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自我管理能力是指受教育者依靠主观能动性按照社会目标,有意识、有目的地对自己的思想、行为进行转化控制的能力。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:结合个性分模块培养艺术专业学生自我管理能力相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
大学生自我管理是指大学生为了实现高等教育的培养目标以及满足社会日益发展对个人素质的要求,充分调动自身的主观能动性,卓有成效地利用和整合自我资源 (身体"心理"时间"信息"思想和行为等),运用科学管理方法而开展的自我认知、自我计划与组织、自我监控、自我开发与自我教育等一系列的活动。大学生自我管理的过程就是主体我对客体我的管理过程,在此过程中体现了主体意识的自主性、行动的自觉性和意志的自控性。
随着社会的不断进步,当前社会所需要的艺术人才既要有扎实的专业知识与较强的实践能力,同时还要具有较高的社会化程度,具体表现为良好的社会适应性与沟通合作能力。但现实中的艺术类大学生与社会期待相反,他们大多数重视技能的提高而轻视人文素养的培养,个性突出而团队协作能力较差,思维活跃但情绪控制能力差,有一技之长但自我认知存在偏差,专业情节浓厚但职业规划意识不强,尤其是纪律意识淡薄,自控能力极差,欠缺社会所需要的综合素质,被社会普遍认为有艺无德,不能较好融入社会。
另一方面,以往高校对艺术生的管理多以“刚性管理”为主,以纪律和规章制度来硬性约束学生的行为,忽视了艺术类学生的个性与专业特点,仍然把学生视为整体进行统一管理,这种模式虽然易于统一学生的行为,让学生表面上服从了管理者的安排,但伤害了学生的能动性与积极性,导致学生被动的接受管理,无法认同接受与内化教育者的教育理念,管理的效果得不到保证,管理的真正目的――管是为了不管更是无从谈起。对于具体的管理者而言,大多数的思想政治教育工作者不具备相关专业背景,艺术专业一对一的单独学习方式与艺术生“明星崇拜效应”,导致专业教师对学生的影响甚于一般的辅导员,而专业教师更多注重的是专业知识的传授,对学生人格发展、自身成长与社会责任感的培养关注不多,这种专业教学与学生管理人为分割的结果就是学生的专业技能水平虽然得到提高,但学生的综合素质却不一定随之提升。
因此,高校应引导艺术生充分发挥积极主动性,搭建学校、教师、辅导员班主任与学生之间的平台,有意识的把学生推向教学、管理的各项活动中,大力培养他们的自我教育和自我管理能力,这才是对艺术类大学生管理的必然选择。而艺术类大学生只有通过不断提高自我管理的能力,增强自我认知、自我修正、自我强化的能力,明确自我发展的方向,有针对性的进行自我教育,并把自我发展和社会要求相统一,从而促进自我的发展与提高,[2](5)才能成为社会所需要的艺术人才。
要想培养艺术类大学生自我管理的能力,就必须结合艺术专业学生的思想行为特点,要针对不同层次、不同年级阶段的大学生的特点、需求制定阶段性与层次化的培养目标,确定不同的教育目标、教育内容、采用不同的教育方法,有的放矢、对症下药、因材施教。
(一)根据艺术类大学生的认知与行为特点确定自我管理的三大模块
大学四年既是大学生从学校到社会的过渡期,也是大学生从“学校人”到“社会人”的成长期,不同年级的艺术类大学生的心理特征与认知特点存在差别。一年级的学生刚进入大学,不同于以往的环境带来的诸如学习、生活、思想等的变化使得艺术专业的学生不能及时转换角色意识,业余时间的增多与学习、生活、成长中无人监督的状况也容易使他们缺失目标,特别是艺术类的大学生,他们从一个相对封闭的环境来到个性更加开放、包容性更强、更放松的环境,极易造成他们在学习、行为、心理等各个方面更加放纵自我,降低对自我的要求,对他们的管理依然需要学校家庭的监督,停留在“他律”的阶段;
二年级的学生已逐渐适应大学生活,与大一相比,大部分艺术学生主体意识凸显,有较明确的学习动机,他们专业求知的欲望与参加专业实践的意愿较强,注重提高自己的专业技能,但是人文素养依然处于较低的水平;三年级的学生主体意识越来越强,个性特征也愈加明显,他们在学习与外出实践的过程中逐渐意识到综合能力培养的重要性,有提升自我管理能力的意识;四年级的学生自我意识日趋完善,他们更注重自我设计发展,艺术专业较低的就业率现状也使得他们在临近毕业期间,极大关注就业求职与职业发展道路,愿意在就业实习中按照社会要求,不断自我教育、自我内化、自我提升,已期达到现代社会的要求。因此根据艺术类大学生的心理特征与行为特点,将艺术类大学生自我管理的内容重点分成三个模块:行为养成教育、专业技能与综合素质教育、职业规划与发展教育。
(二)提高艺术类大学生自我管理能力的方式
艺术专业大学生成长不同阶段的思想特点与行为特征必然导致在不同时期自我管理教育的内容与方式不同,具体如下:
1.在行为养成教育上,以良好行为养成为重点,采用“管”字诀
同一般大学生一样,艺术专业的新生在入校期间存在不适应,可以根据情况相应开展以专业思想教育、理想信念教育、生活适应性教育、校规校级教育、心理健康教育与生命观、学习观教育等为内容的“新生入校教育”与“新生适应教育”,帮助学生进行角色转变,提高适应力。同时,艺术专业大学生不同于一般大学生的个性特征也决定了在此阶段的重点开展内容与其他专业学生略有不同。
艺术专业学生个性张扬,以自我为中心,对待问题情绪化,纪律观念与集体意识淡薄,自控能力较差,在学习与生活中表现出较强的随意性。因此,在行为养成教育上要帮助学生自我认知,唤醒自我意识,使他们学会主动思考,增强自控能力。 为实现这一目的,德育工作者应坚持正面教育为主,加强制度建设和组织纪律的管理,以制度与规定为准绳,开展日常行为养成教育来培养学生养成良好的行为习惯,引导学生把规章制度、社会要求、道德规范内化为个人修养,主动约束与规范自己的行为,达到行动的自觉性;鼓励学生明确行动目标,进行目标管理,发挥目标的激励与引导作用,学会科学规划自己的学习和生活;除了培养良好的行为习惯外,还要重视对艺术类大学生情绪控制能力与心理调试能力的培养,教育他们建立和谐的人际关系,提高自己的心理调适能力与抗挫能力。
2.在全面发展阶段,以综合素质与能力培养为重点,采用“转”字诀
艺术专业学生的个性决定学生自我管理能力的培养工作仅仅依靠前期学校的管理,让学生被动接受教育的方式是不可行的,教育者要在培养工作上体现一个“转”字,结合艺术专业学生的个性特征,充分调动学生的主动性与能动性,适时培养与引导学生不断增强自我管理的能力,促进管理由被动“他律”管理向主动“自我”管理转变。
艺术专业大学生有浓厚的专业情节,他们注重专业知识的学习与专业技能的提高,所以在进行教育引导的过程中应尽可能的与专业挂钩;受其专业的特点,他们在艺术学习的过程中培养了敏锐的感知力,易于因势利导;他们具有强烈的主体意识和求知成才的愿望,更加关注自身素质和能力的提高,有强烈的表现欲望,愿意参加艺术实践展示自己的才能;与其他学生相比,他们中的一大部分人由于外出专业学习,接触社会较早,具备较强的独立意识与社会实践能力。因此,在这一阶段,可以结合艺术类大学生的专业背景,在开展艺术实践与社会实践活动中进行体验式与渗透性教育。
首先发挥专业优势,开展与专业密切结合的校园文化活动,用活动吸引学生,实现“渗透式”的教育,在活动中强调优秀品质的培养,塑造健康人格,提升学生做人、做事、做学问的水平;其次,鼓励学生参加专业“技能团队”,广泛的参与校内外的各项活动,同时安排相应的指导老师为学生进行指导,既有助于专业的深入学习和交流,又有助于培养学生的创新能力与合作精神,加深学生的“自我教育、自我管理、自我服务”的能力,从被动接受管理到自觉开展自我管理;第三,以社会实践为主渠道,提升“体验式”的教育管理。学生主动参与社会实践的过程中,通过体验式的教育,在社会的大熔炉里学会自我约束,社会责任感得到加强,学生在实践中组织管理能力、沟通协作能力、社会交往能力等综合能力与个人素养的各个方面都能得到不同程度的锻炼和提升,为以后顺利进入社会打下坚实基础。
3.在职业规划与发展上,关键做好自我发展,采用“导”字诀
职业规划与发展贯穿于大学始终,是一个不断变化不断修正的动态过程,它是随着学生对专业认知与个人认知的逐步加深而设定的有效实现自身价值的职业目标,可以引导大学生理性、科学地规划自身未来的发展,并努力在学习过程中自觉地提高就业能力和生涯管理能力。针对大学四年每个阶段对职业认知的不同,可以将职业规划的整个过程分成初级、中级与高级阶段:初级阶段以入学教育专业教育、就业形势、职业意识为主要内容,进行职业生涯规划基础教育;中级阶段以职业兴趣测评、职业目标确定、计划拟订、职业实践、交际力培养、综合素质提高为主要内容,进行职业生涯规划专门教育与实践;高级阶段以择业就业观、求职技能、求职心理素质为主要内容,进行择业就业教育。[3](251)
艺术专业大学生相比而言,他们更注重自我设计、自我发展,在价值观、人生观等方面存在务实主义与多元主义的倾向;他们过分追求实现个人价值、发挥个人才能,导致就业求职中功利主义严重,职业意识与责任感不强;高额学习费用的投入与不能正确认知自我导致了他们的就业期望值较高,;他们既自负又自卑的心理,导致当求职中理想与现实情况冲突时,抗挫能力较差。
因此,在职业规划与发展上,除了帮助艺术类大学生掌握基本的就业技能之外,还要引导学生把自己的人生观、价值观与社会对艺术人才的需求与期待正确结合起来,找准社会定位,明确职业目标,合理规划职业生涯;其次,引导学生通过自我分析,正确认知自我,明确自己的定位,帮助其调整学生就业期望值,改变“好高骛远”的就业心态,鼓励学生通过在工作岗位上的锻炼提高工作技能,逐步实现自己的职业目标与人生价值;第三,鼓励学生正确看待求职失败,正确归因,调整求职心理与求职策略,积累求职经验,增强抗挫能力,树立求职自信心;最后,引导学生抓住“就业”与“升学”两个出口,进行分流就业。
因此,要想培养与提高艺术类大学生自我管理的能力,就需要高校在坚持正面引导的同时,充分尊重学生的主体地位,在结合艺术专业大学生的个性特点与发展的需求下,激发大学自我管理的意识,逐步增强他们自我管理的能力水平,引导他们在学习、生活与社会实践的过程中不断认知自我、教育自我、提高自我,发展自我, 达到情、意、行三者的有机统一,实现个人发展目标、高校培养目标、社会需求目标与个人行为的有机统一。
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罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物,在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:德国作曲家舒曼――第一位真正在钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家,其钢琴音乐的艺术特点在于作品主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要艺术特点。
关键词:舒曼;钢琴音乐;隐喻性;文学性;独特性;幻想性
中图分类号:J651 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)29-0200-02
在西方钢琴艺术的发展历程中,浪漫主义时期是一个十分重要的黄金时期。一方面,由于钢琴制作工艺的成熟,使得钢琴的价格下降,同时钢琴的表现性能有了很大提高,从此,钢琴成为人们音乐生活中的一件十分重要的乐器;另一方面,由于浪漫主义时期的作曲家普遍地钟爱钢琴这件乐器,因此创造出了大量的钢琴音乐作品,其中众多的优秀作品构成了一幅五彩斑斓的瑰丽图景。浪漫主义时期的钢琴音乐大大地丰富了人们的音乐生活,从此,钢琴登上了“乐器之王”的宝座。
音乐上的浪漫主义时期大约开始于19世纪20年代并延续至20世纪初。通常人们普遍认为,奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家门德尔松是浪漫主义音乐的第一批开拓者,他们优秀的钢琴音乐作品也共同反映出了浪漫主义音乐的最主要特点――强调个人的抒情性,偏重于幻想及夸张的艺术手法。但是,由于他们与古典主义音乐不同程度的联系,使得他们的作品中还具有着比较明显的古典主义音乐气质,比如,在他们的一些作品中都明显地体现出了古典主义的形式法则,在音乐气质上,舒伯特接近于贝多芬,而门德尔松则更加靠近莫扎特。这些都说明了,在浪漫主义音乐的创作初期,古典主义的音乐因素作为一种强大的传统力量仍然在发挥着其效应。而第一位真正在其钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家就是本文将要作深入探讨的德国作曲家舒曼。
罗伯特・舒曼(Robert Schumann)于1810年生于德国,1856年去世,一生只活了短暂的46岁。但他却是第一位真正的浪漫主义作曲家。
浪漫主义思潮是19世纪初在欧洲形成的一种新的艺术潮流,代表了一种新的艺术风格。浪漫主义艺术思潮的美学追求在于打破古典主义艺术的既有形式,用艺术家个性化的语言不拘一格地表达思想感情。这其中情感的自我表达是核心,浪漫主义时期的作曲家们当时普遍的创作理念就是要做到“我曲表我心” [1],这样的话,乐曲中丰富而明显的情感性特征就成为了浪漫主义钢琴音乐的第一个明显特征。浪漫主义钢琴音乐的第二个显著特征就是音乐普遍与文学和绘画等艺术的结合。西方音乐发展到浪漫主义时期,其音乐语言已高度的发达,这使得它具备了表现文学性内容及绘画性内容的可能性。这一时期的作曲家深入地挖掘音乐的表现能力,作出了许多大胆的尝试,将音乐与文学及绘画等艺术进行了结合,这就显示出了这一时期音乐作品的独特性,此一方面的突出标志就是标题音乐作品的大量出现。
当时,德奥属于浪漫主义思潮影响的中心地带,舒曼就是在这样的文学氛围中成长起来的。由于舒曼的父亲是一个文学爱好者,在经营书店的同时也作书籍的出版工作,舒曼从小就在父亲的书店中博览群书,因而他酷爱文学。他最喜欢阅读的文学体裁是诗歌及小说,这对他日后的音乐创作活动产生了深刻的影响。少年时期对他影响最大的文学家有歌德、拜伦、让・保尔和E・T・A・霍夫曼。深厚的文学修养极大地提高了舒曼的想象力及艺术品位,他日后创造出的成功之作在很大程度上都依赖于他作品中的文学性内涵。除此之外,舒曼与克拉拉曲折的爱情也对他的创作产生了很大影响。
在西方音乐的发展历史当中,舒曼是第一个具有明确的音乐美学思想的作曲家。笔者认为,出现这样的情况有两个原因:第一,是之前作曲家社会地位的低下(通常被看作是奴仆)使其无资格去从事这些当时主要由哲学家来从事的学术研究;第二,之前作曲家相对低下的文学水平和迫于生计而必须完成的繁重的创作任务使其在主客观上都无能力去进行音乐美学问题的探讨。而在舒曼所处的浪漫主义音乐时期,以上情况都出现了改变,具有了独立社会地位及学术素质的舒曼就成了作曲家中第一位形成了较为全面的音乐美学思想的音乐评论家。
笔者在此将舒曼的音乐美学思想概括如下:
首先,他认为音乐要有高尚的思想及充沛的情感。其次,舒曼在音乐艺术中追求真、善、美的统一。再次,舒曼积极地倡导音乐的民族主义和音乐的世界性意义,这其实也就是音乐的民族性与世界性的问题。以上三点就是舒曼主要的音乐美学思想,这些思想都明确地体现在他的钢琴音乐创作中,表现出了他的钢琴音乐作品的四大特色。
第一,音乐主题的隐喻性。由于舒曼独特的个性――沉思、幻想与热情、冲动的结合,以及受到文学作品的影响,这使得他爱在自己的作品中隐藏一些个人的小秘密,这些小秘密多半都是他自己的生活经历。他的许多作品中都蕴藏着需要经过缜密的研究才能够得知的引证和隐喻,这些隐喻常常由隐喻字母所对应的音符构成,了解这些是理解他作品的第一步。比如舒曼的《阿贝格变奏曲》(ABEGG Variations)op.1,其中的ABEGG是舒曼在一次舞会上遇到的一位女士的姓,这首变奏曲的主题即采用ABEGG这五个字母作为音名。又如《狂欢节》的调性基础是bA-C-B,来自舒曼早年的一位女友居住的阿什小镇“ASCH”(德文“H”在音乐中为“B”)[2]。由以上两例可以看出,这类以猜字谜式的音乐游戏构成了舒曼的第一个钢琴音乐特色,这也是理解他钢琴音乐作品的关键。
第二,舒曼钢琴音乐的第二个鲜明特点在于其音乐内容的文学性。舒曼大部分的钢琴音乐作品都体现了这一特点。笔者认为,形成这一特点的主要原因在于舒曼自小形成的深厚文学修养,这使得他的音乐创作不断地受到来自于文学灵感的刺激与影响。另外,浪漫主义时期的美学潮流――音乐的文学化,也在一定程度上影响了舒曼的音乐创作,使得他的钢琴音乐作品具有明显的标题性。比如他的钢琴套曲《蝴蝶》(Papillons)op.2,是根据舒曼最喜欢和敬仰的德国作家让・保尔的小说《少不更事的岁月》而创作的;钢琴套曲《克莱斯勒利偶记》(Kreisleriana)op.16,是舒曼受德国浪漫主义文学家霍夫曼小说中一位怪诞而极有天赋的音乐家克莱斯勒的形象的启发而创作的。可以说舒曼是第一个将音乐与文学的结合达到水乳交融状态的浪漫主义钢琴音乐作曲家。
第三,音乐形式的独特性。舒曼的作曲学习在很大程度上是靠自学来完成的。由于较少地受到来自传统的专业作曲家技法训练的束缚,舒曼在创作形式上表现出了很大的灵活性,他的作品形式几乎完全是由表现内容来决定的。也正因此,他的钢琴音乐作品在形式上有着很大的独创性[3]。比如他的《交响练习曲》(Etudes-Symphoniques)op.13,在形式上就兼有练习曲与变奏曲的双重性质;再如他的《C大调幻想曲》(Fanlasie)op.17,在创作技法上运用了奏鸣曲的形式加上回旋曲和变奏曲的创作手法,构成了他极富独创性的自由曲式。这部作品既有令人神往的即兴幻想性,又有着严整而和协调的结构。此外,舒曼还喜欢用小型作品组成松散的套曲形式,并冠以各种富有诗意和文学性的标题,这是舒曼的一个显著的创作特点。这类作品有很多,例如:《蝴蝶》、《狂欢节》、《童年情景》、《幻想曲集》等。
第四,舒曼钢琴音乐第四个特点在于其音乐风格的幻想性。舒曼的钢琴音乐作品就像是他自身心灵历程的日记一般准确地记录了他的精神历程。由于他自身的性格特点以及文学作品的强烈影响,舒曼富于幻想,这种幻想性也自然地带到了他的音乐创作中去,他在自己的作品中幻想着理想的实现。如在《大卫同盟组曲》中幻想着“大卫同盟”对于音乐界的非利士人――庸夫俗子的斗争并胜利;他还幻想着自己的爱情如《#f小调第一钢琴奏鸣曲》表达了他对克拉拉火热的爱情;还幻想过童年,如钢琴套曲《童年情景》中对童年的情感体验,等等。凡此种种都说明了幻想性是其音乐风格的又一特点。
综上所述,舒曼钢琴音乐作品的艺术特点在于其主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要特点。舒曼的钢琴音乐作品充满了理想与诗意、爱情与痛苦、热情激昂的情感与梦幻沉思的风格。他一生的大部分作品都是为钢琴而作的,这些充满创造性的钢琴作品以高超的技巧与丰富的想象,为钢琴音乐文献增添了宝贵的财富。他的性格充满了矛盾,就像他受让・保尔小说的启发而构想出的佛洛列斯坦(个性张扬)和埃塞比乌斯(沉思幻想的性格)这两个人物一样,舒曼兼有这两个人物的性格特点,这也反映在他的钢琴音乐作品中。他的钢琴作品丰饶而富于诗意,情感内省同时又具有宏伟的气象,同时又充满了亲密温馨的情感。舒曼的钢琴音乐是一种飞扬的音乐,富于浪漫主义的理想,舒曼认同他的崇拜者让・保尔的一句话:“生命可以在我们身后枯萎凋谢,我们神圣的过去可以灰飞烟灭,但有一样东西是不朽的,那就是音乐。”音乐是一门神秘的艺术,是在诗的语言终止之后响起的艺术。从这个意义上说,舒曼就是文学家让・保尔在音乐中的化身。
[1] 蔡良玉.西方音乐文化[M].北京:人民音乐出版社,1999:198-199.
