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唢呐是中国民族吹管乐器的一种,已成为一件具有特色的独奏乐器,学习唢呐可不是一件简单的事情。以下是由读文网小编整理关于唢呐知识的内容,希望大家喜欢!
传统唢呐的管身一共有八个孔,分别由右手的食指、中指、无名指、小指,以及左手的大拇指、食指、中指、无名指来按(惯用手不同者可换左右),以控制音高。发音的方式,是由嘴巴含住芦苇制的哨子(亦即簧片),用力吹气使之振动发声,经过木头管身以及金属碗的振动及扩音,成为唢呐发出来的声音。
传统唢呐按音域及乐器大小可区分为小唢呐(又称海笛)、一般高音唢呐,以及大唢呐,但其中又可分为各种调性的唢呐(例如G调小唢呐、F调小唢呐、D调高音唢呐、C调高音唢呐、G调大唢呐等等),所谓的调性是指放开最下面三孔时所吹出的音。一般而言,传统唢呐的常用音域为十七度音,以最常用的D调高音唢呐而言。其音域由低音A至高音A(高音B偶尔使用,但很难吹出)
现代改良的加键唢呐,一般可分为,加键高音唢呐、加键中音唢呐、加键次中音唢呐、加键低音唢呐等,其特色为增加了按键及半音孔,以增加音域和稳定音准。因各地区、各制造者的不同,形制以及按孔方式也有所不同,以最常见的加键中音唢呐而音,常用音域一般为十八度音。
唢呐的最大特色,在于其能以嘴巴控制哨子作出音量、音高、音色的变化,以及各种技巧的运用,这使得一方面唢呐的音准控制十分困难,另一方面则使得其音色音量的变化大,且可藉由音高的控制,作出很圆满的滑音,这些都使得唢呐成为表现力很强的乐器。而哨子的调整工夫,也因此成为唢呐演奏者必须具备的重要技术,除了哨子状况的好坏会影响省力与否及音准之外,视不同的曲子及音色需求,也必须以不同的方式作哨子的细微调整。
最初的唢呐是流传于波斯、阿拉伯一带的乐器,就连唢呐这个名称,也是古代波斯诺Surnā的音译。唢呐大约在公元三世纪在中国出现,新疆拜城克孜尔石窟第38窟中的伎乐壁画已有吹奏唢呐形象。在700多年前的金、元时代,传到中国中原地区。
曾译作“锁呐”、“销呐”、“苏尔奈”、“锁奈”、“唆哪”等名。
关于唢呐的起源,一说,三世纪新疆拜城柯尔克兹石窟(约265-420)的壁画上已有演奏唢呐的乐伎的形象。另一说,金元时期传入中原,也称“唢叭”、“号笛”。明清时期广泛流传于民间,多用于婚丧喜事的吹打乐队中,也用作民间歌舞和戏曲的伴奏乐器。
唢呐史料始见于明代。明·王圻《三才图会》:“锁奈,其制如喇叭,七孔,首尾以铜为之,管则用木。”“当军中之乐也,今民间多用之。” 清代唢呐在宫廷被列入回部乐,也用于大驾卤簿。因两端都用铜制,又称“金口角”。后衍生出大唢呐、中唢呐和小唢呐等形制。
各民族,各地区的双簧类乐器的形体大小不一,名称也各异。形体相对较小的称“海笛”。
自缅甸传入的较大的称“聂兜姜”。西藏佛教所用唢呐,也称“得梨”。唢呐音量较大,音色高亢,富有穿透力。适于表现热烈欢快的音乐风格,但不少民间艺人也能用双唇压紧哨片,控制气息,吹出柔润的弱音(也称“箫音”)来表现抒情或悲哀的情绪。
到了明代,古籍中始有唢呐的记载: 明代正德年间(1506~1521)唢呐已在中国普遍应用。明代武将戚继光(1527~1587)曾把唢呐用于军乐之中。在他《纪效新书·武备志》中说:”凡掌号笛,即是吹唢呐。”
明朝王磐《朝天子·咏喇叭》则是描述唢呐最好的
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散曲是配合当时北方流行的音乐曲调撰写的合乐歌词,是一种起源于民间新声的音乐文学,接下来,小编为大家介绍散曲基础知识,希望对大家会有用!
