员的创作思路，从而创造出满足人们审美需求的艺术作品。民间美术来源于人民群众的现实生活，呈现了人们生产、生活中的文化，所以，很多的民间美术作品都具有很深的寓意。民间美术的构成元素在现代艺术设计中的应用，能够赋予现代艺术作品灵魂，促进我国现代艺术设计发展，弘扬我国的民间艺术文化。所以，对于民间美术的构成元素在现代艺术设计中的应用进行深入探究是具有现实意义的，下面就对相关内容进行详细阐述。

1民间美术概述

民间艺术是在文化背景影响下产生的一种艺术形式，其中蕴含了我国的民俗文化，人民群众的审美特点，以及众多的哲学理论等，应用色彩表现我国文化具有的内在美，同时，应用具有地方特色的素材，以及独特的造型将某一时期具有的人文特色淋漓尽致的展现出来，民间美术是我国传统文化中非常重要的组成内容。民间美术具有多元化以及多层次的特点，导致民间美术具有这两种特点的主要原因就是我国文化中心曾经发生过很多次的迁移，对于民间美术进行细致化的分类具有很高的难度性，不同类别也有所属于自身的特色。在我国人民现实生活中存在的剪纸、风筝、糖人等艺术形式中，都可以感受到我国民间美术具有的独特魅力。这些现实生活中存在的工艺品，不仅可以体现我国人民群众的生活状态，还能展现民间美术艺术具有的美化特性[1]。

2民间美术艺术在现代艺术设计中的应用探析

2.1民间美术造型在现代艺术设计中的应用

(1)民间美术造型概念阐述：

民间美术是我国传统文化的重要组成内容，美术艺术造型也呈现了我国人民群众对于现实生活的美好期盼和愿望。例如，在民间美术作品中竹子代表着坚韧的品质，莲花代表的是“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的高尚人格。月亮代表着团圆，牡丹则是高贵的象征。每一种艺术造型都有着独特的寓意，造型的取材更是来源于人们的现实生活。从表现层次进行分析，可能会使人感觉民间美术与现代艺术设计没有任何直接性的联系，甚至现代艺术设计中还存在着很多与民间美术相反的地方，但是二者却有着共同的艺术本质。对其进行详细的阐述，现代艺术设计也是在人文环境的基础上产生的，但是民间美术却是从我国历史的长河中流露出来的，是我国传统文化的延续。现代艺术设计想要不断的发展，必须要不断的吸取民间美术的构成元素，这样才能促进现代艺术设计的不断创新。对于现代艺术设计与民间美术进行更深层次的分析，二者都是追求对人文环境特征的呈现，也表明了二者存在着相同的艺术追求。民间美术造型独特，而且具有多元化的特点，造型背后具有的很深的寓意，大多都表现了我国人民群众对于美好生活的追求。还需要注重的是，我国民间美术中强调了人与自然的和谐，这与现代艺术设计理念的“回归自然”具有一致性，这也是民间美术与现代艺术设计的契合点。

(2)民间美术造型在现代艺术设计中的应用：

民间美术造型在我国现代艺术设计中有着非常广泛的应用，逐渐发展成了一种全新的艺术形态。对于民间美术造型在现代艺术设计中的应用，我们可以就中国联通公司的标志进行阐述。在中国联通公司标志中存在着一个中国结，同时，中国结的纹理非常的清晰，呈现的是我国传统纹样的形态，背后具有的含义是代表着中国联通“联通八方、畅通无阻”的企业文化，将我国人民对于中国结的认知迁移到中国结形态的通讯网络中，使得现代艺术设计具有深厚的内涵，能够呈现我国民族的特色。现代艺术设计中不仅要积极的吸取我国传统民间美术的构成元素，还需要结合时代背景为传统的民间美术造型赋予新的寓意，从而使得我国现代艺术设计有新的血液融入[2]。

2.2民间美术的艺术色彩在现代艺术设计中的应用

(1)民间美术的艺术色彩：

民间美术中每一种色彩都代表着一种含义，而且对于我国人民群众的价值观念和生活习惯也有着很深的影响。我们都了解过年的时候每家每户都会贴春联，春联用的纸是红色的，红色代表着吉祥和喜庆。民间美术中对于色彩的应用非常偏爱暖色调。当然，这也与我国人民群众现实生活的美好诉求有着很大的联系。

(2)现代艺术设计中民间美术色彩的应用：

民间美术色彩之所以受到现代艺术设计人员的青睐，将其广泛的应用的现代艺术设计中，主要是因为民间美术色彩背后具有的丰富的文化内涵，以及我国人民群众对其的认可心理，从而使得色彩应用有章可循。民间美术色彩应用讲究的是细腻性和灵活性，在美术作品创作过程中强调的是能够体现创作人员的思想观念，更加具有自主性。所以，民间美术色彩在现代艺术设计中的应用，可以有效的增长现代艺术设计具有的感染力，还能使得现代艺术设计得到我国人民群众的认可。特别是在我国的一些商业广告设计方面，利用民间美术色彩，能够使得商业产品给消费者一种亲切感。例如，现代艺术设计中引入单色，能够给观众一种强烈的视觉冲击，而且单色对于寓意的表达更加直接，应用色彩呈现人文精神，赋予现代设计灵魂[3]。

3结语

民间美术是我国人民群众的智慧展现，是我国传统文化的重要组成内容，对于我国人民群众的价值观念和生活方式都有着很深的影响。色彩和造型是民间美术的重要构成元素，对于我国现代设计也有着很深的影响。现代艺术设计中民间美术构成元素的应用，可以使得现代艺术设计具有深厚的内涵，更能得到我国人民群众的认同，对于促进我国现代艺术设计发展有着不可忽视的影响力。

参考文献

[1]刘畅.民间美术的艺术造型和色彩在现代艺术设计中的应用[J].美术教育研究.2014(24)：108-108.

[2]刘海鹏.民间美术艺术造型和色彩在现代美术设计中应用[J].文学界(理论版).2011(02)：239-239.

[3]杨保玉.民间美术艺术造型和色彩在现代美术设计中的应用[J].芒种.2013(08)：233-234.

艺术设计专业毕业论文范文二：高校艺术设计教学中民间美术的引入

【内容摘要】民间美术是一切美术形式的源泉和基础，将民间美术引入高校艺术设计教学既可以促进民间艺术与现代设计理念的融合，丰富课堂内容，又能传承民间文化，增强现代艺术设计的文化内涵和历史厚度，保证我国现代艺术设计的独特生命力。本文从高校艺术设计教学现状的角度出发，对民间美术引入高校艺术设计教学的重要性进行分析，并在此基础上对民间美术引入高校艺术设计教学提出对策。

【关键词】高等学校;民间美术;艺术设计教学

民间美术是我国各族劳动人民在生产劳动和社会活动之余为满足精神生活需要而创造出来的一种艺术表达形式，是中华民族美学艺术的集中体现，蕴含着独特的文化意识、情感气质和审美观念。[1]民间美术是一切美术形式的源泉和基础，其独特的艺术魅力不仅为现代艺术设计创作提供了丰富的资源，而且还增强了艺术设计的效果，拓宽了艺术设计的视觉表现语言。将民间美术引入高校艺术设计教学中，既可以促进民间艺术与现代设计理念的融合，丰富课堂内容，还能传承民间文化，增强现代艺术设计的文化内涵和历史厚度，保证我国现代艺术设计的独特生命力。

一、高校艺术设计教学的现状

我国现有艺术设计教学多以西方文化体系为中心，“国际化”视觉符号的泛滥不仅忽视了我国本元设计文化的发展，还造成高校艺术设计教学对民间美术重要价值认识不到位以及艺术设计教学缺乏对民间美术匹配的重视度和价值认知。[2]同时，我国多数高校照搬西方艺术教学框架，在课程内容设置上侧重对西方设计理论和实践的学习，缺乏对民族设计元素的重视，长此以往不仅导致学生对西方艺术设计理论的狂热追捧，而且还影响了学生的设计思维，民间美术成为教学空白点，在这种状况下，学生对民间美术缺乏兴趣和认同，更无从谈在设计中创作利用。民间美术属于民间艺术的分支，但由于民间美术种类繁多、地域性较强，加之缺乏系统的收集和整理，致使民间美术中富有实用和审美价值的技艺因得不到传承而处于自生自灭的状态，更别说融入到高校艺术设计教学中。世界文化的融合在促进民族文化传播的同时，也给民族文化带来了严重的冲击。当前，国内部分院校常邀请国外相关教授和学者讲学，其中不乏国际知名学者和设计师，他们为我们带来了新的设计理念、设计手段和全新的设计技能，但也有一些学者将我国的“风水”、“太极”等传统文化成果作为增加其教育的砝码，在国内遭受冷落的民间美术，在国外却被视为珍宝。同时，由于受崇洋媚外思潮和民族虚无主义的影响，加之部分艺术教育者缺乏振兴民族艺术的责任感和使命感，致使民族文化出现了断层现象，影响民间美术在高校艺术设计教学中的运用。

二、民间美术引入高校艺术设计教学中的重要性

(一)民间美术是艺术设计的源泉。

艺术是从艺术中产生的。形式纷繁复杂、内涵深远丰厚、题材丰富多样的中国民间美术是直接来源于人民群众的美术形式，不仅具有稚拙、自然和质朴的原发性，还具有浓郁的地域乡土气息，蕴含着中华民族审美的原始精神，是实用性和审美价值的统一体。现代艺术设计从民间美术中汲取造型、色彩、内涵等养分，不仅极大地丰富了现代艺术设计的艺术语言和思想内涵，而且还使作品极富现代艺术意味、民族精神和气质。

(二)民间美术是对高校艺术设计教学的有益补充。

民间美术具有独特的审美特性，其最大的特点就是以视觉感强和富有时代特征的视觉元素强调主观精神的表现。[3]当前，国内各艺术设计院校学生接触和了解的多是西方设计理论和实践知识，对民间美术缺乏必要的了解和深入系统的学习，这不仅导致民间美术在高校课程资源设施方面普遍落后，而且还造成学生设计作品风格的单一和西化。民间美术在高校艺术设计教学中的运用不仅为学生打开了一座资源宝库，而且还启发了学生艺术设计的创新性思维和表现形式，对高校艺术设计教学形成有益的补充。[4]

(三)民间美术有助于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系。

地方高校艺术设计院校只有形成自身特色才能培养出适应社会多样化需求的人才，才能培养出适应市场需要的合格人才。随着高校艺术教育竞争的日趋激烈，各高校在设计艺术理论研究、人才培养模式以及教学体系改革方面做了许多研究，但由于缺乏对独特区域文化背景的研究，导致各高校培养出来的人才千篇一律，设计作品中地域性视觉元素严重匮乏。[2]民间美术作为富有民族特色的地方性文化资源有着独特的表现题材和审美形态。在全球化时代的今天，将地域个性鲜明的民间美术引入高校艺术设计教学中打破了现代教学的趋同性，有利于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系，进而形成各高校自身的办学特色。

三、民间美术引入高校艺术设计教学的对策

(一)在艺术设计专业开设民间美术课程。

学校不同、专业不同，课程设置计划也各异，在高校艺术设计专业应开设民间美术采风考察、美术作品临摹、民间美术作品赏析等民间美术课程，采用“讲授和欣赏为辅，实践创作设计为主”的教学方式，合理安排课时。以必修课程为例，学时可安排在36～108学时之间，学习内容以民间造型、民间传统的设色勾线等为主;对于课时较为充裕的学校在教学过程中可以增加主题创作或设计，采用民间美术造型、民间视觉符号和民间美术观念自主选题进行设计创作，激发学生学习兴趣，拓宽学生视野，增加实践经验。同时，专业课程设置还必须与市场实习、学生学科竞赛紧密结合，通过专业学习培养学生兴趣，通过市场接轨找出传统民间美术与现代社会审美之间的契合点。[5]

(二)邀请民间艺人走进课堂。

邀请实践经验丰富的民间艺人、知名的民俗研究者以及民艺专家走进课堂为学生授课，让学生更深入地了解民间美术的艺术特征和艺术魅力，使他们对民间美术产生向往和追求，通过目睹民间艺人的创作激发学生向民间艺人学习精湛技能的兴趣，为创作积累素材与激发创作灵感。同时，学校还可以安排专业老师指导学生收集民间美术相关资料、开展以民间美术为主题的创作活动、定期组织专题讨论会。有条件的学校还可以聘请民间工艺大师到校进行教学，提高学生的学习兴趣。[6]

(三)实践考察。

民间美术多出现在风俗礼仪中，这就要求学生走出校门参加实践考察，借助手机、相机等设备对具有代表性、启发性的民间美术作品与工艺流程整体记录，了解民间美术的创作思想、传承背景、制作流程、工艺造型、色彩运用等。同时，学校还应最大限度地运用各种资源和渠道拓宽学生的视野，如与一些民间美术机构联合建立实训基地、组织学生参观当地特色民俗博物馆、聘请民间优秀艺人讲授技巧、在校外建立民间美术采风实习基地等，加强学生对民间美术的认识，有意识地汲取民间美术营养，促进民间美术的传承和发展。民间美术是民族文化的灵魂，将民间美术引入高校艺术设计教学，不仅能培养学生多元的审美能力，提高学生的综合素质和专业创造力，而且还能将民间美术的优点化为现代艺术设计的血液，赋予设计作品新的活力，强化设计作品的张力，填补高校艺术设计教育中民间艺术的空白。

【参考文献】

[1]皇甫娟.中原民间美术与高校艺术设计教学融合的宏观思考[J].学术论坛，2015，2

[2]袁浩鑫，肖宇窗.传承与超越———民间美术对现代艺术设计教育的几点启示[J].重庆文理学院学报(社会科学版)，2007，4

[3]明兰.民间美术融入艺术设计专业教学体系价值研究[J].中国科教创新导刊，2011，13

[4]李长福，郭艳.将民间美术融入高校艺术设计教育的探讨———构建具有地域性特征的高校艺术设计教育体系[J].赤峰学院学报(自然科学版)，2012，1

[5]宋志春.论地方民间美术资源在艺术设计教学中的作用[J].艺术教育，2011，7

[6]高飞，王乐松.中原民间美术与艺术设计发展关系研究[J].河南教育学院学报(哲学社会科学版)，2005，5

艺术设计是研究人为事物的科学，是艺术与科学的交叉与综合;其内核是文化的传承与超越;其本质是创造。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：艺术设计课程设计与教学研究

【内容摘要】民族地区艺术设计课程在课程设计与教学中具有着特殊性。在区域市场对设计人才的不同需求下，如何利用好地区资源与特色文化对课程更合理的进行设计与教学，培养学生全方面的设计能力，是文章研究的主要目的。作者以广西民族大学民族元素与现代设计课程为例，重点对课程所处的教学阶段与具体教学内容的设计进行分析，使课程更具科学性与生命力，并具有更多的可操作性。

【关键词】民族元素;艺术设计;课程设计;教学实践

少数民族地区与民族院校在本科培养方案中都会把本地区资源特色与优势利用起来，结合地区经济需求与区域特点，开设特色课程或相应的实践项目。笔者经过调查发现，在很多民族高校的教学计划中，民族元素设计内容融会贯通在整个教学体系中。有些民族院校把民族元素融入设计课程中，有些则专门开设此类民族设计课程。在完成国家本科培养艺术设计人才目标的前提下，民族元素可以通过四个部分来和教学体系中的设计课程相融合：一是对本地区民族元素的考察与收集，如专业采风课程中的民族元素收集与分析;二是研究民族元素的文化内涵与构成形式，如装饰基础课程中的民族图案设计章节;三是运用现代设计语言进行再设计，如包装课程中的民族包装章节;四是运用到具体实物产品，如民族工艺品设计课程。这些课程通过合理的安排潜移默化地影响着学生的设计思维，使学生在不同的设计科目中掌握民族设计语言。除了融入民族设计的一般课程外，有些高校设置了专门的民族设计课程，这些课程讲述民族设计理论与研究民族元素设计方法，使学生能够更集中于对民族设计专业的学习，具有承上启下的作用。如广西民族大学特色课程——民族元素与现代设计是一门独立的研究民族元素现代应用的专业必修课程，安排在第五学期，共64学时。课程之前已经安排有专业采风、装饰基础、构成类设计基础课程，以及图形创意、字体、标志类专业课程。同时，课程之后有民族工艺品设计、包装设计、书籍装帧、毕业设计等综合性专业课程。因此，本课程对基础的民族元素与现代设计实践应用具有衔接作用。

一、民族地区艺术设计课程教学设计

(一)课程的设置与目标

首先，地方院校主要是为地方经济社会服务的①，因此课程要根据市场需求情况来设置。上世纪90年代以来，随着高等教育由精英教育向大众化教育的转变，本科教育的重心也随之逐步转为培养应用型人才②。目前，少数民族地区的艺术与设计水平还处于相对落后的状态，但由于国家对于民族地区经济文化发展的重视程度不断增加，人们的设计意识不断加强，少数民族文化特色也开始得到重视。如中国—东盟博览会的召开、城市旅游形象宣传与旅游品的开发、少数民族地区民族节日与特色产品包装等。市场越来越需要精通民族艺术的设计应用型人才。其次，在我国经济快速发展、各民族不断融合的过程中，少数民族文化需要保护、传承与发展，特别是一些民族传统的视觉文化符号。因此，课程设置的目标在于培养学生对于少数民族文化的挖掘与传承，给设计赋予民族文化，使民族设计具有生命力。最后，由于艺术设计本科教育重视实践性教学，课程研究民族文化向设计产品转换的市场需求与设计工艺，包括设计作品市场分析与定位、设计品设计规律与制作方法，使学生能在实践中了解民族元素的运用，并能把握市场的设计动向，创作出实用美观的设计作品。

(二)课程的设计思路

以民族元素与现代设计课程为例，它属于设计专业必修课程，是在学生掌握设计基础后对特色设计的训练与提升。首先，课程在设计中要考虑整个教学课程体系，它与其他课程在时间顺序上有很强的联系性，如第二学期的装饰基础与第三学期的采风使学生掌握了民族图案与民族视觉元素的收集、整理、归纳与构成形式分析，这为民族元素与现代设计课程打下了坚实的基础。通过学习，学生掌握了民族设计的具体方法后，第六到第八学期的民族工艺品设计、包装设计、毕业设计等课程中都可以运用这些方法进行设计实践。其次，要考虑课程本身具有的跨学科性。民族元素与现代设计课程涵盖人类学、社会学、民族学、艺术设计学、民艺学等学科。在课程第一阶段，教师应要求学生了解少数民族的历史文化与民族视觉元素的成因，学会田野调查、归纳比较等方法。在课程设计中，这一阶段主要是理论与采风调查方法的学习。学生设计作品前期的设计定位与市场调查、创意阶段都在此过程中孵化。第二阶段对民族视觉元素进行符合主题的现代设计，通过艺术设计学的方法进行专业设计，快题设计与慢题设计结合，对各种现代设计方法进行训练。第三阶段是设计应用阶段，通过第二阶段对民族元素的再设计，将设计作品运用到各种实物载体中，这一阶段与市场接轨，同时导入真实的社会项目或社会比赛，使学生在实战中了解民族设计。这三个阶段是相互联系与渗透的，如在第一阶段可对实战项目的引入做一些基础理论的铺垫。

(三)课程授课计划

民族设计类课程授课学时为64—80课时为宜，共分为四个部分。第一部分综合人类学、社会学、民族学的研究成果，深入浅出的对广西少数民族的概况、历史、文化及视觉元素的成因进行讲解与分析，教给学生田野调查法、比较法、问卷调查法等考察方法，为第二部分采风做准备。第二部分采风是去某一个具有特色的少数民族自治县进行考察，考察范围为民族民间艺术视觉元素，并对考察的元素与二手资料进行汇总。第三部分是对资料进行现代设计，通过一系列的快题设计练习，使学生能够掌握对民族元素的提取、概括、分解、组合等设计方法，同时分析少数民族色彩，使学生全面掌握各种设计方法与技巧，为第四部分应用设计做准备。在此阶段，教师应结合实战项目、社会比赛、模拟课题等实践性教学方式，让学生分析市场与设计作品工艺与成本，做出符合市场要求的实物。第四部分是前三个部分的应用实践。这部分遵循设计作品创作的规律与步骤，使学生从前期项目的导入到最后的成品紧跟教师的授课安排，循序渐进的获取知识并进行实践，使授课模式整体化。因此，课程的四个部分不可分割，每一个部分都相互渗透，知识点相互穿插，只有四个部分完整统一，教学效果才明显。

二、民族地区艺术设计课程教学实践

(一)教学团队的组合

由于艺术设计课程的跨学科性，教学团队并不仅仅由设计专业的教师构成，而是由民族学等专业教师一起组成。如广西民族大学民族社会学院教师与艺术设计学院教师一起配合完成教学，这正是民族性大学具有的资源优势。教师应引导学生对于广西各少数民族视觉元素形成的历史文化背景以及调查方法做详细的了解，并在民族社会学视野中分析这些民族元素的本质含义。艺术设计学专业的教师需要与对民族艺术有研究的教师一起合作，客观地分析民族元素的成因和寓意，并巧妙地和现代设计相联系，使最终的设计方案以设计成品方式呈现。教学团队整合后，民族社会学专业的教师负责民族元素理论讲解与调查方法的实践，同时和艺术设计专业的教师一起指导学生作业的选题、创意构思、制作执行等。整合的团队需相互配合、取长补短，一起研究教学大纲与教学计划，分配各自相关教学任务，以达到教学统一连贯的合力。