[2] 周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2003:120-121.
[3] 钱仁康.音乐的内容和形式.钱仁康音乐文选上册[C].上海:上海音乐出版社,1997:213.
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舞蹈艺术是以经过提炼加工的人体动作来作为主要表现手段,运用舞蹈语言、节奏、表情和构图等多种基本要素,塑造出具有直观性和动态性的舞蹈形象,表达人们的思想感情的一种艺术形式。舞蹈可分为生活舞蹈与艺术舞蹈。今天为大家精心准备的:试论舞蹈艺术发展的时空关照相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
试论舞蹈艺术发展的时空关照全文如下:
舞蹈是表演艺术,是人体内在的爱与外在的美神韵的再现,也是天人合一的协奏曲。贾拉路丁·鲁米诗云:“你跳舞时,整个宇宙也在跳舞。”《列子·汤问》:“瓠巴鼓琴而鸟舞鱼跃。”《易·系辞上》:“鼓之舞之以尽神。”追溯文明之源头,可以看出,舞蹈与诗歌、音乐结合在一起,是人类历史上最早产生的艺术形式之一。
不言而喻,作为一种艺术样式,舞蹈构成于“许多规定的综合,因而是多样性的统一。”总体来看,颇具东方特色的中华民族舞蹈艺术的生成与发展,恰恰又是舞蹈艺术本身的时间与空间特征的相互关照、协调统一的结果。有鉴于此,本文将在中华舞蹈艺术发展的空间范围内,依循艺术发展的时间线索来探究它的时空关照问题。
舞蹈艺术的发展是随着时间的流逝,依附社会的发展,在生活中通过劳动而达到目的的,所以舞蹈艺术本身不可避免地留有时代的烙印,具有鲜明的时间性。中华民族历史悠久,灿烂的舞蹈文化达到了极高的境界。这种境界是经历了漫长的时间沉积、发展而来的。
我国的舞蹈,夏商时代才进入表演艺术领域,出现专业舞人。青海大通上孙家寨出土的“舞蹈彩陶盆”,生动而传神地记载了这一史实。尽管当时他们的身份是奴隶,但是他们为我国舞蹈艺术的发展做出了贡献。据传,夏桀时期的舞蹈是“以炬为美,以众为观”。可见当时舞蹈的发展已具相当水平,否则是达不到这种审美要求的。至于商代,大家都知道这是一个神权盛极的时代,巫的地位是十分重要的。能够用占卜来传达神旨的,都是一些巫师,巫师都是舞蹈家。《说文》:“巫,祝也,女能事无形,以舞降神者也……舞形,与工同意。古者巫咸初作巫。”巫咸是传说中的商代大知识分子,天文学家,他的名字也见于《山海经·大荒西经》灵山条,举有十巫,能升降于天,这不是一般的人所能做到的,巫师有特殊的步伐,即通过巫舞而步入天堂,又归到地上,所以学巫先需学舞。在巫人的祭祀中有“巫舞”和“傩舞”,同属巫舞,但由于傩舞具有较强的时代性,反映了人们与自然的抗争精神,经过数千年的传承,流传至今,并影响到了日本和朝鲜半岛等地。到了宋代以后,作为“傩舞”这个较有影响的艺术形式,受到了时间的考验。它被融入了当时的戏曲之中,发展成为“傩戏”。正因为这一发展,使这个极具生命力的戏引起了世界、特别是亚洲的极大关注。周代是我国舞蹈史上第一个集大成的时代,汇集整理了从原始时代以来有代表性的乐舞。其中《大韶》、《大夏》、《大武》最具代表。当时还创出了雅乐体系,雅乐由于艺术感染力差,不具欣赏价值而逐渐衰落。在东周春秋战国时,人们已不再关注它了,在雅乐衰退的同时,民间舞蹈蓬勃兴起。
汉代是我国历史上统治时间较长的朝代,同时也是我国舞蹈艺术的第二个集大成时代,“百戏”是当时最盛行的表演艺术形式。其中最著名的舞蹈名目有《盘鼓舞》、《巾舞》、《bǐng@①舞》、《拂舞》、《铎舞》。考察历史我们会发现《巾舞》是今日《长婴》的源头。《bǐng@①舞》是一种鼓舞,如同今日的太平鼓。《拂舞》是执拂而舞,我们现在见到的戏曲中神仙、和尚、尼姑等角色常常拂尘舞蹈,也许与这种古老的传统有关。《铎舞》是执铃而舞,至今土家族还有《八宝铜玲鼓》,藏族“热巴”也有摇铃动作。汉族《巫舞》也有摇铃的痕迹。古今映证就会发现,我国许多种民间舞都有数百年甚至上千年的历史。在这千百年的历史之中相互影响,不断发展,积累了十分宝贵的文化遗产。
大唐帝国在我国历史上有着极其重要的影响,在舞蹈艺术上也取得了相当的成绩,可以说是我国舞蹈艺术的又一高峰阶段。它继承了周汉传统,发展了舞蹈艺术,其中最具影响的有《九部乐》、《十部乐》、《坐部伎》、《立部伎》、“健舞”、“软舞”等。此外还有《踏谣娘》等颇具戏剧因素的歌舞戏,在当时也很流行。沿着这种趋势,到了宋元以后,直到明清时代,戏曲兴起,而原来的作为独立的表演艺术品种的舞蹈逐渐趋于衰落,但是被吸收、融合在戏曲中的舞蹈,却得到了高度发展并取得了辉煌的成绩,形成了一套严格的训练体系和表演方式及程式。作为戏曲主要表演手段的唱、念、做、打四功,其中的做与打都是舞蹈或舞蹈性极强的动作。
文化靠不断积累、艺术要不断发展、创作要不断革新,整个文化的发展是随时代进程而发展的。纵观舞蹈艺术发展的历史,我们不难发现每个历史时期流行的舞蹈形式都不仅适应当时的时代潮流,还保留和发展了前代的舞蹈艺术,这就是舞蹈艺术发展的时间性,它不仅是某个时代的代名词,更是一个流动的时间概念的体现。在这个流动的历史过程中,舞蹈的发展达到了较高的境界。不仅如此,舞蹈艺术的欣赏与创作也离不开舞蹈艺术的时间性的研究。如果不能把握好舞蹈艺术的时间性特征,就无法准确地去欣赏、创作和发展舞蹈艺术。
二、舞蹈艺术的空间特征
社会学家告诉我们,在有文字记载的几千年的发展过程中,人类经历了不同的历史时代,有过不同的生产方式和生活内容,人类的舞蹈艺术正是从这种多样的生产方式和生活内容的基础上,由低级向高级逐步发展起来的。所以,要想使舞蹈艺术的欣赏、创作、发展达到较高的境界,仅仅注意舞蹈艺术的时间性还不够,还要注意到舞蹈艺术发展的空间性。
舞蹈不但是艺术形式,它还反映生活,有历史背景。特别是民间舞蹈,它与各族人民风俗习惯、生产劳动、宗教信仰等紧密结合,这便是舞蹈的空间特征。我国自古就是一个多民族的国家,每个民族都有自己独特的生产、生活方式,从而也就形成了独特的舞蹈艺术。如汉族的《秧歌》、《狮舞》、《龙舞》,藏族的《锅庄》,蒙族的《安代》、《查玛》,傣族的《孔雀舞》、苗族的《芦笙舞》,朝鲜族的《农乐舞》,壮族的《蟆拐舞》,满族的《太平鼓舞》,彝族的《跳左脚》等等。这些舞蹈形式千姿百态,异彩纷呈。千百年来深深根植于社会生活中的各族民间歌舞,一直伴随着人们的繁衍生息传承发展。从各民族所居住的地域范围讲,这些舞蹈具有鲜明的空间性。恰恰是这些地方舞蹈的个性差异和相互兼容,才使得我国舞蹈艺术的百花园姹紫嫣红、长盛不衰。透视舞蹈的演变过程可以发现,此类现象俯拾皆是,屡见不鲜。择其典型,当推我国南北朝时期的舞蹈类型最具代表性。其时,国家分裂为两部分,乐舞也形成了南北两种鲜明特色:南朝继续保留着汉代的舞蹈传统,北方因为多是胡族统治地区,所以胡乐大盛。
南朝宋武帝时代,一直续承着汉族的乐舞传统。南朝统治者崇尚歌舞,因此把南朝盛行的《清乐》也带到了江南。《清商乐》原是汉魏时在汉族地区的传统歌舞形式,东晋之后传到了南北朝。清商乐者“南朝之旧乐也,永嘉之乱王都沦丧,遗声旧制,散落江左”。可见是晋代东迁才把这种歌舞形式带到南方。南方的歌舞具有温柔典雅的情调,因此大量的南方原有的民间歌舞形式,都被吸收到《清商乐》这一表演形式中,经过加工成了精致、优美的舞蹈。
在北朝的统治中,北方的少数民族乐舞大量涌入中原,城市内外“胡乐胡舞”普遍盛行。特别是到了公元六世纪中叶的北周时,更是盛极一时。当然,传入少数民族的乐舞不是从南北朝开始的,而是早在汉武帝时,张骞出使西域已带回西域乐舞资料,但是在那时还是少量和间接的,到了南北朝期间,丝绸之路已经畅通,中外的物质和精神文化已经交流频繁,西域诸国来朝,于是龟兹、疏勒、安国、唐国之乐,大聚长安,著名的龟兹乐人苏祗婆,就是这一次随从突厥皇后阿史那氏来到中原的。自此形成了女爱胡装,伎务胡乐的风尚,促进了中原乐舞与外域乐舞的相互学习和交流。如《西凉乐舞》不是西凉的乐舞,而是龟兹乐与中国乐混合而成。
龟兹舞乐当是舞蹈地域空间交流的典型代表。龟兹舞乐是诞生于我国古代新疆地区的舞蹈和音乐,是以龟兹人为代表的我国新疆古代民族的伟大创作,也是西域史上著名的龟兹文化和西域舞乐的杰出代表。在人类的文明史上,由于丝绸之路的开辟所带来的东方艺术西渐,或西方艺术东渐,沟通了东西方文化艺术的交流。古代西域正是这一文化交流聚集融汇的地方。这便是舞蹈艺术发展的空间作。由于地理位置的优越,龟兹舞乐得天独厚,受东西方艺术之熏染,汲取东西方艺术之精华,经过数百年的广采博取,融汇提炼,在艺术上达到了相当高的水平,或为西域舞乐史上一个辉煌的无可再现的高峰。丰腴多姿,舞彩缤纷的龟兹舞乐,充分体现了以龟兹人为代表的我国新疆古代各族人民的聪明智慧和创造才能。在漫长的历史年代里,它遍及许多国家和地区,为东西方乐舞的交流和发展作出了积极贡献。
舞蹈艺术的完善与发展,包括创作都离不开艺术的时空关照。靠一种单一舞蹈艺术的发展,或仅靠几种不同形式舞蹈的交流都是无法达到舞蹈艺术发展的完美境界。只有既注意到舞蹈的时空性,又注意到舞蹈的空间性,舞蹈才能发展到一个鼎盛阶段。在我国历史上的隋唐时期,由于政治稳定,对外贸易发达,国家强盛,文艺有了很大发展,乐舞也呈现了一个鼎盛局面。
当时隋朝的乐舞,基本上是把南北朝留下来的乐舞和百戏集中起来加以发展,隋文帝开国初年制定出《七部乐》即《国伎》、《清商伎》、《高丽伎》、《天竺伎》、《龟兹伎》、《文康伎》、《高昌伎》,到了隋炀帝杨广时,又增加《康国伎》和《疏勒伎》成为《九部伎》。这些乐部,每部都包含舞蹈,来自不同地区与民族。
隋炀帝杨广,是个极会享乐的人,对于乐舞方面,感到周齐音乐都杂有胡歌胡音,便吸收民间乐歌加以改造。从大业二年开始集中乐工,收留在太常寺,还收了许多学徒,称为博士弟子,专门学习技艺,因此创作了许多新曲。隋炀帝大制艳篇,他对前代的乐舞有了改革。
此外,唐代很流行的《柘枝舞》的发展、完善过程,也充分说明了舞蹈艺术发展的时空关照特性。
《柘枝舞》传入中原以后,在广泛、长期的流传中已逐渐发展变化。从保持原有民族风格的单人《柘枝舞》,到由二人表演的《双柘枝》,此外还有儿童舞蹈《屈柘枝》(或作《屈枝》),可能由于表演风格不同,《屈柘枝》不属“健舞”类,而属于“软舞类”。据《乐府诗集》引《乐苑》曰:“羽调有柘枝曲,商调有屈柘枝。此舞因曲为名。用二女童,帽施金铃,biàn@②转有声,其来也于于二莲花中藏,花坼则后见,对舞相占,实舞中雅妙者也。”“健舞”《柘枝》与“软舞”《屈柘枝》,一为羽调,一为商调。实际是舞蹈伴奏乐曲采用不同调式,其主旋律还是同出一源的。从舞蹈的内部关联讲,《屈柘枝》是从《柘枝》发展变化而来,舞蹈表演形式比较大。“健舞”《柘枝》是比较地道的西域民间舞,“软舞”《屈柘枝》则与汉族传统舞蹈相融合,表演时用两个女童,先藏莲花中,花瓣慢慢张开,女童从花中钻出来进行舞蹈,它的特点不是矫捷明快,婀娜多姿,而是“雅妙”。从舞蹈到布景装置都按中原人民的审美要求做了较高的艺术加工。
今天西安博物馆的唐兴福寺残碑中的汉族儿童和西域人像,两人舞姿相同,这就说明唐代的汉族人和西域人都在跳一样的舞蹈。这两个不同民族的人站在一起本身就创造了一种更高层次的美,给人们创造了一种十分广阔的想象空间。敦煌莫高窟中的盛唐壁画中有两个站在莲花上跳舞的伎乐天,实际上这是一对被神化的舞人形象,正是它启发着我们去想象唐代《柘枝舞》的风貌。
唐代的《柘枝舞》的表演已达到了较高的艺术水准。经过各地不同风格的表演形式的交叉、交流、交融,《柘枝舞》成了当时既流行、又有相当品味的舞,没有较深的功底是表演不了的。不仅如此,《柘枝舞》还成了当时即流行又有相当品味的舞,没有较深的舞蹈功底是表演不了的。不仅如此,《柘枝舞》还成了当时极具生命力的舞蹈。经盛唐,直至晚唐,《柘枝舞》仍盛行不衰,生命力极强且流行甚广。当时京都长安以及同州、常州、杭州、潭州、四川等地均有人表演《柘枝舞》。这种舞蹈历经唐代、宋代,直到明清之际,还有伎人朗圆舞时穿《柘枝》服装的记载,可见影响之深远。
《柘枝舞》在中原的流传发展中形成的丰富多样的表演形式和极强的生命力以及创造的广阔的审美空间,都证实了艺术发展的一条规律:一个民族、一个地区的舞蹈,传入另一个民族和地区时,必然会相互影响,无论是艺术风格和表演形式,都会按照流传地区人民的传统艺术形式及欣赏习惯发展变化,并加以创新,经长时间的融合、完善,进而达到完美阶段。
考察我国舞蹈艺术发展的历史,我们会发现有两条主线贯穿其中:其一就是发展(即舞蹈艺术的时间性);其二就是交融(即舞蹈艺术的空间性)。作为颇具东方特色的中华舞蹈艺术,在很大程度是得益于烂灿的中华文明的艺术底蕴,没有这个底蕴就谈不上舞蹈的发展,所以挖掘、继承、发展古代传统的舞蹈艺术是极其重要的。从另一个角度讲,我国是一个多民族的国家,每个民族由于生产、生活方式以及宗教的差异使舞蹈艺术具有了鲜明的地域特性,随着国家的统一,各民族之间文化交流的频繁,舞蹈艺术的发展也迎来了历史的机遇。它必然会在不断交流中不改进、提高、创新,通过舞蹈艺术的时间性与空间性的相互关照,协调统一,使舞蹈艺术达到更完美的境界。
[1][美]葛罗莉亚·斯坦能.内在革命[M].呼和浩特:内蒙古人民出版社,1998.