(1)散曲分为小令和套曲两种形式。
(2)每首散曲都有曲牌,且属于一定的宫调。
(3)各自曲牌在字数、句数、平仄和用韵等方面都有自己的规定。因此,每首元曲的前面都冠有类别名、宫调名、曲牌名和曲题名。
小令
所谓小令又叫“叶儿”,其名称源自唐代的酒令。单片只曲,调短字少是其基本特征。但还有一种联章体又称“重头小令”,则是由数支小令联合而成,此等小令应该是同题同调,内容相联,首尾句法相同,每首小令可以单独成韵,最多可以达百支。《录鬼簿》记载乔吉有咏西湖的【梧叶儿】百首,是重头小令之最长者。
套数
至于"套数",又称“套曲”、“散套”或“大令”,是从唐宋大曲,宋金诸宫调发展而来。其定制一般有三个特征:一是全套必须押韵相同;二是有【尾声】;三是同宫调的两个以上的只曲连缀而成。套曲以其较长的篇幅表达相对复杂之内容,或抒情,或叙事,或抒情叙事兼而有之。
小令和套数是散曲的两种主要形式,一为短小精悍,一为富丽雍容,但除此之外,还有一种带过曲。带过曲是由同一宫调的不同曲牌组成,如【雁儿落带得胜令】【骂玉郎带感皇恩采茶歌】等,曲牌最多不超过三首。带过曲属于小型曲组,与套数比,容量小的多,且没有【尾声】。他只是小令与套数之间的特殊形式。
关系
散曲与戏曲虽然不同,但却有密切关系。明代评论家王世贞认为元曲是由早先的"词"变化而来的。自从金朝与元朝入主中国以来,所使用的胡乐嘈杂,凄紧缓急变化迅速,以往的词难以合拍,于是就创作了"新声"。可见,散曲是随着北人入主中原而来,并流行于市井巷陌,以後被文人吸收,成为一种专业创作。
散曲之题材多样,从大量的作品中可以体悟到深远的道家与道教的思想意义。首先,在田园山水题材作品中,"道法自然"的精神可谓充盈于其间。散曲作家通过自然景物的描写来寄托自己幽远情趣,让自我与自然融为一体。其次,在咏物题材中,作者运用诸多意象,以点缀仙境,抒发慕道情怀。复次,在咏史题材中,作者通过纵向的追溯,歌咏隐修道人宁静的生活,反映了烟波钓叟的审美情感。在艺术表达手法上,与道门情趣有关的散曲以烘托空寥、淡泊之意境见长,其风格自然质朴,耐人寻味。
前期散曲创作的作家大体上可以分为三类。
第一类是书会才人作家。如关汉卿及其著名套数【南吕·一枝花】《不伏老》,以及小令【双调·沉醉东风】。这类作家无论在人生道路的选择,自我价值的认定,或是道德修养等方面都与传统文士大相径庭,并大多具有放荡不羁的精神风貌,而在表象之后蕴含的确实强烈的反传统的叛逆精神和追求个性自由的生命意识。
第二类是平民及胥吏作家。这类作家不像上类一样比较彻底的抛弃了名教礼法和传统士流风尚,而是不敢信失落,力图重现传统文人价值。白朴,马致远是代表作家。其中马致远的散曲最为鲜明突出,被誉为“曲状元”。
第三类是达官显宦作家。主要有北京人卢挚,洛阳人姚燧等。
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基本乐理课程与集体钢琴课程可以说是不可分割的两部分。那么你对钢琴乐理了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于钢琴乐理知识的内容,希望大家喜欢!
一、节奏与节拍
节奏是一个广义词,它包括了音乐中与时间有关的所有因素,这里概括了拍子、小节、循环周期和重音的位置。在音乐里节奏是至关重要的,音乐犹如千军万马节奏把它们有序的组织在一起,按着音乐的强弱、长短,使它们有序的进行着,如果没有节奏,音乐就会杂乱无章,不成其为音乐。节拍是指强拍和弱拍的组合规律。有很多有强有弱的音,在长度相同的时间内,按照一定的次序反复出现,形成有规律的强弱变化,这就是节拍的作用。说到节拍,不可不说“拍子”。 “拍子”用简单的话来说你用一个手掌来拍。手掌一下、一上,这就叫做一拍,(如果用两只手对拍的话,那么一张一合,就叫一拍)单单拍下去,叫做半拍,再抬起来,也是半拍,这样算起来一上、一下加起来就是一拍(等于半拍加半拍)。
拍号是用分数的形式来标画的,分母表示拍子的时值也就是说用几分音符来当一拍,分子表示每一小节里有几拍,前面说过了2/4拍就是以四分音符为一拍,一小节有2拍,3/4以四分音符为一拍,每小节有三拍……读法是先读分母,再读分子,比如2/4叫四二拍,3/4叫四三拍,6/8叫八六拍。 拍号要写成分数的形式,是因为在五线谱中把全音符作为整数1看待。全音符是1,二分音符是全音符的一半,自然是1/2,四分音符的时值就是1/4,以四分音符为例,每小节有2拍,(两个四分音符)时,拍号就要写为2/4,如果每小节有三拍(三个四分音符)就标画成3/4,这样以此类推。
二、五线谱
五线谱是用来记载音符的五条平行横线。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。 假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。 通常用的谱号有三种:
G谱号:表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,又叫高音谱号;另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
F谱号:表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,也叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
C谱号:表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。 目前被采用的C谱号有C三线谱号(又名中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。C四线谱号(又名次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。 使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用。
三、变音记号
用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号,变音记号有五种:
升记号(#)表示将基本音级升高半音。
降记号(b)表示将基本音级降低半音。
重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。
重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。
还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。
变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。 记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前,它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时,可能有三种情况。
更换调号如果发生在一行乐谱的开始处,这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的调号预先记写清楚,并将最后一条小节线向前移,以便记写新调的调号。
增加原有升号或降号的数目时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。
减少原有升号或降号的数目时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。
升号变降号或降号变升号时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原,在小节线的右边写出新调的调号。直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效,而且只到最近的小节线为止,在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号,有时在小节线后面加上另外的临时记号。
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乐理即音乐理论基础,是学习音乐的入门课程。钢琴作为音乐大家族中不可不提的一种乐器,学钢琴时自然也需掌握一定的基础乐理知识。以下是由读文网小编整理关于钢琴基础乐理知识的内容,希望大家喜欢!
