一、美学原则

钢琴的演奏包含着深刻的美学原则，钢琴表现出的不仅仅是曲子所表达的含义，更是演奏者内心世界的展现。因此在演奏的时候需要利用充分的美学知识，演奏者才能够更理解钢琴作品包含的内涵，并且在演奏的时候用最佳的方式来演奏。

在演奏的时候，演奏者一定要注意遵循原作来进行演奏。然而，除了对于原作的遵从，演奏者还需要根据实际的经验在演奏的时候加入自己的创作元素，使得演奏的曲子中带着自己的色彩。所以演奏者在演奏的时候需要认真的揣测乐谱的真正的内涵，仔细观察每一个细节，通过了解作曲家的内心世界，来演奏出更美妙的乐章。除此之外，音乐在不同的时代有着不同的哲学内涵，所以演奏者需要根据时代的特征赋予音乐新的内涵。在对钢琴进行演奏的时候，应该对作曲家所处的那个时代有着深入的了解，并且了解作曲家的性格、经历、思想，对于乐曲有更好地把握，从而能够在演奏的过程更好地表现出来。然而仅仅了解乐曲创作时代的背景还远远不够，这可能会使得演奏的乐曲难以得到同时代的人的认可，所以演奏者还需要加入当代的音乐元素，并且使其与乐曲本身更好地融合在一起。在演奏的过程中，演奏者还需要把理智与情感、情感与技巧很好的结合到一起。只有技巧的演奏，很难使人感受到乐曲中蕴含的情感，这样的演奏是没有灵魂的，并不是成功的演奏。而只有情感的寄托，却缺少相应的技巧作为协调，这样的演奏也是难以引起人们的兴趣的。所以应该将技巧和情感很好的融合到一起。演奏者既需要拥有理性地意识，对于自己的技巧很好的控制，又需要将感性融合在演奏之中，使得乐曲包含的情感更加的丰富，这能够保证演奏的过程都充满美感。

二、美学原则的培养

(一)认识作品

要想更加深入的了解演奏中蕴含的美学原则，应该对作品有更深一步的了解，因此首先需要做的就是多读书，通过读一些音乐背后包含的故事的书，能够使人们对于音乐有更深的兴趣，体会到音乐所包含的哲学。这样，对于理解音乐蕴含的深意有着很大的帮助，同时，对于钢琴的演奏也起到良好的作用。弹奏钢琴曲目时，首先应该对乐曲的主要基调有一定的确定，然后在这个基调的基础之上，对作品整体包含的情感进行探究。在对于作品整体上有了一定的认识之后，对于作品的细节也需要进行深入的研究，分析作品每一个曲调所蕴含的不同的意义。通过这些分析，不仅能够使得演奏者本身所具有的音乐知识有着进一步的提升，而且对于音乐的审美方面也有着很好的锻炼，并且还可以提升演奏者学习新乐谱以及了解乐谱的速度。

(二)多听乐曲

在对于作品有着进一步认识的基础上，演奏者还应该多倾听一些乐曲。而且，在倾听的时候，不能单单只听取一些钢琴曲，应该各个方面的乐曲都去倾听。要知道，音乐之间都是相通的，可以通过一种乐曲而联想到另一种曲子，所以像是交响乐、歌剧以及小提琴曲等各种乐曲演奏家们都应该有所涉猎。在倾听的时候，可以先听一些通俗易懂的乐曲，或者一些有故事背景作为衬托的乐曲，因为故事情节的烘托以及人声的亲和力，能够使得演奏家们在最初的阶段很容易体会到乐曲中蕴含的情感。而理解了作品包含的情感，建立了对于音乐的感性认识，对于演奏者的完美表现有着关键性的意义。演奏者在倾听的时候，应该选择不同时期、不同题材和不同作曲家的音乐作品，对作品的流派风格进行把握。通过深入的了解作曲家的心境，来提升自己的演奏技巧，提升对于音乐的感受能力，在提高自己的乐感的同时，提升自己的创作水平，这样在演奏的时候就能够有更好的表现。

(三)提升审美观

演奏时提升自身的审美观是很重要的，这是前提性条件。因为只有具备一定的审美观，才能够知道什么才是美，才能够在演奏的时候有更多的美感。所以演奏家们可以观看一些大师们的影音录像，因为他们的演奏已经能够将优美的乐曲与成熟的技巧完美的融合到一起，使得钢琴的演奏不仅仅是倾听到的乐曲，更是视觉、听觉两方面的豪华盛宴。通过这样的熏陶，自然就可以提升自己的审美观，进而提升自己的演奏水平，从而在演奏的时候表现出更多的美感。

(四)加强文化修养

除了上面提到的，演奏家们想要提升演奏的美学，还应该多读书，来提高自己的素质，开拓自己的眼界，从而具备一定的文化修养知识以及具有广博的知识，这样才能够在演奏的时候对于作品有着更深层次的理解，理解到作曲家的创作意图，从而对其进行完美的诠释。高山流水遇知音，俞伯牙与钟子期的知音之交，基础就是两人都对音乐有着相同的了解，且能够理解彼此的心境，试想，乡村的老妪怎么会有这样的情操呢?所以，提升自己的文化素质水平，对于作品演奏的美感的形成是很重要的。具有深入的文化内涵的人，能够在演奏的过程中，融合各种文化以及艺术的现象来表现出作品的灵魂之美，使人深深的震撼，从而演奏能够表现出震撼人心的美感。

三、结语

钢琴的演奏者如果想要很好的演奏出乐曲，不仅仅需要技巧上的训练，更重要的是要使得演奏出的音乐有着一定的美感，才能够达到震撼人心的效果，这就需要演奏者能够将技巧、情感、理性以及乐感等因素综合起来，对于音乐有着客观的认识的前提下，加入自己的情感，从而保证演奏的艺术感。

钢琴艺术伊始，国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲，并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲，简直被奉为钢琴界的神明。今天读文网小编要与大家分享的是-艺术理论论文：中国钢琴艺术发展之思考。具体内容如下，欢迎参考阅读：

中国钢琴艺术发展之思考

我国的钢琴演奏家们在汲取了西方钢琴文化艺术的精华后，结合我国民族特色文化，将中国钢琴艺术逐渐的发展起来。在这个过程中，我们可以看到钢琴文化给我们整个民族带来的变化，特别是当中国的钢琴演奏技能达到世界水平的时候，中国民族文化也在世界文化领域占据了一个重要的地位。

一、中国钢琴艺术发展取得的成就及存在的困惑

首先，我们能够从整体上发现中国传统的民族气息和民间特色，这是中国传统美学标准在钢琴艺术中的体现;其次，西洋乐器本身所带有的不可磨灭的印记，使得中国的钢琴艺术必须在本土的审美要求中融入能与本身印记相适应的内容，这是钢琴自身艺术特点对其要求。在中国音乐发展的漫长岁月中，随着时代社会的发展以及民族文化的不断交融发展，我国的钢琴艺术形成了能为人们所接受的特点。从西方来说，它们吸收了很多具有中国特色的积极民族精神，有着独特的美学意境和风格。但不可否认的是，中国钢琴艺术的继续发展不能秉承一成不变的美学思路，我们必须思考：在多种不同类型的文化冲击下，钢琴艺术中的美学观念会有什么样的变化?我们应当如何面对?只有回答好这两个问题，中国的钢琴艺术发展才会快速地向前发展。

二、中国钢琴艺术的民族化特征

中国钢琴艺术民族化特征的显现主要表现在演奏风格、钢琴曲目和文化推广三个主要方面，与欧美钢琴艺术出现了较为显著的差别，并逐步向中国式钢琴艺术过渡和演变。

1、演奏风格特征

以殷承宗的《春江花月夜》为例，该曲本是古筝曲，改编成钢琴曲后，依然不失古筝如泣如诉的悠悠之意，体现出了民族化特征。这只是一个极具代表性的例子，中国钢琴曲目大多如此，在钢琴演奏中显现出更多、更明显的中国民族艺术特征，这是五千年造就的根深蒂固的民族元素。

2、钢琴曲目特征

在诸多以民族文化特征为主的钢琴曲中，尤其以中国古代曲目和民族曲目居多，而这些钢琴曲作的出现，充分展现了中国钢琴艺术的民族风，例如黎英海的《夕阳箫鼓》、陈培勋的《平湖秋月》、刘晓耕的《撒尼幻想曲》、廖胜京的《火把节之夜》等，不胜枚举。这些中国民族与古典的融入，足以展现中国钢琴艺术的民族化特征。

3、文化推广特征

钢琴艺术伊始，国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲，并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲，简直被奉为钢琴界的神明。大凡学习钢琴的学生都必须学习他们的曲目，并以能够熟练演奏这些曲目为骄傲。后来，随着国内钢琴艺术、钢琴曲创作、钢琴曲目的逐渐成熟，中国钢琴曲目也就融入钢琴学习中成为必备学习曲目。尤其是古典曲目改编出来的钢琴曲更是比较突出。随之，以中国古代曲目改编的钢琴曲成为钢琴文化推广的领头羊，并为该领域的文化推广开启了先河。

三、中国钢琴风格分析

1、与民族渊源的融合

多民族文化融合的特征，就是民族渊源的融合。钢琴艺术传到中国之后，中华民族那多姿多彩的少数民族风情，为拓宽钢琴艺术题材内容提供无穷无尽的创作之源，显现了钢琴艺术与中国民族渊源的融合。另外，由于我国各民族之间的历史渊源、文化传统、生活环境、宗教信仰的不同，也为钢琴家在创作中产生了无穷无尽的灵感。

2、与民族文化的融合

经过一个世纪的发展和融合，钢琴艺术已经与中国民族文化有机地融合在一起，并且逐步演变成中国音乐大家园中的重要一员。其中以《牧童短笛》为例，该钢琴曲目是融入中国元素最多并且成名最早的。这一作品是中国老一辈音乐家贺绿汀创作的，虽然作品在刚刚创作时并没有产生很大影响，就当时而言，用钢琴曲来创作中国民族音乐是一种新的尝试，而这种尝试恰恰推动了中国民族音乐走向世界。

3、与民族乐器的融合

我国的民族乐器众多，主要包括磬、缶、铃、萧、笙、琴、瑟、古筝、琵琶、二胡、笛子等近百余种乐器。而这些乐器在实际的演奏和使用中，正逐步与钢琴较为完美地融合起来，形成了钢琴为古筝演奏、为琵琶演奏、为笛子或箫演奏的合作曲目，而且随着钢琴功能的不断开发和挖掘，现代钢琴已经能惟妙惟肖地模仿出以古琴、古筝为首的中国乐器的声音，虽然仅仅是形似而神不似，但这已经足以显现中国民族乐器与钢琴的有机融合。

例如，现代音乐家谷娜创作的《彝寨风情》中的《月下》就是用钢琴代替传统乐器葫芦丝演奏出来的。虽然钢琴相对粗犷一些，但依然以委婉的音调呈现出了彝族青年月夜相互依偎的美好场面，让人们在钢琴曲的演奏中仿佛看到彝族青年月夜的歌恋情景，这一演绎是成功且玄妙的。

现代钢琴艺术语境受不同文化、社会风俗等因素的影响，尤其是不同文化背景下的语境差异巨大。语境是听众感受钢琴艺术的重要方面，所以，应该在某种程度上顺应时代潮流，促进钢琴艺术的融合，在不同文化背景的听众之间架起一座沟通的桥梁。在当今的中国钢琴领域中，优秀的钢琴人才必将会越来越多。而优秀的、具有中国特色的钢琴曲目也会与日俱增。在这样一个竞争激烈的领域里，需要更多的专家、学者和钢琴教育工作者去共同努力、探研，从而把中国钢琴音乐推上一个又一个巅峰。

环境艺术设计是指对于建筑室内外的空间环境，通过艺术设计的方式进行整合设计的一门实用艺术。环境艺术所涉及的学科很广泛，包括建筑学、城市规划学、人类工程学、环境心理学、设计美学、社会学、文学、史学、考古学、宗教学、环境生态学、环境行为学等学科。以下是读文网小编今天为大家精心准备的：浅析环境艺术设计生态理念与其审美特征相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

浅析环境艺术设计生态理念与其审美特征全文如下：

设计理念和艺术特征存在着某种辩证关系。设计理念对于环境设计起着指导性的作用，好的环境设计能够使人们改善环境观念和设计观念，提高人们的审美水平。设计理念和设计形态离不开人类的可持续发展，因为每个国家和地区的科技水平和经济情况各不相同环境设计理念和艺术设计水平也各不相同随着人类对环境保护的意识得到提高环境艺术设计业得到了人们的越来越多的关注。

1 环境艺术设计

环境艺术设计是环境、艺术和设计三个不同概念的集合，它们是相对独立又相互联系的整体。

首先，环境是指人们能够认识到的所有空间，以及该空间内所包含的所有物质与非物质因素。从环境形成的客观规律来看，一是大自然创造的自然生境。二是人类创造的人工环境。

其次，环境艺术是指以自然环境为立足点，以各种艺术和技术为手段而设计出来的能够满足人的需求，并协调自然、社会和人之间的关系，为人提供生存生活时空环境的一门艺术，或者说，在认识和创作的基础上，运用更广泛的材料，并与高科技相结合而产生出多种艺术表现形式。

第三，环境艺术设计是指在特定的区域内，将建筑、雕塑、绿化、公共设施等诸多要素进行综合、艺术的布局，以塑造建筑物外部空间艺术环境为主要内容的艺术设计，是建立在现代环境科学基础之上的一门艺术设计学科。

2 艺术设计生态理念及其在环境艺术设计中的实际应用方式

运用生态理念能够在传统设计基础上创新使用各种自然环境保护措施，并构建满足各种生活需求的景观格局，促进能源物质获得循环利用与再生，降低废弃物的产生与排放，从整体上强化景观格局生态服务水平及质量。生态理念在环境艺术设计中的实际应用方式主要包括以下几种：

(1)作用延伸及拓展方式。保留原有场地或场地中具有的部分元素是生态理念在环境艺术设计中的一种有效应用方式。例如，美国西雅图煤气厂公园设计者首先保留了工厂各种废弃机械设备，包括蒸汽机、压缩塔及煤气裂化塔等，在突出工厂历史基础上创新，将蒸汽机与压缩塔涂刷成红、黄、蓝、紫等颜色，此外，这些废弃设备还可以攀爬游乐，契合了煤气厂公园的设计需求，充分挖掘了固有元素延伸作用。

