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看看你是否具备以下几个学习吉他的条件?
一、能完整不跑调的唱完一首歌;
二、有毅力——这个是最重要的。学吉它的开始阶段是十分枯燥的,一些重要的基本功的训练是每天都必须做的。只有具备了坚强的意志力,才能走过学习的初级阶段,进入充满乐趣的新境界。毅力很重要哦~
三、每只手有不少于4根指头 :)
四、你能否保证在2周内能够坚持不放弃?
如果以上你符合3条以上,那末毫无疑问,你一定适合弹吉他。如果假以时日,相信你还极有可能成为吉他高手,祝你好运!
相信自己就是成功了一半!
以下几点原因都不是学吉他的难题:
◎手小——根据经验,手小对学吉他的影响极小,我认识的一个女吉他高手手就很小,但她的指法极为灵活熟练,弹吉他时指头如飞。对于一些跨度比较大的指法,也可以游刃有余,所以这个你完全不要担心。
◎唱歌不好听——这个对弹吉他没有太大影响,如果你实在对自己的歌声没有信心的话,那末就立志成为吉他高手吧;不过根据实践的经验,经常弹唱,歌声会越来越和谐的。
◎没有时间——这个也不是问题,其实只要你喜欢,每天哪怕是只练20分钟也会有很好的效果的。
◎没有人教——这个更不是问题,因为你现在看得就是写给没有人教的人学吉他的教材:)
学吉他什么会失败?
◎没有毅力——80%以上的人是因为这个而失败,他们往往是在学习的初期热情万丈,但是由于在刚开始的时候不能很好的坚持练习,练了几下后急于求成,最后被自己糟糕的弹奏搞的垂头丧气而失去了信心。之后,吉他就被束之高阁……结束……
◎乐理知识太差——最基本的乐理知识还是要补充一下的,嘿嘿,至少刀、来、眯你要知道阿~(见附2:补补基本乐理知识)
◎没有找到合理的训练方法——这部分人训练很刻苦,但是由于没有按照正确的训练方法训练,最后导致了失败。我得教材会告诉你科学正确的训练方法。
学吉他可以留指甲吗?
◎一般来讲,左手最好不要留指甲,因为不利于按弦;右手可以少许留一点,有利于扫弦~
毅力毅力毅力!这个最重要!
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指弹吉他的基本功练习分为左手独立练习与右手独立练习,下面一一介绍:
一、左手独立性练习
这是一个很常见的练习方式,在此作一些说明:
1、尽量将手指抬高,锻炼指头的耐力和力度。
2、开始可以比较慢的速度跟节拍器,保持匀速。
3、保持规范的手型,即从食指到小指尽量保持平行
4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)
基本功练习是一项长期作业,最好每天坚持练习放在弹曲子之前,当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿,当手指感觉到发酸或发胀时再停。
二、右手独立练习
这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景,高音弦上走节奏不同的简单旋律,是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯,像节拍器一样,这样才能专注高音声部的变化。
这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中,拇指的交替低音也将有所变化,有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量,以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂,关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习,比如卡尔卡西教材的分解和弦练习,这个也是非常有效的。
大家可以根据自己的条件设计具有针对性的练习,加强自己的手指平衡性和独立性。
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民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同,对指弹吉它都很有好处。
古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义,如果受过比较正规的古典吉它训练的话,演奏指弹吉它时,左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器,而且很多时候节奏比较自由,尤其是当演奏浪漫派作品时,演奏者对节奏的把握可能相对不够精确,所以之前弹古典吉它的人,转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦,琴弦张力比古典吉它大,右手的力度需要相应提高,拨弦的感觉也需要一个适应过程。
认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些,但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差,所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的,如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友,最好要留一定长度的指甲,以便获得更加丰富的音色,而只习惯使用拨片的朋友,就只能从头练起了。
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高君老师曾经说过,民谣琴是个很不科学的叫法,一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外,美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴),还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。
他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他,甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴,这些是非主流的,但即便如此,其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大,这也属于指弹吉他风格。
所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。
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I 起源
做为初次接触哥特音乐的乐迷而言有一个无论如何也无法忽略的问题,那就是什么是“哥特”?哥特究竟代表着什么?首先我们要说的是“哥特”不仅仅是一种音乐,它更是一种文化,甚至是一种生活方式。
哥特的词源是英文的gothic,在权威的Collins Cobuild英文词典中这个单词包含有三重含义:
一.一种建筑形式,此类建筑多见于宗教性建筑。如教堂等等。标志为尖顶、高穹顶、呈锐角的拱门。
二.通常用来形容一些描写在黑暗和偏僻的角落(例如城堡,地窖)发生的奇异、神秘事件等内容的小说和故事。
三. 一种印刷或者手写英文字体,通常外观非常华丽。
当然,除此之外还有其他一些含义。但在我们这篇文章中哥特(Gothic)一词主要指的是一种都市亚文化的代名词以及由这名词本身衍生出的形容词。它包含了文学、音乐、美术、服饰等许多方面内容。
至今为止,哥特的、哥特式的这类词已被用于多种音乐风格的描述。从摇滚(Rock)到工业音乐(Industrial)从电子(Electro)到民谣(Folk),都有和其相关的分支流派存在。
那么我们先从哥特最初的起源开始谈起:哥特确切作为艺术词汇而存在是欧洲的文艺复兴时期,它被用来形容绝大部分和中世纪有关的艺术风格。最初哥特是做为德国古民族的一支的称谓而被世人所记住的,他们曾经打败并入侵过罗马帝国,并最终使其分裂崩溃。而15世纪在意大利掀起的文艺复兴运动中的艺术家们将古希腊古罗马文明结束至文艺复兴运动开始这其中由会势力统治的漫长岁月称之为“黑暗的中世纪”(Dark Middle Age),并将这段时期中所产生的艺术形式统统归为哥特艺术。自然,从当时那些文艺复兴艺术家们的本意看来,哥特这个词最初绝不是什么赞扬或崇敬。它意味着粗野、不开化。事实上,从现代角度来看,中世纪艺术并不象当初他们所形容的那样一无是处。相反,很多相当有造诣的作品保留了下来并影响着后世。例如哥特式建筑、雕刻、玻璃器皿、灯式、装饰画等等。在这些哥特艺术当中,宗教题材扮演着极其重要的角色。
18世纪末19世纪初欧洲开始的浪漫主义文化运动使得哥特和中世纪再一次被当时的文化界所关注,浪漫主义崇尚个性解放,情感,自由。是对西方近代唯理主义、物质主义思潮的一次反动。是人性对工业文明的反抗。具有反传统和非理性色彩,其中审“丑”第一次做为美学概念出现在大众面前。他们用各种手段创造着自己的艺术,其中宗教、超自然、中世纪题材频频出现,而哥特做为一种形而上的醒目、黑暗、奇异符号被浪漫主义艺术赋予了新的内涵。其中颓废派作家Byron(拜伦)、Shelley(雪莱)、Baudelaire和 Verlaine对人类的阴暗面都非常感兴趣。性困扰则成为了浪漫主义文学所关注的另一个重要主题,背德的欲望和罪孽,付之行动后的苦恼与喜悦每每被作者和读者玩味不休。在视觉艺术领域,诸多浪漫派画家(如Caspar David Friedrich)非常偏爱哥特题材,那些荒芜、萧瑟、黑暗的景象被浮现于画布当中。建筑领域新哥特风格的教堂再一次成为了时尚。在这些艺术领域艺术作品中,哥特小说应该被着重介绍给大家。此类通俗小说在18世纪相当时髦,书中描绘了大量荒诞不经的奇谈怪论和黑暗历险故事,融合恐怖、神秘、情色元素。艾伦坡的“乌鸦” Bram Stoker的“吸血伯爵Dracula”,玛莉雪莱的“佛兰肯斯坦”都是其中的名著,特别是Stoker开创的吸血鬼文化可谓历久不衰,在当今时代都能吸引到无数的追随者和爱好者。例如创作出“夜访吸血鬼”等新哥特小说的当代作家安妮 莱斯。这些作品大大超出了当时社会所能容忍的限度,因此被官方文化界所不齿。
II 不列颠新哥特运动的兴起 Gothic Rock
