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所谓艺术设计,就是将艺术的形式美感应用于日常生活紧密相关的设计中,使之不但具有审美功能,还具有实用功能。换句话说,艺术设计首先是为人服务的(大到空间环境,小到衣食住行),是人类社会发展过程中物质功能与精神功能的完美结合,是现代化社会发展进程中的必然产物。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:聋哑人艺术设计课程的训练方式和方法探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
随着我国教育体制的不断发展和完善,越来越多的聋哑人走出了家门,克服自身的先天不足,弥补缺失,选择学习不同的生存技能,本文针对聋哑人这一特殊群体制定了不同于正常人的特殊训练方式和方法,能够更有效的让聋哑人和正常人一样拥有一项特殊的生存技能。[1]
随着我国高等教育的普遍发展,以及国家政策对残疾人接受教育的大大支持,我国大批的残疾人都加入了噶搜等教育的行列。由于聋哑人在先天上的不足,在激烈的社会竞争环境下,着重培养聋哑人一些特殊才能,而绘画和艺术类的学习普遍会成为聋哑人家人默认的适合聋哑人的生存技能。而聋哑人除了自身的残疾以外,对这种生存技和正常人并没有任何的区别,进而学校普遍采用正常人的教学方法进行残疾人艺术特长的培训。可实际上这些聋哑人从身体和心理上都区别于正常人,他们会以特殊的方式和外界进行沟通。因此,我国目前对聋哑人的教育方式方法存在着一定的弊端,应选择比较有针对性的特殊教学,因材施教才能更好的将艺术设计课程传授给聋哑人。
1.加强形式语言训练
艺术设计中的形式语言是艺术设计的根本,表达了艺术设计师对事物的视觉化变现。对于聋哑人而言,艺术设计的形式语言就像是第三种语言一样,视觉上的语言对于聋哑人并不会区别于正常人,并没有什么劣势,反而对于聋哑人来说,先天的聋哑缺陷反而会让他们的视觉更加的敏感,更有助于艺术课程中形式语言的学习和应用,根据这一点,可以加强聋哑人艺术设计课程中形式语言的训练。但是由于聋哑人先天缺陷导致的对事物的认知能力存在一定的不足,因此这项加强训练需要循序渐进,不能急于求成,并且可以充分利用聋哑人的模仿能力,先从模仿其他的优秀艺术设计作品开始,培养他们对艺术设计的感知能力,从更多的优秀作品中学习到精华的艺术语言。例如在征集《第六次人口普查》聋哑人的艺术设计作品中,引导聋哑人将优秀的设计作品的创意元素进行合理的整合,这样既能避免了抄袭,又能使聋哑人在优秀的艺术设计作品中学到精华,同时艺术设计在聋哑人手中也得到了创新。[2]
2.加强视觉创意训练
艺术设计课程对于聋哑人最难掌握的一点就是创意的设计,而创意的设计又是艺术设计课程的核心所在。聋哑人的先天缺陷导致他们对事物掌握具有片面性,逻辑的思维能力也因为先天的语言缺失不同于正常人。因此我们在聋哑人的艺术设计课程的训练中,多多注重逻辑思维能力的培养,在进行艺术设计之前对事物进行全面地讲解,让聋哑人更价全面的了解设计的对象。根据聋哑人在这一方面的缺失,聋哑人艺术设计课程应该开设实际创意的训练,加强弥补先天不足。[3]
3.加强个别辅导
针对聋哑人自身特点所指定的艺术设计课程的训练法法中,加强个别人的辅导,并引导这些突出的拔尖生去带动其他的聋哑人。根据聋哑人的自身特点,他们更加喜欢“抱团”,并且残疾人之间的沟通更加默契,他们会以自己最能接受的方式互相帮助。并且能够培养聋哑人之间的尊重和信任。相互之间会更加的努力学习相互竞争相互帮助,更有效的提高学习效率。
1.强化专业理论课同实践相结合
针对聋哑人的自身特点,其优势在于能够很好的机械性的记住理论知识,从刚开始接受教育便机械化的记住课本的理论知识,但实际上,聋哑人缺少的是实践动手能力。受所受教育的影响,很多的聋哑人只懂得基本的理论知识,缺少实际经验,并且聋哑人的认知能力较弱,先前的语言障碍使得聋哑人的逻辑思维能力也较弱。因此针对性的训练方法更加有利于聋哑人对艺术设计课程的了解和学习。只有理论和实际相结合,才能更加生动形象的将艺术特性展示给聋哑人,让他们实际的融入到真正的艺术设计当中。
2.突出重点,图解理论
由于聋哑人的沟通存在一定的障碍,并且对事物的认知能力较差,联想能力较差,在聋哑人的艺术设计课程当中,必要的图解法能够更加生动形象的展示艺术设计的理念和思想,并且手语在表达过程当中也从在一定的障碍,一些语言无法准确无误的表达出来,而图片便会弥补这一缺失,在专业术语的解释上可以充分的利用图解法进行具体的解释。突出艺术设计课程所要表达的重点,领会各种理论概念的精华所在,这一训练方法可以强化师生之间的交流和沟通,并且锻炼了聋哑人建立事物之间的联系性,弥补先天缺陷。
3.培养独立性自主学习的能力
在聋哑人的成长过程中拖离不了对父母对他人的依赖,这种依赖性带到学习中来,具体表现为学习没有主动性,过分依赖老师在课堂上的教学内容,缺乏思维的独立性创新性。针对聋哑人的这一生活习惯,在艺术设计课程的教学过程中,重点培养聋哑人的独立性,摆脱依赖性。分配不同的实验课题,完全由聋哑人自己独立创作独立完成,并且适当得到鼓励。在学习和实践的过程当中锻炼自己的独立性,积极主动地学习知识。
4.分组学习,锻炼组织能力和团结能力
在以往聋哑人的生活习惯中,无声的世界导致这一群体的封闭性,而艺术设计课程需要多元化的创作思维,在特殊的教育体制中,应着重培养聋哑人的组织和团结的能力,分发不同的选题,分组进行研讨,吸取多元化创作思维,有力的推动了聋哑人之间的交流和沟通,开阔了视野。
结束语:
虽然聋哑人生活在无声的世界里,身体上的先天缺陷制约了他们多方面的发展,但是,随着我国教育体制的不断完善,聋哑人也能熟悉的掌握一项才能,在社会上立足,针对这一特殊的人群制定了社会聋哑人学习艺术设计课程的特殊的训练方式和方法。
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展示空间艺术设计,是指将特定的物品按特定的主题和目的加以摆设和演示的设计。它是以信息传达为目的的空间设计形式,包括博物馆,科技馆,广交会,博览会和各种展销、展览会等,还有商场的内外橱窗及展台、货架陈设。 现代展示是一个有着丰富内容,涉及广泛领域并随着时代发展而不断充实其内涵的课题。展示环境的空间设计也是一个以环境艺术设计学科为主,涉及其他多种相关学科的设计领域。以下是读文网小编为大家精心准备的:展示空间艺术设计研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:在现代社会中,展示空间可以作为一个传达资讯的载体,成为交流和体验的空间场所。随着社会的不断进步,展示空间的设计方法和手段也逐渐的趋向多元化。在展示设计中,要把握好节奏设计,坚持以人为本的设计理念,注重空间性设计,有效利用空间,增添空间的艺术效果,能够有效提高观众对于空间所蕴含信息的接受效果,建立空间展示产品与观众之间的联系,在观众心中树立理想的产品形象。
展示设计是指将一个物品按照某一特定的主题进行设计,通过摆设向观众展现出其设计主旨与设计意图的一种设计。简单地说,展示空间设计就是通过各种摆设、空间整体结构、空间设计风格等,以信息传达为目的,向观众传达设计者想要传达的信息的一种空间设计形式。展示设计在实际生活中随处可见,是人们日常生活中重要的信息来源之一。较为有代表性的展示空间设计包括有博物馆、科技馆、展台、商场货架等。展示空间设计在设计方法及程序上是一个综合性较强的学科,涉及到其他空间设计、室内室外设计、自然景观设计、环境艺术相关领域。由于展示空间设计较为抽象,因此想要对展示空间设计进行深入的研究,首先就应明确“展示空间设计”的概念、本质等基本内容。
(一)空间
“空间”是一个意义较为抽象的概念,就其展现形式而言,可将空间分为“有形空间”与“无形空间”两类。有形的空间指的就是围定空间的事物对空间的大小、形态进行实际限定,使空间成为可感知的有形空间。有形空间的属性,如大小、形状等,在一定程度上由有形空间的围护物决定。没有实际事物围定出来的,单纯由意识界定出来的空间即为无形的空间。无形的空间是抽象的,其是一种不可被感知的空间形式,其大小、形态等空间属性由意识直接决定。无形的空间与有形的空间是一种辩证关系,有形的空间与空间围护物之间存在一种互相依赖关系,这两种关系展现了空间的两重性,使得其在实际设计中具有广阔的创造空间。