(2)能源物质循环利用方式。能源物质循环利用思想应该始终贯穿在环境艺术设计整个过程中，设计者应该充分挖掘各种原材料的再次利用与开发职能，尽最大努力创造材料与资源循环利用的平台。

(3)强化场地原貌维持方式。发展可持续的处理技术已成为当代环境艺术设计中生态理念应用的又一典型。例如，四川成都利用自然的力量实现了生态系统的恢复和再生，大大节约资源，并且减少废弃物的产生。他们将府南河人工湿地系统的污水，注入部分厌氧池、植物塘、植物床、养鱼塘、氧化沟等净化系统，使之由浊变清，最终重返府南河。

(4)有效利用能源方式。现在设计师们一方面通过科学技术一定程度上减少了可再生能源的消耗;另一方面又大量地使用自然界的可再生能源，如太阳能、风能等，以适应现代生态环境。提高住宅的隔热性能，保证自然通风，利用太阳能蓄热等，这些自然能源的有效利用也是设计中的有效手法。此外，以太阳能的热与光为主，通过相应设备来利用自然能源的方法也在住宅的应用上得以实现。

3 环境艺术设计生态理念审美特征

环境设计关系到人们的居住环境的设计在人们生活和工作中的环境也需要设计。人们的生活活动是各种各样的所以对环境的需求也是各不相同的。因此，环境设计具有以下几个方面的特点。

(1)环境设计的多学科性。环境艺术设计包含了很多学科专业需要建筑学、城市规划和设计等学科的相互结合共同设计完成。所以，环境艺术充满了广泛性和丰富性。

(2)环境设计的多层次性。环境设计首先要满足人们最基本的需求。让人们在生活中达到使用安全、方便、经济的目的。不同的设计对象其设计要求和方法也各不相同。

(3)环境设计的关联性和空间的统一性。在环境设计中必须要稳扎稳打考虑到设计的整体综合性。

(4)环境艺术设计的实用性。环境艺术设计不仅展现出设计的美而且必须具有实用性。就像房子内的装修设计最基本的就是要满足人们在生活中的使用和需求。

(5)环境设计的审美特征对环境设计教育的影响。由于环境设计的学科专业比较多，所以要求设计人员必须具备很高的专业性和综合性。

4 影响传统设计理念与审美特征的主要因素

(1)生产力与经济基础的制约。

环境设计观念受到生产力与经济基础的制约。古代，生产力低下，农业、手工业生产占据主导地位。农民希望天遂人愿、但愿风调雨顺以至五谷丰登。达到“天上人间”的理想境界，“天人合一”是最高的追求。人们的环境观念则是将自我融于大自然中，享受大自然的恩赐。“苔痕上阶绿，草色入帘青”(刘禹锡)，反映在环境设计上则是建筑选址注重“背山面水”，营造小气候。

19世纪随着蒸汽机的发明，人类社会进入工业文明。大生产所追求的高效率与高利润，打破了封建社会时期人们恬静悠闲的生活。当人类还自我陶醉在工业文明“人定胜天”信念中的时候。工业污染所带来的全球温室效应，洪水、旱灾等异常自然灾害的发生，使人们认识到环境问题的重要性;在工业领先的发达资本主义国家，环境治理已经从简单的单一治理转向可持续发展。在生产技术落后的时代，人类对自然持消极的态度，高科技的今天，人类步入创造自然的时代。设计应该从创造第二自然的观念出发去美化生活。

(2)地理环境因素的影响。

古中国地处温带地域，温和的气候形成了以长江、黄河流域为中心的农业文明，环境理念也紧紧贴合这一“温和”特征，表现出以农业文明为主导，期望与大自然和睦相处的“天人合一”思想，在此基础上形成的“齐家、治国、平天下”的儒家思想，主张“达则兼济天下，穷则独善其身”――士人得志，指点江山、激扬文字;仕途失意，归隐田居、遁迹山林。这些思想都导致了中国人所特有的审美特征――融于自然，“崇尚自然，师法自然”的理念也成为中国园林遵循的亘古不变的法则。

(3)社会制度与社会文化的影响。

影响环境设计理念和艺术特征的因素是综合的，除了前二者外社会制度、宗教、哲学思想、民俗等文化因素对于人们的环境观、自然观和审美艺术特征都有着重要的影响，有时甚至还起着决定性的作用。道教“道法自然”，认为自然界本身最美，“天地有大美而不言”(老庄)，大自然之所以美，不在于它的形成，而在于它最充分、最完全地体现了“无为而无不为”的“道”，大自然本身没有意识去追求什么，却在无形中造就了一切。

文化价值是一种关系，它包含两个方面的规定性：一方面存在着能够满足一种文化需要的客体。另一方面存在着某种具有文化需要的主体，当一定的主体发现了能够满足自己文化需要的对象，并通过某种方式占有这种对象时，就出现了文化价值关系。以下是读文网小编今天为大家精心准备的：甘肃天祝拉伊的艺术特征及文化价值探讨相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

甘肃天祝拉伊的艺术特征及文化价值探讨全文如下：

摘 要：拉伊，属藏族“鲁体”民歌的一种，天祝拉伊是天祝藏人在其独特的文化环境下创造出来的，并在历史发展过程中积累、传递、演绎而成的一种文化传承。在社会日趋进步的今天少数民族文化越来越受到普通的关注与青睐，拉伊作为一种非物质文化遗产，对研究民族音乐，传承少数民族文化有着重大意义。本文本着让传统文化形态在新的文化秩序领域保存活力的目的，就天祝拉伊展开研究，着重对其艺术特征进行剖析，记录介绍天祝拉伊的文化内涵及学科价值，希望能对藏族音乐的传承与发展略尽微薄之力。

关键词：民族音乐;天祝拉伊;文化价值

1 天祝的民族、地区、乐种简介

天祝，民间俗称“华锐”，自称“华锐嘎绕”，也就是“白色英雄之都”，意思为“英雄的部落”，根据地域、语言、习俗等方面来说华锐属于安多藏区，从人口、区域、文化诸方面来说，天祝为华锐部落的主体，是以藏族为主体民族的民族区域自治地方之一。华锐藏族是吐蕃与本地古羌融合而成，尚有鲜卑族、汉族等血缘关系。藏语天堂寺(藏译，宝塔滩)与祝贡寺(藏汉同名)的首字组成藏语词“天祝”。甘肃省天祝藏族自治县是我国民族区域自治第一县，为古丝绸之路通道，河北走廊之门户。它像一颗神奇的宝珠，镶嵌在青藏高原东北部祁连山东端，是青藏高原、黄土高原和蒙古高原交汇的地带。总面积7100多平方公里，人口近23万，自治县内居住着藏、汉、回、土、蒙古、东乡等22个民族，其中藏族占全县总人口的26%。

2 天祝拉伊的历史溯源

拉伊的起源，最早可追溯至公元7世纪的吐蕃王朝，三大藏区的划分促成拉伊在“下部多康”之安多藏区产生并逐步发展。最初的拉伊脱胎于藏族山歌，是一种原生态的民间艺术形式，没有宫廷音乐的高雅、华丽，其唱词以表达男女爱情为主，充满渴望自由爱恋，向往幸福生活的愿望，这就决定它在演唱场合上的选择性、隐蔽性。演唱拉伊必须远离帐篷、村落，忌讳在长辈面前唱或长晚辈之间对唱。许多牧人会在放牧时，在辽阔的草原上或山野间与自己的恋人共同创编对唱节奏自由、旋律悠扬的拉伊。因此，也可以说拉伊产生于劳动。

3 天祝拉伊的风格特征

3.1 天祝拉伊的概貌

“拉伊”是一种情茶歌，在不同藏区有着不同称谓，在卫藏地区称“嘎鲁”，在康藏地区称“克加”，只有在安多藏区才被称为“拉伊”，而天祝正好属于安多藏区的一个支系。拉伊的演唱时间没有特定限制，一般是在牧人们放牧时或举行拉伊会时演唱。拉伊的演唱一般不需要乐器伴奏，由演唱者根据个人喜好自由选择曲调，即兴填词，属于依声填词类的无伴奏清唱，多由青年男女对唱，也有少数的独唱，并且只唱不跳，没有演唱时间限制。但是，一定要避开亲属长辈。演唱时男女双方中先唱的一方端起一壶酒先小饮一口，然后开始唱，唱完将酒壶递给后唱的一方，后唱的一方也是先饮一口，然后以回答问题的方式回以相应的对唱，接着就是下一对男女的对唱。在天祝，拉伊的发展几乎与当地藏人的成长历程同步，它承载着当地藏民族的创造力与灵感，是对当地藏文化的一种诠释。

3.2 拉伊的整体结构形式及曲调形式

“拉伊”是以乐段为基础结构的形式，一般由两个或三个乐句组成，由此基础上，运用各种方法将其扩展，使乐曲变得开阔，抒发豪迈的藏民族情怀。其结构发展自由，多为非方整性结构，一般都是单句体的一段反复连缀而成的乐段或套曲。

3.3 拉伊的唱词特点

天祝拉伊作为民间流传的艺术形式，其唱词语言有着自己的特点。拉伊演唱时使用的语言本应该是纯粹的藏语，但天祝本身就是新中国成立以来第一个少数民族自治县，当地除了藏族居民以外还有着许多其他的少数民族，是一个多民族聚居地区，鉴于此种情况，当地少数民族都会两种不同的民族语言，在经济、生活中，语言成为一种重要的交际工具。而拉伊在这种交际交流的过程中逐渐被汉族和其他少数民族所接受，并成为其文化中不可缺少的一部分。由于当地藏人受汉语影响很深，基本都熟练掌握了汉语，在演唱拉伊的过程中会无意嵌入汉语，或者是为了更好的押韵，就会形成一种情况――藏汉语言混唱的，藏汉合璧的“风搅雪”拉伊。

3.4 拉伊的音乐表现手法

天祝拉伊曲调风格多样，有的高亢激昂、有的抒情优美、有的欢快轻松、有的悲伤缓慢，其曲调明朗，具有浓郁的民族风。由于曲调风格的多样性，决定了其音乐表现手法的多样性、即兴性与自由性。拉伊的旋律节拍有时有明显规则，有时快慢相间，其速度、力度都是由歌者词的情绪，根据自己的气息控制力度和自己的情感以及当时的场景来即兴发挥的。以一种自由化的形态曲控制改变曲子的旋律、速度、节奏、力度，以适应场景。因此，同一个调子让不同的人唱，就会出现千差百异的风格。由于个人情绪情感的控制，一首拉伊的起伏会很大，拍子会有很多种，有时是复拍子，有时又会变成混合拍子。例如，从2/4拍开始的曲子，中间会出现3/4拍或者4/4拍。拉伊的音乐表现常常是以写实为重，在写实中加入一些浪漫主义色彩，运用叙述、说理、抒情、比喻、对比、烘托、拟人，夸张等表现手法去增强渲染力、加深其思想与艺术内涵。

4 天祝拉伊的文化价值及现实处境

拉伊记录总结了天祝藏人各个历史时期的社会经验和现实生活，它是诗歌的海洋，是千百年传承下来的包含着藏族丰富人文背景的优秀口头文学。音乐和唱词的完美结合使其显现出独特的文学艺术价值。天祝拉伊的音乐表现和精神内涵的统一，是天祝藏人的精神产物，是一种智慧的美的享受。天祝拉伊以歌传情，以歌娱人、以歌娱神，是歌唱的艺术、诗歌的艺术、情感的艺术，是真善美的和谐统一。

天祝拉伊是天祝藏人共同审美情趣的表现，蕴藏着广泛而深刻的社会内容。作为引发人们音乐直觉步入深化阶段的基础，天祝拉伊所体现的不仅仅是男女恋情，而是整个藏族民俗民风的一个缩影，对研究藏文化有着重要的学术价值。天祝拉伊包含着天祝藏人优秀的民间音乐文化，是藏族文化的一个重要组成部分。是藏族音乐艺术的精髓可凝聚民族精神和民族意识，也可以维护社会治安，约束人们的不良社会行为。

笔者在调查过程中发现30岁以下会唱拉伊的人很少，甚至许多年轻人对其有种不屑一顾的态度，而60岁以上的人谈起拉伊却是滔滔不绝，意犹未尽，说明拉伊作为一种古老的艺术，已渐渐呈消逝状态。在这个经济全球化、生产社会化的社会中，年轻一代的人们由于价值观的偏差，已渐渐远离、疏忽本民族的一些原汁原味的精华，以至于造成现今拉伊传承与发展的尴尬局面。拉伊作为非物质文化遗产的一份子，亟待人们去挖掘、传承、保护。它是一种民族凝聚力的体现，而这种体现更多需要的是一种文化认同，有了这种认同，我们才能更好地去传承它、保护它，在保护其艺术形式的同时传承中华道德文明、增强民族自信与民族凝聚力。

影视动画，顾名思义就是动画电影。随着计算机在影视领域的延伸和制作软件的增加，三维数字影像技术扩展了影视拍摄的局限性，在视觉效果上弥补了拍摄的不足，在一定程度上电脑制作的费用远比实拍所产生的费用要低的多，同时为剧组因预算费用、外景地天气、季节变化而节省时间。制作影视特效动画的计算机设备硬件均为3D数字工作站。制作人员专业有计算机、影视、美术、电影、音乐等。影视三维动画从简单的影视特效到复杂的影视三维场景都能表现的淋漓尽致。以下是读文网小编今天为大家精心准备的：论科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

论科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景全文如下：

摘 要：电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观，而动画正是营造出奇观的最佳手段。幻想是科幻题材动画的基础，科学是科幻题材动画的支柱，这两点是科学幻想题材动画的基本元素，缺一不可。通过对比国内外的科幻题材动画的内容与种类，探讨这一题材动画的作用和意义。分析目前中国的科幻题材动画现状，提出一些存在的问题，并且阐述了如何在创作过程中解决这些问题的方法。最后，为科幻题材动画的发展空间、发展前景做了进一步的设想，展望了其未来发展的可能性。