20世纪80年代初,一股新哥特文化运动渐渐在英国兴起并被大众所关注。音乐在其中扮演了领头羊的角色。一种脱胎于70年代末PUNK/POST PUNK音乐的新音乐形式出现,后来被公众称之为“哥特”。它流行于英国的“异教徒”(这里特指不信英国国教的人)当中,具有明显的反传统色彩,敌视正统性道德和宗教信仰;歌颂黑暗,人性的阴暗面和死亡的美丽;音乐上尽管含有电声效果和舞蹈节拍(在进化后的某些分支中),但整体沉缓、忧郁、沮丧而病态;强调小调和声,空旷、单调的旋律和递缓的节奏;形象上,乐队和乐迷都将死亡上升为一种审美观念:蕾丝花边衬衣,黑色皮革衣裤,黑色眼影,苍白的化妆油彩,维多利亚式造型,中世纪服饰,宗教服饰统统成为了“哥特人”的最爱。很难为哥特音乐的诞生确定一个具体日期,因为在70年代末大量英国乐队涉及到了这一黑暗领域。Joy Division,The Cure,Siouxsie and the Banshees,The Damned,Adam & the Ants,Ultravox, Killing Joke,The Sound,The Comsat Angels,UK Decay等等我们大陆乐迷熟悉不熟悉的名字充斥其中。他们那带有新浪潮和黑暗流行色彩的音乐影响了很多后来的“哥特人”。但唯一可以明确的是英伦新哥特运动最为“标志性”的事件是英国乐队Bauhaus在1979年推出了单曲Bela Lugosi’’’’’’’’s Dead。(Bela Lugosi是著名的扮演吸血鬼的电影演员,他79年去世)。从此哥特音乐一发不可收拾,Bauhaus也因此成为了历史上第一支公众意义上的“哥特”乐队,虽然最初“哥特”这个形容词同样表示着主流媒体对这支乐队的鄙视。其后对于新哥特运动有重要贡献的事是一个名叫BATCAVE(蝙蝠洞)的俱乐部1981年在伦敦成立,许多被贯以哥特名号的乐队都曾在那里演出过。其中以Virgin Prunes和Alien Sex Fiend最为著名,虽然这两支乐队对于哥特音乐本身的探索并不如我们前面提过的许多乐队大,但在当时他们频繁的演出和骇人的舞台哥特形象还是为不列颠新哥特运动的推广做出了莫大的贡献。
有评论家撰文对这股新哥特文化运动进行了精辟的分析:从渊源上将,新哥特文化运动明显受益于19世纪浪漫主义文化思潮的影响。它们同样充满个人情感:浪漫的爱与失落,同样以死亡、毁灭和黑暗历险为主题,这些都能在哥特小说中找到参照。新哥特运动在英国的诞生和兴起是因为它很好的扮演了一种融合音乐、电影、文学、美术和时尚的综合艺术。
20世纪80年代中期哥特音乐做为一种传统摇滚乐中的新流派在英国取得了相当大的成功,Sister of Mercy,The Mission UK,Fields of the Nephilim这三支乐队成为了其中的矫矫者。融合黑色情趣,浪漫色彩,NEWWAVE和稍许金属元素的音乐受到广大乐迷的热烈追捧,在某种意义上他们重新定义了哥特音乐。(如果你聆听过这三支团的专辑,并将之与Bauhaus的作品相比,差别显然易见。)如果我们将眼界放宽一些,那么欧洲还有一些被忽视的哥特团体,如Alice, Laura,Temple of Love,Tower of Strenght,For Her Light 和Garden of Delight的作品也都具有相当的水准。随后出现的一些哥特乐队随着这股运动也确立了自己在乐坛的一席之地。And also the Trees,Xmal Deutschland,Love like Blood等等纷纷推出了带有哥特味道的新唱片。与此同时一些不好的倾向慢慢蔓延在传统哥特音乐流派当中,许多乐队放弃了自己的音乐创造力甘心跟在他们的“偶像”后面亦步亦趋,大量相似的作品被不同的乐队所用滥。以至于当前传统的哥特音乐,一般我们称之为“哥特摇滚”(Gothic Rock)在世界范围内日渐没落,就像廉价恐怖漫画书那样成为了一种腐朽的陈词滥调。不过在英国本土它们还保持了一定的生命力和影响力(也许是英国人天性保守的缘故?)至今你都能听到和看到大量乐队Rosetta Stone,Midnight Configuration,Inkubus Sukkubus……创作着和它们的前辈相差无二的音乐活跃在地上和地下乐坛。
与上面那些乐队相对照的是一些需要我们特别关注的乐队和它们所创作的音乐。这些团体组建伊始均深受80年代初不列颠新哥特运动的影响但不久后都开创了自己崭新的音乐道路,例如著名的Dead can Dance,这支来自澳洲的双人组合的首张专辑是非常纯正的哥特作品。但从第二张专辑开始,独特的咏唱、越来越多的中世纪元素和东方音乐元素融入到了歌曲当中,非常独特。另外要说的是Cocteau Twins,早期的阴郁风格逐渐被乐队成员演绎成了一种缥缈的梦幻之音。从另一个角度重新诠释了哥特音乐本身,这两支4AD旗下的台柱组合被日后许多新的黑暗音乐流派视为鼻祖。说到这里我们必须给予英国4AD这个曾经提携过Bauhaus,DCD,CT的独立厂牌足够的尊敬和感激。正是由于它的存在和慧眼,新哥特运动才会对乐坛产生着广泛和深远的影响。最后我们还不能忘记来自欧洲中部荷兰的Clan of Xymox,那近似The cure般俊美妖艳的外形配合忧郁迷幻带有电子舞曲色彩的哥特之声着实吸引了不少流行乐迷投入了哥特音乐的怀抱。
III 黑暗之血在美国和欧洲Deathrock,EBM,Darkwave,Synth-pop……
上一章我们着重谈论了哥特音乐在英国的起源和发展。但“黑暗之血”无处不在,在不列颠新哥特运动如火如荼展开的同时隔海相望的美国地下音乐界也正衍生出一股直接源自根源摇滚的“浊流”, 81年Rozz Williams组建了传奇乐队Christian Death,他们用妖艳的外型;启示录式的歌词;咆哮的吉它以及限制级恐怖片和色情电影样的现场营造了一个现世地狱。其渎神和黑暗病态程度比一众英国同好有过之而无不及。当时的美国音乐媒体将Christian Death的音乐冠之以“死亡摇滚”的名号。就本质而言死亡摇滚与哥特摇滚同为一物,唯一略有不同的是美国地下音乐界并没有经历过如英国乐坛一样的无政府Punk暴动,因此Deathrock的器乐编曲更多来自于Mifit类的恐怖Punk并且混合了许多根源摇滚成分,基本上不含有Punk色彩。虽然Rozz最后与乐队不欢而散,并最终在98年前以悲剧方式结束了自己的生命。但Christian Death以及其所派生出的诸多乐队如Shadow Project、Faith & the Muse、Gitane DeMone等组成的音乐家族构成了北美黑暗音乐界中不可忽视的一股力量。此外London After Midnight早期也是这种风格的乐队。而美国黑暗厂牌Cleopatra始终不遗余力地推广着这种音乐。
从现在开始这篇文章将探讨一些饱含哥特意识的其他黑暗音乐风格,虽然音乐形式与传统哥特摇滚相距甚远,但其黑暗的精神内涵却紧紧相连。在这里哥特精神与其他多种音乐风格交叉混血创造了一些新的分支流派。进而主宰着当今的黑暗乐坛。
首先我们要说的是EBM,全称Electronic Body Music(电体音乐)。从命名上分析它本身属于电子音乐的一支。最初评论界把70年代末80年代初一些电子乐队所创作的冷酷、黑暗而又极简化的电子音乐称之为EBM。大多数人认为Front 242是第一支真正意义上的EBM乐队,他们将电子色彩浓郁的冷酷声响,单调简化的节拍和军国主义突击队造型带进了摩登的舞池,一场真正的音乐暴力革命。随后而至的一系列团体是The Klinik,Insekt,Dive,Click Click,A Split Second以及Suicide Commando。随着此类音乐本身向着黑暗和暴力的进化Digitalhardcore(数码硬核)终告出现,其中的代表乐团Alex empire已被众多乐迷所熟悉,我们无需赘言。美国的情况则有所不同,虽然它们也有大量的EBM乐团,但这些乐团却不这么称呼自己而更愿意用Industrial(工业)来形容自己。如Skinny Puppy、Front Line Assembly、Cevin Key、Velvet Acid Christ、My Life With The Thrill Kill Kult等,虽然音乐中都含有大量的EBM气质但普遍意义上仍被公众称之为工业乐队。
再下来要介绍的是Dark wave,而特别要提出的是Darkwave一词的具体含义如今已经非常宽泛而模糊了,不同的国家和地区有不同的解释。这其中有美国式的,有德国式的,甚至还有中国式的。这篇文章主要介绍的是严格按照音乐本身而区分和命名的德国式解释。当今的德国无疑拥有世界上最大的哥特文化消费群体,虽然德国并不是哥特文化的发祥地,但由于悠久的蛮族(无贬义)历史和异教文化传统使得日耳曼民族对哥特文化出奇的热衷。唯一能够将哥特音乐看作是主流音乐类型的国家目前只有德国而已。其中一年一度的莱比锡Wave Gotik音乐节更是全世界黑暗乐迷的盛大节日。在德国(也可以说是欧洲)Dark wave于80年代中期做为音乐词汇出现主要形容的是当时充斥德国乐坛的带有黑暗情结的new wave音乐,而且着重强调了音乐中的合成器/电子色彩。第一支著名的Dark wave乐队也许应该是Project Pitchfork。黑暗的歌词和嗓音配合幽涩的techno音乐构成了Dark wave所需要的全部元素。是的,Dark wave音乐也有很强的舞曲成分。(就这点而言,它的欧洲定义与北美定义截然不同)接下来是著名的Deine Lakaien,它同样也是德式Dark wave的代表乐队之一。另外目前正当红的一众德国乐团L’’’’’’’’Ame Immortelle,ASP,Samsas Traum等都是这种风格。
第三我们要解释一下Synth-pop(合成器流行),这种直接起源于80年代早期新哥特新浪漫运动的一种以合成器为主要器乐表现形式的颓废派音乐的代表乐队是Duran Duran和 the Human League。不过玩味此类音乐风格中的一些乐队要比前两者更加关注表现阴暗主题如Gary Numans、And One、Depeche mode、Wolfsheim等,媒体也会将它们算作是黑暗音乐中的一员。
黑暗电子音乐分支繁多,除了EBM、Dark wave、Synth-pop外Dark Techno/trance这类词也常常被用来定义Covenant、Apoptygma Bezerk、Evils Toy、Haujobb和Abscess这样的团体。不过这些名词之间的界限非常模糊,有些团体的音乐元素又非常综合。因此大家大体理解就罢了。出品黑暗电子音乐的厂牌也很多,著名的有Mute,Accession,Zoth Ommog,Offbeat,Warx,Metropolis……
IV 黑暗瘟疫般蔓延 Avant-garde,Dark folk,Ritual,Medieval,Neo classic,Dark Ambient,Industrial…..
