传统音乐是我们自己的精神文化，不论是否“申遗”，它都是我们世代相传、不可丢弃的宝贵精神财富，我们要自觉保护这份遗产。今天读文网小编要与大家分享的是 ：浅谈加强中国传统音乐保护，促进世界多元文化发展的论文；具体内容如下,希望能帮助到大家!

我国是一个历史悠久、民族众多的国家，每个民族都创造了自己灿烂的音乐文化.历经漫长的岁月而保存至今，并积淀了丰厚的传统，成为一座传统音乐文化的宝库。历代以来.各族人民一直传承和发展着自己的文化。可以说，我国音乐文化本身就是由多元文化组成的大文化集合。近代以来世事巨变，传统文化艺术的保护和发展空前严峻，连连遭受重大损失。内外战乱、强敌入侵等社会大环境的变化，以及西方音乐的大量涌入，使得人们学习、接收和欣赏音乐的方式发生了巨大的变化，中国传统音乐也遇到了无数巨大的新挑战。

当前.随着全球现代化进程加速和世界经济一体化逐渐形成，由于世界各民族、各地区的文化存在着很大差异，如何平等相处和交往便成为一个重大问题。在发达国家，有一种以强势经济为后盾的强势文化主宰世界的趋势，使得部分国家的传统文化受到了越来越严重的冲击，有些已经濒临。特别是在广大发展中国家。这种现象更为明显。为防止这种情况的发生.更好地展示全人类文化的多样性，促进世界文化的多元化发展.从而为人类的发展创造一个更好的文化生存空间，在2001年的联合国文明对话年活动中，联合国教科文组织大会第31届会议通过了《世界文化多样化宣言》，宣言认为文化多样化是交流、革新和创作的源泉，对人类来讲，就像生物多样性对维持生物平衡那样必不可少。

因此，加大对传统文化的保护力度(尤其是濒临消亡的传统文化)，及时地抢救和保护处于生存困境中的文化遗产。成为时代赋予世界各国非常紧迫的历史使命.我们必须正视当代传统文化发展中的危机意识。实际上，我们要认识到文化发展与经济发展既有同步的一面又有独立的一面.任何以牺牲文化建设来进行经济建设的做法都是万万不可取的。

在中华文化已有的各种传承方式中，努力建立一种严格意义的“原样保存”模式，不仅仅是借用今天的录音、录像、书籍记录等现代化保存手段，记录下传统的“此刻”状态，更重要的是培养一种发自内心对传统的尊重和珍惜。为当代及后代负责的态度，以树立求真、务实的科学精神，尽可能地将传统原样保存和继承。此外，我们还可以借鉴世界许多国家和民族在保存自己文化遗产过程中所积累的成功经验。任何轻言“创新”都是很危险的.只把传统看成“创新”的垫脚石.更是非常可笑的。马克思指出，传统文化的优秀作品.永远起着后人难以企及的不可代替的“典范作用”。

随着世界多元文化思想的不断传播，我国政府加大了对传统文化的保护力度，喜讯捷传。我国的昆曲艺术、古琴艺术、蒙古长调民歌(与蒙古国共同申报)和新疆维吾尔木卡姆艺术先后入选联合国“人类口头和非物质遗产代表作”名录。我们在为中华民族有如此灿烂丰富的文化遗产而感到骄傲和自豪之余，也必须清醒地看到，随着人们传统生存环境的改变和文化选择多元的冲击，部分传统音乐文化退出了历史舞台。这严重影响了中国传统音乐文化的生存与发展，使在风雨飘零中的传统音乐受到了历史性的挑战。我们没有理由不将这些遗产保护好、管理好、传承好。

近年.国家针对传统文化流失严重的现象，采取了相关的保护政策。2005年12月，国务院颁布了《关于加强文化遗产保护的通知》，进一步阐述了我国政府对物质文化遗产和非物质文化遗产保护的指导思想、基本方针及总体目标，大大推动了对包括中国传统音乐在内的非物质文化遗产保护和传承发展的力度对非物质文化遗产保护的方针为：“保护为主，抢救第一，合理利用，传承发展。”并决定从2006年起，每年6月的第二个星期六作为我国的“文化遗产日”。2006年5月，国务院公布了我国“第一批国家级非物质文化遗产名录”。中国有史以来，官方大规模地保护传统文化正深入发展。

此后，部分专家认为“申遗”是保护传统文化的最好手段，特别是在地方政府中也有这种想法。而一些地方政府却往往借文化的招牌招商引资，其结果是“政绩”有了，实际上并没有达到真正保护文化遗产的目的。如果仅仅通过“申遗”来保护文化遗产.将对传统音乐的发展产生消极的影响。我国的传统文化浩如烟海，如只通过“申遗”保护，则需要漫长的时间才能完成。“申遗”是一种手段，保护文化才是最终目的。保护文化遗产的手段多种多样.不能在“申遗”这一棵树上“吊死”。

传统音乐是我们自己的精神文化，不论是否“申遗”，它都是我们世代相传、不可丢弃的宝贵精神财富，我们要自觉保护这份遗产。人们最初是自发学习和传承传统音乐的，经历了数千年的发展，一直延续至今。如今，乐师们已清醒地认识到传承后继乏人，只要有人习之，他们便竭尽全力“传道、授业、解惑也”。政府的帮扶有利于乐社的发展，但传统音乐始终是生于民间，长于民间，服务于民间的，传统音乐的发展离不开民间。我们认为，政府的积极、正确引导有利于传统音乐的健康发展。乐师不仅要推动乐社发展.而且要自觉保护祖上留下的音乐文化，积极招纳、吸引新成员加入乐社，培养新会员和知音，因为人们的需要是传统音乐真正存在的价值。

总之.处于自发状态下的传统音乐人.不但要自醒，而且要自觉保护传统文化，要有一种对传统文化发自内心的尊敬和珍惜.以实事求是的态度对子孙负责.尽可能将这份遗产“原样”传承下去。

历经岁月的洗礼而保存下来的传统音乐.虽然在当代急剧变化的浪潮下，遭受了前所未有的冷遇.但依然显示出旺盛的生命力。河北省徐水县迁民庄南乐会“无论是来自外界的压力或是隐存于内部的危机，都从未令它放弃过生存的希望。”在不同的历史时期.“它善于利用各种变体巧妙地维持自己的生存与发展”。E2]河北省高碑店市虽紧邻京郊，尤其是部分大型企业人住该市后，使得其经济快速发展，但城郊的虎贲峄南乐会依然茁壮成长。另外，在经济发达的广东，民间乐社遍地开花，尤其在广州，以及广州附近的番禺、佛山、中山等地较为兴盛，“据不完全统计.目前番禺区有大大小小的民间乐社60个”，它们依然活跃在民问社区。因此说，中国传统音乐依旧前景光明。并随着经济的发展将进一步壮大。并非有些学者所担心的那样——将随着经济的快速发展而逐步消亡。

然而，在部分地区，民间乐社不能正常参与活动，甚至有些乐社已经陷人瘫痪的境地，这也是～个不争的事实。中国艺术研究院张振涛研究员在1993年至1996年采访的冀中地区55家乐社中有8家乐社已经瘫痪，占总数的15%，相当于有1/7的民间传统乐社已经退出了历史舞台。时至今日，更多的传统乐社不能正常活动。我们必须正视这一现实，加强保护处于困境中的民间乐社和那些承载着优秀传统音乐文化的民间乐师。冯骥才曾对中央电视台的记者说：“每一分钟都有遗产在消失.文化就是我们的生命。”“有些没有文字记载的遗产，全靠实物和传人，实物、传人一旦消失，这些遗产也就随之消失。”因此，必须正视当代传统文化发展中的危机意识，必须加大对传统文化的保护力度。

当前，在大力建设社会主义新农村的大好形势之下，各地政府应该提倡和积极引导，让农民做新农村文化的主角，正确合理地开发中国蕴藏的乡土文化资源，激发乡土文化的活力，这对传统音乐文化的延续无疑将会起到积极作用。我们相信，随着政府和民众保护古乐的意识越来越强烈，中国传统音乐的复兴在不久的将来一定能够实现。在全球经济一体化真正到来之时.中华文化将成为世界多元文化“大家庭”中一枝美丽的奇葩。