五线谱是用来记载音符的五条平行横线。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。 假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。 通常用的谱号有三种:
G谱号:表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,又叫高音谱号;另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
F谱号:表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,也叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
C谱号:表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。 目前被采用的C谱号有C三线谱号(又名中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。C四线谱号(又名次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。 使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用。
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乐谱的发展与西方音乐的发展是紧密相连的,乐谱是钢琴演奏与教学中的一个至关重要的问题。以下是由读文网小编整理关于钢琴乐谱基础知识的内容,希望大家喜欢!
五线谱的前身可追溯到中世纪的纽姆记谱法及有量记谱法。纽姆谱以横线为标准,用符号表示音的高低,但不显示音值长短。从7世纪起,这种记谱法出现于欧洲天主教堂内,最初只用1根线代表F音高,11世纪经阿雷佐的圭多逐步发展成4根线。规定音高为d、f、a、c,并将f线画成红色,c线画成黄色(后成为五线谱中高音及低音谱号的起源)。13世纪有人使用第5根线,成为五线谱的前身。16世纪又有加线的办法,使音高的记载更完备。
有量记谱法为13世纪科隆教士弗兰科创始。这种记谱法用音符、休止符和记号严格规定了音的长短,是对纽姆谱的补充和丰富。在1450年左右,音符是涂以黑色的,称为有量黑符,以后改用空心音符,称为有量白符,这种记谱法在西方使用到17世纪左右。
五线谱在前两者的基础上出现,到17世纪逐步完善,18世纪开始定型而沿用至今。如小节线原用于文字谱,17世纪末被五线谱所采用;升降记号通用于18世纪,表情记号取有量记谱法;装饰音记号源于纽姆谱,17世纪系统化用于五线谱。
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基础乐理作为的步入音乐殿堂的基石,对钢琴初学者而言是不可或缺的一部分,那么你对钢琴基础乐理知识了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于钢琴基础乐理知识的内容,希望大家喜欢!
前面我们讲过,在乐音体系中七个基本音的名称是循环重复使用的。因此就会产生许多音名相同而音高不同的音,为了加以区别,我们将音列分为许多个“组”。
最中央的一组叫做“小字1组”,用小写字母并在右上方加数字1来表示,如c1、d1、e1、f1……(字母后的数字应为上标形式,下同)比小字1组高的音组依次命名为“小字2组”、“小字3组”、“小字4 组”、“小字5组”,其中,小字2组的标记方法是——用小写字母并在右上方加数字2。其他各组的标记方法依此类推。
比小字1组低的音组依次命名为“小字组”、“大字组”、“大字1组 ”、“大字2组”
小字组的音用不加数字上标的小写字母来标记,如c、d、e、f、g、a 、b;
大字组的音用不加数字下标的大写字母来标记,如C、D、E、F、G、A 、B;
“大字1组”和“大字2组”的音用大写字母并在右下方加数字下标来表示:如F1、G1、B2、A2……
同名变化音级的标记方法只要在基本音级的前边加上#(升号)或b(降号)即可,如#A1、#e、#f2、bA、bg3……
下面介绍一下钢琴音的分组(只列出基本音级的分组)—— 在钢琴上,从左向右(由低到高)基本音级(白键)的分组依次为:
大字2组:A2、B2
大字1组:C1、D1、E1、F1、G1、A1、B1
大字组:C、D、E、F、G、A、B
小字组:c、d、e、f、g、a、b
小字1组:c1、d1、e1、f1、g1、a1、b1
小字2组:c2、d2、e2、f2、g2、a2、b2
小字3组:c3、d3、e3、f3、g3、a3、b3 2 - p*t n7 U ]- f
小字4组:c4、d4、e4、f4、g4、a4、b4
小字5组:c5、#p#副标题#e#
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学习钢琴的人数量不断增加,钢琴教学中的问题也越来越多。学钢琴首先还是要学习一些基础的知识。小编在此整理了钢琴入门基础知识,供大家参阅,希望大家在阅读过程中有所收获!
关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如,从肩部的舒展下垂,到整个手臂的协调下垂,通过放松灵活的手腕调节,然后由手指把手臂重量传入键盘。
(1):认识体会到手臂的自然重量
以前倾上身的坐姿,把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动,晃动,而血都涌向了手掌,通向了指尖。体会到手臂的自然重量后,我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。
(2):手指要承受并支撑整只手臂的重量
手指的三个小关节微微凸起,尤其是处于手掌部位的指根关节(以下简称"掌关节")必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来,要求每一个手指都能支撑住。我们用44371断奏入门的方法练习:先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好,结合手臂的自然重量。经过一个阶段,在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后,再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重。
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在日常的钢琴教学实践中,我们往往会发现有许多的学生只忙于训练演奏的技巧,而忽视了学习钢琴基础知识的基本过程,这种学习方法是不符合科学的。以下是由读文网小编整理关于钢琴基础知识入门的内容,希望大家喜欢!
钢琴琴体和钢琴外部的保护
(1)避免阳光照射和靠近暖气、火炉,导致油漆与外壳变形;
(2)注意室内温度和湿度。温度过高或过低,太干燥或太潮湿都对钢琴部件和琴体不利。北方地区通常室内过于干燥,可以在钢琴下部体内放一碗水,任其挥发;
(3)擦拭钢琴表面要用软纱布轻轻擦拭,避免划伤油漆表面;
(4)弹钢琴的手指甲不要过长,以免损伤钢琴键盘(尤其是白键盘);
(5)钢琴有四支脚轮,经常点机油以免锈主;
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钢琴基础教学中读谱是一个非常重要的过程,那么你对钢琴基础入门知识了解多少呢?以下是由读文网小编整理关于钢琴基础入门知识的内容,希望大家喜欢!