除了电子音乐家外先锋音乐家们也把触角探到了黑暗的深渊里,其中来自美国纽约Avant-garde音乐界的传奇乐团The Swans早在80年代初就创作了众多带有黑暗意识的经典专辑。如今Michael Gira 和Jarboe虽然已告劳燕纷飞,但仍以个体身份进行着此类音乐的创作。除了The Swans,国内乐迷所熟知的Diamanda Galas也是黑暗先锋音乐流派的佼佼者。另外不要忘记德国的先锋女歌手Helga Pogatschar,其于1995年推出的首张专辑MARS Requiem绝对可以算作是此类音乐的一个经典。
同先锋音乐界所近似的情况还出现在民谣音乐界。80年代初Death in June, Current 93, Sol Invictus和 Fire + Ice家族的出现开创了一个新的民谣分支流派。大量实验音乐元素,神秘学、异教文化和右翼内容被倾注到传统民谣音乐当中,因而被媒体称之为黑暗民谣或启示录民谣。而这些元老团体有直接影响了90年代诸多新民谣风格乐队Orplid,Forseti,Belborn等的创作。无论是从音乐技法上还是从意识形态上,新民谣运动都直接继承了80年代黑暗民谣的衣钵。稍有不同的是后者的大本营是英国的独立厂牌World Serpent,而前者是德国的Eis & Licht。
Ritual音乐顾名思义,带有着浓郁的宗教祭祀气息。不过这里所谈论的仪式与祭祀都带有厚重的黑暗和神秘色彩。Coil、The Moon lay Hidden Beneath a Cloud和 Rosa Crux 是至今为止最为出色的Ritual团体,而Blood Axis和 Der Blutharsch除却其明显的右翼倾向外也该算是为数稀少的Ritual乐团中的一员。虽然音乐手法上各个乐队不尽相同或干脆说差异明显,但对于那份祭祀感的追求是相同而相通的。
Medieval音乐显然也应归于我们所讨论的范畴,因为谈到哥特我们必然联系到中世纪。艺术家们试图再现中世纪时期的音乐,并为此付出了大量的努力。查找文献及古谱,仿造或复原古代乐器。这些带有某种考古色彩的行为实际上起到了连接当代与各个民族传统文化的作用。值得注意的是Medieval音乐流派中还包括着若干不同的小分支,按照所演绎的对象的不同,分为皇家音乐、宗教音乐和民间音乐三部分。而按演奏手法区分Estampie, Freiburger Spielleyt, the Sarband,TSBB….这些团体立志于忠实再现中世纪音乐,而Corvus Corax,In Extremo,Stille Volk,Qntal则喜欢将现代音乐与中世纪音乐融合在一起。此外很多涉足此类音乐风格的乐团同时也具有明显的古典和民族音乐背景,来自意大利的两支乐团Ataraxia 和Camerata Mediolanense,以及法国的Rajna就是最好的例子。
Neo classic音乐并不完全涵盖在黑暗音乐之下。就字面意义而言,带有浓厚古典音乐气质的现代音乐都可以称为新古典音乐。而其中一小部分表达哥特/黑暗主题的乐队及作品就也被乐迷归为了它们所喜欢的黑暗音乐流派之中。这其中最为著名的乐队有Black rape for a blue girl(后期),Stoa,Soper Aeternus,Ophelia’s Dream,Caprice等等。当年德国天音/新古典厂牌Hyperium曾经推出过一系列以此为命题的音乐合辑,对新古典音乐的推广起到了很大作用。
要解释什么是Dark Ambient音乐,那么我们首先要明白什么是Ambient音乐。氛围音乐起源于70年代中期一些以合成器为主要表现手段的实验电子音乐人Brian Eno 和Kraftwerk的作品当中那些重复连绵的Techno-trance乐段。而前者首次提出了氛围这个描述其作品功能性的名词时含义很简单,意指这样的声响作品是作为环境或所营造环境的一部分而存在的。它几乎没有演唱或歌词,着重表现声响本身的质感。随着时代发展氛围音乐的含义变得非常广泛,开始泛指一切以营造场景、渲染气氛为目的的声响作品。环境采样,传统器乐等做为素材也常常出现在其中。早期的氛围音乐一直强调和传递着温暖、安逸或怪趣的情绪。完全可以做为治疗型音乐而存在。但进入90年代后,一些氛围音乐家将兴趣转投到用单调沉闷或诡异的声响表现阴郁神秘自厌的情绪上来,其中很大一部分作品还带有强烈的宗教及仪式倾向。这就是我们常说的Dark Ambient音乐。同样黑暗氛围音乐也有它的多义性,在其中你既可以聆听到Steve Roach,Vidna Obmana,Black rape for a blue girl(早期),Lycia,Soul Whirling Somewhere等忧郁自省的灰色声响。也可以聆听到Lustmord,Raison d etre,Sephiroth,Wolfskin等更晦涩且带有宗教色彩的黑暗声响。在这里我们必须要提到两个厂牌为此类音乐做出的重要贡献:北美Projekt(早期)和北欧Cold Meat Industry,它们在各自领导者Sam和Roger的掌握下,发掘出了众多灰暗/黑暗氛围组合。
之所以将Industrial音乐放在这里介绍并不是因为它不重要,相反其影响比上述很多种音乐流派都要深远。作为和广义上的哥特类音乐相并存的音乐风格,工业音乐本身就可以写一部完整的书籍或文章。但在这里我们只能做一些简单描述以伺读者。众所周知,工业音乐这个名词的起源出自70年代中期的传奇厂牌Industrial Records。这个厂牌的缔造者Throbbing Gristle带着它们的离经叛道的哲学/美学观念实施着自己的艺术探索,出品了Cabaret Voltaire, ClockDVA, Monte Cazazza, SPK等诸多异端团体的音乐专辑。刺耳的噪音与歇斯底里的声效揭露着工业社会的现实与黑暗。而Test Department, Whitehouse和Einsturzende Neubauten显然与这些前辈拥有着相同的志向。接下来还要提到CMI,除却黑暗氛围音乐外它还同样致力于极度暴力的工业噪音/实验音乐的推广,Bright Death Now和MZ 412等名号基本上已经成为了现世传奇。虽然工业音乐和哥特音乐在某种程度上就象一个硬币的两面般相互对立,哥特表达的是浪漫的,情绪化的,唯美超自然的,阴性的,戏剧化的感受。而工业音乐与生具来就带有冷酷的,机械化的,技术化,狂暴好斗的特征。但它们对于病态和反乌托邦文化的痴迷又是如此统一。随着时间的推移,工业音乐本身也在不断变化。最初单纯的工业噪音演变成了种类繁多的工业音乐分支流派。且相当一些工业音乐的分支与哥特/黑暗音乐流派有所瓜葛,其中工业舞曲乐队中的Skinny Puppy,Das ich;工业摇滚乐队中的Nine Inch Nails的存在就是最好的例子。
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吉他的祖先,可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔,古巴比伦和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他的乐器,是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点,这也成为吉他与其它弹拨乐器的最显著特点。
在十三世纪的西班牙,由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他一词就已经形成,在当时种类繁多的乐器中,已经出现了“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起,使用金属弦,演奏风格比较粗犷;拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构,使用羊肠弦,风格典雅。
文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲——用手指弹奏的比维拉琴,在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱,而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰、纳乐瓦埃斯、穆达拉,以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯、科尔贝塔、维赛等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱,而是用横线来代表各弦,用数字或字母表示音位和指法,与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。
当时著名的鲁特琴大道兰和魏斯等人的作品经后人改编,在今天的古典吉他曲目中占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲,在古典吉他曲具有不朽的价值。十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台,五对复弦和其后出现的六对复弦吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后,全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐,古典吉他的黄金时代终于到来了。
十九世纪初,活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有索尔,阿瓜多,朱利亚尼,卡罗利,和卡尔卡西。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家,他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目,为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统,除写作歌剧、舞剧音乐外,还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品,被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。
十九世纪后期著名的吉他音有乐家考斯特、默茨、卡诺、雷冈第等,他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌,在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯合作,并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。
吉他成为和钢琴、提琴一样被人们广泛喜爱的高雅乐器,在全世界流行开来,还吸引了许多专业作曲家为吉他写下了大量高水平的音乐作品。
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说明:
我下面列出的许多技巧、方法和理论是建立在我从一些非常慷慨的,愿意分享他们心得的人那里学来的东西的基础上的。我描述的技巧只是实现目的的方法之一;正确的方法并不存在,只是有些方法比其他的简便、快捷。学会技巧背后的理论比学习技巧本身更重要。了解理论可以使你明白吉他安装的方方面面的基础,使他们不再那么神秘。一旦你学会了你正试着学习的(理论),你可以直接或者灵活的运用相应的各种技巧来完成每个工作。
下面的讨论严格适用于钢弦声学吉他,基础理论同样适用于古典吉他和电吉他,也同样可以用在各种有品的弦乐器。
调整的四个步骤:
这里有且只有四条最基本的、广泛影响到吉他演奏能力的调整技巧。分列如下:调整琴颈钢筋力量;调整鞍部弦的高度;调整螺母处弦的高度;调整声调(音准)。这四条就是我所说的“吉他的基础调整”。
与“修理”对比,修理是可能会用在某个特定的乐器上,使之发挥最大演奏能力的工作;调整则是每把吉他至少都要用到一次的工作。只有极少数的制造商会用足够的时间去做这些调整工作。就算制造商做了,那些调整仍然是十分平庸并且面向大众的,不是为你度身定制。
琴颈曲度:
单纯的就吉他的基本力学原理来说,吉他的琴身机械的放大弦的震动。弦的震动是由首先使之由静止状态的位置产生位移——假定它在拉力下保持静止——然后释放它产生的。弦的弹性和作用在其上的外力使它向与平衡位置相对的几乎等位移处运动。由于每次震动的能量损失,弦的振幅逐渐减小(“衰减”)。
弦震动的基本形状是由弦根部起始,在弦中部振幅最大,并在弦的另一端停止,振幅随时间逐渐减小(衰减)的浅曲线。(空弦)弦的两端没有任何位移,而12品处位移最大。为了给弦的震动提供空间,有两个选择:或者提升弦的高度(也就是“action”)确保弦的震动不会碰到品,或者使品连成的表面适合弦震动的形状。弦的高度可以用后者达到最小,也就是减小弦与品的距离,使吉他容易弹奏。
事实上,使品丝顶端连成的平面有适合琴弦震动的曲度也就是让琴颈有一个小曲度。琴颈曲度的大小由几个因素共同决定,包括琴弦高度,琴弦振幅。如果琴弦高度足够,那么不需要琴颈曲度;当然那样会影响手感。
琴弦的振幅由张力,琴弦材料和初始位移(拨弦的力度)决定。琴弦降音会比标准音振幅大,同是标准音张力小的会比张力大的振幅大,拨弦力度越大振幅越大。所以,琴颈曲度的大小并没有固定的标准,因为不同的演奏者、琴弦需要不同的曲度。(请参考Ibanez的调整 中的介绍)
对于琴颈装有钢筋的吉他,调整琴颈曲度是很容易的。装有钢筋的琴颈基本原理都是一样的。(转述)由指板正面观察,钢筋两端拉紧琴颈,则琴颈中间向观察点突起,反之内凹(如果去掉钢筋,琴颈自然曲度会是琴颈中部向观察点内凹)。(装有两根钢筋的是什么作用:以super wizard为例,由于这种琴颈由三片木头粘合,并且很薄,琴颈自然曲度的力量不足以应付钢筋的控制,增加的一跟钢筋用于增强木材的力量,另外琴颈自然曲度对木材有严格的要求,这种设计可以降低这种要求,同时由于是两根钢筋相互作用,可调性、稳定性更好,受气候影响比较小。 一跟钢筋的琴颈是钢筋与木材作用,两根钢筋则是钢筋相互作用,然后他们的形变作用于木材) (看着头疼?呵呵,我也是)
调整钢筋的地方在琴头或者木吉他音孔内的都有。在琴头一般是被一个小塑料片盖住,在音孔内则大多裸露在腔体内琴身与琴颈结合处的加强筋上。调整的工具一般是标准六棱扳子或者其他专用的工具(随琴赠送)。
需要补充的是,品丝顶端有时候并不在一个平滑变化的面上。从琴枕向音孔观察,可能会发现有些品安装不到位。常见的毛病是木吉他琴颈与琴身结合处的品隆起一点。这种情况打品没办法用调整琴颈曲度避免。