钢琴艺术伊始，国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲，并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲，简直被奉为钢琴界的神明。今天读文网小编要与大家分享的是-艺术理论论文：中国钢琴艺术发展之思考。具体内容如下，欢迎参考阅读：

中国钢琴艺术发展之思考

我国的钢琴演奏家们在汲取了西方钢琴文化艺术的精华后，结合我国民族特色文化，将中国钢琴艺术逐渐的发展起来。在这个过程中，我们可以看到钢琴文化给我们整个民族带来的变化，特别是当中国的钢琴演奏技能达到世界水平的时候，中国民族文化也在世界文化领域占据了一个重要的地位。

一、中国钢琴艺术发展取得的成就及存在的困惑

首先，我们能够从整体上发现中国传统的民族气息和民间特色，这是中国传统美学标准在钢琴艺术中的体现;其次，西洋乐器本身所带有的不可磨灭的印记，使得中国的钢琴艺术必须在本土的审美要求中融入能与本身印记相适应的内容，这是钢琴自身艺术特点对其要求。在中国音乐发展的漫长岁月中，随着时代社会的发展以及民族文化的不断交融发展，我国的钢琴艺术形成了能为人们所接受的特点。从西方来说，它们吸收了很多具有中国特色的积极民族精神，有着独特的美学意境和风格。但不可否认的是，中国钢琴艺术的继续发展不能秉承一成不变的美学思路，我们必须思考：在多种不同类型的文化冲击下，钢琴艺术中的美学观念会有什么样的变化?我们应当如何面对?只有回答好这两个问题，中国的钢琴艺术发展才会快速地向前发展。

二、中国钢琴艺术的民族化特征

中国钢琴艺术民族化特征的显现主要表现在演奏风格、钢琴曲目和文化推广三个主要方面，与欧美钢琴艺术出现了较为显著的差别，并逐步向中国式钢琴艺术过渡和演变。

1、演奏风格特征

以殷承宗的《春江花月夜》为例，该曲本是古筝曲，改编成钢琴曲后，依然不失古筝如泣如诉的悠悠之意，体现出了民族化特征。这只是一个极具代表性的例子，中国钢琴曲目大多如此，在钢琴演奏中显现出更多、更明显的中国民族艺术特征，这是五千年造就的根深蒂固的民族元素。

2、钢琴曲目特征

在诸多以民族文化特征为主的钢琴曲中，尤其以中国古代曲目和民族曲目居多，而这些钢琴曲作的出现，充分展现了中国钢琴艺术的民族风，例如黎英海的《夕阳箫鼓》、陈培勋的《平湖秋月》、刘晓耕的《撒尼幻想曲》、廖胜京的《火把节之夜》等，不胜枚举。这些中国民族与古典的融入，足以展现中国钢琴艺术的民族化特征。

3、文化推广特征

钢琴艺术伊始，国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲，并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲，简直被奉为钢琴界的神明。大凡学习钢琴的学生都必须学习他们的曲目，并以能够熟练演奏这些曲目为骄傲。后来，随着国内钢琴艺术、钢琴曲创作、钢琴曲目的逐渐成熟，中国钢琴曲目也就融入钢琴学习中成为必备学习曲目。尤其是古典曲目改编出来的钢琴曲更是比较突出。随之，以中国古代曲目改编的钢琴曲成为钢琴文化推广的领头羊，并为该领域的文化推广开启了先河。

三、中国钢琴风格分析

1、与民族渊源的融合

多民族文化融合的特征，就是民族渊源的融合。钢琴艺术传到中国之后，中华民族那多姿多彩的少数民族风情，为拓宽钢琴艺术题材内容提供无穷无尽的创作之源，显现了钢琴艺术与中国民族渊源的融合。另外，由于我国各民族之间的历史渊源、文化传统、生活环境、宗教信仰的不同，也为钢琴家在创作中产生了无穷无尽的灵感。

2、与民族文化的融合

经过一个世纪的发展和融合，钢琴艺术已经与中国民族文化有机地融合在一起，并且逐步演变成中国音乐大家园中的重要一员。其中以《牧童短笛》为例，该钢琴曲目是融入中国元素最多并且成名最早的。这一作品是中国老一辈音乐家贺绿汀创作的，虽然作品在刚刚创作时并没有产生很大影响，就当时而言，用钢琴曲来创作中国民族音乐是一种新的尝试，而这种尝试恰恰推动了中国民族音乐走向世界。

3、与民族乐器的融合

我国的民族乐器众多，主要包括磬、缶、铃、萧、笙、琴、瑟、古筝、琵琶、二胡、笛子等近百余种乐器。而这些乐器在实际的演奏和使用中，正逐步与钢琴较为完美地融合起来，形成了钢琴为古筝演奏、为琵琶演奏、为笛子或箫演奏的合作曲目，而且随着钢琴功能的不断开发和挖掘，现代钢琴已经能惟妙惟肖地模仿出以古琴、古筝为首的中国乐器的声音，虽然仅仅是形似而神不似，但这已经足以显现中国民族乐器与钢琴的有机融合。

例如，现代音乐家谷娜创作的《彝寨风情》中的《月下》就是用钢琴代替传统乐器葫芦丝演奏出来的。虽然钢琴相对粗犷一些，但依然以委婉的音调呈现出了彝族青年月夜相互依偎的美好场面，让人们在钢琴曲的演奏中仿佛看到彝族青年月夜的歌恋情景，这一演绎是成功且玄妙的。

现代钢琴艺术语境受不同文化、社会风俗等因素的影响，尤其是不同文化背景下的语境差异巨大。语境是听众感受钢琴艺术的重要方面，所以，应该在某种程度上顺应时代潮流，促进钢琴艺术的融合，在不同文化背景的听众之间架起一座沟通的桥梁。在当今的中国钢琴领域中，优秀的钢琴人才必将会越来越多。而优秀的、具有中国特色的钢琴曲目也会与日俱增。在这样一个竞争激烈的领域里，需要更多的专家、学者和钢琴教育工作者去共同努力、探研，从而把中国钢琴音乐推上一个又一个巅峰。

民间音乐指由广大人民群众在漫长历史过程中，通过口口相传而流传下来的音乐形式和音乐作品。它无论从使用的乐器、演奏的乐谱还是演奏形式，都有着极强的民族性和地域性，与当地的民俗习惯相溶合，与当地的民俗活动相结合。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：广告音乐发展史探析相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

广告音乐发展史探析全文如下：

摘 要：广告音乐研究课题较新，分歧较多，但意义重大，关于广告音乐发展史的研究较少。本文通过大量史实的收集与整理，从广告史和音乐史两方面对其进行梳理和归纳。

关键字：广告音乐;口头叫卖;广告史

中图分类号G2 文献标识码 A 文章编号 1674-6708(2015)135-0058-01

1 广告史中的广告音乐

《史记・货殖列传》记载：用贫求富者，皆以为农不如工，工不如商，刺绣门不如倚市门。秦汉时期社会生产力有了更进一步的发展，“幌子”这样的广告已经较常见了，“音响叫卖”进入历史舞台。据古文献记载，音响叫卖在西汉时便出现了，《诗经.周颂》“箫管备举”汉代郑玄注云：“箫，编小竹管，如今(汉代)买觞者吹也”。唐代孔颖达疏解亦云：“其时卖觞之人，吹箫以自表也”。也就是说，在东汉的时候，买糖食的小贩就已经懂得以吹箫管为音响媒介，来吸引人们的注意从而招来生意。音响叫卖由此发端。

隋唐时期是中国历史上的辉煌时期，城市商业已初具规模，《随书.炀帝纪》：大业元年三月，“徙天下富商大贾数万家安于东京”，商业之繁荣可见一斑。唐朝商业也空前兴旺，唐朝对市场有严格的管理制度，商品价格由官方评定，悬牌经营，这说明招牌的重要性开始凸显。唐代诗人杜牧的《江南春》：“千里莺啼绿映红，水村山郭酒旗风。”作为广告的另一种形式的“幌子”也很普遍了。

