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想象是对表象材料的一种加工和改造,是发生在大脑中的一种表象运动。从文学艺术方面来看,根据想象内容在新颖性、独立性和创造性上的不同,想象可分为再造想象和创造想象两大类。创造想象是根据创造目的,不依靠任何描述,独立地创造出新想象的过程。创造音乐时的想象,就属于创造想象。
创造是人类社会对刚开始的新理论、新方法、新成果的统称,如创造思维、创造能力、创造者等。如果作为一种心理活动来认识的话,则主要是创造思维活动,创造思维是一种新颖的、不拘一格的思维,它是人类在各种活动中表现出来的富有创见型的高级精神活动。创造和想象关系十分密切,从某种意义上来说,想象是创造的基础,创造是想象的结果,它们对音乐人才的成长和成就来说,具有非常重要的作用。
黑格尔曾说过,最杰出的艺术领域就是想象。爱因斯坦也说过,想象力比知识更重要,音乐更是如此。在音乐工作的实践中,想象心理必须向创造思维转化,并与之相结合,才能成为有价值的能力——创造力。由于创造思维可以提供新颖独到而有价值的思维成果,因此,音乐家能够借此为自己的作品或表演注入新的艺术活力,超越一般化、平庸化的樊篱。
总的来说,由于音乐是心理的产物,一切音乐活动都取决于人的心理活动,因此音乐人才成长的过程,实际上也是音乐心理素质全面提升并逐渐走向成熟的过程。这些心理素质呈现出“多元一体”的总体趋势,一方面各种心理过程特征各不相同,另一方面又相互影响,统摄于大脑的指挥之下。全面认识音乐心理素质的基本规律,并有针对性的提高整体心理素质水平,将对音乐人才的创作、表演、理论研究产生重大的影响,帮助音乐人才更好地走向成功。
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在中等专业学校教学中,信息技术作为最常用的教学方法,在数字化应用越来越广泛的当下,它对传统音乐教学也造成了很大的影响。多媒体不仅让教学资源越来越丰富多彩,同时也让课堂结构与教学模式越来越满足学生生理要求。为此,音乐教学从冷峻、抽象变成了生动、形象,不仅拓展了学生视野,同时也大大提升了教学成绩。
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浅谈中等专业学校音乐教师应具备的素质
音乐作为情感的艺术,它的鲜明特性很好的反映了整个人类的思想情感,所以关注音乐教育,让音乐教育成为中等专业学校进行素质教育已经成为很多学校的实施途径。为了做好这点,音乐老师素质必须满足新课标要求,这样才能让教学方法始终满足学生要求。老师的素质作为一项覆盖面非常广的话题,它包含师德、工作方法以及专业素养等各个方面。作为音乐老师,通常一周只有一两节课和学生接触,怎样在较短的时间构建良好的师生关系,培养学习兴趣,和专业课程相比具有很大的难度。因此,在中等专业学校音乐教学中,音乐老师必须不断提高文化素养和音乐韵味,从而起到提高知识、拓展知识面,开发智力等作用。
道德素养满足要求、基本功扎实作为中等专业学校对音乐老师的最低要求,为了进一步提高教学质量,音乐老师必须从职业素养上不断提高教学能力。
(一)教育更新力度
从当前的中等专业学校生源来看,学生素质普遍较低,甚至还有很多学生轻视学校思想文化、理论课程的现象。从这部分学生所处的年龄段来看,以未成年居多,思想不稳定、多动、可塑性强是他们的特点。针对这种情况,为了转化学生,老师必须对其因材施教,在因势利导中,放弃传统的教育模式和思想,这样才能有效提高学生自主学习的积极性,保障教学成果,让音乐演变成转变中等专业学生素养的渠道。例如:在音乐教学中,我们可以利用相关资料进行音乐即兴伴奏、乐器制作、创作表演与歌曲创作等。
(二)信息技术
在中等专业学校教学中,信息技术作为最常用的教学方法,在数字化应用越来越广泛的当下,它对传统音乐教学也造成了很大的影响。多媒体不仅让教学资源越来越丰富多彩,同时也让课堂结构与教学模式越来越满足学生生理要求。为此,音乐教学从冷峻、抽象变成了生动、形象,不仅拓展了学生视野,同时也大大提升了教学成绩。所以,在现代化中等专业学校教学中,必须大力增强音乐老师的信息应用能力,并且作出满足自己要求的课件。
(一)热爱本职工作
热爱本职工作作为做好一项工作的前提,它要求师生不仅要认真学习、与时俱进,还必须提升政治水平,从老师开始做好示范工作,帮助学生培养责任心、敬业精神与进取精神。工作作为一种责任,它不仅是个人能力的展现,同时也是人生价值,它是生存的条件。因此,在实际工作中,必须将其作为贡献,促使音乐老师自觉做好教学工作,这样才能增强其克服困难。战胜艰险的信心与决心。
(二)高尚的团队精神
任何一份工作都离不开集体的支持与协调精神,“一个好汉三个帮”,协作不仅是心态与人品的体现,同时也是工作精神的必需品。因此,在中等专业学校音乐老师培养时,必须注重团队协作精神的培养,尽量让每个老师都能保持良好的状态,在认真学习工作方法与经验的同时,互相取长补短。在别人获得成绩时,不说风凉话,更不要对别人评头论足,这样就能避免不必要的问题,让其具有良好的集体主义。
(三)虚心好学的精神
俗话说:人不可无傲骨,但是不可有傲气。说的就是虚心的重要性,它作为传递几千年的美德,在事物快速发展的今天,我们应该抱着虚心的态度努力学习,看到他人亮点,取长补短。在人际关系处理上,不仅要正确评价自己,还必须正确定位。在音乐学习中,我们应该努力做到“曲不离口、琴不离手”,正确看待学习,在学习中摸索前进。
(四)积极开拓的精神
面对当下快速演变的经济浪潮,奉献作为一种美德,在当下时常被人提起。因此,在实际工作中,我们必须结合具体情况,培养师生敢于奉献和创造精神。面对功利与世俗,努力做好自己,不被物质的东西所诱惑,这就需要精神足够充实,才可能成为对学校、家庭、社会有用的人。
(一)理论和实践整合能力
对于音乐专业的学生,不仅要掌握理论知识,还必须掌握曲式、和声、音程、调试、心理学、教育学、基本理论以及音乐活动的各种训练与组织。因此,在中等专业学校音乐教学中,除了要做好理论实践工作外,还必须从基础引导工作。对于音乐老师来说:在校知识始终是有限的,而工作是没有限制的,所以应该将有限的知识努力渗透到无限的工作领域中,并且在知识中寻找联系与捷径,尤其是音乐活动、和声、调试等,经常会用到,并且对今后工作也有重大影响。
(二)创新和创业能力
自进入二十一世纪以来,通才、复合型人才成为了教育培训的重要任务,同时这也是社会发展的需要。在旧的制度越来越不能满足尖、、精、高人才时,社会就会强烈要求一专多能的现代化人才。在音乐上也不例外,老师除了音乐还必须掌握其他知识,在特别精通一种音律时,对其他音律也必须了解。因此,在中等专业学校老师培训中,必须努力塑造老师的创新精神,提高创新意识与能力,在与时俱进,敢于创新的过程中,实施党的方针,提高现代化教学水平。
面对激烈的竞争形势,为了确保中等专业学校发展前景,音乐老师不仅要具备时代感,还必须保障各个知识结构的科学化、规范化,充分利用信息技术以及已有教学设施,帮助老师提高自身素养。
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音乐通过赋予舞蹈外在的节奏与旋律,规定或预先决定着每位舞蹈演员的动作和表演,舞蹈演员则以富有表情的、精力充沛的姿势,与生动活泼的面部表情,将音乐变成直观易懂的艺术形式。一个成功的舞者,不仅会将内心世界与音乐情境相结合,并且舞者的肢体还会随着舞蹈中音乐的快慢、起伏变化而变化。
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关键词:舞蹈,情感,价值,音乐。
论文正文:
音乐在舞蹈表演中的情感价值体现
舞蹈作为一种感情冲动的、自由的、有节奏的动作表现,需要音乐的节奏充分配合来增强表演外在的节奏韵律感,以更好地表达内在感情与情绪变化,主要表现在以下两个方面:
(1)使舞蹈的节奏韵律产生多层次的美感效应。
在我国古代就有“舞者,乐之容也”、“乐在耳曰声,在目者曰容”的说法,即把舞蹈看作是音乐的外形,而把音乐视为舞蹈的内容。舞蹈艺术表演中也是如此,舞蹈大多是在音乐的伴奏下产生出来,在音乐的情感中展现出来,并与音乐共生共存。作为时间艺术的音乐,是靠乐音有规律的运动变化来构成艺术形象的,节奏是音乐最基本和最重要的表现手段,音乐必然需要将节奏作为最核心的艺术表现手段。
乐音的长短、高低、强弱等的变化组合,构成音乐的节奏形式,它是旋律的骨干,也是乐曲结构的基本构成因素。舒缓的节奏使人沉静,激越的节奏使人振奋,沉重的节奏使人压抑,欢快的节奏使人陶醉。不同节奏的音乐能够给人给来不同的心理感受或情感体验。因此,舞蹈表演中的音乐节奏,在赋予舞蹈外在节奏韵律感的同时,也将欣赏者对音乐的情感体验转移到舞蹈欣赏当中。在舞蹈作品中,音乐与舞蹈必须紧密结合,完美意义上的舞蹈更要建立在完美的音乐基础上。而节奏感正是音乐与舞蹈相互结合的最好纽带,它使舞蹈动作富有韵律美。
同时,又通过优美的舞蹈动作形象地展现出音乐的内在节奏,最终使舞蹈音乐与舞蹈动作达到水乳交融的状态,成就出令人心旷神怡的舞蹈艺术作品。例如,云南艺术学院舞蹈学院朱红院长编创的傣族民间舞《春的律动》中的音乐,以洒脱、纯朴的音调节奏特征,增强了舞蹈外在的节奏旋律特色,赋予了舞蹈以浓厚而强烈的傣族民间色彩,从而成功的刻画出活泼、可爱的傣家女在赶摆路上的热闹景象,使观者无不印象深刻。
音乐通过赋予舞蹈外在的节奏与旋律,规定或预先决定着每位舞蹈演员的动作和表演,舞蹈演员则以富有表情的、精力充沛的姿势,与生动活泼的面部表情,将音乐变成直观易懂的艺术形式。一个成功的舞者,不仅会将内心世界与音乐情境相结合,并且舞者的肢体还会随着舞蹈中音乐的快慢、起伏变化而变化。音乐是舞蹈的一个重要符号元素,音乐旋律的起伏、音乐节奏的快慢,以及音响的强弱等决定了不同的舞蹈节奏、旋律以及动作与姿势,同时也以内在的感情基调充分展现出舞蹈特定的情感氛围,实现舞蹈的完整意义。
在《乐舞互动思制录》中,有这样一段描述“一旦音乐响起,人就进入一个肢体语言与音乐语言对话的世界,随着音调的高低、节奏的长短、节拍的强弱、速度的快慢,舞者用各自的肢体语言阐释心中对音乐的感受,宣泄由音乐引发的情绪,充满了多元的空间意义,但所有舞者的肢体语言和情感色彩,都受制于这一段音乐的旋律与节奏气氛的基本指向。”例如,舞蹈《红色交响》中,《红旗颂》的交响乐令舞蹈的节奏旋律呈现出激情热烈、气势雄浑的特征,情感充沛而富有张力;舞蹈中的人体动作随着时而悠缓、时而激烈的交响乐旋律,与变幻万千的动作以及流畅的队形贯穿在一起,深刻表达并宣泄着强烈的内在情感。
《乐记》有云:“夫乐者乐也,人情之所不能免也。”原苏联著名舞剧编导和舞蹈理论家扎哈诺夫也曾经说过:“音乐――这是舞蹈的灵魂。音乐包含了并决定着舞蹈的结构、特征和气质。”可见,音乐的内在情感能够烘托舞蹈表演的内在精神气韵,体现出不同的舞蹈风格与气质。这种舞蹈表演的内在精神气韵主要体现在以下几方面:
(1)舞蹈的情绪内涵与生命情态。
舞蹈表演借由音乐烘托表现出的内在精神气韵,首先体现在舞蹈表演的情绪内涵与生命情态上。音乐通过音响的律动形式,展现着舞蹈情绪内涵的性格动态,最终勾画出舞蹈的生命情态,实现舞蹈与音乐情感的互补。舞蹈界普遍有这样的说法:“音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的回声。”舞蹈家通过音乐的配合和帮助,激发出内心的感情,并通过外在的形体动作表达出来。
“舞蹈的动作必须在音响流动的过程中进行,音乐中时间的规定性,可以使舞蹈借助旋律动态建构舞蹈动态的动作组合,使舞者借助乐音动态中蕴含的象征意味表达自己的内心世界”。舞蹈家吴晓邦通过自己的理论和实践活动,对以上两个方面都进行了验证。他认为:“任何舞蹈在艺术形象上都必须通过音乐,才能把它的‘意思’完整地表现出来。即使是一个无伴奏的舞蹈,虽然没有声音,但他从无声中也有一种节奏动作,会使人感到无声胜有声。”
这种“意思”指的就是舞蹈的情绪内涵与生命情态;同时,他还公开宣称自己曾从《义勇军进行曲》的音乐中获得过舞蹈艺术形象。尽管有很多舞蹈家在试图强化舞蹈艺术独立性的基础上,也自行地创作了一些无需音乐伴奏的舞蹈艺术作品,但还是通过“踢踏动作或者是利用脚铃、手铃伴随身体动作而产生的节奏音响充当音乐伴奏。一定程度上可以说,音乐艺术性的高低决定着舞蹈的结构、特征和品味,使舞蹈的内在情感不断得以外化,为舞蹈艺术生命价值的实现奠定基础。
(2)舞蹈的艺术风格与精神气质。
音乐不仅烘托出舞蹈表演情绪内涵与生命情态,同时还烘托出舞蹈表演不同的艺术风格与精神气质,激发并强化着舞蹈表演的情感表现。著名舞蹈家乌兰诺娃曾经说到,她在《巴赫奇萨拉伊的水泉》中的舞蹈表演,也是以对音乐情感的充分理解和把握作为基础的,从而使这段舞蹈表演具有独特的艺术风格与精神气质。她还进一步阐释道,好的音乐必定是对舞蹈动作、姿态以及情感的最好诠释。显然,音乐情感不但可以加强舞蹈的感情色彩,还可以帮助理解舞蹈的意义与内容,令舞蹈更具独特的审美价值;音乐还可以更为直接的触动观众的情感体验,为观众与舞蹈搭建起情感深入沟通的桥梁,更加拉近观众与舞蹈的距离。