没有调整钢筋的吉他咋办?拆掉品丝,用外力强制改变琴颈曲度,这可能需要很牛叉的技术,这里不作讨论……
必须弄明白琴颈曲度跟琴弦高度的关系。琴颈曲度越大,高把位琴弦距离指板距离越大,所以琴颈曲度并不是越大越好,适度即可,否则会很影响演奏。(还要深究?琴颈只是琴弦震动区域的一部分,当然琴身那部分不需要有曲度,但是必须保证琴颈与琴身接合在一个平面上,也就是说假定指板是平的,那么通过调整琴桥必须有一个位置让琴弦跟指板平行。换个说法,以琴身表面为基准,第23个品丝不能高于前面任何一个品丝,从琴正面观察,假设指板是水平的,琴颈宁可有一点点前倾,但是绝对不能后仰)
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用吉他专用校音笛校准六根空弦,吹校音笛E音,调第一弦空音,吹响B音,调第二弦,依次类推。
用音叉或口琴、钢琴的A音(6)调准吉他的第五弦空弦或第一弦的第五格A音。然后再以此弦做标准音调准其它弦。
以第 1 空弦音为基准音。
调整第 2 弦音高,使第 2 弦第 5 品音高和第 1 弦空弦音高相同
调整第 3 弦音高,使第 3 弦第 4 品音高和第 2 弦空弦音高相同
调整第 4 弦音高,使第 4 弦第 5 品音高和第 3 弦空弦音高相同
调整第 5 弦音高,使第 5 弦第 5 品音高和第 4 弦空弦音高相同
调整第 6 弦音高,使第 6 弦第 5 品音高和第 5 弦空弦音高相同
这里可以用一个方法就是用“视觉调弦”,即弹响同度音中的某个音,然后调另一根弦,直到所调弦产生共震为止。调至如下状态,弹响某个音,而另一根弦自然起振,与前一音共同振动,然后共同衰弱下去,其间没有任何波动为止。
这里是六根空弦标准音高
泛音调弦法(泛音就是用左手轻轻按在吉他第6弦或第12品正上方,右手拨弦同时,左手立即抬起,这样止住了琴声中的基频音而只保留高次谐波)
以第 1 空弦音为基准音。
使第 2 弦第 5 品泛音高和第 1 弦第 7 品泛音高相同
使第 3 弦第 9 品泛音高和第 2 弦第 5 品泛音高相同
使第 4 弦第 5 品泛音高和第 3 弦第 7 品泛音高相同
使第 5 弦第 5 品泛音高和第 4 弦第 7 品泛音高相同
使第 6 弦第 5 品泛音高和第 5 弦第 7 品泛音高相同
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在弗拉门歌吉他中有扫弦技巧,效果很好。一般是用右手的小指、无名指、中指和食指依次扫弦。
民谣吉他中,扫弦的方法有两种:一种使用Pick(拨片),一种用手指。这里我们先介绍手指扫弦。
手指扫弦的方法有两种手法:
大拇指扫弦
手指自然伸展,略呈弧形,所有扫弦动作都用大拇指完成。这种手法扫弦声音丰满,整体性好,缺点是音色不够统一且亮度较差。
拇指和食指交叉成“十”字,其余手指呈飞鸟状伸开,下击时用食指指甲背,上击时用拇指指甲背。这种手法音色明亮、音色统一,但声音略显单薄。
这里注意几点:
扫弦时,右手的运动要以手腕为主,右手小臂因为手腕的挥动而被带动。
手指指甲要与60°左右的角度触弦,而不是直角。就是说下击弦时食指指甲稍微向里让一让,向上扫弦时拇指指甲也稍微往里让一让。保证让指甲背而不是指甲尖去触弦。
手指扫弦的方向的轨迹应是弧线的。
手指触弦的深浅对音色影响很大。触弦过深容易绊在某根弦上导致声音的破碎,触弦过浅声音轻浮缺乏张力。
最好能听听原版唱片,听听里面的扫弦音色,再来和自己对比。
最后是一首陈庆祥的《对面的女孩看过来》,这首原声木吉他编配相当简单,但很好听,曾经红遍大江南北,希望大家喜欢。
提示:开头有一些和弦根音的变法,根音就是和弦的名称,如C和弦的根音是C。如前奏部分就是C→C/G→C→C/G。关于根音的变化在以后的教程中还将继续讨论。注意本曲的节奏重拍在后面,很快你就可以找到感觉的。还是做成图形文件。
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入门乐理:
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
一、 乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成,分清这些音乐单元,对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子,由很多不同时值的音符组成不同的小节,再由这些小节组成不同的乐句,由不同的乐句组成不同的段落,由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位,我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位,它控制着音符发音的长短,按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时,即使音符弹得非常正确,如果音符的时值不正确,那么它的音乐也是非常糟糕的,所以正确联系好不同时值的音符,对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义:时值就是控制音符长短的单位,他的计算单位是:拍。
我们目前的记谱方法有三种:五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中,它们表示时值长短的方法略有不同,但大体相似,他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法:六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法,我们在学习吉他时,接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成,这六根线分别代表吉他上的六根弦,最下面的一条线,代表吉他的第六根弦,注意,是第六,不是第一,这个要反过来理解的,然后依次是又上到下看谱,倒数第二根线代表第五根弦,下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦,还有一些特殊的符号,表示一些特色音的演奏方法,这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
手指疼了,再整理补充更新。
3.具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.
(1) 六线谱上音的表示方法
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字,分别代表这根弦上相应的品上的音。如图:最上面一条线上的0、 3、 12、18,表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符,其他线上的数字依次类推。
(2) 六线谱上节奏的表示方法
节奏技巧不同于其他的演奏技巧,他要根据不同的节奏,来扫规定和弦中六根线的不同区域,而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法,是用不同方向、不同长度的箭头表示,图中的第一个箭头表示拨片从六弦扫到一弦。第二个箭头表示拨片,从第一弦扫到六弦。第三个箭头表示拨片,从六弦扫到四弦。第四个箭头表示拨片,从一弦扫到四弦。这样,四个不同方向,不同长度的箭头按不同的时值来演奏,可变化多端,节奏丰富。
(3) 拍的概念
拍是时值的计算单位,我们在学习时值的时候,最重要的是掌握平稳的拍速,拍速就是在演奏乐曲时候,每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速,我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏,才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候,时快时慢,别人无法与你同步演奏,所以练习好拍速对于每一位演奏者来说,是非常重要的。我们要经过严格训练,把自己变成一个极其准确的节拍器。
(4) 拍的表示方法
拍是用下图的形式来表示的。一拍是由前半拍加后半拍组成的,时值中最长的基本单位是全音符,他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成,四分音符是由一个拍组成,八分音符是由半拍组成,十六分音符是由四分之一拍组成,三十二分音符是由八分之一拍组成,其他更快的音符同理类推。
二、音名和唱名
音名,顾名思义,既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键,分别用英文字母:C、D、E、F、G、A、B命名,就叫做音名,最中间的白键为C音,往右一个为D音,再往右一个为E音,依次类推,七个音重复(只限于白键)。其中,C音到D音的音程为一个全音,D到E为一个全音的音程,下面依次为:E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子:在C调里面,1=C,意思是C调的1的音名是C,2的音名是D,那么从C音到D音在同一个八度里面,D比C升高了多少呢,我们说,D比C音升高了一度。
在音乐体系中,虽然有着一百多个音高低不同的音,但音名只有这七个基本音,又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程,叫做升音(声音?汗!: )。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如:#C、#E。。。。。这里只能表示在前面,不能表示在左上面,汗!
降音
将基本音降低半音,叫做降音,用在表示特定音名的字母坐上角记“b”来表示。
变化音阶:变化音阶是指包含升、降记号的音阶,它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音,但不同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多,如五线谱、简谱、六线谱等。
例如,在简谱中,记录音的高低和长短的符号,就叫做音符,它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号,只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名,其读法就是该音名的唱名:
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1 。
音名 C D E F G A B C。
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do。
注意:在这个音阶中 3——4 相隔半音,7——1 也相隔半音,其余相邻两音都相差全音,这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上,半音是相邻两格之间的距离。
三、大调与关系小调
每个大调都与其上行六度(或者下行三度)的小调互为关系调,它们所使用的音阶相同。
关系大调----关系小调
C<=======>Am 。
D<=======>Bm。
E<=======>#Cm 。
F<=======>Dm 。
G<=======>Em 。
A<=======>#Fm。
bB<======>Gm。
四、和弦知识概述
这里指的和弦通常指同时响出三个或三个以上不同高度的音,音名的排列有C、D、E、F、G、A 和 B七个音其中任何一个音都可以作主音(即根音)加上其上三度音和上五度音,便构成最基本的三和弦,分述如下:
C :1 3 5 。
D :2 4 6 。
E :3 5 7 。
F :4 6 1 。
G :5 7 2 。
A :6 1 3。
B :7 2 4 。
以上七和弦均由相隔三度的三个音组成,所以称为三度和弦,这七个三和弦便是一切和弦的根基。
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民谣吉他演奏要领
古典吉他在演奏方式、拨弦方法、指甲的修剪上都有很严格的要求,民谣吉他的演奏比起古典吉他相对要自由和随意。
民谣吉他站着、坐着弹都可以。坐着弹一般将右腿跷放在左腿上,使吉他的共鸣箱凹陷处置于右腿上;也有双腿平放在地上,将吉他的共鸣箱凹陷处置于右腿上。站着弹则要栓上背带,挎在肩背之间。无论采用那种姿势都应身体放松,琴头略向上倾斜。
左手动作
手腕应略向外送出。
拇指原则上应按在琴颈的中间,拇指的方向不应该与指板平行,而且应在食指和中指中间。但民谣的琴颈较窄,大拇指的指法就不是一成不变了,有时拇指也可以按弦。无论采用什么指位都应有利于换把。
食指、中指、无名指、小指组合方式有很多,但有一些必须坚持的法则:
(1)各指要用指尖按弦。
(2)各指要尽量垂直于指扳的角度按弦。
(3)按弦的位置要尽量靠近品位。
(4)各指关节要呈弯曲状,不可僵直或向内弯曲成折指。
右手动作
很多人都以为左手很重要而忽略了右手。右手的弹奏关系到音色的变法和情绪的处理。将右手以肘部为支点,轻放在琴箱后方凸起的地方,手腕稍向外凸利于手指的拨弦。拇指应在其它指的前面,不应躲在其它指的后面。原则上大拇指负责4,5,6弦,食指负责3弦,中指负责2弦,无名指负责1弦。触弦的位置一般在音孔附近。
右手拨弦的方法有两种,Apoyando(靠弦奏法)、Al aire(不靠弦奏法)。靠弦奏法拨弦后停靠在下根弦,通常用于旋律音和低声部的音。不靠弦奏法拨弦后不停靠在下根弦,通常用于分解和弦和快速乐句。
民谣吉他的姿势比较随意,上面所说的是一般的原则和规律,有一天你看到民谣吉他大师弹琴你会吓一跳的,布鲁斯吉他大师Eric Clapton的演奏姿势就有一些不同,他的手指比较长,但基本的原则是不变的。
吉他入门指法
1、按不住弦这类问题一般都是按和弦的中。
指独立性差,这个主要是左指力量不均。指之间互相影响。按和弦的时候可以分步来,就是先按全部和弦的两根弦,按好了再加一根,直到完整的和弦都按好。另外练练爬格子,锻炼指独立性的很好的方法。
发生杂音:俺一再强调垂直按弦,还有就是按弦的指老是遇到其它弦。垂直按弦。不要老是看一些高视频上,指是趴着按弦,就学人家,人家可是高高高高这种水平,不按弦都能出声(某位什么VAI就用还有用电钻的用脚的暂时没发现)初学,咱还是规规矩矩,墨守成规。垂直按弦能保证按弦的指不影响其它弦,特别是按和弦的时候。要想垂直,很容易,腕向外送,就像鸡爪疯那样,越像,越垂直!