(1)手指的能力:
手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力,是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。
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以下是小编收集整理的《钢琴知识:钢琴节拍器》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
节拍器(Metronome)早期的样式在17世纪末就已经出现了,此后人们不断尝试改进。1816年梅尔策尔基于荷兰发明家温克尔的设想,制作了第一台现代意义上的节拍器。机械节拍器是根据钟摆原理而制,内置发条驱动,摆杆上游码可上下调动,以调整速度,并和面板上的刻度相对照,可知每分钟来回摆动的次数。1938年,电子节拍器问世,大家不必再劳神费力去上发条。随着时代的变迁,其功能越来越多,速度计算也更精确。节拍器不仅有其辉煌的历史,在现代器乐教学中也发挥着非常重要的作用。钢琴教学及练习中,如果能够对节拍器给予足够的重视,合理有度地使用它,必将取得事半功倍的效果。
节拍器的作用:
一、节拍器可以培养速度概念
节拍器最基本的功用就是确定速度。练琴的时候,用它确定所演奏乐曲的准确速度,从而逐渐建立敏锐的速度感,这对一个优秀的演奏者来说,是十分必要的。人们习惯上更看重一个人的音准感、节奏感,而忽视速度感。但是速度对音乐来说十分重要。速度要是把握得贴切,就能够自然而然地、直觉地抓住音乐情感,激起正确的体验;没有良好的速度感,不能正确理解乐谱上的速度提示,便违背了作曲家的意图,不可避免地扼杀了体验、扼杀了情感。
二、节拍器可以使演奏更完整平稳,节奏更均匀
钢琴演奏与单音乐器演奏相比较,由于其和声性、复调性等诸多因素,更显繁难,需要照顾的头绪更多,对于一些学生来说,节奏速度就退而居其次了。“难的速度慢,易的段落快”的现象普遍存在。即使曲子练熟了,也常产生“随手溜”的现象,愈弹愈快,愈弹愈乱,不得已就随处停和断。这时候如能使用节拍器做耐心地慢速练习,一段时间后,循序渐进地调整游码,在不知不觉中,曲子的速度上去了,并且弹奏的速度和节奏是平稳而均匀的。在有些键盘乐比赛中可以发现,演奏钢琴、手风琴的很多学生比演奏电子琴的学生表现乐曲的完整性要差。我们不可能说电子琴曲目就比钢琴、手风琴曲目简易,也不能说弹电子琴的学生就比弹钢琴、手风琴的学生聪明。其实就是电子琴内置节拍器发生了作用,练琴时,“鼓点”始终伴随着练习者,帮助他们树立了准确的节奏速度概念,并使乐曲表现完整。
三、节拍器可以使注意力集中,提高练琴效率
一些年龄小的孩子练琴时,往往一边弹一边玩,那么短小的曲子,要花掉很长时间才能弹一遍。即使年长一些的学生或成人,练得时间稍长,也会因麻痹而走神儿,使用节拍器则可以解决这一问题,它的“嗒嗒”声提醒练习者一刻也不能掉队,等指定练习段落完毕,则可以尽可能去放松。
四、科学使用节拍器可以使弹奏技术扎实,背谱更准确牢固
美国著名女钢琴家露丝·史兰倩丝卡在她的《指尖下的音乐》一书中提到:“节拍器是我每日练习时必定使用的工具,即使是我在旅行演奏的时候,也一定带着它。练习中使用它,可以使我的双手保持安定的训练,在键盘上有绝对的控制能力,不因钢琴的变动,而有失常的表现。”露丝提供了这样一种使用节拍器练琴的方法:在练习一首乐曲时,总是先从很慢的速度——如节拍器上的60开始练习,然后62—64—66等,一点一点地快起来,(注:这种以“2”的进度变化的形式只有在电子节拍器上才可实现,机械式节拍器没有那么精确的刻度。)掌握好了之后,再从60开始,63—66—69等,以“3”的进度练习。熟练之后,以“4”的进度60—64—68—72练习,再以“5”的进度60—65—70—75—80来练习。在练习过程中,如果把速度提高到让练习者感到紧张的速度时,不再继续提高速度。练习者在前面的速度上反复磨练之后加速才会轻松起来。这首曲子不管多熟练,每天的练习中,一定从最缓慢的速度练起,而且绝不以超过“5”的进度加快。这种练习方式使弹奏速度达到极肯定、且平均的状态,同时技术上也达到了极肯定的控制。
在节拍器的帮助之下,做变节奏练习,可以使乐句中的每一个音在大脑皮层中的印象得以加深,帮助背谱。在指法不变的情况下,可以使各个手指都得到公平肯定的锻练,背谱更深刻。
五、使用节拍器的经验,有益于建立伴奏、联弹、重奏、协奏意识
我们一般的钢琴教学模式是:上课一对一,学生弹,教师听,下课单独练,考试考级单独表演。独奏者总是以自我为中心,久而久之便可产生强烈的排他性。使用节拍器可以让练习者学会倾听,这就像有一个一丝不苟的朋友在与练习者合奏,心里必须数拍子,才能与之合得上。
很多学生不愿使用节拍器,他们甚至认为节拍器打出来的拍子并不准确。这种反感正是由于节拍器的客观而且公正,它绝对不会“谄媚”地跟着演奏者的节奏跑。有些学生与节拍器合不上,原因多半是他们太自顾自地弹。这时,我们首先应倾听节拍器,默数它的拍子,在心里先把乐曲的第一句唱出来与节拍器合上,然后再开始弹奏,同时不断核对,这样就可以建立相应的内心律动感。
不过,使用节拍器要有“度”。在练琴时,节拍器固然可起到巨大的促进作用,但我们不能为此而忽视乐汇细部微小的变化,甚至牺牲掉rubato、accel、rit等等对音乐的处理,否则音乐将变得生硬呆板。
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以下是小编收集整理的《钢琴知识:钢琴教师》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
怎样给孩子选择钢琴老师?