(二)授课过程实践

以艺术设计课程的64课时为例，第一阶段为12课时，主要用人类学、社会学、民族学的视野去了解民族视觉元素的社会历史背景。如广西瑶族支系之一的白裤瑶服饰图案具有民族特色，女装背后有“瑶王印”的图案，这个图案并不是随手而织的装饰，它具有族人团结一致、抵抗外敌的民族史意义，是本族的精神符号。通过不同学科的解析，可以使学生深入了解民族视觉元素的内涵。学生综合图案的构成特点与所代表的独特含义，在设计构思中可进行深入分析，而不仅仅是追求形式美。第二阶段为16课时，需要进行田野采风与民族博物馆考察，并进行一手资料与二手资料的收集，目的是使学生掌握民族学的实地调查法，收集相关文字与图片素材，同时让学生亲身感受少数民族地区的民族气氛。课程采风地点多为少数民族自治县的民族乡，如南丹里湖瑶族乡，时间最好能与少数民族各种仪式同步。同样，各地民族博物馆也在考察范围之列，如广西民族博物馆与图书馆民族书籍区，都有着丰富的二手资料，可供设计前期的定位与创意。第三阶段为16课时，由艺术设计专业教师结合民族元素主讲现代设计的方法与案例分析，并进行快题设计与点评。快题设计需按照设计规律与步骤进行：(练习一)概括与提炼;(练习二)置换与转换;(练习三)打散与组合;(练习四)色彩提取练习。设计作品要力求达到“借其形、承其意、传其形”的标准，教师结合实例进行点评。在课堂教学中，教师要注重学生的创新性，采用师生共同点评教学法，对设计作品练习进行相互交流。第四阶段为20课时，这一阶段要导入设计项目，如“广西少数民族京族民族形象设计与推广”“钦州旅游品设计与开发”“荔浦城市广场雕塑形象设计”“广西民族大学图书馆浮雕设计”“南宁礼物民族旅游品设计大赛”等。教师团队根据学生实际选题进行前期构思引导与执行制作辅导，可按照设计作品成品的不同形式可分为两组：第一组为视觉传达设计类作品，主要有VI形象系统及其各种所需物件，如名片、手提袋、包装等传统设计物件，也有现代的手机壳、鼠标垫、布艺等时尚用品。教师要在传统的平面设计范畴里与时俱进，结合其他艺术门类或运用多媒体技术引导学生进行设计，如结合导视系统，进行少数民族地区导视系统设计与形象推广，或在各种展会上通过新媒体设计民族地区文化与旅游宣传的展厅。第二组为工艺美术品，主要是陶器、雕塑、漆画等需要制作工艺的作品。第二组教师要传授工艺品的制作工艺，并带学生去相关实验室进行制作，如遇到玻璃工艺等在学校实验室完成不了的设计图，学生可以用3D效果图呈现或由教师引导用其他可以操作的工艺完成。第四阶段是前三个阶段的具体应用，也是学生设计能力提升的关键环节，教师在课题中需要近距离贴近市场，把握设计需求的动态。设计成品应该体现出整个课程的教学内容。

三、结语

民族地区艺术设计课程教学有着一般高校设计专业的共性，也有自己的独特性。如何利用学校的地区特色与资源优势是笔者设置课程所参考的一个重要因素。学生从最初了解到全面深入分析民族视觉元素，再到结合市场用现代设计形式进行再设计，每一环节都需要合理的课程设计与教师的辅导。作品获得社会认可，是学生与教师一起努力的方向。在民族地区艺术设计课程实践中，学生既巩固了专业课基础知识，又熟悉了民族设计这一领域，加强了对我国传统文化资源提取的意识，而非盲目照抄国外设计，使传统文化融入现代设计中，为我国设计艺术的良好发展打下坚实的基础。

注释：

①袁瑛.地方院校培养应用型人才的思考[J].中国成人教育，2014(7)：30-33.

②张冬敏.高校课程设计教学中存在的问题与对策研究[J].教育研究,2009(9):172-173.

艺术设计专业毕业论文范文二：工作室模式的艺术设计专业教学改革

摘要:市场经济中的艺术设计教育模式需要转变，必须从传统的教育模式向实战教学模式转变，工作室教学模式是首当其冲的破冰利器。文章从艺术设计教育中的工作室教学模式的源起、现状、优势和整个教学模式体系的构建进行了阐述和探讨，从而寻找有效途径去完备这一教学模式，从而适应现代的艺术设计教育需求。

关键词:工作室;艺术设计;教学改革

2014年3月14日国务院发布了《关于推进文化创意和设计服务与相关产业融合发展的若干意见》(国发〔2014〕10号)，标志着我国政府已经意识到“文化创意和设计服务”在国民经济中的重要性。同时创新能力和实践能力被视为是当前形势下艺术设计教育的根本。所以高校对艺术设计教育得到了重视，现代的艺术设计教育模式得到了全方面的研究和总结，工作室模式被众多专家所认可，它被认定为是当今最为合适的艺术设计教学模式之一，是打破传统设计教学模式的重要手段，是设计行业蓬勃发展的重要途径。

一、艺术设计教学中工作室教学模式的源起和现状

现代的艺术设计行业随着产业结构的日益完善和成熟而出现了许多新的变化和需求。为适应社会发展的步伐，艺术设计教育在不断思考和探索契合社会需求的人才培养模式，以满足时代对设计人才的要求。教学模式的改革和探讨在社会需求的逼迫下势在必行。在众多的纷争和实践中，工作室式的艺术设计教学模式为人们所推崇。

(一)艺术设计专业工作室教学模式的源起

“工作室”模式来源于1919年创立于德国魏玛的包豪斯学院的“工艺作坊”。在其产生时候的百年之间大部分西方的艺术设计类专业教育都采用了这一教学方式对艺术人才进行培养，从而造就了西方世界的设计行业的蓬勃发展，取得了辉煌的成绩，引领着世界的设计行业前行。在艺术设计工作室教学模式中倡导美术教育与工艺技术的结合，将学校教育同社会生产挂钩，课堂就是工厂，设计作品就是商品，课堂中的设计目的性和综合性增强;同时强调自由创作，以及各艺术门类之间的交融。这一教学模式主要以实践为教学根本，偏重于短期综合性的强化实训，通过学生的自主创作和教师的有效指导来完成一项具有挑战的设计项目，建立了与实际中的行业运行的相似教学环境，学院就是社会，课堂就是工厂，设计作品能够有效的满足市场需求。

(二)艺术设计专业工作室教学模式的现状

艺术设计专业本身就是应用型学科，实践性较强，所以校企合作教学模式、赛训结合教学等实践性的教学模式在现今的艺术设计教育中被广泛被应用。但是单纯的校企合作和竞赛方式教学就是将实际的项目引入课堂，这样虽然有明确教学目的，但是在实际的设计项目的设计周期中会涉及过多追求切实的经济效益和结果的现象，因而在设计和实施过程中，很多的过程性的环节会被省略和忽视，这样的项目在教学中对教学质量提高的作用就会大大被打了折扣，教学实际效果达不到预期的教学目的。因此，现今很多院校的设计专业在尝试工作室教学模式的时候并不很彻底，很多在结合学分制在实施，还是建立在考试模式的基础之上的一种尝试性教学模式，但是工作室教学模式的功效业已为人们做认可，随之制度的完善和工作室教学模式本土化的进程，在艺术设计专业教学中工作室教学模式必将被广泛使用。

二、艺术设计专业工作室教学模式的优势

随着学分制的推行，艺术设计各个专业之间的壁垒和隔阂已经被打破，建立在学分制基础上的工作室教学模式将逐渐成为艺术设计教学的主要模式，并会逐渐发展成为艺术设计教育中主要的教学模式。因其将商业实践项目、科研项目以及专业赛事项目引入到课堂教学，会逐渐将传统的传授型课堂向自主学习样式的转化，积极自主的学习必将会带来众多积极的因素。

(一)工作室教学能够增强学生的创新能力

工作室教学模式打破传统艺术设计教育中排排坐的传统填鸭式教学模式，打通专业的隔阂，注重专业间的群体和学生间个体的交流，彻底激发实践的吸引力，造就课程收获的喜悦感。学校可以根据自身固有的特点、各个教师的研究方向和未来发展规划、学生的要求和社会的需求组建各种不同的相互关联又相互独立的教学平台，各司其职，各取所需。这样的平台个体能够加强学科之间的主动交流与渗透，从而有效培养学生的综合创新能力。在实际设计项目中，学生会主动的去查阅资料、分析相似案例、总结往昔的成与败，不断完善方案的设计、制作;能够充分的培养学生们的组织能力、协作能力和科研能力，学生得到了多角度和多层面的锻炼、其综合能力会得到大幅度的增长，从而构建出合理的知识结构，一成不变会在主动的学习中被打破，各种可能的领域会被触及，不断的尝试和探索会让学生的探索精神和创新能力得到极大的锻炼和培养。

(二)工作室教学可以有效促进课程创新

主动和被动会造就截然不同的结果，主观能动性会让一成不变的知识在变幻的实际案例中有了新的生命力，积极主动的学习必然会有超出预想的效果，同时也会在主动探寻中有许多新的发现。在工作室中，各成员的互通信息，相互交流，在相互的阐述和聆听中收获也更加明显，并且能够让学生在收获中看到差距，在收获的喜悦中认识到不足，从而会主动的去调整学习方法和研究内容，不断的去完善自己的知识结构。教师也会因材施教，根据学生和设计项目去适时的调整教学内容和教学方法。教师和学生是以自身优势和兴趣爱好为出发点组成的团队，师生之间有良好的交流基础和平台，加强了相互间的学习，对教师个人能力的提升有着很好的促进作用。在各个工作室的交流和合作的过程以及项目实施效果中教师也能够发现教学内容、教学思路、实践效果的差距，自然会在接下来的其他项目中进行相关的教学改革和课程创新，可以说，工作室教学模式是课程改革和创新的一个很好的助推器，它会驱动艺术设计教育不断的趋于合理，不断的步入成熟。

(三)工作室教学能有效与企业需求对接

现代的艺术设计教育最需解决的首要问题是课堂与企业、市场的衔接。工作室教学让学生在学校、课堂上的“工作”能直接应用于市场上、企业中，能够让学生在课堂的“生产”中，直接参与实际设计过程中的各个环节，更能有效的将理论与实际结合，了解理论转化为实践的过程，同时也为学生顺利就业、不断创新打下了良好的基础，让学生在毕业之后能够顺利转换成为社会生产者的身份。工作室教学模式中的学生是根据偏好有选择的进入某个项目工作室的，以兴趣作为基础的学习是会有积极的效果，能够让有共同兴趣和爱好的学生在一起。课堂气氛会十分活跃，能够有激烈的辩论，深入的思考，参与程度极高，进而能够弥补个体缺陷，强调团体综合能力。因此工作室教学模式能够让学生注重自身在团队中的价值，团队内部的协作意识也会不断加强。团队间是协作关系也是竞争对手，这样和谐的竞争氛围能够推动团队的整体进步，发挥出个体所没有的整体优势，优势的建立也有利于对市场的占领，适应能力和生存能力会更强。以项目为基础的教学活动，项目的推进也是教学进行的过程，教学中会根据项目开展的需求去补充教学内容，教与用，用与学达到良好的互动。教学过程是在师生互动的情景下完成项目，学生对教学内容的掌握更加深刻。对工作室的带队老师而言，带领学生参与项目会让老师倍感压力，学生的作品也会让老师大开眼界。这种主动的学、深入的教的过程中，学生和老师都会去思考一些问题，去解决一些问题，并去总结这些方法和经验的得失和优劣。所以艺术设计教育中的工作室教学模式能够培养师生的自主研究能力，在不断的完善供需关系，在应变的过程中寻求到和市场无缝对接的有效途径，让教学不在圈养在学校的课堂，而是为生存而存在，为学生将来身份的转化打下基础。

三、艺术设计工作室教学模式的构建

工作室教学有四个部分组成———教学场所、教学计划、教学团队以及参与的学生。将原有的教室改为工作室，把课堂教学与项目有机的融合为一体。教学团队选择合适的项目，教学过程更有针对性和目的性，使人才培养目标与社会行业需求相符合。

(一)课程模块设置

工作室教学模式中学生何时进入工作室，进入工作室后课程该如何设置等等一系列问题都需要认真规划。根据艺术设计专业人才培养方案的要求，一般工作室教学模式中的课程模块是会被规划成为四个时期。第一个时期的教学内容会强调专业基础培养和人文素质教育，为基础部分;第二个时期是侧重掌握专业核心知识，为理论的准备期;第三个时期主要注重以专题设计和独立的研究能力的培养，开始了专题研究和执行能力的训练，综合设计能力的培养;第四个时期是综合能力的全面应用和检测时期，专业实践和毕业创作为主要的教学内容。这四时期教学中前两阶段作为专业学习的基础阶段明显不适合进入工作室教学模式，还是应该以课堂教学模式为主，在后两阶段中才适宜采用工作室教学模式。四个时期中，第三阶段作为转型时期，可以让教学团队带学生进入虚拟项目工作室来学习专业知识，达到理论与实践的有机结合。最后一个周期则应该根据学生兴趣和偏好进入实际项目工作室进行学习，同时完成诸多项目和毕业创作。在课程的设置上，既要符合艺术设计教育的教学规律，还要突出精心组织艺术设计教学内容，建立符合社会需求的艺术设计人才培养模式，强调培养实践型设计人才为培养目标。随着多学科、多领域的不断碰撞与交融，设计工作室的教学内容会更加丰富，工作室之间的交流也会更频繁，其划分也会更加细化和完善。

(二)教学团队组建

工作室教学模式重视实践能力的培养，注重专业综合能力训练。因此对教师的要求也是比较全面的，教师不再只教授一两门专业课程，而是要对一个具体的项目进行全方位指导，这就要求教师必须具备较高的专业水平和实践能力。当然这样的“全才”的教师在各院校中普遍缺乏，我们可以采用“双师制”，外聘教师来弥补。本校设计教师主要负责学生专业知识的学习和思维方式的培养，外聘优秀设计人才负责技术传授，培养学生的动手能力和设计表现能力。这样的教学团队既有系统化的教学理论，又有行业经验的引导，实现了教学与实践的完美对接。

(三)教学管理模式

工作室教学模式已经打破了传统专业课程之间的界限，教学团队根据项目对教学内容进行灵活安排，对教学管理提出了新的要求。其教学管理可以分为三级:院系对教学工作室进行常规教学管理，可以通过学生的满意度、社会评价等指标来考核工作室，以促进其健康发展。工作室教学组织安排和教学工作实行是工作室负责人的首要任务，同时还可以为工作室匹配负责学生日常生活和思想品德培养的专职班主任老师。由学生推选出认真负责、专业优先的学生来担任工作室学生团队负责人，协调教学管理，工作室的勤务工作。对固定的教学场所管理。项目的设计与完善，学生之间的交流，教师和学生互动学习以及资料的存放、共享都离不开这一场所。它可以在原有教室的基础上进行改良，除了固有的桌椅之外，还要配备一定数量用于设计表现的计算机，以及相关设备打印输出设备，并提供一些工具用于学生设计模型的制作。工作室应储备相关的专业图书和资料，以便于师生查阅和学习研究。综合复杂的教学场所需要在工作室课程进行前制定工作室场所管理细则，包括工作室使用的纪律要求、设备资料管理细则等，并约束大家遵循，从而保证教学工作的有序进行。

(四)教学中“项目”的导入

实例工程的时间与课程设置时间不能完全对应。所以可以采用实际项目、科研项目和参赛结合的方式，以整合的模式运行工作室教学。有项目的时候做项目，有比赛参加赛事，再者就是以培养学生的理论素养为目的的科研项目做补充的教学内容。实际工程的导入。作室模式教学中的主体，实际项目极具市场性，能够加强课堂与企业的横向联系，让学生的角色不仅是听课，更多的是去操作，不是“纸上谈兵”，而是以准设计师的身份去参与，解决企业生产中的问题，以有效的促动实际生产为设计目的。科研项目的导入。老师带领学生参与到科研性的项目课题之中，按照学生特长组成团队，完成科研项目。教师科研项目具有一定的前瞻性、学术性，可以提升学生的专业理论高度，为学生将来的专业细化提供磨练平台。“训赛结合”项目导入。现今我国正大力推广教学中的技能大赛，在这一形势下，工作室项目教学可以引入“赛事”为训练途径。在教师的指导下，依托于工作室这一平台，引入各省市级以及国家级竞赛。通过学生团队来参加比赛，让学生相互协作，发挥个人特长，同时相互学习，完成竞赛项目，达到以赛促学的目的。艺术设计教育模式中工作室制教学模式的主旨就是建设实践式的教学，也是现在所提倡的实践型大学构建必不可少的组成部分。学生能够在工作室式的教学模式中有效的参与到实际的设计项目中，有效的模拟和参与到“项目”中，可以让学生迅速提高其综合实力。但是，目前工作室教学模式的探索和研究仍不成熟，还需要在实际的操作中不断的完善，从而不断推进工作室教学模式的完备，从而让学生的综合专业能力在学校的学习中得到真正提高，实现教育育人的目的。

参考文献:

[1]袁熙旸.中国艺术设计教育发展历程研究[M].北京:北京理工大学出版社，2003.

[2]唐芃.学科竞赛与提升大学生创新能力的探索[J].艺术与设计，2014，(11)152.

[3]尹大中.山东理工大学美术学院艺术设计教育的现状分析及发展探索[D].吉林:东北师范大学，2007.

[4]王伟，苏丹.对工业设计专业工作室教学模式的探索与思考[J].黑龙江教育(理论与实践)，2015，(06):72.

[5]傅欣.以导师工作室课题研究为主导的毕业设计教学[J].湖北美术学院学报，2009，(03):97.

[6]吴兴丽.应用型人才培养模式下的产品设计专业教学[J].中外企业家，2014，(27):175.