[2]陆思贤.对甲骨文中舞蹈的若干认识[J].舞蹈论丛.1983,(1).
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@②扌加卞
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在我国现阶段,现代环境艺术设计需要更多地体现出良好的创意。运用西方现代派的设计理念和手法,是一条有效的环境艺术设计创意途径。然而,西方环境艺术设计毕竟是按照西方文化思维尤其是工业革命以来的技术理性思维来展开的,与我们民族的审美习惯和思维方式存在着一定差异。因而,按照西方现代派理念所设计的环境艺术作品,在现阶段的中国难免就会产生“水土不服”的“不良反应”。以下是读文网小编为大家精心准备的:现代环境艺术设计中传统与现代的结合探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:传统艺术是我国传统文化的精髓,其在设计中的应用并不少见,当代环境艺术设计中将传统文化和传统素材与现代设计相结合,取得了较好的效果,并得到越来越多的人的重视和喜爱。如何做好环境艺术设计中传统与现代的结合,如何促进设计中传统文化的可持续发展,是环境艺术设计中需要考虑的重要内容。本文也正是基于此,对环境艺术设计中的传统文化进行阐述,并揭示其形式和未来发展趋势,期望可以为环境艺术设计的发展提供一点借鉴
前言:文化传统是我国历史文化的精髓,在我国的历史长河中发挥着举足轻重的作用,并世世代代滋养着华夏的人民,让人们在文化的长河中得到洗礼。随着社会的发展,人们对于生活的需要,已经不仅仅满足于温饱的解决,而更多的开始追求精神层面的需要和享受。环境艺术设计便应运而生。环境艺术设计的存在和发展为人们提供了更为舒适的生活环境,并在生活的环境中满足精神世界的需求。如何将现代化的环境艺术设计与传统文化融合在一起,如何将现代环境艺术设计中的传统元素与现代进行完美的结合,是其需要认真对待和严肃思考的重要内容。
1.环境艺术设计中的民族性
上个世纪开始,人们对于“泊来”文化的追求达到空前高涨,东南亚风的流行,欧美复古风的盛行都让我国的传统文化渐渐躲至角落,险些被人遗忘。但是随着人们理性的回归,经过徘徊和盲目跟从阶段之后,环境艺术设计的视角也逐渐回归到我国的传统文化元素中。环境艺术设计中的传统文化最重要的便是反映我国的民族特点。环境艺术设计必须立足于本民族的传统文化之上,兼收并蓄地吸收外来文化,弥补本民族文化的不足之处,发展本民族的特点和特色,基于我国人们的基本需要和基本生活方式进行设计,才能使环境艺术设计活灵活现,具有民族根基。否则,环境艺术设计便成为无水之木、无根之源。
2.环境艺术设计中的文化性
环境艺术设计还要注重传统艺术的文化性。环境艺术设计的现代化加入传统元素,并非是对传统元素的简单罗列,而是要根据传统元素所表现的文化内涵进行整合,而后统筹规划。世界格局已经向东方倾斜,越来越多的外国人开始关注东方世界,关注东方世界的文化。环境艺术设计中要体现我国民族的文化特色,反映我国的历史、文化,不同的元素反映相同的民族文化。在环境艺术设计中更多的应当是反映我国先进、文明、科学的文化,将我国的传统文化发扬光大。
3.环境艺术设计中的地域性
环境艺术设计的地域性最重要的便是理性回归之后的本土化。在进行环境艺术设计中要更加注重从传统内部衍生而出的东西,注重自己的独特性,注重融入发展地区或者我国特色地区的文化内容,追求文化的地域性、地方特色、民族文化。将地域的文化要素纳入环境艺术设计中,在环境艺术设计中反映文化的地域性。这是一种文化的反弹,也是一种文化的反思,更是一种文化的运用。在环境艺术设计中提出文化的地域性具有重要意义。
传统文化要素纳入现代环境艺术设计中,要注重传统文化要素的表现形式,运用显微之处彰显深刻文化内涵,力争做到“一滴水见太阳”的特殊效果。并通过对传统文化要素在现代环境艺术设计中的未来发展趋势预测不断推进传统文化在现代环境设计中的运用。
1.传统文化要素在现代环境艺术设计中的形式
传统文化要素在现代环境艺术设计中的形式多种多样,设计者要运用自己独特的构思和想法将其灵活运用,使其展现不一样的特点和特色。传统文化要素在现代环境艺术设计中的形式主要表现在以下几个方面。
第一,注重绿色植物的运用。我国的传统文化中对于植物一直有一种内心的偏爱。无论对于梅花的歌咏还是对于君子兰的赞颂,无不彰显了我国民族文化中对于绿色植物所反映出来的精神内涵的深刻寓意。因此,在进行环境艺术设计时候,如何让绿色植物展现传统文化则应当被设计者纳入考虑范围。比如在进行环境绿化设计时候,可以运用竹进行装点,结合环境需要,表达竹的清高和气节,彰显传统文化中竹的深刻内涵。
第二,注重装饰物的作用。现在环境设计中对于装饰的运用已经越来越灵活,因此将具有传统元素的装饰物应用于环境设计中可以让环境设计更加灵活,在单调的环境中起到画龙点睛的作用。比如统一空旷的环境中放置我国传统的百宝格,在百宝格中放置形态各异的中国瓷器进行点缀和装饰,既可以体现环境的高雅之风,又可以体现环境主任的品位之高,更可以使整体环境体现出浓烈的人文气息,可谓一举多得。
第三,注重空间的自然设计。我国传统文化崇尚自然,自古就有“采菊东篱下,悠然见南山”的自然情怀。因此,在环境设计中加入自然元素,也正与传统文化理念想契合。在环境的设计中可以运用玻璃的通透感打造视觉上的自然效果,也可以在休息区添加自然景观,在自然景观中设置天然休息区,让人们感觉到如同在大自然中畅游,也是传统文化的一种表现形式。
2.传统文化要素在现代环境艺术设计中的未来发展趋势
环境艺术设计是一门艺术语言,它用含蓄的语言进行着环境与人之间的交流,让人们充分感受到环境所带给人的舒适感和愉悦感。也这正是传统文化所寄予的意义和将其运用到环境艺术设计中的基础。正所谓“诗有可解、不可解,不必解者也”。因此,传统文化要素在现代环境艺术设计中的未来发展趋势应当是话语无形,但却时时处处都在,如同空气一般,不觉其存在,但却让人愈加无法离开。这是传统文化要素在现代环境艺术设计中的未来发展趋势,更是传统文化要素在现代环境艺术设计中得最高境界。
我国传统文化最具代表性的则当属儒、释、道思想的传承文化,三家思想均主张人与自然的和谐相处,主张“色即是空,空即是色”道法中人与自然的融合。传统文化讲究情与景的契合,探究天与人的合一。因此,传统文化要素若与现代环境艺术设计达到可持续发展,达到完美的协调发展,则需要在环境设计中减少技术的应用,减少工业化技术的应用,更多的运用自然手段进行环境艺术设计。只有不断建立环境的可持续发展策略,深化环境艺术设计的可持续发展思想,才能让传统文化要素得到潜移默化的应用,才能让传统文化要素更好地为现代化环境艺术设计服务,并让人们得到更好的精神享受,进行精神世界的净化。同时,设计者也要提高自身的传统文化修养,将自身的专业知识与传统文化交融一起,将具象的知识与无形的文化交融在一起,在进行环境设计时候,随手拈来的尽是中国传统文化的精粹,环境设计中出处点染的尽是中国传统文化思想。要做到传统文化要素与现代环境艺术设计中物质与精神双重的可持续。
社会经济的飞速发展,已经让人们更加注重精神生活的建设,环境艺术设计加入传统元素可以很好地满足人们的需要。但是将传统元素与现代环境艺术设计相结合并非一蹴而就的,想要将两者完美融合,需要设计人员不断的进行实践和摸索,在实践中不断进行创新尝试,从而抓住环境艺术设计所需要传统要素的关键环节,通过不断的改进满足人们日益增长的文化需求
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随着社会经济的不断发展,我国声乐艺术也随之实现了较大程度的发展,特别是在经济全球化的背景之下,受到外来文化的冲击,我国声乐艺术的发展也面临着一定的挑战。民族声乐作品作为声乐艺术中极其重要的组成部分,在演唱手法、曲词创作等方面具有明显的民族声乐艺术特征,是我国民族文化的重要表现形式之一。 以下是读文网小编为大家精心准备的:声乐作品的艺术特征与演唱研究述评相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:在中国知网、万方数据知识服务平台、超星读秀知识库及维普数据库这四大中文资源库中搜索到,1991年到2014年发表的关于孟勇的学术论文19篇,其中学位论文两篇。研究热点集中于以下三个方面:一是对孟勇作品的艺术特征宏观上的研究,二是对孟勇某一作品的艺术特点和演唱技巧的探析,三是孟勇艺术经历、创作历程的相关介绍。
作曲家孟勇被誉为“青歌赛高产专业户”。其作品在社会上引起了广泛的关注,产生了深远的影响。与他合作的歌唱家、歌手更是数不胜数,既有李谷一这样老一辈的歌唱家,也有宋祖英这样一辈的优秀的歌坛中坚力量,还有唱着他创作的歌曲从青歌赛脱颖而出的雷佳、严当当、陈莉莉、王庆爽等青年一代。然而,学术界还未对孟勇声乐作品的艺术特征和演唱进行广泛地讨论与研究。
本文以“孟勇”和“其他作曲家”声乐作品艺术特征及演唱为分类依据,对检索到的相关文章进行梳理、分类,仅选取其中较有代表性的文献进行详细述评。
中国著名作曲家孟勇创作了恒河沙数的声乐作品,他创作的民族声乐作品也获得难以计数的奖项。然而与之难以计数的奖项不相称的是,系统地研究其声乐作品基本特征及整体艺术风格的文献却寥若晨星,但是这为数不多的相关文献也可按各自的研究视角及维度进行分类论述。
(一)宏观把握,全面分析
湖南师范大学饶荣在其2011年学位论文《孟勇声乐作品的艺术特征与演唱探析》中,以孟勇的学习、艺术经历及艺术创作成果为切入点,从“曲名新颖”、“取材丰富”、“运用本土音乐元素”、“词、曲结合完美统一”、“作曲技法新颖独特”等 7个方面对孟勇声乐作品的艺术特征进行论述。又以孟勇的8首作品为例,从情感解读、润腔技巧的运用和演唱处理三个方面进行研讨,进而对孟勇声乐作品的演唱进行分析。最后深入对孟勇声乐作品在教学中的运用进行研究。
这篇文章中的“孟勇声乐作品的艺术特征”这一部分涉及到“曲名新颖”、“取材丰富”等7个方面,但仅仅重点深入的分析了“词、曲结合完美统一”这一方面,其他方面都未能深入剖析。在“取材丰富,韵味独特”这一部分中,根据孟勇在作品创作上运用音乐素材的不同将孟勇声乐作品分为以少数民族音乐素材为题材、民间故事为题材、现代生活内容为题材、地方戏曲音乐为题材的四类,是一种可取的分类方法。对声乐作品分类的方法有很多,先将作品分类,通过对每一类作品的研究,来探析其艺术特征是一种好的研究思路。笔者将继承并发扬这一思路,对孟勇的声乐作品进行更科学的分类,以类别为基点深入地论证孟勇声乐作品的艺术特征。文章对于孟勇声乐作品的演唱的分析,情感解读、演唱处理都很到位,不难看出作者对8首代表作品的创作背景、表现内容以及作曲家对作品的演唱要求了如指掌。笔者曾对孟勇进行访问,掌握了孟勇具体的学习、艺术经历,每首作品的创作背景、表现内容,以及演唱其作品的一些要点等重要的第一手资料,参考价值较高。
对孟勇声乐作品的艺术特征在宏观上把握分析的学术论文还有张佳发表在《音乐大观》2013年第9期的《浅谈孟勇声乐创作的民族特色》和李咏云发表在《歌海》2014年第4期的《孟勇及其声乐作品特色探析》。张佳的《浅谈孟勇声乐创作的民族特色》一文对孟勇作品《阿妹出嫁》和《山寨素描》进行音乐本体分析,然后从“在歌曲选材方面”、“曲式结构独特新颖”、“多元化的结构特征”这样三个方面研究孟勇声乐作品中的民族特色。
笔者认为,孟勇很多声乐作品都是以湖南的山水人情为题材,有着浓郁的民族色彩。在曲式特征上,孟勇很多作品都是典型的民族调式。而且其创作常常采用湖南民歌的主题旋律作为作品的主题动机旋律,在此基础上延伸扩展主题乐思,因此旋律上有着鲜明的民族特色。但是张佳重点论述了孟勇作品曲式结构灵活新颖,调式调性转换频繁,而没有抓住作品曲式特征上的民族特色来进行研究。曲式结构包括了歌曲的曲式特征和结构特征,“多元化的结构特征”不能与“曲式结构独特新颖”并列,而且“多元化的结构特征”这部分也并没有研究孟勇作品结构上体现的民族特色,而是概括孟勇的创作特征。文章没有充分的论证孟勇声乐作品的民族特色,结构混乱,逻辑不清。
可见,关于孟勇声乐作品整体风格及其作品的演唱艺术的系统的研究是相当匮乏的。
(二)微观切入,精深剖析
对孟勇声乐作品整体风格的把握固然重要,但是对某一具体作品的深入探究更是不容忽视。学术界也有关于孟勇《阿妹出嫁》、《斑竹泪》等具体作品的艺术特征与演唱的研究。本节选取两篇研究歌曲《斑竹泪》的艺术特征和演唱的文章进行对比评述。
王芳发表在《安徽文学》2012年第10期的《泪洒斑竹潇湘情――对歌曲<斑竹泪>演唱教学的思考》一文,以歌曲《斑竹泪》的演唱教学为出发点,引出作者对此作品的思考。文章首先从歌曲的时代背景和结构调式特点两个方面进行分析,在此分析之上,强调了歌曲中的气息运用,引用沈湘教授所言的“呼吸是歌唱的基础,气息是歌唱的动力”,着重体现了呼吸在歌唱中的重要性。同时,以歌曲的情感变化为线,串连了不同情感之下呼吸技巧的变化规律,也顺势引出了歌曲之中语言和润腔技法的运用。最后指出演唱者要想唱好一首声乐作品并达到歌曲演唱的一定境界,歌唱处理起着重要的作用。只有进行反复的推敲和研究,将自己的实践体会融入到歌曲演唱中,才能更好地诠释作品。
谢菁、胡建军发表在《黄河之声》2009年第3期的《泪洒斑竹瑟鼓湘灵――谈〈斑竹泪〉的艺术特色及演唱技巧》一文,以《斑竹泪》歌曲的创作背景故事为引子,对歌曲进行了细致独到的剖析,首先指出了此曲曲式的结构图,并分析说明此曲主调为商调式的写法,运用了三个调式的转化,从而进一步表现人物的情感变化。作者再根据自身演唱的切身体会和感悟,特别是对歌曲中润腔的处理作了细致入微的探讨。
以上两篇文章都以歌曲《斑竹泪》为研究对象,都从艺术特征和演唱技巧进行分析,但是透过文章的字里行间体现出的是王芳与谢菁、胡建军在文字功底、学术思维及表达逻辑上的本质区别。在文字功底方面王芳的论述更具口语化的特点,而谢菁、胡建军的表述则更具学理性语言的特点:精确、深入、简洁。在学术思维及表达逻辑上谢菁、胡建军的文章具有更强的严谨性和学理性,整篇文章在写作逻辑思维上更具有质感。两篇文章都对《斑竹泪》的曲式结构进行了分析,谢菁、胡建军的文章中调式转化结合曲式结构图直观的体现出《斑竹泪》中调式特征与曲式结构的综合发展。而王芳的文章则以语言叙述为主,在歌曲结构和调式特点的论述上较为抽象,意义表达较模糊。通过比较可以看出谢菁、胡建军的文章更胜一筹。
综上所述,学术界对孟勇的研究已经有一定程度地展开,但研究之深度和力度仍显浅薄、苍白,也缺乏专门、系统地对孟勇的作品进行研究的文章。因此,对孟勇的作品进行研究,还有较大的空间和研究价值。
在中国音乐界,有影响力的作曲家非常多,如王志信、徐沛东、印青等,他们创作了很多优秀的声乐作品,一直受到社会的广泛关注。这些作曲家声乐作品的艺术特征与演唱研究也是学术界的研究热点。
浙江师范大学黎莉在其2011年学位论文《印青歌曲的创作特征及演唱分析》中,先按时间顺序介绍印青的艺术生涯,通过列举印青在同时期创作的各类题材的作品来回顾其歌曲创作历程。接着对印青歌曲作品进行分类以及本体分析,概括出印青歌曲基本创作特征。文章将印青创作的歌曲作品分为三大类:主旋律歌曲、军旅歌曲、其它社会题材的歌曲。选出印青具有代表性的四首作品从调式调性、和声、歌词、曲式、创作背景等方面进行音乐本体的分析。文章认为印青的歌曲有“歌词与音乐的完美结合”、“紧跟时代步伐,弘扬时代精神”、“通俗化与艺术性的融合”、“艺术风格‘精、美、真’”这四个创作特征。再从“演唱中声乐技巧的运用”、“与伴奏的配合”、“情感处理”三方面入手,对印青歌曲作品的演唱进行分析研究。最后对印青在创作之外的其它社会影响及贡献作了简要介绍。
文章中对印青作品的音乐本体分析这一部分是最为出彩的。一方面,分析的四首作品选取得很好,四首作品都是印青流传度很广、评价很高、很有影响力的代表作,并且它们是不同的四种风格。《走进新时代》是典型的主旋律歌曲,它反映新时期党的方针政策,代表广大人民群众的精神面貌,政治气息厚重,时代感强,是祖国繁荣富强的时代赞礼。