音乐不仅能够增强舞蹈表演外在的节奏韵律感,烘托舞蹈表演内在的精神气韵,还可以强化舞蹈表演的艺术形象塑造。舞蹈和音乐的任务,都是通过塑造鲜明的艺术形象,来展示特定的主题内容。音乐在形象塑造过程中的情感释放,能够极大的强化舞蹈表演的艺术形象塑造,舞蹈是依赖于音乐的节奏而存在的,舞蹈表演正是在形体动作与音乐节奏、旋律、速度、力度所传达情感内容与氛围的有机结合中,塑造出鲜明的艺术形象。
例如,表现蒙古人民草原生活的舞蹈《奔腾》,以大气流畅的节奏韵律感,成功塑造出蒙古人特有的粗犷彪悍的形象以及豪放不羁的气势,充分体现出音乐节奏在舞蹈形象塑造中的情感价值。舞蹈有了独具情感魅力的音乐节奏相配合,可以烘托表演气氛并彰显舞蹈的个性形象,促进舞蹈形象的塑造、确立和丰富,从而塑造出极富感染力和情感内涵的完美舞蹈形象。
因而,在舞蹈表演中,只有将舞蹈与音乐相互融合,才能尽情释放音乐在舞蹈中的情感价值,共同促进音乐与舞蹈情感之花的绽放。
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音乐是指有旋律、节奏或和声的人声或乐器音响等配合所构成的一种艺术。在所有的艺术形式中,音乐是最擅长于抒发情感、最能拨动人心弦的艺术形式,它借助声音这个媒介来真实地传达、表现和感受审美情感。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:论中学音乐对学生综合素质发展的意义相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
论中学音乐对学生综合素质发展的意义全文如下:
中国的音乐教育有着十分悠久的历史,在我国的商代就存在与音乐教育相关的活动,随后建立起来了“乐教”的教学思想。音乐教育是在20世纪之后才成为一门专设学科进入课堂教学,随着多年来音乐教育教学活动的丰富多彩,中学的音乐教育逐步发展成熟。音乐是一门极富创造性的学科,音乐教育可以陶冶学生的情操,使得学生的道德素质得到提升,想象力被激发,塑造学生开朗大方的性格,对于学生人生观、价值观的形成都会起到至关重要的作用。
我国从古至今就是一个礼乐国度,在古代的《荀子?王制》一书中就提到过音乐存在的教化作用,其中谈到“论礼乐,正身行、广教化、美风俗”。音乐可以提高人的道德素质,对于社会教化的推广也是起到非常重要的作用。中学生处在人生的快速发展时期,这段时期学生的塑造性是非常强的,一些学生的逆反心里比较的强,情绪容易波动,总是希望自己能够受到别人的关注,因此在这个阶段对于学生选择合适的教育方式,将会对学生道德素质造成很大的影响,甚至会影响到学生的整个人生。中学的音乐教育在潜移默化之间向学生展示了声音与艺术、音乐与人性的美,全面的培养和提升学生感受美、欣赏美、展现自我的能力,能够很好地平复学生内心的躁动不安、稳定情绪,让他们知道要用自己美好的一面去吸引别人的关注与认可,好的音乐可以净化学生的心灵。在这样长期的音乐学习中,学生就会自然形成一种客观认识世界与自我的心态,尊重了学生的音乐学习自主创新性,全面提升了学生的思想道德水平。
音乐因其强烈的节奏感、优美动听的旋律、和谐悦耳的和声、错综复杂的曲式与织体结构,有着自身的独特气质和学习特点,所以相对其他的学科而言,音乐的教学和学习都存在着一定的难度。学生想要学好音乐这门学科显然不是那么的容易,这就要求学生要有一个好的学习态度,在此基础上还要有长期的坚持,坚强的毅力和耐力。例如,对于乐器的学习,开始的时候是枯燥乏味的重复练习,逐渐地掌握其中的学习方法与规律。然而,对于一种乐器的熟练掌握必须是长期的训练加上经验的积累,并非一朝一夕就能弹奏出美妙的曲子。在这个长期的坚持学习过程中,学生会逐渐感受到学习的乐趣,自主的去探索好的学习方法,并且形成了良好的学习习惯,而这种好的学习习惯也会自然地运用到其他学科的学习中,让学生的各科学习都能得到较大程度的提升,学习成绩自然会得到明显的提高。
音乐的学习过程中需要学生发挥自己的创造性思维,展开自己的想象力,不要被自己所束缚。在这个过程中,学生的智力能够得到很好地训练,长期地坚持下去,学生的思维转换能力必将取得十分明显的效果。中学生受到生活阅历的限制,对于世界的认识还不是那么的全面,学生在音乐学习中能够开阔自己的视野,看到更深远的东西,在这其中学生就可以充分地发挥自己的智能。例如,在声乐学习、舞蹈动作的模仿课堂中,学生的听觉和视觉、肢体表现等都会得到发挥和锻炼,同时身体的触觉反应力变快,大脑的记忆力变强,学生的思维得到综合提高。古今中外的许多人才都说,音乐对于他们的人生的影响非常的巨大。所以,我们相信中学音乐的教育会对学生智力的综合提高,起到至关重要的作用。
现在的大部分中学生都是独生子女,他们在父母的精心呵护下成长,这种优越的生长环境容易造成学生性格的敏感和孤僻、自我,不愿与他人进行真诚的交流,在他们的内心中渴望得到别人的认同,他们的自尊心无法承受一丁点的打击。中学音乐的教育,可以让他们在舒畅的旋律中静下心来,敞开自己的心扉,忘记不愉快的事情,敢于面对生活中的挫折。在音乐的交流当中,他们会体会到合作学习的快乐,逐步敞开心扉与他人进行沟通,性格就会慢慢地活泼开朗。例如,在歌曲的合唱当中,需要每个参与者的团结协作和共同的努力,他们需要事先进行一些好的交流,每个人都会有自己的任务,要认真的完成自己的任务,同时还要配合他人,实现良好的对接和转换,在这其中,学生可以感受到与人交往的欣喜感,学生的性格必将必将变得乐观开朗,乐于助人,亲和友善。
在我国的中学音乐教学中,有许多的歌曲都是在向学生传递正能量,培养学生拼搏奋进的爱国精神,其中的歌词都是非常的经典的。领会其中的内涵,可以教会我们许多做人处事的道理,在实际的生活中分辨是非,用音乐的感染力让学生形成健康的心理,帮助他们形成正确的人生观和价值观。如我国的国歌《义勇军进行曲》,为我们讲述了前辈的英勇故事,慷慨激昂,在学生的内心回荡,久久无法平静,学生从中可以体会到现在生活的来之不易,更加地珍惜现代的幸福生活。
展望社会未来的发展,需要的是综合能力全面发展的实用性人才,中学的音乐教育可以陶冶学生的情操,使学生的道德素质得到提升,想象力被激发,塑造学生开朗活泼的性格,对于学生人生观、价值观的形成都会起到至关重要的作用,这些都为学生未来的发展奠定了十分坚实的基础。以学生综合能力发展为目标的中学音乐教育,为我国的音乐教育事业做出了巨大的贡献,同时也带动了我国教育事业的全面发展。
【论中学音乐对学生综合素质发展的意义】相关
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现代音乐美学不仅关注音乐作品本身,也渐渐开始研究音乐表演艺术。一个音乐作品被表演出来,不可以简单看出重现,更是一种新的创作,要经过演绎者、编剧人的几度揣摩与表现,变得更加富有内涵。本文主要从三个方面来探讨现代音乐美学研究能够给予音乐表演艺术的启示,指出了了音乐表演不是纯粹的重复表现,而是一种美的创造和演绎。以下是读文网小编为大家精心准备的:探讨现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:音乐美学对于音乐表演的重要意义已经引起了人们越来越多的关注,本文先是对音乐美学以及研究的意义进行概述,然后是现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示进行进一步的探讨,得出三点重要的启示。分别是:如何正确的看待音乐表演,对于音乐表演的正确的认识,对于音乐表演艺术的创造性方面的观点,希望对相关领域的研究有一定的帮助。
关键词:音乐美学 音乐表演 启示
现代音乐美学的研究,强调音乐表演不仅仅是再现的的艺术,更是一种能够创造性发挥的艺术,它可以参与音乐意义的生成,填充丰富音乐的内涵,最终赋予音乐作品新的生命力。21世纪以来,音乐美学的研究取得了很大的成就,音乐既是一门艺术也是一种实践,随着当前现代美学研究的不断深入,人们对音乐表演艺术的关注度不断升高,对音乐美学的研究不仅仅丰富音乐表演的内涵,并且在人们的日常生活中提升了人们对音乐的审美,这对于音乐表演艺术具有很强的现实意义。
美学在古希腊也称作感觉学,意思是通过感觉来感知事物,这个词在起源上最早的时候没有和音乐联系起来,是和感官相联系的,比如我们经常提到的听觉、视觉、嗅觉等,美学的另外一种意义就是艺术哲学,这是当今最为通用的内涵,美学的对象就是对感性认识的完善,是一种感性认识的科学。
音乐表演所涉及到的主要是表演者自身的审美能力以及思想因素和对音乐美学的理解等等,而音乐美学则是综合了很多的学科的内容,诸如审美学或是哲学等内容,因此音乐表演在本质上是音乐美学里面非常重要的内容,现代音乐美学研究认为和一般的音乐家以及爱好者相比,音乐表演者对音乐的了解更为深入,更加注重音乐美学中涵盖的音乐美学的内容。
二、现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示
(一)正确看待音乐表演
在现代音乐美学的研究中对于如何看待音乐表演的问题,单从现象美学的角度来分析的话,音乐是作为意向性的对象的,需要通过音乐实践的主体不断去生成新的音乐内涵,这里面主体自然是音乐表演者,音乐实践的内容就是意向性的活动,可以使得音乐的意义不断的得到填充。另一方面来看,从现代观点来解释,音乐表演的过程不仅仅需要对音乐的历史意义进行阐释,更需要把音乐作品在现代的内涵给呈现出来。综合起来看的话,现代音乐美学的研究对于音乐表演上的启迪,首先就是要正确的看到音乐表演艺术的地位以及作用,这就不仅仅表现在艺术再现上,还应当在原有的内涵的基础上使得音乐具有更强的创造性,不断的去丰富音乐的内涵。正因为如此,现代音乐的表演者在利用音乐表演的时候,就要运用现代的审美观念来赋予音乐作品更多的时代意义。
(二)对于音乐原作的正确认识
现代的美学研究要求音乐表演艺术对于音乐的原作能够有正确的理解,通常我们根据现象美学的理论可以将音乐作品原作概括为两大方面:在创作的过程中作曲家的意向活动,作曲家创作思路的乐谱的记录。另外,在正确的认识了作曲家的意向活动以后,就需要正确的看待作曲家在作品中所体现的创作思路。一般情况下,作曲家在通过运用乐谱的形式完成音乐作品的创作后,这部作品就是一个实体了,并且是不会随着人的意志而发生转移的,这要求音乐的表演者要能够正确的解释音乐的作品,能够准确的把握住作品所展现出来的历史意义以及所展示出来的风格。
比如在文艺复兴的时候或者是欧洲中世纪的音乐创作的时候,在现代音乐的表演过程中要把原来的历史风貌原汁原味的展现给大众,具体到所引用的乐器以及具体的演奏方式,要能够使原有的音响效果场景生动的再现出来。令人感到遗憾的是,在我国现代的音乐表演的艺术中,对于作品的解释仍然以历史释义学为主,单纯的进行概念化或是机械化的作品的内涵的解释,从表面看上去非常肤浅,但是这样的从历史的角度来看待音乐的原作并能够对作曲家的创作思路进行一定的探索的做法,仍具有很高的价值,那么对于音乐表演来说,应该在表演的过程中从历史的维度去深入的阐释作品的内涵。
(三)对于音乐表演艺术的创造
在现代音乐美学的研究中所提出的现象美学的观点,对于音乐作品的意向性进行深入的分析,这就要求在表演的过程中要通过意向性活动使得作品的意义得以更为丰富,要更加注重音乐的表演性创造性,尽管现代美学在研究中通过历时释义学可以把作品的相关内涵得到一定程度的还原和重建,很大程度上确保了表演人员可以充分的了解作品的历史背景和作曲家的创作思路,但现实情况是,这种观念容易使得表演者忽视对现代审美观念以及时代精神进行有意义的探索,这样就不利于音乐作品的深入挖掘和丰富。正是这个原因,在现代音乐的表演艺术中就需要表演者具有深厚的艺术理念,能够很好的融合时代审美观,把作品的历史内涵完美的展现出来并赋予其时代意义,真正的使现代表演为音乐的作品增添出新的光彩,也就能够很好的体现出来音乐表演的创造性。
现代的音乐美学研究是促进音乐表演艺术能够不断的实现自我完善的重要途径,它要求我们要重视对现代音乐美学以及音乐表演艺术关系的正确的认识,在实际进行的音乐的表演中,音乐的表演人员应当具备基本的审美思想以及时代观念,通过对作品的历史背景以及作曲家的思路进行分析,结合现代的风格,推动音乐表演事业向前发展。
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对国际社会日趋激烈的竞争,培养综合素质强、全面发展的人才成为教育的根本任务。大学生是社会发展的最有条件的后备力量。因此,他们的素质的提高,健康人格的塑造是新时代呼唤的最强音。 提高大学生的综合素质是高校人才培养的重要内容。当代的大学生并不缺乏书本知识的培养,但缺少实践的磨炼,其心理素质也需进一步培养和完善。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:论音乐对大学生心理素质培养的作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:素质教育理念已经贯彻至我国教育的各个阶段,大学教育中,音乐教育占有相当重要的位置。良好的心理素质是当代大学生挑战社会实现自我的前提条件。本课题旨在论述当代大学生心理素质培养的可行性办法——引入音乐教育协同心理素质培养。