一般地,在展示空间设计中,常说的空间为四维空间,主要是由于在实际中,空间是在不断变化的,随着时间的改变,空间所带给观众们的主观感受也是在不断变化的,因此,在展示空间设计中,时间要素是空间设计中不可忽视的一个元素。设计师需要设计一个能够与观众产生意识信息交流的动态空间,进而使得观众在空间中能够有动态而完整的感官感受。另外,在空间设计中,不少设计师喜欢利用空间的流动性来营造空间的气氛,传递空间所蕴含的信息。对空间内部的场地进行合理规划,在所需要规划的空间内采用特定的表现形式向观众展示空间内所蕴含的信息。整体的空间规划能够对观众接受信息起到一定的引导作用,与此同时,特定的展现形式营造出更加富有变化的动态的空间效果。对空间内的场地进行规划,一般包括直线空间规划、弧线空间规划等几种。
直线空间规划是利用几何直线对空间内场地进行合理规划,这种规划效果通常带给观众一种理性的、简洁的、有序的感受。而弧线空间规划是指用弧形流线对空间内场地进行分割规划,规划出的子空间较为随意,能够带给观众一种更加自由、灵动的感受。在空间展示过程中,不同的展示形式能够使观众在浏览过程中心中产生不同的欣赏节奏感,使得整个空间的展示变得更加有张有弛,有详有略,使得空间所蕴含的信息更加富有弹性,富有变化。近几年,随着科学技术的不断发展,人们对展示空间艺术设计的不断深入研究,更多的空间展示形式被融入到展示空间设计中去。将现代计算机技术、多媒体技术、光影技术等多种现代科学技术融入其中,使得空间展示设计更加多变,在空间展示效果上更加真实、更加富有质感,大大增强了展示空间所蕴含的信息量。
(二)功能空间
展示空间是一个大的信息整体,由多个功能空间共同构成。设计师想要设计一个合理、科学,且能够准确引导观众接受自身所要表达的主旨,则需要将各个功能空间进行有机结合,合理规划,并且从单纯的传递信息到最后达到一定的艺术水平,具有一定的美学价值。功能空间依照其行使的功能可分为大众空间、储存空间、操作空间、主题空间、接待空间等等,多个空间之间的联系需要富有逻辑性,设计者对其进行合理安排,使各个功能空间能够和谐存在的一个大的展示空间中,展现所要表达的主题,进而对主题进行宣传,对产品的信息进行传递,塑造空间主题的合理形象。另外,由于功能空间的加入,使得展示空间成为一种具有极强实用性的艺术设计形式,构成展示空间的全部功能空间都具有自身特定的功能,在展示空间中形式自身的职能,共同为展示空间的最终目的进行服务,使之成为井然有序的空间整体。因此,在进行展示空间设计时,要对空间内所需要的功能空间种类进行合理区分,功能空间的位置进行合理分区规划,这也是进行展示空间设计的最基本步骤。为了提升功能空间的合理性以及功能空间的艺术价值,在实际规划设计中需要注意功能空间的方便性,适当地还可以增加一些光影技术、数码技术、多媒体技术等,合理增添功能空间内的艺术节奏,进而构建出理想的展示空间。
展示空间艺术设计,是指将特定的物品按特定的主题和目的加以摆设和演示的设计。它是以信息传达为目的的空间设计形式,包括博物馆、科技馆、广交会、博览会和各种展销、展览会等,还有商场的内外橱窗及展台、货架陈设。 现代展示设计是一个有着丰富内容,涉及广泛领域并随着时代发展而不断充实其内涵的学科。
(一)展示空间节奏设计
在展示空间设计上,需要注意展示空间的节奏设计。空间是具有流动性的,同样展示空间相较于其他设计形式而言,最具有代表性的就是其具有极强的流动性,能根据观众的反应情况进行动态变化,更容易将信息传递给观众。因此,在展示空间设计上需要把握空间的流动性,对空间的动态变化、空间的序列变化以及空间的节奏变化都要进行充分的把握与设计。观众在展示空间内进行参观时,是处于动态变化中的,动态变化使得观众在空间内所获得的主观感受也在不断变化。
在展示空间设计中,需要将观众的动态感官变化这个因素考虑进去,使得观众在参观过程中的感官变化有着鲜明的节奏感,合理安排观众在展示空间中的观赏路线,使得观众能够动态参与并感受到空间的流动变化中。对于观众的观赏路线切忌重复,展示空间做到详略得当,但重点的功能空间切忌重复出现。对空间进行动态处理就如同将空间的观赏路线做成一段动态节奏,进而达到抑扬顿挫、优美流畅的效果,使得观众在观赏过程中不仅接受到展示空间中所蕴含的信息,同样认可展示空间的美学价值,留下理想印象。另外,在我国传统空间艺术上,有大量的情节交融的空间艺术作品,在现今我国展示空间设计上引用传统空间设计元素,更容易与我国观众产生情感共鸣,值得借鉴。
(二)坚持以人为本的设计
展示空间其根本目的是为了将所展示产品更好地宣传,在观众意识中树立理想形象。就其本质来看,展示空间是一个让产品与观众之间产生关系的媒介,因此展示空间在保证其设计能够达到产品宣传、赏心悦目的同时,还要注意观众的需求,使其更好地服务于观众。观众在展示空间中所获得的全部感受就是产品与观众之间的联系。观众是展示空间的根本服务对象,观众对展示空间的需求不仅仅是信息层面上的,更是精神层面上的,因此在这两个层面上展示空间都应当秉承以人为本进行合情合理的设计。因此在展示空间的设计中,需要对其内在功能空间进行合理舒适的选择规划,从人的视、听、嗅、触等多感觉角度,全方位地展示空间效果,保证展示空间的便捷性、舒适性。另外,为了增加展示空间的舒适性,对于各空间的排列划分、空间大小形状的规划,需要结合人体工程学的知识进行设计,旨在打造一个令观众感觉温馨舒适的空间环境,从满足观众心理需求着手,树立理想形象。
(三)空间安全性设计
展示空间是一个开放空间,但相对来说,由于其各个空间成分联系紧密,又可以将其看作一个半独立空间。展示空间内由于需求会放置些仪器设备,以及能源消耗设备,因此展示空间内存在一定安全隐患,设计者在设计时需要考虑空间的安全性,对于存在安全隐患的设备应单独设立空间隔绝起来,并采取相关的安全措施。
(四)有效空间利用设计
对产品进行宣传是展示空间的主要作用,因此对于空间产品位置的设计需要达到醒目、有效宣传的要求。因此对于展示空间的设计还需要注意其逻辑性、功能空间排列的科学性以及对有效空间的合理利用。设计在对展示空间内部进行规划安排时,必须考虑空间安排与产品信息的结合,不同特点的产品所需要的展示形式不同,在空间中可以利用的有效空间不同。例如,为商业活动做展示空间,需要有足够大的场地,同时各分场之间需要有紧密的逻辑性与联系,方便观众在参观时能够将信息紧密连接,有序地进行参观。另外,商品位置需要放在显眼位置,设计者可以通过对显眼位置进行视觉设计来吸引观众眼球,达到视觉冲击效果,给观众留下深刻印象。
在传统的概念中,展示空间也可以叫做展览或者陈列。在现代社会中,展示空间可以作为一个传达资讯的载体,成为交流和体验的空间场所。随着社会的不断进步,展示空间的设计方法和手段也逐渐的趋向多元化。对展示空间进行合理设计,增添空间的艺术效果,能够有效提高观众对于空间所蕴含信息的接受效果,建立空间展示产品与观众之间的联系,在观众心中树立理想的产品形象。
展示空间艺术设计研究相关
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辅导员是高校学生思想政治教育的主体队伍之一,在新的历史时期,辅导员要把握时代特点,更新教育观念,遵循教育规律,创新工作内容,改进工作方法和工作艺术,提高自身工作素质,以便帮助学生认识社会,培养学生的自我服务能力。以下是读文网小编为大家精心准备的:艺术类博士生辅导员工作方法刍议相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
艺术类博士生辅导员工作方法刍议全文如下:
摘 要:艺术类博士生从规模上看是一个小群体,但作为未来文化艺术界的中坚力量,其业务水平和道德情操直接对我国艺术创作的整体质量和水准产生影响。应根据艺术类博士生的特点,建立一套有针对性的辅导员工作方法体系。
关键词:艺术类 博士生 辅导员 工作方法
Abstract: Arts Doctoral terms of size is a small group, but as the future backbone of the arts and cultural sector, the business level and morality have a direct impact on the overall quality and standards of artistic creation. Art should be based on the characteristics of doctoral establish a targeted counselor working methodology.