一、对于家长来说,给孩子选择适合的音乐老师很重要。不是考过钢琴几级的人,或获某某钢琴比赛大奖的人,都可以当幼儿音乐老师。
二、最好挑选专业学校毕业的、又懂得儿童心理的,让孩子乐意接受的老师。
三、好的老师会根据孩子的年龄段实际水平安排进程,会有生动的激励方法,把学琴的枯燥和趣味性结合起来。
怎样陪孩子练习钢琴?
一、要保持好的心态,营造好的氛围,让陪练过程成为一个彼此沟通的过程。
二、尊重孩子,多表扬少批评,保持足够的耐心。不要随意批评孩子,任意让孩子中断曲子。最好在孩子弹完之后,用和缓的态度指出错误,请他修正。
三、对音乐不是很精通的家长来说,建议在家里创造和谐、宽松、愉快的环境,让孩子每天都在体验,都在听东西,都在学习。比如,一家人一起收听、收看音乐节目,一起玩打乐器、打节奏的游戏,都能让全家充满音乐气氛。
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以下是小编收集整理的《钢琴知识:如何让孩子喜欢上学钢琴》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
为什么现在很多孩子学了一点点音乐,就学不下去呢?我觉得这主要原因是学习环境让孩子感觉不愉快。
一些家长觉得:学习音乐,就是学弹琴。其实,这只是一个部分。让孩子多听听音乐,参加音乐会或音乐活动,这些都是音乐学习。比如,你可以试着和他一起听一首名曲,然后和孩子一切讨论从中听到什么,一起认识和理解名曲的内容,这都是很好的学习。如果音乐学习只是弹琴,那孩子肯定觉得很枯燥,很快就没感觉了。所以,请父母注意:孩子学不下来的真正原因就是老师或环境让孩子感觉不愉快。
对孩子进行音乐教育的目的是什么?不是成名成家!如果只是那样的话,教育就太缺乏针对性。
我想说的是——其实,音乐和孩子很近。因为孩子的天性和音乐的特质有很多相似的地方。所以,通过音乐去感受节奏、音乐元素,孩子可以加深对音乐的理解,从而热爱生活,建立美感,成为一个更完整的人。具体来说有三方面:一是音乐可以激发孩子的音乐想象力,把欢快的音乐和实际的生活联系起来;二是音乐的学习也是培养孩子克服困难、磨练意志力的过程;三是音乐可以帮助孩子促进左右脑的协调发展。
怎样的音乐教育才是适合孩子的呢?必须具有三个条件:
一、目标定位正确,让孩子学得开心,不能与实际的生活离得很远。3~6岁的孩子喜欢表现、喜欢唱唱跳跳。形象的东西,他们容易感受,抽象的不容易接受。所以,我们的音乐教育要符合孩子的年龄特点。
二、要适度的要求,即符合孩子的要求,而不是违背孩子的兴趣,忽视他的要求。我们要找到孩子学习的最近目标区(也就是孩子通过努力学习可以达到的水平),然后再制定孩子的学习目标。如果忽视这个,那么孩子就会对音乐学习丧失兴趣。
三、尊重孩子的个性特点。如果孩子的乐感很强,有这方面的天赋,那就要给他多一些的音乐刺激;如果他这方面不是很强,也没关系,感受音乐就可以了,因为毕竟不是每个孩子都能成音乐家的。
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1.股息红利的来源
股息是股东定期按一定的比率从上市公司分取的盈利,红利则是在上市公司分派股息之后按持股比例向股东分配的剩余利润。获取股息和红利,是股民投资于上市公司的基本目的,也是股民的基本经济权利。
一般来讲,上市公司在财会年度结算以后,会根据股东的持股数将一部分利润作为股息分配给股东。根据上市公司的信息披露管理条理,我国的上市公司必须在财会年度结束的120天内公布年度财务报告,且在年度报告中要公布利润分配预案,所以上市公司的分红派息工作一般都集中在次年的第二和第三季度进行。
在分配股息红利时,首先是优先股股东按规定的股息率行使收益分配,然后普通股股东根据余下的利润分取股息,其股息率则不一定是固定的。在分取了股息以后,如果上市公司还有利润可供分配,就可根据情况给普通股股东发放红利。
股东一年的股息和红利有多少要看上市公司的经营业绩,因为股息和红利是从税后利润中提取的,所以税后利润既是股息和红利的唯一来源,又是上市公司分红派息的最高限额。在上市公司分红派息时,其总额一般都不会高于每股税后利润,除非有前一年度节转下来的利润。由于各国的公司法对公司的分红派息都有限制性规定,如我国就规定上市公司必须按规定的比例从税后利润中提取资本公积金来弥补公司亏损或转化为公司资本,所以上市公司分配股息和红利的总额总是要少于公司的税后利润。
由于上市公司的税后利润既是股息和红利的来源,又是它的最高限额,上市公司的经营状况直接关系这股息和红利的发放。在一个经营财会年度结束以后,当上市公司有所盈利时,才能进行分红与派息。且盈利愈多,用于分配股息和红利的税后利润就愈多,股息和红利的数额也就愈大。