关键词:音乐教育 大学生心理素质培养 协同作用
社会的高速发展对当代大学生提出了更高的要求:当代大学生应该是一个综合素质优良的类群。在综合素质中,心理素质尤为重要,良好的心理素质有助于学习的进行、生活的开展。如何培养良好的心理素质就成为当代大学生必须解决的问题。心理素质是人的内在条件,与感情息息相关,而音乐是能通向灵魂的语言,借助音乐的力量培养良好的心理素质是行之有效的方法。
(一)大学音乐教育现况
依据学生需求分类可以把音乐教育现况分为专业与非专业两个层面。
专业音乐教育自不待言,这是成体系的教学系统,非专业音乐教育主要是其它专业学生德育、美育与音乐相关的选修课程。课题追求的是将协同理论应用于音乐教育与心理素质培养有机联系在一起。
大学音乐教育停滞于专业知识教授是最为值得关注的现况。对非音乐专业生而言,教育目的止步于此,大学生的音乐课程所获实在有限,也难以激发学生主动探究音乐奥秘的动力。
(二)大学生心理素质现况
当代大学生具备的综合素质应当如何描述?儒家以“八目”作为君子的一生行为标杆――格物,致知,诚意,正心,修身,齐家,治国,平天下。“八目”主要阐示两个方向,修身与治用。 借用这个体系课题对大学生综合素质的理解是:以修身论,应当有坚韧不拔的意志力,应当有判别事非的自主性,应当有与人为善的良好性格,应当有展示自我的自信心;以治用而论,应当有胸怀天下的大局观,应当有和谐环境的处世能力,应当有自我价值体现的影响力,应当有敢为人先的行动意识,应当有渴望成功的进取之心,应当有不畏艰难的冒险精神。
当代大学生适应社会挑战的应对方式方法实在令人堪忧。自卑心理、孤独心理、嫉妒心理,报复心理等等一系列的问题概述无一不将目标指向大学生心理素质层面上。社会关注大学生心理素质问题,如何解决应当引起大学从教者的高度关注。
音乐已经自成体系,是一个完整的学科,有着富足的外延与内涵。音乐学既是感性的科学又具有理性的思考,大学生在音乐知识学习过程中可以以此为依托印证心理素质问题的起源与解决方向。
(一)音乐本身具有调适情绪的心理作用
情绪多由客观刺激引起,是对周围世界的态度体验。情绪可以产生积极的作用,同时也有消极作用。常时间被负面情绪所笼罩势必会对人的身心健康造成极重的影响。情绪产生有刺激源,我们无法预知身边出现什么样的人,发生什么样的事,那么情绪产生的根源是无法控制的,情绪的产生也就无法控制,我们唯一能够做到的就是控制情绪,或者是调适情绪。
1.音乐调适情绪首先表现在表情与达意
音乐是情感的载体,音乐表演是一种情感的表达方式。大学生能在音乐的熏陶下展开自由联想,体验情感,表达情感。高校音乐欣赏课目的就在于通过欣赏中外名曲扩大学生的音乐视野与情感思维。激扬的《命运》交响曲能给人“挑战与反抗命运”的联想,闲适的《田园》交响曲能给人“放逐自我于天地间”的宽阔。
2.音乐调适情绪还可以表现在诱发与感染
情感是心理素质的重要组成部分,自我情感体验与情感感染他人是人类的特殊属性。音乐就是情感的载体,就音乐的产生而言,《乐论》这样说:“凡音之起,由人心生焉。感物而动,故行于声”。借由音乐能激起大学生对真善美的追求,能完善大学生的人格。
3.音乐调适情绪还可以体现在宣泄与释放
心理素质实际上就是一种心理承受能力,音乐能够最直接迅速深刻地影响到人的内心世界。音乐所搭载的情感正好可以浸润干涸的心灵。节奏欢快明亮的音乐可以解除忧郁,节奏平缓清新的音乐可以镇静安神,节奏激扬亢进的音乐可以坚强意志。
(二)音乐对大学生心理素质的影响
1.音乐审美作用于大学生心理素质
音乐的审美功能体现在题材多样体裁各异的音乐作品给大学生提供全方位美的氛围。大学生感受音乐、理解音乐、鉴赏音乐的过程中逐步提升对音乐美的认识。
2.音乐立美作用于大学生心理素质
如果说审美是美的欣赏,那么立美就是美的创作。立美是在审美的基础上构建自身对美的理解。审美偏向共性,立美偏向个性。切实重视立美教育,要将学生培养为审美主体,美自身,通过自身再美人。
3.音乐的文化传播功能有助于陶冶大学生良好情操
音乐取材于文化内涵,传递的情感正是文化内涵间沟通的信息。音乐的文化传播属性让个人的心理素质培养不再是孤立的事件或者任务,而是在大环境中的一种共同追求与理念,起到相互印证与提高的作用。
(一)协同学理论
协同学主要总结并研究完全不同学科中存在的共同本质特征。作为一门横断学科,它的跨越度空前,为诸多学科相互印证、类比提高架设了桥梁。这为各种学科研究提供一种新方法,也拓展了教育理念,教学思想和教授方法的空间。
(二)音乐教育与心理素质教育需要协同
音乐教育与心理素质教育之间就其本质特征而言确有着非常多的相似之处。音乐创作讲求尊重传统但不墨守成规,要有基础地创新。而创新思维正是心理素质教育的重点。音乐表演讲求展现自我,突破自我。进取心的培养正是心理素质教育的难点。
1.音乐协同创造心理
创新是一切发展之动力。音乐教学的内容,无论是从理论上还是从实践上的追寻,都穿插着体验接受与创新的过程。用心体验音乐会调动自己所有的生活体验,那么体验者对作品的独到理解就源自于思维的多端性与灵活性,这是创造性心理的发端。
2.音乐协同进取心理
自信心是进取心的后盾,积极进取的结果能够培植更坚固的信心。进取与自信都是心理素质中非常重要的组分。通过音乐教学过程与实践过程,利用合适的方式方法激励引导学生进取心理。
每个学生对音乐的领悟理解能力不一致,对于音乐基础差的同学,要寻找突破口为他们建立学习音乐的信心。对于音乐基础好、天份突出的同学,要激发他们对音乐学习最大的兴趣与动力。通过培养学科自信,将进取心理运用到日常生活乃至于日后的工作生活中去。
3.音乐协同协作心理
音乐是世界的财富,是人类交流最好的语言。音乐欣赏过程可以培养学生的心理,音乐可以在每个人的意识中形成一幅形象的图画,通过交流可以丰富唯美这幅画卷,并找寻学生彼此的认同感。思想的碰撞可以增进彼此的了解,为集体增添凝聚力。老师从旁指导与监督,指导学生观点的指向,促进集体的和谐交流,指引学生正确的生活学习习惯。
音乐实践活动是参与感极强的团队合作方式。例如合唱,声部之间的协作,男女声的协作,指挥与演唱的协作。参与这些课外音乐实践活动,能够体会集体的力量,促进同校情谊,增强集体荣誉感。
就目前而言,大学音乐教育应当充分发挥其心理素质培养功能。课堂内力求与学生的互动,掌握学生的心理动向、情绪动向。课业教授不仅从老师方向考虑要上完规定的内容,还要从学生方面考虑知识接受与掌握度的问题。除了满足这种课业基本要求外,音乐课的附加价值比如心理素质培养功能也要跟进。其实音乐实践活动也是音乐教学方式的一种,而且在实践中更能培养学生的良好心理素质。
不可否认,音乐教育是需要氛围的,而这个氛围仅仅只是课堂上的热烈是远远不够的,课外活动这个大课堂要充分利用起来。以求每个学生都能分享音乐教育带来的美妙与裨益。协同学理论确实可以搭建任意学科交流的桥梁,但是音乐是全世界的财富,是每个人精神补品,利用协同学理论培养良好的心理素质品质最佳搭档学科还是音乐。音乐教育附加价值的追寻虽然不是从这里开始,但也不会从这里结束,这是音乐工作者未来工作的方向与最终需要达到的目标。
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加强保证高等院校音乐教学的发展,推动音乐教学改革在现阶段的音乐教育中是非常必要的。以下是读文网小编为大家精心准备的:素质教学背景下高校音乐教学改革问题探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘要】加强保证高等院校音乐教学的发展,推动音乐教学改革在现阶段的音乐教育中是非常必要的。本文阐述了在素质教育的背景下各大高校的音乐教学的作用,细致研究了高校的音乐教学教育现状和存在的问题,在这样的基础上对推进高等院校音乐教育的改革提出可行的方案和解决的办法。
【关键词】素质教育;高校教学;音乐教学;教学改革
音乐教学是高校培养学生艺术修养、人文素质以及综合素养的有效途径,使学生在紧张的学习生活中得到心灵的放松,激发学生的思维活跃性。然而,我国高校音乐教学面临着许多难题,高校音乐教学的作用尚未完全发挥出来,因此要实现高校音乐教学的可持续发展,必须对其进行改革和进一步完善。
音乐教学促进了高校素质教育的发展,有利于提高学生的综合素质,促进学生的全面发展。一方面,音乐教学扩大了学生的视野,学生在长期的音乐学习下能够感受到不同的音乐中透露的各种情感。学生可以一边欣赏音乐,一边了解音乐所包含的文化背景,丰富了自身的知识内涵,对世界产生更加深刻的认知。另一方面,音乐教学不但能提升学生的文化素质,更是同时满足其精神需求。音乐教学除了带给学生优美的旋律,还引导学生主动去了解该音乐的创作背景和音乐家的人生浮沉,使学生的气质和素养在音乐的熏陶下无形中得到提升,促进学生的全面发展。音乐教学还能够帮助学生释放各种压力。高校学生整天面对着升学考试的压力,并对自己的未来感到非常迷茫,音乐教学能够有效地缓解他们的心理压力,使他们的注意力得到一部分转移,在音乐中重新找到不断前行的动力。
目前我国的音乐教学存在很多不足,对音乐教学的发展造成了严重的制约作用。我国高校音乐教学模式相对落后,难以满足现代素质教育的要求。随着高校音乐专业的不断扩招,若继续维持一对一的传统音乐教学模式,教师无法同时兼顾所有的学生,必然会导致教学效果的下降。此外,大多数高校在音乐教学方面还过分强调专业化,虽然能够有效提高学生的专业素质和能力,但是在综合素养方面有所欠缺,不符合当代社会对人才的要求,影响学生未来的就业水平和能力。
其次,高校音乐教师队伍建设方面有所欠缺。一个成功的音乐教师必须具备扎实的专业理论基础,丰富的教学经验以及良好的综合素养,这样才能培养出优秀的学生。音乐教师是学生学习道路上的照明灯,对学生的学习效果有着至关重要的作用。当前我国高校音乐教师的整体水平并不是很高,其专业基础和教学方式都存在问题,不利于我国高校音乐教学的发展。此外,我国高校音乐教学教材也有着不合理的地方。音乐教学教材对高校的音乐教学效果有着最直接的影响,因此必须对其进行合理的改革和完善。目前我国高校的音乐教材大部分与专业音乐院校教材一致,或是从国外引进的,与我国当前的教育现状并不相符。因此必须根据我国音乐教学的实际情况对音乐教学教材改革和创新,提高学生的综合素质,最终推动我国音乐事业的发展。
(一)制定合理的高校音乐教学目标,进一步完善音乐教学体系
首先,必须给高校音乐教学制定一个明确的目标。开展高校音乐教学活动主要是为了培养学生良好的艺术修养,提高学生的审美能力和道德情操,使学生在长期的音乐熏陶下养成健康的心理素质和健全的人格,让学生能够与他人建立良好的沟通方式,从而进一步提升自己的综合素养。此外,高校必须建立健全的音乐教学体系,这是实现音乐教学目标的重要保障,要将音乐理论教学与音乐时间教学相融合,一方面,向学生传授音乐理论知识,培养学生良好的专业理论基础;另一方面要注重学生音乐实践技巧的提升,使学生能够将学到的音乐专业知识灵活地运用到实践中去,从而更好地掌握音乐实践技能。
(二)挑选合适的教学内容,促进教学效率的提升
根据高校音乐教学的现状选择更加科学合理的教学内容和教学方式。高校音乐教学的课时有限,难以满足完整的音乐教学活动安排,因此必须提高音乐教学的效率。在决定音乐教学内容时要注意对教学资源的挑选,使其不仅能够扩大学生的视野和知识层面,还能简化教学过程,提升教学效率。教师要结合学生的兴趣以及每节课的时间合理的安排教学内容,避免课堂过于枯燥和拖沓,能够有效地集中学生的注意力,从而使教学效果得到大幅度提升。此外,教师可在教学内容中穿插相关音乐实践活动,比如现场乐器演奏表演或是音乐鉴赏等,这样可调动学生学习音乐的积极性,促进音乐教学效率的提高。
(三)以学生为主体,组织各项音乐实践活动
传统的高校音乐课程主要是以理论教学为主,让大多数学生觉得枯燥乏味,难以调动学生的学习兴趣。教师在授课时并没有考虑到学生的听课需求,造成教师在前面讲课,学生在下面走神或是做其他事的局面。所以,教师在进行音乐教学时,必须以学生为主体,从学生的角度来制定教学内容以及选择教学手段,并鼓励学生积极参与音乐教学实践活动,从而使学生在实践中培养对音乐的学习兴趣和热情,最终提高音乐教学质量,改善音乐教学效果。比如引导学生进行音乐创作,并安排特定的课堂环节让学生演奏自己的音乐,这不仅能有效地调动课堂氛围,还有助于培养学生的音乐实践能力和创新性思维。
加强高校音乐教学改革,有利于培养学生的艺术气质,提高学生的审美水平、高尚情操和综合素养,帮助学生塑造健康的心理状态和健全的人格,是高校素质教育的不可或缺的一部分,对提升国民整体的综合素质具有重要意义。