《天路》是一首有着浓厚西藏地域风格的创作歌曲,有着西藏山歌的特点,可以称得上是西藏的新民歌。《西部放歌》是西部开发的标志性文艺作品,有一股浓浓的西北信天游的味道,民族色彩厚重。而《芦花》则是一首抒情的艺术歌曲。所以文章选取的这四首作品是十分具有代表性的。另一方面,文章对作品的分析全面到位,从创作背景、创作过程到曲式结构、调式调性、旋律、节奏再到歌词,条理清晰、分析深入透彻。除此之外,文章对印青歌曲创作特征的总结也比较全面且对每个特征进行了深入剖析。印青歌曲的演唱分析方面,文章从演唱中的呼吸共鸣、咬字吐字、音色音量、速度节奏以及与伴奏的配合,情感的处理这些方面深入细致的分析了《走进新时代》、《天路》、《西部放歌》、《芦花》四首作品的演唱,理解深入、思路清晰。所以文章有很多的可借鉴之处,值得学习。
山东师范大学路敏在其2014年学位论文《王志信民族声乐作品风格及演唱研究》中,先简单介绍了王志信的艺术人生,并对其主要音乐创作进行分类,文章认为王志信的声音作品根据创作题材可分为历史故事、民间传说为题材、现实题材、古诗词题材和借物抒情题材四类。然后归纳出王志信声乐作品具有民族性、多样性、时代性的风格特征,并对这些风格特征分别进行了剖析。再对王志信声乐作品的演唱进行了深入研究。文章分别选取王志信具有民族性、多样性、时代性风格的代表作品分别从歌曲背景、歌词内涵、曲式结构及演唱处理这三方面对作品进行分析。最后总结了王志信对中国民族声乐艺术的贡献。
整篇文章内容充实、结构层次很清晰,各级标题高度概括了各部分内容而且用词准确,语言耐人寻味。文中“王志信声乐作品的演唱研究”这部分以不同作品为例,每个作品都分别从歌曲背景、歌词内涵、曲式结构及演唱处理几个方面进行分析,使得文章结构很规整,很可取。在分析作品的同时紧扣前文论证的民族性、时代性、多样性的风格特征的意图也是很好的。但是某一首作品所体现的风格特征一定不是单一的,要演唱好一个作品应该要全面把握好它的风格特征,文章从民族风格的作品如何演唱、时代风格的作品如何演唱、多样性风格的作品如何演唱三个方面来论证王志信声乐作品的演唱的这一思路笔者不敢苟同。而且文中所选取的《兰花花》、《昭君出塞》、《孟姜女》是三首风格类似的作品,而文章却将他们分别归为三种不同风格的代表作,笔者认为有些欠妥。
湖南师范大学李霞辉在其2014年的学位论文《徐沛东声乐作品的民族特色与演唱风格研究》一文中,先介绍了徐沛东的创作理念的形成与发展,接着从戏曲元素、民间歌曲、方言三个方面来分析徐沛东作品的民族性,然后分析了徐沛东声乐作品的民族性与时代性、世界性的结合,最后从演唱风格的形成与发展、表演实践与自我理解相结合、演唱风格与作品风格相结合等方面阐述了演唱风格与作品风格的有机结合。
作者对徐沛东的作品如数家珍,举例阐述的时候大多是选一个作品配谱例详细论证,然后列举其他作品来辅证,笔者认为这种分析方法很有说服力,非常值得我们学习和借鉴。平时笔者看到的很多文献只是对理论泛泛而谈,却缺乏较好的基础性案例分析,使得文献内容较为空洞,理论支撑乏力。这篇文章则较好地摒除了这一毛病,进行了大量而全面的案例分析,行文流畅自然,结构浑然天成。
整体而言,学术界以某一作曲家及其作品为案例的研究已然成为当下研究的一个热点,也取得了较为丰硕的成果。但是,针对作曲家孟勇及其创作作品的研究较少且多有浅尝辄止之嫌,研究视角单一,特别是对其创作作品的研究在固定单一的模式上泛泛而谈,这一点在相关的多数文章的谋篇布局上即可体现出来,对音乐文本的研究流于表层等等,由此,便体现出学术界对孟勇及其声乐作品的相关研究缺乏系统性和权威的指导,仍处于摸索的阶段。而孟勇卓越的艺术成就和极高的影响力与当下对其相关学术研究成果之间体现出较大的现实差距,这就让笔者的研究课题具备了较大的研究空间和价值。
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我们现在理解的“现代性”是指启蒙时代以来的“新的”世界体系生成的时代。一种持续进步的、合目的性的、不可逆转的发展的时间观念。现代性推进了民族国家的历史实践,并且形成了民族国家的政治观念与法的观念,建立了高效率的社会组织机制,创建了一整套以自由民主平等政治为核心的价值理念。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:舞蹈与话剧表演艺术中的现代性研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
首先,话剧作为舶来品,进入20世纪,中国戏剧发生了巨大变化,现代性成为其发展的巨大动力,它由一个基本封闭的系统变而成为一个相对开放的系统,促使它不断发展变化的核心动力,也从其内部转移到它与外部世界的交往与冲突。20世纪这一百年可能是话剧发展变化最剧烈的100年,最重要的变化就是现代话剧的出现和现代话剧的进一步完成,中国话剧基本完成了从古典形态向现代形态的转型。其中以新中国成立后中国话剧的发展最为突出。
1907~1910年,是中国话剧出现和话剧草创期,这是中国戏剧弃旧图新,新旧交集的转折期。1912~1935年,是中国从草创期到快速发展的时期。中国各地话剧爱好者开始组织话剧演出活动并成立话剧社。新中国成立后,涌现出大批的革命文艺工作者,在辽宁地区组建了文工团,编排了大量的话剧。例如,《夜未央》《血债》《秋海棠》《气壮山河》《雷雨》等。这一时期也出现了现代比较著名的话剧家有郭沫若、曹禺、洪深、田汉、老舍等。为新时代的话剧打下了坚实的基础。
其次,如果说大家公认的裕容龄从日本所带回来的舞蹈是中国舞蹈遭遇西方舞蹈的开始的话,那只是中国舞蹈现代性即将拉开序幕的一个预兆。裕容龄在日本接受了西方现代舞蹈的洗礼。并把这种西化的舞蹈形式带到了中国。此刻,可以说是中国舞蹈有了对现代舞蹈的第一次诉求。
在当代中国舞蹈的发展中,西方的影响是很大的,这就使得我国舞蹈的现代性进程有了更多层面的表现。例如,现代舞蹈对古典芭蕾的影响以及芭蕾自身的“现代化”发展。还有现代舞蹈的快速变革与突破,如美国的一些流行文化也对现代舞蹈产生和很大的影响,后又影响了中国的一些现代舞蹈。而对于芭蕾来说,也是新中国成立后从苏联学习来的一种新的艺术形式。对于当时的中国舞蹈来说是一种创新,并赋予了当时中国社会发展的现实内容。例如,《白毛女》《红色娘子军》等作品,都是当时非常突出的代表。
随着全球化进程的加速发展,中国也被世界所关注,中国对外来文化的需求和对传统文化的探索中有了新的突破。作为话剧的表演艺术也在寻求着突破,长达上万字的对白和表演者较少的肢体语言的表现,都让观者变得索然无味。而对于舞蹈来说,意义在于它的每一个动作本身,肢体语言丰富,技巧高超是舞蹈表现的关键。观者只观赏到了舞蹈的技术性和舞台以及服装的效果。这些艺术表现形式都比较单一,缺乏突破。
现代话剧与舞蹈两大门类的融合就突破了这种单一的艺术表现形式。舞蹈的表现形式是动作,不是叙事性的。而话剧的编排是叙事性的,但缺乏相对的表现性。通过这两个艺术门类的融合,让我们看到了一种创新,现代话剧的对白逐渐减少,而是运用现代舞蹈通过丰富的肢体语言去展开剧情以及对人物性格的表现。这种新型的表现形式得到了观者的认可同时也奠定了新时代舞台表演艺术的发展趋势。
例如,话剧与舞蹈完美融合的《somebody?某君》,这场话剧只有4位演员,台词很少,最大优势在于舞蹈与话剧同台展示,和谐交融。剧中,舞蹈不再是一种舞台装饰,而是具有了重要叙事功能,这也是四川人艺话剧史上一次大胆尝试。舞台与观众有一段距离,观众可能很难看清演员表情,舞蹈的肢体语言能很好地弥补这一缺憾。舞蹈之美在剧中得到充分展示,既有现代舞又有民族舞,甚至还有嘻哈舞,与剧情发展非常贴切。《somebody 某君》有一定喜剧色彩,剧中穿插一些滑稽情节,演员跳的滑稽舞蹈能将气氛迅速烘托出来,令人忍俊不禁。除舞蹈精彩外,该剧音乐也很有特色。
改革开放至今,中国的舞蹈和话剧留下最为明显的印记之一,就是形态变化。这是新时期赋予艺术形式探索的自然结果。传统话剧的基础是从文明戏发端并历经半个多世纪的沉积,而形成人们习惯的与舞蹈融合形成的大舞台欣赏艺术。在这个形式中,不仅仅是演出形式的规定性,还包含了剧作的规定性、矛盾冲突的规定性、情感观念的规定性和主题形式的规定性。例如,以舞台自足背景为活动空间展开艺术的生活过程,使观众对话剧的感悟是经由旁观而被动承受的,于是,话剧艺术的功力就在于,如何把未知的各色人等拉入自己的舞台小世界而想象认可同一时空中的身外大世界。尽力逼真地还原舞台外的大世界,就是舞台上从布景道具到人物身形服饰以及对演员舞蹈功底训练综合化的要求。
新时期话剧的改观,自然和形态的变革、丰富化相一致。通过两个艺术门类的相互作用和相互融合,有力地将刺激到舞台表演艺术的发展,刺激表演艺术作品的创作。而这种新型的表演艺术逐渐被广大观者所接受,我们不难发现如今的话剧加舞蹈的这种舞台表演艺术形式以其独特的方式呈现出它所保有的内涵,或以欢笑或以恐惧来表现剧作者的思考与见解,这是对于现代社会的我们所不可或缺的。
至此,中国话剧与舞蹈已经突破自身束缚,现代化发展也愈加明显,这无疑是时代必然和艺术发展的需要。中国话剧正在沿着具有中国当代特色的道路,健康地向前发展。
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艺术教育是培养学生德、智、体、美全面发展的重要途径,是美育的核心,在素质教育中起着重要作用,心理学家认为, 艺术是心灵的体操 ,许多不健康的心理在艺术的感染和熏陶下得到矫正。听障生由于听不到,对客观事物的认识存在一定的偏差,容易造成自卑、敏感、抑郁等心理问题。以下是读文网小编为大家精心准备的:舞蹈艺术对学生心理健康的影响相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
舞蹈艺术对学生心理健康的影响全文如下:
摘 要:大学生在面临紧张的学习和就业压力时,容易出现焦虑、抑郁等心理问题。这需要学校采取有效的干扰策略和对策,而开展舞蹈艺术活动则是有效的措施之一,既能促进大学生健康的心理,也能促进他们积极健康的成长。同时也可以促进舞蹈艺术在高校的开展和推广。
关键词:舞蹈艺术;大学生;心理健康;影响
随着高校扩招和就业压力不断加大,大学生心理健康问题遇到一些不同程度的问题,如浮躁、压抑、困惑、低迷、堕落、自私、消极等精神或心理疾病。这些精神或心理疾病直接关系到大学生的健康成长,关系到他们能否成为合格的社会需要的人才。这需要高校教育引起高度的重视,采取必要的有效措施加一个干预和纠正。而舞蹈艺术是一门具有较高健身娱乐价值的艺术形式,既能探讨身心平衡,又能以舞养身。舞蹈本身有情感表达宣泄、强身健体及医疗的功能和作用。对此,本文通过从事舞蹈教育工作,试图从这个角度对舞蹈艺术活动对学生心理的影响进行深入的分析,从而有意识的帮助学生去进行心理调节,并推动舞蹈艺术在高校的发展。
心理健康是指个体的基本心理活动的过程和内容的完整与协调一致,即心理的各个方面及活动过程处于一种良好或正常的状态。与心理健康相对应的是心理亚健康以及心理病态。从不同的角度,心理健康衡量标准也有所不同。概括起来主要有以下几种:对自我的成就有价值感;可以适度地自我批评;生活中有适度的主动性;能忍受生活中的挫折和失败;了解自己的目的和动机;个人的价值观符合社会的标准;生活目标要符合实际;拥有爱人的能力和被爱的能力,具有良好的人际关系,拥有独立的判断是非的标准。而舞蹈心理治疗又称为舞蹈动作治疗,是一种运用舞蹈以促进人认知、身体、情绪和社会融合的心理疗法。舞蹈心理治疗是艺术学、心理学等学科的交叉产物,能够弥补了传统心理疗法存在的不足。作为创造性的艺术治疗方法,是在人们有意或无意之中起着精神保健的作用。舞蹈艺术中的音乐,刺激着人的人体感觉器,它会带给你们精神上的美感,使人的身心处在高涨的审美快感之中。在这种状态下,人的情感得到了充分宣泄,进而使精神陶醉在美的海洋之中。同时,舞蹈医疗通过在动作共情的沟通方式下,使人体感觉到了一种情绪共鸣,以达到治疗心理病和调整情绪的目的,从而培养出个人积极向上的乐观态度。
目前,在大学生中后两种疾病的学生人数并不多,大多是一般性心理困扰,但这些心理困扰若不及时得到干预和纠正,将会影响到大学生的品德发展和个性完善。从目前大学反映出来的一些心理问题主要包括以下问题:第一,抑郁。抑郁是一种感到无力应付外界压力所产生的消极情绪,通常表现为思维迟缓、兴趣丧失、情绪低落,对生活失去信心,同时伴有失眠、食欲不振等特征。这一心理问题长时间会使人的身心健康受到损害,使学生无法正常地完成学习。第二,部分大学生过度焦虑。大学生由于学习任务繁重,工作压力大,极易产生过度焦虑的情绪。第三,自卑情绪。自卑感一旦形成,将会让个体有所作为。具有自卑感的大学生由于担心自己的缺陷被别人知道,因而表现出较强的虚荣心,常把自己禁锢起来,从而产生孤独的性格。除此之外,大学生还容易产生过度恐惧、冷漠情绪、孤独感等心理问题。针对以上这些常见的心理问题和现象,就其原因而言是多方面的,主要概括起来有以下几点:第一,生活适应问题;第二,认知失调问题;第三,情绪与情感问题;第四,人际交流问题;第五,恋爱问题;第六,家庭经济状况以及学生毕业后择业和就业等遇到的系列因素。这些因素的存在是引起大学生各种心理问题的原因所在。
第一,古典舞对大学生心理健康的影响。古典舞是具有一定古典风格特点的舞蹈,具有一定历史性。古典舞包含了许多传统艺术之美,可以被看作是具有一定文学色彩的舞蹈。大学生学习古典舞既可以感受到传统文化精神,也可以提高自身的文化素养。例如《踏歌》是一个动作轻柔唯美,极富情感的古典舞作品,通过学习可以触动大学生的情感,学生在排练中,可以感受到它所带来的唯美,可以提高大学生分辨真假、善恶的能力。因此,古典舞蹈作品,在对大学生的影响方面具有有一定的疏导和调节作用。
第二,民间舞对大学生心理健康的影响。中国民间舞具有地域和民族性,可分为汉族民间舞和少数民族民间舞两类。每个民族地域形成了不同的风格,造就了民族各自的舞蹈形态。如藏族舞蹈的豪放,傣族舞蹈的典雅,苗族舞蹈的热情等。民间舞可以给学习者带来不同的情绪变化,起到调节心理的作用。许多民间舞蹈作品通过视觉、触觉和动觉,能够让学生得到一种异性的情感交流,会产生一种协调、融洽的情感美。大学生在排练中能享受到一种和谐优美的愉悦,能增进同学间问的友谊,加强了相互协调配合和整体感。通过这种学习,大学生可以自由的宣泄情绪,促进相互之间的人际交往,提高社会适应能力。
第三,现代舞对大学生心理健康的影响。现代舞是一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别,它主张以合乎自然运动法则的舞蹈动作,其动作主要反映现代社会生活特点。现代舞通过舞蹈动作来表达自己的思想,具有独特性和开放性,每个人都可以通过身体动作自由的表达内心情感。大学生可以通过学习现代舞得到情感的宣泄,使心理问题得到调节。同时,大学生可以通过作品中地面的翻滚、躺卧、爬行等动作的练习,体会真实的存在。因此,舞蹈教师在教学中通过舞蹈作品的教授,让学生大胆感受作品中所表达的自由个性,发泄自己的焦虑、紧张、抑郁等不良情绪,从而起到陶冶情操、完善人格的目的。
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中国古代有各种规模的歌舞表演,据史籍记载,唐代负责排练乐舞的“执事者”,就相当于今天的舞蹈编导,如李可及就曾创作和排练了《菩萨蛮队舞》和《叹百年》两部大型乐舞(见中国古代舞蹈、唐代舞蹈)。从20世纪30年代开始,中国舞蹈家已积累了丰富的舞蹈编导经验。中华人民共和国成立后,政府对舞蹈事业十分重视,专业舞蹈工作者从艺术实践中不断总结经验,逐渐形成了比较系统的舞蹈编导理论。今天为大家精心准备的艺术学术论文范文:舞蹈编导法则在群众艺术中,内容仅供参考,欢迎阅读!