艺术美是为了用艺术的形式将美的形象表现出来,是艺术设计的一个表现手段。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：艺术设计教育中传承民间美术的思考

摘要：艺术设计教育是我国艺术类专业的重要内容，随着新兴内容的增多和传统知识的没落，民间美术的传承遇到了很大的危机。文章针对艺术设计教育中民间美术的传承展开讨论。

关键词：艺术设计;民间美术;教育;传承

艺术设计教育在现阶段的社会中获得了广泛的重视，由于环境稳定，艺术文化领域获得了充足的外部条件。民间美术是艺术设计教育中的组成部分，但正在走向没落，学习者更多倾向于当前流行的艺术形式，对民间美术的兴趣并不大，由此导致民间美术的传承遇到了很多的问题。根据艺术设计教育的现状和民间美术的特点，合理选择传承方法，保留民间美术教育的固有组成部分，减少民间美术瑰宝的流失，是今后的重点工作。

一、民间美术传承的困境分析

从历史的发展来看，民间美术的时间较长，拥有的文化内涵非常丰富。现代艺术设计教育过程中，比较追求的是新兴艺术类型以及流行的教育方法，民间美术的传统性，与当前的艺术设计并不符合，二者虽然在本质上都隶属于艺术的范畴，但在发展道路上却走出了两个方向。所以，民间美术传承出现了较大的困境。首先，民间美术的学习者不断的减少。艺术设计经历的每一次历史变迁，都将改变研究的方向和追求的目标。民间美术虽然也随着历史的推移而改变，但改变的幅度非常小，其想要更多的保留传统内容。学习者主要是跟随大的潮流来发展，因此他们对民间美术的兴趣程度较低。其次，民间美术的内容与现代艺术设计出现了冲突。对于民间美术而言，无论是创新还是内部体系的优化，都必须在一定的规范内进行，一旦有人尝试打破固有的规则，就会遭到相关人士的谴责，甚至是引起极大的舆论压力。与之相反的是，现代艺术设计教育，讲究的是个人的极限创造和天马行空的想象，追求各种打破常规的艺术形式。二者在观念、方法上的冲突，导致很多人都选择了现代艺术设计，主观上抛弃了民间美术。第三，国家对民间美术和现代艺术设计，均保持中立态度。这就导致民间美术失去了最大的支持，后续发展表现为乏力状态。

二、民间美术传承的可行性分析

艺术设计教育在长久的探讨和分析中，认为民间美术是一个不可缺少的组成部分。近年来，非物质文化遗产的申请项目较多，其中有相当数量的项目，都隶属于民间美术的范畴。一旦民间美术失传，艺术设计教育的空洞就无法弥补，对国内的艺术事业发展将构成严重的威胁。从客观的角度来分析，艺术设计教育中民间美术的传承，必须要在可行性上进行分析，才能明确相关执行措施。

1、艺术设计教育提供了较大的平台

民间美术的传承，倘若要在客观上获得较大的提升，就必须借助艺术设计教育的平台作用。在国家看来，民间美术是一种不可缺少的瑰宝，但如果执行一系列的强硬措施，势必会在艺术设计教育中产生较强的负面影响，这并不是最好的结果。为了能够将民间美术更好的传承下去，分析其中的一种可行性为，将艺术设计教育作为基础平台，广泛开展民间美术传承。首先，艺术设计教育的主体是学生、教师，无论是在理论水平上，还是在专业基础上，均有良好的条件和能力，可作为民间美术传承的有效载体。其次，艺术设计教育的各个院校，均具有广泛的硬件设备，这正是民间美术所需要的。所以，艺术设计教育在发展过程中，虽然占有了绝大部分的艺术空间，但却在不知不觉中为民间美术传承提供了较大的平台，有利于民间美术在“绝望”之际获得新的进步。

2、艺术设计教育帮助民间美术获得延伸

从主观的角度来分析，民间美术之所以在现阶段的学习者、拥戴者比较少，很大一部分原因在于民间美术守着固有的内容，未进行全面的延伸和创新，给不了社会需要的东西。非物质文化遗产在申请过程中，民间美术更像是“一个未被开启的大门”，同时还有很多的人守着，不希望民间美术获得延伸。艺术设计教育在长久的发展中，最大的功能就在于，帮助任何一种存在的、已知的艺术形式进行发展，民间美术也不例外。第一，艺术设计教育的研究方向，多数是当前比较流行的内容。倘若民间美术能够适当的与当下研究相互结合，相信可以获得较大的创新，学习者和拥戴者的数量将增加，为传承提供更多的帮助。第二，艺术设计教育的固有研究成果，完全可以与民间美术进行共享。由于国内的艺术领域发展，正处于一个非常重要的阶段，将民间美术和现代艺术相结合，是一条可行性较高的研究路径。第三，艺术设计教育，已经是公认的“大环境上的艺术类别”，民间美术是被包括在内的。前者有必要向后者进行延伸处理，并获得更大的价值。

三、艺术设计教育中民间美术的传承措施

在经济迅速发展的今天，民间美术的传承并不容易。从价值的角度来分析，民间美术所拥有的价值是无限的，但必须获得相关领域和社会的认可，否则依然不能进行有效的传承。艺术设计教育为民间美术提供了较大的平台，还可以促使民间美术更好的延伸，传承可行性是可以肯定的。研究民间美术传承的具体措施，需要结合当前的客观情况来完成，避免造成传承方向的错误和内容的缺失。

1、培养民间美术教育的师资队伍

民间美术的传承，必须在师资队伍的建设中获得提升，否则很容易“各自为政”，造成民间美术的派别、门类过多，对将来的发展是非常不利的。结合以往的工作经验和当下的传承目标，认为培养民间美术教育的队伍，可尝试从以下几个方面出发：首先，应将民间美术的一些高手，或者是公认的艺术大师邀请到院校当中，逐步建立纯正的民间美术师资队伍。例如，天津的泥人张，是我国民间美术的公认代表。泥人张的第三代传人——张景祜，就曾经被邀请到原中央工艺美术学院、中央美术学院进行教学。陕西的民间剪纸艺术大师——库淑兰也曾被邀请过。这些艺术大师在社会上具有相当的影响力，是民间美术教育队伍最需要的人。其次，师资队伍在建设过程中，还应该明确每一位教师的具体责任。民间美术的传承工作，不能再依靠传统的“收弟子”形式来完成，必须要考虑到社会的发展与需求。将每一位艺术大师的责任、教学方法、教学目的明确后，便于开展针对性的教育，增加民间美术的学习者、拥戴者。

2、开设民间美术课程

艺术设计教育中民间美术的传承，在获得师资力量的帮助下，应进一步的开展相匹配的课程内容。当前的艺术教育比较开放，但不可能无任何的规章、制度，开设民间美术课程，是为了让学生系统的学习民间美术的内容，丰富自身的艺术内涵。当学生拥有一定的基础之后，才可以进一步的拓展训练，逐步了解到民间美术的更多内容，完成民间美术的传承和发展。本文认为，民间美术要改变目前的状况而真正地“活”起来,学校教育是一个很重要的环节。在高等学校设计艺术专业的文化情境中，通过组织民间艺术家、专业教师传授知识与技艺，可使民间美术的技艺与民间美术的精神得到传承与延续，实现民间美术的再创新。这样不仅为民间美术提供了新内容,同时也给民间美术提供了新形式。当主体对象发生根本性改变以后，重新融合后的民间美术必将产生新的艺术生命力。民间美术课程包括理论和技法两个方面。理论方面，可讲授我国各种类型的传统民间美术发展演变的历史、不同地域文化下的民间美术的风格特色，以培养学生对民间美术的兴趣;技法方面，可讲授一些民间美术的材料、工具、制作过程、生产工艺等，以培养学生对于民间美术的制作能力。

3、增加民间美术专题讲座、现场展演

民间美术经过历史的影响，自身的组成内容和各种文化内涵都比较丰富，想要将这些东西更好的传承下去，就应该将民间美术的内容充分展示出来，并以此来获得更多人的支持。增加民间美术专题讲座、现场展演，是一项高度可行的措施。这种方法的优势在于，不仅能够让学院内的人深入了解民间艺术，同时在展演过程中，吸引了相关机构、企业的注意，联合进行民间美术的传承，进一步扩大了工作的空间。例如，校企联合过程中，开展民间美术专题讲座、展演，学生毕业后直接到相关机构、企业进行工作，既能将民间美术更好的传承下去，同时还可以在价值的创造上有所提升。建议在今后的专题讲座、展演工作中，可以尝试采用高校的专职教师授课和邀请民间艺人进行专题讲座与现场展演相结合的形式，充分利用高校的区域优势，加强民间美术教育。所谓区域优势指的是可以以高校所在的周边地区较发达的民间美术类型作为学习和研究的重点。民间美术种类繁多、分布广泛，是民族文化最重要的载体之一，民间美术的发展是不能脱离民族文化特别是本土文化情境的，因而具有较强的地域性。将民间美术引入高等学校设计教育，要充分利用其地域性的特点。

四、总结

本文对艺术设计教育中民间美术的传承展开分析，当前的民间艺术获得了社会和业界的双重肯定，传承工作正在紧密开展，成果方面非常丰硕。相信在未来的工作中，民间美术将获得更高的传承水平。

参考文献

[1]张新词.当代高校艺术设计教育对传统民间美术资源的传承[J].大舞台,2013,09:221-222.

[2]辛琳琳.民间美术在地方高校艺术教育中的传承与发展[J].大舞台,2010,10:190-191.

[3]周映河.传统民间美术资源在现代艺术设计教育中的传承与应用[J].艺术教育,2012,09:125-126.

[4]秦国防.高等艺术院校民间美术教育与民间美术传承发展研究[J].大众文艺,2011,19:232-233.

艺术设计专业毕业论文范文二：情感元素在艺术设计中的融入与呈现

摘要：知识时代背景下，艺术文化越来越受到重视，全球文化交流日益频繁。绘画艺术与艺术设计在现代艺术领域占据着重要位置，毫无疑问是现代艺术文化的主要组成部分，尤其是绘画艺术。我国自古以来就有“琴棋书画”之说，绘画艺术一直以来都十分受到欢迎。绘画艺术之所以能够如此受到欢迎，和绘画艺术的艺术特性有着直接关系。绘画艺术具有强大的艺术表现力，不仅能够给受众视觉冲击，更能够利用画面营造气氛，引发受众内心的震撼与共鸣。而绘画艺术表现力的营造离不开对情感元素的运用，绘画是一种能够抒发情感的艺术。本文将针对情感元素在绘画艺术创作及艺术设计中的融入与呈现展开研究和分析。

关键词：艺术设计;绘画艺术;情感元素;融入与呈现

绘画艺术是一种传统的艺术形式，发展至今已有几千年历史。新时代背景下，随着时代的变迁，人们思想和审美都发生极大转变，绘画艺术风格与形式越来越多，呈现多元化发展趋势，但对情感元素的呈现始终未变，不论古代绘画作品，还是现代绘画作品都运用了大量情感元素，画家们在作品中投入情感，通过对色彩、线条的运用表现情感，通过各种表现方式将情感元素展现给受众。不同性格的艺术家有着不同艺术风格，对情感元素运用的方式也会不同，所以才会有“画如其人”的俗语。另外，现代艺术设计也重视对情感元素的运用与呈现。情感元素在绘画艺术创作及艺术设计中的融入与呈现值得研究

一、绘画艺术创作与艺术设计

(一)绘画艺术创作

绘画艺术创作是忠实于客观物象，对客观物象采用高度概括与提炼具象图形设计的一种表现形式1。绘画艺术作品具有鲜明形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化。绘画艺术创作通常以图形化的方式组织处理描绘对象，以抓住对象精神气质，强化形象形态特征，对其进行表现，是一种单纯、鲜明的艺术表现方式2。绘画艺术创作的图形表现方式较为自由，充满个性，通常立足于生活，关注生活，关注时代，但同时也注重思想的解决，想象的发挥3。绘画艺术作品是最打动人心的艺术创作形式，但能够打动人心的作品，往往是那些最平凡，与生活最贴近的事物。对生活感悟越深的艺术家，创作的作品越能感动受众。绘画艺术创作不仅属于艺术行为，更属于精神文明范畴，在表现艺术的同时，还能够传达人的情感，洗涤人的灵魂。情感与艺术的和谐统一是绘画艺术创作的关键，是艺术作品必须具备的价值。一副优秀的绘画艺术作品，代表艺术，代表时代，代表作者，同时还代表着情感4。翻看名师大家的作品，无不感受到作品艺术魅力中蕴含的情感。绘画艺术创作要诠释生活，表现内心真实感受，发挥想象，才能获得成功。例如，罗中立的《父亲》，刻画了一个农民形象，紧贴时代与生活，反映出了一个时代，反映出了当时中国基本国情和一个普通劳苦大众，他用绘画创作语言记录了这一时代发生的事，将自身情感融入画面，用情感元素表现自己对社会的观察，对生活的感悟。“以人为本”是绘画艺术创作的永恒主题，从古今中外绘画历史来看，都在贯彻人本艺术思想理论。

(二)艺术设计

艺术设计目前仍属于边缘学科，起步较晚，但发展势头良好，有别于传统艺术门类，是一门综合性非常强的艺术学科，涉及内容和范围非常广泛，其审美标准也会随着影响因素变化而产生变化，其中较为重要得的影响因素是文化与社会环境5。艺术设计源于生活，用于生活，就是将艺术的形式美感用于日常生活相关事物的设计中，使之在具有实用功能的同时还具有审美功能。简言之艺术设计是一种为人服务的设计行为，是物质文化与精神文明的完美结合。艺术设计通过对艺术设计理论思维、造型艺术、设计原理的运用进行设计，来满足人们物质上、精神上的需求。设计中十分注重设计的生活性和实际性。艺术设计的最大特点是服务性，它不同于传统艺术那般可以异想天开，艺术设计中的设计关键在于为人类提供服务，满足人们需求，追求设计的科学性和合理性，与严格意义上的艺术品有着本质区别。传统艺术品完全可以凭借灵感，凭空创作，而艺术设计则需要严谨的科学精神，设计师要对各种数据和信息进行考虑，调查自身设计观点与科学观点间的关系，追求艺术与生活需求的妥协，所以艺术设计作品没有绝对的艺术理想，往往是用体验和感受去征服受众6。新时代背景下，人们对艺术设计作品的实用性和艺术性追求越来越高，对艺术设计作品带来的情感体验越来越重视，所以越来越多的艺术设计作品开始重视设计中情感元素的融入与呈现。

二、情感元素在绘画艺术创作及艺术设计中的融入与呈现

情感属于心理学范畴，是人态度的一部分，它与态度中的内向感受、意向具有协调一致性，是态度在生理上的一种比较复杂且稳定的生理体验，主要包括：道德情感和价值感两大方面。具体表现为：美感、喜欢、幸福、仇恨、爱情等等。梁启超曾在文章中提到“天下最神圣的莫过于情感”，情感是人心理变化的主要诱因，对人类行为起着决定性作用。“感人心者，莫先乎情”，情感决定行为，影响着人的审美和个体感受，现代艺术中几乎都融入了大量情感元素，通过对色彩、材质、点、线、面等元素的组合，构建情感元素，从而对人的视觉、触觉、听觉产生影响，使其产生联想，引发情感共鸣，达到人与物心理沟通的目的，进行艺术表达，让作品带出情感，拉近人与艺术间的关系。艺术作品中情感运用非常重要，情感元素是增强艺术作品感染力的重要手段，能以非同一般的情感力量，诱发受众情感，使其沉着于艺术作品带来的欢快愉悦之中，对作品产生认同感。没有情感元素的绘画艺术作品或艺术设计作品就没有情感的注入，所以难以激起他人的思想感情，这样的艺术没有灵魂，只是僵死的概念。不论是绘画艺术作品，还是艺术设计都要“以形感人、以情动人”，融入情感元素，给予受众视觉刺激，才能获得成功，得到良好的艺术效果，使受众产生兴趣。因此，设计师要加强对情感元素的运用，注重情感元素的呈现，将自身感情融入作品。很多享誉盛名艺术作品的成功，不仅在于艺术手法的精妙，更因为它融入了大量情感设计手法，十分注重情感表现，所以才深入人心，因此才能够在艺术上和商业上都取得好的成绩。例如，著名画家列奥纳多•达•芬奇所绘的丽莎•乔宫多的肖像画《蒙娜丽莎》，被人们称为“蒙娜丽莎的微笑”。该作品的成功就在于画中人物的微笑，这一微笑赋予了人物“人情味”，使整幅作品有了生命和灵魂。画中人物姿态优雅，笑容微妙，力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，这使得蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被美术家们称为“神秘的微笑”。画中的微笑有时让人觉得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在光线变化下，所产生的艺术效果有明显差异。荷兰阿姆斯特丹的一所大学应用“情感识别软件”分析出蒙娜丽莎的微笑包含的内容及比例：高兴83%，厌恶9%，恐惧6%，愤怒2%。毫无疑问情感元素已成为绘画艺术与现代艺术设计中的一种特殊表现手段，艺术家们通过对情感元素的运用，满足受众情感需求，使受众心理得到满足感和认同感。这些情感元素能够勾起受众联想和回忆，不同情感元素的运用产生的艺术效果不同。例如，在艺术设计中一些柔软材质的运用，能够给人一种亲切感，所以这种设计情感定位倾向女性和小孩。此外，艺术设计和绘画艺术创作中色彩情感也是非常重要的情感元素，色彩给予受众的视觉冲击和情感感受最明显，不同色彩给人带来的情感体验不同。例如，黑色代表着愤怒、害怕、复仇等;白色代表着安静、祥和、平静，能够使人联想到天空、白云;红色则让人觉得热血、温暖、火热，所以色彩是现代艺术中唤起受众情感的主要情感元素。一些色彩独特的作品往往会使人眼前一亮，使主题更鲜明，有效吸引受众，刺激受众感官。例如，hellokitty色彩设计中多以粉色为主，而粉色在人们情感中是“可爱”和“萌”的代表，这种设计思路使情感与色彩完美融合，将情感元素呈现给了人们。因此，当人们看到艺术作品色彩时，内心情感和幻想便会被唤起。新时代背景下，随着人们物质生活水平的不断提高，人们对精神生活质量要求越来越高，现代人越来越重视精神享受和情感需求，所以人们更加看重艺术作品的情感价值。然而，目前很多绘画作品和艺术设计作品往往缺乏对情感元素的运用与呈现，艺术风格千篇一律，相互复制、相互抄袭，很多作品已丧失艺术特色，无法反应作品情感内涵，受众也无法感受到作品所传达出的情感。想要提高绘画作品及艺术设计作品艺术价值和观赏价值，就必须提升作品情感价值。通过正文的分析不难看出，情感元素在现代艺术领域中的重要性。绘画艺术创作与艺术设计有着很多共性，想要创作出优质的艺术作品，离不开对情感元素的运用。缺乏情感元素的艺术，往往是空洞无神，难以获得受众认同，艺术价值受到局限。绘画艺术创作与艺术设计想要获得成功应积极融入情感元素。

注释：

1.王丽君.花山岩画艺术在现代绘画艺术中的视觉表达研究[D].广西师范大学，2012(11)：119-124.

2.王娅楠.抽象元素在现当代中国画艺术语言中的演变与发展[D].山东理工大学，2014(14)：132-136.

3.王艳，王国.中国传统绘画元素在现代平面广告设计中的应用研究[D].西北师范大学，2014(7)：119-126.

4.李晶.物性与神思的遇合—综合绘画材料的拓展与艺术呈现[D].东北师范大学，2013(12)：103-104.

5.蔡佐嘉，王希林.“虚实相生”的水墨意境在现代平面设计中的运用研究[D].湖南师范大学，2012(06)：112-115.

6.杨晶，韩庆祥.现代绘画的“错觉”形式对现代设计的影响研究[D].齐齐哈尔大学，2012(04)：128-131.

所谓艺术教育,从狭义上说就是通过有关艺术设计基本理论、基本知识的传授,通过艺术设计能力、设计意识的培养,通过艺术设计方法、设计技能的训练,培养具备创新素质与持续发展能力。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：环境艺术设计的生态性分析

摘要：随着经济水平的不断提升，环境质量发生了重大的改变，环境的破坏和污染给人们的生活带来了不利的影响。为了寻求对环境的改善，对环境艺术的设计引起了人们的关注。环境艺术设计的生态性研究主要是指通过对改善和创新的方式对环境艺术进行设计，来减少对环境的破坏和造成的不利影响。

关键词：环境艺术;生态性;安全性;舒适性

生态性在不同行业有着不同的看法，环境艺术设计的生态理念是指人们需要遵守自然界本身的发展规律和自然原则，对人们居住的环境和住房的构造进行艺术性的设计。但当今的环境受到了不同程度的破坏，所以大部分地区都应该加入到保护环境中来，应清楚地认识到环境对于人们生活的重要性。所以生态理念在环境设计中的运用中已经成为当前社会发展的需要，人们应该改变传统的设计观念，把生态理念融入到环境艺术设计中来。

一、环境艺术设计的生态性内涵

生态设计主要是指通过绿色设计的方式或者生命周期的设计理念来实现环境艺术的设计。在设计过程中应该结合当地的地理环境，为了减少对环境的危害程度，在设计过程中坚持持续发展的循环观念。要想实现生态在环境设计中的良好应用，必须要遵循以下几个方面的内容。首先，应该考虑到人的本性，环境艺术的根本任务主要是实现为人们服务的功能，通过对环境的设计来提高人们的物质条件和精神生活。主要实施的内容是在设计中找到设计理念和自然环境的融合，在满足人们日常生活需要的情况下，来实现对环境的保护功能。其次，在进行设计时，需要保持设计理念的整体性，环境艺术设计应该以保护环境为基本出发点，能够为人们提供良好的环境保护意识1。

二、生态理念在环境艺术设计中遵循的原则

(一)自然性原则

遵循自然性的原则是生态理念在环境艺术设计中的重要原则，如果设计师在进行环境雕琢中只注重展现虚实的美，那就导致设计结果的偏离，不能很好地体现出最自然的状态，偏离了设计的初衷。所以，应该在环境艺术设计中融入自然的特性，与自然进行相互协调和亲近自然的感觉，实现艺术的美感。

(二)生态性原则

生态性主要需要遵循的是源于自然和体现自然的生态规律。设计的灵感来源于自然，应该充分理解大自然所展现出来的生态性能，结合自然的固有规律，进行环保的建筑设计，使设计融入到自然环境之中，领悟大自然的美丽，促进人与人之间的协调和融洽。

(三)艺术性原则

在进行环境艺术设计中，设计者应该根据当地的地理环境和生态环境来进行设计的构造，这样的环境具有较强的艺术性能和强大的感染力，在人们的生活中发挥一定的作用2。

三、生态理念在环境设计中的应用

(一)社会性设计策略

环境艺术设计中的社会性设计主要是指在进行作品设计中，应该遵循社会性和生态性的功能，不要盲目进行艺术化的追求。当前社会的环境意识不容乐观，所以设计师应该结合目前社会发展的现状，以人们的生活方式上和文化模式作为设计的原则，设计出更多能够满足人们需要的作品。在现代社会中，有一些设计人员为了追求设计效果忽略了生态环境，对环境造成了极大的危害。所以人们应该追求一种人与自然平衡的状态，来实现设计者的设计目标，对环境起到保护的作用。例如，当今有一些企业或者电视台在举办活动时，盲目的进行活动效果的追求，使用大量的彩灯和灯光效果，对电能资源却造成了很大的浪费，不符合社会性的设计理念。

(二)安全性设计策略

环境艺术中的安全性设计主要是指设计师在进行设计时应该考虑到人身的安全和自然的安全。人的安全主要表现为环境艺术的设计应该坚持满足人们的需要和提高物质生活条件为前提，注重人身的安全。如果在设计中存在安全漏洞的方面，这种作品将不能称之为好的作品。自然安全主要表现为设计者在设计过程中应该运用周围的环境来进行艺术创造，选择自然的环境作为创作背景，坚持造型以牢固为主的原则，尽量使用可以回收或者方便拆卸的材料。例如，在小区环境设计中，一些景观的设计通常会与停车场形成空间的重叠，所以就导致安全隐患的发生。所以设计人们在设计过程中，一定要考虑安全方面的因素，设计出安全性能高的作品。

(三)舒适性设计策略

进行环境设计最主要的出发点是为了设计出人们更加舒适的环境，来满足人们日常的需求，使人们的心情得到充分的放松，丰富人们的审美能力。例如，设计师在住宅上通过运用玻璃的形式，来保障充足的光照。在屋顶上安装太阳能进行热水的使用，在房屋建造中使用无毒的材料，在屋顶和墙壁上进行保温处理等，这些方法的运用都体现出了舒适性的设计原则。在设计中不仅满足了人们对艺术化的追求，并且极大地促进了对资源的使用效率，促进了环境的保护，实现了环境艺术设计与生态的融合3。

四、结语

随着经济的不断发展，社会生产力得到了极大的提高。但是在创造财富时，无形中给环境造成了一定的污染，生态环境恶化，资源短缺已经成为影响当前社会发展的主要因素。所以，为了实现可持续发展，实现人与自然的和谐，应该在追求环境保护过程中，运用生态性的理念来实现环境艺术的设计。要注重体现环境的生态性能，满足人们审美的同时，实现对自然的保护。

注释：

1.熊珂.解析思维方式对环境艺术设计的导向性[J].现代装饰：理论，2013(12):209.