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场营销人员作为连接企业和客户重要的桥梁,在企业的成长过程中发挥着越来越重要的作用,也越来越受到企业的重视。由于营销人员的薪水跟业绩挂钩,一些行业对上并不封顶,所以很多人抱着迅速致富的梦想选择了这个职业,但是并不了解作为一个市场营销人员应该具备的基本素质和基本能力。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析市场营销人员应具备的素质与能力相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘要】:基于当下社会对市场营销人才的需求不断增加,以及就业门槛低、发展前景广阔的特点,导致市场营销这个专业成了热门专业,越来越多的人选择市场营销这个专业,希望将来成为一名市场营销人员。但是并非所有人都能成为一名合格的市场营销人员,由于其工作的性质,需要市场营销人员具备一些应有的素质和能力,才能更胜任自己的岗位,在工作中做出更出色的业绩。
【关键词】: 市场营销人员 素质 能力
市场营销是一项整体性的经营活动,营销的成功与否与企业的生存利益息息相关。顾客的需要是市场营销的起点,满足顾客需要贝}J是市场营销的最终目标。作为营销人员,不仅要发现顾客的需求,更重要的是创造出一种新的需求,并影响到顾客的需求,所以市场营销是企业以顾客需要为出发点,以整体性的经营手段,来适应和影响需求,为顾客提供满意的商品和服务而实现企业目标的过程。
1、良好的品德与高尚的职业道德
在行业竞争如此激烈的今天,企业与顾客之间不再是一锤子买卖,大部分企业都积极寻求与顾客的长期交易关系,而建立与维系这种长期的关系需要以良好的品质为基础,需要诚信。俗话说:“路遥知马力,日久见人心”,客户如果在与市场营销人员的接触过程中发现营销人员品质低下,为了自己的销售业绩不惜欺骗顾客,侵害顾客利益,那么从此顾客会对其失去信任感,甚至对营销人员销售的产品及所在公司产生疑虑和不满,大大影响了企业形象,造成不良后果。所以,良好的品德和高尚的职业道德是一个营销人员最基本的素质。一个合格的营销人员应以顾客需求为中心,站在顾客角度为顾客着想。要具有强烈的责任心,坚守职业道德,在满足顾客利益的前提下,推动企业目标的不断实现。
2、强大的心理素质
由于营销工作是一项强度大、较繁琐、辛苦的工作,营销人员面对企业的营销任务和不同顾客的不同需求时,需要承受较大的心理压力,要有不怕失败、不怕被拒绝的勇气。另外,要有积极乐观的心态,作为一个营销人员在销售产品的同时也是在销售自己,顾客只有接受了你这个人才会接受你的产品,所以首先要对自己有信心,相信自己的产品,相信自己的公司,用积极乐观的精神面貌去面对顾客。
3、良好的身体素质
俗话说:“身体是革命的本钱”。一个健康的身体对于营销人员来说非常重要的。众所周知,营销工作是一项工作强度大,比较辛苦的工作,很多行业的营销人员会负责一个或几个市场区域,需要经常出差,工作时间不确定,需要各种的繁琐的营销工作,这导致营销人员无法按时吃饭休息,另外基于工作的性质,营销人员为了提高业绩避免不了经常应酬、喝酒、娱乐。这一切都要求营销人员有一个良好的身体素质来胜任这份营销工作。
4、丰富的专业知识与法律法规知识
在市场营销活动中,营销人员在向顾客推销产品之前,首先要向顾客传递相关产品信息,这就要求营销人员必须掌握丰富的专业知识,争取准确的传达市场信息与产品信息,以加深顾客的了解。同时,还要熟悉与营销活动相关的法律法规,正确制定营销方案,规范营销行为,正确运用法律武器来解决营销活动中遇到的问题。
1、良好的沟通能力
市场营销是一项双向沟通的活动,一方面营销人员要向顾客传递公司的经营目标、产品情况等各方面的信息,刺激消费者产生需求,促使购买行动的发生;另一方面还负责收集顾客反馈的信息,了解顾客的心理。在与顾客打交道时,良好的沟通能力显得尤为重要。流畅的语言表达能力,能让顾客更好地了解企业信息及产品信息,有助于对顾客疑难问题的解决,增进与顾客之间的感情,加强了顾客的信任感,从而促进交易的顺利完成。
2、较强的执行力
在日益激烈的市场竞争中,销售战略的成败决定着企业的成败,而销售执行力更是企业的重中之重,加强营销人员的执行力是企业在竞争中取胜的关键。在营销工作中,市场营销人员会遇到各种挑战和困难,这时候不能退缩,要积极地迎难而上。如果认为营销计划无法执行就轻易放弃,或者在面对动态的市场环境变化,只是“纸上谈兵”,不亲自去实地进行考察,最终这些执行力差的表现都会使企业丧失机会或者是做出错误的营销决策,不仅会影响到营销人员的销售业绩,更会影响到企业的长远发展。
3、敏锐的观察力
市场营销人员时常活跃在市场的一线,肩负着收集市场信息、竞争者信息等信息的工作,要有敏锐的市场观察能力,及时发现市场的变化,捕捉对企业发展有利的信息,并及时将信息传达给公司,以利于公司领导及时制定营销决策,趋利避害。另外,在面对顾客时,要能够察言观色,透过顾客的外在表现,了解顾客内在的真实想法,以投其所好,灵活调整营销计划,来满足顾客的需要。
4、较强的团队合作能力
现在企业都很重视对员工团队合作能力的培养,企业要求每一个营销人员作为团队的一员,要学会协调个人和集体的关系,要将自己融入整个团队中去,处理好团队成员之间的关系,成员间相互帮助,彼此信任,大家共同提高,利益共享,责任共担,共同为实现团队的营销目标而努力。
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钢琴演奏中的心理素质是每一位演奏者成功的关键,钢琴演奏需要具备良好的心理素质。在钢琴演奏中,把握好心态,不仅需要在技术上进行努力,也要注重发挥心理素质的培养。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈钢琴演奏者如何具备良好的心理素质相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:钢琴演奏是一种表演艺术,演奏成功与否不只是与演奏功底有关,重要的是调整好心理状态来面对舞台及欣赏者,其中最容易出现紧张心理。本文从技术、经验、心理三个方面来阐述怎样控制好心理因素,让演奏者在演奏中具备良好的心理素质,从容淡定的完成好演奏。
关键词:钢琴演奏 心理素质 临场舞台 调整
深厚的钢琴功底是演奏的基础。以此为基础加入自己的情感去感染听众。如果没有过硬的技术,有再好的心理素质也是空谈。且钢琴演奏者的内心活动越细腻,要表达出自己的内心活动就需要更加完善的演奏技术,技术越好,音乐作品的思想就会被传达得越精准;若技术不好,一切则会变得毫无意义。
深厚的钢琴功底是消除精神紧张的前提。“艺高人胆大”,有了资本,才有信心。在扎实的基本功基础上,认真练琴,对演奏作品的熟悉度尽量达到最大化,演奏者掌握的技能越多,丰富、广泛,技能的灵活性、易变性很强,那么在不同的演奏环境中的适应性则越强。
钢琴演奏者在舞台上展示出的水平固然与其本身具有的实力有关,但是一些演奏者的演出效果达不到自己的平时水平,或者相差很远。这与演奏者本身的性格和情绪有关,有时候也是缺乏临场经验的表现。其表现在两方面:
(一)临场紧张。这是初上舞台的演奏者的一种普遍现象,观众的目光会使演奏者心态难以平稳,演奏过程出现失态,思维被打乱,导致一种有形的压力。解决临场紧张就需要多参加演出,多争取上台机会,积累丰富的舞台经验,随着经验的增多,临场紧张就会逐步减少,直到不再影响演奏者的发挥。
临场偶然发生事件是有可能发生的,演奏者要懂得怎么去应变。当演奏中出现差错时要坚持演奏下去,尽量将错误对整体演出的影响减小到最低。只要整体演奏控制的好,演出的乐曲依然保持完整,听众依然能保持欣赏的热情,从而忽略掉小错误。演奏前的心态要调整好,不要对自己的能力做过高的估计,但是也不能不在乎演出效果。演奏时摒除一切杂念,将注意力迅速投入到演奏中,让自己脑子里只充满演奏的旋律,从而遗忘紧张感。
(二)记忆中断,临场紧张的另一种表现。这与演奏者的心理素质,和当时的情愫、健康有关。上台演奏时头脑中瞬间空白,如若在这空白期间手指没有跟上旋律的变化则会出现演出中断的现象。为了避免这一情况,演奏者在平日应注意训练,在练习中寻找解决方法。
视觉记忆。初步开始是“机械记忆”,逐步提高到“意义记忆”,不仅仅只记住音符,而是懂得音符之间的联系,了解乐曲的整体布局、走向、和声、曲式等。
听觉记忆。音乐听觉分为实音听觉和内心听觉。实音听觉是指钢琴弹奏时你耳朵听到的发出来的琴声,而内心听觉是指还未弹到某段旋律时,内心记忆想象出来的旋律的记忆,包括音符的节奏、意义、力度、音高等。因此,在熟悉乐谱的同时,内心听觉的发展也是不可或缺的。
动作记忆。在练琴过程中,手指不断的循环往复而形成了固定的记忆,再弹奏旋律时,手指神经、肌肉会下意识的按照惯例运行,即使思绪中断,但手指依然会自动地演奏。因此,在日常练习中要练习到使手指的运动达到自动化的程度。但一旦演奏中出现“记忆中断”,而手指因紧张情绪的影响而停顿,将无法演奏下去,因此还是要结合视觉记忆或听觉记忆来进行练习。
临场演奏经验的积累:在表演之前,可以先演奏给朋友、同学听,把他们当做听众,让自己有个心理过渡的过程。演奏前要了解演奏场地的详细情况,规模、观众数量、场地、灯光等等,对现场熟悉有利于减轻紧张。有条件的话,适应演奏时的钢琴。每台钢琴的触感、性格都不一样,熟悉一起表演的伙伴,才能在演奏时得心应手,有效的避免不必要的紧张和怯场。
(一)演奏过程中易出现以下几种心理
早早了事。如果在演奏前没有调整好紧张的心理,那么演奏时受恐惧心理影响,无法享受到演奏的乐趣,更别谈投入感情去感动听众。演奏者一心想早早结束这场折磨,会无意识的加快弹奏速度。
有形无神。分为两种情况:一种因紧张而只注重音准和技巧,害怕漏音、滑音而将精力全部放在琴键的记忆上,整场演出下来,只是平稳的完成了演出而没有任何感情色彩。另一种情况,演奏者不顾乐曲内容情绪,片面追求外部表情与动作的浮夸,以华丽炫目的外表冲淡对乐曲内容的揭示与探索,成为了一场“好看”而非“好听”的演出。
顽固性失误心结。对于演奏者来说,第一次演出的成功与否会留下深刻印象,尤其是失败,会给其留下了印象,是钢琴演奏者顽固性失误心结而形成的前提,日后演奏者背上沉重的思想包袱参加第二次演奏,结果第二次失误又会出现在相同乐句上。要调整这样的心结,演奏者不应沉浸在失败中无法自拔,身边的人也给正能量的劝解,就会很快从心结中走出来。
终归来讲,音乐是“听觉”的艺术,既然登上舞台演奏,钢琴演奏者就要对听众负责,要对自己的演出负责。
(二)钢琴演奏者应具备的心理状态
临场心理的控制能力对表演者具有特殊的意义,上台演奏只有一次机会,演出者要调整好自己的心理状态,将平时的积累发挥到最高的水平,使每次临场表演都能成为即兴性的创造性表演。因此一个好的演奏者应具备以下心理状态:
全神贯注。在演奏时表演者的全部精神都集中在表演本身,没有精力去思考其他,不需要关注听众的反应,也不需要去注意技术难关、内涵、避免错误。如果思想一旦分叉,就会影响音乐表演的状态,甚至会因为想法太多而引起紧张情绪,导致演出失败。演奏时,从练习中所获得的种种和研究曲式得出的结论都会化为表演者的潜意识和潜在的能力,支持正在进行的音乐表演创造,全神贯注是保证音乐表演获得成功的最重要的心理状态,因此在平时的练习中,要有意识的培养和锻炼这一心理状态。
自然流露。是指从表演心理的角度,在演奏过程中既不要把自己的表演作为某种表现意图的生硬灌输,也不要把音乐表演作为一种外在技巧的显示和夸耀,而是要自然而然的演奏乐曲,使音乐从自己的心理流露出来,并使观众受到感动。生硬的传达意图往往会破坏表演者与听众之间的自然交流,而意在显示与夸耀自己的表演更是不可取,只有从表演者内心自然流露出来的音乐才是最真实最感人的。这甚至比全神贯注还要困难,因为对表演者的精神境界和艺术修养有着更高的要求。然后,正是因为这一更高的表演境界,它才成为每一个表演者所竭诚追求的目标。
对于学习钢琴专业的学生来说,登台演出时必不可免的。在演出过程中会受到各种各样的心理因素影响,要克服紧张心理就要了解自身心理面对舞台表演时发生的变化,并且找到相对应的方法调整好自身的心理状态,才能在舞台上发挥原有的实力,甚至超长发挥。
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当今时代,随着科学技术的进步,社会的发展,档案管理工作也被不断的赋予新的使命,特别处于信息时代的现在,对档案工作提出了更高的要求,这就使得专业档案管理人员必须要具备足以胜任档案管理工作的全面综合素质。为了发展我国的档案管理事业,提高档案管理工作水平,适应我国经济建设快速发展的需要,必须培养更多的具备较高的政治素质、高尚的职业道德素质、具备全面和专业的业务素质、具有身体健康,学习主动性高,管理能力和创新意识强等综合素质的专业档案管理人员。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析档案管理人员应具备的素质相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:档案管理技术包括档案专业理论知识及实践能力、数字化档案管理、计算机操作、缩微技术、复印技术、录像、照相、视听资料的使用及保护技术等,要想提高档案管理工作质量,必须提高档案管理人员的各项素质。本文从各个角度,对提升档案管理人员素质的原因和策略进行了探讨。