Key words:art; doctoral; counselor; working methods
艺术类博士生从规模上看是一个小群体,但对于我国文化艺术发展而言,这个群体潜在的影响力是极大的,作为未来文化艺术界的中坚力量,其业务水平和道德情操直接对我国艺术创作的整体质量和水准产生影响。因此,在其在读的三年(或三年以上)时间里,对这一群体的思政教育等辅导员工作很有必要且应该被重视。然而在实际工作中,由于艺术类博士生年龄层分散、社会角色多样、个性意识较强等原因,辅导员工作开展常常遇到一些困难。
笔者认为,突破这些困难的关键在于,对其特点进行全面分析把握后,有针对性地开展工作。
笔者几年来面向艺术类博士研究生开展了若干工作,对这一群体的特点进行了一些总结,认为以下三点最为突出。
1.1 年龄层分散
年龄层的分散不均是所有博士研究生群体的共性。由于报考条件一般规定45周岁以下,遇特殊情况还可上调,所以有一些工作多年甚至已经评为副教授的教师会来报考攻读,其年龄一般为30岁以上,个别高于50岁。与此同时,随着一些院校硕博连读报考的开展,有部分学生本、硕、博连续攻读,此类博士生入学年龄只有26岁左右,非常年轻。于是可能出现两代人成为同年级同学的情况,他们之间存在的年龄鸿沟会导致有些博士生对同班同学亦感陌生,阻碍了正常的学习交流。
以上海音乐学院2014年在读博士研究生的年龄分布为例,在70位在读博士生中,25~30周岁的有35人,31~35岁20人,35岁以上15人。以30岁为分界,前后两者各占半壁江山,年龄差距之大相当明显。
1.2 社会角色多样
正如上文提到的,与年龄层的分散相对应的是其社会角色的多样。从职业角色来看,一般可分为如下几类:无工作经验的学生、曾参加工作但后来脱产学习的学生、在职攻读的教师,此外还有少量自由职业者;从家庭角色来看,又可分为子女、丈夫/妻子、父亲/母亲等。当这些角色元素交叉组合时,便生成了博士生的多样立体角色,如:无经济负担的独生子女,可以一心只读圣贤书;上有老下有小的中年学生,不光要尽孝、尽责,还要承担经济压力。其中,在职攻读者拥有学生和教师双重身份,脱产攻读者多是由教师转为学生,其角色转换与调适的程度决定了能否顺利地展开学习。
1.3 个性意识突出
衡量艺术专业学生学习成果的重要标尺是其作品的创新性,“作品具有鲜明风格”对他们而言是高度的肯定和褒奖。攻读到博士阶段的学生绝大部分是专业中的佼佼者,其思维活跃,视野宽广,更加懂得如何彰显自己的个性,不愿屈从一般。在艺术创作等学习生活中,这种个性意识是应当被倡导和鼓励的,但在工作中,我们会碰到个别博士生误把特立独行当创新,把唯我独尊当个性的现象。这些对个性的误读导致他们缺乏集体主义观念,将自己边缘化、封闭化,容易给正常的学习和交流制造障碍。
工作对象的复杂性决定了工作方法的丰富性。通过以上分析可以见得,在面对硕士研究生时运用的工作方法,被生搬硬套至博士研究生身上是行不通的,我们必须建立一套针对性强、可行性高的工作方法体系。从时间区间来看,这套体系应包含从入学到毕业;从工作内容来看,应囊括学术生活和业余生活各方面。笔者认为,可以从以下四个方面入手,对这一体系进行全方位的立体建构。
2.1 建立博士生基本信息数据库
数据库的建立可分两个部分。
一为固定部分:在学生入学之前,向招生部门索取新生信息进行摸底,学生入学后,进一步详读《新生登记表》上有关政治面貌、学习工作经历、曾任职务、家庭人口情况等信息,尤其对提交了《家庭经济困难认定申请表》的学生进行特别关注。这些信息通常来说是固定不变的,也是辅导员一般都会进行的工作。
重点在于第二部分,即机动部分:通过逐一访谈,了解他们在入党意愿、学术理想、就业志向等方面的想法,将谈话概要分类登入学生数据库。如果说固定部分反映了一名学生的历史和现状,那么机动部分便指引着其未来的发展方向,两者相加才能较为立体地反映其总体情况。需要注意的是,机动部分应每隔一段时间更新一次,并根据实际情况增减访谈内容。平时也应注意多与学生交流,及时、准确地掌握相关信息。如此一来,在我们开展思政工作时,能够将博士生年龄、身份等复杂信息轻松捋顺,流畅自然地根据学生情况引导谈话、给予指导,提高工作效率。与此同时,学生也会直观感受到辅导员对他的了解和关心,对辅导员加强信任,积极配合工作。 2.2 组织针对博士生的学术活动,将思政工作融入学术活动之中
辅导员要想开展好工作,就必须在吸引学生、团结学生方面下功夫。对于艺术类博士生来说,什么能最吸引他们呢?艺术类博士生的招生规模非常有限,成功入学的学生必定是激烈竞争的胜出者,所以特别珍惜来之不易的学习机会,希望通过博士阶段的学习,在业务水平上达成飞跃。故,学术二字往往是博士生生活的关键词。辅导员应充分认识到这一点,通过组织学术活动吸引学生参与,并在这一过程中与个别活跃的学生建立密切联系,通过他们辐射到整个博士群体。例如,笔者所在的上海音乐学院自2006年以来,年年举办研究生艺术节,至今已有九届。艺术节的重头戏之一――硕博论坛每年都吸引很多学生参与,其中就有不少博士生以此为平台展示科研成果,畅谈创作体会。专家讲座、博士学者交流、原创作品音乐会、博士生科研课题资助等活动和政策也深受同学们欢迎。在这类学术相关的活动中,辅导员抓住机会观察学生的学习进展、社交特点、心理状况,并以组织策划和现场参与的方式与学生建立深层次的交流,与他们交朋友。进而通过直接对话、网络关注等方式,实时了解其思想动态和心理情况,倾听他们的意见和建议。如果有学生的价值观发生偏差、心理状态发生异常,则可予以及时干预。
2.3 开展丰富的文体活动,疏解压力并增强集体意识
提到博士,浮现在脑海的常常是厚重的眼镜和孱弱的背影。无怪乎大众传媒对博士生形象的夸张,埋头苦读的理论家和潜心创作的作曲家的确存在缺乏运动、活力不足的现象。由于博士生群体年龄参差不齐,艺术类学生又需进行采风、比赛等活动,所以艺术类博士生的各自行动较多,集体行动较少。长此以往,很可能会有性格内向、不善言辞的学生走向封闭,对心理健康极为不利。所以,辅导员除了策划学术活动外,还应重视文体活动的开展,让同学们感受到集体的美好与力量,疏解学业、家庭等给予的压力。例如开展羽毛球、乒乓球等博士生感兴趣的运动量适当的项目,举办硕博对抗赛等活动,使博士生团结起来,增强集体荣誉感;开展文化之旅、集体采风考察等活动,不但能激发学生的创作灵感,更加重要的是在活动中增进友谊,找到志同道合的精神伙伴,从而实现健康学习、健康生活。
2.4 调动在职博士及已毕业博士的积极性,为促进就业提供便利
职业生涯教育和就业指导是辅导员的重要工作之一,因而博士生的就业问题也应该受到我们的重视。虽然艺术类博士研究生目前就业前景尚好,但随着更多高校博士点的设立,就业压力也逐年攀高。为此,辅导员可以与在职攻读学位和已经毕业的博士生保持密切联系,主动了解其所在单位的用人需求情况,做好推荐工作。笔者带毕业班时较好地运用了这一方法,在毕业生推荐方面收效甚好。
如果上述活动得到了充分开展,那么辅导员与学生之间的关系应当是密切而融洽的。然而,艺术类博士生在学业较忙或集中创作期常常是个体意识抬头,忽略集体存在。这在一定程度上阻碍了思政及其他工作的开展,是艺术类博士生辅导员工作的重大难点。为此,笔者总结了以下几点解决办法。
3.1 以博士生党员和积极分子为抓手
在建立博士生基本信息数据库时,一方面对哪些同学是中共党员应了然于心,关键时刻倡导其发挥党员模范带头作用;另一方面对那些有入党意愿的学生也应独立建档,在举办活动时充分给予其表现机会。以这些有坚定理想追求的同学为抓手,由点及面带动更多同学参与活动,同时提高其党性修养,实现双赢。
3.2 建立博士生的自管自治组织,增强归属感
以上海音乐学院研究生会为例,特别设置了博士工作部这一部门,从部长、委员到干事皆由博士生担任,其既隶属于研究生会,又可在主管部门的指导下单独开展活动,曾组织策划原创音乐会、读书交流会等活动,是所有博士生的大家庭。它的存在使博士生同学拥有了独立的精神家园,增强了集体归属感。
3.3 辅导员自身加强学习,提升个人魅力
博士研究生由于对自身学术、业务水平有着极高的追求,所以也会肯定和推崇有真才实学的教师。同时,艺术专业同学的感性思维发达,对其推崇的人和事物会倾注热情、真诚对待。如若辅导员平日里注重博闻强识,充实自我,则不难被学生们认同,进而建立权威。但如果满足现状,止步不前,则会逐渐失去号召力,难以做好辅导员工作。