北宋时，改变了自古以来的坊市制度，市场和交换的地域和时间不再由官方限制。这一时期的口头叫卖被一些聪明的商人加以改进，配以乐曲歌词，沿街吟唱叫卖，大大提高了叫卖效果。南宋孟元老《东京梦华录》卷七记载：“是月季春，万花烂漫，牡丹芍药，棠梨木香，种种上市，卖花者以马头竹篮铺排，歌叫之声，清奇可听”。歌叫之声显然比单纯的叫喊人更吸引人。南宋吴自牧的《梦梁录》载：今街市与宅院，往往效京师叫声，以市井诸色歌叫卖物之声，采合宫商以成其词。也就是说，南宋临安效仿北宋东京街头的叫卖声，且配以乐曲歌辞，沿街吟唱叫卖。许多宋词元曲的中不少的词牌、曲牌如《货郎儿》、《卖花声》、《叫声等》，都是采纳叫卖市声加工而成，这一形式一直沿用至今。

中国近现代，报刊兴起，1861年创办的《上海新报》，1868年创办的《万国公报》，1872年创办的《申报》，报纸上都发布广告，《申报》的《本馆条例》就写着，专谈该报发行，广告事宜，随着广播媒介的兴起，1927年，上海地区有一位叫万仰祖的人，首先组织在无线电广播上为“大百万金”牌香烟做广告(加图片)[1]。当时上海地区规模较大的商店，如绸布庄、药房等，大都自己选择各种曲目叫电台播送，在节目中插播广告。[2]这一时期霓虹灯广告、大橱窗广告、月份牌广告都开始勃兴。1979年1月28日第一条电视商业广告――“参桂补酒”问世，孙顺华在《中外广告史》中写道电视广告，作为视听兼容、声画并茂的综合艺术，集语言、音乐、图像、动作与一体。杂志广告、互联网广告也逐渐出现和勃兴。

叫卖，音响等也是一种古老的听觉性广告表现形式。早些时候，广告当然不是一个独立的行业，商品的生产者、销售者及广告的发布者是集于一人的。而后的第三次社会大分工，负责物品流通的商人阶层开始出现，这也为广告代理业务提供了必要的前提条件。公元前700年的古埃及商人们，开始雇佣专门为他们商品作促销服务的人。一些雇主雇佣专人在渡口大声喊话，发布商业信息。公元900年，欧洲各国盛行卖报员沿街传报新闻。1141年，在法国贝星州出现了一个专门的口头叫卖团体，该团体得到法国国王路易七世签发的特许经营证，他们负责为业主做口头广告宣传业务。

2 音乐史上的广告音乐

早在中国的原始社会中，原始先民们已经开始创作、运用音乐了，战国末年的《吕氏春秋》在描写中国原始先民音乐活动的时候这样写“昔葛天氏之乐，三人操牛尾，投足以歌八阙：一曰载民，二曰玄鸟，三曰遂草木，四曰奋五谷，五曰敬天常，六曰建帝功，七曰依地德，八曰总禽兽之极。”[3]由此可见音乐与原始社会联系在一起，音乐先于广告而存在，音乐原本也并不是商品。

持“劳动起源说”的普列汉诺夫说：“原始人在劳动时总是伴着歌唱。音调和歌词是次要的。主要的是节奏，歌的节奏恰恰是工作节奏的再现，音乐起源于劳动。”在一般条件下，人们充分的认识到，唱歌，并不能解决温饱，而只有打猎和劳动，才能解决温饱，才能想到唱歌。当私有制出现的商品社会有所发展的时候，音乐艺术与物质在作等价交换。马克思在《政治经济学批判》中举出了古代罗马诗人普洛佩尔提乌斯的一卷《哀歌集》和8盎司鼻烟相互交换的实例[4]，这种以音乐为业，以音乐谋生被称为音乐商品出现和音乐商品价值的萌芽发展时期。中国古代宫廷里的“音乐奴隶”或是“乐妓”，就是私有制产生于发展、社会分工的产物。

唐代词人李益公开卖词，在宋代城市中，“新声巧笑于柳陌花衢，按管调弦于茶坊酒肆”，在元代，元曲作为商品性的音乐传播，活跃在城市歌妓艺人之间。中国古代的叫卖歌谣是直接依附于商品交换的而出现的音乐商品，这种在宋代称为“叫声”的“叫卖歌谣”，元代商贩们又称为“货郎儿”。货郎们的劳动(包括创造物质产品和精神产品)在其“叫卖歌谣”中实现其价值与使用价值。中国古代和近现代的“叫卖歌谣”是现代广告音乐――典型而实用的音乐商品胚胎。[5]随着后来广播电视的发展，广告音乐的传播效果大大加强。这种广告音乐的商品交换行为，最初不是在音乐听众和观众以及媒体之间进行的，而是媒体与企业之间进行。这种与音乐听众与观众不直接发生交换联系的广告音乐性质的音乐商品，还有电视剧、电视晚会音乐。音乐也从单纯艺术性走向了艺术性和商业性并存的状态。

3 结论

通过以上的分析可知，音乐早于广告出现，但在人类社会的早期，音乐以其艺术价值存在于人们的生活之中，当出现私有制，商品经济开始萌芽的时候，音乐的商业性也初露端倪，伴随着商业的发展，最初意义上的广告以歌谣为主的“口头叫卖”和以乐器为主的“音响叫卖”开始出现，广告和音乐共有的商业属性让它们做了最好的结合，即广告音乐。

参考文献

[1]孙顺华 查灿长，等.中外广告史[M].山东大学出版社，2005.

[2]平襟亚，陈子谦.上海广告市话.上海市地方史资料(三)[M].上海社科院出版社，1984.

[3]吕氏春秋.仲夏纪.古乐篇.

[4]阿.伊.康津斯基：《西洋音乐通史》第一章《古代音乐文化》，中央音乐学院编译室，译.音乐出版社，1958.

[5]曾遂今.音乐社会学[M].上海音乐学院出版社，2004(12)：23-24.

[6]陈培爱.广告学原理[M].上海：复旦大学出版社，2008.

[7]杨海军.中外广告史新编[M].上海：复旦大学出版社，2009.

[8]约翰・菲利普・琼斯.广告与品牌策划[M].孙连勇，李树荣，译.北京：机械工业出版社，2000.

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肖邦是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，同时又深受巴赫影响，多以钢琴曲为主，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：肖邦钢琴音乐作品的民族特色研究相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

肖邦钢琴音乐作品的民族特色研究全文如下：

【摘 要】肖邦是人类钢琴音乐历史上最重要的人物之一，以自己独特的音乐鉴赏力和创作能力，一生中为人类带来了近二百部优秀的作品，每一部作品都给人们留下了深刻的印象。肖邦在进行音乐创作的过程中，是以浪漫主义音乐为基础，并将具有特色的波兰的民族音乐融入其中，形成了一种新的、独属于肖邦的音乐特色。十九世纪起，古典音乐被浪漫主义音乐所取代，音乐家开始用音乐来表达个人的情感，而肖邦就是这一时期典型的代表。

【关键词】肖邦 钢琴音乐作品 民族特色 研究

在肖邦的音乐作品当中，将浪漫主义这一音乐风格表达到了极致，在肖邦的手下，钢琴拥有了生命。肖邦钢琴曲当中能够将他的国家经历过的战争和英雄气概表现的淋漓尽致，同时也包含了很多感慨国家前途和未来的曲子。肖邦在进行音乐创作的过程中，以自己独有的音乐天赋改变了传统的音乐形式和风格，他将自己国家的民间曲调融入到钢琴曲创作当中，并进行了再创造的过程，无论是歌曲的体裁还是风格都是音乐历史上的一种推进。

1 将民族特色融入到旋律、和声调式当中

肖邦从小就跟随波兰著名民族音乐家埃斯涅尔进行学习，因此，民族音乐对肖邦的影响是非常大的。伴随着年龄的增长，肖邦在进行钢琴曲创作的过程中开始尝试将民族音乐融入其中。在民间调式的影响下，更加细腻的旋律从肖邦的钢琴作品中体现出来。也正因为如此，肖邦创作出来的钢琴曲也具有了歌唱的性质。当肖邦将民族音乐融入到钢琴创作当中的时候，传统的波兰没有伴奏的民族音乐忽然之间就能够通过钢琴的旋律被哼唱出来，歌曲的音调与器乐音调就这样融为了一体，将钢琴音乐的优美与真挚的民间音乐巧妙的表达了出来[1]。