关键词：科幻题材动画;科学;幻想;科普;科幻剧作

0 绪论

电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观，而动画正是营造出奇观的最佳手段。科幻这一题材最大的亮点就是其体现的正是超乎现实的存在。所以说，动画是科幻题材的最有利的表达载体，同时科幻题材又使动画这一创作手段所特有的魅力能够得到充分展现。因为动画的超现实表达手段和科幻题材的超现实内容，决定了科幻题材和动画存在一种天然的联系。在目前的动画市场中，科幻题材动画有广大的受众，特别是在日本和欧美等国家。但是在目前的中国动画市场上却少有这个题材的佳作。本文将通过对比和分析国内外科幻题材动画现状，归纳和总结科幻题材动画的艺术特征，探讨其未来发展方向。

1 什么是科幻题材动画：科幻题材动画的定义

谈到什么是科幻题材动画，首先要从什么是科幻谈起。科幻是科学和幻想的结合，它并不等同于科普，也不等同于奇幻。被称为当今世界上最杰出的科普科幻作家的阿瑟?克拉克提到过一种被广大科幻迷认同的论点：当技术发展到具有神性时，科幻也就变成了现代奇幻。在现代艺术作品中，科幻和奇幻这两个文学界泾渭分明的国度正在融合。幻想是科幻动画的基础，科学是科幻动画的支柱。这两点是科学幻想题材动画的基本元素，缺一不可。

2 科幻题材动画的内容和种类

在世界电影发展历史上，科幻电影几乎和普通娱乐电影发展同步。第一部具有科幻色彩的影片是1895年上映的《机器屠夫》。这部仅长一分钟的电影讲述的是，活生生的猪从机器的一端进去，随后在机器的另外一端就出来了火腿、香肠、排骨等食品。该影片预示了未来的自动化工厂，讽刺大规模、标准化的机器生产。科幻电影的创立者，法国电影制片商梅里斯在1897年拍摄了世界第一部关于X光的电影。在影片中，梅里斯扮演一位医生，他给病人照X光，X光仪器一打开，病人的骨骼便立刻显现，接着，居然从肉体中走了出来，而肉体则失去了支撑倒在地板上。随后，手术台被掀翻，X光管爆炸将教授炸得粉碎。影片采用了两种特技：一是双重暴露，即骨骼与肉体分离显现。二是定格摄影，将教授分离出来，炸成碎片。科幻题材影片在诞生最初就和电影特效紧密联系。其中那种超现实的表达方式和动画特有的表达方式有着异曲同工之妙。

(1)科幻题材动画的内容构成。

科学和幻想是科幻题材动画的内容组成的基本元素。这也决定了科学幻想题材动画中的科学性和幻想性是同等重要的。其中，科学性主要体现为假定的科学世界观的构架。往往在影视作品中更突出的是画面的因素，所以不可能像文学作品那样用大段理论的说明和添加过的注释。这就要求这个假定的科学设定既要有新意的同时又要符合逻辑便于理解。幻想性也是科幻题材动画的一个重要组成。如果没有幻想的成分，动画也就减弱了其原有的魅力。在《星际宝贝》中，其幻想性的元素是外星人，其现实性元素是真实的家庭生活中的种种情感。如果去掉这一幻想性元素，把里面的星际宝贝这个角色用一只小狗来替代，也许同样能讲通顺这个故事。但是这样的故事远不如之前的设定令人激动，失去了动画特有的魅力。所以说，科幻题材动画内容的决定性因素即是科学和幻想，这两者分别是科幻题材动画的内在逻辑和外在表现。

(2)科幻题材动画的分类。

科学幻想题材种类的划分，可以从剧本的角度来说。一类是关于站在当前的立场，对于未来的思索，这其中包括基因科学、时光穿梭、宇宙探索、星际接触等类别。作品中体现的是对未来的预测或者遐想。例如，大友克洋的《阿基拉》，其故事年代发生在未来的2019年，第三次世界大战后的日本。该片表达了一种对于未来的危机感;另一类是对过去历史的一种假定性思索，在科幻领域中被称为“蒸汽朋克”。

在这类科幻作品展现是过去(大多是18世纪末和19世纪上半叶)的某个历史时期，或者是过去的人想象中的现在或者未来。“蒸汽朋克”影视作品中最明显的一个特点就是往往其中的主要科技代表元素是机械而不是电气，其代表动画作品，如大友克洋的《蒸汽男孩》。还有一类就是以某种科学理念为依据，构建一个虚拟的时空，这个时空间既不是过去也不是现在或者未来，而更是一种结合了科技的超越现实的童话。例如，宫崎骏的《天空之城》，其年代是虚构的，天空之城的诞生年代既不是未来也不是过去，是一个我们不了解的时代。该片以科幻元素作为载体，来讲叙一个充满环保主义色彩的故事。

3 科幻题材动画的作用和意义

(1)面对成年人方向。动画往往被定义为给小孩子看的。然而事实上，中国看日本动漫成长起来的一拨人，年龄已经将近而立，这部分人已经有了一定的理解能力和生活阅历，仅仅是目前的少儿动画无法满足他们的需求，他们需要的是更有深度的故事。科幻类作品的成功，在很大程度上取决于其幻想的奇丽与震撼的程度，这也是观众们主要寻找的东西。对于科学之美，任何一个受过教育或者是尊重文化的人都会被其震撼和吸引，而科幻作品，正是通向科学之美的一座桥梁，而我们所需要做的就是把这种美以艺术的形式从冰冷方程式中释放出来，展现在大众面前。

(2)面对青少年儿童方向。虽说动画片的观众不应该仅仅是儿童，但是目前中国动画的现状是依然无法满足3.6亿儿童的需求。从少儿的角度出发，动画的作用也是多方面的。特别是科幻题材动画的一个重要作用就是能够帮助孩子建立科学的价值观。著名科幻作家郑文光先生在五十年代就说过：“一个科学的大脑，一种科学的精神，一种科学的态度，是首要的。通过科普文章去宣传，不如通过艺术作品去感染，去渗透，去熏陶来的好。”动画比文学作品更容易被儿童所接受。教育不应该是限制孩子们的思维，强硬的灌输，而是应该让孩子懂得自己去理性选择。科幻题材动画的教育意义也正在此。

4 分析中国动画中的“科幻”动画

(1)中国“科幻动画”的历史。说到中国科幻动画的历史，这里的“科幻”动画是带引号的。因为事实上有很多被归为这一类别的动画片都不能被称之为科幻题材动画，其讲述的内容要更接近科普。《黑猫警长》也在一些文献中被冠以“科幻题材动画”的头衔。但是我认为，这不能算是科幻题材动画，本片虽然有科学的成分，但是并没有关于科学的幻想在里面，里面所介绍的知识是客观世界中存在的，这部动画更应该说是一部科普题材动画。

(2)中国“科幻动画”的现状。近些年来中国的科幻题材动画处于低谷，鲜少有这一题材的佳作。勉强能算得上是科幻动画的，大概就是《蓝猫淘气三千问》了。在这里要特别说明的是，我认为这部动画作品不能算是科幻题材。虽然片中有用到过一些如外星人、宇宙飞船、基因改造等科幻元素，但是事实上它是在用科幻的元素来生硬的套在故事上，其中的科学性和幻想性都不够，硬要归类的话，个人认为它更应该算是一部科普题材动画。

5 从创作的角度来分析科幻题材动画

如果想要令科幻题材动画在中国的市场上形成一个良性的发展，首先要做的就是提高从业人员的个人综合素质，把自身对于生活和对于科学的理解溶入作品中，具体的改良方法就要从创作部分来谈起。

(1)剧本选择。

在动画制作的前期阶段，最重要的就是剧本的选择。剧本的选择方面，有两个非常值得注意的地方：

1)科幻动画剧本应具有来自现实情感的感染力。优秀的动画作品有强烈的感染力。这种感染力的来源是贴近自身情感和符合自身逻辑的剧情。是科幻题材，注重的是科学的幻想，然而所谓的幻想并不是完全天马行空。影片的概念设定可以是超越现实的，而影片中的细节和情感则要是真实的，贴近生活的。只有这样才能让观看者会觉得感同身受，真正被影片所打动。

2)科幻动画剧本应尽量避免科学上的硬伤。科幻题材的剧本创作中，还有一个非常令人头疼的问题，就是科幻作品的科学性。科幻题材作品之所以和其他幻想题材作品区分开，其中所蕴含的科学性是一个重要因素。前面也说到过，让科幻题材剧本的创造者在短时间内掌握大量的社会科学和自然科学知识是不现实的，这就造成了在剧本的编写阶段经常容易犯一些技术性错误。

事实上，有很多知名动画导演都具备丰富的学科背景。例如，日本有“动漫之父”之称的手冢治虫有医学博士的学位，再有日本动画导演大友克洋是学习建筑，日本导演宫崎骏是学习政治经济学。从他们三人的作品中，可以看出他们把自己的社会科学和自然科学知识溶入动画作品中，而这一点正是目前中国动画创作人员所欠缺的。在前期阶段，影片的编剧、美术设计，应当和相关科学领域的专业人员密切合作，推敲剧本和美术设计，尽量把硬伤出现的概率减低。

(2)美术风格设计。

美术风格的设计也是科幻题材动画的一个亮点。大友克洋曾经说过：“一部动画片中最重要的当然是美术设计。因为影片80%以上都是靠画面来传达意思的。美术是动画片基础中的基础。”超现实的影片中的美术设定也是需要从生活中吸收而不是凭空捏造。押井守在制作《攻壳机动队》时到香港采风;大友克洋在制作《蒸汽男孩》时到英国实地考察，参观当地的博物馆、纺织场、建筑等。科幻题材影片美术风格的设计，不是临摹现实，而是经过对现实吸收，然后重组设计，达到符合客观逻辑又超越现实的效果。

6 对中国科幻题材动画的发展前景的展望和设想

在当前中国市场背景下，动画所针对的群体主要是少儿。作为一个当代中国的动画行业工作者，对于传承中国历史上的五千年文明是有义务的。然而仅仅是对20世纪90年代以后出生的青少年讲述课本上的历史，是无法让他们真正体验所谓的中国文化的。科幻题材动画正是体现这种历史的灵魂、民族的精神，甚至是人类文明的一个极好的载体。通过科学幻想和人文情感打造出来的故事，可以吸引青少年的视线，同时又传播具有中国传统文化精髓的价值观。结合紧密结合自身历史和情感，充分发挥想象力，严谨对待科学知识，即是作为一名动画创作者所应该坚持的创作方向。

7 结论

从近的方面来说，科幻题材动画能够进一步激活我国的动画市场，填补这一题材的空白，满足观众的需求。从远的方面说，科学本身的魅力是能给心灵带来震撼的。正是只有动画所特有的万能的表现力，可以让我们通过影像传达出这种信念，开拓人们的想象力，激发人们的探索精神。把这种心灵的震撼带给观众，这也正是动画独有的魅力的最终体现。

罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物，在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色全文如下：

摘要：德国作曲家舒曼――第一位真正在钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家,其钢琴音乐的艺术特点在于作品主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要艺术特点。

关键词：舒曼;钢琴音乐;隐喻性;文学性;独特性;幻想性

中图分类号:J651 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)29-0200-02

在西方钢琴艺术的发展历程中,浪漫主义时期是一个十分重要的黄金时期。一方面,由于钢琴制作工艺的成熟,使得钢琴的价格下降,同时钢琴的表现性能有了很大提高,从此,钢琴成为人们音乐生活中的一件十分重要的乐器;另一方面,由于浪漫主义时期的作曲家普遍地钟爱钢琴这件乐器,因此创造出了大量的钢琴音乐作品,其中众多的优秀作品构成了一幅五彩斑斓的瑰丽图景。浪漫主义时期的钢琴音乐大大地丰富了人们的音乐生活,从此,钢琴登上了“乐器之王”的宝座。

音乐上的浪漫主义时期大约开始于19世纪20年代并延续至20世纪初。通常人们普遍认为,奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家门德尔松是浪漫主义音乐的第一批开拓者,他们优秀的钢琴音乐作品也共同反映出了浪漫主义音乐的最主要特点――强调个人的抒情性,偏重于幻想及夸张的艺术手法。但是,由于他们与古典主义音乐不同程度的联系,使得他们的作品中还具有着比较明显的古典主义音乐气质,比如,在他们的一些作品中都明显地体现出了古典主义的形式法则,在音乐气质上,舒伯特接近于贝多芬,而门德尔松则更加靠近莫扎特。这些都说明了,在浪漫主义音乐的创作初期,古典主义的音乐因素作为一种强大的传统力量仍然在发挥着其效应。而第一位真正在其钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家就是本文将要作深入探讨的德国作曲家舒曼。

罗伯特・舒曼(Robert Schumann)于1810年生于德国,1856年去世,一生只活了短暂的46岁。但他却是第一位真正的浪漫主义作曲家。

浪漫主义思潮是19世纪初在欧洲形成的一种新的艺术潮流,代表了一种新的艺术风格。浪漫主义艺术思潮的美学追求在于打破古典主义艺术的既有形式,用艺术家个性化的语言不拘一格地表达思想感情。这其中情感的自我表达是核心,浪漫主义时期的作曲家们当时普遍的创作理念就是要做到“我曲表我心” [1],这样的话,乐曲中丰富而明显的情感性特征就成为了浪漫主义钢琴音乐的第一个明显特征。浪漫主义钢琴音乐的第二个显著特征就是音乐普遍与文学和绘画等艺术的结合。西方音乐发展到浪漫主义时期,其音乐语言已高度的发达,这使得它具备了表现文学性内容及绘画性内容的可能性。这一时期的作曲家深入地挖掘音乐的表现能力,作出了许多大胆的尝试,将音乐与文学及绘画等艺术进行了结合,这就显示出了这一时期音乐作品的独特性,此一方面的突出标志就是标题音乐作品的大量出现。

当时,德奥属于浪漫主义思潮影响的中心地带,舒曼就是在这样的文学氛围中成长起来的。由于舒曼的父亲是一个文学爱好者,在经营书店的同时也作书籍的出版工作,舒曼从小就在父亲的书店中博览群书,因而他酷爱文学。他最喜欢阅读的文学体裁是诗歌及小说,这对他日后的音乐创作活动产生了深刻的影响。少年时期对他影响最大的文学家有歌德、拜伦、让・保尔和E・T・A・霍夫曼。深厚的文学修养极大地提高了舒曼的想象力及艺术品位,他日后创造出的成功之作在很大程度上都依赖于他作品中的文学性内涵。除此之外,舒曼与克拉拉曲折的爱情也对他的创作产生了很大影响。