2、指条件不好。
没办法,都拿起吉他上了贼舟了即弹之则安之。苦练吧!指条件和弹琴的水平没有直接的关系,指条件不好就意味着你要比他人付出更多的努力,但只要你功夫下到弹一好琴是没有任何问题的
吉他入门之指条件:
指条件不好一般都是下面两种情况:
够不到弦
1、指太短。
哈哈,对于够不到低音弦。鸡爪疯神功又派上用场了用了就能够到不信你试试!对于跨品弹奏有困难,没事儿撑撑指,像压腿一样,不过悠着点儿,别撑断了什么?已经断了把琴卖了上医院吧。言回正传,左指的延展性要通过一定的训练才干达到低把位练爬格子,有效致极。
2、指太粗
指太粗,这两天论坛里有一位朋友发帖子。肉太多,按弦的时候老是遇到其它弦,这个问题很多朋友都存在关键就是用指尖垂直按弦。BB、KING老头的指粗不粗?贼粗!那他咋弹的练的俺研究了一下我滴琴的指板,得出一个结论,一般民谣琴或电琴的指板都比较窄,一根弦和相隔一根弦的另一根弦,比方1弦和3弦,之间的距离大概是1、5厘米,指按2弦的时候,指尖被后的厚度也就1厘米,不至于影响到1弦和3弦,如果影响到肯定是方法问题。
3、和弦转换
前一个和弦老是弹不完整,有位蔺永杰朋友发帖子说他转换和弦的时候。最后一个音总是空弦音,还没弹完,指就腾空而起,去按下一个和弦,而且现在改不过来了这是因为和弦转换的不够干净利落,转换的时间太给他建议是这样的不要再弹歌了一心一意纠正"没有纠正过来之前。
这样纠正:比方你弹的歌的和弦入行是这样的CGAmEmFGC其它不再赘述、按好C不弹,拿CG转换给你举例。转换到G然后弹响,检验G否按到位,如果G按的不到位,放慢转换速度。不时重复这个速度从慢到快,直到用一眨眼的功夫型由C变换到G、这个目标完成后,也是从慢开始,弹响C弹分解,转换到G这个时候你这个C和弦应该就能弹的完整了然后再练GAm依此类推"
这里再引用一下wangbinjita精华贴《教大家转换和弦》
1、依照和弦图把左指按在吉他上按住然后把指的力量放掉但是指不要离开琴弦然后在放掉如此反复
2、按住和弦后把指的力量放掉指同时离开琴弦但不要过高要保持型然后在按放掉反复
3、按照上面的提示指离开的水平逐渐加大以至于把指的形状完全放开如果能准确无误的按往返来那这个和弦在上已经成型拉
4、每一个和弦都要这样练习不可以贪快
和弦转换要干净利落,总之。不能脱泥带水,每个和弦弹完整了再转换,这就需要你对每个和弦按的非常认识,转换的时间越快越好(如果快得超过光速,恭喜你突破了物理学定律)1、初学,还没过琴:练习和弦转换、节奏和音阶,重点是和弦转换,学会吉他谱。吉他谱没什么好说的任何吉他书上都有介绍,非常简单。下面说说和弦转换、音阶和节奏训练
a和弦转换:以这个和弦入行为例:CAmDmGC
不影响节奏,要达到目标是转换的时候迅速、流畅。没有杂音。先把一个和弦按好了再加渗透第二个和弦。开始右只是简单的扫弦,扫4下转换一个和弦,转换流畅了右再改成分解和弦(53231323532123大横按单独拿出来练,大横按比较难,下面会单独讲到横按如果练好了把上面的和弦进行改成:CGAmEmFGC。
b左右协调性、左柔韧性、左独立性、右拨片
和弦转换练累了就练习这个这个练习穿和弦转换练习当中。练到一定时候,这个练习是非常有效重要的练习。会发现你和弦转换会变的容易了还有,可以加强你右拨片的技术。咱先看看第一种:1234这个练习就是传说中的爬格子!爬格子有24种变化。从六弦到一弦,左食指、中指、无名指、小指依次按1234品。右用拨片交替拨弦,就是一下,一上,食指按1品,右下拨,然后中指按2品,右上拨,注重,这个时候食指要放在1品上不要拿起来。然后无名指按3品,再上拨,中指也不要拿起来,最后是小指按4品,下拨。然后换弦,重复上面的循环,从6弦换到1弦,然后再返往返。速度一定要慢,弹一个音是一个音。
弹完后小指按44弹完后,再观观1243这种情况:12和弹1234时候的12一样。小指抬起,无名指按312弹完后的整个食指和中指始终按着弦不抬起来,中指按2此时1食指)和4小指)都是抬起的之后小指按4此时2中指)抬不抬起都可以,那么3241又怎么弹呢?一开始无名指按3然后抬起。然后小指抬起(或小指中指同时抬起)食指按依照我上面说的找到规律,24种指法不可能在这里一一说明。举一反三、
c节奏
下载一个Guitarpro4、0把你随便一首什么歌的六弦谱输到里面,学会数拍子。然后播放,一边听一边跟着数,数不过来了话可以调慢速度EarMast这个伟大的小软件里面有很好、很全面的节奏训练,另外。效果很好,大家去下载把这个阶段可以考虑慢慢淡化弹唱的学习了突破弹唱的框框听听或着观观一些国外大师的音频或视频,首先开阔一下眼界。名人堂和音频视频下载区去找找,能发现很多好东西。多接触各种音乐风格,像乡村、指弹风格、爵士、布录斯之类的然后学着弹这些东西。
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以下是小编收集整理的《吉他知识:吉他配件选购建议》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
一、吉他用品有哪些
常用的吉他配件有拨片(弹奏用,和指弹音色不同)、调音器(定弦用)、节拍器(练习速度的平稳,掌握“单位拍”概念)、背带(站姿演奏固定琴用)、变调夹(快速整体升高音区)、谱架(这个不用说用途了吧?);不太常用的有拇指拨片(也称指套,套在右手大拇指上,多用于乡村风格的乐曲,主要弹奏根音)、指套或滑棒(演奏特殊效果的滑音用)、弦油(防止因手指出汗使琴弦生锈)、指板油(指板防护)、专用加湿器(防止气候过干琴体干裂)、卷弦器(快速换琴弦)。初学民谣吉他或电吉他的话,推荐必备的设备有电子调音器(带节拍器功能,市场价80元左右)、变调夹(最普通的10元左右,好一点儿的20—50元不等),拨片一个(5元左右),备用琴弦一套(10元左右),当然还得有个琴套或琴盒。
二、如何正确选用吉他配件
大到一个琴箱,小到一个拨片,吉他与贝司除了正确使用以外,它们的配件如何正确使用,在当今的乐手群体里仍然是众口不一。其实,通过常年的实践与细心的观察、理解、分析可以得到一份科学并且正确的答案,看到这里有些朋友会问:不就是琴的配件吗?有这么重要这么讲究吗?下面我们就先针对市场上常见的两种规格电吉他弦和三种款式的吉他支架作以细致的使用场合说明,相信大家看完这些内容就会细心对待你家里的吉他了。
在专业的琴行里面常见的电吉他弦一般有两种规格,一种是大家常说的“009”,一种是“010”。正确的说法应该是标准的“009”至“042”电吉他套弦和标准的“010”至“046”电吉他套弦。“009”和“010”是指两种弦里一弦的粗细,“042”和“046”是指两种弦里六弦的粗细。
“我想让琴的声音重一些,帮我找一套粗弦”,类似的乐手来琴行这样买琴弦的很常见。但如果不按照正确的弦拉力来选择琴弦,无论是吉他的音色,或是手感与琴颈寿命都会不同程度上大打折扣。
“009”至“042”标准电吉他弦从录音角度与科学拉力来讲,最适合装在琴颈长度为25.5英寸单排琴头弦钮的吉他上,并且调标准音。这种吉他的琴颈长度与弦的有效长度都源于FENDER的雏形来进行设计的。例如:标准琴形的JACKSON、ESP、INANEZ的RG系列等等,标准音时如果选用了粗于这个规格的琴弦,会造成听上去好像是音色厚重了,但是这类吉他的最高频共振其实是损失并且不自然了。如果你的这类琴需要整体降半音的话,则应该选用“010”至“046”的吉他弦,按照以上做法,无论是从音色角度还是从力学角度,都是音色纯正并且琴颈寿命不严重减短的科学方法。
“010”至“046”标准电吉他弦的使用琴有几个特点:
1、琴颈长度为24.75英寸,琴头弦钮成对称状,分为两排,一排三个。
2、琴颈内的钢筋紧调时可调范围大,很轻松地就可以将琴颈调成向后背很多的预上粗弦状态。
O3、琴身木料较沉,有一定的琴身厚度,通常是固定式琴桥。 A5k|!n;Mt!oI3x
这些特点的吉他是最适合在标准音时配备“010”至“046”电吉他弦的。相反,上述特征的吉他如果装了细于这个规格的琴弦,虽然琴颈寿命基本上是最长了,但中低频共振就不匹配了,音色听上去会太薄太尖锐,既然是比25.5英寸的长琴颈已经缩短制造了,大家就不必担心琴颈寿命会缩短的问题了。24.75英寸的琴颈只要里边的钢筋调节范围标准,那么这把吉他在标准音的情况下安装“010”至“046”琴弦就一点问题都没有。
电吉他支架
在琴行里一般都能见到三种吉他、贝司支架,一种是小A形的,也是对于琴来说完全没有伤害的一种支架,介绍后面两种支架之前,我们先来讲一下琴为什么用小A形支架最合适当琴上面没有琴弦绷紧到所需要的高音时,琴颈是完全不受力的,而当琴弦调到所需音高时,因为弦的拉力就会把琴颈朝弦的方向拉出一定的弯度,这个弯度如果太大了,就应该用调琴颈的扳手将绷上弦的琴颈调回比较直的标准状态。如果常年支撑吉他的架子是小A形的,琴架顶部是没有触碰琴颈部分的设计,也就是说琴架只碰到了琴身,这样一来琴颈就基本不会出现无法调试的毛病或非正常不可救治的弯曲变形。所以小A形只接触琴身的支架是家中用琴的最好摆放工具。