随着人民生活水平的不断提高,人们的艺术鉴赏水平也在不断提高,茶余饭后,更多的人开始喜欢看一些高雅的舞蹈艺术作品。告别秧歌、龙鼓等普遍的艺术表演,优秀的专业剧目开始在普通群众中大量演出。
群众文化是具有特殊性的,所以,在编排群文作品时,需要注意的问题也就比较多。首先,是要在继承传统的基础上进行创新,再去谈舞蹈的结构和作品的意义。
我们来了解一下编舞的步骤。
首先是选材。怎样的题材才是比较适合的,这很关键。前面我们已经说过了,群众文化是具有一定特殊性的,包括演员的水平不能按专业演员来要求,所以有很多作品不适合他们表演,同样,很多题材也就不适合。比如,首先古典舞对于他们就有很多局限了。我们三明地处山区,有大量的劳动题材作品可供参考。而且我们还有深厚的文化基础,作品可挖掘的深度还有很多。
选好题材,接下来就是“构思”了。“构思”是所有编舞工作的基础。“构思”有时很具体,有时仅是一种感觉。它就像一个安装在发动机上的启动开头一样在我们这些愿意创作的人身上起作用。对于“构思”我是这样界定的:它不是类似剧情的故事梗概,不仅仅受戏剧主题的支配。它更属于情感、感觉和思想世界。对世界人、事、物产生疑问或感受、印象,“构思”必然地会显现出来,最终迫使自己像马达那样投入创作。
构思,在我的感觉中,它来自这一或那一瞬间感受到的激动:听一段音乐,看一幅画,领略一片风光、日常生活的情景。我常以劳动为例来阐明怎样观察能够促进我们进入创作:“……看吧,人们怎样劳动……男人、女人…力量…创造……
这样就有了节奏、方向、活力、各种表现力……
这个例子向我们挑明了我们的创造力取决于我们对世界的敏感性。世间万物千象中蕴含着无数的暗示和信息。懂得如何去听、去看、去感觉、去触摸,用你的身体和心去倾听围绕在我们周围的一切:领悟了!于是就可顺着许多条路自由自在的地进入创造!
其次就是舞蹈的即兴。
“构思”有了,怎样把这个“构思”发展成舞蹈呢?光有灵感是不够的,第二阶段就在于面对“构思”的各个方面进行思考和通过身体的研究找到相对应的素材。
素材包括元素动作和组合。
这时的元素动作在选材时就应该已经同时想清楚了,它可能包括部分选材前采风得来的动作,这些动作可能来源于劳动时动作的艺术化,也可能来自于想象中,或者来自于已经存在的动作组合。
对于这一阶段来说,即兴舞蹈的运用是最重要的,它能使“构思”呈现出来,并赋予其活力。通过即兴舞蹈,人们能看到“构思”找到它身体动作的载体和估计出这一构思的潜力。这时的舞蹈直接把动作连接起来,成为一个一个段落或直接成为一个舞蹈作品的雏形。
对我来说,我把即兴舞蹈视为最主要的、必须的创作手段。因为它给舞蹈者完全的自由。他们能无节制、无限止地舞蹈,他们的动作经常超出他们的意识之外,就如人们所说:“身体会不由自主地发出一些动作。”
根据即兴舞蹈的特性,即兴舞蹈通过游戏激发自发性。它包括运动性的和情景性的瞬间不品,在没有任何方式方法准备的情况下进行。根据编舞者的建议,舞蹈者遵循各种引导启发地他探索的指令,用身体去寻求。最初的“构思”作为主题,所有的建议都服务于这个主题。我们就这样从技术性和情感性的各个不同的方面涉足将来的舞蹈。每个建议都为阐明主题服务,帮助接近我们最初所选择的主题。即兴舞蹈练习是为舞蹈作品找到有用的素材,而不打算就此把它作为已经编成的舞蹈。
用身体探索,即兴舞蹈能由编舞者自己练,或由编舞者引导一批舞蹈演员进行。在大量的练习和齐心协力的研究中,编舞者和舞蹈演员之间会形成一种默契。
想象展开了,动作就会自发地产生。但不是所有的动作都有同样的价值,同样的用途。有些将很快被忘掉。相反,有些则明显地表现出来。编舞的材料有了,但舞蹈还不存在。为了使它取得形式,应该在各种素材中确认出能够用于作品的成分,发及将它们有机地纵使起来。
需要提示的是,这一过程中一定要注意我们编排的作品是要面对怎样水平的演员,并根据这些演员的水平和条件来合理设计动作。
在舞蹈编排工作中,还有道具和布景的运用,道具和布景能帮助涉及“构思”。这是一种能吸引观众注意力的,给他们充当参照物的有功效的物质性装置。它将编导的意图最直接地体现出来,它使“构思”具体化。
道具和布景可能是各种属性的:木质、皮质、金属、织物等等。它们或是实用的或是不实用的,或是大型的,或是小型的:椅子、石块、一种塑料模型……。运用道具或布景的舞蹈作品的特征,体现在编舞者所设计的舞者与这些物品的接触形式上。比如秧歌中大量使用到扇子或手绢花,古典舞中大量使用到的长绸或剑等,这样的作品包括《东北秧歌》、《红绸舞》、《弈》等。
根据物体的性质、形式、大小挑选出来的道具已不再是原来意义上的物品了。舞蹈创作在于将改变它的用途,达到超越这一物体的生活原型的目的。艺术的语言赋予所展现的艺术行为以普遍的价值。比如,不再感兴趣于舞蹈者(作品中的人物)仅仅坐在椅子上,而致力于表现他的疲劳和产生这种疲劳的原因。
以上我们陈述了有关编舞的主要因素。显然,创作不仅是各种不同因素拼凑在一起的“烹饪”。创造性的一个方面取决于完全无法检验的品质。然而,编舞的最系统的知识能获得行为的自由,能帮助克服在确定特征和创造中必然碰到的困难。
最后才是组织编排。
以上工作都完成后,开始进行作品和音乐的完整合成。最后这一阶段在于选择。在挑选中有所取舍。在即兴舞蹈中出现的这些素材是否都将被运用、加工和进一步开发呢?
这是困难的阶段。在这一阶段中,对于很多人来说,靠能力发挥作用。一个明智的方法,就是在选择中编制舞蹈:选择动作,选择舞者之间、舞伴之间的联系,把这一切置于空间,然后整体平衡,规定舞段的长度……。杰出的、决定性的做法就是应避免“我不知道做什么”的盲目性,使舞蹈作品不只是表现一个简单运动系列。
群众文化的舞蹈作品通常都大量地使用群舞形式,也就是常说的“人海战术”,这一方法虽然存在不少缺点,但同时也可以避免了水平差异带来的一些作品缺陷。所以,在合成作品时,多考虑队形变化及音乐的协调配合非常重要。
同时,可以考虑编排意境强的舞蹈,这样的作品适合演员多的作品。舞蹈作品的意境,从字面上解释,意是指作品所表现感情和思想,境是作品中所描绘的生活图景和客观环境。舞蹈作品的意境,就是舞蹈作品所描绘的生活图景和表现的思想感情融合一致而形成的一种艺术境界。
舞蹈意境的创造主要是通过形象的情景交融艺术特写与描绘,把观众引入到艺术想象的空间,进而获得更丰富的审美感受,从视觉冲击到灵魂感受。在舞蹈意境创造过程中,情景交融有一个不断深化的过程,其结构层次表现为:景-情形-象-境(意境)。
意境强的舞蹈比较容易被群众所接受,而且,可以在很多场合大量地使用或演出。
需要强调的是,不管什么样的作品,都需要知道这个作品是要表现什么或要传递什么,不能是一个单一的动作串联而已。为了避免编导工作的盲目性和无目的性,建议我们的编导工作者应该经常去田间地头工矿企业等各地去熟悉情况,多体验生活,编排出有灵性的作品,有人性化的作品,为人民多留下一些宝贵的文化财产。
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体育舞蹈是一种极具艺术性的体育项目,自传入我国以来深受人们的喜爱,体育舞蹈以其独特的表现风格,能帮助人们树立正确健康的审美观,并培养舞者在形体、动作、甚至精神层次的美感。可以说体育舞蹈本身是融多种美于一体的艺术项目,极具艺术魅力和观赏价值。以下是读文网小编为大家精心准备的:体育舞蹈中的美学艺术教学相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘要】体育舞蹈是一种饱含艺术的柔性与刚性的运动项目,深受国内外体育爱好者的热爱。体育舞蹈有着极特别的艺术表现力,给人们一种美的享受。从专业的角度讲,它能够帮助人们树立正向的审美观,培养形体的协调性,养成艺术人文情怀,丰富人们的精神世界。本文就体育舞蹈中美学艺术的呈现加以客观描述,以及重点剖析了在体育舞蹈专业教学过程中所要着重传承的艺术与文化,提出了体育舞蹈教学过程中应运用的教学方式,以便利于更好地提高教学效果。
体育舞蹈是一种融合了多种艺术美于一身的体育项目,以其独特的艺术魅力与专业技术为人们呈现一场极具感官的视觉盛宴。体育往往带有竞技的色彩,舞蹈又具有柔美的特性,而体育舞蹈融合两者的优点,通过连贯的舞蹈动作,将力与美完美地结合起来,将舞者的内心世界展现给观众,它是运动、艺术与灵魂三者间经激烈碰撞进而相结合的产物。
1研究方法
通过文献资料法、上网搜查法、关注舞讯网官方微博以及最新赛事了解到最新动态,通过多角度,对体育舞蹈中的美学进行研究。
2.1体育舞蹈中的美学艺术呈现
体育舞蹈凭借舞者优美的舞姿,仿佛描绘出一幅万千变幻的画面,通过极具色彩的呈现形式,带给人们以无尽想象空间的艺术享受,它是一种独特美学艺术的展现。
2.1.1体育舞蹈的含义
体育舞蹈又称国标舞,是一男一女搭配完成的舞蹈艺术。体育舞蹈每支舞种都有它独特的舞蹈风格。男女两人在完成这些舞蹈动作的过程中,能够将舞者内心丰富的情感世界展示给观众,是一项艺术和灵魂交相辉映的舞蹈艺术表演〔1〕。
按照体育舞蹈的分类标准、舞蹈特点及不同的技术含量,可以将其分为标准舞和拉丁舞两个类别,其中,标准舞又称为摩登舞,包含的舞种有狐步、华尔兹、探戈等几个看似相似但技术动作和风格截然不同的舞种;拉丁舞包括恰恰、桑巴、伦巴等几个舞种〔2〕。每个舞种都配有自己独特的音乐,再通过不同的舞步呈现出迥异的舞蹈风格。另外,体育舞蹈对服饰、妆容也有具体要求,体育舞蹈的服饰都很华丽。舞者穿着昂贵的舞蹈服饰,伴着不同风格的舞曲,通过男、女二人的动作、技术及舞姿,向人们展示体育舞蹈的艺术特点,将舞蹈动作和音乐旋律相融合,伴随着各舞种的音乐节拍,张弛有度的身体表现,收放自如的舞台魅力,将舞者的内心活动融进舞蹈动作中,通过舞者肢体展现得淋漓尽致〔3〕。
2.2体育舞蹈中的美学艺术表现
2.2.1形体之美
体育舞蹈作为一个舞种的分支,同样也是运用健美的体魄为人们展现出身体和艺术的美感。关于体育舞蹈舞伴的选择,男性多为健硕挺拔,女子相对而言娇小纤瘦,这样的搭配,让刚与柔形成极大的反差,凸显体育舞蹈艺术独特之美。
2.2.2姿态之美
姿态之美通常是通过女性舞伴的角度呈现出来,男性舞伴起到带动与协调的作用。体育舞蹈的女性舞者运用灵活的肢体语言表达,凸显气质与柔美,同时能够将心理活动融入音乐中迸发,有张有弛,优雅大方。
2.2.3精神之美
当一项体育运动的精神内核与艺术表现融为一体时,就能够体现出其精神之美。体育舞蹈通过舞者的舞台表现力与特殊的服饰、乐曲等的共同作用,让其精神之美完美地呈现给观众,获得精神上的极大共鸣,这种舞者与观众间灵魂的契合是其他体育运动可望而不可即的。体育舞蹈既是一种体育运动,让人们通过运动来强身健体,它同时又是一种艺术,人们沉浸舞蹈之美的同时,在其潜移默化的作用之下,养成穿着整洁、朴素的习惯,培养人们端庄大方的艺术气质,让身段愈发凸显美感,例如在日常生活交往中,我们可以很明显地感觉出来一个人是否学习过舞蹈,因其具有独特的体态与举止,坚持练习体育舞蹈可以达到这样的效果。培养人们文明礼貌的言行举止、自尊自强的坚韧品格。在舞蹈的同时给人们深层次的精神享受,其彰显的精神美也是我们进行精神文明建设的有效手段〔4〕。2.2.4健康之美 经常有规律地进行适量体育运动是人们公认的养生保健常识。体育舞蹈同样能够让人得到一种健康之美,令男性舞者强健体魄,令女性舞者身形健美。另外,体育舞蹈以其独特的韵律感与艺术享受氛围,能强化人体肾脏、肺部等器官的功能,起到一定的保健作用。体育舞蹈能够愉悦身心、健康体魄,何乐而不为呢?
2.2.5服饰之美
人靠衣装是有一定道理的,衣装是人体外在美的主要体现形式。在体育舞蹈中,雍容华贵的服饰妆容结合舞者健硕的体魄与气质将艺术完美地呈现给观赏者。
2.2.6动作之美
体育舞蹈在其分解动作中,以其专业的技术和造型呈现出舞蹈动作的美感,并且通过肢体的协调、音乐的融合性,将一个个的分解动作形成统一连贯的艺术动作组,给人以美的享受。特别是舞者肩颈与四肢配合的默契,让人感觉到舞者自身对艺术的热情投入,进而带动观众感同身受。
3.1体育舞蹈教育者的重要性
3.1.1随着体育舞蹈艺术的发展,人们逐渐加深了对于体育舞蹈艺术的关注与研究,而且有越来越多的年轻人加入到体育舞蹈的队伍中来,可谓老少皆宜的一种全民运动项目。作为体育舞蹈的专业教育者,要从职业教育的角度分析体育舞蹈,我们应该更加深入地挖掘体育舞蹈的核心价值,让这种艺术形式更完整地传承给后人,并在时代的变革中,不断创新与发展体育舞蹈项目,让艺术之美扎根于学生的心灵,通过年轻个体的孕育与训练,让体育舞蹈日益完美。所以,教育者在这一过程中起着非同一般的重要作用。
3.1.2体育舞蹈教练要确保动作的标准性
体育舞蹈教练是学生在学舞过程中最直观的接触对象和模仿对象,学员把教练尊为艺术学习道路上的楷模。这就要求教练要以身作则,尊重艺术本身的美感与技术,尽量用身体动作与语言表情把舞蹈动作完美地传达给学生。另外,有时学生在出现舞蹈动作问题时并不自知,相对而言,教练通过侧面观察学生动作就能准确发现其动作的缺点与问题,教练要及时地批评纠正,进而培养出优秀舞者。如果遇到复杂的舞步,教练可以通过拆解动作一步一步地进行讲解,让学生通过对拆分动作的反复模仿,达到标准,进而做到整体舞蹈动作的连贯与协调。教练作为一名传道授业解惑者,其在学生的学舞生涯中具有较强的影响力,包括舞蹈表现的基础动作、表演时与舞蹈所需的心理契合度、与音乐节拍的配合、同舞伴的交流以及表演时的肢体韵味等,都需要教练起到正确的指导作用〔5〕。教练也应该注重自身仪容仪表的修饰,从精神面貌中可以窥见其职业性与专业性,富有朝气和指导水平才能够吸引学生积极学习体育舞蹈这门艺术。
3.1.3要对学生进行标准舞姿的训练
事实证明,好的身形与舞姿是可以通过长时间舞蹈训练而得到的,而拥有标准舞姿是跳好体育舞蹈的一个必要条件,舞蹈教练要对学生的舞步进行反复的指导和训练。体育舞蹈强调人体的整体能动性和配合度,基本舞姿涵盖一般基础手脚动作、舞步训练和腰、腿、躯干相互配合的技巧。这就要求在教学的过程中,学生不仅要熟练掌握基础舞步,适当运用舞蹈技巧,而且要将每个动作都做标准,进而使得舞姿更加舒展、身形更加完美。舞者也要保持良好的身体状态,身体是舞蹈艺术呈现的基础,只有身形健美,舞者才能在表演过程中通过这些标准、娴熟的舞蹈动作,通过“手、眼、身、法”以及舞蹈音乐的配合,将体育舞蹈中的形体美和动作美淋漓尽致地展示出来〔6〕。因此教练员在教授学生的时候,要加强对学生进行标准舞姿的训练,让学生真正用心去感受,强化舞者间的默契配合度,循序渐进地指导,这样才能让学生领会到舞蹈的真谛,跳好体育舞蹈,也能让学生全身心地投入体育舞蹈氛围中,并加入个人对舞蹈的理解,将这些美展示给观众〔7〕。
3.1.4加强对学生美学修养的培养
体育舞蹈作为一种艺术体育运动,要求学生有一定的美学修养,以便其能够深刻理解体育舞蹈中的美学真谛,将体育舞蹈中的美更细腻地呈现出来。因此,教练在对学生训练的时候,要将美学美育教育适时地引入其中,在讲解舞蹈理论时,也应结合一些音乐基础知识,在教学过程中提高学生的审美意识及美学修养,这样才能使学生对音乐及舞蹈有整体全面的掌握,体会到体育舞蹈中的艺术美,并将这种美通过体育舞蹈动作表现出来〔8〕。
4.1结论
体育舞蹈老师应运用职业态度传承艺术。体育舞蹈中饱含艺术之美,它融合刚与柔进行了一场极具观赏性的身体艺术表演,以其独特的魅力征服了人们。作为体育舞蹈的指导教师,应该运用更加职业和专业的态度与技能,把这门艺术传承给学生,设身处地为学生的未来考虑,让学生真正体悟到体育舞蹈的艺术真谛,并且把体育舞蹈文化发扬光大,在未来生活中,让更多的人感知体育舞蹈的艺术之美,且强健国民体魄。
4.2建议
要创造条件让学生们多参与体育舞蹈比赛或观摩比赛,通过教学观摩与研讨活动,重视与完善现有高校体育舞蹈学生的技术水平,举行体育舞蹈比赛,提高体育舞蹈教学水平。学生在学习技能技巧的同时,要加强自身的艺术修养。同时严格要求自己在训练的过程中把每一个动作做到最大限度的完美,积极参加国内外竞赛,在提高自身技巧的同时,也提高了自己体育舞蹈美学的艺术素养。
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随着计算机技术和网络技术的迅速发展与广泛应用,人类社会进入了信息爆炸的时代,如何处理并有效利用这些信息已经成为世界各国学者研究的热点问题。软计算就是在这种需求背景下出现的一种新技术。软计算最初是由模糊集理论的创始人Zadeh[1]在1994年提出的,它是一种通过对不确定、不精确及不完全真值的数据进行容错处理从而取得低代价、易控制处理以及鲁棒性高的方法的集合。目前,软计算的理论与方法主要包括神经网络、模糊集、粗糙集、遗传算法、证据理论等。
粗糙集是在最近几年发展较快的一门理论,它是一种用于分析和处理不确定、不精确问题的数学理论,是由波兰数学家Pawlak[2]在1982年提出的。它的基本思想是通过论域上的等价关系将论域划分成若干个等价类,然后利用这些知识对所需处理的不精确或不确定的事物进行一个近似的刻画。
粗糙集理论最大的特点是它对论域的划分只依赖于所需处理的数据集合本身,不需要任何先验信息,所以对问题不确定性的描述或处理是比较客观的。这一点也是它与其他软计算理论之间的显著区别。不过,粗糙集在原始数据不精确或不确定时,是无法处理数据的,这恰好与软计算中的其他理论有很强的互补性。因此,粗糙集与其他软计算理论和方法的结合已成为粗糙集研究中的一个重要内容。本文将对粗糙集与模糊集、神经网络、概念格以及证据理论等软计算理论的结合研究情况进行介绍,并指出这方面未来的研究发展方向。
设Θ表示对一个问题的所有可能答案的集合,其中的每一个答案θ都是Θ的一个子集,子集之间是无交集的,称Θ为辨识框架。
定义12[75] 基本可信度分配函数。设Θ是一个辨识框架,如果集函数m:2?Θ→[0,1]满足m(Φ)=0,并且?A?Θm(A)=1,则称m为Θ上的基本可信度分配函数;?A?Θ,m(A)称为A的基本可信度。
在定义12的基础上,本文定义Θ的幂集2?Θ上的三个测度?函数:
a)信任函数Bel,Bel(X)=?AXm(A),?XΘ;
b)似然函数pl,pl(X)=?A∩X≠?m(A);
c)公共函数Q,Q(X)=?X?Am(X)。