总之,由于艺术类博士生的自身特点,其辅导员工作方法应当与普通大学生及研究生的工作方法有所区别。或许是这一群体规模较小的缘故,笔者在查阅资料时鲜少见到此方面的论著,故根据自身工作经验权作刍议如上,希望能够给相关领域的辅导员和学生管理者提供参考。
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所谓人口老龄化按国际通行的标准,60岁以上的老年人口或65岁以上的老年人口在总人口中的比例超过10%和7%,即可看作是达到了人口老龄化,中国不仅是世界上人口数量最多的国家,也是老年人口数量最多的国家,国家统计局公布的数据表明,早在1999年我国的60岁以上老年人口占总人口的比重就会达到10%,2000年我国人口总数达12.7亿人,60岁以及60岁老年人口占全国总人口的10.4%,说明我国已经正式进入老龄化国家。如何解决人口老龄化的问题显得十分重要:
随着老龄化高龄人口增多,三世健在的家庭比例很大,加上家庭“少子化”,使家庭赡养老人的功能弱化,老人对自己后代的经济依赖也更强,据统计,50%以上城镇老年人银行基本无存款,急需社会养老功能极大发挥,以弥补家庭。随着老年人口高龄化,高龄老人丧偶率上升。生理不能自理人数增加,家庭养老的经济负担和生活照料负担日益加重,但生活节奏越来越紧张,中青年夫妇常常,难以兼顾对老人的赡养与对子女的抚养。
3、人口未富先老,对经济压力大。当发达国家60岁以上老龄人口达到10%时,人均国内生产总值一般在1万美元以上,而我国在2000年时人均国内生产总值才达856美元,刚迈过最低收入门槛的中等收入国家,人口预期寿命则由1994年41岁延长到70岁,使得我国成为世界上人均寿命最长低收入国家之一,由于人口老龄化,政府用于社会保险、社会福利、社会救济、社会服务的支出不断增加,从而加大了对经济的压力。
4、老龄化分布不均和高龄化十分明显。大中城市已进入老龄化阶段,而中部地区人口老龄化程度低于大中城市,如上海市2000年老龄人口占总人口的18.5%,北京老龄人口占总人口的14.6%。随着城市化进程的加快,农村年轻人大量涌入城市。由原来老龄化城市高于农村而变为两者正在接近农村向城镇流动的年青人口增加,从而出现了大量的农村“留守老人”。我国老龄人口从1990年的800万增长到2000年的1110万,高龄人口丧偶和患病机率高,生理自理能力差,因此需要经济和生活照顾的双保证。
5、老龄化对其它方面的影响。人口老龄化对投资,消费储蓄和税收都有相应影响,同时人口老龄化使劳动年龄人口下降,脱离最低生活保障一线的困难加大。
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我校的艺术设计专业还处在起步阶段,虽然艺术设计专业还比较年轻,在这期间为社会也培养了一批批优秀的设计人才,教学体系已经比较完备。这些成果的取得得益于全体教师在教学上的不泄努力,以及在教学体系改革和教学方法研究上所作出的贡献。从办学环境来讲,我们不具备任何优势,交通不便利,城市经济类型属于能源型城市,艺术设计对于学校来说也是一个新专业。这些原因致使我们的生源素质较其他兄弟院校尤其是老牌的艺术设计院校的生源相比较,素质相差甚远。为了弥补这些不足,我们立足于现有的硬件和软件的条件,努力研究,试图通过改革教学方法,因材施教,有针对性的对课程进行探索性的改革,力求走出一条有自身特色的教学新路。
1、徒手表达在设计课中的地位;徒手表达在整个设计课当中占有十分重要的地位,尤其是方案初期阶段,用速写草图帮助学生进行思考、构思,将头脑思维片段的捕捉下来形成准确、形象的图形和符号。有些优秀的艺术设计作品甚至就源于设计师的最初手稿。因此图解与思考是设计师基本素养之一,二者也是紧密联系不可分割的。同时也是设计师之间沟通的桥梁;徒手表达能从多个角度出发,空间、平面、立面、剖面、透视、展示设计意图与构思。许多设计师都是优秀的画家,而许多画家也曾参与到建筑设计,环境艺术设计当中。怀勒(Charles de Wailly,1730-1798)被认为是当时最优秀的建筑画家,他和皮瑞(Joseph Peyre,1730-1785)一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内,设计了绚丽辉煌的室内空间,这个空间淋漓尽致地体现在怀勒所画的剖面图中,它不仅表现了建筑结构和室内装饰,而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破,即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。
2、 以往的教学方法及效果:徒手表达或者称为设计速写这门课程,据了解在在大多数院校设计基础课程中只占有很少的学时,这是一个普遍的问题。我们也曾面临由于学时的有限,因此课堂上不可能将全部的徒手表达知识一一的讲解。基本上是在大一的第一学年刚入学的阶段讲完理论,然后大部分时间是留给学生课下自己来学习,每周交2篇A4幅面的速写作业,这样下来会出现一些问题,首先是学生临模时选择的题材多种多样,难易不等,有的临摹过于简单,有的却过于复杂;有的同学临摹的工作量不够,一张纸上只是寥寥几笔几个形态。还有的在交作业之前突击完成,效果可想而知。为了解决上述问题也曾尝试一些新的教学方法,如,临摹优秀的速写教材,现在有一些学校仍在应用这种方法,但在一年级采用这种方法还是不妥,首先是每一章节临摹的图量或多或少,难易不等,在理论方面学生也理解不了。
3、 循序渐进的教学方法,经过一番总结,还是觉得应该从作业的环节着手解决问题,最终形成以下教学方法;首先将临摹的题材收集整理归类,主要来源于几本好的参考书如《建筑环境配景表现技法》等,将这些临摹的素材按照由简单到复杂,有平面到立面再到立体的顺序归类,在归类的过程中,筛选出简单、常用容易掌握的配景。各类参考书中有很多复杂的难以掌握图例不适合于初学,如果不加以要求,在安排作业时,临摹的内容过于多样,在工作量和评分上难以统一。其次,在临摹的数量上,按照所给出的临摹稿上的数量来完成,这样可以保证每人每周完成一定的工作量。
徒手表达教学这个环节中,理论指导是一方面,更的重要的是贯彻落实每次的练习内容和课上的监督指导。在作业的评判过程中发现问题所在,及时调整内容,重点辅导资质较差的学生,培养兴趣是关键。通过速写的练习,从而使学生建立起学习艺术设计专业的信心。
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今天读文网小编要与大家分享的是:艺术设计专业徒手表达教学方法探索相关论文。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:通过对东北石油大学艺术学院艺术设计专业的发展,就一年级基础课的回顾,发现了一些问题,以这几年学生生源素质为研究基础,经过这几年探索出一些适合与本专业学生提高基础素养的教学办法,教学方法主要针对于设计基础课中的徒手表达的研究,提出了一套较为合理高效的学习方法,从训练的题材和学时的安排两方面入手,使没有受过学前专业素质训练的学生能够在短期内提高到一定的水平,从而树立起学习的信心。
关键词:循序渐进;徒手表达;论文下载
艺术设计专业徒手表达教学方法探索
我校的艺术设计专业还处在起步阶段,虽然艺术设计专业还比较年轻,在这期间为社会也培养了一批批优秀的设计人才,教学体系已经比较完备。这些成果的取得得益于全体教师在教学上的不泄努力,以及在教学体系改革和教学方法研究上所作出的贡献。从办学环境来讲,我们不具备任何优势,交通不便利,城市经济类型属于能源型城市,艺术设计对于学校来说也是一个新专业。这些原因致使我们的生源素质较其他兄弟院校尤其是老牌的艺术设计院校的生源相比较,素质相差甚远。为了弥补这些不足,我们立足于现有的硬件和软件的条件,努力研究,试图通过改革教学方法,因材施教,有针对性的对课程进行探索性的改革,力求走出一条有自身特色的教学新路。
1、徒手表达在设计课中的地位;