同时，和声语言在肖邦的创作之下也变得更加的生动，这是建立在丰富性旋律提高的基础之上的，肖邦将钢琴独特的特点与和声创作相结合，促使和声方面对以后的钢琴音乐产生了长久而深刻的影响。肖邦的和声创作，将钢琴的语言能力进行了深刻的挖掘，将弦外音和形象融入到了古典主义的和声方法之上，特殊处理了七和弦，单独的和声体系就是在这种情况下产生的，其效果更加能够吸引人。肖邦这种创作手法革新了和声手法，弦外音和属功能的出现，都使音乐增加了厚度。同时，清晰的声部和复调性的伴奏声部是肖邦创作过程中最为重视的创作语言。在严谨的古典主义创作方法的基础上将波兰的民族特色融入到了钢琴音乐当中，促进了丰富的和声色彩的形成和和声语言的多变性[2]。

弗里几亚和利底亚调式时传统的波兰民间旋律当中经常使用的调式，其中当然还包括传统的大小调的应用，在肖邦创作的音乐作品中，不仅由于运用了民族音调而使音乐作品更加的质朴，还将三度并置的方法应用到了转调上，在此之上进行着同一旋律片段在不同调式上的重复。这是波兰民间音乐当中经常出现的一种交替调式手法。

2 将民族特色融入到节奏、速度和结构之中

民族特色不仅存在于肖邦钢琴音乐作品的旋律、和声调式语言之中，同时还存在于节奏和结构当中。肖邦将波兰的民族语言以切分、舞曲、不对称等节奏在他的钢琴音乐作品当中进行了充分的展现。波兰的民间舞曲库亚维亚克、奥别列克和马祖尔三者之上产生了玛祖卡舞曲，肖邦将其中的三拍子节奏挑选出来并进行了重新的创作和运用，从而产生了肖邦独具特点的玛祖卡舞曲钢琴音乐作品。这部曲子能够充分将肖邦对祖国的思念进行充分的表达，在前半部分对于民间生活的热爱是通过欢快的形式进行展现的，而炙热的爱国之情是通过紧凑而跳动的节奏体裁进行展现的。马祖尔舞曲充分体现了肖邦独特的音乐语言，四连音和五连音在其中与规整的拍子进行了结合，与歌唱性的旋律进行了完美的组合[3]。

在表情符号的节奏上，肖邦表达浪漫主义情感的时候喜欢充分运用rubato和stetto。在演奏肖邦音乐的过程中，最能够体现肖邦民族语言特点的就是rubato这一舞曲节奏。肖邦运用rubato的过程中往往属于即兴的发挥，这也是受到波兰民间音乐所影响而来的。例如，马祖卡舞曲当中，肖邦在很多的段落都运用了rubato，这一应用在休止符和附点音符当中更是明显，将时值尽可能的拉长，而缩短了它后面的音，并在其他的段落将挪用的时间进行了补充。这种创作手法就将诗歌一般的灵性融入到了波兰音乐语言中[4]。

3 将民族音调旋律特点融入到练习曲和前奏曲中

在肖邦创作的所有钢琴音乐作品当中，最能够体现肖邦特色和显示肖邦成功之处的作品往往是练习曲、前奏曲等短小精悍的钢琴小品，这些作品当中将诗情画意进行了充分的表达。高超的技术性是肖邦练习曲的主要特点，看上去给人一种枯燥乏味的感觉，然而练习曲当中的旋律和歌唱性质只有在你称心聆听的时候才能够充分的显现出来，并且这感觉是非常的激烈的，这也促使旋律化音型形成了肖邦的练习曲令人难以忘怀的特点，令人久久难以忘怀。肖邦的练习曲彻底的将单纯的技术性联系模式进行了改革，将富有诗意的旋律建立在了高超的专业技能的基础之上。在肖邦所有的练习曲当中最有代表性的就是c小调练习曲十中的第十二首，它被称之为“革命”[5]。

而更能够将肖邦的创作特点进行充分展示的要属肖邦的24首前奏曲，这部作品被称为“浪漫主义的音乐格言”。其中将肖邦的梦想和思考以及他对生命和大自然的热爱和认知充分的以精炼的语言进行了表达。在作品当中，器乐与声乐的结合。充分运用的复调和化彩妆试音都是民族特点旋律的充分表达，促成了前奏曲的精炼和震撼。人们只要听到第一个音符，就能够马上体会到肖邦的思绪。其中《d小调前奏曲》就是最具代表性的一部作品，战斗精神在这首曲子的第一个音符响起时就能够被人们所感知到，充分表达了肖邦的内心世界。

4 结语

肖邦从小被民族音乐所感染和熏陶，再加上他个人的音乐天赋，在创作钢琴音乐的过程中，有效的将民族音乐的种种特色融入到了钢琴音乐作品当中，使钢琴音乐更加具有歌唱性，同时是对传统钢琴音乐的一种深刻的改革，对今后的钢琴音乐具有着深刻的影响。

参考文献：

[1]曲歌.试论20世纪下半叶中国钢琴音乐作品的民族特色[D].吉林大学，2010.

[2]李蕾.从肖邦的玛祖卡舞曲和波兰舞曲的创作中观其民族精神[D].东北师范大学，2008.

[3]梁晶.探析肖邦波兰舞曲的创作与演奏[D].辽宁师范大学，2014.

[4]徐德贞.肖邦钢琴音乐与贝里尼歌剧音乐共性特征初探[D].福建师范大学，2010.

[5]史辉.肖邦钢琴作品在高师练耳教学中的运用研究[D].山东师范大学，2013.

罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物，在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色全文如下：

摘要：德国作曲家舒曼――第一位真正在钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家,其钢琴音乐的艺术特点在于作品主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要艺术特点。

关键词：舒曼;钢琴音乐;隐喻性;文学性;独特性;幻想性

中图分类号:J651 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)29-0200-02

在西方钢琴艺术的发展历程中,浪漫主义时期是一个十分重要的黄金时期。一方面,由于钢琴制作工艺的成熟,使得钢琴的价格下降,同时钢琴的表现性能有了很大提高,从此,钢琴成为人们音乐生活中的一件十分重要的乐器;另一方面,由于浪漫主义时期的作曲家普遍地钟爱钢琴这件乐器,因此创造出了大量的钢琴音乐作品,其中众多的优秀作品构成了一幅五彩斑斓的瑰丽图景。浪漫主义时期的钢琴音乐大大地丰富了人们的音乐生活,从此,钢琴登上了“乐器之王”的宝座。

音乐上的浪漫主义时期大约开始于19世纪20年代并延续至20世纪初。通常人们普遍认为,奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家门德尔松是浪漫主义音乐的第一批开拓者,他们优秀的钢琴音乐作品也共同反映出了浪漫主义音乐的最主要特点――强调个人的抒情性,偏重于幻想及夸张的艺术手法。但是,由于他们与古典主义音乐不同程度的联系,使得他们的作品中还具有着比较明显的古典主义音乐气质,比如,在他们的一些作品中都明显地体现出了古典主义的形式法则,在音乐气质上,舒伯特接近于贝多芬,而门德尔松则更加靠近莫扎特。这些都说明了,在浪漫主义音乐的创作初期,古典主义的音乐因素作为一种强大的传统力量仍然在发挥着其效应。而第一位真正在其钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家就是本文将要作深入探讨的德国作曲家舒曼。

罗伯特・舒曼(Robert Schumann)于1810年生于德国,1856年去世,一生只活了短暂的46岁。但他却是第一位真正的浪漫主义作曲家。

浪漫主义思潮是19世纪初在欧洲形成的一种新的艺术潮流,代表了一种新的艺术风格。浪漫主义艺术思潮的美学追求在于打破古典主义艺术的既有形式,用艺术家个性化的语言不拘一格地表达思想感情。这其中情感的自我表达是核心,浪漫主义时期的作曲家们当时普遍的创作理念就是要做到“我曲表我心” [1],这样的话,乐曲中丰富而明显的情感性特征就成为了浪漫主义钢琴音乐的第一个明显特征。浪漫主义钢琴音乐的第二个显著特征就是音乐普遍与文学和绘画等艺术的结合。西方音乐发展到浪漫主义时期,其音乐语言已高度的发达,这使得它具备了表现文学性内容及绘画性内容的可能性。这一时期的作曲家深入地挖掘音乐的表现能力,作出了许多大胆的尝试,将音乐与文学及绘画等艺术进行了结合,这就显示出了这一时期音乐作品的独特性,此一方面的突出标志就是标题音乐作品的大量出现。