关键词:档案;管理人员;素质
档案是对各项工作可靠的固化记录,也是最凭证性的文字资料,随着技术的发展,档案管理工作融入例如大量科技元素,加快了工作的效率,提高了工作的系统性,同时对档案管理人员的素质提出了更高的要求。
1.专业技能。档案管理作为一门管理科学,具有较强的综合性,不仅要求管理人员具有较高的工作热情,还学要一定的专业知识和业务技能;同时还需要一定的理论知识作为支撑;此外随着计算机技术在档案管理中的应用,还学要档案管理人员对计算机技术、多媒体技术等现代技术有较强的认识和运用。此外,还需要数字化档案管理、计算机操作、缩微技术、复印技术、录像、照相、视听资料的使用及保护技术等。
2.较好的工作能力和态度。档案管理工作因为其工作的特殊性,不仅要求档案管理员有较好的工作能力,还学要较强的工作认识,首先是较好的保密意识,档案是涉及工作、个人信息的重要内容,档案管理员对档案内容掌握程度和调取工作比较容易,因此个人要有较高的保密意识,才能胜任;其次是协调能力,档案工作是与多部门相关联的工作,要求档案管理人员与多部门沟通,收集材料,保证工作的顺利完成;再次是创新能力,档案工作琐碎复杂,在工作中如果墨守成规,缺乏对新技术的应用和创新思维的利用,难以将档案工作便捷化。
1.信息技术更新快。随着信息社会的到来,信息技术已经应用到各个方面,在档案管理中也应用广泛,例如电子档案和音像档案,因此需要提高档案管理人员的信息技术来满足工作需要。
2.档案工作语言多元化。经济全球化必然带动各个行业流动频繁,因此档案管理中单一的语言模式已经不能满足需要,作为国际性的交流需要其他语言在档案管理中得到应用,因此加强档案工作人员的外语水平势在必行。
3.档案管理工作需要便捷化。档案管理工作涉及单位各方面资料,信息繁多而复杂,如果采用传统方法对档案的存储、提取、利用等,不仅费时费力,还会导致血多珍贵资源无法开发和利用,所以需要对管理人员和设备进行更新升级。
4.档案管理工作人员素质亟待提高。由于部分单位对档案管理的作用不被重视,对档案管理工作重视程度不够,导致了在档案管理人员的招收上很随意导致了工作人员出现多方面的问题,首先是责任意识不强,由于认识不够,在工作过程中马虎拖沓;其次是能力不够,档案管理人员为非专业认识,缺乏专业知识和培训,对档案管理工作操作不规范,影响工作质量;最后是工作能力不全面,在信息化时代,信息技术日新月异,部分档案管理人员技能单一,对信息技术认识、学习、利用不够,大大降低了档案工作质量。
1.端正工作态度。通过强化档案管理人员的工作态度来端正职业道德素质,首先要让工作人员认识到做好档案工作是管理工作的重要内容,其次鼓励工作人员具有奉献精神,能够在平凡岗位上做出卓越成绩;最后增强责任心,培养档案管理人员认真负责的态度。
2.加强岗位培训。岗位培训通过对进行业务知识集中学习来提高档案管理人员素质,不仅能补充工作人员的业务知识还要对人事档案及其基础理论、工作任务、要求、程序、方法进行系统的学习。同是在岗位培训过程中需要在时间和内容上进行科学的设置,将培训内容通过理论联系实际、突出重点达到学以致用的目的,最后采用实际操作与理论考核并行的考核方式,对培训效果进行检验。
3.鼓励开展业务自学。作为已在职的工作人员,培训学习毕竟只能作为学习的辅助手段,还需工作人员针对工作中的不足之处进行自学,以提高工作能力,在单位中可以鼓励档案管理人员对计算机技术、外语能力以及档案管理方面的课程学习,通过不影响工作的情况下,鼓励档案管理人员考取技能等级,进行鼓励之余,将知识转化为能力,运用到实际的档案管理之中。首先,档案管理人员应积极参加培训,不断地增强档案管理基础知识,熟练掌握档案的管理理论和方法,其次,档案人员需具备丰富的文字知识、写作知识等与档案相关的基础知识,以备开展档案记编工作。
档案管理人员素质直接关系到档案管理工作质量的好坏,而随着信息技术的日新月异和国际经济一体化进程的加速,将档案工作要求提升到更高的程度,因此需要档案管理人员不断加强自身,提高素质,强化自身业务能力,保证档案工作质量。
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声乐表演是理论与实践结合的艺术,在舞台表演时,好的演出不仅需要过硬的专业技能更需要良好的心理素质。良好的心理素质,平和的心态能够将歌者的情感传递,使听者产生情感上的共鸣,促进舞台表演的成功;反之则会使歌者发挥失常,演出效果不佳。以下是读文网小编为大家精心准备的:声乐舞台表演艺术中的心理素质探析相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:声乐表演艺术是理论与实践并重的表现形式。歌唱者要想充分的发挥演唱水平,在表演时就要具备良好的心理状态,可以说良好的心理素质和扎实的专业基本功是声乐舞台表演人才必须具备的条件。本文从声乐舞台表现艺术入手针对心理素质在声乐舞台表演的重要性进行了具体论述。
关键词:声乐舞台表演 心理素质 影响与作用
在舞台表演艺术中,声乐表演具有较强的综合性,是理论与实践并重的表现形式。歌唱者要想充分的发挥演唱水平,关键是在表演时具备良好的心理状态。声乐教师要注重培养学生良好的心理素质,而不是仅停留在演唱方法与技巧的传授上。
对于声乐舞台表演而言,心理素质是一门重要的学科,发会着其重要的作用。声乐表演者初次登台,会出现各种问题,如手脚紧张、心跳加速等。但这种生理现象是因为过度紧张导致的。如果表演者有一定的舞台经历,则登上舞台时会信心十足、心情平静。因此必须加强舞台的实践活动,才能进行心理的调控。多实践、多表演、多上台。培养驾驭自己的能力,并对舞台感觉尽可能的体会。在上台前,表演者需要对自己的心情进行稳定,对自己练场、练声的感觉尽可能的体会。并将自己将要表演的歌曲在心理默念。这样不但利于表演,同时还能进一步的协调生理机能和发音器官。避开由于呆滞、僵化和紧张,而对流畅和自然的声音进行的破坏。在舞台表演时,表演者应在表演的整个过程中,投入极大的兴趣和注意力。不要把听众当成是挑剔的人,这样会使自己的心理负担过大。应该将听众当成朋友,把对情感的倾诉,用歌声来表达,这样就能真正的处于放松状态,处于一种可控的表演状态。
下面对声乐学习与表演中情绪等方面的问题进行探讨:
(一)情绪因素
人最典型的特征就是具有丰富的情感变化,喜怒哀乐伴随着人们生活着,而影响人情绪的因素很多,甚至非常细小的事情有时候产生的影响也会很大,对于歌唱者而言,情绪一旦产生波动,在歌唱时,发声器官就会变得不正常,情绪过于低沉的个别美声唱法的演员,声音就会变得较沉重。情绪一低沉,喉部的力量就容易加重,给声带带来过重的负担,“破”的声音就会出现。由于生活因素的影响,每个人都会不可避免的产生情绪上的一些变化,但是一个心理素质好的人,具有一定控制自己情绪的好坏的能力,他们对周围的一切事情能够以积极的心态应对,对于看待身边的人和事是持以消极态度的人,那么他的情绪将是处于悲观状态,如果人们是以感恩的态度对待生活时,也能很好的控制住自己的情绪。在生活中是如此,在歌唱表演的舞台上也是如此,当你站在舞台上的那一秒钟开始,你应该明白你带给观众的应该是一种怎样的情绪。作为一名歌唱表演者,无论何时何地在演出的时候都绝不能带着不良的情绪上台,情绪的好坏会直接影响舞台上的表现,如果想要发挥出色的话,最基本的条件就是学会稳定情绪,学会如何控制好自己的情绪。
(二)性格因素
每个人都有自己独特的性格,在生活中,人们的行为方式不同,心理特征也千差万别。一般而言,我们会把性格分为两大类:内向型和外向型,外向型的人重视主观世界。敢于表现自己,性格活泼,不太容易出现畏惧的心理。在表演时能够充分的发挥出自己的水平,声音相比之下更能够放得开;而内向型的人自我意识敏感,重视主观世界,性格内向,缺乏主动性。“怯场”是他们经常处于的一种状态,这有碍于发挥他们正常的歌唱水平。想要改善这一问题,首先要进行积极的引导,帮助他们分析内向与外向性格的优缺点,让他们对自己具有一个正确的认识,从而为克服自己性格问题做好堆备。我们需要积极鼓励内向的人在各种环境中多锻炼自己,把更多的演唱机会提供给他们,让他们慢慢表现自己,找到自信。
(一)理解曲目内涵并熟练技巧
要成功克服临场心理障碍,培养良好的心理素质,需要歌者对曲目的内涵进行真正的理解,了解歌曲的背景知识以及演唱该歌曲应该具备的情感,深刻的认知和理解歌曲,歌者的认知到达一定的高度,其紧张情绪就会得到缓解,这也是一种精神境界。同时要想获得成功,演唱技巧的熟练,演唱表演的专业练习则是最为关键的因素。它们是克服临场心理障碍的有效手段。演唱者要想达到良好的演唱状态就应具备专业的水平,必须努力提高个人的专业水准,熟练演唱技巧,充分深刻的理解歌曲,多练,多唱,反复实践演唱,直到拥有熟练的技巧,才能展示自己的能力和实力。
(二)在实践中树立信心
声乐属于表演艺术,演唱者的舞台经验是最为重要的因素,歌者在舞台表演时,要达到把听众当朋友看待,用自己的歌声向朋友倾诉情感的一种境界。如果歌者的舞台实践达到一定水平,就会对舞台环境充分熟悉,对舞台上的应变能力就会提高,心理素质也能提高到一定水平,从而能够在每场演出中充分的发挥自己的水平,做到处变不惊。另外,对自己充满自信心是学习者在声乐学习时需要具备的素质要求,坚定的自信心就是成功的定心丸,是战胜声乐学习过程中障碍的关键因素。“台上一分钟,台下十年功。”只有经过长期扎实正确的训练,歌唱技巧才会不断地提高,信心才能不断地提升,最后才能在表演时发挥的淋漓尽致。
总之,在声乐舞台表演中,最为重要的就是培养良好的心理素质,声乐教师应认识到心理素质对学生的重要性,在平时的教学中,应该注重培养学生的心理素质,不能仅停留在演唱方法与技巧的传授上,从多方面对学生进行塑造,为其在歌唱道路上获得成功奠定坚实的基础。
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随着我国经济的较快发展,社会对劳动者的职业心理素质要求逐步提高,人才的职业心理素质也越来越被人们所重视。以下是读文网小编为大家精心准备的:创新人才职业心理素质培养的方法和途径探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要高职院校在坚持培养具备高级技术能力的创新人才的教育任务基础上,还应加强对创新人才的职业心理素质的培养,以此帮助高职学生未来更顺利地就业和谋求职业生涯发展。本文对创新人才职业心理素质的内容进行了介绍,并针对高职生职业心理素质培养中存在的主要问题,对培养创新人才职业心理素质的方法和途径进行了有益的探索。
随着社会和经济建设的飞速发展,社会分工也越来越细,这种发展趋势对当今人才的职业素质提出了更高的要求,即劳动者不仅要熟练掌握基本的专业技能,同时还要具备创新素质、思想道德素质和职业心理素质等。人的基本职业心理素质在职业活动中具有重要作用,它不仅影响人们的职业选择、工作效率、工作成就,而且影响人们对职业的适应和发展。高职院校作为培养一线劳动者的教育机构,应当改革加强对创新人才的职业心理素质培养教育,以及提高学生们的整体职业素质。
职业心理素质是与人所从事的职业相匹配的心理素质的总和,包括职业意识、职业兴趣、职业气质、职业性格、职业能力等。
1.1 智力素质
所谓创新人才职业心理里的“智力素质”,是指劳动者从事与职业相关的活动应当具备的基本素质,这里是指创新人才在工作创新活动中所表现出的各项能力,如记忆能力、想象能力、观察能力和思维能力等。创新人才的智力素质核心内容是创新思维,其主要表现和特点在于:在职业活动中善于观察、有着丰富的知识储备、记忆力强、在工作中追求理性和严谨,同时拥有良好的思维理解能力和丰富的想象力。
想象和思维是创新人才的灵感来源,新的形象和新的假设突发性的出现和碰撞,进而产生创新的灵感。从创新思维的形式来说,创新是逻辑思维和非逻辑思维的协调和统一;从思维的清晰性来说,创新又是直觉思维和分析思维的协调和统一。不可忽视的是,智力因素需要知识结构、思考能力和创新意识等条件作为基础。因此,创新人才要提高智力素质,可从这几个方面加强培养。
1.2 非智力素质