还有两种支架想必不说大家也知道了,一种是在小A形琴架基础上又延伸出一截顶靠琴颈的琴架。另一种就是可以摆放好几把琴的架子,每把琴都是侧着摆放,也有顶靠琴颈的部分。
U有加长杆顶靠琴颈的琴架正确使用场合:大型演出需要轮换几把吉他临时摆放备用琴。因为是临时使用,所以不会对琴颈造成什么伤害,而且如果摄像师在拍摄乐手演奏时,摄像机的连线也不容易绊倒放在这种架子上的吉他。切记,只适合用于短时间临时摆放用琴。
能放好几把琴的架子正确使用场合:这种架子的设计理念很适合在录音棚里多把吉他的临时摆放。优点是节省空间,拿取方便。但因为也有顶靠琴颈的部位所以与前一种架子一样也只适用于短时间临时摆放用琴。
总而言之,琴颈是不能从后面受力的,因为琴弦是让琴颈朝前的力绷紧,所以就不能再有一个力量让琴颈承受双倍的拉力了。就如同一把吉他或贝司放在琴包里应该哪一面朝墙靠着的道理一样,答案是只允许琴的正面也就是琴弦的那一面对着墙,这样可以帮助琴颈抵消一部分弦给予它的拉力。
正确选用吉他配件,对于乐器能否正常的维修调试,有着决定性的关系。希望在琴行工作的读者在向顾客介绍配件的时候都要认准使用场合,以免给自己和顾客的爱琴带来本可以避免的伤害。
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以下是小编收集整理的《吉他知识:吉他介绍大全》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
以下是一般常用的乐器制作选材:
椴木(Basswood)
椴木是一种重量较轻的中性木材,椴木的白木质部分通常颇大,呈奶白色,逐渐并入淡至棕红色的心材,有时会有较深的条纹。木材具有精细均匀纹理及模糊的直纹。椴木机械加工性良好,容易用手工工具加工,因此是一种上乘的雕刻材料。钉子、螺钉及胶水固定性能尚好。经砂磨、染色及抛光能获得良好的平滑表面。干燥尚算迅速,且变形小、老化程度低。干燥时收缩率颇大,但尺寸稳定性良好。音色上表现很稳定,有着相当温和的音色和较好的延音性,但颗粒感不强,主要用于电吉他的琴身材料,对拾音器的要求不高,适合各种音乐风格的拾音器,在中国主要生长于东北一带,其他主要生长地为美国东部,分布于北部各州及莱克州。被大量应用于吉他了制造业。有着价兼物美的好评。
枫木(Maple)
目前枫木的使用大致可区分为硬(northern hard 或hard rock maple)与软(western soft或bigleaf maple)这两种类型。硬的枫木由于密度高、易于上漆处理、声音明亮且有不错的持续性等原因,多用于制作琴颈。不过枫木的音色实在太亮, 所以你大概看不见以Maple用做琴身的吉他(木吉他除外)。大部份的用法是和其它的材料和并做琴身用。例如PRS及Gibson就常用桃花心木的琴身, 再加上枫木于表面。于是枫木就可以补桃花心木所缺的高频, 外加相当悦目的外表。软的枫木(如赤杨木alder)生长于美国华盛顿州,重量较轻,对琴弦震动的感应力不错,声音明亮,但不如硬枫木来得清脆;它的木头密度较低,比起用乌木(ebony)做的指板较能够吸收较多的音频,声音的表现与黑檀木(rosewood)相似,声音较为温和。事实上不论所谓的Flame Maple或是鸟眼枫木 (Brideye Maple), 其木纹和音色都没有直接的关联。
水冬瓜
别名鸡爪木,属桦木科,半常绿或落叶乔木,树高十五米左右,耐瘠,耐渍,固氨速生,生于向阳山林中或水边。此树皮呈灰色,树干直,生长快。木材黄褐色,纹理直,结构细。木材不易开裂变形,容易加工,切面光滑,有着介于椴木和沙比利之间的木材特性,外表美观,有长条形点状纹理,木质较椴木要松软。音色表现较中频突出。却因为木材纤维结构的原因,毛孔较大,对油漆制作方面不好处理,吸油量大,琴体抛光后放置一段时间,对光观察后会发现,有很多木材纹理一样的油漆下陷现象。
梧桐木
一种超轻质的木材,在我们的多种民乐制作中作为主料使用。有很好的高音和中频音色,却和其他轻质木材不一样的是,它的低音极差。梧桐木现在还被少量的应用于古典吉他当中用来做面板,有着很大的音量和不错的音色。
水曲柳
落叶的乔木,主要分布于我国东北黑龙江的大兴安岭东部和小兴安岭、吉林的长白山等地,向西还分布到辽宁的千山、河北的燕山山脉,以及河南、山西、陕西和甘肃的局部地区。水曲柳的木质坚韧,木纹美观明显,边材黄白色,心材褐色微黄,锯刨加工后木材颜色略显浅金黄色。材质中硬,纹理通顺,花纹美丽,加工性能和油漆性能均好,耐水耐磨,变形较小。有着很好的高音及延续音。原木色抛光处理后非常漂亮,纹路清析可见。由于材质特性的原因,在吉他制造业中主要用于做贝斯的琴体。但在制造过程中要注意材料的开裂问题和木材拼板时不牢的问题。水曲柳是理想的表面用材,广泛用于制作各种家具、乐器、体育器具、车船、机械及特种建筑材料等。
沙比利(NATO)
一种类似于桃花心的木材,有着和桃花心木相近的木材颜色和纹理。较桃花心木要重,且材质略要脆一点,有着高,中,底音都较均衡的音频。主要用于做高档的电吉他琴体和琴颈,也被大量的用于做木吉他的琴颈材料和琴体材料。原木色琴体相当有质感,也有在制作当中做仿古擦色的,可以参考。
桤木( Alder)
因为桤木较轻(象一个Strat款的琴身重量大约是4磅)并且有丰富完美的声音特性,所以其经常被用来制造琴身部位。它紧密的纹理使得自身容易被处理进行表面抛光。桤木的天然色泽是有一点点的浅褐色或没有清晰的纹理线条。桤木成为Fender琴身部位的中流砥柱已经有许多年了。适合旭日形(Sunburst)或纯色(Solid color)的抛光处理。
桃花心木( Mahogany)
可以说是 Rosewood 的 Alternative 代替选择。其木纹相当好看, 唯缺乏紫檀的巨大共鸣效果。但由于它的音性还是非常有个性, 外加价钱便宜, 固而成为吉他常用的木料之一。桃花心木是一种较重的木料,一般一个Strat款的琴身平均都要5镑甚至更重[GIBSON的琴经常9镑10磅的,真的很沉]。桃花心木是一种具有精良的纹理和天然音乐特质的木料。音质是温暖且完美,音色温暖而富低频,有着非常好的延音特性。它独特的纹理使其易于抛光处理[想想GIBSON 琴身上那美妙的的花纹],尽管对它进行清澈抛光看上去不太理想,但它却是特别适合于红色透明的抛光处理。
白杨木(Poplar)
这是另一种各大吉他厂商们普遍使用的标准化的琴身木料。由于它是灰色或绿色的,所以白杨木仅仅被用来进行纯色(就是单一不透明的)处理[如好多JACKSON的琴]。它的重量大约比桤木(前面讲到的Alder)重半镑(多出0.5镑)。音质上相似于桤木(Alder)。白杨木的也是紧密的纹理,易于抛光。
岑木
又名白蜡木,一般有两种岑木--北方硬岑木和沼泽岑木(南方的软岑木)。北方的硬岑木非常坚硬,沉重和高密度。一个Strat款的琴身通常最少要5磅重。它的高密度性为其带来明亮的音质和长久的延音特性,这些都使其更具有流行性。一般岑木是奶油色的,但有时会呈粉色到褐色。它的纹理毛孔是开阔形的所以要进行大量的抛光来使其细化。而沼泽岑木(南方软岑木)则是一种珍奇的木料。原因有很多。它是一种天生具有音乐性木料--提供了非常优良的明亮清澈和温暖厚实声音特点的有效平衡性。而且它还非常的轻,这一点成了主要区分于北方岑木的一大特点。一般的Strat款的琴身大约都在5磅以下。许多50年代的Fender都是用沼泽岑木制造的。它的颜色也是奶油色,纹理呈开阔形。
白蜡木(Ash)
白蜡木亦可分为硬(Northern Hard)及软(Southern Soft或称为Swamp Ash)这两款。硬的白蜡木相当的坚硬及沉重,由于密度的关系,它的声音相当的亮并且持久,虽然它的颜色是奶油色,但它在木心的部分会有粉红或棕色的颜色,它的气孔较大,上漆时需要较多的程序。软的白蜡木相当具有价值,50年代FENDER的琴多数使用这种木头,由于它重量较轻,所以可以很轻易地用重量来区别这两种白蜡木,它具有相当平衡的亮度及温和度的声响特性。
赤杨木(Alder)
Alder 大概是价位较低的木材之一, 但它却很多人喜爱的吉他木料。由于它重量较轻及声音饱满的缘故,赤杨木被广泛地运用在制作琴身,它紧密细小的气孔使得它们可以很容易地上漆处理,赤杨木的颜色有点近于淡棕褐色。Fender的琴大多使用此木材, 特别是 Stratocaster。至于音色, 你只要弹一把好的 Fender大概可知一二。当然如果你对Alder的印象不佳的话, 那是因为现在的厂商都随便挑便宜货;而那些高级手工琴又专挑漂亮的 Maple。这年头好的 Alder 却变成不上不下的情形, 实在有些可惜。与 Alder 齐名的大概推 Ash。原因亦是因为名厂 Fender 将其大量使用在 Telecaster的琴身制作。Ash 相当重,而有非常结实的低频。由于它不错的材质特性及低廉的价格,赤杨木在乐器的制作上相当普遍。