在西方音乐的发展历史当中,舒曼是第一个具有明确的音乐美学思想的作曲家。笔者认为,出现这样的情况有两个原因:第一,是之前作曲家社会地位的低下(通常被看作是奴仆)使其无资格去从事这些当时主要由哲学家来从事的学术研究;第二,之前作曲家相对低下的文学水平和迫于生计而必须完成的繁重的创作任务使其在主客观上都无能力去进行音乐美学问题的探讨。而在舒曼所处的浪漫主义音乐时期,以上情况都出现了改变,具有了独立社会地位及学术素质的舒曼就成了作曲家中第一位形成了较为全面的音乐美学思想的音乐评论家。

笔者在此将舒曼的音乐美学思想概括如下：

首先,他认为音乐要有高尚的思想及充沛的情感。其次,舒曼在音乐艺术中追求真、善、美的统一。再次,舒曼积极地倡导音乐的民族主义和音乐的世界性意义,这其实也就是音乐的民族性与世界性的问题。以上三点就是舒曼主要的音乐美学思想,这些思想都明确地体现在他的钢琴音乐创作中,表现出了他的钢琴音乐作品的四大特色。

第一,音乐主题的隐喻性。由于舒曼独特的个性――沉思、幻想与热情、冲动的结合,以及受到文学作品的影响,这使得他爱在自己的作品中隐藏一些个人的小秘密,这些小秘密多半都是他自己的生活经历。他的许多作品中都蕴藏着需要经过缜密的研究才能够得知的引证和隐喻,这些隐喻常常由隐喻字母所对应的音符构成,了解这些是理解他作品的第一步。比如舒曼的《阿贝格变奏曲》(ABEGG Variations)op.1,其中的ABEGG是舒曼在一次舞会上遇到的一位女士的姓,这首变奏曲的主题即采用ABEGG这五个字母作为音名。又如《狂欢节》的调性基础是bA-C-B,来自舒曼早年的一位女友居住的阿什小镇“ASCH”(德文“H”在音乐中为“B”)[2]。由以上两例可以看出,这类以猜字谜式的音乐游戏构成了舒曼的第一个钢琴音乐特色,这也是理解他钢琴音乐作品的关键。

第二,舒曼钢琴音乐的第二个鲜明特点在于其音乐内容的文学性。舒曼大部分的钢琴音乐作品都体现了这一特点。笔者认为,形成这一特点的主要原因在于舒曼自小形成的深厚文学修养,这使得他的音乐创作不断地受到来自于文学灵感的刺激与影响。另外,浪漫主义时期的美学潮流――音乐的文学化,也在一定程度上影响了舒曼的音乐创作,使得他的钢琴音乐作品具有明显的标题性。比如他的钢琴套曲《蝴蝶》(Papillons)op.2,是根据舒曼最喜欢和敬仰的德国作家让・保尔的小说《少不更事的岁月》而创作的;钢琴套曲《克莱斯勒利偶记》(Kreisleriana)op.16,是舒曼受德国浪漫主义文学家霍夫曼小说中一位怪诞而极有天赋的音乐家克莱斯勒的形象的启发而创作的。可以说舒曼是第一个将音乐与文学的结合达到水乳交融状态的浪漫主义钢琴音乐作曲家。

第三,音乐形式的独特性。舒曼的作曲学习在很大程度上是靠自学来完成的。由于较少地受到来自传统的专业作曲家技法训练的束缚,舒曼在创作形式上表现出了很大的灵活性,他的作品形式几乎完全是由表现内容来决定的。也正因此,他的钢琴音乐作品在形式上有着很大的独创性[3]。比如他的《交响练习曲》(Etudes-Symphoniques)op.13,在形式上就兼有练习曲与变奏曲的双重性质;再如他的《C大调幻想曲》(Fanlasie)op.17,在创作技法上运用了奏鸣曲的形式加上回旋曲和变奏曲的创作手法,构成了他极富独创性的自由曲式。这部作品既有令人神往的即兴幻想性,又有着严整而和协调的结构。此外,舒曼还喜欢用小型作品组成松散的套曲形式,并冠以各种富有诗意和文学性的标题,这是舒曼的一个显著的创作特点。这类作品有很多,例如:《蝴蝶》、《狂欢节》、《童年情景》、《幻想曲集》等。

第四,舒曼钢琴音乐第四个特点在于其音乐风格的幻想性。舒曼的钢琴音乐作品就像是他自身心灵历程的日记一般准确地记录了他的精神历程。由于他自身的性格特点以及文学作品的强烈影响,舒曼富于幻想,这种幻想性也自然地带到了他的音乐创作中去,他在自己的作品中幻想着理想的实现。如在《大卫同盟组曲》中幻想着“大卫同盟”对于音乐界的非利士人――庸夫俗子的斗争并胜利;他还幻想着自己的爱情如《#f小调第一钢琴奏鸣曲》表达了他对克拉拉火热的爱情;还幻想过童年,如钢琴套曲《童年情景》中对童年的情感体验,等等。凡此种种都说明了幻想性是其音乐风格的又一特点。

综上所述,舒曼钢琴音乐作品的艺术特点在于其主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要特点。舒曼的钢琴音乐作品充满了理想与诗意、爱情与痛苦、热情激昂的情感与梦幻沉思的风格。他一生的大部分作品都是为钢琴而作的,这些充满创造性的钢琴作品以高超的技巧与丰富的想象,为钢琴音乐文献增添了宝贵的财富。他的性格充满了矛盾,就像他受让・保尔小说的启发而构想出的佛洛列斯坦(个性张扬)和埃塞比乌斯(沉思幻想的性格)这两个人物一样,舒曼兼有这两个人物的性格特点,这也反映在他的钢琴音乐作品中。他的钢琴作品丰饶而富于诗意,情感内省同时又具有宏伟的气象,同时又充满了亲密温馨的情感。舒曼的钢琴音乐是一种飞扬的音乐,富于浪漫主义的理想,舒曼认同他的崇拜者让・保尔的一句话:“生命可以在我们身后枯萎凋谢,我们神圣的过去可以灰飞烟灭,但有一样东西是不朽的,那就是音乐。”音乐是一门神秘的艺术,是在诗的语言终止之后响起的艺术。从这个意义上说,舒曼就是文学家让・保尔在音乐中的化身。

参考文献:

[1] 蔡良玉.西方音乐文化[M].北京:人民音乐出版社,1999:198-199.

[2] 周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2003:120-121.

[3] 钱仁康.音乐的内容和形式.钱仁康音乐文选上册[C].上海:上海音乐出版社,1997:213.

在整体上而言，浪漫主义运动由欧洲在18世纪晚期至19世纪初期出现的许多艺术家、诗人、作家、音乐家、以及政治家、哲学家等各种人物自发组成，但至于浪漫主义的详细特征和对于浪漫主义的定义，一直到20世纪都仍是思想史和文学史界争论的题材。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：肖邦钢琴音乐作品中的浪漫主义美学特征相关探讨论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

肖邦钢琴音乐作品中的浪漫主义美学特征全文如下：

摘要:肖邦是19世纪浪漫主义时期具有重要地位的作曲家之一,是西方音乐史上唯一一位以钢琴创作为主的浪漫主义作曲家,也是浪漫主义音乐语汇的创造者之一。在他的音乐作品当中,旗帜鲜明地体现了浪漫主义时期几点重要的美学观念――反叛一切理性的束缚,注重自我情感的抒发、对本民族音乐的重视和其作品中潜在的标题性等。这些美学观念都构成了肖邦音乐的独特艺术魅力。

关键词:肖邦钢琴音乐浪漫主义美学特征

整个19世纪的欧洲政治风云变幻莫测,欧洲人民不仅在日常生活上受到政治、经济的影响,在思想文化领域也受到了更大影响,进步人士纷纷提出了:“自由、平等、博爱”的思想观念。自无产阶级登上历史舞台后,涌现出各种各样的新思想、新观念,呈现出多种思想风格特征。在文学艺术领域,也出现了反对传统和古典、要求解放创新的呼声。19世纪20年代,西方音乐进入到了“浪漫主义时期”。受文学、建筑、美术等诸多方面因素的影响,这一时期的音乐艺术也逐渐形成了其独特的美学观念。1830年欧洲资产阶级革命,促使了欧洲各国人民意志奋发和民族意识的觉醒,并形成了进步的浪漫主义思潮,出现了以维也纳的舒伯特、法国的柏辽兹、德国的韦伯、舒曼和门德尔松、波兰的肖邦等为代表的一大批进步的浪漫主义作曲家。

肖邦(Fryderyk Chopin,1810~1849)波兰作曲家、钢琴家和音乐教育家。波兰自18世纪后半叶就一直处于民族危机中,肖邦的音乐创作思想正是伴随着波兰民族解放斗争而形成的。他一生的创作主要可分为两个时期,第一时期是波兰时期,与西欧浪漫主义音乐不同的是,波兰的浪漫主义具有更为强烈的爱国主义色彩和民族意识,在肖邦后半生的音乐创作我们可以看到他的音乐作品中处处受着波兰民族音乐观念的影响。第二时期是巴黎时期,肖邦后半生生活在法国巴黎,巴黎是19世纪西欧的重要政治、经济、文化中心,浪漫主义文学、美术等艺术在这里得到了极为辉煌的发展和繁荣,同时也对肖邦的音乐创作产生了深远影响。

纵观肖邦一生的创作,他在吸收古典音乐精华的同时又勇于突破传统、敢于创新,他赋予了练习曲、叙事曲、夜曲、波罗乃兹舞曲及玛祖卡等一系列音乐体裁以新的思想内涵和艺术形式,还深入挖掘和提高了这些音乐体裁的艺术表现力。他的钢琴音乐充斥着极为细腻的情感,充满着诗情画意,形成了肖邦独特的音乐风格特征。在他的音乐创作中深刻地显现出了浪漫主义时期的美学特征,具有鲜明的代表性,这也使他成为浪漫主义音乐语言的缔造者之一。

一、以抒发自我情感为中心

18世纪的法国大革命“独立价值”、“尊重人的本性”的理念,深深的影响的浪漫主义时期的作曲家,他们普遍相信自己、相信自己的个人经验,追求思想与心灵的自由和解放,力图摆脱传统“理性”的束缚,强调人和人的本性,用各种音乐体裁与形式来抒发内心的真实感受,因此,抒情性、自传性和个人内心心理刻画就成为浪漫主义时期重要的美学特征之一。

作为浪漫主义钢琴传统精华代表者的“钢琴诗人”肖邦,在他所创作的大量钢琴音乐作品中,也不难发现浪漫主义时期这种“人性”的美学观念。他所创作的作品从不拘泥于传统的音乐模式,所表达的都是他内心的真实感受,是他对自己的祖国、人民、生活、爱情和对大自然真诚的描绘。和同一时代的舒曼、门德尔松等音乐大师一样,肖邦是一位真正的抒情大师。

在这里仅以他的两部钢琴协奏曲为例,《e小调第一钢琴协奏曲》,这是肖邦表达自我情感的典范之作,它体现了肖邦个人情感和对爱情的体验。第一乐章主部与副部的对比产生了强烈的戏剧性,它采用双主题的形式,第一个主题采用的是小调,充满了浪漫的气质,第二个主题是大调,明朗、平静。主部主题由慢的微妙的内心情感变化,衬托出副部主题悠扬如歌的旋律。尽管色彩不同,但同样都是抒发自己内心情感的。第二乐章是一个慢板,用变奏的手法写成,音乐非常的优美,抒发着肖邦内心细腻的情感体验。

肖邦曾对这个乐章有过这样的描绘:“他不是雄壮的,而是富于浪漫气质的,这是明月之夜的梦幻”。我们从中能体会到肖邦对大自然的真诚赞美。末乐章有两个主题,第一主题是克拉科维亚克舞蹈节奏,让人联想起民间舞蹈的场面。第二主题则充满了对美好生活和对爱情的向往。再看他的《f小调第二钢琴协奏曲》更加富有天真质朴的情感,第一乐章中,主部主题以优美的旋律表达出了凝神沉思,崇高优雅的意境。第二乐章的第一主题也是柔情似水,令人感到这是发自内心的真诚流露。在末乐章里,肖邦明确的标有“纯朴,极其优雅”的说明,以其明晰的钢琴织体表达出了轻松愉快的心情。

肖邦的其他每一部作品都是他内心的真诚表白,对个人内心情感表达的重视,构成了浪漫主义时期美学特征的重要一方面。

二、对民族音乐的重视

19世纪欧洲各国政治、经济发展不平衡,尤其是东欧一些弱小的国家,在政治、经济和文化上长期遭受外来民族的压制,资产阶级大革命促使了民族意识的觉醒,各国先后掀起了民族解放运动。受此影响,浪漫主义时期各国的音乐家普遍对本国的民族、民间音乐和相关的民族历史题材的文学作品产生了浓厚的兴趣,他们将自己的创作普遍根植于民族、民间音乐的文化土壤,在自己的创作中反映民族的精神,同时也表达了作曲家强烈的爱国主义情怀。

肖邦是西方音乐史上著名的爱国主义作曲家。谈起他的作品,首先离不开波兰这个伟大的民族,他对本民族和人民有着深厚的感情。肖邦所生活的波兰时期,正是波兰民族解放运动高涨的时期,再加上他从小生活在民间音乐的环境当中,这深深地影响了肖邦今后的音乐创作,他的音乐作品当中普遍带有波兰民族音乐的特征。肖邦的创作内容多和波兰民族和国家的命运密切相关。他的优美的音乐使得波兰民族音乐成为普遍接受的世界性音乐语言。

肖邦音乐的民族性体现的最为鲜明的是他的波罗乃兹舞曲和玛祖卡舞曲。波罗乃兹舞曲是肖邦的民族意识体现的最为强烈的体裁,他将民族音调和爱国情感融入其中,把这种体裁从形式到内容都提高到了前所未有的高度。他的《降A大调波罗乃兹舞曲》是一部歌颂人民的光荣和伟大的宏伟之作。《升f小调波罗乃兹舞曲》体现出了一种强大的内在张力,第二乐章的宁静、朦胧的沉思反衬出激情迸发的巨大力量,使该作品体现出深刻的戏剧性,反映了肖邦对祖国被受奴役时内心的矛盾。玛祖卡舞曲是肖邦创作中最具波兰民间乡土气息的题材。它源于波兰的乡村舞曲,肖邦将这种题材艺术化,使其具有丰富多样的情感变化。他的《C大调玛祖卡》鲜明的描绘了民间生活的各种画面,充满的民间的乡土气息。《B大调玛祖卡》以其强烈的重音、旋律的大跳,生动的表现出民间舞蹈中人们兴高采烈的气氛。