职业心理中的“非智力素质”是一个较为宽泛的概念。从广义层面讲,创新人才的非智力素质是指在工作活动中所表现出来的职业兴趣、职业情感、创新意志和创新需要等非智力因素以外的职业心理素质。其中,职业兴趣和职业情感是推动人才在工作中积极探索创新的驱动力,对自己的工作有浓厚的兴趣和感情,劳动者才会积极开展创新活动。创新意志和创新需要是保障人才在创新过程中克服困难,冲破阻碍的精神动力。通常人们认为,越是智商不高的人其创新能力也不会突出,创新能力突出的人必定是高智商。但实际上,创新能力和智商并不一定是匹配的,高智商的人未必就有很强的创新能力,原因就在于那些非智力素质(如执着的个性,对工作的投入和热爱等)对创新活动产生的巨大影响。在非智力素质的影响下,一些高智商的人在工作中终其一生也未能获得任何创新成果,而一些看似智商平庸的人,却能凭借着对职业的热忱喜爱,取得一些不俗的创新成就。
2.1 智力型职业心理素质缺陷
知识面狭窄。客观来说,高职生相较于本科生来说,无论是在理论知识学习的深度或广度上都存在一定差距。学生所掌握的知识一般只局限于本专业内,对于其他相关学科的知识掌握不够。而工作中要面临的很多实际问题,大多会涉及不同学科的知识,这就造成高职生在工作中解决实际问题的能力不强。解决实际问题能力不强的原因,一方面源自自身知识面狭窄;另一方面,也跟学生缺乏工作经验和实际锻炼有关。 缺乏工作创新思维。高职生在学校期间的学习考试,更多是通过复述和模仿,综合前人的研究和答案而进行的重述活动,这种活动绝大多数都是针对已经出现或解决的问题开展的。而到了实际工作活动中,出现的很多问题都是没有现成答案的。即便是类似的问题在不同的条件和环境下,正确解决问题的方法也存在着差异。学生长期受学校教育的影响下,对于用创新思维解决新问题的能力十分欠缺。
2.2 非智力型职业心理素质缺陷
工作缺乏主动性。工作时缺乏主动性是高职毕业生普遍存在的职业心理问题。企业中不少工作岗位的职责要求是不可能用文字描述的那么明确具体的,其工作目标也相对比较模糊笼统,这就需要员工在实际工作中去主动观察问题、发现问题、开拓解决、创新创造,而不是消极被动地等待。而且,这种被动接受的工作态度,还有可能造成人际关系的紧张。遇到需要承担较大责任的工作任务时就推给其他同事,一旦出现问题就相互推诿扯皮,不仅缺乏积极进取的精神,还容易造成与同事之间的关系不睦。
习惯于按部就班的工作方式。在行为上、工作中,喜欢将事情的方方面面考虑得很周到,这并非坏事。可是当毕业生在工作岗位上仍然不改这种与岗位需要不适应的习惯,过于追求按部就班就是一个明显的缺点。须知,企业工作常常需要打破常规,去创新地工作。这不仅在产品研发工作中是这样,即便是管理岗位和市场开发工作也是如此。
缺少与他人的情感沟通。对于工作和兴趣之外的人和事关心少,这是多数高职生都存在的职业心理弊病。一些高职毕业生虽然参加了工作,但仍保持着和在学校时一样的兴趣和生活方式,每天下了班就回家,或是参加一些兴趣聚会,对于工作和兴趣以外的人或事一概不关心。尤其是一些自认为在校学习成绩优秀,有突出创新能力的“精英学生”,主角意识更强,对于周围的同事不屑于进行更多的情感沟通。结果造成个人在工作中缺乏归属感,组织凝聚力不强。学校教育为学生树立了超越前人、勇攀高峰的权威和理想,学生们也接受了这种思想,这是学校教育的成功之处。在于某些具备创新思维能力的学生对这个问题认识不够全面,在工作中自己只愿当主角,不愿当配角;只想做那些具有创新价值的工作,却忽视了与同事合作这种日常事务。最后是主角没当成,创新活动也因缺乏他人的有效配合而流产。
3.1 深化校企合作,工学结合,增强实习实训等职业实践
高职院校要创新校企合作机制,加强与企业的合作与联系,积极搭建让学生充分感受企业文化的平台,邀请企业管理者、行家里手到学校讲学,让学生真切感受企业文化,增进对职业心理素质的了解。学校应建立更多实习实训的渠道,在校企合作的各个育人环节加强对高职学生职业心理素质的教育和培养,使学生有更多的机会去进行职业体验和创新体验,让高职生在校学习期间就能感受到企业的需求和社会的需求,把外力转化为学生内在的素质,这是深化高职院校“校企合作、工学结合”人才培养模式创新,提高人才培养质量的重要手段。只有更多的亲身体验和实践,才能使学生从内心深处认识到职业心理素质的价值和重要性。工学结合是学生职业适应能力培养的有效组织形式,通过以职业活动项目为载体、任务驱动的学习实践过程,开展行为导向的教学,运用恰当的教学方法,引导学生独立思考、自主学习,激发学生的学习兴趣和终身学习的潜能,培养学生与人交流、与人合作的能力,自主学习的能力,搜集和应用信息的能力,解决问题的能力以及创新的能力,缩短职业适应期。
3.2 在课堂教学中渗透职业心理素质教育和创新教育内容
高职院校要结合实际,充分利用自身的教育资源,通过开设专门的职业心理素教育课及相关的就业指导课、心理健康课,来拓展和提升学生的职业心理素质。同时,职业课程是高职院校教育的主要形式,学校应积极利用课堂这一教学阵地,对学生的职业心理素质进行培养。在这个过程中,教师应积极发挥示范作用,以学生的兴趣和未来就业为中心,选择一些学生普遍关心的热点问题,从中挖掘一些前人未涉及或少谈起的问题对学生进行提问和讲解,这样不仅锻炼了学生的创新思维,而且使他们在寻找解决问题方法的同时,提高自身的职业潜能以及所要求的职业心理素质。
3.3 开设职业心理素质教育课
目前我国多数高职院校都开设有就业指导课。就业指导课的内容讲授必然要涉及很多心理专业方面的内容,因此应开设职业心理素质教育课程。高职学生职业心理素质培养要贯穿整个高职教育的全过程,不同阶段、不同年级有不同的任务及侧重点。一年级主要进行自我认知、职业生涯规划;二年级侧重职业习惯养成和职业能力培养;三年级倾向择业教育、就业心理辅导。教师可通过情境模拟的形式开展职业心理讲授活动,也可以通过统计分析历届毕业生的就业情况,从中找出过往毕业生身上的优秀职业心理素质,为学生提供一些真实可信的榜样,从而激发学生完善自我的动力。职业心理素质教育课程要根据学生的需要、认知发展的特点和规律循序渐进地促进学生职业心理素质的提高。同时,教师可在教学过程中根据班上学生的具体情况开展有针对性的个性化职业心理咨询与辅导,帮助学生提高自身职业心理素质。
3.4 加强职业道德教育
职业道德是职业心理素质的一项重要内容,不讲职业道德的创新活动对企业和社会所造成的危害和损失可能是无法估量的。因此,学校应将职业道德教育作为对学生心理教育的一个重要内容,以职业道德为中心,通过向学生系统地讲授职业道德的原则、规范和养成等内容,使学生形成积极向上的敬业意识、创新意识、纪律意识和竞争意识。加强对学生的职业道德教育,其目的在于帮助学生前瞻性地认识在职业活动中应该遵守的行为规范,进而对整个企业和社会形成正确的审视,将职业和道德紧紧联系在一起,帮助学生打造一个成功的职业生涯。
3.5 加强网络建设,优化学生成长环境
当今兴起的网络文化对高职生的影响是双重的。一方面,网络的主体性和自由性使学生的独立性、自主性乃至创新性得到了进一步提升,通过网络进行创新创造性活动也成为当今社会发展和教育发展的趋势。同时由于网络为高职生全面了解社会开辟了一个新的窗口和视野,这对于学生提高鉴别是非、认识真理和谬论提供了一个很好的渠道。另一方面,网络上也充斥着各种对社会和各行各业的人或事的片面和绝对化评论,高职生虽然在年龄上多已是成年人,但他们的思想意识和道德观念尚处于形成期。如果长期受网络上片面绝对化信息的熏陶,难免会形成错误的人生观、价值观和职业观。因此,学校要充分利用网络文化,在充分利用网络积极作用的同时,加强对网络的管理和建设,以此为学生创造一个良好的成长环境。
总之,高职院校作为我国高等教育体系的重要组成部分,一方面承载着培养创新性人才的教育使命,另一方面还担负着为社会培养千千万万合格劳动者的历史使命。而合格的劳动者首先必须具备良好的职业心理素质。因此,高职院校除了努力提高学生的职业技能和创新素质外,还应加强对创新人才的职业心理素质的培养。
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3.关于素质教育学习心得体会5篇
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音乐表演作为将乐谱音响化的重要环节历来是学界讨论的焦点,表演者通过技术对音色的控制是评判表演好坏的重要因素之一。下面是读文网小编为大家整理的音乐表演毕业论文,供大家参考。
一、音乐表演艺术中现代音乐美学研究应用的必要性
从音乐美学与音乐表演的内容可分析,音乐表演所涉及的主要体现在表演者自身的审美能力、思想因素以及对音乐美学的理解等方面,而音乐美学则综合许多学科如审美学或哲学等内容,所以音乐表演在本质上便为音乐美学中的重要内容。实际应用现代美学研究的作用主要体现在三方面,即:第一,现代音乐美学研究是影响音乐表演成功与否的关键。现代音乐美学研究认为区别于一般音乐家与爱好者,音乐表演者对音乐的了解更加深入,注重音乐美学中涵盖的音乐美学内容,掌握作品历史意义的同时还需利用现代审美观念对其进一步丰富。第二,现代音乐美学研究的引导作用。由于音乐美学本身综合许多学科知识内容,对音乐表演能够起到一定的导向作用,要求音乐表演者的表演需在领悟音乐内涵的基础上,向受众传达更多的美学精神,实现审美方面的共鸣。
二、基于现代音乐美学研究的音乐表演艺术未来发展
(一)正确看待音乐表演
现代音乐美学研究中关于如何看待音乐表演的问题,从现象学美学角度分析,认为音乐作为意向性对象,需要通过音乐实践主体不断生成音乐的内涵,其中的主体旨在音乐表演者,而音乐实践内容则为意向性活动,使音乐的意义得到不断填充与丰富。而从现代释义学角度,音乐表演过程不仅需要对音乐历史意义进行解释,还需将音乐作品的现代意义阐释出来。综合来看,现代音乐美学研究对音乐表演的启迪首先需正确看到音乐表演艺术的作用以及地位,其不仅表现在再现艺术方面,还应在原有内涵基础上使音乐更具创造性,不断丰富音乐的内涵。因此,现代音乐表演者在利用音乐表演技能进行音乐坐标表演与再现的同时,也要运用现代审美观念,赋予音乐作品更多时代内涵。
(二)正确认识音乐原作
现代美学研究要求音乐表演艺术对音乐原作正确认识。首先,根据现象美学理论可将音乐作品原作概括为两方面,即创作过程中作曲家的意向性活动以及作曲家创作思路的乐谱记录。其次,在正确认识音乐原作后便需考虑到如何看待作曲家在作品中所体现的创作构思。一般作曲家通过乐谱形式完成音乐作品创作后,该作品便为一个实体,且不会随人的意志而发生转移。这就要求音乐表演者能够正确解释音乐作品,把握音乐作品的历史意义以及所体现的风格。例如,对文艺复兴时期或欧洲中世纪的音乐作品在现代音乐表演过程中应以作品原有历史面貌展现出来,如所引用的乐器或具体演奏方式等使作品原有音响效果进行再现。尽管我国现代音乐表演艺术中对作品的解释仍以历史释义学为主,只进行概念化或机械化的作品内涵阐释,从表面看较为肤浅,但这种以历史角度看待音乐原作并对作曲家创作思路进行探索的做法,仍值得肯定。对于音乐表演者来讲,应在表演过程中从历史角度出发诠释作品内涵。
(三)音乐表演艺术的创造
现代音乐美学研究中提出的现象学美学观点,对音乐作品意向性进行分析,要求在表演过程中通过意向性活动使作品意义得以丰富,注重音乐表演创造性。尽管现代美学研究中通过历史释义学能够使作品内涵得以还原与重建,保证表演者充分了解作品的历史背景以及作曲家的创作思路,但事实上这种观念很容易忽视表演者对现代审美观念与时代精神的探索,不利于音乐作品的进一步丰富。因此,现代音乐表演艺术中需在表演者具有艺术理念以及时代审美观的前提下,可使音乐作品的历史内涵展现出来并赋予时代意义,使现代表演为音乐作品增添新的光彩,这样才可真正体现音乐表演的创造性。
三、结论
现代音乐美学研究是促进音乐表演艺术不断完善的重要途径。要求注重对现代音乐美学与音乐表演艺术关系的正确认识,而且在实际进行音乐表演过程中,音乐表演者需具备基本的审美思想与时代观念,通过对音乐作品涵盖的历史背景与作曲家的创作思路分析,融合现代艺术风格,保证还原音乐作品历史意义的同时实现对作品的再创造,以此推动音乐表演事业的进一步发展。
一、音乐表演中的音乐想象
音乐想象在音乐表演过程中起着不可忽视的作用,每一种音乐作品的意境领会和情感体验都离不开表演者对作品的想象。表演者具有丰富的想象力,才能够更加清晰地理解音乐作品的内涵,体验声音与表现对象之间的关系,听众就更容易从表演者的具体表演中感受到作品的音乐情感与意境。例如,著名音乐作品《高山流水》起源于一则音乐故事。据《列子•汤问篇》记载,古代一名琴师伯牙喜欢鼓琴,而钟子期喜欢听鼓琴。当伯牙鼓琴时志在高山,钟子期就会说:“善哉,巍巍兮高山!”当伯牙鼓琴时志在流水,钟子期就会说:“善哉,洋洋兮若江河!”钟子期从伯牙所弹奏的琴曲中可以理解到伯牙的所想。这则故事充分说明了想象在音乐作品中的重要性。伯牙鼓琴体现了演奏者的想象,钟子期的理解体现了音乐作品欣赏者的想象。而正是演奏者在演奏过程中的音乐想象,激发了音乐欣赏者在欣赏过程中的音乐想象。一位著名的音乐表演艺术家,纵使面对一些纯音乐或无标题的器乐作品,也会通过丰富的人生体验对作品的情感和诗意内涵进行想象,从而将音乐作品生动感人地呈现在听众面前,引起听众的强烈共鸣。
二、音乐表演中的临场直觉