除了经营业绩以外,上市公司的股息政策也影响股息与红利的派法。在上市公司盈利以后,其税后利润有两大用途,除了派息与分红以外,还要补充资本金以扩大再生产。如果公司的股息政策倾向于公司的长远发展,则就有可能少分红派息或不分红而将利润转为资本公积金。反之,派息分红的量就会大一些。
股息和红利的分配受国家税收政策的影响。上市公司的股东不论是自然人还是法人都要依法承担纳税义务,如我国就有明确规定,持股人必须交纳股票收益(股息红利)所得税,其比例是根据股票的面额,超过一年期定期储蓄存款利率的部分要交纳20%的所得税。
上市公司在实施分红派息时,它必须符合法律规定且不得违反公司的章程,这些规定在一定程度上也影响着股息和红利的发放数量。这些原则如下:
1.必须依法进行必要的扣除后才能将税后利润用于分配股息和红利。其具体的扣除项目和数额比例要视法律和公司章程的规定。上市公司的股东大会和董事会通过的分红决议是不能与法律和公司章程的规定相抵触的。
在上市公司的税后利润中,其分配顺序如下:
(1)弥补以前年度的亏损。
(2)提取法定盈余公积金。
(3)提取公益金。
(4)提取任意公积金。
(5)支付优先股股息。
(6)支付普通股股息。
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首先我们需要了解一下钢琴的分类。
钢琴的分类:
1.立式与卧式
钢琴一般分为立式钢琴和三角钢琴,家用多为立式钢琴,专业场合多为卧式三角钢琴。
2.按照高度划分
立式钢琴的型号是以高度来标注的,比如115、118、120等等。一般115以下为小型琴,因过矮已经少有人选购,115~127为中型琴,128以上为大型琴。(肥仔:大型琴简直帅得一塌糊涂。)
三角钢琴一般有6~7英尺中型琴(小型演出用)和9英尺长的大型琴(大型演出用)。
3.按照价格划分
普及琴:从几千元到两万元,为普及琴,供一般爱好者使用;
专业练习用琴:从一万八千元到四万元为专业用练习琴,供准备走向专业道路的人和音乐工作者使用;
专业演奏用琴:三万五千元以上的专业钢琴,其中价格超过十万元的立式钢琴和价格超过五十万元的三角钢琴算是大师琴
其次我们来了解一下常见的钢琴品牌:
钢琴品牌:
1.普及琴的生产企业
国内主要品牌如下,中小品牌略。
珠江(广东):珠江牌、里德米勒系列等
星海(北京):星海牌等
诺的斯卡(营口):诺的斯卡、王子等
英昌(天津):英昌等
中雅(上海):中雅牌、刘诗昆牌等
和声(福建):诺汀翰等
2.专业练习用琴
除了以上各厂家的中高档产品,还有KAWAI、YAMAHA、PETROF(捷克)等品牌中的立式琴。
3.专业演奏用琴
包括KAWAI、YAMAHA等品牌中的卧式钢琴(三角钢琴)。其中,德国的斯坦威(STEINWAY&SONS)、奥地利的蓓森朵夫(BOSENDORFER)、PETROF、贝基斯坦、法瑞利等五大世界名琴为大师琴。比如9英尺Steinway&Sons的价格在160万人民币左右,而Steinway&Sons的立式琴也在10万人民币以上,大致是同规格国产立式琴价格的八倍。
对钢琴的分类和常见的钢琴品牌了解了之后,就可以结合自身的经济条件和房子的大小布局来决定孩子学钢琴选什么琴了。
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氡(Rn),Ragon,原子序数为86。天然放射性元素,惰性气体。无色无味气体,固态氡呈天蓝色,有光泽。是室内装修污染物质之一。
(1)确定性效应表现为:在高浓度氡的暴露下,机体出现血细胞的变化。氡对人体脂肪有很高的亲和力,特别是氡与神经系统结合后,危害更大。
(2)随机效应主要表现为肿瘤的发生。由于氡是放射性气体,当人们吸入体内后,氡衰变产生的阿尔法粒子可在人的呼吸系统造成辐射损伤,诱发肺癌。专家研究表明,氡是除吸烟以外引起肺癌的第二大因素,世界卫生组织(WHO)的国际癌症研究中心(IARC)以动物实验证实了氡是当前认识到的19种主要的环境致癌物质之一。从本世纪60年代末,首次发现室内氡的危害至今,科学研究发现,氡对人体的辐射伤害占人体一生中所受到的全部辐射伤害的55%以上,其诱发肺癌的潜伏期大多都在15年以上,世界观上有1/5的肺癌患者与氡有关。据美国国家安全委员会估计,美国每年因为氡而死亡的人数高达30000人!据不完全统计,我国每年因氡致肺癌为50000例以上。
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从普遍提高人的素质的角度着眼,我们说人人都可以学习弹钢琴。但人和人之间,毕竟有千差万别的不同情况,那么,什么样的人最适合学钢琴?学钢琴的理想条件是那些呢?