徒手表达在整个设计课当中占有十分重要的地位,尤其是方案初期阶段,用速写草图帮助学生进行思考、构思,将头脑思维片段的捕捉下来形成准确、形象的图形和符号。有些优秀的艺术设计作品甚至就源于设计师的最初手稿。因此图解与思考是设计师基本素养之一,二者也是紧密联系不可分割的。同时也是设计师之间沟通的桥梁;徒手表达能从多个角度出发,空间、平面、立面、剖面、透视、展示设计意图与构思。许多设计师都是优秀的画家,而许多画家也曾参与到建筑设计,环境艺术设计当中。怀勒(Charles de Wailly,1730-1798)被认为是当时最优秀的建筑画家,他和皮瑞(Joseph Peyre,1730-1785)一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内,设计了绚丽辉煌的室内空间,这个空间淋漓尽致地体现在怀勒所画的剖面图中,它不仅表现了建筑结构和室内装饰,而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破,即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。
2、 以往的教学方法及效果:
徒手表达或者称为设计速写这门课程,据了解在在大多数院校设计基础课程中只占有很少的学时,这是一个普遍的问题。我们也曾面临由于学时的有限,因此课堂上不可能将全部的徒手表达知识一一的讲解。基本上是在大一的第一学年刚入学的阶段讲完理论,然后大部分时间是留给学生课下自己来学习,每周交2篇A4幅面的速写作业,这样下来会出现一些问题,首先是学生临模时选择的题材多种多样,难易不等,有的临摹过于简单,有的却过于复杂;有的同学临摹的工作量不够,一张纸上只是寥寥几笔几个形态。还有的在交作业之前突击完成,效果可想而知。为了解决上述问题也曾尝试一些新的教学方法,如,临摹优秀的速写教材,现在有一些学校仍在应用这种方法,但在一年级采用这种方法还是不妥,首先是每一章节临摹的图量或多或少,难易不等,在理论方面学生也理解不了。
3、 循序渐进的教学方法:
经过一番总结,还是觉得应该从作业的环节着手解决问题,最终形成以下教学方法;首先将临摹的题材收集整理归类,主要来源于几本好的参考书如《建筑环境配景表现技法》等,将这些临摹的素材按照由简单到复杂,有平面到立面再到立体的顺序归类,在归类的过程中,筛选出简单、常用容易掌握的配景。各类参考书中有很多复杂的难以掌握图例不适合于初学,如果不加以要求,在安排作业时,临摹的内容过于多样,在工作量和评分上难以统一。其次,在临摹的数量上,按照所给出的临摹稿上的数量来完成,这样可以保证每人每周完成一定的工作量。
上述几点看上去虽然简单,但是需要我们课下做更多一些的工作,如将临摹的题材收集整理归类,做成临摹稿。
制定详细的训练计划,
(1)各种形式的徒手线条练习(两周),
(2)树木、植物平面的表达方法(两周)
(3)各种立面树木的表达方法
(4)人物、车辆的画法(两周)
(5)各种材质的画法(两周)
(6)室内轴测图、透视图、鸟瞰图的表达方法(两周)
(7)综合环境表现及方案草图练习(六周),每周4篇A4幅面规定内容的速写练习作业,只有通过量的积累才能达到质的飞跃,争取在一年级使学生完全掌握各种类型的徒手表现图的表达方法,为设计课打下坚实的基础。这也可以称得上是专业训练,针对于艺术设计专业的,而不是泛泛的美术速写练习,是掌握设计语言与能力的捷径。
徒手表达教学这个环节中,理论指导是一方面,更的重要的是贯彻落实每次的练习内容和课上的监督指导。在作业的评判过程中发现问题所在,及时调整内容,重点辅导资质较差的学生,培养兴趣是关键。通过速写的练习,从而使学生建立起学习艺术设计专业的信心。
参考文献:
[1]《建筑画环境表现与技法》中国建筑工业出版社 钟训正
[2]《图解思考》(美)保罗·拉索 建筑工业出版社转
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书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式,具有悠久的历史,它伴随着中华民族的发展而发展,丰富的内涵和独特的表现力使其独立于其他艺术的表现形式,它不是绘画,没有绚丽的色彩,却能表现深邃意境;它不是音乐,没有和谐动听的乐章,却有与音乐相同的旋律韵味。它不是舞蹈,没有舞蹈刚柔相济的肢体语言,却也有与舞蹈相似的节奏和旋律;以下是读文网小编为大家精心准备的:中国书法艺术的语言表现形式相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】文章阐述了中国书法的博大精深。首先概述了中国书法艺术的渊源;其次,阐述了书法语言基本要素:笔法、字法、章法,阐释了用中国特制的毛笔书写中国汉字来传达中华传统文化信息的意象艺术,它孕育了完善而独到的中国书学理论。
【关键词】艺术;笔法;字法;章法
中国书法是一门古老的艺术,它伴随着中华文明的发展而发展,历经千载,经久不衰。书法承载着几千年来传统文化思想的内涵,是民族审美情趣的集中体现。它既有线条的实际扭动,又有空间的无穷想象,集具体与抽象于一身,是意向艺术的最高境界。
书法,按其字面意思解释即为写字,但书法绝不等同于写字。
世界上很多民族都拥有自己民族文字所独特的书写艺术,但唯独汉字的书写艺术迥然不群,异于其他民族。其他民族文字的书写偏重于装饰与外观上的趣味,汉字的书写则是以日常文字书写为依托,在此基础上加入了书写者的思想、情绪、气韵、独白,是个人特征的充分表达。
之所以汉字的书写有别于其他民族文字的书写,原因在于:
―是书写的对象――汉字。作为世界上唯一使用至今的表意文字,汉字兼具了书写的实用性与视觉的观赏性,而基于汉字书写的中国书法艺术也就自然形成了深邃博大的意向。汉字结构复杂,变化丰富,而且演变中产生了多种结构特征迥然不同的书体,这使中国书法在视觉上有可能产生无穷无尽的变化。二是书写的工具――毛笔。它的笔尖由柔软的兽毫做成,书写时触纸的深浅、不同方向的扭曲,造成笔画――线条的无穷变化。
这是非常重要的两个因素。首先,汉字总数大约有45000个,其中常用汉字约有3000个。它们由各种形状的部首组成,其中最常用的部首虽然只有一百多个,但它们与其他部首组合而成的变化极为丰富。汉字复杂的结构,使汉字与拼音在书写的感觉上有明显的区别。书写由字母构成的文字时,感觉只需要控制着笔朝有限的几个方向运动,但书写汉字时,几乎要朝各个不同的方向控制笔的运动。只要细心体会,不难发现书写时手感的区别。汉字结构带来书写上的复杂性。就实用而言,它增加了书写的难度,但对于一种艺术来说,却是一种图形潜力之所在。这种结构上的复杂性与汉字书写时运动变化的丰富性紧紧结合在一起。其次,它有真、草、隶、篆、行等五种不同的书体,汉字创造的过程是意象思维的物化过程。汉字五种书体的定性过程也是意象思维的过程。汉字创造之初,尚带有原始、粗犷的美。但随着甲骨文的出现,理性精神已逐渐贯穿汉字书体中,注重阴阳调和、刚柔并济,笔书纵收得体,结字疏密匀停,章法整齐匀称。甲骨文的书写意识与理念为西周的大篆和秦统一文字后的小篆打下了意向思维的基础。大篆和小篆笔法相对圆融,方折略显不足。阴极生阳,后人在由阴柔之美渐求阳刚之美的过程中,逐步产生了隶书。随后楷书、行书、草书的定型也同于此理。对汉字书法多元化、多样性的追求,也正是汉字书体本身多元素的发挥与表现。最后是点画的多变性,分书(隶书)和楷书的点画形式最为丰富。如竖悬针、垂露万岁枯藤,点如高峰坠石的奇观,横似千里阵云变化丰富,隐隐然其实有形等。
书写是非常微妙的活动,而且动作在瞬间完成,也不允许修改,没有良好的工具配合,一切都不可能实现。作为书写的工具,毛笔选用各种动物的毛扎结成锥形于竹木骨竿一端用以濡墨书写,因其软故而多变,汉代蔡邕云“惟笔软则奇怪生焉”。它的特征“尖、健、齐、圆”决定其在书写时因提按、力度、正侧的不同,致使笔画的粗细,圆健、偏侧和立体感的不同,所产生出不同线条的美感是其它笔不能替代的。
汉字结构的象形性、复杂性;毛笔线条的丰富性、多变性,是中国书法得以成立的重要原因。缺少结构和工具上的可能性,文字书写是不可能演变为一种重要艺术的。但是,仅仅具备结构和工具上的可能性,也许在形式上有所成就,却不一定能找到深入表现精神生活的道路。只有具备形式与工具上的可能性,同时有一种适当的机制将这种可能性与精神生活紧紧糅合在一起,一种关于书写的技艺才有可能成为深刻的、含蕴复杂精神生活的艺术。
应该说,书法是一种关于语言的艺术。当然,必须把它和人们所熟知的“语言艺术”――文学区分开来。文学利用的是语言的语义与语音成分,书法利用的是语言的视觉形式――书面语言的线结构。那么具体的书法语言又是什么呢?