Sitka云杉木(Sitka Spruce)
生长于北加州及阿拉斯加间,这种木头在强度及弹性上具有不错的表现,可拿来做琴身的使用,而它的颜色可从白色到淡棕色。这种木料用来制造箱琴的面板,其轻而坚硬。好多高档单板琴的面板都是用这个造的。
Engleman云杉木(Engleman Spruce)
质感较轻,声音较Sitka云杉木来得亮,生长于蒙大拿州西北及加拿大境内。
胡桃木(Walnut)
虽然胡桃木并不像枫木(maple)那样的重,但它那声音不明亮的特性却相似于枫木,胡桃木有着漂亮的纹理,特别是经过表现处理后更为美丽。饱满的低音、清晰的中高频但高音缺少亮度。
紫檀木(Rosewoods)
Rosewood(红木,也叫黑檀或紫檀):
这个就更熟悉了,常见的吉他那黑黑的指板就是这种木料。
红木是最重的一种木料,一个Strat款的琴身总会超过6镑[MY GOD],一般的红木会根据用途的不同而使用不同的种类。紫檀木有许多的种类,但多数都是采用印度紫檀木(Indian rosewood),紫檀木的声音较枫木来得温和许多,但是它的高音却因木头本身含油量较多的原因而较差,也较不易在木头表面烤漆处理,虽然它可以用在琴身及琴颈,但是它最常使用在指板、琴身边缘及 acoustic 吉他的背面。红木的音质比枫木(Maple)要温暖的多,不过高音部分会因为这种木料的自然属性而略显压抑(不够明亮)。表面抛光也是非常困难
赤松(Spruce)
如果你有研究木吉他的话, 大概会注意到 Spruce 是最常被用在面板的木材, 特别是高价位的产品。它的音色亮而共鸣好。欧洲产的 Spruce 一般而言是最好的选择。
花边木(acewood)
梧桐树的一种,这是一种来自澳大利亚的进口木料。其纹理特征是小斑点和大斑点的混合夹杂,形成其独特的象爬虫般的标志性外貌。(确实很好认)。它最适合叠压在其他木料之上形成整个琴身,但也可以单独作为琴身,音质接近于桤木(Alder)。
宏都拉斯桃木(Honduran Mahogany)
这种木头用在乐器制作有不错的效果,声音温和且延续性好,木头重量适中,容易上漆处理,Gibson的琴常常使用这种木头。
西红杉(Western Red Cedar)
生长于阿拉斯加东南方,常用在传统尼龙弦的吉他上,它所产生的声音很圆滑且饱满。
阿拉斯加黄杉(Alaskan yellow cedar)
虽然不能当作琴身使用,但它常常用来当作佛朗明哥吉他的配件使用,它的声音比西红杉来得密实。
African Paduak
这种生长于西部非洲的木头为亮红色,常用在指板的制作,外观与乌木(Ebony)有着强烈的对比;重量及价格适中,有着明亮且清晰的低频,延续性佳。
海岸杉(Coastal Redwood)
由于它细微的触感及敏锐的震动感应,常常用它来做 solo 型的吉他,声音相当清脆,这种木头生长于加州的北部。
Macassar Ebony
这种乌木比一般的黑檀木来得轻些,但是材质仍是一样的坚硬,在外观上则是黑底并有着棕色的条纹,生长于印度、印尼、菲律宾及马达加斯加岛等地。
Figured Redwood
有着宽广的螺旋木纹的 Figured Redwood 在外观上像一幅图画相当容易辨识,这种木头常用于琴身的外观。
非洲乌木(African Ebony)
纹理均匀,它的木屑会造成皮肤疾病,虽然不易加工裁割,但耐久性佳,具有良好的磨光性,且易于使用蒸气使之弯曲。一些喜欢高级手工琴的人大概都专挑African Ebomy 制作的指板。它被用为指板材料的主要原因除音色之外, 是因其材质坚硬,不易变形所致。African Ebomy的颜色比较深, 上面亦看不见什么小孔。不少人只因其颜色近于 Rosewood , 又没有 Rosewood 上的小孔而选择它。事实上 Ebomy 的音质和 Rosewood 相当不同。如同光滑的表层, 其音色非常亮。
巴西紫檀木(Brazilian Rosewood)
这种木头在外观上相当漂亮,也有许多颜色,然而它们常用在琴身边缘及acoustic吉他的背面。
印度紫檀木(Indian Rosewood)
这是传统乐器最常用的一种木头,它有不错的音色稳定性,重量适中且外观色泽也不错。
印尼紫檀木(Indonesian Rosewood)
质地纹理适中,有连结的结晶纹理,木头的特色是硬度较高弹性较差;生长于孟买附近及东印度。
一种紫檀(Padouk)
其明亮鲜艳的橙色要氧化成温和的褐色用以使用。质地光滑柔顺,开阔的纹理有点象红木(Rosewood),音质上有些象枫木。不需要抛光处理,手感极好。
布兵佳(Bubinga)
它是一种非常坚硬的木材,通常用来制造BASS的琴颈和琴身部分。熟悉的有Rickenbacker的指板和Warwick的琴身,皆是由此木材所制。作为BASS的琴颈,它具备明亮的中频和厚重的低频音质特性。此木料因为其重量非常适合叠压在其他木料之上一起作为琴身部分。
鸟眼枫(Birdseye Maple)
它是属于硬枫木的一种,能够做为琴颈的制作使用。
树节枫(Burl Maple)
这种木头可以用来制作琴身,但木头本身可利用的地方不多,所以价格比较昂贵。
Cocobolo
生长于中部美洲地区,颜色有紫红色、黄色、橘色及红色相间;木质坚硬、纹理整齐,在音色上则是以清晰的中频及温和的高频为其特色;与紫檀木相同,对琴弦震动的反应稍嫌迟缓。
碎裂枫木(Spalted Maple)
软枫木的一种。这种木料其实是来自腐烂的死树。那一条条黑线就是因为腐树中的真菌咬蚀而成的。它很软而且有弹性,仅仅适合于叠压在其他木料的表面层。这种木料抛光相当困难。
火焰枫木(Flame Maple)
软枫木的一种,因其有象火焰般光芒万丈的外观。火焰,小提琴或虎皮纹枫木一般都有蜷曲感火焰(Flame)可以呈紧密式,开阔式,直线式和弯曲式(几种不同的外观形式)。这种木料适合叠压在琴身的最上方一层(象GIBSON的琴,琴身最上边一层是枫木,下面的是桃花心木,之所以弄那么一层枫木在上面,就是为了弥补桃花心木高音区不够明亮的缺陷)。
夏威夷相思木(Koa)
它是来自夏威夷的一种非常美丽的木料,并且是非常稀有的。重量有中等分量的也有重分量的。由于其出色的音质特性,它重量可从适中到重,是一种作bass乐器的好木头,它有类似桃花木(mahogany)般温和的声音,但略嫌过亮;就像胡桃木(walnut)含有过多的油脂,但是在上面喷漆后的外观相当美丽,这种木头必须弹奏几年后,音色才会呈现出来。音色上与桃花心木(MAHOGANY)相近,但更明亮些。象胡桃木一样,KOA可以被浸油处理(一种吉他处理工艺),但最好的是进行喷涂处理以确保其清透性。
Pau Ferro
这种木头又称玻利维亚紫檀木(Bolivian Rosewood),它是一种相当重的木头,外观上与印尼紫檀木相似,生长于南美洲。
Bocote
外观上有着相当美丽的鸟眼般纹理,含脂性高,重量适中但价格昂贵,这种木头生长于中美洲,通常用在指板上。
Zebrawood
这是一种重量相当重的木头,它有着相当明显的淡棕及深棕色条纹,厚度够可用来制作琴身的Zebrawood现在已经很难寻得了,它的重量及声音与胡桃木(walnut)相似。
Bubinga
非洲的喀麦隆、加彭等地是Bubinga 主要生长的地区,淡红棕色到深红色是它的外观,遍佈于木头的细微毛孔中有着淡红色的树脂,质地及纹理适中,木质表面光泽,具有极佳的磨光性,清晰的低频、明亮的高频及共振的持续性佳是它的特色,价格在中高价位。
Lacewood
生长于澳洲,木头上许多大小不一的斑点,看起来像爬虫类的外表。
lKorina (Black)
这种木头的重量较轻,它的气孔排列不规则,有着深色的条纹。
Zircote
这种木头相当的坚硬,重量也相当重,颜色则是深黑褐色与黑色纹理相间,遍佈于中部至美洲南部。
African Blackwood
紫黑色或褐色有着许多黑色的纹理,若不仔细看,它们的外表接近黑色,表面不具光泽,是一种重量重、相当坚硬的木头,虽然易于磨光及裁割,但木头保存性佳。
斑木或叫牛栓藤(Zebrawood)
一种产自非洲或南美洲的木材。有开阔型纹理且比较重。外观为浅色和深色的褐色条纹交织而成。通常用于作为叠压在其他木料之上作为琴身。音质上接近于硬枫木。
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电吉他已是人们熟知而喜爱的乐器。学习电吉他并不是很难,首先我们要学习相关的入门知识。下面是小编带来的关于电吉他入门基础知识的内容,欢迎大家阅读!