(1) 酷爱音乐。对音乐的美特别敏感。音乐对他总是有强大的吸引力,仿佛视音乐为生命一般。浓厚的兴趣可以产生异乎寻常的学习动力,去克服学习道路上的一切困难,永不停步地奔向新高度。
(2) 敏锐的听觉。对声音的高低、长短、强弱的微小差异,都有精细的辨别能力。对声音的性质,比如“明暗”、“软硬”以及微妙的感情色彩等等,也能察觉出来。一双这么好的耳朵,有如一盏明灯,照亮了通向正确目标的道路。
(3) 良好的节奏感。善于领会不同节奏的不同趣味。仿佛本能般地受到节奏的感染。
(4) 出色的音乐记忆力。对于只听过一次或几次的音乐,能够清楚、准确地记住不忘。
这几条是最重要的。下面两条虽然不如上几条那么重要,但也是学钢琴的有利条件。
(5) 较宽厚的手掌和较长的手指,并且,仿佛是天生似地具有敏捷的动作能力和反应能力。这样的手在驾驭钢琴时,会有自然的轻松感。
(6) 较小的年龄。因为弹奏钢琴带有很强的技术性,及早训练,有利于及早掌握技术。
一个学习者假如具备了前四个条件,则可以弥补后两个条件的不足。反过来,如果仅具备后两条而不具备前四条,那不不能说具备了理想条件。当然,如果六条都具备,那就“如虎添翼”了。
这里讲的“理想条件”是相对的。尤其对于正在成长的、可塑性极大的孩子,绝对不能孤立、静止的看待种种“条件”。表面看来不够理想的条件,经过科学的训练、培养和刻苦努力学习是可以转变的,反之,即使条件理想,不正确的训练,不经刻苦用功,这些好的条件也会渐渐失去。
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以下是小编收集整理的《钢琴知识:如何纠正小孩子不正确的弹钢琴手型》全部内容,希望对大家有所帮助,如果您喜欢小编的推荐,请继续关注读文网。
孩子太小手太软。折指、手掌下塌、手背不平、手腕对键不正、高抬指不够、手腕上下晃动等很多问题都需要解决。中央音乐学院毕业后,我在北京教学过程总结了几个方法来矫正(本人现已经来到厦门在一家钢琴培训学校工作,同时也有上门家教,如果有什么问题可以咨询我,我会尽力解答):对折纸指、手掌下塌、高抬指不够、没有抱球感觉,都能解决。对手背不平、手腕上下晃动可以采用手背放硬币的方法。
下面介绍几种方法矫正钢琴手型:
1、如果孩子掌关节凹陷,可把一只乒乓球放进丝袜中,绑在孩子手上〔球在手心部位〕再弹琴,这样坚持一段时间,会有一定的成效。
2、让孩子双手十指相对作抱球状,每对手指不停地做分开、相碰动作。〔但手指必须是自然弯曲状〕
3、也可将以上2种方法结合起来,将双手分开平放在桌面上,十个手指不停的轮番敲打桌面,也能达到训练目的。
4、慢速弹奏,要求孩子弹每个音的手指动作都要达到标准要求。
5、孩子初学钢琴时一定要先练断奏!即吊臂,提手腕,落键不要发力,手自然落到琴键上即可。练习高抬手指是为了训练手指的灵活性,但必须建立在手腕放松的基础上,吊臂练习就可以放松手腕和训练手指的独立支撑能力,等孩子的手指具备一定的独立支撑能力后方可训练高抬手指,手腕是弹奏钢琴时的力度调节器,是训练非连奏,连奏以及断奏(跳音)的基础,对以后的演奏技巧训练和乐感处理都起到至关重要的作用,手腕放松,手指尖立住手型自然就好了。
另外,小孩子手指大都很软,力量较弱,手型容易塌陷。弹琴时手型要有一个渐进的过程。过分强调手指的标准化,不但伤害到孩子学琴的兴趣,严重时还会损伤手指;与其这样,还不如加强视唱练耳的训练,在听力正当发育的阶段,训练听音不但可以开发听觉系统,还有助于固定耳的形成。待孩子通过生长发育及适当训练后,能够使手指独立达到一定强度的时候,自然就会形成一个较好的手型。
钢琴演奏中的放松训练家长可以学着做,其实家长是孩子最好的陪练老师。我在教学中,家长都跟着一起学,所以家长在家里就一定要当好这个陪练老师。
琴童在学琴之初,在掌握好正确的弹奏姿势之后,接下来就是如何放松地演奏钢琴。在教学中,我都要求学生放松弹琴,在教学中,逐步摸索出训练学生放松弹琴方法。首先,应是全身达到“自然状态”即是身体放松;其次,在身体的自然状态下,做到肩部(不要耸肩)、肘部、手腕的放松。只要弹琴就一刻离不开放松。可见,如果在琴童学琴之初,不解决放松弹奏,将直接影响到以后的学琴。
“放松”是一个抽象的词语,应根据儿童的心理特点,把抽象的语言转换为儿童易于掌握的形体语言。在整个放松训练中,有如下几个关键点:1、身体放松。2、重量。3、手臂及手的放松。
如何做到身体放松,我是这样做的,可以让学生走路、坐在带靠背的椅子上,让学生通过肢体动作的形体语言感受放松的状态。钢琴演奏不是用手指、手腕的力量去弹奏,而是通过身体的放松,将手臂甚至身体的重量灌注到指尖,再用指尖触键。