其中:信任函数Bel表达了对每个命题的信度;似然函数pl(X)表示对命题X不怀疑的程度;公共函数Q(X)反映了包含X的集合的所有基本可信度之和。
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美术教育是艺术教育的重要领域,在促进人的发展和社会进步的事业中具有独特的价值和魅力。下面是读文网小编为大家整理的美术教育艺术设计学术论文,供大家参考。
一、高校美术教育发展存在的现实问题
目前,我国高校美术教育处于发展瓶颈时期,各高校美术教育普遍存在教学目标不明确、教学内容不全面、教学方法不系统、教学设施不完善、教学评估不合理等几个较为显著的问题。
首先,在教学目标方面,有相当一部分院校为了拓展教育领域,实现与其他院校在专业设置上的一致性,在教学目标不甚明确的情况下,盲目开展美术教育,丝毫不注重对学生专业技能、艺术修养和审美能力的培养,使美术教育成为一个形式化的空壳,未能体现其在社会主义文化建设中的特殊意义。还有一些高校片面追求提升就业率,弱化了美术教育的审美功能和创造内涵,一味强调迎合主流文化市场的专业技能,使学生丧失了艺术创作的能力乃至学习的热情和兴趣,对学生自身的发展和整个美术事业的延续都造成非常不利的影响。
其次,在教学内容方面,很多高校美术教育的课程设置缺乏科学性与合理性,内容较为单一和薄弱,培养出来的学生实践能力与适应能力较差,与社会脱节比较严重。这些院校的美术课程大多重技而轻道,仅向学生传授单纯的绘画技法,而不进行系统的综合训练,使学生的综合素养和创作能力无法得到有效提升。与之相对,当前社会需要的美术人才恰恰是具有综合技术能力和专业创作才能的复合型人才,特别是那些能够将新技术、新文化、新内容与艺术创作有机结合的人才,而不是单纯的绘画人员。所以,要满足社会对美术人才的需求,全面拓展学生的知识结构、努力提升学生的创造才能和实践能力,我们必须科学而合理地设置高校美术教育课程,这可以说是我国高校美术教育改革与创新的重中之重。
再次,在教学方法方面,我国大部分高校的美术教育均未形成有机系统,教学方法传统而老旧,教学模式保守而单一。在高校任教的教师大都是美术院校毕业的专业人才,他们的理论知识积淀颇为深厚,艺术创作才能也比较突出,但由于教学经验不足,对高校美术教育的参悟不深,很多人便套用自己学生时代的学习经验,有些甚至盲目照搬其他院校或者其他教师的教学模式,导致其教学方法与学校和学生的实际情况严重不符,与现实社会经济文化发展较大脱节,使学生的专业学习和技能发展受到很大限制。另外,大多数高校的美术课程设置中缺乏实践练习,教学的重点放在理论讲解与技巧分析之上,学生学习宛若纸上谈兵,在社会市场上完全不具备竞争能力。很多教师在教学中一味强调勤加练习,让学生不断地临摹指定物体,尽管提升了学生的写实能力,却极大地抑制了他们的艺术创造能力和美学思维能力,可以说是得不偿失。
然后,在教学设施方面,我国高校美术教育的硬件与软件设备均不充分。一方面,美术教育是一种关于审美能力和创造能力的教育,外出写生、参观、定期举办画展等是此项教育的必备项目,良好的绘画场所也是美术教育的基本条件,需要大量的经费投入作为支撑。然而,在很多学校中,由于相关部门和学校领导对美术教育的认识不够充分也不够科学,导致学校对于美术教育的投入力度远远达不到这项学科的正常需求,再加上高校扩招政策的不断推进,美术教育的经费更显欠缺,很多必要的教学设施都无法提供给学生,严重影响了教学质量,不利于学生的全面发展。另一方面,我国高校美术教育在软件方面的配备也没有到位。在许多高校,美术仅仅是作为边缘学科而存在,学校在硬件设施上一再限制,在师资配备方面同样不甚重视。很多美术教师只具备一般的美术学习和教学经验,与美术领域的骨干型人才差距极大,还有个别学校办学仓促,招聘的美术教师不具备扎实的理论功底和文化素养,教学能力之薄弱、教学观念之落后更是不言自明,导致学校的美术教学始终不能取得理想的效果。
最后,在教学评估方面,我国高校美术教育的评估指标仍不够明确,评价体系仍不够健全。现今,我国对高校教学的评估大多围绕教师和学生发表论文的数量及质量来进行,美术教学属后起之秀,没有深厚的学科积淀,自然也没有现成的评估经验可以参考,于是美术教学便向其他学科靠拢,在评估方面,论文发表的数量和质量也成为非常重要的一环。但是,美术教育是关乎艺术创造的学科,与其他文理工学科有着显著不同,它的创造性与美学效果体现在酝酿良久的具体美术作品之中,并非一篇几千字的论文可以言尽。同时,美术工作者大多善于创作、疏于言表,以论文为一大核心的教学评估体系对他们而言是极不合理也极不公平的。因此,必须建立一个符合美术教学的学科特色,并且能够集科学性、合理性、公正性和客观性于一体的评估体系,方能促进高校美术教育的长足发展。
二、对高校美术发展的几点建议
针对上述高校美术发展面临的五个现实问题,笔者分别提出几点建议,以期促进我国高校美术的科学发展,助力我国社会主义文化建设。
首先,在教学目标方面,应当明确新时期对美术人才的需求,找准高校美术教学在社会经济文化市场中的定位,积极调整和完善教学目标,把培养高素质、综合型的美术人才作为核心任务,着重培养学生的创新能力、审美能力和实践能力,把学生打造成为既具备扎实的美术专业理论基础,又具有与时代相接轨的其他方面知识及能力的优秀美术人才,满足社会的需求和艺术发展的要求。例如,在美术教学的色彩使用部分,教师首先应当细致地讲解关于色彩使用及搭配的基础知识,明确不同色彩所传达的内涵及其相应的表现手法,在创作实践中,教师先引导学生对现实中的物体进行临摹及适当的艺术再现,等学生完全掌握了用色技巧以后,则应当鼓励学生在符合基本用色要求的基础之上,依照内心的创作理念进行独立自主的色彩搭配,从而进一步巩固学生的专业知识,充分挖掘学生的创新能力与审美意识。
其次,在教学内容方面,应当牢牢把握高校美术教育的培养目标,以现阶段的经济文化市场为设置引导,秉持“以人为本”的办学理念,调整并完善专业课程安排,培养专业技能、实践能力与适应能力兼备的美术人才。具体而言,教学内容应由传统的纯理论型教学过渡到实践型教学,根据社会发展和时代需求,增加新知识、应用新技术、强调创新力,使学生在牢固掌握空间、色彩、形态、材料、技巧等专业理论知识的同时,能够触类旁通、举一反三,实现自我创新意识的提升和创新能力的发掘。在课程设置上,应当针对社会对复合型专业人才的需求,开设综合交叉学科,将美术知识的教授延伸到自然、科学、人文、社会等各个领域,让学生在专业学习的过程中系统接触其他方面的知识。有条件的高校可以在学科融合实践经验的基础之上,尝试开设新学科、新专业,将学生培养成为跨领域、跨学科并且具备新知识、新技能的综合型人才。
再次,在教学方法方面,应当建立适应社会发展和时代特征的教学体系,打破传统的以理论灌输为主的封闭式课堂模式,让学生成为课堂活动的主体,鼓励学生自主开展实践创作活动。学校相关部门负责人应当积极拓展学生的实践空间,与专门的艺术工作室或有关企业建立合作关系,有条件的可以考虑创建自己的工作室,促使学生走出教室、走出校门,成为与社会需求相接轨的专业创作型艺术人才。同时,应当改变老旧的授课模式,将网络和多媒体技术引入课堂,增大教学信息量,增强理论知识的感官性,提升教学效果,调动学生参与互动的积极性。然后,在教学设备方面,教育部门和各院校都应相应增加对美术教学的资金投入力度,为师生提供良好的教学环境。同时,可以借助社会宣传的力量,吸引企业、团体及个人进行项目赞助,尽可能多地为学生举办画展、校外参观或写生等活动,丰富学生的学习生活,赋予学生创作灵感,激发学生的创作热情。同时,高校应当加强对美术师资队伍的培养,不断提高教师的教学水平和教学能力,更新并完善以学生为本、以实践为主的教学理念,促进理论与实践的有机结合,为学生的专业学习树立模范。
最后,在教学评估方面,对于师生艺术创作能力的评估应该跳出单纯以论文定输赢的樊篱,转而从艺术的高度,对其艺术创作进行鉴赏和评析,确定其能力的高低与进步的幅度。另外,对于学生的评估,教师应当尊重学生的个性差异,以艺术创作的过程为重点,建立一个相对宽松的艺术氛围和科学合理的评价体系,尽最大可能避免评价中的主观因素干扰,对学生的能力和态度进行客观性描述。此外,可以采取任课教师多重评价、师生之间相互评价以及学生之间相互评价的评估模式,帮助教师更加全面地了解学生,更加深入地发现其艺术创作和个性发展的闪光点,进而有的放矢,促进学生的全面发展。
一、美术教育意义
美术教育是培养素质教育的一种有效手段,是现代教育的重要组成部分。开展美术教育,能更全面的开发学生思维,并激发学生对美的追求与热爱。而且,研究美术教育对提高学生们思想道德修养,培养健康的个性及健全的人格。早在先秦时期,孔子即提出:“兴于诗,立于礼,成于乐”的思想,奠定了“礼乐相济”的理论基础,并把美术教育作为道德教育的特殊形式。古希腊哲学家柏拉图同样把审美教育作为素质教育的补充手段,把审美教育从属于素质教育。我国著名教育家蔡元培先生也提出:“美育者,应用美学理论于教育,以陶冶情操为目的者也。”强调美术教育能使人达到全新境界。所以,把美术教育作为当代学校素质教育的重要手段及补充手段是非常必要的.
二、传统教育存在问题
1.传统教育影响下
学校美术教育以“教”为主,老师以自己示范为中心,形成“老师牵着学生走,学生围着老师转”的不良学风,导致老师教学生怎么画学生怎么画,老师叫学生画什么学生画什么,严重抑制了学生独立想象的空间和能力,同时,该种教育模式下,使得一些不负责任的老师出现上“花课”“假课”现象,严重影响学生的发展,此外,这也使得学生学习与生活经验脱节,不利于深层次发展。
2.受传统应试教育思想影响
学生家长方面不支持孩子花时间学习“旁门左道”,而大力支持孩子花时间在“主”课上,家长认为,只有孩子学习好了,成绩高了才有出息,才有发展前景;同时,学校方面为满足家长要求,大力培养学生文化知识,减少美术课程,培养出大量学习成绩优秀的同学,但殊不知,这种教育方式下的学生,失去了独立想象与创造的空间,失去了培养审美情操、创美能力的机会,从而为应试教育付出了沉重的代价。
3.传统美术教育忽视孩子成长历程
所用教材由简到繁,从成人眼光看待问题,脱离学生实际生活。实际上孩子在成长过程中,思维常常产生掌握世界,了解世界,并有一种证明世界的冲动。这极大程度的约束了孩子思维,对孩子想象力创造力的发展极其不利。
4.传统美术教育评估标准
只以“像不像”为评分标准,压抑孩子创造力发展,忽视艺术中多元化的重要性。因为艺术创造区别于其他学科的是,艺术创造没有统一的答案。[2]个人生活感受不同,必会导致不同的生活情趣。所以在传统的教学中,要求“统一性”带来的最严重后果就是学生作品呆滞和僵化,缺少了艺术的创造。
三、新课标下改革要求
新课程要求学校美术教育要有新的教学理念,能够激发学生对美术的兴趣,培养想象与创造能力,促进学生全方面的发展。新课改下要改变传统教学中不正确的美术教学观,把教学方式的改变作为转变核心,主要包括以下几点:
1.针对传统教学中以“教”为主的方式
实现由重“教”向重“学”的转变,培养学生独立自主的学习能力,丰富想象与创造的空间,使学生在学习过程中,发现美术之美,并能自由创造美术之美,将这种美带到生活、学习中去,使自己产生新的人生观、价值观。
2.打破应试教育带来的束缚,由重“学习结果”向重“学习过程”转变
传统美术教学中,老师只重视学生画的怎么样,忽略学生情感因素及学画的过程和方法。过多的教学生去模仿教材,或只按老师主观意识去画。新课标下,要求学生通过感知——探究——实践的学习过程去发现美术的创作规律和形式,并在学习过程中,收获到美感经验,提高学习能力。作为老师,要为学生创造丰富的教学环境,相信学生的学习能力,为之营造轻松、宽容、愉快的学习环境。
3.多元化教学,培养学生兴趣
新课标下,老师应重视多元化教学方法,调动学生想象力,主动性,包括以下几点:
3.1比较教学法
运用比较法,多角度进行分析,便于学生掌握相关知识,利于调动学生积极性,若使此法产生更好效果,还要注意选择作品,适时适地的引导、启发学生,讲究艺术性、典型性和科学性;
3.2分步教学法
避免传统教学中“先示范,后制作”的教学模式,老师可尝试从学生身心特征及认识规律出发,由浅入深,层层深入,层层启发。课程中,老师始终作为学生们的合作伙伴,生生互动,师生互动,为学生营造轻松愉快环境,使学生能力得到发展升华;
3.3游戏教学法
为改造枯燥的教学环境,满足学生爱玩好动的需求,可把游戏活动加入美术活动中。要求老师充分挖掘教材中潜在的游戏成分,在游戏活动中完成教学任务,让学生在学中玩,在玩中学。
四、结语
总而言之,美术教育,能陶冶学生情操,并能美化学生心灵,使学生建立全新的人生观和价值观,进入更高的精神境界。总之,美术教育在素质教育中有着其他学科不可代替的地位和作用,新课标下的美术教育,更需要美术教师认真领会新课标精神,提高教学质量,尽职尽责,责无旁贷的担起美育教学的任务。
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艺术设计就是创新,创造非凡是艺术设计活动的全部意义之所在。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计类毕业论文,供大家参考。
摘要:随着社会经济的发展,人们生活水平不断提升,在这样的背景环境下,人们的环保意识也得到了极大的提升。就目前来看,竹资源在环境艺术设计中得到了较为广泛的应用。本文的研究,主要针对于竹资源在环境艺术设计中的具体情况,展开了相应的分析和探讨。
关键词:竹资源;环境艺术设计;实际运用分析
竹资源在环境艺术设计中,自古以来就得到了较为广泛地应用,并且关于竹资源的艺术设计,在古代得到了极大的发展和应用。竹在我国古代,已经形成了一种文化韵味,将其应用于环境艺术设计中,具有较好的装饰作用。本文在对竹资源在环境艺术设计中的应用研究,注重分析了竹的历史文化底蕴,并就其在环境艺术设计中的应用优势,进行了相关研究和分析。通过本文的研究,我们可以看出竹资源在装饰设计中应用的重要性,并就如何应用,提供了有效地参考和借鉴。
一、关于竹资源在环境艺术设计中应用的可行性分析
我国是一个历史文化悠久的国家,自古以来,就流传着梅、兰、竹、荷的审美感观,竹在人们日常生活中,有着十分重要的地位。古时候,竹资源就在人们的生活中,应用于装饰。例如利用竹子建造的房屋、椅子等等。竹在建筑行业中应用,具有一定的美感,并且随着我国历史文化的发展,竹资源也具有较强的中国文化底蕴。竹在环境设计中应用,具有一定的优势,它能够应用于建筑设计、公园设计、室内设计等多个领域。
二、竹资源在环境艺术设计中的实际运用分析
随着人们生活水平的不断提升,物质生活满足的同时,人们更加追求生活享受。竹资源在环境艺术设计过程中,发挥着日益重要的作用,并且在应用中,以不同的形式应用在人们日常生活当中。例如以观赏的形式、使用的方式等等,在环境艺术设计中,发挥着重要作用。
(一)竹资源在环境艺术设计中的观赏作用分析
一般来说,应用于观赏的竹资源形式主要有观赏竹、竹竿、竹叶观赏型等。竹在景观中是一种较为特殊的元素,其形态的特征,在审美感观中,起到了一定的积极作用。例如湘妃竹、金竹以及墨竹等,这些竹的类型,更加适合于观赏,能够给人在视觉感观上带来一种美感和享受1。根据竹的形式不同,人们在应用过程中,会根据环境的实际情况,设置相应的竹,进行观赏。竹资源用作观赏时,会选择相应的配饰,这样一来,突出竹资源美感的同时,也能够起到一种较好地意境效果。例如在设置假山时,会将竹与假山进行结合,这种设计方法,是突出竹资源美感的一个重要手段,并且在实际应用过程中较为广泛。假山与竹资源的应用结合,给人一种回归自然、心旷神怡的感觉,能够更好地达到放松心情的作用。
(二)竹材的应用
竹材的应用,是竹资源在建设过程中的一种应用方式,同时,竹材具有较高的实用性和审美性。随着我国建筑行业的发展,建筑材料选择上,一些建筑材料对环境污染较大,并且对人们居住空间也有着较大的影响,如何对这一问题进行有效改善,关系到了人们的居住安全和居住舒适度问题。竹材本身就是一种纯自然地资源,其对环境污染较小,并且并没有化学合成,对人的身体健康来说,具有积极的影响。竹材在实际应用过程中,造价低廉,能够缩小建筑和装修成本,越来越受到人们的广泛关注。竹材在实际使用时,可以制作一些桌椅或是竹板,能够承担简单的装饰作用。同时,竹子的生长周期较短,成材时间较快,若是能够将竹材广泛地应用于实际建设过程中,对于促进我国建筑行业的可持续发展来说,将起到巨大的推动作用2。
(三)竹资源根部在环境艺术设计中的应用分析
竹资源根部在环境艺术设计中应用,也取得了一定的效果。人们生活水平提升的同时,更加注重于精神追求,这样一来,在进行家具装饰过程中,往往喜欢在家中增添一些饰物摆设,对室内空间进行更好地点缀。竹资源根部在雕刻过程中得到了广泛地应用,例如竹雕、竹刻等工艺品,都收到了人们的热烈欢迎。竹雕在进行实际雕刻过程中,主要是对竹子的根本进行雕刻,具有一定的艺术审美性。同时,在皮雕、浮雕以及阴阳刻等方面,竹资源都得到了较好的发展。竹资源的根本较厚,在进行雕刻过程中,能够更好地满足雕刻的实际需要,这就为竹资源根部在环境艺术设计中的应用创造了有利条件。综上所述,笔者在对竹资源在环境艺术设计中应用的研究,注重竹资源的欣赏、竹材的应用以及竹资源根部的实际应用。在研究过程中,我们可以看出,竹资源对环境艺术设计有着较大的影响,在设计过程中,需要对竹资源的应用情况进行有效分析,能够结合实际情况进行环境艺术设计,才能够取得较好的效果3。
三、结语
竹资源在当下环境艺术设计中已经得到了较为广泛地应用,本文在对这一问题进行研究时,注重结合实际情况,立足于竹资源发展的时代趋势,对这一问题展开了详尽的探究。在利用竹资源进行环境艺术设计过程中,必要要注意以下几点:第一,注重与实际情况的有机结合,发挥竹资源的优势,更好地改善居住环境;第二,在对竹资源装饰作用应用时,要注重对衬托物的选择,达到更好地艺术设计意境;第三,要注重竹资源艺术设计的深度和广度,发挥竹资源优势,使之能够对现有建筑行业进行有效改善,更好地实现竹资源的有效利用。
注释:
1.方晖.竹资源在环境艺术设计中的运用[J].艺术教育,2014(7):258.