琴桥在音色链中是很重要的影响因素:它连接琴弦与琴体。琴桥与琴体的连接决定了琴弦的震动有多少能够传递给琴体。固定琴桥(没有摇杆的)相对颤音琴桥与琴体接触面积更大,能让更多的震动直接传导给琴体,固定琴桥的吉他常常听起来比与之相似但是用颤音琴桥的吉他音色更深沉,更直接。
颤音琴桥一般是通过打入或旋入琴体的螺丝等与琴体连接,这意味着琴弦振动只能通过相当小的接触传导给琴体。
双摇琴的琴弦拉力使琴桥活动部分通过两个刀口顶住两个高度调节螺丝,两个刀口是传导振动的唯一途径。DanSmith说:“把单摇琴桥换成双摇的会影响吉他的音色。把弦锁住改变了拉力,吉他的呼吸变了,对音色就有影响。”当双摇颤音系统推出时,一些修琴师给许多标准型吉他更换了这类琴桥。不幸的是,许多乐器由此音色变得很薄,因为原有的木材与拾音器并不是针对颤音系统设计的。现在,吉他制造者会很小心的考虑木材与拾音器的搭配来给双摇颤音系统更好的音色平衡。
琴桥金属材料的成分对吉他音色也有细微影响。一个铸造镀锌的琴桥——把熔化的金属倒入模具中制作而成——听起来跟用一块实心钢冲压而成的琴桥明显不同。Sadowsky说:“它们确实会产生能够听出来的明显不同,一般来说,冲压的琴桥音色更好。”现在黄铜被认为是琴桥材料的最佳选择。
在颤音琴桥平板的下面一般会有一个被称为惯性阻滞块的金属块(译注例如:Ibanez的Edge琴桥背面挂着弹簧的那个有Ibanez标志的大块金属)。它在琴弦振动传导给琴体之前会对振动特性有过滤作用。Trev Wilkinson说:“用钢或者铝为材料对音色会有不同影响。一般认为钢可以有最小的染色作用。但我认为铝常常能允许更多的振动频率通过。”
琴弦对saddle(颤音琴桥与琴弦接触的那个可以调整高度或音准的小金属块)的压力对音色与延音同样有影响——压力越大,延音越长。Wilkinson说:“不同的连接方法会产生不同的压力,锁弦(倒装弦)琴桥压力略小,琴弦穿过琴体或其他正装弦的方式压力更大。”
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钢琴与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。那么你对吉他了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于吉他基础教程入门知识的内容,希望大家喜欢!
1、右手指代号
p(pulgar的简写)——拇指 i(indice的简写)——食指 m(medio的简写)——中指 a(anular的简写)——无名指 ch(chico的简写)——小指,不常用2、左手指代号 1——食指 2——中指 3——无名指 4——小指
注意:在六线谱中用1、2、4、5、6表示,而在和弦图中则用①②③④⑤⑥表示。
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吉他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、佛朗明哥中,常被视为主要乐器。那么你对吉他了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于吉他基础知识的内容,希望大家喜欢!
我们把吉他指板上的音符一一找出,就成为了如图所示的吉他音位表,从上面可以清楚地看到34、71之间是半音,12、23、45、56、67之间是全音的音程结构。为了方便初学者认音,音位表通常都用C大调的唱名写出,这样对于初学者是很方便的,但是对于高级水平的演奏者,不论他是弹古典吉他、民谣吉他或是电吉他,都应该至少清楚得知道几个常用调的音位,比如G大调从第六弦到第一弦从低到高的空弦音依次是625136,其他音位依此类推;在如图所示的音位表中还常常只写出自然音,省掉变化音,在十二平均律的体系中,变化音的规律是十分简单的,而且也是唯一的,比如45之间的音,就既可以叫#4,又可以叫b5,正如钢琴黑键上的音一样。
一般在吉他教学上,初学者只用记住空弦和前五品格的音,也即第一把位的音符就够用了。随着学习的深入,从中级到高级,逐渐熟悉并掌握高把位及超高把位的音符就可以了。
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吉他乐理包括十二平均律、识吉他谱、和弦、调式四大部分,是吉他的基础部分。那么你对吉他乐理了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于吉他乐理知识的内容,希望大家喜欢!
音名,顾名思义,既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键,分别用英文字母:C、D、E、F、G、A、B命名,就叫做音名,最中间的白键为C音,往右一个为D音,再往右一个为E音,依次类推,七个音重复(只限于白键)。其中,C音到D音的音程为一个全音,D到E为一个全音的音程,下面依次为:E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子:在C调里面,1=C,意思是C调的1的音名是C,2的音名是D,那么从C音到D音在同一个八度里面,D比C升高了多少呢,我们说,D比C音升高了一度。
在音乐体系中,虽然有着一百多个音高低不同的音,但音名只有这七个基本音,又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程,叫做升音(声音?汗!: )。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如:#C、#E。。。。。这里只能表示在前面,不能表示在左上面,汗!
降音
将基本音降低半音,叫做降音,用在表示特定音名的字母坐上角记“b”来表示。
变化音阶:变化音阶是指包含升、降记号的音阶,它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音,但不同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多,如五线谱、简谱、六线谱等。
例如,在简谱中,记录音的高低和长短的符号,就叫做音符,它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号,只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名,其读法就是该音名的唱名:
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1
音名 C D E F G A B C
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do
注意:在这个音阶中 3——4 相隔半音,7——1 也相隔半音,其余相邻两音都相差全音,这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上,半音是相邻两格之间的距离。
看过“吉他乐理知识“
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乐谱对于音乐,就好比文字对于语言,不识乐谱要想学好音乐,就好像一个文盲要读文章一样不可思议。以下是由读文网小编整理关于吉他乐谱基础知识的内容,希望大家喜欢!
符号谱采用六条线,每一条线代表吉他上的每一根弦。最上面的一条线代表吉他的第1弦,最下面的一条线代表吉他的第6弦。
在线上放上数字,可以表示某弦的某个品位的音,数字0表示某弦的空弦音。例如:对于吉他手来说,六线谱相对于五线谱的明显的好处在于:它能告诉你在什么位置正确地弹奏一个指定音符。例如:这个音符(高音E)在吉他上可以在五个不同位置弹奏:六线谱在表示音符的把位时尤为方便,它以图解形式告诉你在什么位置换弦,什么时候转换把位,而五线谱则无法象六线谱一样处理把位转换。
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吉他谱是弹奏吉他的记谱方法,吉他谱可以分“六线谱”“五线谱”“简谱”,还有一种是“和弦谱”(即只有和弦名称和歌词的吉他谱),这几种都是学习吉他不可缺少的部分。以下是由读文网小编整理关于吉他乐谱知识的内容,希望大家喜欢!
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法,我们在学习吉他时,接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成,这六根线分别代表吉他上的六根弦,最下面的一条线,代表吉他的第六根弦,注意,是第六,不是第一,这个要反过来理解的,然后依次是由上到下看谱,倒数第二根线代表第五根弦,下面的依次类推。
表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍。想要学习好吉他在各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法。
上音表示
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字,分别代表这根弦上相应的品上的音。如图:最上面一条线上的0、 3、 12、18,表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符,其他线上的数字依次类推。
节奏表示
节奏技巧不同于其他的演奏技巧,他要根据不同的节奏,来扫规定和弦中六根线的不同区域,而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法,是用不同方向、不同长度的箭头表示,图中的第一个箭头表示拨片从六弦扫到一弦。第二个箭头表示拨片,从第一弦扫到六弦。第三个箭头表示拨片,从六弦扫到四弦。第四个箭头表示拨片,从一弦扫到四弦。这样,四个不同方向,不同长度的箭头按不同的时值来演奏,可变化多端,节奏丰富。
拍的概念
拍是时值的计算单位,我们在学习时值的时候,最重要的是掌握平稳的拍速,拍速就是在演奏乐曲时候,每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速,我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏,才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候,时快时慢,别人无法与你同步演奏,所以练习好拍速对于每一位演奏者来说,是非常重要的。我们要经过严格训练,把自己变成一个极其准确的节拍器。
拍表示法
拍是用下图的形式来表示的。一拍是由前半拍加后半拍组成的,时值中最长的基本单位是全音符,他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成,四分音符是由一个拍组成,八分音符是由半拍组成,十六分音符是由四分之一拍组成,三十二分音符是由八分之一拍组成,其他更快的音符同理类推。
音名唱名
概述
音名,顾名思义,既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键,分别用英文字母:C、D、E、F、G、A、B命名,就叫做音名,最中间的白键为C音,往右一个为D音,再往右一个为E音,依次类推,七个音重复(只限于白键)。其中,C音到D音的音程为一个全音,D到E为一个全音的音程,下面依次为:E-F为半音、B-C为半音、A-B为全音。举个例子:在C调里面,1=C,意思是C调的1的音名是C,2的音名是D,那么从C音到D音在同一个八度里面,D比C升高了多少呢我们说,D比C音升高了一度。
在音乐体系中,虽然有着一百多个音高低不同的音,但音名只有这七个基本音,又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程,叫做升音。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如:#C、#E……这里只能表示在前面,不能表示在左上面。
降音
将基本音降低半音,叫做降音,用在表示特定音名的字母左上角记“b”来表示。
变化音阶:变化音阶是指包含升、降记号的音阶,它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音,但不同名称。
音符唱名
记录音乐的方式很多,如五线谱、简谱、六线谱等。
例如,在简谱中,记录音的高低和长短的符号,就叫做音符,它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号,只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名,其读法就是该音名的唱名:
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1
音名 C D E F G A B C
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do
注意:在这个音阶中 3——4 相隔半音,7——1 也相隔半音,其余相邻两音都相差全音,这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上,半音是相邻两格之间的距离。
大调小调
每个大调都与其上行六度(或者下行三度)的小调互为关系调,它们所使用的音阶相同。
关系大调----关系小调
C<=======>Am
D<=======>Bm
E<=======>#Cm
F<=======>Dm
G<=======>Em
A<=======>#Fm
B<======>Gm
和弦知识
概述
这里指的和弦通常指同时响出三个或三个以上不同高度的音,音名的排列有C、D、E、F、G、A 和 B七个音其中任何一个音都可以作主音(即根音)加上其上三度音和上五度音,便构成最基本的三和弦,分述如下:
C :1 3 5
D :2 4 6
E :3 5 7
F :4 6 1
G :5 7 2
A :6 1 3
B :7 2 4
以上七和弦均由相隔三度的三个音组成,所以称为三度和弦,这七个三和弦便是一切和弦的根基。
三和弦
上述七个基础的三和弦,从音程上来说,可分出三种不同性质的三和弦
1、大三和弦
主音至三度音共有四个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 C、F、G 便是。
2、小三和弦
主音至三度音共有三个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 D、E、A 便是。为了区别,写成 Dm、Em、Am 。
3、减三和弦
主音至三度音共有三个半音;主音至五度音共有六个半音。上面七个三和弦中的 B 便是。写成 B- 。
七和弦
由于上面的七个三和弦不够用,因此,在各三和弦的上方,加上一个三度音,便够成下列七个七和弦:
C7 :1 3 5 7
Dm7 :2 4 6 1
Em7 :3 5 7 2
F7 :4 6 1 3
G7 :5 7 2 4
Am7 :6 1 3 5
B-7 :7 2 4 6
七个七和弦中,在音名排列第五个音 G、即属音作主音所成的七和弦,是上述七和弦中最常用的一个,既属七和弦 G7 。
因G7的四个组成音:“5 7 2 4” 已包含了 G 和弦的 “5 7 2”。因此,在和声手法上,大调歌曲用 C、F、G7 这三个和弦,便可以伴奏一般简单的大调歌曲。
这里值得一提的就是,要弹出准确的音,或者说,要学习吉他,第一步要学会调弦,吉他音不准的话,怎么学也有问题。
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