2.伍迪.装置艺术在城市景观设计中的互动性应用研究[D].东华大学，2014.

3.李延俊.河西走廊传统生土民居生态经验及再生设计研究[D].西安建筑科技大学，2009.

艺术设计专业毕业论文范文二：建筑艺术设计中微观科学的应用

摘要：微观科学基于对建筑设计领域的探究，启发借助科技在微观环境下的各种形态的艺术创作，将微观科学中的特殊形态和建筑设计的思维相互结合穿插，提供创新的设计理念。观察思考微观景象来启发和影响建筑艺术设计。

关键词：微观科学;建筑设计;艺术创作;创新

一、建筑艺术中微观设计创意产生的来源

微观科学研究将以前肉眼不易感知到的微观世界的形态、色彩、功能、结构展现在人们面前，给人耳目一新的感觉，促使人们从微观世界各种形态中寻找素材、获取创意，运用于室内装饰家居用品、绘画创作、摄影从事艺术创作。可以说微观科学的发展为艺术创作提供了新的思想、新的原理、新的方法和新的途径，当前微观科学研究成果应用于艺术领域已是一种趋势。目前中国的建筑行业都在蓬勃发展，而微观艺术世界中这些微观的分子结构则正是(建筑室内外)最具创新性与可塑性的良好设计素材。通过微观科学机构中个体的形态，结构变形，有机的排列组合，生成一个较为具象的二维图形，再将二维图像升华到立体的三维空间的一个发展过程。在实际造型的设计过程中，将重点研究下列几个方面的元素：微观世界艺术中的微观物质(离子•分子•单晶体•类细胞机理•微生物机理•几何学原理)，相关文献的记载，空间设计中的实际案例。通过研究上述这些方面，找到一些规律。综合平面设计，空间设计等方面理论进行新的设计探讨研究。

二、微观形态设计在建筑艺术设计中的应用方法

(一)微观形态的结构特征，可以最简单的划分为以下这三类的微观组织结构：

1.动植物的微观结构和组织。

2.微生物种类繁多，至少有十万种以上，按其结构、化学组成及生活习性等差异可分成三大类：

(1)真核细胞型微生，真菌属于此类型微生物。

(2)原核细胞型微生物。

(3)非细胞型微生物。

3.自然形态中的微观结构和组织。

(二)微观形态特征的主观认识

1.微观形态的美感认识：人类在历史长河中所培养出的视觉体验。而今已然作为大众评判事物的标准。

2.微观形态的意象认知：微观形态有着自己的多样性和随机性，而当我们把自己的主观认识安放在这些形态上其所标到的内涵又有了新的意义。这种人的意识其实是对某种物的转移，微观形态本身不具有意象，当人们通过各种解读从而让他有了意象。如下图所示，不同的形态会给人以不同的心理感受，当然这归结于人的意向认知。可以说，微观形态所带给建筑的启示也是依附于人的自我感官及审美能力范畴，最关键的是其自我的微观形态认知意识。

三、微观科学建筑案例分析

我们对微观科学中的系统的认知最基本的主要是理解微观形态给予人的视觉形式。有些是人的肉眼所能直观看到的，而另一种则是需要科学仪器设备来呈现出来。可把这两种形式称作大微观和小微观。大微观(及人眼所见的微观形态)：

1.鸟巢体育馆。

2.蜘蛛网形态演变出的蒙特利尔博览会德国馆肥皂泡，这也是生活中最常见的可见形态，水立方也是很好的利用了这种形式。小微观(需要设备仪器所见的微观形态)：

1).马鞍藻。

2).细胞骨架。

3).细胞质基质。

4).植物细胞。这些生物体形态在设备的研究下所获取的结构可作为建筑设计素材。在建筑艺术中借鉴微观科学发现的事物形态进行建筑设计，只要比现存的建筑具有优越性，值得设计师借鉴的微观科学发现的物质形态都属于微观形态设计的范畴。案例1细胞分裂与水立方建筑案例：北京奥运会设计的水立方——国家游泳中心。水立方是一个关于水的建筑,水是一个建筑的魂。设计的中心就是引入中国传统理念“上善若水”的思想内涵。为了体现这一理念,建筑师配合鸟巢的形式为场馆设计了一个方行盒子,其中布满了类似细胞分裂的多元化几何形结构。在微观结构中，肥皂泡沫的结构造型与水立方所呈现出来的不规则多边形结构高度的统一。而在微观图形意向中，泡沫的模仿度极高，它在生成堆积排列的过程给予水立方相同的衍生模式，在建筑群体中能到很高的辨识度。很容易让观者第一时间联想到泡沫的缩影。案例2自然中的鸟巢与北京鸟巢体育公园建筑案例：自然形态中的微观鸟巢的结构性形态，通过架构的变形衍生出了新的形式。单体的树枝架构通过了有序的堆积排列形成了非常稳定的结构。从而演变出了新的建筑案例。案例3蜘蛛网与蒙特利尔博览会德国馆：从微观形象中所提取的元素模仿的是蜘蛛网的造型模式，由弗雷•奥托设计的德国馆第一次创造性地大规模成功应用了支撑膜结构技术。发散的造型取自平常我们很难注意的蜘蛛网，当这种微观的结构放大以后自然而然就更加稳定的与建筑空间所联系起来，所谓支撑膜结构实际上就是帐篷的放大，使得帐篷做的足够大且耐用。案例3马鞍藻与伦敦奥与会水上运动中心建筑案例：马鞍藻的犹如马鞍的形状，在微观镜像中的马鞍藻两头翅起，美感十足，如今的许多体育场馆也有相类似形象,因为造型的美观，结构之坚固这种常规的手法已经广泛应用。建筑师扎哈•哈迪德设计的伦敦奥运会水上运动中心在屋顶呈现出拉升扭曲状的另一个目的是为了应对气候变化，各种恶劣天气等对屋顶和运动中心所造成的二次伤害。场馆两翼的翘起与马安藻的外形结构神似。而这一发现也是对微观镜像中马安藻的结构形态的研究所得出的结论。案例4细胞骨架与PRADA旗舰店：要提到就是关于细胞骨架与服装店内部装饰立面墙的结构分析。洛杉矶新旗舰店的店中可以看到一面穿孔式的伪立面墙。它所运用的的结构模式与细胞骨架的结构类似。细胞骨架结构是真核细胞中的蛋白纤维网络结构。这种需要在电镜显微镜下所看到的细胞结构呈现出多孔均匀分布的排列结构。将这种特别的形式通过展开以后所得到的艺术效果远远大于其本身。微观世界中的某些镜像不仅仅对于建筑来说有着仿生和设计意义。若是把这种形式带入到室内空间中也可以成为另一种表现形式。案例5细胞质基质与台中大剧院建筑案例：台中大剧院用机的结构形式,对细胞的结构变化的利用引到了一个新的设计方法路线。它对于细胞质基质的模拟是以分层次的结构形式。细胞质的没一个层都是建筑师对于功能区域划分细化，所以细胞内部的机体组织对在建筑功能场所、形态、空间组织上对建筑的设计有着特殊的实践含义。以上的建筑案例是比较突出的利用了微观形态来对建筑的改造所获得的实例，不管是外立面亦是建筑的整体外形都有了不一样的体验和感受。

四、微观科学在建筑设计中的应用研究意义

1.微观科学在艺术领域的应用为当今国内空间的设计提供了一种选择，一种设计依据，不论是设计思想，还是空间的形态、功能的组织、参数化的设计等，空间的设计不再是模仿，抄袭，没有新意的重复。

2.正对目前我国大多数盲目追求奇异形式与参数化的空间设计的行为提出不同理念，极度缺乏的想象思维。而微观科学在艺术领域的应用能为空间设计提供合理的形式与规则的模板。

3.在复杂性、智能化、可持续等影响下，未来的空间设计将走向非线性、智能、可持续，微观科学的艺术应用成为了其中的一种可能。

4.本文对论题的研究并非最终结论。微观科学中的微观物质繁多形态、复杂机体种类繁多，随着研究的深入，以及不同的设计师(建筑师)的其它解读和设计，更多类型的微观科学物质还会为艺术领域提供更好的设计作品。

参考文献：

[1]冯路，李世芬.自然形态在建筑设计中的转换与应用[J].2009(6).

[2]郑方,张欣.水立方——国家游泳中心[J].建筑学报，2008(3).

[3]李保峰.仿生学的启示[J].建筑学报，2002(9).

[4]严钧，梁智尧，许建和.城市与建筑的象征意义仿生研究[J].新建筑论坛，2007(5).

[5]袁烽.从数字化编程到数字化建造[J].时代建筑，2012(5).

[6]王洁,翁智伟.从细胞凋亡看建筑弱化[J].华中建筑，2008(10).

二十一世纪是艺术设计的世纪,社会生活的各个方面都与艺术设计有着密切联系,为适应经济社会和产业发展对设计人才的大量需求,我们必须加快艺术设计改革的步伐。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文，供大家参考。

艺术设计专业毕业论文范文一：环境艺术设计教学可持续发展思想

摘要:自20世纪70年代以来，在全球范围内由于人口扩张带来的诸如环境恶化、能源危机等问题逐渐凸显出来，学会正确处理人与自然的关系、追求实现可持续发展已成为人类生存进步的必然趋势。对于环境艺术设计专业而言，在这一背景环境下可持续发展思想的贯彻已成为专业教育发展的必然途径，同时，可持续发展设计理念的执行及在社会发展过程中的重要作用也决定其在环境艺术设计学科教学中的重要地位。

关键词:环境艺术设计;教学;可持续发展;教学模式

一、可持续发展思想在环境艺术设计教学中的缺失

1.社会环境因素

环境艺术设计包含景观建筑设计、城市规划及生态环境改造等多方面与设计相关的内容，旨在对理想生活环境进行设计创造，与人类社会的紧密联系决定其需要符合社会主流意识及市场需求。随着城市化发展趋势的不断加深，设计人才在人才市场中受到了越来越多的关注与重视，直接推动了环境艺术设计教育的迅猛发展，各高校的相关专业也在不断扩大招生规模。调查研究表明，在我国高校的各专业中，环境艺术设计专业是扩招速度增加最迅速的专业之一[1]。在这种情况下，各高校首先需要解决教学资源不足、教育质量偏低等问题，缺乏对可持续发展环境艺术设计专业教学观的探究，甚至部分高校教育工作者对可持续发展的设计理念的理解不清晰，因此对受教者的培养就更无从谈起。

2.受教者个人因素

受社会、历史等多方面因素影响，我国高校的环境艺术设计受教者多数为文科学生，掌握的相关工程技术类知识能力偏于薄弱，加之各高校的设计专业扩招、考生为追逐市场盲目报考等诸多因素，环境艺术设计专业学生无论是在专业技能领域还是艺术修养等方面都普遍素质偏低，且大都没有在艺术设计方面的兴趣爱好，对本专业的学习探索和研究不够深入透彻。这就导致受教者对可持续设计思想理念的理解和应用不够透彻，将生态设计作为当下设计领域中的流行时尚因素，即使有所应用也只是简单的案例模仿照搬，可持续化的设计教学理念并未真正成为设计教学中的组成部分[2]。可持续发展思想教育在理念上的缺失与现实社会发展需求间出现的不平衡状况必然对我国可持续化的社会发展道路造成阻碍，其所产生的消极影响也许在短时间内并不凸显，但从长远发展来看却不容忽视。此外，从受教者个体发展角度来看，社会因素导致的可持续发展教育理念缺失也必然会在一定程度上降低人才的社会竞争实力，使其受到更多来自国际设计领域的竞争压力。当下不乏有外国设计师凭借环保技术优势、可持续发展理念获得国内重大项目的设计机会，侧面表明缺乏可持续发展的设计理念、设计能力将导致人才竞争劣势。因此，可持续发展思想在环境艺术设计教学中的融入和发展刻不容缓。

二、可持续发展思想指导下环境艺术设计教学观的培养

1.培养可持续发展观的核心设计理念

在人类进入工业社会前，对所在环境的设计与改造大都来自美学、哲学思想理念或从文化及形式等方面出发，对建筑设计领域内的相关科学及技术内容涉及较少。进入工业社会后，城市获得了前所未有的发展，环境艺术设计更多地融入了现代化科学理念与技术材料，随之而来的是环境艺术同技术的互动融合。人类社会的飞速进步及民众对生活环境在质量要求上的不断提升，使其在经济、文化及社会生活等方面有了更丰富、更深层次的内涵与功能，同时人们也不得不开始重视逐渐恶化的环境问题。这一历史背景推动了环境艺术设计在领域上的扩展和内容上的丰富深化，环境艺术设计也由此开始更加关注如何在利用技术改造影响环境的同时，实现生态的平衡与可持续发展。劳伦斯•哈普林(环境设计大师)认为环境艺术设计所要探寻的是人与环境和谐共存的根源所在，以及如何将这一和谐共存的关系变为现实，认为环境艺术设计的最终目的在于通过与居住者的沟通构建出与自然保持和谐互动的生态体系。现实状况证明了可持续发展思想在当代环境艺术设计理念中的基础性地位，进而表明其理应成为培养环境艺术设计学科受教者的核心理念之一。培养受教者可持续发展观的核心设计理念是帮助受教者接受、牢记这一观念并引导受教者将这一观念贯穿设计始终的过程。必须使受教者清晰明确诸多可持续的生态化设计理念，如室内设计内容不仅包含有“品位”“风格”等元素，更要注重“健康”;景观设计不仅是简单的平面图案美化描绘或景观元素堆积，而需要对“历史”“社会”“人文”“生态”等诸多方面进行综合考量。必须使受教者在最大程度上明确人工设计、人工建设对其所在生态环境系统可能产生的各方面影响，使受教者认识到只有建立在最低资源消耗与环境破坏基础上的环境效益与功能最大化才是最成功的设计。必须使受教者深入理解re-ducing(减量化)、reusing(再使用)以及recycling(再循环)的3R原则及其在环境艺术设计中的重要作用，不断培养受教者对废弃资源的再利用意识以及相关的实践能力[3]。

2.以设计教学为中心实现课程整合

众所周知，高校环境设计学科包含有艺术、工程以及技术科学等多方面来自不同领域的内容元素，是一门具有较强交叉特性的学科。长期以来，我国高校环境艺术设计教育大都存在着轻视技术与科学教育内容的问题。随着社会进步和教育事业的改革发展，高校环境艺术设计的教育教学也实现了新的改革和进步，但也不能否认其依旧未能对诸如生态学、植物学等在内的自然科学和包括构造、材料学在内的工程科学教育内容予以应有的重视。部分高校设置的相关课程大都局限在理论教育层面，即使有实践参观课程，其目的也是使受教者有初步的感性认识，对如何将各种工程知识和技术融入到设计中的问题涉及偏少，客观现实表明，设计教学中相关技术教育的缺失严重影响了受教者在设计过程中对可持续发展思想的融入进行探索与创新。因而，高校环境艺术设计教学应以课程体系改革为突破口，围绕可持续环境艺术设计思想的中心整合已有的工程技术相关课程。发展全面化的生态素质教育，使受教者能够对相关生态理论知识、生态伦理学知识以及最新环保思想理念有全面具体的掌握，在潜移默化中树立其生态意识;以各类型、各层次的课程设计题目为中心，同工程技术类学科(建筑构造、装饰材料与构造等)的相关知识内容互动结合，面向受教者全面、系统地传授生态化设计的相关内容，对科学、经典的相关生态建筑艺术设计案例进行详细分析与讲解，引导受教者理解、吸收其中蕴含着的设计理念，并促使其成功运用到自我设计实践中。在设计实践过程中，通过使受教者绘制设计的可持续思想应用节点详图，帮助其掌握设计方案同工程技术有机融合的设计能力。

3.突出开放与整体性的教学模式构建

传统的设计类课程大都采用师徒传授的教学模式，教师将相关的个人设计经验技巧、方法理论等通过一对一的授课模式传授给受教者，同时其他相关技术课程授课教师在设计课程中的直接参与程度明显偏低[4]。上述教学方式过于封闭化，在这种教学方式下受教者的设计重点往往倾向于图画、造型及空间形式，对环境艺术设计中的技术元素与设计成果的整体性重视程度不足，此外也不利于受教者在新技术、材料及构造等方面的创新探索。由于可持续发展思想指导下的环境艺术设计无法离开技术等因素的支持，由此可见改革并构建以设计课程教师为中心，其他相关技术专业教师积极参与协助的开放式、整体性教学模式是必然选择。教师在授课过程中提出与可持续发展相关且具有一定综合性的设计命题(如历史建筑的更新保护、旧建筑再利用、节能建筑等)，引导学生逐步完成从基础调查、环境分析、功能及空间规划设置到形态设计、技术选取等各项复杂工作，在这一过程中逐渐培养受教者利用可持续发展思想进行环境艺术设计的整体意识;在设计目标及相关任务安排时对受教者提出节能环保体现要求，并根据受教者知识能力情况及设计主题等因素规定不同设计深度(如按照方案特性要求突出对材料、结构、采光等一种或多种元素的侧重);其他相关工程科目授课教师在学生设计过程中适时提供具有针对性的专业指导，同设计课教师共同对学生设计成果进行评价;根据学生具体设计情况及进度安排一些专题讲座，采取师生互动的方式集中解决困难问题。

三、结论

着眼于当下社会发展形势，培养具有优秀设计能力和可持续发展意识的环境艺术设计人才是当下高校环境艺术设计教学的根本目标之一，为达成这一全新课题，专家学者以及一线相关教育工作者必须转变旧有教学理念，将可持续发展的设计理念贯彻到教育教学中，结合教学实践进行创新探索，最终构建起能够满足本校设计人才培养目标需求、适合本校设计专业发展的科学教育模式和健全教学体系。

参考文献:

[1]陈丽.基于可持续发展理论的环境审设思考[J].黑龙江科技信息，2012，(11).

[2]涂强.园林景观设计教学中生态设计理念的培养[J].泰安教育学院学报岱宗学刊，2012，(6).

[3]施雯.当代环境艺术设计发展趋势[J].艺术科技，2013，(2).

[4]杨韶辉.环境艺术设计教育观念创新论[J].美术教育研究，2014，(4).