2.杨嘉.解析竹资源在环境艺术设计中的运用[J].企业技术开发,2014(21):58-59.
3.刘畅.竹资源在环境艺术设计中的运用[J].技术与市场,2014(12):339.
摘要:
民间美术代表着崇尚自然之美,寻找简朴,富含原始意味的艺术,在我国民族传统文化中占据十分重要地位。该种艺术主要是保留材料本身色泽和机理,不会过于追求修饰和雕琢,进而充分暴露出质朴和纯真的趣味。现代艺术设计中缺乏返璞归真的气质,民间美术所具备的相应风格能弥补现代艺术设计中的不足,如质朴、天真、大气等风格,同时,民间美术内在的简朴生活气息、性格,为人们内心向往。除此之外,民间美术是我国古代劳动者的创作结晶,并给人们带来无穷的启示。本文从艺术设计的基本特征出发,分析了民间美术与现代艺术设计之间的关系,并介绍了民间美术对现代艺术的启示。
关键词:现代艺术;民间美术;设计
伴随着社会的发展和文化的发展,不同国家和地区之间的文化得到充分的交流,尤其是步入信息时代,不同区域之间的文化壁垒被逐渐打破,文化之间可以相互融合交流,优势文化同化劣势文化的趋势越来越强,这极大的促进了文化的健康发展。与此同时,艺术审美特征逐渐得到了人们的重新认识,现代艺术也在新时期得到了飞速的发展。由于民族文化备受人们关注,生活在城市中的人们,越来越渴望追寻稚拙和纯朴的情趣,追求原始艺术的真实野性以及神秘感。因此,民间美术和现代艺术的相互融合越来越受人们的重视。
一、艺术设计的基本特征
1、科技性
从第一次设计出现以后,设计就和科学相互渗透、相互影响,并共同发展。设计的基础为科学技术,两者的联系十分紧密,设计和科学技术以生产实践为联系点,在实践中不断渗透、影响,同时,设计为科学技术转化为生产力和社会财富的媒介。原始社会开始,科学技术和设计之间具有一定关系,当时人们通过木、竹等植物天然弹性研究设计出弓箭;通过粘土和火结合化学变化设计出陶器等,进而提高人们生活质量。现代设计能更进一步的显示设计同科学之间的关系,如万国博览会上出现的“水晶宫”为科学技术的艺术表现,为科学技术的设计应用。伴随着科学技术的发展,互联网和电脑技术的应用,信息社会逐渐到来,发展导致设计方法、手段和过程出现一定变化,进而进入崭新设计时代。由此可见,科学技术会找到相应的社会生活结合点参与设计,进而转变为精神和物质财富。对设计而言,没有科学技术支撑很难进行。因此,不管是新发明的出现还是新材料的使用,均为科学技术的进步,并为设计的成果,两者之间共同发展不能分割。
2、艺术特征
爱美之心人皆有之,艺术充分显示爱美为人的天性,且这种天性从人类作为文化人就出现了。美为设计的产物,第一件石器的诞生,不仅仅是为了使用,也是追求美的体现。在造型观念、视觉经验和形式语言等方面现代设计同艺术之间没有区分,但设计除了秉承现代艺术的观念和思维外,还受到了现代物质手段和工业化进程的影响。目前,设计师和美术家具有越来越明晰的分工,人们将建筑、雕塑、绘画、艺术设计、摄影、工艺美术和数码媒体等统称为视觉艺术,不单纯为语言为题,而是属于艺术种类混合体,且本质上具有相互联系特性。
3、文化特征
艺术设计是一种造物的文化、艺术,作为区分人与动物差别的重要因素,文化在被人类所创造的同时,也成就了人类,不管是艺术设计,还是民间美术,都是人类造物活动后产物,蕴含着丰富的文化底蕴及文化性质。艺术设计是人类创造的文化的重要组成部分,艺术设计的存在不仅证明了人类的理念,同时也对人类的生活带来很大的影响,并滋润和培养人类。艺术设计承载文化外在和内在意义,能将人类的生活习性、文化习俗、价值观念等反映出来。同时,艺术设计也是文化创造的一种产物,为社会历史文化沉淀产物,优秀的艺术设计是人类文化的重要组成部分。研究显示,艺术设计的多元性决定艺术全面吸纳文化,并对文化各个层面进行整合。这种现象的出现表明艺术设计中包含制度物质和观念文化层,同时,吸收大量精神成果,同艺术较为相似。且艺术设计体现物质功能及精神追求,深刻反映人们在文化创造中的能动性和创造性,因此,设计文化是人们理解人类文化的典型范例。
二、民间美术与现代艺术设计之间的关系
1、民间美术与现代艺术设计的共性
从外部形态和外在形式看,民间美术同现代艺术之间没有联系,但实际上两者之间具有较多的共性价值。在民间美术中推崇天人合一的思想,而天人合一是建立在人与自然和谐相处的基础上,民间美术的创造者大多是生活在社会上的底层劳动群众,他们日出而作、日落而息,与自然和谐相处,在很多时候民间美术就是人与自然的和谐产物。在现代艺术设计中,推崇绿色设计,而绿色设计的原则是降低能源消耗,减少环境污染,实现产品的回收利用,绿色设计倡导回归自然,实现可持续发展,保证人与自然的和谐相处,从这一点上看,民间美术和现代艺术设计是存在共性的。
2、民间美术是现代艺术设计的源泉
民间美术是一种人类创造的民间艺术文化,是一个独特的文化艺术群体,优秀中华文化艺术就是从民间美术中发展而来的,同时民间美术也是中华优秀文化的重要组成部分。作为中华优秀文化艺术的文化沉淀,民间美术所蕴含的文化内涵以及艺术形态,均可以将中华文化中的心理素质、美学观、文化素养、民族精神体现出来,进而将中国优秀文化中所蕴含的哲学体系、艺术体系、造物体系展现在人们面前。可以说民间美术是中华民族创造型艺术、艺术设计和民族文化的心理源泉。伴随着信息时代的到来,民间一词逐渐远离人们的视野,但即便社会经济的快速发展,也无法将人们内心对民族文化、民间美术的喜爱心理所取代,作为中华文化的结晶,民间美术可以看做是现代艺术创作的源泉,民间美术所具有强大的生命力,能为现代艺术设计提供很多艺术灵感。
三、民间美术对现代艺术设计的启示
1、民间美术造型对艺术设计的启示
民间美术造型具有千变万化的特点,为人们提供无尽的艺术造型宝藏,同时,民间美术蕴含的气韵形态为人们提供良好的借鉴。在学习艺术设计时,可解构民间美术造型中的元素,并根据现代设计中的审美原则,进行创作,同时为赋予新的象征意义,这样就能衍生出既能彰显时代理念,又有优秀民间美术韵味,还能体现出现代设计个性的现代艺术设计产品。对民间美术而言,蕴含的审美性、传承性、原发性能让民间美术形成一种独立的造型体系,从而将民间美术文化观念中的稳定性、传承性体现出来,使得人们在审美趣味和艺术表现方面具有明显的相似性,并在长期的社会演变、历史发展中,形成独特的造型符号。与此同时,民间美术造型具有异物同构特征,在中国民间美术中最典型的异物同构图形是龙,这是先民通过发散性思维将不同的图形有机结合在一起形成的新图形,加上不同民族和地区的文化不同,创造出来的龙千姿百态,在中原地区主要为牛头、鹿角、蛇身等,显得尤为神秘,最后成为皇帝的象征。
2、造物观念对艺术设计的启示
作为比较原始的艺术文化形体,民间美术是民间生产活动一体化的文化集合,而现代设计艺术的核心思想是,在大工业生产条件下,通过经济论、功能论、唯科学论等理论,进行物品设计,最终实现利润的最大化。民间艺术中包含较多的人性化思想,对物质和精神的完美结合具有一定强调,进一步表达对功利意愿和情感的追求。民间艺术造物原则来源于自然,并同自然相融合,进而使得自然界的生态平衡同艺术需求的心理平衡。民间美术造物观念包含自然、人性化两种,作为一种民间造物艺术,充分体现人与社会、与人、与物等和谐道德伦理观念。同时,民间美术蕴含的道德观念、伦理关系和情感追求等为现代艺术设计中解决单调乏味提供良好借鉴和深刻启示。
3、美术色彩观念对艺术设计的启示
民间美术色彩为庞大神秘的色彩体系,主要构成为“五色观”,即在黑白二色基础上加赤黄青三色,是继承远古先人单色崇拜,同时结合“阴阳五行说”逐渐发展起来的。民间美术色彩主要包含主观性和装饰性特征,受中国传统哲学思想的影响,民间色彩的象征意义被赋予一定主观观念,具体表现是一种社会等级制度的展示。因此,在认知民间色彩艺术时,不能仅仅停留在表面上的色彩感知,而应该深入体会民间美术色彩背后所蕴含的哲学观念、历史文化,这样才能更好的体会民间美术色彩的象征意义。民间美术色高纯度色相和强烈补色色相对比原则,是民间艺术色彩原则的主要倾向,通过暴露装饰性色彩能有效地展现蕴含的深刻文化寓意。民间美术色彩具有朴拙、强烈、浓郁和真挚的特点,能强烈的震撼人们的心灵和冲击人们的视觉。这种粗放简练的方式强烈的震撼人们的视觉感受,对色彩的要求同现代设计一致,在当今社会具有别致的示范性和借鉴性。
四、总结
作为人类的造物文化,民间艺术和现代艺术虽然产生的背景、社会文化、人文习俗有一定的差异,但从整体上看,两者均是民族文化体系的重要组成部分,为构建具有中国特色的现代艺术设计体系,就需要坚持民间美术文化根基,同时吸收外来优秀文化,进而促使现代艺术设计健康快速的发展。
参考文献
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[4]张莹.民间美术对现代艺术设计的启示[J].艺术时尚旬刊,2014(11):136-137.
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[9]王明辉.中国民间美术造型特征对中国现代艺术设计的启示[J].世界家苑,2013(05):2.