三、对标题音乐的倾心

19世纪浪漫主义时期的作曲家不同程度的倾心于标题音乐,他们常将音乐与文学、戏剧、绘画和大自然等相结合,将某一特定事物或内心情感用音乐描绘出来,甚至为了表达明确意图而为音乐添加文字性说明。这反映了浪漫主义作曲家对富有诗意的、描绘性的器乐音乐的兴趣,并强调音乐与其他姊妹艺术的联系。

肖邦的钢琴音乐作品从表面看似乎全部是无标题音乐,但我们仔细研究就会发现,有许多体裁形式的作品中是有其潜在的标题性的。正如斯塔索夫在谈论肖邦的音乐作品时所说:“他的前奏曲、夜曲、练习曲、玛祖卡舞曲、波罗乃兹舞曲、即兴曲,不论从形式上来看好像多么小和多么有局限性,他们的内容都非常的伟大和深刻,并且除了很少的例外,他们都像他的壮丽的叙事曲是一样属于‘标题音乐’,甚至‘标题音乐’的最顽固的敌人都不能怀疑肖邦的第二奏鸣曲(降b小调)的‘标题性’”。肖邦的性格温和、内敛,是不愿将内心的情感直接表露的,他在进行音乐创作时虽然有明确的创作意图,但从来不在乐曲上加任何的标题性文字。在他的《g小调夜曲》的手稿上写道:“《哈姆雷特》剧观后作”。但最终还是将这句话划掉在旁边写道:“不,还是让他们自己猜吧!”在肖邦的许多作品,如叙事曲、波罗乃兹舞曲,甚至练习曲中都有其明确的创作意图。他这种充满朦胧诗意的风格正是他音乐的独特魅力。

以肖邦的《第二叙事曲》(F大调)为例,这首叙事曲是肖邦作品中标题性最为鲜明的一首,它是根据密茨凯维支的长诗《斯维切济湖的姑娘》中获得灵感的,这首叙事曲的标题性与诗歌的情节相联系。诗歌的内容大致是这样:“在斯维切济湖畔有一个青年猎人,他遇到一位不相识的少女;月明之夜他不只一次与她在湖岸的森林幽会,他想少女海誓山盟表达爱情;但青年不忠于他的誓言,又爱上一位从湖中又上来的仙女,当它处在滔滔的湖水中时,他才认出这位仙女原来就是森林中的少女;美丽的斯维切济姑娘狠狠的惩罚了这位负心郎,毫不动心的把这个青年拖到湖底”。叙事曲的第一段是田园式的音乐,旋律淳朴、优美,描写的是斯维切济湖畔的美景和一对青年男女在湖岸的森林幽会的情景。第二段音乐充满了不安的情绪,与第一段形成了鲜明对比,仿佛描绘的是狂风吹过卷起湖水的景象和少女内心的变化。第三段音乐中我们又听到了第一段的主题,但它却带着一种哀诉的情绪,他表现的是仙女的形象。突然音乐急转直下,最后一段音乐像狂风暴雨般袭来,表现出了少女的绝望与愤怒。结尾句充满了悲哀的情绪,表现出了少女将青年拖入湖底而死去的情景。这首充满了戏剧性的叙事曲将自然美景与人物内心的情感完美的统一起来,是肖邦标题音乐的典范之作。另外,在他的即兴曲、奏鸣曲、波罗乃兹舞曲等题材的作品中性标题的音乐也很多。

综上所述,肖邦以其独特的音乐语言为浪漫主义音乐风格的形成作出了巨大贡献,上述三个方面的美学观,加上肖邦在处理音乐旋律、和声及钢琴织体等方面的特殊手法,使其钢琴音乐具有独特的“肖邦式风格”。他的钢琴音乐成为浪漫主义时期钢琴音乐的一座高峰,对后世的浪漫主义作曲家产生了深远影响。

参考文献:

[1]A・索洛甫磋夫.肖邦的创作[M] .北京:人民音乐出版社.1981.

[2]于润洋.西方音乐通史[M].上海:上海音乐出版社.2003.

[3]蔡良玉.西方音乐文化[M].北京:人民音乐出版社.1999.

[4]钱人康.肖邦的叙事曲[M].北京:人民音乐出版社.1986.

通常人们认为钢琴有近300年历史，即1709年由意大利制琴大师B·克里斯托福里所创制的现代钢琴的前身。在以后的200多年，又不断改进完善，方成为今天我们看到的现代钢琴。然而，钢琴的整个演变过程可以追溯到600多年前，即现代钢琴出现之前，钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。现代钢琴的前身只是1709年古钢琴质的发展与飞跃。若没有古钢琴所发展的“量”的积累，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：浅述巴托克钢琴音乐作品的特征相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

浅述巴托克钢琴音乐作品的特征全文如下：

摘 要：本文从巴托克创作的影响因素出发力图挖掘出巴托克钢琴音乐所体现的不同风格特征，并通过对钢琴作品的深入剖析。并在此基础上，通过对巴托克音乐的节奏特点以及他独特的触键方式来初步的论述巴托克钢琴作品的音乐风格。提出演奏其钢琴作品需要注意的问题。

关键词：巴托克、钢琴、节奏、敲击性触键

作者简介：罗旭，女，汉，(1978―)，辽宁省抚顺市人，研究生，现为宝鸡文理学院音乐系讲师。

一、 需要注意的几点建议

贝拉•巴托克Bela Bartok(1881-1945)是二十世纪上半叶，西方最有影响力的匈牙利钢琴家之一，他最大的成就就是从民间音乐中发现真正的创作源泉，并把自己的创作植根于其中，然后将民间音乐曲调与西方古典、现代作曲技法熔为一体，创造出许多具有影响的优秀钢琴作品。其钢琴作品形式多样，极富个性，能够完全展现巴托克独特的创作思想和风格。

巴托克的钢琴音乐作品总体上从音乐的表现角度看，不是温柔抒情性质的，他作品的独特之处是强烈的节奏感和他震撼人的触键力度。所以笔者通过对他节奏和触键的分析，以便能更好地抓住巴托克钢琴音乐特点，掌握作品风格。

(一)节奏特点

1、变化节拍

巴托克作品大量运用了变化拍子，巴托克喜欢运用不同节拍相互出现来表达他不规则、不匀称的乐思，在演奏时不断转化节拍，给演奏带来一定的困难。如在《钢琴奏鸣曲中》的第三乐章中出现了不同节拍相互转化。见谱例1：

在《钢琴小曲十四首》的十二首中以及其它中作品中也出现了不同节拍的相互出现。我们在演奏不同节拍交互出现的作品时，要注意不同的节拍有不同的韵律，找好重音落脚点，在此基础上把握好分句，演奏出该作品的风格。

2、复节拍

在巴托克的作品中，使用了大量的复节拍。《六首保加利亚舞曲》中就是充分运用这种节奏而写的具有舞曲性质的钢琴作品，六首作品中的节拍分别是4+2+3/8、2+2+3/8、5/8、3+2+3/8、2+2+2+3/8、3+3+2/8,整套乐曲节奏变换频繁。例如，No148,乐曲的拍子是9/8，我们不能简单地数成9/8拍，而必须以4/8+2/8+3/8的感觉来数节拍，4+2+3/8,这就是一种组合型节奏型，也就是复节拍，这就造成每小节三次重拍的出现，，因而重音位置在1、5、7拍子上。在演奏中很难控制这种节奏的韵律，弹出匈牙利民间音乐风格就更难了。见谱例2：

3、重音位置不断变化

在《罗马尼亚舞曲》的第六首中，右手强弱拍处于不断的变化之中，左手开头先是弱、强、弱;第二小节弱、强;第三小节是强、弱、弱，左手的重音也在不断转移，这就造成左右强弱不对称，给演奏带来很大困难。

4、伸缩性节拍

巴托克说：“我在研究旅行中收集到的旋律，其中大部分――也是最有价值的部分，流入古老教会音乐的调中…这些旋律兼具‘弹性速度’(rubatuo)与准确速度(tempo giusto),展现出最富变化而自由的节奏与韵律模式。”[1]在钢琴作品十四首中，第七、八、十一、十二就运用了许多这样的速度变化处理。左手第二小节在演奏时既要要有5/8的感觉，又要把5连音弹得自然，随意，但又在控制之中，这给演奏带来了很大困难。

巴托克的节奏是20世纪众多热衷于新型节奏改革的试验者之一。他的节奏得益于他对匈牙利、罗马尼亚、保加利亚等东欧地区民歌进行的研究，并从中发现了迥异于传统音乐对称准则的节奏，并将这些民间节奏大量运用于他的创作中，这些异域风格的素材给其音乐带来了各式各样鲜活的节奏。巴托克在使欧洲的节奏获得新生方面发挥了主要作用，他给欧洲的节奏注入了朴实的生命力，活跃的力量和紧张性。

二、敲击性触键

巴托克是使用“敲击性”因素最广泛、最具有代表性的作曲家。这些敲击性因素最能表现出巴托克所要表达的思想。在巴托克的钢琴作品中，钢琴不仅是抒情的乐器，巴托克把钢琴当作纯粹的打击乐器来看待。

从演奏的机械运动角度上讲，钢琴可作为一种击弦乐器。敲击性触键方式因其触键时间短，通过连动装置的琴槌敲击琴弦时间也短，从而引至钢琴音色明亮、清脆，形成所谓“敲击性”音色。

敲击性触键是巴托克作品中的一个因素，敲击性触键在巴托克的乐曲中揭示得尤为充分。敲击性的触键要求演奏者有钢铁般的手指和手腕，并且弹奏的尽量粗暴、直率，发出金属般铿锵有力的尖锐音色。要注意四个方面：触键指尖的软硬程度;手指各关节的牢固程度;手腕以何种方式发挥富有弹性的支撑调节作用;以及全臂重量及力量的运用。这四个方面不是分开的，而是相互统一的。敲击性触键一般采用快速触键，通过触键面积的变化改变音色。其中全臂触键属于最用力、最强的一种触键方法，这种方法需要调动全臂乃至全身的肌肉，把力量传送到指尖。

敲击性触键在巴托克的《野蛮的快板》、《钢琴奏鸣曲》以及在巴托克的几部钢琴协奏曲里都有所体现。这样的触键方式直接导致钢琴音色的改变，从而表现出一种全新的演奏风格、大大扩宽钢琴作品的表演观念。钢琴作品中因模仿打击乐器所探索、开拓出明亮、清脆音色，以及因敲击性触键方式引发的激烈、尖锐、粗野，节奏带有强烈动感的快速效果。

需要注意的是，钢琴的敲击性演奏，并不是指单一的，无音色变化的表演，而是指有层次、有音量、音响变化的演奏，它是20世纪特有的一种音响因素，钢琴音色在总的合奏中的作用也相应地可大可小。

三、结语

巴托克的钢琴音乐作品之所以能成为世界音乐宝库的精品，首先是巴托克坚定不移的创作思想，即便是在复杂的年代，在各种音乐流派纷杂的时期，他遵循着自己的创作目标，一生从未改变。

其次是巴托克在他的钢琴曲中所体现鲜明的创作特征。对巴托克来说，民族性的原则是最重要的，正如巴托克所说：“对待民间音乐创作的态度，永远是检验任何一位作曲家的试金石。”[2]正是由于他，立足于匈牙利的民间音乐，结合现代欧洲技法，十分巧妙而又自然地融合在一起，在此基础之上，进行创新和发展，富于传统钢琴以新的意义。

同时巴托克不是“为艺术而艺术”的音乐家，而是一位力求使自己的艺术充满强烈思想感情。对时代矛盾尖锐性的理解、对祖国和整个欧洲命运深深忧虑的痛苦，对法西斯强烈的憎恨，这一切决定了他的思想感情和整个创作出发点。

参考文献：

[1]许勇三：《论巴托克的音乐创作》，音乐理论论文丛第七辑，人民音乐出版社，1986年版。

[2]涂致明：《巴托克与罗马尼亚舞曲》，三明学院学报，2009年3月。

随着中国人收入水平的不断提高，钢琴作为重要的文化娱乐消费品越来越受到重视。现今世界钢琴生产主要集中在亚洲和欧洲，欧洲地区为全球高端钢琴生产地，而中国钢琴产量排名世界第一，但超过九成是中低端钢琴2010年世界钢琴总产量约为45万架，其中亚洲钢琴总产量约42.7万架，占世界产量的94.89%，中国钢琴产量约占世界钢琴产量的73.33%。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：舒曼钢琴音乐作品中的文学特征探讨相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

舒曼钢琴音乐作品中的文学特征探讨全文如下：

摘要：19世纪的作曲家罗伯特・舒曼在钢琴艺术领域的成就极为突出。他的作品要么热情奔放，要么沉思幻想，展现着作者内心深处的想象。这些都源于舒曼深厚的文学功底，在音乐作品创作的过程中舒曼把文学与音乐相融合，借助于文学创作的手法和表达方式更完美地表达作者本人的创作动机。舒曼钢琴音乐作品的文学特征突出表现在：以文学作品为钢琴音乐作品的创作素材;创作过程中融入文学创作手法;以音乐来表达文不可言语的思想和意境等三个方面

关键词：探析 罗伯特・舒曼 音乐作品 文学特征

生活于19世纪上半叶的德国著名音乐家罗伯特・舒曼是德国音乐文化史上著名的作曲家、音乐评论家，也是文学家和思想家。舒曼的一生是短暂的，只活了46岁，但却给后世留下了丰厚的遗产。舒曼创作的音乐作品众多，涉及歌剧、钢琴曲、艺术歌曲、交响曲、管弦组曲等多个领域。其中成就最大的领域就是钢琴曲领域。在音乐世界里，钢琴被誉为乐器之王。因为钢琴的音域非常宽广，音乐力度变化多样，拥有极其强大的表现力，不管是音色丰富的和声，还是线条纷繁的复调或是气势宏伟的交响，钢琴都能予以淋漓尽致的表现，展现出如诗如画的意境。也因为如此，大多数作曲家都创作过各种形式和体裁的钢琴曲，这些音乐作品中也都蕴含了丰富的文学因素，舒曼的钢琴曲也是如此。舒曼是欧洲早期浪漫派钢琴作曲的杰出人物之一，有钢琴小品大师的美誉。