钟明善曾说:书法起于点画用笔,基于单字结构,成于章法布白,美于风神气韵;既要求工于一笔之内,又要寄情于点画之间;法度森严而又变化无穷。这就是书法的三个基本要素:笔法、字法、章法。
1、笔法
元代赵孟?曾说:用笔千古不易,结字因时相延。这里的用笔就是用笔的原则,即为笔法。笔法是控制毛笔的运动,以写出符合一定要求的点画或线条的方法,其核心是中锋用笔。所谓中锋用笔,就是在书画行笔时,应该使笔锋随时和纸平面保持垂直,笔尖时刻保持在线条的中心部位,如汉代蔡邕所言“令笔心常在点画中行”。书法作品的“锥画沙”、“屋漏痕”、“力透纸背”等效果正是使用中锋用笔达到的,它能充分表达笔势的力量感。同时,书法作品是静止的,我们无法从作品中直接观察到书写时毛笔的运动,但书写时毛笔的运动变化保存在点画的形状上,所以观察者必须具备要从作品中点画形状的变化想象出书写时毛笔运行的动作,想象出点画内部所包含的运行变化。如姜夔说:“余尝历观古之名书,无不点画振动,如见其挥运之时”。对笔法的想象能力是欣赏书法时必须具备的能力。
虽说中锋用笔是遵循笔法的原则,但用笔是一个很复杂的过程。唐代孙过庭在《书谱》中就说到:“一画之间,变起伏于锋杪;一点之内,殊衄挫于毫芒”。笔法的变化贯穿于书写操作的一切细微处,同时又隐藏在点画内部,难以窥测。这是人们对笔法始终怀有神秘感与畏惧之心的原因。字的形状以及字的排列摆在眼前,不管它们怎样变化,人们总可以根据所见到的范本反复比较,一点点推进自己的认识。但控制笔法的运动在书写结束后立即消失,留下的只是静止的点画。从点画的形状去感受运动,毕竟是一件非常困难的事情,感受的深度和准确性也都是问题。再加上时光流转,书写习惯的变迁,对前人杰作中笔法的感悟难上加难。由此,笔法成为中国书法技法中最困难的,也是最神秘的部分。 在很多传说中,笔法由非自然的力量所赋予,根本无法由通常意义上的学习而掌握。据传蔡邕早年入嵩山学书,此间意外得到一件帛书,上面记载着秦代李斯对笔法的阐述,蔡邕“读诵三年”,从而掌握了笔法。另传王献之24岁时隐居林下,有天一只鸟抓着笔和纸送给王献之,纸上文辞内容难以辨识,王献之天天对之练习,不久便掌握了笔法的奥妙。这些传说既反映了人们对笔法的敬畏,同时也说明笔法在书法中的重要性。
笔法贯穿于整个书法的创作过程中,只有正确的理解笔法、使用笔法,通过方圆兼备、藏露互见,中侧互换,才能达到刚柔相济,筋骨俱全,形神皆佳。
2、字法
字法即是结字的方法。孙过庭在《书谱》云:“初学分布,但求平正;既知平正,务追险绝;既能险绝,复归平正”。也有名家谈结字:密处不犯,疏处不离;计白当黑,调匀点画;点画呼应,顾盼有情;围绕中心,穿插避就。从中我们可以发现,结字的法则和规律既闪烁着于古人朴素的唯物主义和辩证法的哲学思想,也契合了儒家和道家思想中“中庸”与“阴阳对立统一”的精神特征。以书法中的九宫格为例,即应用了易学中九宫八卦之象。将结字的“中宫”类比为太极图的中心部位。在一个字的结构中,只有紧收中宫,重心偏下,偏上,偏左,偏右都离不开中宫,然后将在卦象部位的笔画按己意作伸展、紧缩、斜出、偏正变化,才能使整个字主笔,副笔安排得错落有致而不会歪斜倾倒。蔡邕《笔论》云:“为书之体,须入其形,若坐若行,若飞若动,若来若往,若愁若喜,若卧若起,若虫食木叶、若利剑长戈,若强弓硬失,若水火,若云雾,若日月,纵横有可象者,方得谓之书矣。”书法字势与天地万物之神韵通过意象思维的思路完全相通了。但需要注意的是,这种相通只是意象相通,不能简单地用书之象去模拟物之象。
然而单字的结体之美相对点画而言,它是一个组合,一个整体;相对章法而言,它又是一种元素,一个局部。结体具有双重身份,因此,对它的处理也有双重标准。当它作为整体时,要求统一、平衡和完整;当它作为局部时,要求不统一、不平衡和不完整。其实,一幅书法作品毕竟不是由一个字组成的(少字书例外),字在作品中只是个局部,必须与其他字组合在一起。字与字之间就会相互影响,避免雷同,寻求互补,出现一个更大范围更高层次上的变化与和谐的问题。因此,掌握字形的协调平衡是学习书法的必经阶段。
结体的双重身份,双重标准,使得我们对它的研究也必须从两个方面入手。一是将它作为一个独立的整体去研究,称之为结体方法;二是将它作为整体中的一个局部去研究,称之为造型方法。结体将字形看做点画的组合形式,是相对独立的整体。结构方法的研究虽然有主观处理的意识,但主要受制与字形结构,如上下结构、左右结构、包围结构等。因此,结体方法是客观的,所要表现的是汉字结构固有的形式美。造型将字形看做章法的局部元素,没有独立意义。而造型方法则是主观的,表现的是人文精神。造型方法是通过各种对比关系,如疏密、正侧、收放、外拓与内?等,对结体做各种变化处理。这种处理虽然受客观字形及结体方法的影响,但主要受制于作者的思想感情和审美趣味。
造型以结体为基础,造型方法包括结体方法。从结体方法到造型方法的发展,本质上是从客观到主观、从写字到艺术的升华,是汉字固有的形式美向艺术美的升华。因此,学习中国书法艺术,字法是一个关键性的环节,是中国人传达中华民族传统文化的一个重要途径。
3、章法
章法是指一件书法作品中各种视觉因素的组合,即一幅作品的整体视觉效果。影响一件书法作品章法的主要因素有:各字的大小与墨色的轻重(取决于笔画的粗细、书写时的含墨量与纸张的渗化性能等),以及单字如何连缀成行、行如何缀合成篇。各字的大小与墨色对视觉的影响很大,但规律比较明显,隐藏在深处的、不容易察觉的是各字的连接,而字的大小与墨色的轻重在书写过程中如何被组合,大体来说,可以分为两类:书势和构成。
书势是点画与点画,字与字之间的联系与呼应。可分为笔势和体势两类。
(1)笔势。一个字由不同的点画组合而成,一幅作品由不同的单字组合而成。点画与点画、字与字的组合是通过连续书写而成的,它们的运行轨迹有两种:一种是留在纸上,为笔画,一种走在空中,为笔势,笔势是笔画与笔画之间的过渡,完整的书写运动就是从笔画到笔势,从笔势到笔画,再从笔画到笔势,直至篇终。所谓的“气脉不断”,“气”指隐晦的笔势,“脉”指有形的笔画,“气脉不断”就是笔画与笔势的连绵相属。这样的章法偏向时间和音乐,可读性强。
(2)体势,即字形姿态,是汉字结体因左右倾侧而造成的动态。单字相互之间本没有笔墨连贯,但随着结体的左右倾侧,产生出强烈的顾盼与呼应,从而使作品气息达到了贯通。
一幅艺术性强的书法作品,要求它的章法中必须破除单纯写字的局限,达到笔势与体势的相互融合。以视觉艺术的眼光,从笔势和体势中抽象出时间和空间的概念,将时间和空间作为书法艺术的表现内容,要从时间的角度看节奏是否流畅,让点画线条的提按顿挫、轻重快慢和离合断续传导出生命的旋律;要从空间的角度看关系是否和谐,让造型元素的大小正侧、左右避就、上下穿插反映出世界的缤纷。从而使书法艺术与绘画和音乐相通,成为一种形而上的视觉艺术。
构成,空间造型和时间节奏是章法的两大组合方式,它们的合二为一使中国书法成为一种融音乐与绘画于一体的艺术,沈尹默先生说它“无声而具音乐之和谐,无色而具图画之灿烂”。古人对这两种组合各有偏重,帖学强调上下连绵的时间节奏,碑学推崇左右呼应的空间关系,碑帖结合则兼乎两者,其结果,开启了书法艺术的解构之路,主要表现为对立统一和相似性两个方面。
一是对立统一。刘熙载《词曲概》说:“词之章法,不外相摩相荡,如奇正、虚实、抑扬、开合、工易、宽紧之类是已”。所有这些对比因素组合在一起都是正侧相依,大小相形,枯湿相辅、浓淡相宜。对立双方相互排斥,又相互依存,任何一方为求平衡都离不开另一方的帮衬,它们在本质上是一个事物的两个方面,是一体的,相互之间存在强烈的内在联系。
二是相似性。一幅作品中错落地分布着许多粗细、正侧、枯湿等造型元素,它们所处的空间位置虽然不同,但是如果在形状或墨色上有一定的相似性,也会互相呼应,成为一个整体的。
构成式章法以分离为基础,让所有造型元素都将各自的特点发挥出来,因此作品的内涵非常丰富。然后利用对立统一和相似性的原理来加以组合,将完全不同的造型元素并置在一起,使各自的特征相得益彰,相映成辉。
中国书法要求阴阳调和,气血畅达,以“字里金生,行间玉润”为美的典范。这里“气”是至关重要的。气息流畅,就如《易经》所揭示的宇宙观:“变则通,通则久”。章法的要害就是“活”,就是静中之动。气活则韵胜,韵胜则有神。
笔法、字法、章法是构成书法艺术最基本的三大要素,也是书法艺术的语言表达形式。只有充分理解并掌握这三点要素,才能有效提高书家的创作水平与艺术水准。
中国书法艺术的语言表现形式相关
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歧义是语言的基本属性之一,是语言中存在的一种常见现象。歧义是语言结构形式同其意义之间的一种特殊关系,具有一个以上意义的同一结构形式就是歧义的。以下是读文网小编为大家精心准备的艺术理论论文范文:艺术文本字面歧义排除方法论。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要: 以人们对苏轼中秋词名句“起舞弄清影,何似在人间”的解读为例,指出了在艺术文本字面歧义排除上广泛存在的自由诠释与轻信自是的问题;区分了语用歧义、有解歧义、过失歧义;比较了意义诠释与艺术理解;论证了艺术理解是非标准的必要性;仍以“起舞弄清影,何似在人间”解读为例,揭示了逻辑贯通与情理和谐是艺术文本创作与理解共同的是非标准;指出字面歧义排除过程中,逻辑上应该存异求同不偏执,情理上应该注重艺术文本的章法。