经历过音乐表演的人,都会经历临场心理调节对音乐表演的特殊作用。音乐表演具有转瞬即逝的一次性特点,其表演过程不能重复,也不能进行补救。因此,演奏者要想在临场表演中将自己的能力发挥到最好,就要充分把握和调节好自己的临场心理因素。音乐表演者在表演中首先要做到全神贯注,调节自己的心理状态,做到注意力高度集中,倾注全部热情进行音乐表演,才能够保证稍纵即逝的表演得到最好发挥。其次,克服临场紧张怯场的心理,不要过分祈求自己的表演效果一鸣惊人,要通过充分练习掌握所表演的曲目,增强自信心。最后,要经常实践演出,从心理上适应喜爱音乐表演的环境,从而避免临场紧张的状况。另外,音乐表演中的直觉是通过敏感、直接而不依靠语言概念来领会音乐的能力,也叫做音乐感。直觉是表演者通过对不断变化的音乐运动形态进行把握,运用内心听觉在头脑中勾勒出音响运动图像的一种能力。这种直觉能力也被称作“本能”或者“无意识”,这种能力需要在遗传基因的基础上,通过后天努力和培养才获得。因此,演奏者需要在音乐表演的过程中有意识地进行直觉培养和锻炼,从而发展自身的直觉能力。
三、结语
总之,良好的表演心理,不仅可以推进音乐表演者的创作,促进音乐作品的推广,而且能够带给欣赏者丰富的审美体验和精神愉悦感,促进音乐表演的繁荣与发展。
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音乐表演应该在具有艺术形象的基础上实现生机和气韵,用精神和灵魂来使音乐的表演更加的具有活力和灵性,这样的音乐表演才是真正具备生命的,也是音乐表演的真正意义所在。下面是读文网小编为大家整理的音乐表演声乐毕业论文,供大家参考。
近年来的学术实践也表明,音乐表演首先是一种体验性的艺术,实证性研究在认识论层面的价值固然令人信服,但其最终无法全面涵盖表演艺术直接触及人类情感体验的实质机制,因此,从音乐表演艺术本体论角度深入把握其可知可感的内在规律,是这一学术领域继续掘进的必然要求。
国际音乐表演理论的研究,自20世纪80年代之后,体现出“传统的历史研究逐渐与分析哲学、美学、心理学等研究方法结合,越来越体现出多样化的跨学科性质”②。尤其是非西方音乐表演理论研究的介入,使这一学科的研究视域逐步跳出欧洲经典音乐理论的框架,非西方音乐表演艺术的“作品”及其体验特质,不仅充实了传统表演艺术理论的分析素材,而且在理论视角上也进一步饱满化,于是,针对音乐表演实践的艺术真实性问题,率先成为这一领域的理论焦点。其具体表述是“相对于‘作品’,如何表演才算是真实”。按照彼得•基维的说法,所谓音乐表演的“真实性”包含四层含义:一是忠实于作曲家的表演意图;二是忠实于作曲家生活时代的表演实践;三是忠实于作曲家生活时代的表演音响;四是忠实于表演者个人原创性的而非仿效的表演方式。③基维的提法,突破了19世纪古乐复兴运动所设想的围绕作品展开的音乐存在观念,将其延伸为作品、作曲家及其所处时代的表演结构。
可以看到,国内外音乐表演理论,其出发点不同,但都有整合实证分析与主观阐释理路的趋势。如何“合理”、“正确”地演奏一支弦乐四重奏,才能符合作曲家海顿的创作意图,重现18世纪的表演技巧和音色?这已经不是一则表演者必须照搬的铁律。在特定时空中创作产生、流传的音乐,并不一定需要把在特定情形下设计出来的力度、速度、音色、语气固化下来,作为绝对精准的模本去重现;更不用说,附着于音乐背—后的表演氛围、听众期待、表演价值等历史存在物,更是难以捕捉并固化的。约翰•凯奇的《4'33″》要求钢琴家在一定时间内静坐在钢琴面前做“无声”的表演,每一场的观众听到的是不同的现场声音:呼吸声、观众席的骚动声、演奏厅中轻微的回响等等,这时候,何谓表演文本、表演符号、表演声音,乃至表演的作品?如何重现这一作品的“原貌”?这些问题顿时会导致一种理论上的虚无,也可以说,颠覆了以往文本意义上的重构作品真实性/原貌的思维动力。凯奇采用的是一种极端的做法,但他对浪漫主义时期以来围绕西方音乐作品形成的“本真表演”的实证传统提出了反思。此外,作为一种表演体裁,爵士乐的表演,也对传统意义上的“本真表演”和“作品”提出了挑战:当每一次表演时,音乐素材的呈现主要来自乐手们当下的音乐感受和表达习惯时,固化的文本和实践概念再次被消解或重构。
与西方古典(实际意指“经典”)时期以来对表演文本、实践和真实性重构的历史认识相对照,中国语境中的音乐表演,更早表现出这种独立的历史存在。对历史时期曾经存在过或流传下来的中国音乐如何看待?如何付诸实践?如何评价其实践?传统中国音乐家或者历史典籍,对这一问题基本上采取了稳定连贯的态度。即所谓“五帝殊时,不相沿乐”。数千年来形成的针对古乐的表演传统,连圣君治下的贵族音乐都要求有不断更新的解读,何况是主要以娱乐形式存在的民间世俗音乐?所以说,20世纪以前的中国音乐表演对象,“变动性”是其主流性格,定谱、定腔、定声只不过是一种时间片段存在,一旦表演功能、场合、表演者有所变化,表演文本就会合法地流动。从这个意义上看,中国20世纪以前的音乐表演传统,恰恰为西方自1800年以来确立起来的与表演有关的观念和概念,提供了极有价值的参照对象,也成为西方音乐表演理论开始反躬自省的思想资源之一。
这样的学科进路可以有多种选择,也可能会出现具体理论描述与实践上的复杂冲突。一首作于18世纪的康塔塔,能否仅仅参照艺术观念、复古乐器、声音想象等因素在21世纪的当代中国得到合理的重构?或者反过来假设,一首明代民间小曲是可以根据上述相同的因素复现于西方音乐厅?这样结果的“真实性”显然令人置疑。也就是说,产生于不同时间、不同空间的艺术“作品”中的异质性因素不是那么能够轻易重构的,其最关键的问题根本不在于上述表演诸因素的组合,而是如何把握人类音乐体验的超时空性。准乎此,则18世纪和21世纪的东西方音乐听众,是有可能在类似的作品或表演实践过程中获取相近的音乐体验的。
于是,海顿的交响乐,凯奇的先锋音乐实验,巴赫的康塔塔,明清无名氏的小曲,经过上述因素的细致考证分析,给以跨时空艺术观念的反复探究、协调,会产生对当代人真实而有意义的艺术体验。所以,文献的、思想的、乐谱符号的、情感体验等方面的分析与阐释,正是当代中西方音乐家或音乐学者需要以历史的、整体的眼光加以审视辨析的。在此,历史的视野和情感方式构成了这种当代重构活动的拓展维度。因为所有经过历史沉积下来的音乐作品/活动,不止表达了当时人的主观体验与时代风格,而且也指向了未来。这正是上述重构方式的美学原因。现在看来,以往表演语境中所谓“忠实原作”背后的推动力,正是表演美学上的“客观性”思维,①通过追寻音乐表演的“客观性”去接近历史作品的“真实性”,显然过于单薄,失去了主观体验的维度,也就等于放弃了历史表演最本质的目的。
从心理学的角度而言,无论是历史上的音乐表演,还是当代试图要重现的历史音乐作品,本身不存在绝对的实体,“即便是汉斯利克所声称的‘音乐中的唯一存在’———亦即‘乐音运动’,也只是心理学上谓之‘似动错觉’的现象而已:须知一个音是不可能‘进行’到另一个音的”②。由此可见,如果说音乐表演在器物和观念层面可以是历史的、时空属性的,那么人类的音乐体验则完全可以是超历史、超时空的。这正是当代音乐家表演历史时期音乐作品或从事历史性质的音乐实践活动时,所宜采取的学术姿态与方式。
对音乐表演真实性问题的这些认识,不只是学术性研究或严肃表演中需要认真思考,今天在当代艺术表演出现的某些混乱和矛盾的现象,究其深层原因,正是对上述问题缺乏反思所致。本文所探讨的音乐表演的真实性问题,涵盖了严肃表演和大众表演的宏阔范畴,其表面上看来是一个表演形式的问题,而实质上却又与音乐作品的历史存在、真实性、当代趣味等美学问题息息相关。鉴于此,当下的音乐表演理论研究,很有必要在这个路向上深入掘进。
音乐表演顾名思义是表演的艺术,且是有生命、有律动的艺术,其本质是音乐的二度创作,理所当然离不开舞台艺术实践,舞台艺术实践是音乐表演中摆在第一位的。学习音乐表演应该懂得如何将台下的功夫在舞台上完整地展现给观众,也就是将掌握的技巧与近乎心灵的表演协调起来,带给观众愉悦的感受。正因如此,舞台艺术实践在音乐表演艺术中也就显得尤为重要,应当引起高度重视。这多元化且复杂的艺术,在舞台艺术实践中需要注意诸多方面。
首先,现如今高校中音乐表演专业的学生平日的练习大多集中在琴房,然而琴房与舞台有着很大的不同,日积月累,逐渐形成一种固定的空间感,即空间狭小,当遇到专业考试或者演出时,登上舞台,空间增大,很多表演就变得不那么成熟、完整了,严重者甚至会流露出六神无主的状态,随之而来的还有音乐旋律的脱节、技巧的不到位等等状况。这些都是因为缺乏舞台艺术实践,舞台经验不多引起的,所以多进行舞台艺术实践是非常重要的。
其次,演出服装的问题也不容小视。经常在音乐会过后能听到表演者对演出服的抱怨,诸如服装太紧、太勒又或太松等各种各样的问题,以至于使其表演时需要过多担心服装的问题,不能专注于音乐,但这是音乐表演前就应该注意到的。
比如说演出之前的走台是很有必要的,有的演员不重视走台,这样一来,演出服是否合适也就很难在正式表演前发现。这也是舞台艺术实践中应该注意的,其直接影响到音乐表演的圆满程度。再次,与观众进行适度的感情交流也是舞台艺术实践中重要的部分。舞台经验丰富的表演艺术家都是重视与观众之间的互动的。当然在音乐表演中更多的是沉浸在音乐中,诠释好作曲家的意图,但是上、下场脚步的大小、频率,脸上是否洋溢着充满创作热情的表情等等却是音乐之外带给观众的感受,也是与观众交流的最好时机,需要良好的对待。这些都是舞台艺术实践重要的内容。
最后,表演者和伴奏之间的默契无疑也是至关重要的。不论是在琴房练习还是上本专业课时,很多高校中还未能实现同时配有专业的伴奏人员,故而更多的是对专业技术进行训练、纠正以及解决等。所以当学生上台进行艺术实践时,和伴奏之间也常常会出现不少的配合不好问题。常常有人在台下练得很好,可在台上却因与伴奏不够默契而互相牵制,导致音乐诠释不当,旋律线条中断等等。
音乐是时间的艺术,在短暂的瞬间就能绽放美好,对于学习或从事音乐表演的人来说,把握每次舞台艺术实践的机会是尤为重要的。只有重视舞台艺术实践,理解其必要性,提高自身的舞台控制力,才能在登台时不断的完善,才能真正的传达音乐、表演音乐。
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音乐表演作为将乐谱音响化的重要环节历来是学界讨论的焦点,表演者通过技术对音色的控制是评判表演好坏的重要因素之一。下面是读文网小编为大家整理的音乐表演论文,供大家参考。
艺术家的风格演绎并不是空洞抽象的存在,同样要落实在音乐作品的表演中,和艺术作品的创作风格水乳交融后才能更臻完善的演绎艺术作品的内涵①。
艺术家表演风格的形成主要由主客观两个因素来决定:客观因素包括时代背景、社会环境、教育背景、家庭环境等,而创作题材中的门类和体裁也会对艺术风格的形成产生影响。如果音乐家在进行音乐的表演时脱离这些客观因素,抛弃作品的题材、体裁等客观对象,任意追求不切实际的表演,就会导致表演的浮夸和媚俗,无法满足观众的审美需求。
音乐表演风格中客观因素的研究包含有很多方面,如题材的选择上要注重新颖,主题思想的表达要具有个性并且深入,在表演的过程中还要加入充分的创造性手法,使作品的形象在演绎的过成中更深刻,艺术语言的表达更具独到性。音乐表演中艺术家个人风格的填入可以增加音乐作品的感染力,使欣赏者深入体会作曲家的创作理念从而产生审美情感上的共鸣。如贝多芬的第五交响曲,曲意就是在对“命运”做完美的诠释,在自己失聪的环境中创作出的“命运交响曲”带有贝多芬个人鲜明的创作特征。曲目中的内容始终在围绕着生命的过程而展开,传达出慷慨激昂的生命热情令人深受震撼。肖邦的很多钢琴曲目也都融入了波兰当地民族风情,如《波兰舞曲》、《玛祖卡》,这种融入社会环境、个人经历、时代背景、民族文化的作品更容易被听众所接受①。
而主观因素包括艺术家的思想观念、艺术修养、审美品位、个人气质等,通过一种外在的表现形式来展示表演者的内心世界。音乐作品的表演是一种主观意志的表现,有现实生活中对艺术家创作影响因素的映射,也有艺术家艺术演奏中理想的臆想化身,是一种主客观的高度统一。每一个成功的艺术家的艺术作品内容形式再丰富多彩、千变万化,但作品的风格始终是一样的,就如前文讲的风格的形成可以评定艺术家的成熟和成败。一部艺术作品的成功也要归结于艺术家自身融入作品中的个人思想、情感、审美品位、生活体验及审美标准等不同于他人的个人魅力的彰显。艺术源于生活而高于生活。艺术作品高于生活是因为艺术家将这两种主客观的因素经过高度统一后再赋予作品深层意蕴。这种深入生活的表演风格使音乐作品在表演的过程中更容易将他的创作意图和听众作很好的审美交流,更能很好地完成音乐作品的创作。在面对同一事物的表达上,源于主客观因素的相互影响,创作出的曲目也会风格各异。正如黑格尔所说的,风格是一个艺术家内在气质的完美体现,通过外在的表现形式展现出有别于他人的特性②。