在舒曼的音乐创作生涯中，1830年至1840年期间是专门创作他那些最杰出的钢琴独奏曲的，特别是由表达内心情感的小品组成的钢琴套曲，是其一生创作的精华。舒曼创作的音乐作品风格独特，个性鲜明，不仅富有生命的激情，也充满着浪漫的诗意，揭示了舒曼对艺术和生活的深刻认知和敏锐感受，体现了舒曼对艺术和生活的热切追求。纵观舒曼的艺术人生，对德国音乐乃至世界音乐贡献巨大。在19世纪，舒曼是德国浪漫主义艺术大潮中的代表人物，他把音乐与当时兴盛的浪漫主义文学、艺术批评相结合，改造了当时音乐界盛行的浮夸庸俗的风气，树立了新的美学观，在世界音乐文化史上写下了隆重的一笔。

一 影响舒曼将音乐创作与文学相结合的因素

文学被称为固的音乐，音乐被称为流动的文学，这表明音乐和文学之间有着千丝万缕的联系。在人类的音乐史中，无论是中国的音乐作品，还是西方的音乐作品，都蕴含和活跃着文学因素。今天，我们纵览舒曼的音乐作品，可以清晰地感受到其浓烈的文学气息，体验到文学与音乐的深度融合。这得益于父母对其成长的影响和文学大家及其作品对其音乐创作的启发。

1 父母对舒曼的影响

舒曼出生于一个文化气息浓厚的书商家庭，从小就阅览群书，在父母那里受到了文学和音乐的启蒙，并喜欢上了文学和音乐。舒曼的父亲曾有一个文学梦，虽因家境贫穷未能实现，但也一直没有放弃。舒曼的父亲先在书店工作，后又与他人共同开办出版社。他们的出版社出版了许多德国古典文学和世界古典文学的小册子，在当时非常畅销。同时，舒曼的父亲也参与写作，先后出版了几本小说和故事集，还翻译出版了作家拜伦的《培柏》和《哈洛德》的两部作品。舒曼从小就从父亲那里领会到了书籍的魅力，接触到拜伦、歌德等文学大家的作品，培养了对文学的热情。舒曼的母亲是舒曼踏上音乐之路的先行启蒙者，舒曼的母亲喜欢唱小曲给孩子们，舒曼在聆听的过程中就把母亲唱的曲子完整地记下来，慢慢喜欢上了音乐。这让母亲看到了小舒曼的不同之处，并让舒曼先师从茨维考管风琴演奏家约翰・戈特弗里德・昆奇学习了七年钢琴，后又师从莱比锡的著名音乐教师维克，真正走上了音乐之路。从此，音乐和文学就成为了舒曼生命中不可缺少的两个部分。

2 文学家对舒曼的影响

19世纪初期，自由主义在欧洲盛行，这对文学和艺术领域也造成了巨大的冲击。在文学领域，作家们开始力求寻找新的写作方法，并借助哲理和美学，思考人们对个体存在的意义。文学家这些新的思想和理论，以文学作品为媒介，进入到舒曼的头脑中，引发舒曼在音乐的创作中不断思考，寻求变革。因此，谈论舒曼钢琴音乐作品的文学特点，就很有必要了解他所接触的文学家，以及这些文学家带给舒曼在创作上的灵感与启发。在舒曼的音乐创作道路上对其产生影响的文学家有多位，其中影响最大的主要有三位：拜伦、霍夫曼和让・保罗。英国浪漫主义诗人拜伦是舒曼年少时就崇拜的偶像。拜伦的作品往往刻画出一个因社会不公而具有强烈反抗意识、冷峻又孤傲，但又时而忧郁、时而激情的英雄形象。拜伦作品刻画的英雄形象让舒曼产生了强烈的认同，并把这种认同融入到了自己的音乐创作之中，例如，根据拜伦的戏剧诗《曼弗雷德》创作了交响曲《曼弗雷德序曲》，展现了一个怀疑和鄙视一切，在高傲孤寂的痛苦中走向灭亡的悲怆历程。

除此之外，19世纪德国浪漫主义文学的突出代表人物让・保罗和霍夫曼也对舒曼影响巨大。让・保罗的作品中所描述的隐蔽性的冲动和人性的分裂，在舒曼的作品中经常出现。霍夫曼是一个文学怪才，也偏爱音乐，他认为音乐代表着和谐和永恒，是所有艺术中最为浪漫的。在舒曼面对走文学道路还是走音乐道路的选择时，霍夫曼的这种观点直接左右了舒曼的选择，使其从容地走上了音乐道路。当然，走上音乐道路的舒曼也并没有与文学决裂，而是在音乐创作中深深地融入了文学的因素。著名的匈牙利作曲家李斯特曾这样评价舒曼：“他(舒曼)用两种语言(文学的语言和音响的语言)说话的能力都同样纯熟，虽然可能不同样有说服力，也可能他是把伟大而美好的诗艺与伟大而美好的音乐结合起来所需要的条件集于一身的。”

二 舒曼钢琴音乐作品体现的文学特征

舒曼从青少年时代起就广泛阅读拜伦、歌德、席勒、让・保

罗等作家的作品，积累了非常深厚的文学功底。这些积累深深地影响着舒曼的钢琴音乐创作，使其钢琴音乐作品带有鲜明的文学特征。具体说来，舒曼钢琴音乐作品中的文学特征综合体现在以下几个方面：

1 以文学作品为钢琴音乐作品的创作素材

作曲家从文学作品中寻找灵感，在创作音乐作品的过程中将音乐美与诗意美相融合，舒曼不是第一人，但舒曼却是把文学与音乐结合得最完美的人物之一。舒曼经常借用文学作品中的人物形象和故事情节进行创作。例如，舒曼的钢琴套曲《蝴蝶》，其创作灵感主要来自让・保罗的小说《少不更事的岁月》最后一章中的假面舞会。全套钢琴曲由一个序和十二段小曲构成，每个小曲都各成风格。舒曼借音乐再现了舞会场景中，性格迥异的兄弟二人同时追求一个美丽姑娘的故事，刻画了兄弟两人鲜明的性格特征和复杂的心理活动。舒曼在家信中提到：“恳请家人尽快阅读让・保罗的《少不更事的岁月》最终章，因为《蝴蝶》实际上就是将这段假面舞会诉诸音符。”

舒曼在给朋友的信中也写到：“我恳请你去阅读《少不更事的岁月》的最后一章，在这一章中你会发现每一件事都清晰地呈现在白纸黑字上，甚至包含升f小调的七里格靴。”这都直接表明了舒曼创作《蝴蝶》的动机，就是试图以音乐的方式表现小说《少不更事的岁月》中的故事情节。再如，舒曼创作的《克莱斯勒偶记》中，我们可以阅读到文学家霍夫曼的小说中的主人公克莱斯勒的影子。在霍夫曼的小说中，克莱斯勒是一位性格粗暴、怪癖但又极具天赋的音乐家和幻想家。克莱斯勒传奇而又坎坷的经历和对音乐的独特理解激起了舒曼的共鸣。联系舒曼自身，生活中也历经打击和挫折，但对音乐的追求始终没有改变。也可以说，《克莱斯勒偶记》在一定程度上反映了舒曼本人的内心世界。此外，《夜曲》的创作灵感也来源于霍夫曼同名小说的启发。

2 音乐作品创作过程中融入文学创作手法

19世纪的欧洲是一个文学多元化发展的时代。音乐广泛地与哲学、文学和艺术融合，互相引进其思想，借鉴其方法。由于舒曼从小博览群书，打造了极其深厚的文学功底，因此在创作的过程中，经常有意识地使用了隐喻、象征等文学创作的手法，附加文字说明，并且广泛使用了文学标题。使用这样的创作手法创作的作品不是几首，舒曼的大多数音乐作品都用到了文学的创作手法。舒曼钢琴音乐作品在创作中最常用的文学创作手法是隐喻。这跟他的个性和所崇拜的文学家有关。

让・保罗是舒曼最为崇拜的浪漫主义文学家之一，他的作品广泛应用隐喻的手法，以暗含作者创作的动机。生活和音乐创作中的坎坷经历，造就了舒曼沉思、幻想与热情、冲动汇集一身的独特个性，结合文学家让・保罗文学作品的影响，舒曼特别喜欢和善于在自己创作的作品中隐藏一些关于自身生活经历的小秘密。他人只有经过缜密的研究才可能发现这些隐喻。一般舒曼作品中的隐喻都是由字母对应的音符组成。要准确地把握舒曼作品的深意，发现这些隐藏的秘密是前提条件。例如，舒曼的作品《阿贝格变奏曲》(ABEGG Variations)op.l，其中的阿贝格也即字母ABEGG为舒曼在一次舞会上遇到的一个出身于曼海姆富裕人家的姑娘的姓氏字母大写。舒曼的朋友喜欢上了这位姑娘，并最终喜结良缘。

舒曼为了表达这个故事，用富商女儿名字的大写字母设计成这首钢琴曲的主题，以此主题拼成带有双关涵义的变奏曲。再如，舒曼的另一首代表曲《狂欢节》，它的主题是Asch。但是Asch隐藏着一层涵义，特指舒曼早年爱恋的一位姑娘居住的小镇的名字。舒曼用德语Asch这四个字母代表德国音名体系中相对应的“降A、C、B”，并用这些字母隐晦地表达了现实生活中的情感故事，既保证了乐曲的旋律也表达了心中的情感，使二者完美统一。舒曼也常用文学中幻想的创作方式。由于性格的特点和文学作品(特别是霍夫曼的作品)，舒曼富于幻想。音乐创作过程中，舒曼也就自然地把这种幻想带入到了作品中，在音乐中幻想着理想的实现。如在《大卫同盟曲》中，幻想着“大卫同盟”同现实社会中音乐界中的庸俗者进行战斗并获取胜利，在《童年情景》中幻想着对童年的情感体验，在《小调第一钢琴奏鸣曲》中幻想着与自己的心上人克拉拉的纯真爱情等。

3 以音乐来表达文不可言语的思想和意境

舒曼持有一种观点，即音乐是反映作曲家文学想象的语言。这在舒曼给母亲的信中可以得到证明，舒曼写到：“我仍然相信音乐是灵魂的最佳语言。”在舒曼看来，音乐比文字更能触及人的内心。基于这种认识，舒曼在音乐创作过程中有意识地借助音乐的手段来表现文学中那些不可言语的精神内容和思想。舒曼为了表达自己的内心世界，特意创作了代表自身性格的两个侧面人物：总是忧心忡忡、沉思凝想的尤西比乌斯和冲动直率、热情奔放的弗洛列斯坦。这两个人物形象性格差异巨大，但都是舒曼内心中的斗士，他们都是舒曼“大卫同盟”(舒曼假想中的团体)中与庸俗分子进行斗争的勇士，在舒曼的《狂欢节》、《大卫同盟之舞》、《第一奏鸣曲》以及《克莱斯勒偶记》等作品中多次出现，成为舒曼音乐思想的诠释者。

参考文献：

[1] 李斯特：《李斯特论柏辽兹与舒曼》，人民音乐出版社，1962年版。

[2] 方之文：《舒曼》，人民音乐出版社，1998年版。

[3] 马晓鹃：《舒曼钢琴音乐风格特征探究》，《齐鲁艺苑》，2009年第1期。

[4] 魏瑛珞：《用音乐抒发浪漫主义情怀――浅谈舒曼的钢琴作品》，《音乐生活》，2010年第6期。

(吴喜，乐山师范学院音乐学院讲师)

艺术是一个开放的、流动的体系,艺术的含义是变化的,没有固定不变的艺术规则。一个事物,如果大多数人都能从中得到某种相同或不同的精神享受,并且愿意把它叫做艺术,那它就成了艺术。也就是说,艺术是大多数人的一种认定,是大多数人的一种精神契约,而且往往是不成文的、无形的默契。以下是读文网小编为大家精心准备的：论桂东采茶调的艺术特征相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

论桂东采茶调的艺术特征全文如下：

摘要：桂东采茶调是客家汉民族的民歌，是客家文化的重要组成部分，反映了客家人的对生活、劳动、情感的态度，以及内心世界的思想感情的一种具有鲜明地域特征的桂东客家话山歌。采茶调不仅与客家人紧紧相依，更体现了勤劳的客家人对美好生活的向往。在表现形式上，它灵活多样，是典型的现实主义珍品，它不仅紧扣了真善美的人间情愫，还痛诉了假恶丑的社会现象，这对于我们加强公民的道德素质教育有着重要的意义。

关键词：艺术

桂东县的自然环境造就了客家人独具特色的风土民情和客家语言文化，其先辈早在300年前的未清明初年间从广东嘉应州(今广东梅县)迁来桂东定居，以种茶制茶为主，客家人在长期的劳动中，用歌声来倾述自己的情感，把客家人的风土习俗，现实生活广为传唱，孕育了桂东艺术瑰宝采茶调。后又吸收了赣南地区山歌和桂东当地山歌的一些元素，并代代口耳相传，形成了具有鲜明地域特色的桂东客家山歌。

一、桂东采茶调的剧目内容

在众多的桂东客家山歌中，采茶调具有着独特的艺术表现形式。桂东客家采茶调曲调短小，节奏鲜明，风格多样。如《割禾歌》传播劳动生产的，用来反映勤劳的客家人辛勤劳作的生活现状，生机勃勃的生产生活;《送郎歌》是依依不舍的送别歌;《长工歌》唱出了劳动人民的苦难生活，揭露剥削阶级的丑恶与凶狠，同时也表达了对美好生活的向往和憧憬;《月光光》、《四季戴帽歌》是风趣十足的儿歌;《妇女十二月歌》表现妇女们为一年劳作的情况;《跨时春》颂扬了知识青年豪强万智、气血方刚、热情奔放的美好品质。