苏轼的词《水调歌头?中秋》格高千古,又脍炙人口,雅俗共赏,深受人们喜爱,注释赏析研究的文字也相当多,但其中“起舞弄清影,何似在人间”一句字面歧义性很强,引发后世注释工作中诸多争议,比如,起舞的人可能是嫦娥或者苏轼自己;如果是苏轼起舞,则可能是在现场真实起舞,也可能是想象在天上起舞;“清影”有三种歧义:清亮的影子、清冷的影子、月亮;“何似”也有四种歧义:比起来如何、哪里比得上、哪里象、何其象。
字面歧义对艺术作品的自由诠释不构成难题,但对艺术理解造成困难。接受美学不重艺术理解问题,而强调艺术欣赏中的自由诠释作用,这可以解释艺术作品的歧义性不影响它们受到广泛喜爱。但高水平的艺术鉴赏不能任意诠释,必须建立在必要的艺术理解基础之上。现代艺术诠释学虽然关注艺术鉴赏问题,但关注的是超越字面意思的意义理解问题。字面歧义辨析中的艺术理解问题,是处于艺术诠释学与语言分析学之间而与它们不同的一类问题。
本文明线是努力解决苏轼“起舞弄清影,何似在人间”的字面歧义难题,暗线是问题反思,主旨是揭开一个新的问题领域,初步探讨艺术理解用于排除艺术文本字面歧义的方法论。
虽然对苏轼“起舞弄清影,何似在人间”进行赏析注释的文字非常多,但把其中的字面歧义问题提出来进行研究论辩的很少。然而,鉴于科学论证的“猜想-反驳”方式,排除歧义的方式应以驳论为本,没有驳论的立论只是猜想而已。如果只有注释而无疑问、只有观点无驳证,即使南宋傅干《注坡词》、近代龙渝生《东坡乐府笺》、当代李泽厚《美学三书》这些名著以及教科书中的相关论述,都未免自由诠释与艺术理解不分,这类观点止于非批判地体现歧义化解的一种逻辑可能性,并不具有重要的论证参考价值,所以都不必一一罗列。
周汝昌《苏轼词〈水调歌头?中秋〉浅讲》中虽然涉及了相关歧义问题:“应当注意的是:古代用‘何似’这个词语,一般都是把两件事物拿来对比的意思,而不要理解为‘哪里象’的意义”,但这是权威的裁判口吻,仍然缺乏驳论的论证,而且,即使承认其权威性,“一般都是”的说法也没有驳论效力。
通过知网和方正数据的文献检索与下载查看,发现相关疑问驳证的论文只有5篇(见参考文献)。它们虽然体现了疑问驳证的态度,但只是运用各自不同的方式方法解决字面歧义问题,解决疑问的驳证方法的可信度与正当性问题没有得到清醒的反思,而是各自安然地自信其是。 因而本文的讨论不管立论成果如何,都是首次在苏轼中秋词“起舞弄清影,何似在人间”字面歧义问题的解决努力中进入到从艺术理解视角排除字面歧义的方法论层面。
字面歧义可以分为三类:故意双关等无需解决的语用歧义、根据上下文可以妥善解决的有解歧义、无法根据上下文妥善解决的过失歧义。
苏轼“起舞弄清影,何似在人间”字面歧义问题不是故意双关之类的语用歧义问题,它可能是有解歧义,也可能是过失歧义。
艺术文本的非故意字面歧义应当努力通过逻辑分析结合情理考察来达成艺术理解,是有解歧义还是过失歧义,要由是否能达成艺术理解来检验,这时采用自由诠释的态度就缺乏正当性。而针对无字面歧义文本的意义诠释学既反对自由诠释也超越艺术理解,所以,艺术文本理解问题无需深入运用现代诠释学成果,也无需介入意义诠释学前沿的纷纭论争。
如果排除字面歧义只有方式方法,而没有是非判断标准,则任何方式方法都是正当的,无论什么样的结论都无从被正当地否定,这就意味着不论怎样都被允许,但是,不论怎样都正确也就意味着不论怎样都不正确。所以,排除字面歧义必须有是非判断标准。
排除字面歧义的是非判断标准,不同于优劣评判标准。排除字面歧义的结果只有两个:排除了或者没排除;这里不存在优劣问题,只有是非问题。是非判断才是语义分析的审判方式,优劣评判则是意义诠释的审判方式。
理解艺术文本的依据包括:语词用法、上下文、逻辑、非文本语境与情理。正是基于语词用法不能达成确定的理解时,才有了歧义问题。依据上下文与逻辑解决不了的歧义问题,才需要情理介入,这才意味着进入了艺术理解层面。
情理往往体现于文学艺术体裁的章法,比如诗词艺术体裁里的感情基调的一致性,情感表达的整体和谐性,这些在排除非故意字面歧义中都能够起到一定的作用。
5篇文献中的论据涉及到了语词用法、逻辑与情理,只是还没有达到方法论的自觉。其中运用情理的地方有:袁冬华的“刚才还觉得人间的美好,一下又跌入思亲的苦痛之中,这实在是不可捉摸的跳跃”;马梦原的“如果这时候让一个‘欢饮达旦,大醉’、仕途失意、不满现实的人说‘天上还是不如人间快乐’,我们会觉得既不自然,似乎也不合情理”;黄洋的“天宫寒冷孤寂,人间欢聚大醉,对比分明,由幻想出世到忧虑担心转而留恋人间,其思想情感的变化是连贯顺畅的。由‘何似在人间’过渡到下阕的对月怀人,也是顺畅的……”
现在借鉴5篇文献中运用词汇语用规则、逻辑与情理的成果,根据以上确立的导向,按逻辑贯通和情理和谐的原则,对“起舞弄清影,何似在人间”歧义问题进行辨析。
无论“何似”采用“比起来如何”、“哪里比得上”、“哪里象”、“何其象”中的哪个歧义,其共性是都有对比的意味。与人间对比的只能是天上或明月上,则“起舞弄清影”应是在天上或明月上,至少是象在天上或明月上,而不是简单的在人间或明月下。
天上怎样?“乘风”、“琼楼玉宇”、“高处不胜寒”、“弄清影”;人间怎样?“欢饮达旦”、“怀子由”、“无眠”、“千里共婵娟”;天上、人间都同样孤单,天上清明但高寒,人间悲离但有温情。若这样全面地对比,结果就有同有反,“何似”就不能偏激地理解成“哪里比得上”,而只是中性的“对比起来如何”的意思。若只取“起舞弄清影”与上阕结尾“人间”所引出的下阙“悲”、“离”相比,则是相同相似性对比,“何似”应取“何其象”的意思。但也可理解“起舞弄清影”为虚拟天上“乘风”之感,“何似”相应取“哪里象”的意思。这三种可能,逻辑上都说得通,要进一步辨析还必须结合情理眼光。
考察“我欲乘风归去,又恐琼楼玉宇,高处不胜寒,起舞弄清影,何似在人间”中的谓词:“欲”、“又恐”、“不胜寒”、“起舞弄清影”、“何似”,其中“又恐”是转折关系,“不胜寒”是“又恐”的从句内容,“弄清影”与“在人间”是“何似”对比的左右边从句内容,问题是,“弄清影”是“又恐”的从句内容还是又转折回去表达对天上的好感?或者说“不胜寒”是否也在“何似”对比的左边?这个问题不能根据语法与逻辑解决,也不宜主观揣摩,而只能寄望于情理和谐的原则来裁判。
若“弄清影”是“又恐”的从句内容,或者说“不胜寒”也在“何似”对比的左边,那么“何似”对比的左边对天上的情感总体上就是负面的,则“何似”可能是表达天上“哪里比得上”或“何其象”人间的意思。但理解为“哪里比得上”与全词表达的天上与人间同样有美好也有不如意地方的基调是相冲突的,这样的冲突不应出现在上阙结尾这种定调的地方。鉴于天上总体不如人间的选项已排除,则“何似”只能理解为同样不好的意思,而同样不好处是天上与人间都同样孤单。但如果只是同样孤单,也就没什么好“恐”的,所“恐”的应是天上不如人间的方面。因而“弄清影”不是“又恐”的从句内容,而是又转折回去表达对天上的好感,是月下起舞而神游天上的描写。“何似在人间”也就应该理解为“哪里象”身在人间的意思。“清影”是指月下“清朗的影子”还是“明月”的别称,都不重要,反正不是“清冷的影子”。
天上人间两不全,又各有美好,上阙基调是神往天上,下阙基调是心系人间;神往天上而仍心系人间,这正是苏轼出世情趣与入世情怀达观交融的精神写照;情理与章法相协调,也是苏轼名词艺术水准的体现。
逻辑贯通是根据上下文分析语义的必要,情理和谐是艺术文本理解的特有法则,逻辑贯通与情理和谐就是艺术理解排除歧义的是非标准。在字面歧义排除过程中,逻辑上要避免急于倒向某一种分歧,或者偏执于某一先有成见立场,而应以共性为出发点,情理上要结合对艺术文本章法的考察。
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树脂画是日本艺术家深堀隆介发明的立体绘画法。树脂画看起来特别逼真,由于逐层绘画,更有层次感,仿佛在水中游动的鱼定格在那一刻。看起来更加立体。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:论现代装饰艺术下树脂画表现形式相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要 :在物质极其丰富的今天,人们更加追求对物质的美感和享受,这也不断地要求产品必须以新观念新形式满足人们的各类喜好与需求。近年来,树脂画作为一种新兴的装饰艺术,以其独特新奇的立体透明效果,令人震撼的视觉体验,受到了广大人群的追捧,本文将对现代装饰艺术下的树脂画表现形式进行简要的论述。
关键词:现代装饰艺术 树脂画