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在面向市场、面向全球化的今天,艺术设计教育目标多元化是设计教育发展的方向已经取得了共识。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计论文,供大家参考。
摘要:艺术设计创作是具有两重的属性,一方面,是艺术设计创作属于艺术的范畴,是具有审美价值的,另一方面,艺术设计创作还具有实用的功能。因此,在艺术设计创作中,色彩的表达是表现创作者的一种对社会和对周围的感知过程。分析认为,艺术设计创作中的色彩表现体现了创作者的风格,也架起了创作者和观众之间的情感桥梁,色彩的表达也体现了色彩的情感需要,色彩的表现更是文化需求的一种诠释。
关键词:艺术设计创作;色彩表现;审美
所谓艺术设计创作其实就是用艺术表现的形式,通过审美的表现来结合社会、文化、市场和科技等多方面的因素,然后把这些因素和我们的生活紧密联系起来,创作在设计中。一般情况下,艺术设计创作从艺术的角度来说,是具有审美的功能的,从实用的角度来说,其实还是具有使用功能。因此,作为艺术设计来说,是为人的精神和物质文化而服务的,是满足人类社会的物质功能和精神功能的完美的结合,也是现代化发展的社会历史进程中的必然的产物和过程。实际上,在艺术设计创作中,对色彩的运用也是很重要的,色彩是通过人的眼睛,脑和大众日常的生活经验综合运用的情况下产生的一种在光的作用下的视觉的效应。这种视觉的效应是创作者对周围感情的认知,也是对感觉的一种向往。创作者在进行艺术设计创作的时候,也需要通过色彩的表达来表现自身内心的感觉和自己内心的喜好,而色彩也是最好的一种表达内心的过程。实际上,艺术设计中的色彩设计和表现就是一种颜色的搭配,在实际的艺术设计创作中,这种艺术的表现是千变万化的,通过艺术设计者的创作把色彩表现出来,再通过大众用眼睛来体会周围的环境,色彩的作用就凸显出来了,在人类的视线中产生相应的各种各样的效果,带给大众不同的体会,也会反映大众的美感认知、情绪波动和自身的审美的情绪。因此,在艺术设计创作中色彩的表现是十分重要的。
一、艺术设计创作中色彩的风格表现
在艺术设计创作中,色彩具有十分重要的作用,直接体现了创作者的风格,和把握创造的精髓。实际上,在现实生活中有很多优秀的艺术品,在创作设计中都是用色彩来体现风格的,作为色彩设计来说,就其自身的内涵有很多不同的风格的,比如由鲜艳、强色的暖色调的色彩配成的艺术设计创作的风格表现和由冷色调配出来的风格就是不同的。一般情况下,暖色调的色彩风格都是给人以明快的感觉,也可以突出艺术设计创作的主题。其实,在艺术设计创作中,生动的色彩设计可以诠释创作者那一刻的心情,以及呈现给观众,观众也可以了解作者的风格和作者想表达的主题,这种色彩的风格的体现是很直观的,直接在色彩的表现中表现了出来。另外,在艺术设计创作中,内涵的体现也是很重要的,很多时候浓厚的色彩直接对创作作品的内涵显示就起到了重要的凸显作用。
二、艺术设计创作中色彩的情感表现
在现实中,人们的感知的色彩是通过现实的眼睛来直观的反映和体现的,一般情况下,视觉器官在感知色彩的时候,都是伴随着其他器官而产生的综合性的知觉和感觉的意识活动。所以在艺术设计创作中,创作者使用色彩其实代表的是一个整体的形象和过程,包括了客观的创作者的印象、记忆、联想和情感的体现,只有综合的丰富这些元素和内容,才会在艺术设计创作中体现出良好的色彩的效应。比如,在实际的艺术设计创作中,同一类的色相或者色调的配色方式其实在画面相一致和颜色相一致的情况下,很难达到和谐统一的效果,但是如果色调反差很大的话,色调的落差又正好突出明显的颜色,画面是否丰富,色调是否统一其实带给观众的都是一种情感的需要,淡雅的紫色配上大雁的黄色,这样的情感需要其实就是一种色彩情感的体现。也体现了创作者当时创作阶段的心情,给观众也表达了自己的倾诉和追求。所以,色彩的配色是一种情感的表现,在艺术设计创作中,要特别关注色彩设计配色的反差和魅力,善用色彩的配色来赋予颜色的内涵和丰满颜色的内涵。
三、艺术设计创作中色彩的文化表现
在艺术设计创作中,不管是商业的设计还是个人的爱好创作,实际上都是一种流行和文化的反映,色彩的表现是一种模仿和流行,色彩可以带来追随和认可。实际上,艺术设计创作者在色彩表达的时候,可以把色彩和同一色调的事物明显的表达出来,比如在平面设计中,可以通过平面设计的色彩表达方式直观的反映色彩中的流行的文化,在设计过程中,在思维上就可以演绎细微和微妙的色彩感受力。众所周知,红橙黄绿青蓝紫这些普通的魅力的颜色再加上黑白灰颜色,不同的颜色的搭配和属性就会呈现不同的创意和表现。在艺术设计创作者创作的过程中,在对色彩的感知过程中,实际上不能忽视眼睛第一时间的即视的感觉,要从文化魅力的角度来体现艺术设计创作中的色彩的表现。文化是一种流行,也是一种魅力,色彩的表达是文化流行的元素,也是引领设计的一种新潮,色彩给人的文化表现,给人一种文化的流行,艺术设计创作的色彩一旦拥有了文化的气息,也必将经得起市场的考验是流行的文化的体现。综上,在艺术设计创作中色彩的表现力量是很强的,直接反应了创作者的风格和情感和文化力,因此,艺术设计创作中,色彩的表现是十分重要的,也是设计创造者最直观的视觉表达,突出了创作的表现力。在艺术设计创作者创作的时候,必须根据色彩的实际情况和创作作品的实际情况来进行色彩的搭配和分析,用色彩来表现自己的心理特征,用色彩来感知创作者的思想和空间。因此,色彩是直接联系创作者和观众的桥梁,艺术设计创作中的色彩的表现是直观反映创作者和观众情感和思想的重要呈现。
参考文献:
[1]侯履晖,论艺术设计创作中的色彩表现,现代装饰(理论),2012年5月
[2]吴志华,色彩通感在审美活动中具有的价值,南昌大学,2012年8月
[3]徐燕,论色彩在中西现代油画艺术中的情感表现,山西师范大学,2012年4月
[4]周小娟,浅析艺术设计中的设计色彩表现,安徽文学(下半月),2010年12月
[5]杜森,现代海报设计中的色彩表现,中国艺术研究院,2009年3月
摘要:文章重点针对明清环境艺术设计与陈设思想进行分析,以便从中得到启示。
关键词:明清;环境艺术
中国现代环境艺术设计融合了我国传统设计理念和西方设计理念,风格多种多样,有中式、欧式、简约、田园等,不同的设计风格彰显着别具一格的设计理念。其中,我国的传统设计理念对现代环境艺术设计有着重要的指导意义,也是我国现代环境艺术设计的基础。因此,文章重点对明清环境艺术设计风格进行研究,这对我国现代环境艺术设计有着指导意义。
一、明清环境艺术设计的内涵
明清的环境艺术设计总体思想在于“道”,大到园林别院,小到客厅卧室,“道”之思想始终存在。古人云:“园总之奇在变化万千、独藏与道之衍一,虽穷变亦在气中,顽石水榭楼台阁角,无不与气通。”其中的“气”就是指“道”,这句话的总体意思是说虽然环境艺术千变万化,但是每一种都要与“主人的气”相互沟通,通俗来看这是因人制宜设计理念的表现。明清环境艺术设计的总体理念在于“藏”,既能“藏拙于巧”,又能“藏灵于愚”,具体表现在“不漏”二字上。明清的环境艺术设计没有唐代的夸张、宋代的活用,但是就“不漏”二字而言可谓登峰造极,最著名的莫过于皇家别院与园林的设计。每当我们看到故宫、天坛等设计,总会感慨其气象万千,但如果仔细挖掘,则能够发现其设计材料种类虽少却精、颜色虽少却重,总体设计理念并不张扬,但是在稳重的表象下藏着设计者根据皇家气象别具一格的“不漏”思想,既不让人感觉到夸张,又能衬托出皇家的威严,这是化繁为简、去伪存真的“简”的思想。明清环境艺术设计的总体方针在于因地制宜,即根据不同的地域进行不同的设计。如,北京地区的设计方针在于大气,江南地区的设计方针在于别有洞天,西北地区的设计方针在于方便使用,因地制宜思想成为当时的主要设计理念,任何设计都不可能脱离当地的地域风情、民俗习惯。因此,明清环境艺术设计针对不同的地域风格、人民生活水准、业主,提出不同的设计方案,即追寻上述的“道”“气”“藏”“不漏”等思想理念,根据实际情况进行调整,尤其是在1570至1620年间,由于当时民间思想更为开放,在这一段时间内基本打破了“士农工商”的阶级理念,建筑设计标准也随之被打破,因地制宜、因人制宜、因时制宜的设计思想得到普及。明清的环境艺术设计内涵在于与人结合、与“道”结合、与时结合、与地结合,不拘泥于形式。
二、明清陈设思想的内涵
与整体环境艺术设计相比,明清的陈设思想更为复杂。明代陈设在于“自然”,沈津为《长物志》写序说:“几榻有变,器具有式,位置有定,贵其精而便,简而裁,巧而自然也。”明代的陈设布置根据主人经济状况的不同有一定的区分,但是总体讲究“自然”,陈设摆放的位置、款式、数量都有一定的规格。如,明代的书房陈设标准要有长桌、笔格、笔筒、笔洗、古砚、水注、糊斗、镇纸等,根据文人的地位和经济状况,这些事物都要有不同的款式规格。又如,明代的卧室陈设要有榻床、滚凳、小几、花尊、定瓶、鼎炉等。清代的室内陈设讲究简约,没有固定的要求,在设计理念上,设计者根据自身喜好可以对室内物品进行增减,其总体标准在于简约实用。同时,清代的汉族设计理念与满族设计理念相互杂糅,所以清代的陈设思想也融入了一定的少数民族风情,更贴近自然。明清两代的陈设思想有一定的不同,但总体而言,陈设与主人的地位相适合这一中心思想没有改变,室内的陈设能够从很大程度上反映出主人的地位、品节、风格,如读书人的客厅讲究市声不入耳,俗轨不至门。客至共坐,青山当户,流水在左,辄谈世事,便当以大白浮之。室内外布置为“门内有径,径欲曲;径转有屏,屏欲小;屏进有阶,阶欲平;阶畔有花,花欲鲜;花外有墙,墙欲低;墙内有松,松欲古;松底有石,石欲怪;石后有亭,亭欲朴;亭后有竹,竹欲疏;竹尽有室,室欲幽”,讲究自然、情趣、意境。
三、明清环境艺术设计与陈设思想对现代环境艺术设计的启示
明清两代环境艺术设计理念都以尊崇主人的地位、身份为根本,配合“道”“藏”“自然”等思想在细节上进行一定的变化。这一思想理念对现代环境艺术设计的启示可以总结为三点:第一,设计根本在于衬托业主的气质,配合地域、民俗等客观条件,能够在一定程度上展现出业主的个人品格和思想观念;第二,设计的根本在于结合当下社会风气融入艺术气息,因时制宜地进行设计变通;第三,设计根本在于在繁复中彰显简约、自然,自然含有素朴、本性、本质之意。一些人常常注重繁复的设计风格,却忽略了自然的特性,也忘记了从简单的事物中体验快乐的感觉。因此,要想现代环境艺术设计最大限度地融入自然,则必须回归简单的设计风格。明清环境艺术设计更多地受到了儒家思想的熏陶,将环境与人看作一体是这一时期的主要思想。因此,若想将这种自然的设计理念运用于现代环境艺术设计,则必须基于时代的角度具体问题具体分析。结语明清环境艺术设计与陈设受时代影响较大,并且受文人思想与社会风气的影响较大。现代环境艺术设计应当延续明清环境艺术设计与陈设思想,将其设计理念用在具体的设计中,如此才能传承传统环境艺术设计理念并将其发扬光大。
参考文献:
[1]王思天,郝翰.室内环境艺术设计中的陈设艺术.现代装饰(理论),2015(1).
[2]肖一倩.艺术设计专业实践教学手段、方法的研究和实践.南京广播电视大学学报,2009(1).
[3]赵杰.关于植物造景的分析.安徽农学通报,2008(16).
[4]王朝晖.园林绿化与生态景观结合的意境美.黑龙江现代建筑,2014(14).
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艺术类大学生既有作为大学生的群体特征也有艺术专业特征的个体特征。下面是读文网小编为大家整理的艺术类本科毕业论文,供大家参考。
一、艺术类学生特点
1、思维活跃不僵化,自由想象力丰富
艺术类专业大学生受其专业影响,思维大多活泼跳跃,充满激情,富有创新精神,相对而言则不够重视现实,或者说是忽略现实,沉浸于天马行空的理想世界。和普通大学生相比较对事物更加敏感,却看得不如普通大学生有深度。热爱专业艺术,但很少关心现实尤其是时事,更有甚者缺乏现实世界常识。热衷于创造设计,行事往往比较自我。
2、情感丰富充满热情,艺术生大多性格直接,情绪表现明显,有领导力
艺术类学生比起普通学生更加遵从内心喜好厌恶,常常感情用事不够冷静理智,无法理智的看待事物。正因如此,艺术生不喜欢被约束,很难正确的去看待一些管理条例或者规章制度,不能理解老师管理的一些做法,冲动的感情就会促使他们直接对抗管理,甚至产生逆反心理。
3、有专业特长但文化课相对薄弱
文化素质的薄弱必定会导致严重的后果,没有文化底蕴的艺术生既无法创造出富有深刻内涵的艺术品,对他们的工作生活也会产生一些不良影响。虽有艺术专业特长但知识的匮乏的艺术类学生也常常会形成不喜爱甚至厌恶文化课的心理。许多艺术生踏入高校校园后,都展现出比较好的综合素养,并且相对普通学生更加优秀引人注目。而其中一部分创新能力及社会活动能力较强的学生,往往会走出校园,利用社会资源在社会中开展各种活动工作,丰富课外生活。
二、艺术类学生特点产生的原因
1、社会影响
相对于文化课艺术专业更注重实践,艺术生的课程也更倾向社会,更早的受到社会影响的艺术类学生比普通大学生更独立,有主见,对自己的未来职业有规划或有期许。但是丰富的社会经验也使他们受到一些社会不良因素的影响,比普通大学生更加早熟的艺术生更早的见识到社会上一些灰暗的东西,对心理造成一些影响。
2、受国家招生政策影响
高考时艺术生的文化课成绩要求不高,艺术生的大多数时间用在专业技能的培训学习上,学习文化课的时间内大大缩减,当然不排除因为前期无法跟上中学时期的文化课程,后期差距拉的更大以至于很难弥补的原因。
3、受环境影响
艺术生性格影响,所处环境和普通学生不同,成长经历也不同是艺术生明显区别于一般大学生。所拥有的才艺使他们有表现欲的基础,环境造成性格更加直接。艺术类学生从小就参加许多艺术特长班,在口才、沟通、社会交往等多个方面,都表现出较高的能力。经常参加一些活动和表演,培养了勇气和能力。
三、艺术类学生管理对策
综上所述,艺术类学生所独具个性特征使得我们的学生管理工作遇到了新的重大挑战,不同于对普通大学生的管理,如何管理引导艺术类学生,帮助他们扬长避短、发挥专业技能和提升自身素质,已经成为管理工作亟待研究的一个特殊问题。
1、辅导员和高校学生工作干部需要加强科学文化知识学习和政治建设学习
不断学习新知识,时刻跟随党的步伐,严格要求自身。要发挥学生党员和递交过入党申请书同学的模范带头作用。党团共努力,形成好的班风,养成好的纪律。针对艺术类学生的特点,创造性地做好教育管理工作。加强对学生的思想政治教育,各专业、班级之间可以组织开展班风、学纪等方面主题班会,相互监督共同进步;作为管理学生的直接负责人,辅导员的责任与使命相当重大。身为艺术类学生的辅导员应具备良好的综合素质,成为学生成长道路上的指导者和引路明灯,用自己善良的品格、优秀的能力、亲切的交往、渊博的知识为学生树立榜样,好的辅导员在某些方面甚至会成为学生努力地方向和目标。身为辅导员,在适当的处理学生各项事务的同时,也需要不断提升自身素养,紧跟时代的步伐,保持学习进度以免与社会现状脱节,也不会与学生产生代沟难以交流。身为辅导员不仅要掌握马克思主义哲学等理论,熟悉思想政治工作也要了解一些心理学、法学、健康等多方面知识,更好推进学生管理工作。身为艺术类学生辅导员更需注意,艺术生更加的敏感和情绪化,好的辅导员至关重要。
2、发挥学生的主观能动性,加强文化课学习
培养学生自主管理的心态,使学生学生在学生管理工作改变被动为主动,代替老师行使职能,这样学生不容易产生逆反心理,学生自己约束自己,辅导员老师加以辅助,学生自主管理使管理制度更容易推行同时也培养了学生的工作能力。当学生成为管理者的时候,也会更加理解老师的管理和理解制度的合理性。学生通过成为管理者,进一步增加了对班级、专业的责任感,服务同学的荣誉感。对身为管理者的学生干部应当增强他们的服务意识,真正融入同学内部。切忌形式主义,做到真实真诚的对待同学,使学生干部成为学生和学院老师之间的桥梁,真正做到解决同学困难困惑;针对艺术生文化课薄弱的现实状况,加强文化课培养,拓宽知识面。引导学生产生学习兴趣,主动学习并将文化课中学习到的知识融入到本专业领域内,创造出有内涵的新作品。重视对学生进行中华传统文化的熏染,将博大精深的传统文化引入艺术生专业,可以适当带领艺术类专业学生参加中国传统文化作品展览等。合理安排学生进行自习,自主学习文化课知识,安排自习时间为学生解疑答惑。
3、拟定建立规章制度,配合人性化管理
无规矩不成方圆,既然是管理,必定要设置规章制度。只有在确定了的规章制度下,才能够奖罚分明,违反规矩就要受到惩罚。规章制度管理下的艺术生们才会是平等的,公开的制度才能保证公正才能使学生信服。在严格遵守规章制度的前提下管理学生,使习惯于自由散漫的艺术生不逾越底线,遵守大家共有的约束条款;在对艺术生进行管理时应注重人性化管理,事出必有因,不能一味的按照条例执行,要究其原因,分析事件发生的各种因素。如果学生违反条例不要急着处罚,将事情查清楚才能更好的管理,若是错的找出原因从根源改正杜绝,若是情有可原应当酌情处理,人性化的社会应当运用人性化的管理。过度的依靠规章制度只会引起学会的逆反心理。
一、艺术类师范生在培养过程中存在困境的原因
1.学生知识基础相对较薄弱
因为高考艺术类的招录成绩相对较低,一些学生因为文化课成绩较弱而选择了艺术类特长。在文化课成绩相对较低的情况下考取了学前教育(艺术类)专业,到大学后对学前教育专业开设的基础理论课程的学习很难在短时间形成较好的学习态度和学习习惯,这部分学生普遍表现出文化课成绩较弱,对学习理论层次较难的课程理解起来相对较为困难,大多数学生英语学习水平较差,在学习越来越难的困境下逐步陷入了越学越差、越学越不想学的恶性循环之中。
2.学校管理与教师教学方式的影响偏差
有些学校用比较严苛的管理模式来进行约束,如查课。虽然将学生拘于课堂之中,却导致不少学生身在课堂心在外,上课睡觉、玩手机的现象比比皆是。大学课堂的学习更注重教师对课堂教学的整体把控和学生的自我学习,但艺术生本来理论基础较差,上课更依赖于教师的讲解,而面对高校教师一节课推进的大部分教学内容很难做到全面掌握,因此,在此种状态之下,形成越学不会越不愿意学习的状态,逐步失去了学习的兴趣。3.教育合力的影响表现相对较弱。大学的环境与高中不同,学生缺乏教师与家长相对严格的约束,学生对所学专业不感兴趣后开始放任自流,如果学校管理严格还能稍微约束学生脱离课堂的行为。有的学生管理层与教学层对学生管理不统一,经常会出现学生打完考勤之后再逃课的行为。有个别家境较好的家长,未积极鼓励学生安于学习,这不仅会影响学生本人,甚至还会影响班集体中其他成员的学习。学生平时对就业的意识淡薄,在就业面前所表现出来的状态明显不积极。
二、学前教育艺术类师范生实现专业发展的途径
《幼儿园教师专业标准》中对幼儿教师应具备的专业理念与师德、专业知识与专业能力上提出了详细的要求。高校在培养学前教育人才时,只有遵循国家出台的促进学前教育发展的相关文件要求,促进师范生培养,才能培养出社会所需要的合格师资力量。
1.从思想上引导,夯实理论知识的学习
针对学生在校学习期间的表现,教育者更应该关注在思想上对学生引导与教育,要增强艺术类师范生的教师意识,提高其对教师职业的认同感。学生只有喜欢、热爱教师职业,并且认为自己适合从事该职业,才会对职业产生认同感,由此形成的认同感才是稳定和持久的。因此,要做好艺术类师范生对学前教育专业兴趣的引导,让其了解大学阶段的理论学习对工作都有基础作用。在大学期间所形成的积极的学习态度和学习习惯,对个人的影响尤为重要。
2.加强教学技能训练,提升师范生的技能
在校期间要加强艺术基本功的训练,如声乐、舞蹈、钢琴等艺术能力的培养。同时,在大学期间还应分阶段加强教师基本功的训练,强化练习口语表达和书写能力,重视训练教师教学基本功,实践类课程则应注重教师技术训练,行为获得,可采用讲解示范法、行为训练法、微格教学法、模仿法、自评他评法等,并列举教学实例,使实践类课程的教学在转化为学生有效教学行为上起到较好的效果。此外,还要提高学生的课程组织与实施教学的能力,开拓幼儿园实习实践基地建设,通过组织参观与实习活动,让学生在实践中拓展教学能力。
3.发挥教学与管理的双重指引作用
管理人员与任课教师应有机结合起来,运用彼此之间形成的教育合力对学生产生影响,促使学生积极参与到课程学习中来。针对学生基础理论知识较为薄弱的情况,教师要合理组织、调节教学内容,注重对理论的基本概念和逻辑体系的分析讲解,教学的实施不仅是完成教学计划中各项内容的规定,更重要的是面对教育对象的现实情况,在开展教学的过程中,有针对性地进行调节,如果仅仅为了完成规定的教学内容,教学只成了“教”,而忽视了教育对象的“学”,并不能成为真正的教学。
4.做好就业指导与规划,调整就业期望值
高校除了开设就业指导方面的课程外,还应对学生未来的发展起指引作用。要对学生讲明学前教育的发展前景和荒废学业的利害,学生经历未来就业的可行性分析,摒弃来此专业只为获取毕业证的念头,本着安然、平和的心理投入到学习中。同时,还应加强学生对就业形势的认识,提高自我判断力,并准确进行自我定位,提高就业和求职的能力和技巧。要引导学生进行就业心态的调整,加强对学生的就业指导和思想教育,使学生的就业期望更加理性,确立正确的人生价值观,树立科学的就业观和择业观。此外,还应引导学生结合自己的专业,到需要的学前教育机构的岗位去工作。
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