艺术设计专业毕业论文范文二：科技浪潮下现代艺术设计研究

〔摘要〕在互联网的大背景下，科技的发展呈现多元化趋势，多媒体技术的运用，导致现代设计的方法和步骤都发生着里程碑式的变革，传统的有形的设计方法和理念正在受到无形的设计理念的冲击，设计逐渐倾向于数字化设计和虚拟化设计，这是设计行业的方法的拓展，使人们的设计理念发生了变化。

〔关键词〕科技;艺术;设计;关系

一、科技、艺术与设计的含义概述

科技，是科学与技术的简称。广义上认为，科学是所有知识的总称;而技术指的是生产工具和生产方面的知识，属于生产力的范畴。两者之间相互联系，相互促进。未来发展的趋势是科学与技术相互融合，科学成果转化为技术的过程加快，通常合称为科技。艺术是人们看待世界的特殊方式和角度，融入了人们的情感倾注和丰富的想象力。它是一种社会意识的表现，满足人们日常生活和生产中的审美需求，在人们的精神生活中发挥了重要的作用。现代意义上的设计理念，源于工艺美术行业中，是由英国人威廉莫里斯等人发起的。设计可以从动态和静态两方面来理解，在动态方面，设计是要素的排列组合和重塑的过程;在静态方面，设计的表现结果可以是一张图纸或模型，也可以是新的产品外观或者是计划报告等。

二、设计的本质和目的

设计是人和动物的本质区别所在，它来源于自然界，又和自然界的其他部分有着本质的不同。设计的创造物体的过程，看起来是产生或创造物的活动，但是，从哲学关于世界的定义来看，世界包括自然，也包括人类社会，设计也是创造人与具体物质具体关系的过程。设计不论是从动态还是从静态角度来理解，设计的主体都是人类，设计的成果是和人相关的，设计是为人而创造的艺术表现，这是设计的本质所在。设计的目的是为了满足人的生活或生产的需要。自然界的普通动物，其基本需求是满足生存，如食物和栖息之地，就连高等动物大猩猩也不过如此。但是对于人类来说，简单的生存所需要的物质不是人类活动的最终目的，人类的生活更需要一种心理上满足，或者说是精神上的满足和需求。

三、设计与科技、艺术的关系

设计要满足人的物质需求,物质方面的功用是设计中占首位的特性,即设计要具有某种实用性。设计的实用性是由科学技术为其提供基础和支持的;而设计精神方面的作用表现在设计要满足人的精神层面的需求,要给人以某种精神方面的享受,给人以美的感受,达到某种审美愉悦。而这一方面的功能则主要是借助于艺术来实现的。设计是一种造物的艺术,它既不属于艺术又不属于科学,而是两者统合的产物。设计与科技、艺术的关系密切,它介于科学与艺术之间,兼具二者的特点而又自成体系。设计是为人造物的艺术,它在艺术与技术、再现与表现、实用和审美之间独树一帜。设计具有不可否认的艺术性,但又与实用性不可分离。对于设计而言,科技和艺术缺一不可。

1、科学技术是设计的框架。

科学技术为设计提供基础和支持,是设计的框架,二者在动态平衡中共同发展。设计的本质存在因而具有其物质、精神两大方面的作用。而设计要满足人的物质需求,最基本的是设计产品要具有实用性,这是设计的第一本质属性。设计的实用性的保证,正是依赖于不断发展的科学技术。

2、艺术是设计的灵魂。

如果说科技是设计的骨架,那么艺术就是设计的灵魂。艺术与设计渊源已久,二者就如两株互相缠绕交错、蔓延渗透的藤蔓。设计作为一种造物活动,最终必然表现为器、物,要以物化的形式体现,也就是所谓的设计产品。而一旦物化,则必然在视觉上是可见的,也就是它要诉诸于视觉的表现形式,正是艺术这一审美活动为其提供了视觉形式上的指导。设计的欣赏、审美评价也都离不开艺术的指引。所以，任何设计都是在遵循艺术的审美规律的基础上进行的，符合审美规律时评判设计合理的标准。设计的次本质属性是精神性，设计的结果既要满足使用的需求，又要满足人的精神需求，设计的产品要给人以美的感觉，由视觉感官传导到神经感官上的快感。科学技术让设计的产品使用功能更丰富，体现在设计的产品上是内在的;而艺术给设计的产品以美感，体现在设计的产品上是外在的。科技和艺术在设计的产品上体现的是外在和内在的统一。舒适的使用性能加上美的外观,内容和形式可以说达到了比较完美的统一,此乃优良的设计。

四、科技浪潮下的现代设计

英国工业革命爆发以后，人类历史又经历了两次科技革命，科学技术转化为生产力的速度加快，给人们的生活带来了巨大的变革，潜移默化的影响着人们的价值观和生活观，科技的进步影响到人类社会的物质生活、精神生活以及政治生活。但是，科学技术是一把“双刃剑”，科技的快速发展会影响到设计的理念，这是不可避免的。科学技术的发展使人们的生产方式发生着革命性的变化，从手工作坊到机器大生产，再到信息化自动化，在这个过程中也会出现一些挑战。首先，大机器生产的特点就是流水作业，产品的设计在生产之前就被固定化，生产出来的产品外形千篇一律，很多的产品在流水作业机器的作用下被“复制”了出来，这是所谓速食文化的代表，其结果是生产出来的产品在设计方面毫无特点，设计的品质过于庸俗化。这种粗俗不堪的产品设计造成了资源的浪费，设计的产品本身就是一种原材料的耗费，如很多食品的外包装过于复杂，造成了木材资源的大量消耗;同时，产品的设计还会造成环境的污染，例如，塑料袋使用过多会造成白色污染，对人与自然的和谐发展是一种巨大的挑战。其次，新技术的应用和新材料的开发，导致生产这种材料的机器相继问世，这些机器和工具在不断改进的过程中，促进新的设计不断产生和完善，使艺术语言通过设计的媒介展示在人们面前。设计就是在人类意识的能动作用下，发挥自身的想象力，借助现成的原材料，依托现实的科学技术进行的创造性活动，设计其实是科技和艺术的融合与表现。新的科技的发展还会造成设计理念的变化。英国工业革命爆发后，新的材料相继问世，如塑料制品的出现，人造纤维用于生产当中，还有合成橡胶和半导体材料的产生等。人们对于这些新材料的看法随着这些材料的问世而有所变化，看到的和感受到的出现了不一致的情况。21世纪以后，又出现了纳米材料、转基因工程以及碳纤维材料等，人们对材料的认识更加深入了，那些看似厚重的材料，用起来却很轻巧，看起来很坚硬的材料，摸起来却很柔软。现代艺术的表现主义大师保罗•克利对艺术概念做了这样的界定:艺术是把看不见的东西设计并创造出来。新的材料的出现在一定程度上成为了设计者们探索新的设计的推动力，设计师在解决设计的造型上，可以作出更多的材料的选择，而新的材料又能够帮助设计师设计出更为新颖的作品和产品来，使艺术的语言有了更多的表现载体。计算机的运用和普及，互联网的发展使得电子信息技术发展迅速，信息化数字化时代的到来，在互联网的大背景下，科技的发展呈现多元化趋势，多媒体技术的运用，导致现代设计的方法和步骤都发生着里程碑式的变革，传统的有形的设计方法和理念正在受到无形的设计理念的冲击，设计逐渐倾向于数字化设计和虚拟化设计，这是设计行业的方法的拓展，使人们的设计理念发生了变化。设计不仅仅限于有形的产品的设计，而且逐步涉足基于物质的但又脱离了物质的层面的设计。设计所展示的舞台更加宽广，就会决定了传统的审美标准发生的颠覆性的变化，形成了全新的审美观的出现。

总之，科学发展观的内涵是全面协调可持续发展，人类必须要做到与自然和谐相处，设计也要做到人与自然和谐发展。作为设计师，要抓住当前设计的新理念和前沿趋势，力求绿色设计和生态设计，那种只看重产品的外观设计和包装品位的设计理念是一种狭隘和没有远见的观念。在设计时，要充分考虑设计所耗费的材料消耗和有害物质的排放，从生态和环保的角度去设计和创造，做到材料的循环利用。即从产品的设计、研发、生产、运输、使用以及回收的整个过程周期来考虑如何合理利用资源,如何将对自然资源的利用降低到最小限度,如何最大限度的减少对自然环境的影响。同时，设计不能仅仅局限于物质方面的设计，我们要亲近自然,用心灵去感受,从奇妙的大自然中汲取艺术灵感,追求科技与艺术、自然的完美融合，这是优秀设计师所必须具备的素质。

参考文献：

[1]诸葛铠.设计艺术学十讲[M].济南:山东画报出版社,2010.

[2]李砚祖.设计:在艺术与科学之间[M].重庆:重庆大学出版社,2010

[3]周雅琼.从包豪斯重新认识艺术与设计的关系[J].安徽农业大学学报(社会科学版),2011年06期

艺术设计专业学生的教育管理工作与一般学生教育管理工作有着较多的特殊性。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计学毕业论文，供大家参考。

艺术设计学毕业论文范文一：商品包装艺术设计中的我国传统文化运用

【摘要】我国作为四大文明古国之一，有着5000年的悠久历史。在历史的长河中，历经诸多朝代的更替，我国的文化在不断的沉淀和融合中得到传承和发展。在如今市场竞争日益激烈的年代，包装设计对社会的影响在不断的增加，为了开拓包装艺术设计的新局面，从而提高自身的竞争力和独特性，把我国传统文化运用到包装艺术设计中将会是一条必经之路。

【关键词】传统文化 包装设计 艺术

随着社会生产力的提高及科技的进步，人民的生活水平越来越高，物质也越来越丰富，许多商品日益趋向同质化，导致了许多商品因缺乏竞争力和独特性渐渐被人们所淘汰。时下，人们对包装不仅要求具有保护商品的作用，更看中包装的艺术气息。把中国传统文化的悠久历史运用到包装设计中，使得包装在设计上拥有浓厚的历史文化气息和人文气息。

1现代社会中包装设计

随着社会经济的高速发展，人们的理念也出现了变化，例如审美观、消费观、价值观等要求越来越高，许多常规性的设计理念及陈旧的设计意识都在逐渐被淘汰。在现如今的时代，包装更应该注重材质的开发以及创新。材质品种的多样化，为包装设计师提供了丰富的物质基础，随着包装技术和艺术的快速发展，许多问题开始暴露出来。第一，为了提高包装的效率，许多企业商品的包装注重的是速度，因此在包装上常常以次充好。包装的三大要素分别是造型、色彩、材质。随着包装方法及材料的不同而产生了不同的效果，现如今许多的商家轻视包装方法与包装材料，导致了商品包装粗糙[1]。第二，合格的包装设计应该拥有新颖的创意，独具一格的视觉冲击力。因此，有很多设计师把独特的民族文化元素融进了设计中，创作出许多十分成功的设计作品。但是过多的精髓进行融合，将会对设计起到反作用，设计之中要有主次之分，不能过度设计，不能过度包装。

2中国传统文化的特点及在包装中的功能

(1)中国传统文化的特点。中国作为四大文明古国之一，有着五千年的悠久历史与文化，经过历史的沉淀，逐渐形成了中国传统文化的特点：源远流长、博大精深，其中汉字及许多史书典籍都是文化源远流长的体现。特色的文字，不断被记载的历史都是独一无二的传承，中国文化之所以源远流长，是因为中国文化的包容性。同时，中国传统文化的博大精深体现在其独特性、区域性、民族性[2]。

(2)中国传统文化在包装中的功能。中国传统文化在包装中的功能主要分为两大方面：第一，随着社会经济和科技的高速发展，多元化文化逐渐成为主流，面对市场竞争压力的日益增加。现代商品包装早已脱离了保护商品的单一功能，包装设计不仅要满足消费者的物质需求，随着时代的变化，更应该满足消费者的精神需求。第二，审美功能，“天人合一”是中国传统文化中重要的哲学思想，注重整体与直观的美感和体验，这是中国传统文化意识的体现，也是广大人们群众的审美观念。

3中国传统文化在包装设计中的运用

(1)中国传统图案在包装设计中的运用。传统的装饰图案艺术在我国有着悠久的历史，是几千年来我国人民对于艺术的理解和实践积累而成的。这些装饰有着其独特的图案，传统的装饰图案经久不衰，不仅因为其独特的图案，还因为其蕴含的吉祥意义。把这些传统的装饰图案运用在包装设计中，利用其蕴含的意义特征来传达商品的信息[3]。

(2)书法在包装设计中的运用。文字是包装设计过程中极其重要的一个元素，文字可以是整个设计的一部分或者是全部，因为文字原本就可以成为一幅成功的设计作品。具有强烈形象性与表意性的汉字，是世界上其他文字所无法比拟的，因为汉字成就了独特的书法艺术，在包装设计中加入书法，加入经过精心设计的汉字，不仅能让商品更具有欣赏价值，同时还刻上了深深的中国风。

(3)包装设计中的传统色彩。人们对于色彩的喜恶会因为国家、时代、年龄、性别等一系列的因素而不断变化，在包装设计过程中，色彩能体现区域特色。我国的色彩特色与西方国家的色彩特色就有着较为明显的差异，从固有色到条件色再到科学的色彩分解都有着较为明显的差异。西方的色彩意义中，红色代表着危险、血腥、暴力，而在中国传统文化中红色是基本崇尚色，代表着吉祥、喜庆。

结语

随着人们的生活节奏越来越快，包装设计不仅要传达更多的东西，但重要的是能够吸引消费者，使消费者快速识别商品。包装设计需要涉及到色彩、图形、文字等元素。具有中国传统文化风格的包装，不仅能使商品具有独特韵味和艺术气息，也能更好地使中国消费者接受商品，识别商品，从而促进商品的经济效益和竞争力。

参考文献

[1]谢石锁.浅论中国传统文化元素运用于现代产品包装设计[J].华章,2012(17):108.

[2]李丽莎.中国传统文化元素在包装设计中的运用[J].甘肃科技,2009,25(13):85-86.

[3]杨柳.论中国传统元素在包装设计中的运用[J].学术探索,2013(1):136-139.

艺术设计学毕业论文范文二：装饰艺术设计专业陶艺课程教学改革

【内容摘要】陶瓷在我国有着悠久的历史，随着人们对传统文化以及手工艺认识的不断提高，陶艺课程在我国各大高职高专院校也都有相应的设置，本文主要针对高职院校非陶艺专业的陶艺课程进行研究，通过笔者多年的教学以及实践研究，以河北建材职业技术学院装饰艺术设计专业陶艺课程为切入点，总结当前装饰艺术设计专业陶艺课程教学中存在的普遍问题，经过不断的教学实践研究，进行陶艺教学改革与探索。

【关键词】装饰艺术设计;陶艺课程;项目化教学

中国陶艺教育有着悠久的历史，中国现代陶艺教育经历了30余年的发展与建设，取得了较好的成绩，结合高职高专院校以服务为宗旨，以就业为导向，走产学研相结合的发展之路，培养高技能专门人才，高职院校非专业陶艺课程改革势在必行。陶艺课程是装饰艺术设计专业的一门必修课程，在装饰艺术设计的人才培养与教育方面，起着极其重要的作用。现代陶艺不仅仅是传统的“道器并存”以实用形式存在的精神产物，同时也更多融入到环境艺术之中，成为环境艺术中不可或缺的组成部分。因此在装饰艺术设计专业，陶艺课程成为了专业必修课。装饰艺术设计专业陶艺课程传统的教学内容相对保守，教学理念相对陈旧。笔者经过多年的陶艺教学，不断实践与研究，进行陶艺课程的改革，以装饰艺术设计为载体，以陶艺创作为手段，在提高学生艺术文化素养的同时，锻炼了学生对整体装饰空间的氛围营造以及风格把控能力。

一、装饰艺术设计专业陶艺课程的设置背景

伴随着社会经济的不断进步与发展，人们生活水平逐渐提高的同时，人们的审美也在随之发生了根本性的变化。人们对空间环境的要求较之以往也有所不同，不仅要满足其功能性，同时还要具备精神意味的满足。比如自身的居住空间，以及除了自身居住空间之外的其他空间环境，如购物空间环境、休闲空间环境、娱乐休闲环境等，人们对这些空间环境的要求越来越高。装饰艺术设计专业，就担负着去创造美好空间环境的重任。

(一)教学对象。

陶艺课程是装饰艺术设计专业的一门必修课，教学对象主要是针对高职院校装饰艺术设计专业的学生，这些学生均具备一定的美术功底，对于绘画，电脑设计等都具有一定的基础。由于我国教育体制的原因，我国学生普遍存在立体造型能力以及空间想象力较弱，创新能力不足的问题。

(二)教学师资与设备。

相对于专业艺术院校陶艺专业，我国高职高专院校的陶艺教师队伍相对薄弱，很多陶艺教师甚至都是由雕塑专业的教师担任，或者是其他艺术专业的教师来兼职，这是普遍存在的现象。由于陶艺教学设备具有相对的复杂性与多样性，一般非专业艺术院校在教学设备上都只是具有完成相应教学成果的一些简单设备，例如一些拉坯机，手动转盘，电窑等。像球磨机、练泥机、泥片机、吹釉机等都还达不到专业院校的水平。基于这种情况，高职院校装饰艺术设计专业开设陶艺课程无论从教学受众群体还是教学主体上，与专业艺术院校陶艺专业都存在着很大的差别。高职院校装饰艺术专业陶艺课程的教学目的不同于专业艺术院校陶艺专业的以培养陶艺设计人才为目的，而是为了提高学生们的艺术素养与审美，锻炼学生的动手能力，培养学生的空间感，并且能够设计与制作出符合环境空间风格的陶艺作品，以陶瓷为材料最终创造出更好的环境空间装饰效果为最根本目的。

二、当前装饰艺术设计专业陶艺课程教学中的问题

(一)教育“单向化”显著，学生创新能力缺失。

高职院校的教育，不仅是要教授学生学习一定的技能，同时也应该注意学生自主学习能力的培养。然而多数学生仍然保留着初高中时期的教师单一的传授式的学习方法，学习被动，对学习缺乏主动性以及缺乏探索问题、研究问题的能力。设计本身就是人类有目的的创造性的活动，学习的主动性、研究性、创造性是决定设计成败的关键。这种“单向化”教育直接导致学生创造力的缺失。大多数学生在陶艺设计与制作课程中缺乏创新能力，对古今中外优秀的陶艺作品赏析，不但不能用来借鉴与激发创作灵感，反倒是成了学生们直接拿来进行抄袭的样本。这种抄袭性、模仿性设计是装饰艺术设计专业陶艺课程中普遍存在的问题。

(二)教学体系不完善，缺乏相应的教学模式。

相对于专业艺术院校陶艺专业，高职院校装饰艺术设计专业陶艺课程的设置时间较短，一般都只有60学时到80学时左右。陶瓷制作是一个复杂的工艺，一是要让学生了解陶瓷的历史以及陶瓷的制作工艺，二是在对陶艺有了一定了解的基础上进行陶艺作品的设计，三是在以上工作完成的基础上进行陶艺作品的成型、烧制。陶艺作品的制作要经历这样一个复杂而漫长的过程，然而作为装饰艺术设计专业下的陶艺课程，不可能给我们足够长的时间去完成一件陶艺作品。当前我们的陶艺课程，大多时候都是顾头顾不了尾，时间短，任务重，制作工艺又相对复杂，很多工作例如上釉、烧窑等，在安排的教学时间内都无法完成，只能占用教师和学生的业余时间去进行，直接影响了学生的学习效果，也无形中对下面的课程造成了影响。依据装饰艺术设计专业人才培养方案以及陶艺课程教学目标，制订出一套适合本专业的完善的教学体系，以及相应的教学模式迫在眉睫。

三、装饰艺术设计专业陶艺课程教学改革的建议

(一)传授技能与改变思维模式并重。

教学改革的重点不仅在于改革教学模式、教学手段及教学方法，同时教学改革应注重学生学习方法与思维模式的改变，从设计模仿，改良，转向创意理念的提升和原创性设计理念的开发。作为高职院校，我们培养的不仅仅是如同社会上电脑速成班里的学生，只是单单掌握熟练的电脑操作技能，同时我们的任务在于传授技能的同时培养学生的艺术情操，让他们具备一定的审美和艺术修养，改变他们的思维模式，这样我们的学生才更具有竞争力，才能从根本上改变就业难等问题。

(二)采用项目化教学模式，突出装饰艺术设计专业特色。

装饰艺术设计专业下的陶艺课程设置，要突出装饰艺术设计专业的特色，要有别于陶艺专业的陶艺课程，以及其他专业范畴内的陶艺课程。装饰艺术设计专业，主要强调环境空间的设计，在这样的前提下，陶艺课程的教学内容应紧密围绕环境空间而展开，以空间环境为主体，进行相应的陶艺作品。项目化的教学模式，能够让学生在课程中更加明确陶艺作品的创作目标，同时也更能够提升学生的学习兴趣。譬如，在一个东南亚风格的休闲会所设计中，需要设计一件陶瓷香薰器皿。这时，我们所设计的陶艺作品具有鲜明的风格特征，它一定是要与东南亚风格会所相融合的，无论是它的造型、装饰都要与大的环境空间相统一。这样很好地避免了学生盲目进行陶艺创作，节省了大量的前期构思的时间。同时，制作的陶艺作品还能够很好地运用到整个项目教学之中，大大提高了学生学习的主动性。

四、结语

陶艺课程在高职院校装饰艺术设计专业中得到越来越多的认可与重视，是因为陶艺课程的开设不仅能够培养学生的动手能力，立体造型能力，同时让装饰艺术设计变得更加丰富且具有趣味性。装饰艺术设计专业陶艺课程的改革，项目化的教学模式，让学生们可以通过陶瓷这种特殊的材料，结合自己设计的空间风格去创作相应的陈设元素与摆件，在提高了学生们艺术修养的同时，使他们的设计作品更具有原创性，进而增强了学生的自信。

【参考文献】

[1]陈淞贤.现代陶艺与传统陶艺[J].现代陶艺，1995

[2]余婕.艺术设计教学改革与“工艺实践”实验室的建设[J].学术天地，2015

我国现代艺术设计教育从20世纪80年初引进以设计理论、设计表现、设计思维三大构成为基础的包豪斯式的现代艺术设计教育模式，标志着中国现代艺术设计教育改革的开端。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文，供大家参考。

艺术设计毕业论文范文一：高校艺术设计教育发展

【内容摘要】

随着国民经济的快速发展，我国教育事业面临着新的机遇与挑战。高校艺术设计教育作为我国教育事业的重要组成部分，发挥着十分重要的作用，必须予以高度重视。在社会发展的过程中，高校艺术设计教育也在不断变化，要想促进艺术设计教育科学发展，需要重视创新策略的运用，以此提高教学水平，完成预期的教学目标。文章针对高校艺术设计教育的发展，提出了几点可行性建议。

【关键词】艺术设计专业 高校教育 教学方法 创新思维 教学模式

艺术设计专业是集艺术与科学于一体的学科，具有跨学科性和集成性特点。艺术设计教育不仅是传统技法的教育，也是创造性地开发智慧与想象力的综合性教育。①特别是在信息技术高度发达的今天，高校艺术设计专业教学一定要重视创新教育，努力培养出高素质、高水平的创新人才，以满足社会发展的需要。下面本文提出几点高校艺术设计专业教学改革的建议，以期促进高校艺术设计教育的发展。