当时,德奥属于浪漫主义思潮影响的中心地带,舒曼就是在这样的文学氛围中成长起来的。由于舒曼的父亲是一个文学爱好者,在经营书店的同时也作书籍的出版工作,舒曼从小就在父亲的书店中博览群书,因而他酷爱文学。他最喜欢阅读的文学体裁是诗歌及小说,这对他日后的音乐创作活动产生了深刻的影响。少年时期对他影响最大的文学家有歌德、拜伦、让・保尔和E・T・A・霍夫曼。深厚的文学修养极大地提高了舒曼的想象力及艺术品位,他日后创造出的成功之作在很大程度上都依赖于他作品中的文学性内涵。除此之外,舒曼与克拉拉曲折的爱情也对他的创作产生了很大影响。

在西方音乐的发展历史当中,舒曼是第一个具有明确的音乐美学思想的作曲家。笔者认为,出现这样的情况有两个原因:第一,是之前作曲家社会地位的低下(通常被看作是奴仆)使其无资格去从事这些当时主要由哲学家来从事的学术研究;第二,之前作曲家相对低下的文学水平和迫于生计而必须完成的繁重的创作任务使其在主客观上都无能力去进行音乐美学问题的探讨。而在舒曼所处的浪漫主义音乐时期,以上情况都出现了改变,具有了独立社会地位及学术素质的舒曼就成了作曲家中第一位形成了较为全面的音乐美学思想的音乐评论家。

笔者在此将舒曼的音乐美学思想概括如下：

首先,他认为音乐要有高尚的思想及充沛的情感。其次,舒曼在音乐艺术中追求真、善、美的统一。再次,舒曼积极地倡导音乐的民族主义和音乐的世界性意义,这其实也就是音乐的民族性与世界性的问题。以上三点就是舒曼主要的音乐美学思想,这些思想都明确地体现在他的钢琴音乐创作中,表现出了他的钢琴音乐作品的四大特色。

第一,音乐主题的隐喻性。由于舒曼独特的个性――沉思、幻想与热情、冲动的结合,以及受到文学作品的影响,这使得他爱在自己的作品中隐藏一些个人的小秘密,这些小秘密多半都是他自己的生活经历。他的许多作品中都蕴藏着需要经过缜密的研究才能够得知的引证和隐喻,这些隐喻常常由隐喻字母所对应的音符构成,了解这些是理解他作品的第一步。比如舒曼的《阿贝格变奏曲》(ABEGG Variations)op.1,其中的ABEGG是舒曼在一次舞会上遇到的一位女士的姓,这首变奏曲的主题即采用ABEGG这五个字母作为音名。又如《狂欢节》的调性基础是bA-C-B,来自舒曼早年的一位女友居住的阿什小镇“ASCH”(德文“H”在音乐中为“B”)[2]。由以上两例可以看出,这类以猜字谜式的音乐游戏构成了舒曼的第一个钢琴音乐特色,这也是理解他钢琴音乐作品的关键。

第二,舒曼钢琴音乐的第二个鲜明特点在于其音乐内容的文学性。舒曼大部分的钢琴音乐作品都体现了这一特点。笔者认为,形成这一特点的主要原因在于舒曼自小形成的深厚文学修养,这使得他的音乐创作不断地受到来自于文学灵感的刺激与影响。另外,浪漫主义时期的美学潮流――音乐的文学化,也在一定程度上影响了舒曼的音乐创作,使得他的钢琴音乐作品具有明显的标题性。比如他的钢琴套曲《蝴蝶》(Papillons)op.2,是根据舒曼最喜欢和敬仰的德国作家让・保尔的小说《少不更事的岁月》而创作的;钢琴套曲《克莱斯勒利偶记》(Kreisleriana)op.16,是舒曼受德国浪漫主义文学家霍夫曼小说中一位怪诞而极有天赋的音乐家克莱斯勒的形象的启发而创作的。可以说舒曼是第一个将音乐与文学的结合达到水乳交融状态的浪漫主义钢琴音乐作曲家。

第三,音乐形式的独特性。舒曼的作曲学习在很大程度上是靠自学来完成的。由于较少地受到来自传统的专业作曲家技法训练的束缚,舒曼在创作形式上表现出了很大的灵活性,他的作品形式几乎完全是由表现内容来决定的。也正因此,他的钢琴音乐作品在形式上有着很大的独创性[3]。比如他的《交响练习曲》(Etudes-Symphoniques)op.13,在形式上就兼有练习曲与变奏曲的双重性质;再如他的《C大调幻想曲》(Fanlasie)op.17,在创作技法上运用了奏鸣曲的形式加上回旋曲和变奏曲的创作手法,构成了他极富独创性的自由曲式。这部作品既有令人神往的即兴幻想性,又有着严整而和协调的结构。此外,舒曼还喜欢用小型作品组成松散的套曲形式,并冠以各种富有诗意和文学性的标题,这是舒曼的一个显著的创作特点。这类作品有很多,例如:《蝴蝶》、《狂欢节》、《童年情景》、《幻想曲集》等。

第四,舒曼钢琴音乐第四个特点在于其音乐风格的幻想性。舒曼的钢琴音乐作品就像是他自身心灵历程的日记一般准确地记录了他的精神历程。由于他自身的性格特点以及文学作品的强烈影响,舒曼富于幻想,这种幻想性也自然地带到了他的音乐创作中去,他在自己的作品中幻想着理想的实现。如在《大卫同盟组曲》中幻想着“大卫同盟”对于音乐界的非利士人――庸夫俗子的斗争并胜利;他还幻想着自己的爱情如《#f小调第一钢琴奏鸣曲》表达了他对克拉拉火热的爱情;还幻想过童年,如钢琴套曲《童年情景》中对童年的情感体验,等等。凡此种种都说明了幻想性是其音乐风格的又一特点。

综上所述,舒曼钢琴音乐作品的艺术特点在于其主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要特点。舒曼的钢琴音乐作品充满了理想与诗意、爱情与痛苦、热情激昂的情感与梦幻沉思的风格。他一生的大部分作品都是为钢琴而作的,这些充满创造性的钢琴作品以高超的技巧与丰富的想象,为钢琴音乐文献增添了宝贵的财富。他的性格充满了矛盾,就像他受让・保尔小说的启发而构想出的佛洛列斯坦(个性张扬)和埃塞比乌斯(沉思幻想的性格)这两个人物一样,舒曼兼有这两个人物的性格特点,这也反映在他的钢琴音乐作品中。他的钢琴作品丰饶而富于诗意,情感内省同时又具有宏伟的气象,同时又充满了亲密温馨的情感。舒曼的钢琴音乐是一种飞扬的音乐,富于浪漫主义的理想,舒曼认同他的崇拜者让・保尔的一句话:“生命可以在我们身后枯萎凋谢,我们神圣的过去可以灰飞烟灭,但有一样东西是不朽的,那就是音乐。”音乐是一门神秘的艺术,是在诗的语言终止之后响起的艺术。从这个意义上说,舒曼就是文学家让・保尔在音乐中的化身。

参考文献:

[1] 蔡良玉.西方音乐文化[M].北京:人民音乐出版社,1999:198-199.

[2] 周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2003:120-121.

[3] 钱仁康.音乐的内容和形式.钱仁康音乐文选上册[C].上海:上海音乐出版社,1997:213.