如何让琴童体验重量的下达呢?可以先让学生双脚交替踩地,然后叫学生跳起自然落地,通过这两个动作的比较,启发并询问学生两种方式哪一种方式力量更大,使学生知道,跳起来落地时,整个身体非常放松,全身的重量灌注到双脚,双脚支撑身体,弹琴也是如此,肩、手臂、肘、手腕放松,使手臂的力量传达到指尖,指尖落在琴键上,并支撑整个手臂,手指的力量训练,并非训练手指的力量,更重要的是训练手指的支撑力,即手指支撑手臂的力量。以上的两种肢体动作,就是要告诉学生弹琴是用手臂的重量触键。
接下来,训练手臂与手的放松。
1、离琴的放松训练。让学生坐在琴凳上双手自然放在大腿上,告诉学生不要拿劲,不要用任何力,我用手托住学生的左或右手腕,慢速向上抬起,越慢越好,如果感到学生的手臂很轻,说明学生没有放松,可以让学生拖住老师的手腕,慢慢向上抬起,并启发学生越往上抬感觉老师的手臂越重,抬到一定的高度(手距离大腿20厘米左右),叫学生把拖住老师手腕的手立即离开,这时老师的手腕会迅速落在大腿上,这种迅速落下的状态说明手臂是放松的。通过多次拖腕—上抬—离腕的训练,使学生掌握手臂、手腕的放松。
2、琴上的放松训练。学生在离琴状态下,手臂获得了很好的放松后,进入琴上放松训练。在琴上放松训练时,不用要求学生的手型,如果一开始要求学生的手型会造成手的紧张。学生双手自然放在大腿上,将学生的左或右手自然放在琴上,这一步,看似很简单,但由自然状态到琴上,多数琴童还会紧张,通过反复练习,做到放松。然后教师用手拖住学生的手腕,向上抬起,抬到一定的高度突然离开,学生的手迅速落在琴键上,许多琴键同时下键,琴声饱满圆润。如果手臂紧张,收回缓慢落下,琴声发虚,不饱满,如果手腕加力则琴声发硬。教师可以用三种触键法弹奏,比较不同的音响,从学琴开始就要培养正确的触键法、正确的声音概念。通过反复练习,使学生掌握琴上的放松。
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在钢琴业余考级中,从一级至十级,都有相当分量的基本练习,即音阶、琶音,各级的基本内容几乎完全一样。为什么对基本练习如此重视?
这几年考级中,有一些学生一进考场,坐在琴凳上,一上手就是一串漂亮的音阶琶音,他们弹的流畅均匀,学得很严格正规。评委心中暗喜,“通过”不成问题。有这样好的基本功,弹练习曲、乐曲是不会有大的出入的。
另有一些考生,音阶琶音弹的实在很差,甚至报考七级,仍错误百出。这些学生指法错,节拍不稳,手臂乱颤,手指软弱,速度很慢。评委眉头一皱,一听就无法通过,因为这样的基本练习水平,完全达不到要求。
有些考生平时只想弹些乐曲,不重视基本练习,很少按部就班地认真练习,为应付考级,临时突击一下,目的是能混过关就行,这是错误的、不负责任的。
应该知道钢琴弹奏技术难度较大,范围很广,而其中主要技术就是音阶琶音。请分析一下每首乐曲吧,它的主要技术都在音节式跑动中,把音阶琶音练好了,其它困难就迎刃而解了。有一些学生,弹每一首乐曲都感到很困难,要磨很久才能掌握。为什么?因为技术差,基本功差,平时没有好好练习音阶琶音,只得弹奏乐曲时,就事论事地重新练习,这是很不明智的学习方法,费时、费力、效果差。如果平时早就把音阶琶音弹得很好,在弹奏乐曲时碰到大量这样的技术,因早已是驾轻就熟,很快就能练好,他们能弹很多教材,有多高兴啊!
其实弹好音阶琶音也并不难,只要初学时就重视,搞清指法,坚持每天练习,细水常流,持之以恒,就能逐步熟练,并不费事。
钢琴“业余”考级,遵循的是较严格的科学标准,从音阶琶音来看,三至十级虽然内容几乎一样,但速度、流畅度、均匀度差别很大,要求越来越高。只有打好基础,才能往高难度发展。在实际练习中我们都明白,要弹好音阶琶音不是讲一讲就能掌握,弹奏技术的掌握过程,是一个不断熟练、不断提高,直至在演奏作品时,能成为下意识地、得心应手地运用这些技术的过程。
进行长期的技术训练,需要有足够的耐心和毅力。假如对技术训练感到枯燥无味,短时间内又难以见成效,认为远水不能解近渴,就放弃练习,一心只想弹好听的乐曲,这样的认识必然导致对弹奏技术既无心又乏力,不能坚持练习,这就不利于钢琴弹奏水平的提高,尽管渴望弹奏许多较高级别的乐曲,也将因为基本功太差无法胜任而遗憾。
还应指出,在认识到弹奏音阶琶音的重要性之后,若基本弹奏方法不对,也是徒劳的。一些学生在弹基本练习时,肩臂很紧,手指很柔软,没有节拍,很不均匀。我们说,基本弹奏方法不对,越弹就越不对。因此,一定要遵循一套科学的、正确的、有效的方法,抓住音阶琶音各类技术的弹奏要领,有意识地、有明确地,又有具体措施地练习,方能快见成效。
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