一、提高教师的专业水平与教学能力

艺术设计专业是我国高等教育中的一门新兴学科，具有很强的时代性，要求艺术设计专业教师必须不断提高自身的专业水平，以保证所掌握的理论知识与社会同步，能够满足教学需要。相较于其他专业而言，艺术设计专业的知识更新速度更快。因此，需要教师及时更新相应的理论知识。高校艺术设计教育一定要重视教师培训，有效提高其专业水平与教学能力，以保证教学全面展开，并且能够与时俱进;同时，支持教师对艺术设计领域展开深入研究，以便更加透彻地理解专业知识，从而可以在教学中更好地传授给学生，有效提高教学质量。在此过程中，高校还需要有效拓展教师的知识面、提高其文化素养、增强创新意识，以此实现创新教学。

二、创新课程体系

高校艺术设计教育中，要想培养学生的创造能力与创新思维，需要重视教学内容与课程设置。我国艺术设计教育的发展时间较短，学科设置与教育思想大部分是借鉴西方教学经验，忽视了西方艺术设计教育体系并不符合我国艺术设计教育发展的实际情况，影响了教学效果。因此，高校艺术设计教育在课程设置与教学内容方面，需要在借鉴西方教学经验的同时，结合自身的实际情况予以适当的调整与创新，以此满足实际教学需求。高校艺术设计教育必须从突出办学特色、科学发展的角度出发，明确办学目标，结合办学理念构建课程体系，并根据专业需求对教学内容予以确定。②在课程安排上，需重视基础理论教学，并且结合一些其他学科的相关课程内容，充分实现课程体系的创造性、科学性与综合性，同时考虑到可操作性，确保教学内容全面落实。此外，应重视选择优质教材、设置精品课程，保证教学内容不仅广泛，还要新颖、有深度，以此提高教学质量，从而培养出复合型专业人才。从专业角度来说，高校艺术设计教育应具有较强的适应性与较宽泛的基础。学生在学习过程中，可以根据市场需求选择相应的课程，为就业、创业奠定坚实的基础。高校艺术设计教育不应局限于校园内，而应面向时代发展的需求，培养学生的学习能力，使其能够根据实践工作需求不断更新专业理论知识，以此提高专业水平，从而更好地适应社会。

三、采用多种教学方法，开发学生的创新思维

在高校艺术设计教育中，教学方法是保证课程体系全面落实的基石，也是培养学生个性化发展的主要途径。首先，在实际教学中，一定要重视对学生创新能力的培养，采用多种教学方法，激发学生学习的兴趣与积极性，以此取得良好的教学效果。其次，根据不同的课程阶段与特点，教师应灵活利用现场教学、项目教学、案例教学、探究式教学、讨论式教学等多种方法，充分展现学生的主体地位，培养学生的创新精神与学习能力，以实现预期的教学目标。最后，在实际教学中，教师一定要鼓励学生进行独立思考，学会质疑、释疑、解疑，全方位引导学生进行多角度的分析，从而有效解决问题，提高教学效果。

四、运用工作室制教学模式

高校艺术设计教育中，工作室制教学模式同时为教师与学生提供了教学与学习实践的环境，并且教学环境是开放式的，更加重视对应用型专业人才的培养。通过产、学、研、用一体化教学活动的开展，可以有效促进专业与产业的发展，实现教师专业水平与实践技能的双向提高，有效增强教师的综合素质;对学生而言，工作室制教学模式为学生提供了实践平台，以此调动学生学习的兴趣与积极性，培养与提高学生的专业技能，使其更加适应工作岗位的需求。③在实际教学中，工作室制教学模式是在各学校党委的指导下构建的，具有机构完善、制度规范、职责清晰的特点，对外服务与宣传也比较到位，能够承揽一些课题项目，如学科竞赛创作、毕业设计、企业项目研究等。工作室制教学模式不仅可以为学生实践提供平台，培养其实践动手能力，还可以充分激发学习的积极性与热情，有助于实现高校艺术设计教育的教学目标。

五、突出艺术设计教育特色

高校艺术设计教育必须要明确培养目标，突出办学特色。一方面，培养学生的审美能力，这是课程教学的重点内容;另一方面，培养学生的思维能力与表现能力，促使其全面发展。因此，在实际教学中，高校必须对艺术设计教育目标与特色进行深入探讨，在明确专业发展方向的基础上，加大对教育广度与深度的研究，以此建立特色教育，突出办学优势，以便于学生更快、更好地适应社会发展。此外，高校艺术设计教育需要加强对地域文化的挖掘与整理吸收，对当地的文化研究成果予以整理，明确特色教学体系，加强传统元素与现代文化的结合，突出文化内涵与办学特色，以此提高教学效果，这也是突出高校特色教育的主要方式。

结语

综上所述，随着时代的不断发展，高校艺术设计教育必须在实践过程中不断探索创新，结合实际情况，采取合理、有效的教学措施，以提高教学效果。同时，在实际教学中，教师一定要重视对西方先进教学经验的借鉴，结合本校的艺术设计教育发展情况，采用恰当的教学方法，提高学生的综合素质与创新能力，从而培养出符合社会需求的复合型专业人才。

注释:

①李晓帆.关于高校艺术设计人才培养的教育创新策略研究[J].美术教育研究，2013(8)：45.

②章一而.实现我国高校艺术设计教育创新发展的途径与方法[J].佳木斯教育学院学报，2011(1)：163，180.

③陈高雅.高校艺术设计教育创新模式探索[J].产业与科技论坛，2015(14)：157-158.

艺术设计毕业论文范文二：高校环境艺术设计中的人才培养中问题分析

【摘要】

目前，我国经济发展速度很快，极大地推动了我国城市化进程。在这样的环境下，本文分析了环境艺术设计的定义以及其发展中的问题，并提出了环境艺术设计发展过程中的问题是高校人才培养中的不足，并详细的分析了三类高校在该学科教育上存在的问题。

【关键词】美学;实践;施工

当前，我国每年建造大量的房屋，城市化进程加快，环境艺术设计这个专业得到了很大的发展。因此，对环境艺术设计人才的素质及能力的培养显得至关重要。只有高校的环境艺术设计专业的教育取的进步，才能更好的培养出数量多的，质量高的，并且能够符合社会要求的高素质设计人才。

一、环境艺术设计的定义以及发展

(一)环境艺术设计的定义

环境艺术设计本意为人居环境设计，既为人们居住空间环境进行设计和规划的学科，可以分为室外环境设计(景观设计)和室内建筑设计。中国环境艺术设计专业的创立始于20世纪60年代，当时由于中国经济和生产力刚开始发展，以及在当时的背景下需要一定的室内设计人才，中央工艺美院率先开设了室内设计专业。20世纪70年代，随着城镇化进程速度的加快，为适应社会需要，中央工艺美院的室内设计专业率先改为环境艺术设计专业，教学范围从室内设计走向了室外环境设计。正是在此时，我国正式的将环境艺术设计作为一门学科创立出来。

(二)环境艺术设计的发展

20世纪70年代，在改革开放政策实施的背景下，我国综合国力迅速增强，经济快速发展，国民生活水平迅速提高。由于这样的快速发展，推动了城市化的发展，大量的房屋开始在城市建造。因此，在市场上需要大量的室内设计师来装修房子从而满足人的居住需求，这使得环境艺术设计得到了迅速发展。进入21新世纪以来，在人们的物质需求日益增长的环境下，环境艺术设计得到了迅速的发展，最明显的变化体现在社会市场和教育这两个方面。在市场层面上：建筑装饰及室内环境艺术设计行业工程年总产值从2000年的5500亿元，到2006年已达1.15万亿元，占全国国内生产总值的GDP的6%左右。目前，在国内的一般的地级市，装饰公司和景观设计公司的数量总和大概维持在250家左右，简言之，从事环境艺术设计的工作人员可谓是数量众多，并且在设计领域占了主导地位。在教育层面上：20世界70年代，在国内高校中，环境艺术设计这门学科从刚开始只有中央工艺美院开设，然而到了21世纪，据不完全统计，国内设立环境艺术设计以及相关专业的院校将近有400所左右，绝大多数高校都开设了环艺这个专业。

二、开设环境艺术设计这门学科的不同类型的高校

目前，在我们国内开设环境艺术设计这门学科以及其相关专业的，数量上大概有400所左右，然而分其专业开设的学校属性和类别，大体上可以分为三类。其一是美术类院校，美术院校(美院)的艺术设计专业分出去了一部分师资力量成立了环境艺术设计专业，因此环境艺术设计成为了设计类的第一大专业。另一方面，由于很多高校要发展成综合性大学，旨在建立很多的专业和学科，比如我们熟知的985类综合顶尖大学，这些学校相继开设美术专业，又增加环境艺术设计系，从而完成综合性大学的建设任务。其二是建筑老牌工科院校开设环境艺术设计专业，比如：同济大学建筑学院开设室内设计，重庆大学建筑学院开设室内设计。其三是园林院校开设环境艺术设计，如北京林业大学，南京林业大学等。这类的院校主要把环境艺术设计中的室外环境设计(景观和园林)作为主要的教学目标，培养了大批景观设计的人才。

三、高校环境艺术设计的教学中存在的问题

(一)环境艺术设计发展存在的问题是教育上存在的缺陷

目前，虽然环境艺术设计迅速发展，但是其中出现了很多问题。在全国建筑工程装饰奖颁奖大会上，建设部副部长刘志峰谈到装饰行业言道：“市场秩序混乱、缺乏诚信意识和服务意识、科技创新能力低、设计和施工总体水平低、劳动生产率低等问题。”其中所提到的设计和施工总体水平低下问题与人才的培养有着紧密的联系，亦或者可以言设计和施工以及创新是大多数环境艺术设计工作人员所缺乏的，这与高校的设计人才培养有着紧密的联系。概而论之，是由于高校的教育培养上的问题才导致了上述的一些设计装饰行业的问题。

(二)开设环境艺术设计的不同类型的高校存在的问题

美院开设环境艺术设计这个专业是基于其院校本质是艺术类院校，而环境艺术设计这门学科属于艺术的范畴，因此其开设环艺这个专业。美院开设的课程大多数是从美术这个角度出发的，大一大二的基础课一般会开设美术基础课。专业课开设理论方向的课程，比如：室内设计原理、中外建筑史、室内设计色彩、建筑装饰构造、CAD制图、PS等课程。美院的环艺教学很偏向艺术性，这样的教学模式很容易培养学生良好的造型能力和设计形体能力。美院老师都是学艺术出身，在美术及设计美感教育中有一定水平与能力，培养出来的学生很有设计和艺术的灵性。然而，环境艺术设计是一门交叉性极其强学科，其涉及的面非常的宽广，需要对材料和施工以及人体工程学非常的了解才能顺利的完成一个项目。美院的老师缺乏对理科知识的学习与实践，在教学活动中不能结合工科特点进行授课。此外，美术院校的环境艺术设计专业的学生高考的时候都是艺术生，文化课基本功较之美术基础比较一般，理工科的知识掌握的不是很足够，在这样的条件下，学生只能偏向艺术性的发展，并且养成了随意的习惯，因此在工作的时候，经常会在其作品中体现图纸制图不严谨、构造、尺寸不科学等缺陷。建筑学院的环境艺术设计专业，一般设在建筑学里面。其侧重于建筑工程内部的室内设计能力培养，旨在研究建筑内部功能的规律并且研究建筑的内部构造和装饰。在课程开设上，大一、大二的建筑学专业的设计室内学生会学习一些美术基础，比如色彩、素描、速写、建筑初步等。大三、大四学习中国建筑史、外国建筑史、建筑构造、室内设计陈设原理、室内设计基础等。就建筑学室内设计专业而言，我国把该学科设立在工科院校,招收理工类学生,美术课程只有大一阶段“蜻蜓点水”式的学习，大多数学生有着很好的理工科做项目的逻辑能力，但是其缺乏了美学的基础。在这样的背景下，学生们毕业后参加工作，成为了一个很严谨的画图机器，对项目的施工和构造也相当的了解，但是这类学生在其设计中会缺少创意，缺乏美感，不具备良好的造型设计能力，因此这类学生与社会要求还有一段距离。园林院校的环境艺术设计，一般设在园林系。其主要的培养方向是园林方向的人才。众所周知，环境艺术设计是指人居住的环境设计，包含了室内和室外，园林院校重点在于室外这个层面上。如北京林业大学园林系的环境艺术设计专业，大多数开设的是与景观和园林植物方面相关的课程，在课程设置上对绿化与园林工程比较侧重，这与环境艺术设计专业的原本的培养目标存在着差异。概而论之，上述三类高校的环境艺术设计都存在着不足，我国要想大力发展环境艺术设计，让建筑设计和景观设计以及室内设计取得较大的发展，必须大力的完善环境艺术设计以及相关专业的教育，从而才能从本质上改变环境艺术设计相关产业上出现的问题。简言之，设计是以人为主导，人是万物的尺度，只有从根本上改变“人”，才能很好的去完成“事”与“物”。

【参考文献】

[1]梁立民环境艺术设计教学的发展与思考[J].教育与职业，2006(14).

[2][3]辛艺峰.建筑室内环境艺术设计的人才培养探讨[J].高等建筑教育，2008(3).

艺术设计创新人才的培养离不开艺术设计教育教学改革与发展,社会经济的发展需要大量的高素质设计人才。下面是读文网小编为大家整理的关于艺术设计毕业论文，供大家参考。

关于艺术设计毕业论文范文一：环境艺术设计中的生态理念探索

摘要：

伴随着经济的不断发展，工业文明不断进步的同时，生态污染已经成为当前影响人们日常生活的重要因素。严重的水污染、大气污染、资源枯竭等自然生态问题都会引发人们生活方式的改变。故而近些年来环境艺术设计过程中逐渐开始融入生态的理念，以期实现生态环境的改变。本文就将针对环境艺术设计的具体概念进行简要分析，并且提出环境艺术设计中运用的生态理念特征与原则，从而为生态理念在环境艺术设计中的具体应用提供参考意见与帮助。

关键字：环境艺术设计;生态理念;原则;方法

“生态”是近些年来各行各业各领域都不断提起的词汇，同时也是生产生活中必须遵循的理念。环境艺术设计中遵循的生态理念，其主要就是要求人们遵循自然发展规律与自然环境的相关原则，对人类居住的形式进行创新设计。在20年代80年代初，西方艺术设计界就开始注重环境艺术设计理念在绿色设计中的应用。后来我国也开始逐渐引入这种设计理念，并且改变其传统的模式，使得环境艺术设计可以向着生态环境的方向更好地迈进，从而满足可持续发展的生态保护要求。

一、环境艺术设计的基本概念

环境艺术设计本身是一个相对复杂并且相对综合的门类，其包含了环境、艺术、设计三个学科的众多知识。故而需要分别从这三个大方面着手，对其概念进行分析。所谓环境艺术设计，主要就是指在建筑设计、园林设计或者室内设计过程中，其设计理念充分体现出艺术学的特点。而艺术学包括社会学、美学、文化学、建筑学、光学、植物学等基础学科。此外环境艺术设计的艺术性还体现在构图、色彩驾驭等多个方面。

二、环境艺术设计中生态理念应用的基本特征

1、高效性环境艺术设计本身具有其独特的特征，首先第一个特点就是高效性。所谓高效性，就是在设计的过程中，对资源或者材料的利用应该杜绝浪费，避免粗放型的设计与应用模式，尽可能实现资源的长效合理利用。尤其在设计过程中选用了一些非可再生资源，更应该尽可能将其成本降低的同时，获得最高的资源效益，这样才能体现出环境艺术设计中的生态基础理念。

2、持续性持续性的特征体现在环境艺术设计中，主要表现为设计布局结构和相关的设施设计是否满足人们赖以生存的生活要求。社会在不断进步，经济在不断发展，因此环境艺术设计本身应该为现代人服务，其应该满足当今人类基础的生活需求。并且在进行某一环境景观艺术设计的过程中，还应该考虑后代人的发展需要，切忌做有损后代发展的事，绝不以牺牲后代人的利益为代价进行环境设计。

3、多样性相关的环境艺术设计人员应该注重环境艺术作品设计的多样性，尽可能为消费者提供更多的选择以及不一样的视觉效果。这样的做法有利于消费者形成主动消费动机，从而避免消费的无限扩大对环境造成的过多压力。

4、循环性循环性是与高效性并存的一个特征，尤其针对当前环境日益恶劣，资源日益枯竭，生态问题日益严重的社会背景，环境艺术设计人员若想提升其设计品味，为更多人提供更满意的艺术作品，其本身更应该注重循环性特征在环境艺术设计中的应用。循环性包括对人工环境中常见的生产消耗原材料以及能量的循环利用，并且对其进行合理分解。而在艺术设计过程中，如何对资源进行循环利用，这样才是循环性的体现。比如利用废旧瓶罐制作出某一艺术景观用以包装点缀环境，其体现的就是资源的循环利用。

三、环境艺术设计中生态理念的原则

1、科学指导原则

在环境艺术设计中融入与体现生态理念，首先应该遵循其科学指导的原则。科学技术是第一生产力，在科学技术的指导之下，可以有效地对一些高科技材料进行合理利用。同时还可以借助先进的科学生产技术提升资源的使用效率，进而营造出更高品质的生态自然环境。利用科学观念进行指导，可以实现科学技术为环境艺术设计服务，更可以使得艺术设计成果本身符合生态理念的内容与要求。

2、艺术设计与参与原则

分析环境艺术设计概念的时候就意境提到其并不是一个独立的个体。其本身是受众多因素影响的整体环境。故而环境艺术设计作为这样一门独特的艺术，若将生态理念植入其中，更应该遵循艺术设计与艺术参与的原则。环境艺术设计师应该时刻意识到利用现代艺术眼光去感悟环境艺术设计，并且尽可能创造出带有美感、艺术感的艺术作品，从而满足当今时代发展的新要求，使得环境设计过程中真正可以体现出艺术的内涵。

3、尊重自然发展规律的原则

尊重自然发展规律，实际上也是要求其不违背自然规律。因为大自然的发展不仅尤其独特的规律，同时大自然还有一定的自我恢复与自我维护的能力。因此在进行环境艺术设计之前，需要先对大自然的发展规律以及这种特性进行捕捉与了解，从而使得其生态性可以实现自我调节与恢复。当然在人工进行环境设计的过程中，也应该尽可能帮助大自然增强其自身调节能力。因为只有真正做到尊重大自然的发展规律，才能尽可能实现生态可持续发展的目标，进而不断提升环境艺术设计的整体生态性。

4、最小程度干预原则

所谓最小干预原则，实际上就是指应该把外界干预降低到最小，从而实现环境艺术设计的最佳效果。一般而言，进行环境艺术设计需要相当完善的基础条件，比如场地。而人们在这样的环境之中必然会对环境艺术设计带来一定程度的干扰。故而在实际设计过程当中应该尽可能采用一定的手段对其生态系统进行维护与利用，尽可能确保环境设计场地原有的生态格局与最初的原始状态没有差距，从而实现生态理念指导下的环境艺术设计目的。

四、环境艺术设计中生态理念的具体应用

1、利用天然材料

除了要遵循生态理念的特征与原则，还需要在具体的环境艺术设计过程中，融入生态理念，将其真正植入到艺术设计当中，这样才能真正将其作用体现出来。首先在设计的过程中应该合理地对天然材料进行运用。设计师应该对各种各样的天然材料有所了解和把握，并且对其造型以及特征有所了解，在设计师利用的过程中充分发挥其特点。

2、设计环节注重环保

在设计的过程中强调环保已经是大势所趋。设计师需要在设计的过程中，充分考虑低碳的要求以及能源低消耗的问题。还应该明确如何将节能与绿色环保作为环境艺术设计的唯一标准，以不损害人类健康与破坏自然规律为前提，开展环境艺术设计工作。比如利用树木进行相应的家居环境打造，为了能够给人一种舒适的氛围与环境，许多设计师选用偏香的树木进行制作。这样的香味是树木自身所独有的为非后天添加的，故而其不会对人体健康产生威胁，充分体现出环保与健康的理念。

3、注重天然生态环境的利用

人们生活在大自然的环境当中，天然的生态环境本身应该是最值得人们利用的。故而设计师应该充分考虑与把握生态环境的天然基础条件，并且依据不同地区不同的地理环境对生态环境进行不同程度的利用，进而达到节约资源的目的。只要遵循自然发展要求，不违背自然环境，必然可以利用现代科学技术，科学合理地设计出优美的自然景观，从而提升环境景观设计的整体品位。

4、体现以人为本

环境艺术设计的最终目的都是为人们提供良好的宜居生活与环境，故而其设计最初的出发点与最终的落脚点都应该是为了人类的进步与发展。因此设计师在进行环境艺术设计的时候应该充分体现出以人为本的要求与理念，并且尽可能满足人们的各种生活要求，从而为人们提供更好的生活、生态环境。除了满足人们的基础物质生活之外，还应该充分体现出以人为本理念在人们精神层面的影响。设计的标准应该充分体现出人文关怀，也应该对社会中弱势群体有明显的关注。比如在公园或者一些带有台阶的地方，应该同时设置一个坡道，目的是便于残疾人出行。还可以在相对危险区域设置一些相对较高的围栏，以免儿童在玩耍过程中不慎跌落。

5、注重新能源的开发与利用

设计师在设计过程中，还应该注重新能源的开发与利用。因为许多传统能源在为人们提供相应能量的同时，更会引发一系列的环境污染问题。所以积极开发与利用新能源，从而代替高污染的能源，将有效实现现代环境艺术设计的生态建设，真正将生态理念体现在环境艺术设计过程中。

五、结束语

在当下，生态环境问题影响着人们日常生活的方方面面，同时也深深地影响了人们的生活质量。若不对环境问题进行重视，并且在环境艺术设计过程中融入生态理念，那么其本身的发展也将受到抑制。故而在未来的环境艺术设计发展中应该遵循科学的指导，并且遵循自然界发展的规律与特点，充分利用新能源的同时，为人们打造出更高层次的生活环境，进而将生态理念与环境艺术设计真正融合。

参考文献

[1]陈辉.探析环境艺术设计中的生态理念[J].现代装饰(理论),2015,01:120.