音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术。音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以分为古典音乐、流行音乐、民族音乐、乡村音乐、原生态音乐等。在艺术类型中，音乐是比较抽象的艺术，音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：中国钢琴音乐中的民族特色探讨相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

中国钢琴音乐中的民族特色探讨全文如下：

摘要：在钢琴音乐作品中如何融进中国传统文化元素，体现中华民族风格是我国几代作曲家努力追求的目标。近一百年来，我国作曲家继承中华文化的优秀传统，借鉴西方作曲技术，中西共融，创作了大量的经典钢琴音乐作品。这些作品在标题的文化内涵、旋律的线性特征、调式和声的创新及民族乐器音色的模拟等诸多方面都具有浓厚的中国传统文化特色和民族韵味。

关键词：音乐艺术;钢琴音乐;传统文化;旋律;和声;音色

钢琴是广泛流行于世界各国的键盘乐器，它音域宽广、表现力丰富，享有“乐器之王”的美誉。几百年来，钢琴以它独有的魅力吸引各国众多的作曲大师创作大量不同风格、不同文化底蕴的音乐作品，这些作品已成为世界音乐文库中的瑰宝，是人类不可或缺的精神食粮。赵元任创作的钢琴曲《和平之歌》(1915年)是自钢琴传入中国后由中国人创作并公开发表的第一首钢琴曲，从此，接受西洋作曲技法训练的中国作曲家们慢慢地拉开了中国民族风格钢琴音乐创作的大幕。我国是个多民族的国家，蕴含着历史悠久、内容丰富的民族传统音乐，这些宝贵的文化遗产不仅在历史上对音乐的传承起着重要的作用，而且无论是现在还是将来都会时时刻刻对中国作曲家的创作活动产生不可估量的影响。一百年来，中国作曲家在钢琴音乐民族化道路上的艰难探索取得了不少令人瞩目的成就，中国风格钢琴作品已逐步走出国门登上了国际乐坛。这些作品的内容不仅传播了中国古老的文化，同时还反映了中国人民在20世纪不同时期的精神生活、审美观念和情感需求，优秀并能流传的音乐作品往往都具有中国传统人文精神和时代特色相结合的特点。

一、标题的传统文化内涵

中国传统音乐在发展与流传的过程中深受本土文化和民风民俗的滋养与熏陶。传统音乐一般都会有一个饱含浓厚的生活情趣或文学色彩的标题。乐曲的标题往往是乐曲情感和意境的高度概括，具有鲜明的意象特征和丰厚的文化底蕴。有些乐曲是依照山水风景来命名的，如古琴曲《清风弄竹》、筝曲《高山流水》;有些是以历史故事、传说、典故来命名的，如琵琶曲《十面埋伏》;有些依照特定的场景或情景来命名，如《渔舟唱晚》;有些则与特定的地方风俗和民间庆典紧密相连，如吹打乐曲《合家欢》、《喜气盈门》等。透过标题，我们仿佛看到了起伏的山峦、薄薄的晨雾、潺潺的流水、弯弯的小桥、扁扁的渔舟、采桑的少女、挑柴的樵夫、欢闹的街市等一幅幅充满了审美意境和生活情趣的画面。这些传统音乐的标题所预示的不仅仅是描绘大自然风景的山水画或乡村风俗图，而且表现了这些特殊场景中的主体――“人”的情感活动，充满了人与自然、人与宇宙和谐相生的诗情画意。对于欣赏者来说，这些标题是一种提醒或暗示，有一种召唤感，指向那些存在于标题背后的更为深刻的音乐内涵和精神世界。

受传统音乐的影响，“标题性”同样也是中国钢琴音乐作品的重要特征。目前在社会上流传广泛且深受大众欢迎的钢琴曲大都带有一个彰显中国传统文化意蕴的文字标题，如《夕阳箫鼓》(黎英海)、《平湖秋月》(陈培勋)、《彩云追月》(王建中)、《二泉映月》(储望华)、《幻想曲――听评弹》(倪洪进)、《楚汉武士的诗篇与故事》(崔世光)等等。凡具有一定文化知识的中国人，只要读了这些标题，就可以充分想象出音乐所包含的内容、意境和情感。这些中国特色的乐曲标题与欧洲浪漫主义音乐的标题比较起来呈现出不同的特征：欧洲音乐的标题总是与某种情景画面存在着深刻的联系，如《四季》(柴可夫斯基)表现的是一年四季不同的自然风光，《蓝色的多瑙河》(约翰・施特劳斯)描绘了多瑙河清澈的河水在微风吹拂下波光粼粼的美丽风景。而中国钢琴音乐的标题所标示的不仅是大自然的美丽风光，而且要通过对美丽风景的描绘来表现人的心理情感。

《火把节之夜――云南风俗往事》(廖胜京曲)，表现的不仅是少数民族青年男女在月光下歌舞的场景，更多的是表现男女青年们的欢乐喜悦和青春萌动的心理状态。钢琴组曲《庙会》(蒋祖馨曲)展现在听众面前的是一幅栩栩如生的民间风俗画，这里有赶集的村民、购货的商贩、玩杂耍的艺人、打鼓说书的老汉和乡间小戏的演员……恰如一幅音乐版的《清明上河图》，充满了浓郁的民俗文化气息。

由此可见，中国钢琴音乐的标题不仅具有较高的文学性，讲究字面的寓意，而且还注意文字背后深刻的含意以及文字与音乐密切结合后所表达出的情与景的关系。在中国传统音乐中，情与景是始终相互交融的，这种交融是相互感应、相互沟通、相互交流、相互共鸣而产生的。

二、旋律的线性特征

在我国传统音乐中，旋律艺术有着主宰作用，音乐中横向运动的单线型旋律与中国书法中的点画变化在运动形式、对比变化、原则方法上有很多共同之处，恰如我国古代建筑艺术偏好大屋顶、单层四合院一样，呈现线性的、平面的特征，“线条美”是我国传统艺术的美学特征之一。汉语言文化对传统音乐的旋律也有着不可估量的影响，在汉字抑扬的声调上，在朗读的顿挫上都具有明显可辨的高、低、长、短及音色变化，与音乐旋律有着最原始的相似之处。各地区的方言差异对音乐旋律的产生及风格特点的形成起着极为关键的作用。

语言特色使我国的民族音乐具备了强调声音的波动、追求横向曲线上独特变化的音乐韵味和艺术特征。从表象上与西方块状结构的交响乐相比，中国线性结构的传统音乐没有交响音乐那样宏大的音量，和声立体效果似乎也没有西方音乐那样丰满，显得简小单薄，但线性结构具有块状结构所不能替代的审美功能，欲达到“大音希声”的高超境界，中国音乐线性结构的优越性往往会充分地体现出来。一句看似简单的横向运动着的单声部旋律，经过演奏者在节奏上或具体到对每个音的装饰变化的处理上，往往能挖掘出深厚的音乐内涵和情感，这无论是在我国的歌舞音乐、民间戏曲，还是在运用共性技法创作的钢琴曲、交响曲中都有所体现。可以说，“以少言多”、“计白当黑”、“以有限为无限”、“韵在言外”是中国传统艺术的共有特征，覆盖了音乐、戏剧、书法、篆刻、中国画等诸多种类。

传统音乐内容陈述的主要途径是通过旋律来进行的，因此，我国钢琴音乐创作在继承发展民族音乐文化的过程中必然要强调旋律的表现性能，挖掘旋律的内涵，使之与钢琴在和声效果、复调手法等方面进行纵向、横向多层次的叠合，使旋律更为丰满，更具有民族风韵和表现力。多年来，中国钢琴艺术家创作了许多深得大众喜爱且广泛流传的优秀作品，他们在创作过程中熟练运用西方现代作曲技法，对富有中国特色的旋律进行和韵味渲染都起着丰富和强化的作用。

改编曲是我国钢琴作品曲库中的重要内容，改编大多根据传统乐曲或经典歌曲创作，旋律耳熟能详，这些作品流传广泛，很受欢迎。黎英海先生创作的钢琴曲《夕阳箫鼓》，其“原型”是一首传统琵琶名曲，作曲家在改编时基本保留了原曲的结构，但对乐曲内容做了剪裁和压缩，使其显得更为精粹凝练。音乐飘渺潇洒，用钢琴弹奏后产生出一种新颖别致的风格，有人称之为东方情调的小夜曲。作曲家在织体写法上吸收了中国传统的支声织体手法，发挥调式和声的色彩功能，对旋律进行细腻的渲染和润色，让旋律在不同的声部、不同的音区流动出现，音韵生动，情景交融，极大地丰富了音乐的内涵。乐曲的尾声用对比复调手法把类似古琴奏出的浑厚的低音和类似古筝弹奏音色的高音主题交织在一起，在渐弱的音乐声中听众仿佛看到了这样一幅画面：归舟远去，漂浮在江面上的鼓声、歌声、桨声连同笙、箫、琵琶的乐音均消失在茫茫夜色之中，万籁俱寂，只剩下水面上的粼粼月光。乐曲格调清新淡雅，宛如中国水墨画的意境。