音乐表演风格是一个音乐家内在特性的外化表现,是一个音乐家艺术创作的成熟标示。在成功的音乐家身上都可发现一个共同的特质,他们都在自己的作品中找到独一无二的自己,将自身对于生活的体验及情感表达融入到自己的创作之中。从最初的模仿到最后的个性表现,都是在走自己风格的创造之路。音乐表演艺术的真正魅力就是将无声乐谱变成有生命动感的旋律演绎给观众,而听众对于曲目内容的理解就全赖于音乐表演家的表现,音乐家的表演风格也会左右到听众的音乐审美体验,因此正确诠释音乐作品本身意图至关重要。
一、音乐表演艺术中现代音乐美学研究应用的必要性
从音乐美学与音乐表演的内容可分析,音乐表演所涉及的主要体现在表演者自身的审美能力、思想因素以及对音乐美学的理解等方面,而音乐美学则综合许多学科如审美学或哲学等内容,所以音乐表演在本质上便为音乐美学中的重要内容。实际应用现代美学研究的作用主要体现在三方面,即:第一,现代音乐美学研究是影响音乐表演成功与否的关键。现代音乐美学研究认为区别于一般音乐家与爱好者,音乐表演者对音乐的了解更加深入,注重音乐美学中涵盖的音乐美学内容,掌握作品历史意义的同时还需利用现代审美观念对其进一步丰富。第二,现代音乐美学研究的引导作用。由于音乐美学本身综合许多学科知识内容,对音乐表演能够起到一定的导向作用,要求音乐表演者的表演需在领悟音乐内涵的基础上,向受众传达更多的美学精神,实现审美方面的共鸣。
二、基于现代音乐美学研究的音乐表演艺术未来发展
(一)正确看待音乐表演
现代音乐美学研究中关于如何看待音乐表演的问题,从现象学美学角度分析,认为音乐作为意向性对象,需要通过音乐实践主体不断生成音乐的内涵,其中的主体旨在音乐表演者,而音乐实践内容则为意向性活动,使音乐的意义得到不断填充与丰富。而从现代释义学角度,音乐表演过程不仅需要对音乐历史意义进行解释,还需将音乐作品的现代意义阐释出来。综合来看,现代音乐美学研究对音乐表演的启迪首先需正确看到音乐表演艺术的作用以及地位,其不仅表现在再现艺术方面,还应在原有内涵基础上使音乐更具创造性,不断丰富音乐的内涵。因此,现代音乐表演者在利用音乐表演技能进行音乐坐标表演与再现的同时,也要运用现代审美观念,赋予音乐作品更多时代内涵。
(二)正确认识音乐原作
现代美学研究要求音乐表演艺术对音乐原作正确认识。首先,根据现象美学理论可将音乐作品原作概括为两方面,即创作过程中作曲家的意向性活动以及作曲家创作思路的乐谱记录。其次,在正确认识音乐原作后便需考虑到如何看待作曲家在作品中所体现的创作构思。一般作曲家通过乐谱形式完成音乐作品创作后,该作品便为一个实体,且不会随人的意志而发生转移。这就要求音乐表演者能够正确解释音乐作品,把握音乐作品的历史意义以及所体现的风格。例如,对文艺复兴时期或欧洲中世纪的音乐作品在现代音乐表演过程中应以作品原有历史面貌展现出来,如所引用的乐器或具体演奏方式等使作品原有音响效果进行再现。尽管我国现代音乐表演艺术中对作品的解释仍以历史释义学为主,只进行概念化或机械化的作品内涵阐释,从表面看较为肤浅,但这种以历史角度看待音乐原作并对作曲家创作思路进行探索的做法,仍值得肯定。对于音乐表演者来讲,应在表演过程中从历史角度出发诠释作品内涵。
(三)音乐表演艺术的创造
现代音乐美学研究中提出的现象学美学观点,对音乐作品意向性进行分析,要求在表演过程中通过意向性活动使作品意义得以丰富,注重音乐表演创造性。尽管现代美学研究中通过历史释义学能够使作品内涵得以还原与重建,保证表演者充分了解作品的历史背景以及作曲家的创作思路,但事实上这种观念很容易忽视表演者对现代审美观念与时代精神的探索,不利于音乐作品的进一步丰富。因此,现代音乐表演艺术中需在表演者具有艺术理念以及时代审美观的前提下,可使音乐作品的历史内涵展现出来并赋予时代意义,使现代表演为音乐作品增添新的光彩,这样才可真正体现音乐表演的创造性。
三、结论
现代音乐美学研究是促进音乐表演艺术不断完善的重要途径。要求注重对现代音乐美学与音乐表演艺术关系的正确认识,而且在实际进行音乐表演过程中,音乐表演者需具备基本的审美思想与时代观念,通过对音乐作品涵盖的历史背景与作曲家的创作思路分析,融合现代艺术风格,保证还原音乐作品历史意义的同时实现对作品的再创造,以此推动音乐表演事业的进一步发展。
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音乐表演应该在具有艺术形象的基础上实现生机和气韵,用精神和灵魂来使音乐的表演更加的具有活力和灵性,这样的音乐表演才是真正具备生命的,也是音乐表演的真正意义所在。下面是读文网小编为大家整理的音乐表演毕业论文,供大家参考。
近年来的学术实践也表明,音乐表演首先是一种体验性的艺术,实证性研究在认识论层面的价值固然令人信服,但其最终无法全面涵盖表演艺术直接触及人类情感体验的实质机制,因此,从音乐表演艺术本体论角度深入把握其可知可感的内在规律,是这一学术领域继续掘进的必然要求。
国际音乐表演理论的研究,自20世纪80年代之后,体现出“传统的历史研究逐渐与分析哲学、美学、心理学等研究方法结合,越来越体现出多样化的跨学科性质”②。尤其是非西方音乐表演理论研究的介入,使这一学科的研究视域逐步跳出欧洲经典音乐理论的框架,非西方音乐表演艺术的“作品”及其体验特质,不仅充实了传统表演艺术理论的分析素材,而且在理论视角上也进一步饱满化,于是,针对音乐表演实践的艺术真实性问题,率先成为这一领域的理论焦点。其具体表述是“相对于‘作品’,如何表演才算是真实”。按照彼得•基维的说法,所谓音乐表演的“真实性”包含四层含义:一是忠实于作曲家的表演意图;二是忠实于作曲家生活时代的表演实践;三是忠实于作曲家生活时代的表演音响;四是忠实于表演者个人原创性的而非仿效的表演方式。③基维的提法,突破了19世纪古乐复兴运动所设想的围绕作品展开的音乐存在观念,将其延伸为作品、作曲家及其所处时代的表演结构。
可以看到,国内外音乐表演理论,其出发点不同,但都有整合实证分析与主观阐释理路的趋势。如何“合理”、“正确”地演奏一支弦乐四重奏,才能符合作曲家海顿的创作意图,重现18世纪的表演技巧和音色?这已经不是一则表演者必须照搬的铁律。在特定时空中创作产生、流传的音乐,并不一定需要把在特定情形下设计出来的力度、速度、音色、语气固化下来,作为绝对精准的模本去重现;更不用说,附着于音乐背—后的表演氛围、听众期待、表演价值等历史存在物,更是难以捕捉并固化的。约翰•凯奇的《4'33″》要求钢琴家在一定时间内静坐在钢琴面前做“无声”的表演,每一场的观众听到的是不同的现场声音:呼吸声、观众席的骚动声、演奏厅中轻微的回响等等,这时候,何谓表演文本、表演符号、表演声音,乃至表演的作品?如何重现这一作品的“原貌”?这些问题顿时会导致一种理论上的虚无,也可以说,颠覆了以往文本意义上的重构作品真实性/原貌的思维动力。凯奇采用的是一种极端的做法,但他对浪漫主义时期以来围绕西方音乐作品形成的“本真表演”的实证传统提出了反思。此外,作为一种表演体裁,爵士乐的表演,也对传统意义上的“本真表演”和“作品”提出了挑战:当每一次表演时,音乐素材的呈现主要来自乐手们当下的音乐感受和表达习惯时,固化的文本和实践概念再次被消解或重构。
与西方古典(实际意指“经典”)时期以来对表演文本、实践和真实性重构的历史认识相对照,中国语境中的音乐表演,更早表现出这种独立的历史存在。对历史时期曾经存在过或流传下来的中国音乐如何看待?如何付诸实践?如何评价其实践?传统中国音乐家或者历史典籍,对这一问题基本上采取了稳定连贯的态度。即所谓“五帝殊时,不相沿乐”。数千年来形成的针对古乐的表演传统,连圣君治下的贵族音乐都要求有不断更新的解读,何况是主要以娱乐形式存在的民间世俗音乐?所以说,20世纪以前的中国音乐表演对象,“变动性”是其主流性格,定谱、定腔、定声只不过是一种时间片段存在,一旦表演功能、场合、表演者有所变化,表演文本就会合法地流动。从这个意义上看,中国20世纪以前的音乐表演传统,恰恰为西方自1800年以来确立起来的与表演有关的观念和概念,提供了极有价值的参照对象,也成为西方音乐表演理论开始反躬自省的思想资源之一。
这样的学科进路可以有多种选择,也可能会出现具体理论描述与实践上的复杂冲突。一首作于18世纪的康塔塔,能否仅仅参照艺术观念、复古乐器、声音想象等因素在21世纪的当代中国得到合理的重构?或者反过来假设,一首明代民间小曲是可以根据上述相同的因素复现于西方音乐厅?这样结果的“真实性”显然令人置疑。也就是说,产生于不同时间、不同空间的艺术“作品”中的异质性因素不是那么能够轻易重构的,其最关键的问题根本不在于上述表演诸因素的组合,而是如何把握人类音乐体验的超时空性。准乎此,则18世纪和21世纪的东西方音乐听众,是有可能在类似的作品或表演实践过程中获取相近的音乐体验的。
于是,海顿的交响乐,凯奇的先锋音乐实验,巴赫的康塔塔,明清无名氏的小曲,经过上述因素的细致考证分析,给以跨时空艺术观念的反复探究、协调,会产生对当代人真实而有意义的艺术体验。所以,文献的、思想的、乐谱符号的、情感体验等方面的分析与阐释,正是当代中西方音乐家或音乐学者需要以历史的、整体的眼光加以审视辨析的。在此,历史的视野和情感方式构成了这种当代重构活动的拓展维度。因为所有经过历史沉积下来的音乐作品/活动,不止表达了当时人的主观体验与时代风格,而且也指向了未来。这正是上述重构方式的美学原因。现在看来,以往表演语境中所谓“忠实原作”背后的推动力,正是表演美学上的“客观性”思维,①通过追寻音乐表演的“客观性”去接近历史作品的“真实性”,显然过于单薄,失去了主观体验的维度,也就等于放弃了历史表演最本质的目的。
从心理学的角度而言,无论是历史上的音乐表演,还是当代试图要重现的历史音乐作品,本身不存在绝对的实体,“即便是汉斯利克所声称的‘音乐中的唯一存在’———亦即‘乐音运动’,也只是心理学上谓之‘似动错觉’的现象而已:须知一个音是不可能‘进行’到另一个音的”②。由此可见,如果说音乐表演在器物和观念层面可以是历史的、时空属性的,那么人类的音乐体验则完全可以是超历史、超时空的。这正是当代音乐家表演历史时期音乐作品或从事历史性质的音乐实践活动时,所宜采取的学术姿态与方式。
对音乐表演真实性问题的这些认识,不只是学术性研究或严肃表演中需要认真思考,今天在当代艺术表演出现的某些混乱和矛盾的现象,究其深层原因,正是对上述问题缺乏反思所致。本文所探讨的音乐表演的真实性问题,涵盖了严肃表演和大众表演的宏阔范畴,其表面上看来是一个表演形式的问题,而实质上却又与音乐作品的历史存在、真实性、当代趣味等美学问题息息相关。鉴于此,当下的音乐表演理论研究,很有必要在这个路向上深入掘进。
音乐表演顾名思义是表演的艺术,且是有生命、有律动的艺术,其本质是音乐的二度创作,理所当然离不开舞台艺术实践,舞台艺术实践是音乐表演中摆在第一位的。学习音乐表演应该懂得如何将台下的功夫在舞台上完整地展现给观众,也就是将掌握的技巧与近乎心灵的表演协调起来,带给观众愉悦的感受。正因如此,舞台艺术实践在音乐表演艺术中也就显得尤为重要,应当引起高度重视。这多元化且复杂的艺术,在舞台艺术实践中需要注意诸多方面。
首先,现如今高校中音乐表演专业的学生平日的练习大多集中在琴房,然而琴房与舞台有着很大的不同,日积月累,逐渐形成一种固定的空间感,即空间狭小,当遇到专业考试或者演出时,登上舞台,空间增大,很多表演就变得不那么成熟、完整了,严重者甚至会流露出六神无主的状态,随之而来的还有音乐旋律的脱节、技巧的不到位等等状况。这些都是因为缺乏舞台艺术实践,舞台经验不多引起的,所以多进行舞台艺术实践是非常重要的。
其次,演出服装的问题也不容小视。经常在音乐会过后能听到表演者对演出服的抱怨,诸如服装太紧、太勒又或太松等各种各样的问题,以至于使其表演时需要过多担心服装的问题,不能专注于音乐,但这是音乐表演前就应该注意到的。
比如说演出之前的走台是很有必要的,有的演员不重视走台,这样一来,演出服是否合适也就很难在正式表演前发现。这也是舞台艺术实践中应该注意的,其直接影响到音乐表演的圆满程度。再次,与观众进行适度的感情交流也是舞台艺术实践中重要的部分。舞台经验丰富的表演艺术家都是重视与观众之间的互动的。当然在音乐表演中更多的是沉浸在音乐中,诠释好作曲家的意图,但是上、下场脚步的大小、频率,脸上是否洋溢着充满创作热情的表情等等却是音乐之外带给观众的感受,也是与观众交流的最好时机,需要良好的对待。这些都是舞台艺术实践重要的内容。
最后,表演者和伴奏之间的默契无疑也是至关重要的。不论是在琴房练习还是上本专业课时,很多高校中还未能实现同时配有专业的伴奏人员,故而更多的是对专业技术进行训练、纠正以及解决等。所以当学生上台进行艺术实践时,和伴奏之间也常常会出现不少的配合不好问题。常常有人在台下练得很好,可在台上却因与伴奏不够默契而互相牵制,导致音乐诠释不当,旋律线条中断等等。
音乐是时间的艺术,在短暂的瞬间就能绽放美好,对于学习或从事音乐表演的人来说,把握每次舞台艺术实践的机会是尤为重要的。只有重视舞台艺术实践,理解其必要性,提高自身的舞台控制力,才能在登台时不断的完善,才能真正的传达音乐、表演音乐。
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