[2]周鹏.试论环境艺术设计中的生态理念[J].中国农学通报,2009,24:398-402.

[3]何礼.环境艺术设计中的生态理念探析[J].美术教育研究,2013,13:100-101.

[4]王萍,陈文福.环境艺术设计中的生态理念问题[J].设计艺术研究,2013,05:51-54.

关于艺术设计毕业论文范文二：多媒体艺术设计实验室空间设计

摘要：

多媒体艺术设计实验室空间设计是科学技术与艺术的紧密结合，在其能够实现应用功能的前提下，对其空间特性、空间设计原则以及空间设计的方法等方面进行探索研究，为艺术设计类实验室建设带来一定的参照与借鉴作用。

关键词:空间设计;空间特性;设计原则;设计方法

在科技快速发展的信息时代，传统的设计艺术手段面临着新的挑战和机遇，多媒体艺术设计实验室作为高校艺术设计教育不可或缺的组成部分，越来越受到人们的广泛关注。它以一种新的教育理念来推动艺术设计，有效地提高艺术设计工作效率，对艺术设计教育起到良好的辅助效果，因此，对于其空间设计的研究具有重要的现实意义。

一、多媒体艺术设计实验室的空间特性

多媒体艺术设计实验室是各种设备仪器与人员工作学习并存的小型公共空间，需充分合理的布置设计实验室空间，才能发挥适应现代社会的艺术设计实验室的优势与作用。多媒体艺术设计实验室的空间设计依赖其建筑空间本身而存在，其主要功能是为艺术设计的不同需求提供必要的相应空间，其空间应具有以下特性：首先是设备陈设。多媒体艺术设计实验室配备各类仪器设备，如高性能工作站、计算机、服务机、三维激光测量仪、Vicon三维运动捕捉系统、高清录播一体机等设备，各种类型的设备由于操作方式的不同，在陈设时需根据其特性和先后顺序按照人体工学合理摆设，为设计实验人员的创作提供舒适的操作空间。其次是艺术氛围。多媒体艺术设计实验室体现较为强烈的艺术设计属性，空间的形式与风格和使用者群体的文化修养密不可分。在其空间设计和艺术展示形式上应灵活合理地处理，在设计时应多注重实际使用者精神上和心理上的体验，有机融合历史和文化内涵，文化和空间之间的相互影响、相互渗透、相互交融共同促进文明和谐空间的设计，将艺术与技术相结合，从而更好地激发设计灵感。再次是互动交流。艺术创作是感性的创作，优秀的多媒体艺术设计更是一个团队协作的结果。在实际的工作中，一个良好的空间设计有利于人员之间的信息互换与共享。一个具有包容、开放的实验室讨论区域，能够让使用者充分的表达自己的创作思路，并接收他人的建议，使艺术设计创作过程得以顺利、轻松的完成。

二、多媒体艺术设计实验室的空间设计原则

1、功能布局“以人为本”原则

物理环境是实验室空间的物质基础。多媒体艺术设计实验室所需的功能空间各异，若不能对实验室空间进行较为合适的布局安排，可能会导致空间功能和组织功能上的混乱，进而影响工作效率。一个实验室的合理布局，不但要方便使用者的操作方式，也要注意他们的个性喜好，通过“以人为本”的人性化空间设计使人们享受到舒适的工作学习空间，最大程度上提高使用者的工作效率，获得更多的工作学习上带来的精神愉悦感。

2、空间比例关系协调原则

空间是由建筑、室内空间、色彩、光照、材质等要素构成的整体空间环境。好的视觉效果要求设计师对设计元素按照形式美的法则处理其相互之间的关系，获得更造型形态、空间结构和色彩的审美统一。在多媒体艺术设计实验室中的空间比例关系，一方面是指功能区域空间比例的合理划分，它是一种开放、半封闭或封闭空间并存的空间形态，包涵了一种敞开式人际交流场所精神，如工作学习空间、公共空间、讨论空间等，根据不同功能区域及实验室需求按照相应比例分配空间尺度。另一方面实验室空间过低会给人以压抑的感觉，过高会让人感到拘谨，这就需要根据室内空间的面积、顶棚的处理方式、门窗位置高低、采光等多种因素来整体筹划，从空间性质入手考虑如何组织放置办公家具及设备仪器，组织划分出科学性与艺术性、理性与感性的理想空间设计，在功能和美学上达到协调统一。

3、安全性原则

实验室即进行实验的场所，是从事科学研究、实验教学的日常工作研究的场所。因此，除了加强实验室的安全管理工作外，多媒体艺术设计实验室空间设计的结构、布局、设备的存放位置等许多方面，都需要在设计时严谨求实，时时将安全放于首位，坚持安全第一、预防为主的原则，提前将实验室中潜藏的危险因素降到最低，尽量避免安全事故的发生。多媒体艺术设计实验室设备仪器多为较精密的电子数码产品，电源的布设在满足实验室工作的同时，应尽量避开门窗、人员流动路线、水槽等区域，以免发生漏电短路。人员流动路线畅通，地面采用绝缘地板，墙壁采用绝缘吸音材料，在保证安全的同时也不影响他人的正常工作。仪器设备的陈设简洁，一些设备不用时可放于储物柜中，便于保存和打扫室内卫生。

三、多媒体艺术设计实验室的空间设计方法

空间设计可以看作比建筑设计小的概念，设计时可采用导向的手法是引导人们行动的方向，使人们进入该空间后随着陈设空间布置随其行动，从而满足实验室的物质功能和精神功能。设计时可运用形式美法则构图，具有方向性的摆设作为空间导向的手法。此外，对于实验室空间划分，在功能区域大格局不变的情况下，如遇临时情况我们也可以利用组合式家具、植物等来灵活处理室内空间，但要注意各空间之间要有明确的的区域和主从关系。多媒体艺术设计实验室空间设计是光、色、环境、空间的综合考虑。利用视觉属性中的形状、尺寸、方位、采光、色彩等等也会影响到空间形态的塑造，将这些形态要素综合起来会产生多种多样的组合方式，设计时应注意统一中有变化，避免过于强烈的造型对比、色彩反差、超常比例等，造成较大的情绪波动，产生不佳的视觉效果和空间感。在设计中能够将四者之间的关系协调好、处理好，就会设计出让使用者心理和生理都满意的空间设计作品。设计改变空间，多媒体艺术设计实验室的空间设计只满足其基本使用功能是远远不够的，实验室不应再是冷冰冰的设备摆设，它是严谨科学技术与艺术文化相结合的现代设计，在舒适的工作环境中有效提高工作效率，使人们感受到空间设计魅力的同时不断迸发创意与灵感，推动促进艺术设计创作的发展。

参考文献

[1]陈易，《室内设计原理》，中国建筑工业出版社，2006年11月第1版;

[2]沈百禄，《室内设计元素集》，机械工业出版社,2013年6月第一版

[3]何镜堂,陈文东.高校集群化实验楼初探[J].建筑学报,2007.

[4]孔敬,马明.普通卨等学校交件空间设计研究[J].山西建筑,2007(4):1-2.

[5]左言平等.建筑空间流动性探讨[J].青岛理工大学学报,2007(4).

[6]黄凯，张志强，李恩敬.《大学实验室安全基础》，北京大学出版社，2012年10月第1版

高等艺术设计教育要顺应经济全球化的大趋势,突出专业特色、提高应用能力,着重培养学生的创新思维能力、视觉艺术感受力及表现能力.强调设计文化的重要性。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文，供大家参考。

艺术设计毕业论文范文一：地域文化对包装艺术设计的影响

摘要:

商品包装体现了企业、产品的形象，现代包装艺术设计除了保护产品安全流通之外，还要对产品进行宣传。在现代包装设计中赋予鲜明的地域文化，可以吸引消费者的注意，从而达到营销的目的。因此，地域文化在现代包装设计中逐渐被广泛运用。本文简要的探讨了地域文化对现代包装艺术设计的影响。

关键词：地域文化，现代包装艺术设计，影响，消费

随着工业技术的发展，越来越多的产品出现在消费者的面前。包装作为产品流通过程中的重要环节，除了要保证产品安全运输销售之外，还要促进产品的营销。产品包装的成本、环保、吸引力等因素，决定了现代包装艺术设计水平的高低。如何合理运用地域文化来塑造产品形象，让现代包装成为沟通企业和消费者的重要桥梁，是当下包装设计师应注意的问题。

一、地域文化与现代包装艺术设计

1、地域文化的概念

由于的不同自然环境条件和社会环境条件的影响，人类在发展的过程中，不同地域、不同民族有其独有的语言、习俗、审美、文化等等，我们将其称之为地域文化。地域文化是地区发展的过程中文化的积累和沉淀，它是特定区域内人文与环境的结合，对地区的发展有着传承的作用。

2、现代包装艺术设计的概念

现代包装设计以确保产品的安全流通、促进产品的营销为目的，通过图像、色彩、形体、文化、材料等手段来制作产品的包装。现代包装主要分为工业包装和商业包装两种，产品的工业包装主要是为确保产品的安全运输，产品的商业包装主要以吸引客户消费为目的。作为一个复杂的专业设计概念的现代包装艺术设计，是产品流通销售中的最后一个环节，也是最重要的一个环节，现代包装设计水平的高低，关系着产品能否吸引消费者去购买，更是一个企业、产品的形象。

3、地域文化与现代包装艺术设计的关系

文化与设计之间相互连接、相互作用，设计是文化的体现，而文化是设计表现的基本手段。现代包装设计是为了将保护产品的流通运输，突出产品的优点吸引消费者进行购买，达到产品销售的目的。随着社会经济的发展，越来越多的产品出现在消费者面前，单凭产品质量的优劣很难在产品竞争中脱颖而出，达到销售的目的。如何抓住消费者的购买需求，吸引消费者的注意力已经成为各个企业最关注的问题。将地域文化运用到现代包装设计中，把地域文化与现代防护技术相结合，形成独特的产品包装风格展现给消费者并区别于其他同类型产品，让消费者一目了然，使产品具有生活化、人性化、个性化、地域化等特征。此类型的包装更能吸引消费者的注意力，有利于产品的流通销售，实现企业的盈利。具有地域文化特色的产品包装，不仅能吸引消费者的购买欲望，更能传递产品形象和企业文化，得到消费者的认可，为产品以及企业日后的发展做了品牌的铺垫，满足消费者物质以及精神的双重需求。

二、地域文化在现代包装艺术设计的应用

地域文化在现代包装艺术设计中应用的原理设计师在设计产品包装时，可以通过材料的选择，准确表达出产品的地域文化或地方特色，在结合传统文化的同时，提倡创新精神，将传统地域文化与现代时尚元素相结合，设计出独一无二、易为现代消费者接受的产品包装。中国地域宽广，人口众多，五十六个民族以及各个地域都各有其独特的地域文化。包装设计师在设计产品包装时，要准确表达出产品的地域文化特色，让消费者直观的了解到产品的地域文化，满足消费者对包装的情感需求，并且要具有独特性、代表性，避免与市场上其他同类产品在企业文化信息上产生混淆，尤其是对于一些地域性的特产，更应注意这一点。以黄山头酒的包装为例，企业将其定位为楚文化第一酒，所以在产品的包装上，融入了大量的楚地文化。设计师将黄山头酒瓶身设计为编钟造型，外包装和瓶身的颜色选用了传统的中国红，将传统地域文化与现代防护技术完美结合。现今，黄山头酒已成为湖北酒业的代表，这与它在包装上的成功有着必然的关系。在包装产品的材料选择上，要结合产品本地的风俗习惯、产品特性，以凸显地域文化特征为目标，同时考虑材料制作的技术工艺、制作成本、是否环保等问题。其中，若同时能在包装用料上展示地域文化特征将会使产品更具有地域性。比如说，青岛的海产品包装时多在包装上印有大海，这与青岛临海的地域环境有关;景德镇的土产品多用瓷器样式来包装，这与景德镇瓷器在全国中有较大知名度有关;云南的过桥米线包装上多印有竹楼，这与云南的地域建筑文化有关。合理的选择材料还要考虑材料的成本，就像我们不能用景德镇的瓷器去包装海产品一样。现代包装艺术设计时要尽可能的把制作成本降低，保证产品正常运输流通和达到宣传目的的要求下，控制包装成本就可以降低产品的生产流通成本，更好的服务于民。现代包装设计应紧跟时代潮流，引领消费时尚。随着社会的快速发展，消费者的审美以及关注热点一直在不断变化，所以在设计产品包装时，要把握流行时尚，抓住消费者的心理，从而让产品顺利销售。在产品的包装形式上，现代包装艺术设计应准确的表达出产品的特性、用途，凸显产品的性质。以“老君眉”茶为例，如果消费者从包装上把“老君眉”茶误认为是玫瑰花茶，那么不管产品设计多么精良，包装多么华丽，没有准确的向消费者传递产品性质，就是一个失败的包装。另外在现代包装设计内容上，要注意不同的形象在不同地域、不同人群所表达的含义，结合消费者的风俗习惯以及消费需求等多方面因素来设计产品包装。如回族人不吃猪肉，对猪有忌讳，那么产品包装设计师在设计清真产品包装时就不能用猪的形象;如幼儿多喜欢卡通人物形象，所以在儿童的产品包装设计上可采用以漫画、插画等形式来表现。

三、地域文化在现代包装艺术设计中应用的现状

1、地域文化在现代包装艺术设计中各国应用现状

传统文化与现代防护技术相结合的现代包装设计，反映了一个地区、一个民族、一个国家独特的地域文化。我国产品包装设计师要更好地在产品包装设计中凸显我国独特的文化，展现和发扬中华民族独特的民族风貌，需借鉴国外先进的包装设计经验，取其精华，融合中华特色地域文化，将其应用在现代包装设计中。日本的现代包装设计一直是各国学习效仿的对象。首先，日本的包装提倡材料的环保性。日本是一个自然资源匮乏的岛国，为保护仅有的生态资源，国家大力倡导环保，所以我们在市场上看到的日本产品包装，大到空调、冰箱，小到毛巾、茶叶，大多都采用可回收的环保材料，这种绿色包装已成为日本现代包装设计的标志。其次，日本现代包装设计的严谨性也是我们要学习的地方。日本产品包装大多没有浮夸的造型，但无论何种产品都有着严谨性的结构和丰富的表现形式，包装材料虽然朴实，却能通过设计和精致的制作工艺实现高品质。最后，日本的产品包装不仅很好的融合了现代包装的设计语言，还能赋予包装浓郁地域传统文化。现在日本市场上的产品包装主要分为两大类，一种是具有国际时尚语言的包装，另一种是有着浓郁大和民族特色的日本传统包装。在日本传统包装设计中，日本包装设计师并不是生搬硬套的将日本传统文化用在产品包装上，而是融入现代时尚元素，让消费者一方面能从产品包装中领略到日本的地域文化，另一方面又让日本包装设计走在时尚的前沿，在发扬日本传统地域文化的同时，又使产品包装设计具有时代的特征。欧美的设计引领时尚的发展，欧美各国都有其独特的地域文化以及审美观点，所以在包装设计风格上各有不同。法国产品的包装展现了法式“浪漫”与“优雅”的包装风格，法国人浪漫的生活和情怀世界闻名。在法国，一个成功的包装设计必须具有浪漫元素，例如：法国娇兰，创立于1828年，187年来，法国娇兰为世人带来不断的惊喜，并在世界上同类的产品脱颖而出，成为世界顶级的化妆品牌，除了产品质量外，还与它的包装设计有关。对于娇兰而言，每一款产品都有着精致美丽的包装，其包装形式是展现产品灵魂的重要载体，是表达情绪，创造愉悦，彰显个性品味的体现。成功的包装设计必须考虑消费者的审美观点，法国娇兰的包装将法式的贵族气息和浪漫生活方式的融入到设计的美感中去，使产品的包装成为具有法国特色的时尚风格。德国的包装设计注重包装的严谨性，这与德意志民族严谨的工作和生活态度有着必不可分的联系。在德国，产品的包装设计更注重实用性，设计常以简练的文字、图形、色彩构成表达出产品的特性，形成了德式包装独有的极简风格。在包装结构设计上，德国人更注重对产品的保护，将审美与实用相结合。造型美观大方又注重实用性的德国现代包装设计，值得我们借鉴，提升我国产品包装设计的严谨性。美国是近年来迅速发展起来的资本主义国家，在多元化、多民族的美国倡导自由、轻松的设计理念，所以在包装设计上更注重表现形式的幽默感和人性化。美式的诙谐通过电影得到了有效的传播，变得通俗易懂，他们追求的是可以轻松、自由展现自我的生活方式，这一地域文化特征在包装设计上得到了完美的体现。如美国迪斯尼电影里卡通人物形象，受到全世界人民的喜爱，当消费者看到这些形象在产品包装上出现，会带给我们快乐的体验，并会对这一产品产生购买欲望，从而达到产品销售的目的。

2、地域文化在现代包装艺术设计中国内应用现状

中国地域广阔、民族众多，不同的地域、民族有着不用的地域文化，一个地区的地域文化是这个地区形象的展现。我国具有浓郁地域文化特色的产品包装实例有很多，在包装中添加地域文化元素，能更好地展现产品的特色以及当地的文化特征。例如水井坊世纪典藏酒的包装设计为例，在酒的内部设计上，瓶身造型为水井的形象，突出了水井坊的名称，酒瓶底座的包装材料为四川特有的乌木，突出了四川的地域文化特征。在酒的外部设计上，外部包装造型为古代编钟形象，且在外部包装材料选择上，采用了青铜合金，整个外部包装形象具有浓郁的中国传统文化特色。包装设计师在设计产品包装时，要根据产品的特性和消费者的审美需求，结合地域文化特征来设计包装。我们在学习国外先进的现代包装设计时，要取其精华弃其糟粕，不能全部按照别国的模式来设计中国特色产品的包装，应结合我国人民的审美观点，将中国地域文化体现到产品的包装设计上。

四、地域文化对现代包装艺术设计的影响

地域文化是一个特定区域发展的过程中人文与环境的积累沉淀。现代包装设计中色彩、图形、材料以及文化的运用，都深刻体现了地域文化对现代包装设计的影响。在现代包装设计中，色彩的运用是最醒目的体现。地域文化中，不同的色彩代表不同的含义，比如，红色在中国代表喜庆、温暖、祥和，过节团圆时中国人民都会张灯结彩，整个国家沉浸在红色的氛围中。但在欧洲国家，红色代表着恐怖、血腥，是不吉利的颜色。所以针对不同的地域文化，在设计产品包装时，要结合当地风俗、审美来进行包装色彩的选择。在现代包装设计中，图形的运用最能直观地展示产品形象。图形的设计包括企业形象设计以及包装上的图案设计，经典的图形设计可以使消费者更容易记住所要购买的产品品牌。比如，消费者对海尔最直观的印象就是两个小男孩的图形标志，在海尔的标志图形设计中加入剪纸等传统民间工艺的元素，能准确展示出中国地域文化。在现代包装设计中，包装材料的选择变得越来越重要。随着社会工业的发展，生态资源日渐匮乏，全世界都在倡导环保，倡导可持续的设计理念。设计师在选择包装材料时，既要考虑材料加工成本，又要考虑材料的安全性与环保性。合理的选择包装材料，能更好的突出地域特征，如云南的特产的包装材料多为竹子，云南省是我国乃至世界公认的竹类种质资源大省，用当地的竹子作为特产的包装既能体现云南的地域文化，又符合人们提倡的环保主题。在现代包装设计中，文化元素的融入更能引起消费者的共鸣。中国传统文化讲究道德、正统、稳重，所以中国人较含蓄、沉稳。西方文化讲究自由、浪漫、平等，所以西方的设计热情且富有创造力。产品包装设计师需要利用地域文化的侧重点，设计出具有地域特点的产品包装，引起消费者的共鸣。

五、结语

地域文化可以通过色彩、图形、材料等方面融入现代包装设计。在我国，产品的包装设计不仅起到保护产品的作用，更应该结合时代传承和弘扬中华优秀传统文化和美学精神。中国特色产品的包装还应肩负起活化传统工艺与地方产业的使命，包装设计需将传统工艺与新材料、新技术相结合，研发出具有中国特色、符合现代人审美的包装。

参考文献

[1]张杰，张伟.地域文化对现代包装艺术设计的影响[J].中国美术馆.2008(02).