储望华根据华彦均的同名二胡曲改编的钢琴曲《二泉映月》是一首非常成功的经典作品。作者在改编时对旋律进行梳理，删去乐曲中即兴演奏的成份，使之更适合在钢琴上演奏。作品充分发挥了钢琴乐器本身在音乐表现上的特长，丰富的和声效果、宽阔的音域、宏大的音量和音色的变化给听众留下难以磨灭的印象。乐曲的主旋律以单音、双音、八度、和弦等形式在不同的声部出现，对加音三和弦，变功能和弦及七、九和弦的运用，进一步强化了乐曲的民族风格，也进一步增强了旋律的表现功能。改编后的钢琴曲不仅融进了作者对苦难人生历程的叹息，更多的则是体现了对自由、光明和幸福生活的渴望。乐曲高潮处仿佛表现了作者在风清月明之夜乘风翱翔、直上广寒宫的意象，然而那高处不胜寒的天宫毕竟不是凡人居住的地方，这里所表现的是一个与阿炳原曲所表达的哀怨不尽相同、更为超脱的艺术境界了。

三、和声技法的继承与创新

几千年来我国的传统音乐在发展流传的过程中已形成了自己独特的旋法特征和调式结构。它以五声音阶为主，又在五声音阶的基础上发展成了六声音阶和七声音阶。由于六声、七声音阶均由五声音阶发展而来，所以五声音阶的旋法特点、调式法则等一系列逻辑规范都渗透到了六声、七声音阶中。在六声、七声音阶中，五声骨干音就成为“正”音，其余音被称为“变”音或“偏”音。近一个世纪以来，我国作曲家在钢琴音乐创作中不断探索中西互融的民族化道路，在和声风格的民族化，和声技法的现代化、多样化方面作出了不懈的努力，使功能和声与调式色彩和声的手法在钢琴作品中得到了广泛而有效的使用。

在钢琴音乐作品中，和声是重要的表现手段之一，和声风格的发展与创新不仅和音乐表现的内容密切相关，而且还和社会生活的需求和特定的民族审美心理有着直接的联系。作曲家要根据作品内容表现的需要，根据作品风格的需要，使西洋传统和声的功能性与民族和声的色彩性相融合，前者在作品中起逻辑―主干作用，后者在作品中起表现―烘托作用。我国民族调式和声的依据不是大小调体系，而是民间的“宫、商、角、徵、羽”五声及六声、七声调式，因此，民族调式和声的运用范围要比西洋传统和声的范围更为广阔，灵活性更强，色彩更为绚丽，浓淡相间，显示出我国民族调式和声色彩更富有民族性、独特性。为了使钢琴作品符合中国人的审美习惯，更好地体现自己的民族风格，中国作曲家们在和声的使用上表现出灵活多样的选择，打破传统的三度叠置结构的和声形态，使和弦出现了自由多变的结构形态，如四度叠置和弦、二度叠置和弦及以此为基础的各种附加音和弦，从而使作品在民族特色上更加富于创新。

小二度音程是尖锐的不协和音程，对听觉有较强烈的刺激。近现代作曲家非常喜爱小二度音程所蕴藏的丰富表现功能。在许多中国作品中，小二度音程有着不可替代的表现功能。为表现我们民族音乐的特性音调，作曲家用同时出现的小二度音程来表现陕北、甘肃一带民间音乐中微升高的清角音(约为1/4个全音，音高约在Fa与#Fa之间)和微降的变宫音(约为1/4个全音，音高在Si与bSi之间)，原本在平均律的键盘乐器上是无法弹奏的，但作曲家运用小二度音程的同时出现，两音的碰撞产生了意想不到的效果。

大二度音程在我国钢琴作品中使用也较多，在五声调式中，大二度在五音列之内十分常见。在传统和声中，大二度音程列在“温和的不协和音程”――但在中国作品中使用恰当，会使民族色彩更加突出。

四、五度结构的和声，是以四、五度和声音程为基础而形成的，因为它与传统的三度叠置功能和声的结构不同，在上世纪30年代我国作曲家创作的作品中就开始使用以四度、五度叠置的和声方法来体现中国作品的民族风格。如贺绿汀创作的《牧童短笛》等。

四、五度音程和声结构也可以组合在一起使用，形成四、五度叠置构成，在这一情况下，四、五度结构的和声大多采用平行进行，以服务于线性的旋律。四度叠置的和弦也会以八度为一个框架的两组纯四度的拼叠，在音响上与传统和声不同，与我国民间曲调常见的四度旋律音程和琵琶、笙等乐器的自然和声方法一致。由于音程关系与我国琵琶乐器的空弦音高相同，其音响效果符合我国民众的听赏习惯，在乐曲中使用极易获得鲜明的民族特色。在四度、五度和弦中插进不同的附加音，可以增加音响纯净的四、五度和弦的力度感、动力感。

四、对民族乐器音色的模拟

由于中国的传统音乐讲究线性美，所以中国乐器在演奏上特别注重富有个性特征的音色的变化。传统乐曲中的每一个单音上都可以被装饰，用波动、振动、滑奏、力度变化等丰富的手法对旋律加以润饰，从而使中国音乐产生了特殊的东方韵味。20世纪以来，随着对我国传统音乐文化遗产的挖掘整理，作曲家和演奏家的想象力、创造力得到了充分的发挥，使得更多的传统音乐精品得到流传。作曲家们创作了更多的新的民族音乐作品，为适应这些新作品内容表现的需要，对演奏技术也就提出了更新、更高的要求。

我国音乐家在对民间乐器的演奏技术进行梳理总结的基础之上进行提炼，使各种技法得到进一步完善。针对中国民族乐队低音乐器不足的情况，吸取西洋低音提琴的长处，发明了“革胡”。从小提琴的制造工艺得到启发，把二胡的“千斤”从丝弦缠扎改为可调节音准的“千斤”，适当增加了二胡琴杆的长度，把二胡的缠弦改为类似小提琴的金属弦，这样就使得二胡换把的把位增加，音域拓宽。

二胡的弓也从马尾扎弓改为类似小提琴的调节弓，长度也明显增加，推动了二胡右手运弓技术的发展。这些融合了西方乐器制造工艺和演奏技艺的创新，对我国传统乐器演奏技术的提高、传统乐器的音色开发、传统音乐内容的表现力的增强都起到了有效的拓展作用。中国乐器音色变化的内涵和中国传统文化背景是紧密相连的。和谐、含蓄、均衡的中庸之美对传统音乐影响深远，强调“天人合一”、“大音希声”，在思维方式上不太重视所描述具体对象的精确性，而主要表现总体的“气质”、“意境”、“神韵”。在音乐表现中，要求虚虚实实、虚中有实、实中有虚，对音色要做到刚柔相济，这些都是表现中国音乐特殊韵味的重要手法。因此，要在西洋乐器上完全模拟再现出由中国乐器演奏所产生的特殊韵味是相当困难的，钢琴是击弦乐器，就乐器本身而言，它的音色有着金属般的明亮感，但在具体作品中，作曲家可以通过创作技法的处理，手指触键部位不同及下键速度的变化，使音色产生微妙的变化而达到预期的民族乐曲演奏的效果。

中国钢琴曲中对特殊音色的追求，多半属于对民族乐器音色的模仿。在《二泉映月》中，作曲家采用大量三度与二度的单倚音模拟二胡的滑音奏法;杨矛创作的钢琴曲《无锡景》充分利用钢琴音域宽广、低音浑厚的特点，形象地模拟出了古琴和箫的音响效果，使作品达到了诗一般的意境，具有中国音乐的特殊韵味。

纵观中国的钢琴音乐作品，其创作历史虽不足百年，但经过几辈作曲家的努力开拓，学习运用西洋创作技艺并融入我们自己的传统音乐文化，使中国钢琴作品在旋律特色、调式和声、复调及其音响色彩上呈现出鲜明的民族传统文化特色，是中西共融的音乐文化结晶。这对于在世界范围内宣传中华民族文化，揭示民族精神气质和生活风貌是大有益处的。中国的民族音乐文化若要以自己独特的风韵自立于世界，也需要继续吸收西方优秀的音乐文化，将一切可用技艺都融化于中国民族音乐的精髓之中，创作出更多更好的为世界各国人民所喜爱的音乐作品。