二、桂东采茶调的表演形式

(一)音乐表现形式。

桂东客家采茶调是一部完好的民俗乐典，是客家文学、音乐、舞蹈活动的综合艺术。采茶调具有着浓郁的生活劳动气息，旋律的起伏不大，运用了小三度跳进及级进的手法。采茶调中调式一般以?盏魇轿?主，其次是商调、羽调，兼有少数有双重调式。采茶调的伴奏都为民间乐器，主要是二胡、唢呐、锣鼓，笛子。其气氛热烈喜庆。深受群众的喜爱。桂东采茶调有着不同的曲风风格，主要分为茶腔、路腔、灯腔、杂调。其中“茶腔”是桂东采茶调中最主要的腔类，“灯腔”是桂东采茶调最具特色的曲调之一全部音乐包括马灯、龙灯、狮灯等灯彩音乐曲牌，“杂调”是桂东采茶调使用的民歌小调中的插曲曲牌。杂调没有统一的风格，它的音乐旋律如同客家人一样热情、奔放，使人百听不厌。“路腔”曲调较为轻松、活泼、欢快、幽默，常与“茶腔”曲牌在同一个剧中使用，一般在喜剧中表现。大段衬词的运用是路腔最为突出的特征，如“介子个”这个曲调的衬词、衬句用于主词，使用腔句来唱大量的衬词，用来表达唱词之意，这是路腔曲牌表现内容的另一种手法，如《冷水泡茶慢慢浓》歌中的衬词“啊呀得”用于对唱，通过和唱的方式，营造了热烈的气氛。

(二)语言表现形式。

桂东客家采茶调是用当地的客家方言演唱，独特的语言声调与山歌的声腔完美的融合起来，气氛轻松活泼，语言幽默风趣，是不容复制的地方特色。如《冷水泡茶慢慢浓》中口唱山歌给妹听，给妹听!(歌：guo，妹：muao)，山歌越唱越开怀，越开怀!(开：kuao)井水越挑越有来，越有来!(井：jian;水：xu;来：luao)砍柴要砍竹子柴，竹子柴!(砍：zu)。我撑伞子你遮荫，啊呀得，啊呀啊呀得!韭菜开花细茸茸，细茸茸!(细：sei茸：yong)

(三)舞蹈表现形式。

“矮子步”是桂东客家茶戏表演的基本步伐。它源于茶农上山坡，茶丛中摘茶，低矮的茶棚中炒茶，都是弯腰屈膝，经过艺术加工便成了“矮子步”。矮子步分高、中、低三种。基本步伐有交叉步、摇搓步、惊步、滑步、铲步等。“单袖筒”是桂东客家采茶戏表演的又一大特征。特就特在一个“单”字。旧时茶农劳作，腰间常系一块白布，有时用来擦汗，有时用来扇风，有时用来遮太阳，有时搭在肩上垫肩挑担。手舞足蹈时也用来表示自己的喜怒哀乐，善于观察生活的老艺人便把这块白布与袖子连接起来，就形成了“单袖筒”。“单袖筒”只用于男角。采茶戏另一个主要特征是“扇子花”，常言说“采茶没扇子，等于吃饭没筷子”。由此可见“扇子花”在桂东客家采茶戏表演的位置，事实也是如此。

三、桂东采茶调所具价值及其发展创新

桂东客家采茶调，不受外来文化的影响，保存着当时风貌，形成了自己独一无二的风格特点。桂东客家采茶调，受历史、区域、民俗的影响，具有很高的社会文化价值。

研究桂东采茶调的过程是集文学、音乐、舞蹈为一体的综合性艺术具有比较高的研究价值、欣赏价值和学习价值。桂东采茶调的发展，是一个与时俱进创新的过程，在现代音乐盛行的今天，根据时代的发展特点，结合时代的发展要求，对传统剧目进行变革，把传统的采茶调结合现行流行的音乐元素，对其进行解构重组，多层次的融合现代元素，客家采茶调面对现代工业文明和市场经济要求，音乐理论上的创新以及带来的变革要与“现代化”、“市场化”等时代特点相适应。而在继承方面，教育是桂东采茶调传承和发展的重要手段，对客家音乐的保存发展，不能再依靠世世代代口头传唱的传承方式，必须更新教学手段，以更新更完善的教育体系来保障桂东采茶调的音乐传承。

我国传统皮影艺术的审美特点我国传统皮影艺术最大的审美特点是地域特色及剧目的丰富性,审美精神的儒家道德伦理性及艺术表演的符号写意性。我国皮影艺术具有一千多年的发展历史,形成了独特而完整的艺术体系。其流行地域非常辽阔,从东北到西南,几乎全国各地都有皮影艺术。以下是读文网小编为大家精心准备的：论传统皮影艺术的审美特征与现代创新相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

论传统皮影艺术的审美特征与现代创新全文如下：

摘要：在我国的戏剧艺术之中，皮影戏作为一个经过千百年起起伏伏历程的艺术形式，传承至今。除了其有着极高的艺术欣赏价值之外，还有的就是使观众和演员都达到了精神相统一的状态，演员富有情感地控制皮影，观众有着相应的情绪反应，有着十分鲜明的互动。这种精神呼应不单单是培养了观众的热情，亦是皮影艺术发展的根源。

关键词：传统皮影艺术 审美特征 现代创新

皮影戏，这样一种独特的、饱含情感的艺术类型，能够将观众和演员的情绪调动到最高点，演员们和观众的呼应互动，让皮影艺术得到了最大程度的发展，那么对于其满足现代需求的方面，也应该别出心裁做好创新。

一、欣赏皮影戏之美

(一)皮影戏之美，通过的是控制皮影表演来实现。皮影表演亦是完整表达其内在的视觉艺术的过程。如果艺术是人主观情绪的一种表现，那么视觉艺术的展示是根据客观的要求而来的。在皮影表演之中，包含了演员了解脚本和皮影的操纵性能的技巧。还有的是皮影的造型、皮影设计、布景等等客观体现。这种艺术的美感展现，需要演员有着很深的知识累积和文化素养，以及对生活的体悟。皮影的表演艺术不是依样画葫芦的模拟就可以结束的，也是一个长期的生活经验、价值观的沉淀。

说起皮影戏的美时，立马很快就会有一种印象，那就是美观和大方的造型、流畅的轮廓、精致的雕刻。有些像剪纸，又有种年画的韵味，总的来说，按照当今的说法，它是一个平面设计成品。通常是选择牛皮或驴皮做完雕刻和镂空步骤，融合阴阳设计，透明或不透明，有种穿透感、装饰感，极具民俗特征。为了真正达到一种形神兼备的效果，只有演员本身是不够的，还需要制造皮影的工匠足够的审美情趣。唯有表演艺术与皮影制作达到了渗透和融合，才能在皮影戏表演中有种特殊的美感。

(二)浓缩空间和扩大的时间

在框架式的传统戏剧舞台上，表现的内容大大被限制，这是很有挑战性的问题。随着现代艺术风格的不断变化，其他类型的戏剧有了广泛的自由空间。皮影戏却不一样，它有小舞台特有的优势，就是麻雀虽小五脏俱全，小舞台也是精致的、浓缩的世界。也跨越了舞台的限制，丰富的创作使得皮影可以在陆地上、海洋和空中发生各种各样的故事。在小小皮影戏舞台中，最大程度的发挥如与鸟在空中飞行，和鱼类一起游水，各种栩栩如生的景象。皮影戏浓缩了空间，却又在其中无限扩展。

(三)透光材料展现舞台气氛

皮影戏营造其气氛的阶段中，是需要在某些前提下产生的。首先，皮影是一种高度假设性的表演形式，人工皮影角色的运动是一种机械化的动作，是一种夸张，皮影戏的颜色被夸大了。除了这些，皮影艺术中相当重要和独特的一个方面是皮影角色的雕塑，由于皮影戏是透光的艺术雕刻，在屏幕上，镂空雕刻着透光的线条，有着相当强烈的效果，其具有一种特殊的美和装饰感，，雕刻皮影亦是无与伦比的艺术，单单使用颜色的画线做不到这种美感。皮影的材料是牛皮或驴皮，是在它的本色与水性涂料颜色综合后所呈现的，效果十分惊人。当然，皮影戏背景也不同于其他的艺术，主要的风景全部是透光的，观众在白布之上进行欣赏。如有的场景中，具有植物活力的透光松树，一汪安静的湖水里的磐石……组合出一个美丽安静的环境。不仅使得观众有身临其境的强烈感觉，营造的气氛中预示着可能会有一个特定的东西打破静谧，所以观众有情感联系在表演中。使用该种特殊的材料和工艺，带来的超乎寻常的情调和秘密感，这是皮影戏艺术与生俱来的魅力。

(四)观众的注意力辅助艺术烘托

获得足够的观众注意是相当难的一件事，尽管观众来到这里是因为皮影戏，但是观众厅亦是一个世界，在这之中充满了令人分心的因素，尤其是年幼的孩子更会受干扰。

那么，如何能够吸引住观众的注意力?为此历代的艺术家，耗费了很多精力去博得观众的关注。比如用高超的技术做好设计的场景布置，通过生动和幽默的环节、吸引人的唱段、精彩绝伦的特技、勾引人好奇感的故事情节，加强观众的感知，让观众有种审美的趣味，这样观众会更感兴趣，愿意跟随情节了解剧情。因此，观众的审美心理活动开始有了一种无形的集中，演员也由此获得了观众的注意力。

皮影戏艺术，必须有上述的吸引力，让观众去除各种各样的干扰。对表演而言，特别重要的是尽快将这种吸引力散发，努力地吸引观众。在开戏之初，观众的注意力假如耗散多了一分钟，现场表演的失败便多了一分钟。所以，观众的关注可以说是强大的艺术辅助，能让整场戏都熠熠生辉。

(五)观众的情感参与独特的戏剧美学

高标准、高质量的皮影戏表演，开始就可以让观众有浓厚的审美趣味，并注意观察故事情节的发展，由此，观众开始一系列的心理活动。经过这个过程，能提高审美皮影艺术的推动力。观众们时时关注着剧中人物的命运发展，有了不断的思考，有助于理解剧情。随着情节的发展，配合着演员的声音在观众脑海中展现剧情，这是观众的情绪参与。观众的情绪参与在皮影戏剧之中，是所有的皮影戏演员最希望的艺术效果的追求，也是皮影戏的生命，亦是皮影艺术家和观众最紧密的沟通与互动的体现。

二、现今皮影戏的创新

随着现在的科技进步，历史悠久的皮影戏在中国不断传承，也需要发展和前进。这种古老的艺术形式，也应该按照现在的发展，时代和科技的要求，做好皮影的改革。原始的皮影戏，其中有古装人物，唱古代的神话。现在，不仅仅是继承传统的表演形式，也要做好修改和创新。从皮影角色来说设计一个个新的脸谱。从皮影材料的选择来说，不单单只是牛皮、驴皮和其他动物毛皮，使用新的塑料板、有机板等来制作，用着新材料生产更多丰富的皮影道具，由此满足情节的需要。设计表现出个性和特点的作品。能综合动画的特点，木偶表演，卡通造型。创造生动有趣的反映出皮影特征的新的皮影戏，就是改革和发展原先的传统皮影戏。

当然了，在脚本的创作内容之中，改掉过去的皮影戏只有历史、传统的古老的主题，要不断地创造新的现实热点主题的生活，反映出新时代生活，受人欢迎的内容。不仅在唱歌中继承秦腔的传统艺术，还需要去吸收好的现代音乐，歌舞音乐与之集合，使皮影这种古老的艺术有着新的变化和面貌。设计反映现代生活的脚本，用老式的技艺，反映当前新的生活艺术形式。将皮影戏在社区、街道和城镇乡推广，让古老的皮影艺术不断被关注和继承。

皮影戏有其独特的特性，它的简单形式与艺术表现力，是其他任何形式中都不可替代的。它是我国表演艺术中的一朵奇葩，有其深刻的历史意义和独特的艺术价值，应该大力提倡。特别是文化相关职能部门应该在资金上大力支持。在脚本中提供可行的创新，切实的支持和帮助这一古老艺术永久的继承下去。

三、结语

通过以上详细的分析和探讨，我们可以很清楚的得知，不管如今的科技如何的突飞猛进，皮影的艺术有着不可或缺的意义，其中的独特审美特征给了观众一定的享受，不仅仅把美丑、善恶、古今结合与淋漓尽致的表现出来，也由于这个原因，更是有着大量的皮影艺术家挚爱该事业，不管皮影艺术如今多么困难，亦需要为其奋斗终生。

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电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观,而动画正是营造出奇观的最佳手段。幻想是科幻题材动画的基础,科学是科幻题材动画的支柱,这两点是科学幻想题材动画的基本元素,缺一不可。通过对比国内外的科幻题材动画的内容与种类,探讨这一题材动画的作用和意义。以下是读文网小编为大家精心准备的：科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景分析相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景分析全文如下：

摘 要： 科幻题材影视动画逐渐成为我国影视文化的新宠，越来越多的人开始关注科幻题材影视动画。在西方国家，科幻题材影视动画已经成为国民经济的重要支柱。近几年，我国也开始大力发展科幻题材影视动画，希望能尽快和国际影视文化接轨。科幻题材影视动画的制作不仅仅是一个国家技术的展示，更是艺术的展示。科幻题材影视动画融合了美术和影像的特色，使用现代制作技术，从单一的艺术形式逐渐向产业化发展。

科幻题材影视动画的魅力就在于动画可以展现给人们现实中不存在的奇观。创新和灵感是科幻题材影视动画制作的基础，先进的制作手段是科幻题材影视动画的制作支柱，这两点是科幻题材影视动画形成的基本元素。目前，西方国家的科幻题材影视动画受到很多人的喜爱。但是，目前我国还缺少科幻题材的动画佳作。

1 科幻题材影视动画的艺术特征

1.1 科幻题材影视动画的原创性

科幻从字面上理解，就是科学加上幻想。在国际电影发展历程中可以看出，科幻题材影视动画的发展步伐几乎和其他题材电影同步。科幻题材影视动画具有很强的原创性，原创性对科幻题材影视动画的制作和发展尤为重要。科幻题材影视动画的原创性要求设计人员从动画形象到动画场景，再到动画的合成都不能存在任何抄袭的迹象。如今，随着计算机技术的快速发展，人们会对科幻题材影视动画制作形成一种认识误区，认为所有科幻题材影视动画的制作都可以使用计算机完成，不需要人为做出任何努力。事实上，这是对计算机技术和人为创造关系认识不够导致的。只有保持科幻题材影视动画的原创性，才能让科幻题材影视动画在激烈的竞争中生存发展下去。原创性的科幻题材影视动画也是时代的象征，更是国家文化的体现。