[2]陈欢.探讨地域文化在宁波特产包装设计中的应用[J].作家，2011(04).

[3]程立坷.现代包装设计中传统文化元素的探索[J].美术大观，2008(08).

艺术设计毕业论文范文二：数字科技对环境艺术设计的影响

摘要：目前，很多行业采用了数字科技技术模式，比如，环境艺术设计借助数字科技的数据分析功能，可调节设计方案的参数，还可借助新原材料的模型搭建来保证建筑和室内设计的安全性。因此，就数字科技对环境艺术设计的影响进行了分析。

关键词：数字科技;信息技术;环境艺术设计;3D软件

数字科技是基于信息技术的数字处理模式。由于其采用的是二进制编码，对其调取后会发现大量的“0”与“1”的排列组合，因此，将其命名为数字科技。在应用方面，数字科技并非特定的技术模式，其可对任何数据进行转化和处理，可用于各类生产和设计行业，除了本文所研究的环境艺术设计的建筑领域外，还包括工程、电子信息科技、生物技术等领域;数字科技具有模型化的管理能力，可借助3D软件制作设计模型，并在计算机中调节模型的参数，从而达到最优化配置，这样不仅有效解决了人力试验效率低下的问题，还有效避免了误差的产生，特别是一些专业的软件具有的自动检测和报错功能，可为使用者提供数据模型创建的合理建议。因此，鉴于数字科技自身强大的功能，以下对数字科技引入环境艺术设计中的影响进行分析，以期为环境艺术设计的发展提供帮助。

1数字科技对环境艺术设计行业的影响

数字科技的出现，使人类的生活和生产方式发生了很大的改变。对于环境艺术设计领域而言，这种改变具体表现在以下3方面：①设计效率的提升。计算机对设计的管理比设计师在图纸上的管理更加便捷。②满足个性化需求能力的提升。以往，设计者无法兼顾业主的所有需求，进而引发了业主与设计师、委托公司的矛盾;而在数字科技的帮助下，设计师能兼顾各种相关信息。③数字科技和网络化的实现，开拓了环境艺术的设计视野，使设计师能跟上时代发展的潮流，接触更多的世界级作品，这对于设计师的个人发展及其在设计领域的持久生存都有着不可忽视的意义。

1.1促进了环境艺术设计的发展

数字科技的核心能力在于对信息的处理，而环境艺术设计也可被看作信息的整合过程。这是因为在建筑和装修设计中，设计者主要负责构图和材料的选择，而构图是一种可转化为数字处理的信息模式，在电脑上构图不仅可提升设计效率，还能节约设计成本;材料选择的关键在于材料比例的设置，在计算机出现前，人们只能不断地搅拌原材料，并进行搭建试验，历经数千年后才找到相对完善和适合各类企业特征的材料应用方式，但随着时代的发展，以往的材料已逐渐被替代，对于新型材料的应用而言，再以长时间的试验方式寻求合适的比例，显然已不适合时代发展的需求。而在数字科技出现后，采用数字化调解和模拟的方式可有效解决材料的比例问题，且能帮助设计者找到不同气候环境下材料性能的差异，从而有效提升建筑的坚固程度。

1.2提高了环境艺术设计的效率

数字科技的表现力较为强，可展现语言、图形、文字和影像等，使设计者可以更好地调节色彩、光影、材质等效果，且在固定模型的帮助下，可借用对比手段优化新采纳的元素;可有效提升设计的艺术性。以往，设计师只能在纸上构图，其设计理念基于平面展开，在实践过程中可能会遇到平面与立体的转化问题，进而导致设计师需要消耗较长的时间设计;但依靠数字科技可直接立体设计，不仅减少了模式转化过程中的烦琐程序，还能保证整体艺术的输出效果。对于环境契合性而言，近年来，建筑设计正在向环境友好型发展，需要建筑设计师契合环境，以不破坏环境的设计理念设计建筑，且人们对建筑有审美需求，因此，在兼顾两者的过程中，设计师必须花费大量的时间;但采用数字科技后，可提前通过3D拍摄方法，将周边环境设置成设计背景，从而有效地融合建筑与自然环境。

1.3提升了环境艺术设计的市场竞争力

环境艺术设计虽然是一种与人类健康发展契合性较高的设计模式，但因设计过程烦琐、建设难度较大，导致其一直不受市场欢迎，加之环境艺术设计的自我要求较高、内容不断丰富，削弱了其在市场中的竞争能力。但对于我国当前的设计领域而言，正缺乏这样的健康设计理念，因此，环境艺术设计不仅不应被淘汰，反而需要得到有效发展。而借助数字科技，可提升环境艺术设计的效率，并结合市场需求提升公众审美的契合性，从而使环境艺术设计得到更多人的关注。此外，数字科技还能帮助环境艺术设计建立模板式的工作方法，即通过程序将可借用的元素与设计需求相结合，实现整体输出的设计雇佣模式，从而更好地提高服务效率。

2结束语

时代的发展必然会为人类带来改变，但很多领域却无法有效地与时代契合，本文所研究的环境艺术设计便是其中之一。因此，笔者探讨了当前提升行业发展效率最有效的数字科技，以期借助其丰富的功能，促进环境艺术设计的发展，从而提升整个建筑设计领域的水平。

参考文献

[1]陈健，张雪青.数字科技发展对环境艺术设计的影响[J].同济大学学报(社会科学版)，2011(06).

[2]刘岩，叶禄新，肖巳洋.数字技术在环境艺术设计的运用和发展[J].电子技术与软件工程，2013(11).

[3]侯艳辉，孟繁博.数字媒体与环境艺术设计结合中的关键问题分析与解决[J].美术教育研究，2015(02).

艺术设计就是创新，创造非凡是艺术设计活动的全部意义之所在。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计类毕业论文，供大家参考。

艺术设计类毕业论文范文一：竹资源在环境艺术设计中的运用

摘要：随着社会经济的发展，人们生活水平不断提升，在这样的背景环境下，人们的环保意识也得到了极大的提升。就目前来看，竹资源在环境艺术设计中得到了较为广泛的应用。本文的研究，主要针对于竹资源在环境艺术设计中的具体情况，展开了相应的分析和探讨。

关键词：竹资源;环境艺术设计;实际运用分析

竹资源在环境艺术设计中，自古以来就得到了较为广泛地应用，并且关于竹资源的艺术设计，在古代得到了极大的发展和应用。竹在我国古代，已经形成了一种文化韵味，将其应用于环境艺术设计中，具有较好的装饰作用。本文在对竹资源在环境艺术设计中的应用研究，注重分析了竹的历史文化底蕴，并就其在环境艺术设计中的应用优势，进行了相关研究和分析。通过本文的研究，我们可以看出竹资源在装饰设计中应用的重要性，并就如何应用，提供了有效地参考和借鉴。

一、关于竹资源在环境艺术设计中应用的可行性分析

我国是一个历史文化悠久的国家，自古以来，就流传着梅、兰、竹、荷的审美感观，竹在人们日常生活中，有着十分重要的地位。古时候，竹资源就在人们的生活中，应用于装饰。例如利用竹子建造的房屋、椅子等等。竹在建筑行业中应用，具有一定的美感，并且随着我国历史文化的发展，竹资源也具有较强的中国文化底蕴。竹在环境设计中应用，具有一定的优势，它能够应用于建筑设计、公园设计、室内设计等多个领域。

二、竹资源在环境艺术设计中的实际运用分析

随着人们生活水平的不断提升，物质生活满足的同时，人们更加追求生活享受。竹资源在环境艺术设计过程中，发挥着日益重要的作用，并且在应用中，以不同的形式应用在人们日常生活当中。例如以观赏的形式、使用的方式等等，在环境艺术设计中，发挥着重要作用。

(一)竹资源在环境艺术设计中的观赏作用分析

一般来说，应用于观赏的竹资源形式主要有观赏竹、竹竿、竹叶观赏型等。竹在景观中是一种较为特殊的元素，其形态的特征，在审美感观中，起到了一定的积极作用。例如湘妃竹、金竹以及墨竹等，这些竹的类型，更加适合于观赏，能够给人在视觉感观上带来一种美感和享受1。根据竹的形式不同，人们在应用过程中，会根据环境的实际情况，设置相应的竹，进行观赏。竹资源用作观赏时，会选择相应的配饰，这样一来，突出竹资源美感的同时，也能够起到一种较好地意境效果。例如在设置假山时，会将竹与假山进行结合，这种设计方法，是突出竹资源美感的一个重要手段，并且在实际应用过程中较为广泛。假山与竹资源的应用结合，给人一种回归自然、心旷神怡的感觉，能够更好地达到放松心情的作用。

(二)竹材的应用

竹材的应用，是竹资源在建设过程中的一种应用方式，同时，竹材具有较高的实用性和审美性。随着我国建筑行业的发展，建筑材料选择上，一些建筑材料对环境污染较大，并且对人们居住空间也有着较大的影响，如何对这一问题进行有效改善，关系到了人们的居住安全和居住舒适度问题。竹材本身就是一种纯自然地资源，其对环境污染较小，并且并没有化学合成，对人的身体健康来说，具有积极的影响。竹材在实际应用过程中，造价低廉，能够缩小建筑和装修成本，越来越受到人们的广泛关注。竹材在实际使用时，可以制作一些桌椅或是竹板，能够承担简单的装饰作用。同时，竹子的生长周期较短，成材时间较快，若是能够将竹材广泛地应用于实际建设过程中，对于促进我国建筑行业的可持续发展来说，将起到巨大的推动作用2。

(三)竹资源根部在环境艺术设计中的应用分析

竹资源根部在环境艺术设计中应用，也取得了一定的效果。人们生活水平提升的同时，更加注重于精神追求，这样一来，在进行家具装饰过程中，往往喜欢在家中增添一些饰物摆设，对室内空间进行更好地点缀。竹资源根部在雕刻过程中得到了广泛地应用，例如竹雕、竹刻等工艺品，都收到了人们的热烈欢迎。竹雕在进行实际雕刻过程中，主要是对竹子的根本进行雕刻，具有一定的艺术审美性。同时，在皮雕、浮雕以及阴阳刻等方面，竹资源都得到了较好的发展。竹资源的根本较厚，在进行雕刻过程中，能够更好地满足雕刻的实际需要，这就为竹资源根部在环境艺术设计中的应用创造了有利条件。综上所述，笔者在对竹资源在环境艺术设计中应用的研究，注重竹资源的欣赏、竹材的应用以及竹资源根部的实际应用。在研究过程中，我们可以看出，竹资源对环境艺术设计有着较大的影响，在设计过程中，需要对竹资源的应用情况进行有效分析，能够结合实际情况进行环境艺术设计，才能够取得较好的效果3。

三、结语

竹资源在当下环境艺术设计中已经得到了较为广泛地应用，本文在对这一问题进行研究时，注重结合实际情况，立足于竹资源发展的时代趋势，对这一问题展开了详尽的探究。在利用竹资源进行环境艺术设计过程中，必要要注意以下几点：第一，注重与实际情况的有机结合，发挥竹资源的优势，更好地改善居住环境;第二，在对竹资源装饰作用应用时，要注重对衬托物的选择，达到更好地艺术设计意境;第三，要注重竹资源艺术设计的深度和广度，发挥竹资源优势，使之能够对现有建筑行业进行有效改善，更好地实现竹资源的有效利用。

注释：

1.方晖.竹资源在环境艺术设计中的运用[J].艺术教育，2014(7):258.

2.杨嘉.解析竹资源在环境艺术设计中的运用[J].企业技术开发，2014(21):58-59.

3.刘畅.竹资源在环境艺术设计中的运用[J].技术与市场，2014(12):339.

艺术设计类毕业论文范文二：民间美术对现代艺术设计的启示分析

摘要：

民间美术代表着崇尚自然之美，寻找简朴，富含原始意味的艺术，在我国民族传统文化中占据十分重要地位。该种艺术主要是保留材料本身色泽和机理，不会过于追求修饰和雕琢，进而充分暴露出质朴和纯真的趣味。现代艺术设计中缺乏返璞归真的气质，民间美术所具备的相应风格能弥补现代艺术设计中的不足，如质朴、天真、大气等风格，同时，民间美术内在的简朴生活气息、性格，为人们内心向往。除此之外，民间美术是我国古代劳动者的创作结晶，并给人们带来无穷的启示。本文从艺术设计的基本特征出发，分析了民间美术与现代艺术设计之间的关系，并介绍了民间美术对现代艺术的启示。

关键词:现代艺术;民间美术;设计

伴随着社会的发展和文化的发展，不同国家和地区之间的文化得到充分的交流，尤其是步入信息时代，不同区域之间的文化壁垒被逐渐打破，文化之间可以相互融合交流，优势文化同化劣势文化的趋势越来越强，这极大的促进了文化的健康发展。与此同时，艺术审美特征逐渐得到了人们的重新认识，现代艺术也在新时期得到了飞速的发展。由于民族文化备受人们关注，生活在城市中的人们，越来越渴望追寻稚拙和纯朴的情趣，追求原始艺术的真实野性以及神秘感。因此，民间美术和现代艺术的相互融合越来越受人们的重视。

一、艺术设计的基本特征

1、科技性

从第一次设计出现以后，设计就和科学相互渗透、相互影响，并共同发展。设计的基础为科学技术，两者的联系十分紧密，设计和科学技术以生产实践为联系点，在实践中不断渗透、影响，同时，设计为科学技术转化为生产力和社会财富的媒介。原始社会开始，科学技术和设计之间具有一定关系，当时人们通过木、竹等植物天然弹性研究设计出弓箭;通过粘土和火结合化学变化设计出陶器等，进而提高人们生活质量。现代设计能更进一步的显示设计同科学之间的关系，如万国博览会上出现的“水晶宫”为科学技术的艺术表现，为科学技术的设计应用。伴随着科学技术的发展，互联网和电脑技术的应用，信息社会逐渐到来，发展导致设计方法、手段和过程出现一定变化，进而进入崭新设计时代。由此可见，科学技术会找到相应的社会生活结合点参与设计，进而转变为精神和物质财富。对设计而言，没有科学技术支撑很难进行。因此，不管是新发明的出现还是新材料的使用，均为科学技术的进步，并为设计的成果，两者之间共同发展不能分割。

2、艺术特征

爱美之心人皆有之，艺术充分显示爱美为人的天性，且这种天性从人类作为文化人就出现了。美为设计的产物，第一件石器的诞生，不仅仅是为了使用，也是追求美的体现。在造型观念、视觉经验和形式语言等方面现代设计同艺术之间没有区分，但设计除了秉承现代艺术的观念和思维外，还受到了现代物质手段和工业化进程的影响。目前，设计师和美术家具有越来越明晰的分工，人们将建筑、雕塑、绘画、艺术设计、摄影、工艺美术和数码媒体等统称为视觉艺术，不单纯为语言为题，而是属于艺术种类混合体，且本质上具有相互联系特性。

3、文化特征

艺术设计是一种造物的文化、艺术，作为区分人与动物差别的重要因素，文化在被人类所创造的同时，也成就了人类，不管是艺术设计，还是民间美术，都是人类造物活动后产物，蕴含着丰富的文化底蕴及文化性质。艺术设计是人类创造的文化的重要组成部分，艺术设计的存在不仅证明了人类的理念，同时也对人类的生活带来很大的影响，并滋润和培养人类。艺术设计承载文化外在和内在意义，能将人类的生活习性、文化习俗、价值观念等反映出来。同时，艺术设计也是文化创造的一种产物，为社会历史文化沉淀产物，优秀的艺术设计是人类文化的重要组成部分。研究显示，艺术设计的多元性决定艺术全面吸纳文化，并对文化各个层面进行整合。这种现象的出现表明艺术设计中包含制度物质和观念文化层，同时，吸收大量精神成果，同艺术较为相似。且艺术设计体现物质功能及精神追求，深刻反映人们在文化创造中的能动性和创造性，因此，设计文化是人们理解人类文化的典型范例。

二、民间美术与现代艺术设计之间的关系

1、民间美术与现代艺术设计的共性

从外部形态和外在形式看，民间美术同现代艺术之间没有联系，但实际上两者之间具有较多的共性价值。在民间美术中推崇天人合一的思想，而天人合一是建立在人与自然和谐相处的基础上，民间美术的创造者大多是生活在社会上的底层劳动群众，他们日出而作、日落而息，与自然和谐相处，在很多时候民间美术就是人与自然的和谐产物。在现代艺术设计中，推崇绿色设计，而绿色设计的原则是降低能源消耗，减少环境污染，实现产品的回收利用，绿色设计倡导回归自然，实现可持续发展，保证人与自然的和谐相处，从这一点上看，民间美术和现代艺术设计是存在共性的。

2、民间美术是现代艺术设计的源泉

民间美术是一种人类创造的民间艺术文化，是一个独特的文化艺术群体，优秀中华文化艺术就是从民间美术中发展而来的，同时民间美术也是中华优秀文化的重要组成部分。作为中华优秀文化艺术的文化沉淀，民间美术所蕴含的文化内涵以及艺术形态，均可以将中华文化中的心理素质、美学观、文化素养、民族精神体现出来，进而将中国优秀文化中所蕴含的哲学体系、艺术体系、造物体系展现在人们面前。可以说民间美术是中华民族创造型艺术、艺术设计和民族文化的心理源泉。伴随着信息时代的到来，民间一词逐渐远离人们的视野，但即便社会经济的快速发展，也无法将人们内心对民族文化、民间美术的喜爱心理所取代，作为中华文化的结晶，民间美术可以看做是现代艺术创作的源泉，民间美术所具有强大的生命力，能为现代艺术设计提供很多艺术灵感。

三、民间美术对现代艺术设计的启示

1、民间美术造型对艺术设计的启示

民间美术造型具有千变万化的特点，为人们提供无尽的艺术造型宝藏，同时，民间美术蕴含的气韵形态为人们提供良好的借鉴。在学习艺术设计时，可解构民间美术造型中的元素，并根据现代设计中的审美原则，进行创作，同时为赋予新的象征意义，这样就能衍生出既能彰显时代理念，又有优秀民间美术韵味，还能体现出现代设计个性的现代艺术设计产品。对民间美术而言，蕴含的审美性、传承性、原发性能让民间美术形成一种独立的造型体系，从而将民间美术文化观念中的稳定性、传承性体现出来，使得人们在审美趣味和艺术表现方面具有明显的相似性，并在长期的社会演变、历史发展中，形成独特的造型符号。与此同时，民间美术造型具有异物同构特征，在中国民间美术中最典型的异物同构图形是龙，这是先民通过发散性思维将不同的图形有机结合在一起形成的新图形，加上不同民族和地区的文化不同，创造出来的龙千姿百态，在中原地区主要为牛头、鹿角、蛇身等，显得尤为神秘，最后成为皇帝的象征。

2、造物观念对艺术设计的启示

作为比较原始的艺术文化形体，民间美术是民间生产活动一体化的文化集合，而现代设计艺术的核心思想是，在大工业生产条件下，通过经济论、功能论、唯科学论等理论，进行物品设计，最终实现利润的最大化。民间艺术中包含较多的人性化思想，对物质和精神的完美结合具有一定强调，进一步表达对功利意愿和情感的追求。民间艺术造物原则来源于自然，并同自然相融合，进而使得自然界的生态平衡同艺术需求的心理平衡。民间美术造物观念包含自然、人性化两种，作为一种民间造物艺术，充分体现人与社会、与人、与物等和谐道德伦理观念。同时，民间美术蕴含的道德观念、伦理关系和情感追求等为现代艺术设计中解决单调乏味提供良好借鉴和深刻启示。

3、美术色彩观念对艺术设计的启示

民间美术色彩为庞大神秘的色彩体系，主要构成为“五色观”，即在黑白二色基础上加赤黄青三色，是继承远古先人单色崇拜，同时结合“阴阳五行说”逐渐发展起来的。民间美术色彩主要包含主观性和装饰性特征，受中国传统哲学思想的影响，民间色彩的象征意义被赋予一定主观观念，具体表现是一种社会等级制度的展示。因此，在认知民间色彩艺术时，不能仅仅停留在表面上的色彩感知，而应该深入体会民间美术色彩背后所蕴含的哲学观念、历史文化，这样才能更好的体会民间美术色彩的象征意义。民间美术色高纯度色相和强烈补色色相对比原则，是民间艺术色彩原则的主要倾向，通过暴露装饰性色彩能有效地展现蕴含的深刻文化寓意。民间美术色彩具有朴拙、强烈、浓郁和真挚的特点，能强烈的震撼人们的心灵和冲击人们的视觉。这种粗放简练的方式强烈的震撼人们的视觉感受，对色彩的要求同现代设计一致，在当今社会具有别致的示范性和借鉴性。

四、总结

作为人类的造物文化，民间艺术和现代艺术虽然产生的背景、社会文化、人文习俗有一定的差异，但从整体上看，两者均是民族文化体系的重要组成部分，为构建具有中国特色的现代艺术设计体系，就需要坚持民间美术文化根基，同时吸收外来优秀文化，进而促使现代艺术设计健康快速的发展。

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