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钢琴是一种键盘乐器，用键拉动琴槌以敲打琴弦。从十八世纪末以来，在欧洲及美国，钢琴一直是最主要的家庭键盘乐器。钢琴发源于欧洲，十八世纪初，意大利人克里斯多佛利(Bartolommeo Cristofori)发明的一种类似现代钢琴的键盘式乐器。至今已有三百多年的历史。以下是今天读文网小编为大家精心准备的：浅析中国钢琴音乐作品中的民族特性相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

浅析中国钢琴音乐作品中的民族特性全文如下：

摘 要：钢琴传入中国以后，艺术家们对钢琴创作的技法和调式调性、曲式和声等方面都进行了民族化的探索使中国钢琴音乐文化不仅在表达中国人民的思想和民族意蕴，积累宝贵的经验，同时在世界的舞台上还占有一席之地。该文主要就钢琴音乐作品中音调、音色及演奏中的民族特性展开讨论。

关键词：钢琴 民族特性 钢琴音乐作品

中图分类号：J6 文献标识码：A 文章编号：1674-098X(2013)04(b)-0240-01

钢琴作为西方乐器，在传入中国以后，我国的艺术家们就开始了钢琴音乐作品的民族化创作。经过艺术家们的不懈努力，百余年里创作了大量的优秀中国钢琴音乐作品，这些钢琴音乐作品不但创作手法新颖独特，而且还具有浓郁的民族特色，同时还形成了自己独特的民族化风格。经过这一百多的发展，中国钢琴音乐从1915年赵元任发表出版的中国第一首钢琴曲，到萧友梅和沈仰田多国外钢琴曲的模仿再到王建中的《百鸟朝凤》和黎英海的《夕阳箫鼓》的出现，则标志着我国钢琴音乐的发展进入到了一的成熟期。本文将从音调和音色的民族化特性、演奏的民族化特性和钢琴音乐中的联想等几个方面，来描述带有民族特性的中国钢琴音乐作品，进而说出中国钢琴音乐作品的独特之处。

1 民族化特性的音调、音色

旋律、音调是中国音乐作品中最主要的表现手段。在中国所创作出来的钢琴音乐作品则是把传统的音乐当作蓝本，根据西方钢琴音乐作曲手法对中国传统的音乐进行改造而创作的。这些只要是与中国传统有渊源的作品，就会具有浓重的民族特色韵味，并且这独特的韵味风格就会显得十分突出、

民族化音色，音色是影响到整首曲子的影响力和感染力。中国传统音乐音色是一种线条美，常常是较自由的使用颤音和滑奏的演奏手法来修饰表现出来的，因此表现出钢琴音乐作品的民族性的重要方式就是模拟民族器乐的音色和演奏手法。然而，我国的民族乐器在音色和音响上比较独特，就这种独特的音色和音响效果，使演奏的音乐富于浓郁的中国韵味，更充分的体现了我国广大人民的审美情趣。

对于钢琴音乐作品音色的民族化模拟，演奏者把钢琴作品演绎的惟妙惟肖，这样不仅可以引起听众听觉上的丰富联想与想象，还使得钢琴音乐作品的民族化被广大群众接受。在中国模仿民族乐器奏法的钢琴音乐作品有很多，在这些作品中常常使用不同的奏法、不同的触键、及踏板的应用和在音色、音调上的对比来进行模仿。演奏者在模仿演奏此类的音乐作品时，只有把传统的演奏手法和西方的演奏技巧相结合，才能更好的发挥出艺术的感染力。例如，在唢呐改编曲《百鸟朝凤》中，作曲家在奏法和技巧方面大量的应用装饰音和和不协和的音程，来模拟表现出曲中唢呐的滑音韵味，这样就惟妙惟肖的模拟出唢呐的演奏风格与韵味。在二胡经典曲目《二泉映月》中，作曲家大量运用二度与三度单倚音来进行模拟二胡的滑音演奏技巧，使得曲子显得活灵活现。在《翻身的日子》中作曲家加入小三度和小二度装饰音，进行模仿管子的风格特征，还在乐曲中进行双手交叉演奏，左手低声部旋律演奏等等这些作曲演奏技法，使得曲子增加了诙谐的气氛。在这些音色、音调民族化的模仿中，同时也创造和发展了符合中国钢琴音乐作品的特殊演奏技巧，也产生了在西方钢琴音乐作品中所没有的民族化艺术特色，更丰富了中国钢琴音乐中的民族特性。

2 演奏的民族化特性

独特的音色演奏和多种样的装饰音的应用是表现中国传统音韵的重要手段之一。对于中国钢琴音乐作品文化血缘是和中国传统的音乐作品是一脉相承的。无论是哪部中国钢琴音乐作品，在演奏艺术的意境上和演绎的音乐内涵上，都与中国传统的文化息息相关。对与作曲家们无论是将中国传统的曲调与西方的作曲技法和在音调的色彩调性、和声织体的运用，还是对于新音色和民族神韵的追求，这些都是作曲家们为了体现民族化的特性特征。因此，这些所谓的民族化钢琴音乐作品在艺术表现上也应该符合中国传统的审美习惯与审美标准。

与中国传统乐器相比，钢琴的音色及润腔是比较单一的。要想完美的演奏出民族化的钢琴音乐作品中的民族神韵，演奏除了熟练掌握传统的演奏技巧技法外，还要会熟练的应用一些特殊的演奏技法。同时还要演奏者还要具有很高的传统民族音乐素养，更是熟悉民族音乐的特点，充分的发挥自己的想象力，将民族音乐的风格和独特神韵，以自己合适的方式细致准确的表达出来，达到“人琴合一”的状态。

3 钢琴演奏中的联想

钢琴与中国传统音乐不同，它是一种固定音高的键盘乐器，它不像中国传统乐器那样可以作出特别细微的音高变化。钢琴在发音后，它的发音的音量是逐渐减弱的，而民族乐器可以收到一些外在因素而逐渐加强。还有就是钢琴音色受到钢琴本身决定的，这样就没有中国传统器乐那么富有表现力了。就钢琴的音色而言，它的音色是单一的，但是可以通过一些演奏方法和演奏技巧，对一些音区和音量的对比，完全是可以产生不同音色上的联想。像在弹奏《夕阳箫鼓》时，演奏者的脑海中就应该有哪些传统乐器的音色、音调，这就是我们所说的有形联想。这有形联想就是演奏者在演奏时脑海中对作品的分析及对民族乐器的模拟，形成一种超前意识。从而是作品更具有民族化特性，使作品更富有表现力。

既然有这种有形的联想，那么在钢琴演奏中，就有无形联想。对中国人来说，创造和对艺术的再现追求是意境至上的。中国有句老话，“内得于心，外应于器”这是中国在器乐演奏中的美学标准之一，这就是我们所说的无形联想。这种无形联想具有很强的主观性，是超乎与具体的作品之外的。因此，要想真正的表现出民族音乐神韵，就有具有很高的民族音乐素养，扎实的民族文化功底，还要对音乐有较深的理解能力。同样还要求演奏者一定要在西洋钢琴奏法的基础，并结合本民族乐器的演奏方法，使自己领会作品中所蕴涵的浓郁的民族气质。在演奏中还要充分的发挥想像力，这样才能使作品起到传神的效果，以达到形神具备的境界。

4 结语

中国钢琴音乐作品经过这一百多年的发展，无论是在创作，还是在演奏上都有了明显的民族化特征，形成了自己独特的民族化特性的音乐特点。它以独特的创作手法，并且带有浓郁的民族音乐特色深受广大人民群众的喜爱，更向世界展示了中国传统音乐和独特的、带有浓重民族特性的钢琴音乐作品的无穷魅力。在世界多元化的今天，中国钢琴音乐作品的创作应该在传统的音乐的弘扬的基础上，学习借鉴西方钢琴音乐文化的精华和成果，大力彰显我国钢琴艺术所具有的民族特征，以具有建设中国特色的钢琴音乐文化，使中国钢琴音乐民族化特性呈现出更加繁荣昌盛的新局面。

参考文献

[1] 席悦.中国钢琴音乐作品的民族特色[J].青春岁月，2012(4)：11.

[2] 杨文.中国钢琴音乐作品的民族化特征[J].音乐探索，2005(1)：70―74.

[3] 毛凯.论中国钢琴音乐的民族特性[J].作家空间，2010(9)：251―252.

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