案例：《阿童木》是一部由中国，美国和日本联合投资制作的科幻题材影视动画，这部科幻题材影视动画2009年在中国和美国同时上映。故事主要内容是天马博士的儿子意外丧生，天马博士非常悲痛。为了能再次见到儿子，天马博士制作了一个和儿子长相一模一样的孩子。但是，后来天马博士发现这个机器人不是自己想要的，就把机器人卖给了马戏团。这个机器人被茶水博士收留，并给他赋予了一种神奇的力量，这个机器人就是阿童木。阿童木从此开始维护正义，保护世界和平。《阿童木》这部科幻题材影视动画从人物形象到故事情节都充分体现了设计人员的创新性。

1.2 科幻题材影视动画具有文化性

科幻题材影视动画是一种独有的文化形态。在信息化时代，科幻题材影视动画加强了国家文化的传播力度。当人们在观看科幻题材影视动画的时候，科幻题材影视动画也对人们的传统观念形成一定的冲击。目前，我国政府和相关部门非常重视科幻题材影视动画的发展。我国已经在各地区建立科幻题材影视动画制作基地，推动了科幻题材影视动画的快速发展。科幻题材影视动画充分体现了国家的新兴文化。因此，科幻题材影视动画设计人员在设计的过程中不能单纯的对动画形象进行创新，更需要通过动画制作引导人们形成良好行为习惯，进而形成健康的社会风气。

1.3 科幻题材影视动画具有技术型性

科幻题材影视动画的制作必然离不开先进的技术手段，特别是在这个信息时代，科幻题材影视动画制作对技术的依赖性非常大。计算机技术的产生和发展，改变了科幻题材影视动画传统制作方法。如今，科幻题材影视动画从数据采集到形象生成等，都可以使用计算机技术来完成。但是，设计人员和动画制作人员需要处理好计算机技术和动画艺术之间的关系，实现科幻题材影视动画的快速发展。

1.4 科幻题材影视动画具有整合性

科幻题材影视动画是一门综合性的艺术。科幻题材影视动画把美术、音乐、摄像等艺术结合在一起，最终形成了一种新的艺术形式。科幻题材影视动画的制作也需要使用多种技术手段。由此可以看出，科幻题材影视动画不仅是对艺术的整合，也是对技术手段的整合。

2 科幻题材影视动画的发展前景

目前，我国已经有超过4亿的科幻题材影视动画观众，是世界上最大的科幻题材影视动画消费市场。我国科幻题材影视动画制作起步于2006年，在2008年得到快速发展。科幻题材影视动画行业在两年时间内完成了动画制作的基础性建设。在国家政策的扶持下，预计在未来五年内我国科幻题材影视动画将迎来发展得黄金时期，更多资金和技术将注入到科幻题材影视动画制作中，推动科幻题材影视动画的迅猛发展。据统计，中国科幻题材影视动画消费者对科幻题材影视动画的需求量是每年180万分钟，而实际上我国科幻题材影视动画的播放时间仅有2万分钟，根本无法满足我国科幻题材影视动画消费者的需求。从这个数据也可以看出，中国具有广阔的科幻题材影视动画消费市场。

科幻题材影视动画属于密集型产业，具有强大的产业链，在国家文化产业中有着不可替代的作用。美国是国际上科幻题材影视动画最大的出产国。在美国，科幻题材影视动画的地位仅次于国家军事。科幻题材影视动画给美国带来的经济收入已经远远超过汽车、飞机出口带来的经济收入，成为美国国民经济的重要支柱。日本是国际上仅次于美国的科幻题材影视动画出产国。在日本，科幻题材影视动画所带来的经济收入是工业出口额的四倍。除了美国和日本，世界上其他国家也在大力发展科幻题材影视动画。相比世界其他国家，我国的科幻题材影视动画制作技术相对落后，根本无法满足我国科幻题材影视动画消费者的消费需求。

在2006年之前，我国科幻题材影视动画还在使用传统的动画制作方法，设计人员也不注重制作过程的创新，导致我国科幻题材影视动画市场一直被其他国家占领。中国本土的科幻题材影视动画企业仅占中国科幻题材影视动画企业总数的10%，日本科幻题材影视动画企业占中国科幻题材影视动画企业总数的60%，欧美科幻题材影视动画企业占了中国科幻题材影视动画企业总数的30%。目前，我国也开始高度重视科幻题材影视动画的发展，财政部加大了科幻题材影视动画生产和制作方面的资金投入，推动科幻题材影视动画形成成熟的产业链。政府也为科幻题材影视动画企业提供了良好的政策环境。科幻题材影视动画必定离不开国家政策和资金的扶持，只有国家和相关部门共同努力，才能尽快打开中国科幻题材影视动画消费市场，实现科幻题材影视动画产业的快速发展。

3 结论

优秀的科幻题材影视动画具有强烈的感染力，这种感染力主要来源于合理的剧情和贴近生活的情感表达。科幻题材影视动画是时代文化的体现，更是一种美好的艺术形式。科幻题材影视动画必定离不开设计人员和制作人员的原创性，原创性也是科幻题材影视动画在激烈的竞争中得以生存和发展的基础。科幻题材影视动画的制作是多种技术的融合。但是，计算机技术的使用并不能完全取代制作人员的制作理念，科幻题材影视动画制作人员需要把制作理念和先进技术相结合，共同推动科幻题材影视动画的发展。我国具有广阔的科幻题材影视动画消费市场，只有国家和相关部门共同努力，才能尽快打开我国的科幻题材影视动画消费市场，提高科幻题材影视动画产业的经济效益。

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《g小调叙事曲》创作于一八三一年至一八三五年间,是肖邦叙事曲创作中的第一首,也是西方音乐史上的第一首器乐叙事曲。作曲家受波兰爱国诗人密茨凯维奇抒情长诗《康拉德.华伦洛德》的启发而写。以下是读文网小编为大家精心准备的：肖邦《g小调叙事曲》的创作特征及艺术分析相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

肖邦《g小调叙事曲》的创作特征及艺术分析全文如下：

【摘 要】为了研究肖邦《g小调叙事曲》的创作特征及艺术分析，本文首先从四个方面介绍了肖邦《g小调叙事曲》的创作特征，然后从五个方面对这部作品进行了艺术分析。肖邦《g小调叙事曲》作为西方音乐史上器乐叙事曲的第一部作品，具有很高的史学价值和艺术性。这部作品在丰富西方音乐题材的基础上为我们进一步研究叙事曲提供了帮助。本文的研究可以作为研究肖邦作品过程中的参考。

【关键词】g小调叙事曲;创作特征;艺术分析

0 前言

肖邦《g小调叙事曲》是肖邦在1831年到1835年间创作的一部叙事曲，在西方音乐史上这是第一部器乐叙事曲，在作曲的过程中受到了波兰爱国诗人密茨凯维奇抒情长诗《康拉德?华伦洛德》的启发。肖邦借古喻今，在对英雄进行歌颂的基础上号召波兰人民进行民族独立斗争。在这部叙事曲中肖邦将长诗的精神气质很好的体现了出来，叙事的特点通过音乐的结构布局和音乐形象展现了出来，这部作品在一定程度上映射出了英雄光辉的一生。

1 肖邦《g小调叙事曲》的创作特征研究

通过对肖邦《g小调叙事曲》的旋律、节奏、和声和曲式进行分析可以看出这部作品的创作特征。

首先，综合应用了、声乐性与器乐性旋律、宣叙调性与朗诵调性旋律，既通过作曲家创作旋律的反映体现出了叙事诗的叙事性，还体现出了肖邦音乐综合性旋律的特点，这部作品体现出了作曲家深刻的民族主义情感和爱国主义情怀，前苏联音乐学家A?索洛甫磋夫在评价肖邦作品时曾说波兰民间音乐的特点就是声乐性和器乐性的结合。

其次是对切分节奏和复合节奏的运用，这种方法的运用体现出了在进行作品创作的过程中肖邦采用独创的音乐手法来表达叙事曲的内容和自己内心的情感，这种创作理念和浪漫主义音乐家普遍的创作理念是相符合的。将内容自由和充分的表现出来，肖邦的作品具有浓厚的波兰情怀，肖邦始终谨记自己作品的创作源泉是波兰民间音乐素材，肖邦在作品创作的过程中始终谨记民族性。

再次，肖邦《g小调叙事曲》这部作品具有一定的戏剧性，这部作品属于一种奏鸣的自由曲式，这部曲式中所体现出的对称和集中原则和奏鸣曲式的美学原则是相符合的，如美国音乐家保罗?亨利?朗在评价肖邦作品是曾说：在肖邦的作品中没有过多的依赖传统形式和手法，他开辟了自己的新天地，只是将音乐必要的形式外壳保留了下来。

最后，肖邦在作品中采用创新的手法体现出了最常见的和声材料，例如通过对那不勒斯斯六和弦的运用体现出了调性色彩，色彩变化、翻唱而有严谨的调性布局通过调式体现出来，以上这些都是肖邦和声风格的主要特点。前苏联音乐学家A?索洛甫磋夫在评价肖邦的作品时曾说：肖邦的作品既具有古典主义的严整逻辑性和深刻的艺术根据，还具有浪漫主义所特有的丰富和大胆。

2 肖邦《g小调叙事曲》艺术分析

在肖邦的作品中《g小调叙事曲》占据着非常重要的地位，肖邦在进行这部作品创作的过程中将深刻的思想内容表现了出来，对于内心世界的心理活动有比较多的描述和刻画。在肖邦《g小调叙事曲》这部作品中没有对祖国风光的描写以及缠绵的歌唱，在风格上也改变了原有的明快华丽，这种思想上的变化在一定程度上是由于华沙起义的失败造成的，另一方面也体现出了这部作品是肖邦进入创作全盛时期的标志，对这部作品的艺术性进行分析可以得到下面的结论。

第一，传统的奏鸣曲式结构是在主副部之间形成对比的基础上将矛盾的戏剧性展现出来，在肖邦《g小调叙事曲》中虽然采用了奏鸣曲式结构，同时音乐的内容通过奏鸣曲式结构展现了出来，但是肖邦在这部作品中只是将一定的音乐形式保留了下来，他为自己重新开辟了新的音乐内容，改造了原有的不适应抒情叙事性格和构思要求的传统布局，主要体现在两个方面，一方面在肖邦《g小调叙事曲》的呈示部和再现部中，在布局上采用了传统的调性统一布局，使其保持原来的调性，在g小调和E大调上分别出现了主部和副部，将展开部中的主副部统一在一堆同名的大小调上，这里统一在了a小调和A大调上，整首乐曲在主副部倒装的影响下形成了以展开部为中心的对称格式。

另外一方面，肖邦《g小调叙事曲》这部作品具有较暗的主部色彩以及较短的句子;副部具有明朗、舒展和气息宽广的特点。虽然在两者之间有一定的差异，但这和传统奏鸣曲式中的矛盾冲突性对比是不相同的，只是一种派生关系，在展开部中也没有将矛盾的冲突体现出来，通过变奏和变形手法的采用肖邦将原有的抒情性的性格转变为了热情的英雄性格。通过倒装的形式进行再现，副部出现以后进行变形，这样在色彩更为明亮和音响更为丰满的基础上主部回到了原调，进而形成了全曲的高潮。

第二，肖邦音乐中最主要和最有力的表现手法是旋律，在肖邦《g小调叙事曲》这部作品中旋律依然是最富戏剧性和最震撼人心部分力量的源泉，因此在对肖邦的作品进行演奏的过程中应当充分的重视弹奏和表现。在演奏的过程中应当在保证旋律突出的前提下将曲目的旋律从头到尾的展现在听众面前，旋律不要被和声、伴奏声以及低音淹没掉。

第三，浪漫主义色彩是肖邦作品主要特点之一，但是要以一种严谨的态度对肖邦的作品进行演唱，所谓严谨并不等同于死板，并不能限制到演奏者的发挥，在演奏的过程中不能偏离肖邦原来的意图。肖邦以一种严谨的态度和清晰的逻辑进行创作，肖邦的表情也是严谨而含蓄的。在肖邦《g小调叙事曲》这部作品中虽然体现出了较为复杂的情绪变化，但是音乐的整体风格是严密的，并没有体现出简单的情绪冲动。因此更好的演奏肖邦作品的关键是严格的遵守肖邦所标明的速度、力度以及其他表情符号。

第四，要充分的重视肖邦作品中的复调因素。在复调因素上肖邦的作品和巴赫音乐中的复调音乐并不相同，声部并不是根据模仿得到的。肖邦在创作的过程中将各个声部编制在了一起，同时每一个声部都有其独特的旋律。除了主要旋律声部以外，肖邦的作品还带有旋律化的、不同一般形式进行的伴奏性质，通过这种伴奏声部既可以衬托和补充主要声部，还可以比一般的伴奏声部具有更加独立的性格，独特的、别具一格的复调手法在肖邦《g小调叙事曲》这部作品中都得到了充分体现，因此对于这种奇妙的复调因素我们不能忽视，应该将各个线条清晰的揭示出来，同时不要忽视各个旋律线条之间的主次关系。因此在对这类音乐片段进行演奏的时候要充分的将旋律的节奏感体现出来。

第五，肖邦《g小调叙事曲》这部作品中所体现出来的慷慨和悲壮的英雄气概对于我们认识肖邦的性格有很大的帮助，在这部作品中同时体现出了肖邦的英雄性格以及浪漫抒情的诗意与激烈，但是这种优美和华丽并不是肖邦作品的全部。无病呻吟和故作姿态的描述是对肖邦的污蔑，“钢琴诗人”这个词并不能充分的形容肖邦，在肖邦音乐中所表现出来的范围是非常广的，在肖邦的音乐中流露除了非常复杂和完美的音乐形式。应当通过对肖邦生活和思想的认识分析肖邦的作品。

3 总结

肖邦为了在《g小调叙事曲》这部作品中充分运用音乐形式的各要素，将浪漫叙事诗的内容及其深刻的思想性展现了出来，例如对戏剧化结构的应用，肖邦的这种创作手法在摆脱古典器乐曲严格的结构限制的前提下体现出了与19世纪标题器乐曲截然不同的风格，在这部叙事曲中有很多可塑性的文学内容，在体现出浪漫主义音乐美学特点的基础上表现出了自由和充分的文学内容。

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