深堀隆介日本美术作家,是立体绘画法的创始人。深堀隆介 (ふかほり りゅうすけ / Riusuke Fukahori),现居日本神奈川。
他因研制出立体树脂画而闻名,在胶上绘画的方式深受欢迎。主要通过不同的容器来绘制作品,他由大自然创造的天然的艺术品――琥珀石而产生灵感,因画面的材质和立体效果也称作3D树胶画。
树脂画的研发者――深堀隆介,他发明了“山寨”琥珀石,通过上胶冷却绘制再冷却的方法来制作完成,并且不同的表现物体表现的层次也均不同,因所画物体而定。由于树脂画是近几年研发出的新兴画种,所以国内还未像其它传统绘画艺术被广为传播开来,但以陈翔颖、曹强为代表的青年画师正在将树脂画技艺逐步地向广大绘画爱好者普及。
陈翔颖,福建省长乐市人。多年来倡导创作和研究多种题材的树脂画。他不只限制于绘画金鱼,更注重表现所绘制对象的本质和内在,热衷于在网上普及绘制过程。曹强,山东济宁人,2012年3月受深堀隆介的影响创作容器树脂立体绘画,尤其画鱼尾特别生动,曹强的作品生动逼真,中国风极强,利用树脂的透明特点和质地,将树脂画作品表现的淋漓尽致,表现出别样的三维美感。
树脂材料在传统的绘画技法中主要有三方面的用途:一是将树脂与溶解剂合成到一起可以做成很好的定画液或者上光材料;二是将其与胶类和油脂按一定比例混合到一起,经过乳化制造出各种坦培拉乳液;三是配制各种绘画的材料。其材料主要分为天然树脂和人工树脂两种。其中天然树脂分为硬、软树脂两类。硬树脂――文艺复兴早期画家多用硬树脂(琥珀)保护硬底画面使用。软树脂有玛蒂树脂、小玛脂、达玛树脂、虫胶等。由于人工树脂的稳定性、透明性和隔潮防湿比天然树脂效果好,所以现代画家逐渐开始使用人工合成树脂来代替天然树脂。用于绘画的合成树脂主要包括丙烯酸树脂和醇酸树脂。国外也已经研制出了丙烯色和丙烯媒介系列以及醇酸树脂颜料媒介系列。由于树脂的优势较多,因此广泛应用在许多绘画作品中。
3.1树脂材料在油画中的应用
在油画的创作中的上光材料和定画液均为树脂和溶解剂结合出来的,可想而知树脂的用处之大,因现代提炼出的材料更为先进,更具表现力,所以现代艺术家更多的使用人工合成材料,所以一副完整的油画离不开树脂的配合,更要明白软硬树脂的表现效果。
3.2树脂材料在装饰画中的应用
丙烯颜料以色彩丰富鲜艳并且易保存的特性受到绘画界的广泛应用,干透后其表面是亚光的,通过与树脂分层的结合到一起,可以提升颜料的光泽度。干透后可以随即途一层树脂材料继续逐层绘制,最主要的特效便是可以把二维的平面装饰画通过树脂透明及其分层的特效把画面拉伸开变成立体效果,呈现另类的效果。
3.3树脂画的装饰性及在现代设计中的应用
由于树脂画独特的承载方式,这就使得他在现代设计的应用中不能依附于一般的产品中,但也是因为此,现实中的许多容器都可以成为其作画的工具,广大的青年爱好者便可充分利用身边的精致器皿进行艺术创作。作品完成后,一件普通的器皿便可跃然成为栩栩如生、惟妙惟肖、令人震撼的艺术品。
由于树脂画是3D立体作画方式,可以淋漓尽致地表现自然中的事物,往往给人一种逼真的感觉。因此,将其置于家庭中,常常使其富有生机,其装饰效果不言而喻,拥有其它装饰品所不具有动态效果。
装饰艺术是一种别具一格的表现形式,其风格样式与表现形式均具有强大的艺术感染力,装饰绘画艺术更注重视觉美感,追寻形式美与色彩的紧密结合。装饰艺术的发展必须与时代同步,正如我们现在研究的把树脂、有机板利用其透明的共性有机地结合到一起,利用装饰语言加以修饰才能更好地发挥自身的艺语言特性,来引导大众的艺术欣赏能力。而树脂画正是以一种新形式的装饰画艺术出现在艺术领域当中。也将有更多的富有创造力和创新意识的艺术家钻研于树脂画的研究和创作,构成更多具有视觉美感的吸引力和艺术生命力的语言形式。
[1] 张鑫.浅析现代产品设计中的装饰艺术[J].艺术教育,2012(3).
[2] 王莹莹.浅析现代装饰中色彩的特点与应用[J].艺术空间,2013(11).
[3] 金世伟.论丙烯材料在现代绘画中的应用[D].辽宁大连,2010.
[4] 沈山岭.现代环境艺术设计中中国传统装饰艺术的应用[J].景观设计,2012(12).
[5] 陈全忠.手绘树脂立体画凝固时间凝固美[J].创艺生财,2012(10).
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对于艺术类大学生的教育,不仅仅应局限在专业知识与专业技能技能上的教育,更应该培养学生如何在生活中发现美、体会美。
今天读文网小编要与大家分享的是:造就生活的艺术家—高校艺术类学生美育方法探析相关论文。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:“生活的是艺术家”是相对于专业艺术家而言,他们并非以艺术作为自己的职业,而应该以审美的态度去对待生活、社会和人生。具体表现为应具有健康的审美观与较强的审美与创造力。
关键词:“生活艺术家”;审美态度;审美能力;职称论文
论文正文:
造就生活的艺术家—高校艺术类学生美育方法探析
马克思曾经预言到共产主义社会“人人都是艺术家”,①但这里所说的“生活的艺术家”,是美育的特殊作用之所在。美育不仅是传播社会知识、表现内心情感、满足审美需求的重要途径,而且对人格的和谐圆满发展具有重要意义。
所谓“生活的是艺术家”是相对于专业艺术家而言,他们并非以艺术作为自己的职业,但却以艺术的、审美的态度去对待生活、社会和人生。具体可表现为健康的审美观与较强的审美与创造力。“生活的艺术家”首先应该树立关于美与丑的健康的审美观念。因为,美与丑的问题涉及十分复杂的情感与心理领域,所以我们的一般不简单化的以正确与错误,而是以健康与否加以界定。
对于艺术类大学生的教育,不仅仅应局限在专业知识与专业技能技能上的教育,更应该培养学生如何在生活中发现美、体会美。众所周知,人类所面对的有真、美、善三个领域,美与审美恰恰处于真与善、知与意的中介领域,承担着统一观,而且在审美感性力的基础上更多地贯彻着善对真、意对知、理性对感性、一般对个别的制约性与统领性,也就是说,在美与丑的辨别中贯穿着对人类进步有益、符合绝大多数人利益的主旨与精神,其核心则是对人类社会与生活和谐发展的追求。因为,和谐发展是人类社会与生活和谐发展的追求,是人类的理想,也是审美的理想、人生的理想,而这三者实际上是统一的。
从事艺术类工作,必须具有较强的欣赏美与创造美的能力,一般将其统称为“创造的想象力”,这种创造的想象力是多种心理功能的综合,包括想象力、知性力、理性力(精神)和鉴赏力。康德认为,“所以美的艺术需要想象力、悟性、精神和鉴赏力”。在这四种心理功能中,鉴赏力即审美的情感判断力是核心,各种心理功能都统一于审美的情感判断,目的也是为了产生审美的情感判断。想象力是最活跃的因素。
可见,审美力与创美力是一种具有深广内涵的心理过程,它需要通过自然美、社会美、尤其是艺术美的长期陶冶才能不断得到培养与发展。
人应以审美的态度去对待自然。人们应建立一种审美的自然观,建立起人与自然的审美关系。众所周知,人类产生之前,类人猿作为动物,本身就是自然,不存在人与自然的关系问题。只有出现了人类之后,才将自己从自然中分离出来,有了人与自然的关系。但是在相当长的时间内人类没有把握好人与自然应有的关系,从而使之处于一种对立状态,由于恐惧、征服、到掠夺、破坏……渐渐地。当人类到迈入二十一世纪后,才逐渐认识到人与自然应该是一种和谐发展的亲和的审美关系。人类应该以审美的态度去对待自然,热爱自然、保护自然,因为自然是孕育人类之母,是人类生存发展之本。人类只有一个地球,这是人类及祖先、子孙后代共有的家园。因此,人与自然的关系应该由对立走向和谐,由敌对走向审美。
同时,人们应该学会欣赏无比绚丽美妙的自然美。自然美是造物主提供给人类的特有的宝贵财富,我们应该树立正确的自然美观。因为,从对人类终极关怀的高度理解自然美比从实践的角度的自然美观;从对人类终极关怀的高度理解自然美比从实践的角度理解自然美要更加科学并有更大的包容性。
社会性是人的根本属性,社会美包含更多理性内容,人与社会之间应该建立一种和谐发展的审美关系。每个人都应以建立和谐发展的美好社会作为自己美好的社会理想并为之奋斗,竭尽全力弘扬美好,摒弃丑恶,甚至为理想献身。这样的人生才是有意义的人生、美的人生。
在一般的情况下,一切社会都需要建立一种和谐协调的关系,这样才能求得社会的发展。社会和谐协调依靠三种途径:第一是法律,这是一种外在的强制性;第二是道德,这是一种内在的强制性,所谓良心的谴责等等;第三是美育,通过美育,使人们以审美的态度对待社会,这是一种内在的自觉性,一种自觉自愿的情感的驱动力。通过美育的途径可以极大地减少暴力、贩毒、走私等犯罪行为与丑恶现象。并且更为重要的是,通过美育使人们以审美的态度对待他人,抛弃人与人是兽性关系的自然主义理解和“他人是地狱”的灰暗的存在主义理解。因此,建立人与人是平等友爱的伙伴关系的人道主义理解;这种人道主义精神就是一种审美的精神,也就是古代圣贤倡导的“仁者爱人”的传统仁爱精神。
人类在长期的发展中更多地关心社会,较少地关心自然,更少地关心自身,特别是很少关心自身的心里与人格发展。人们较少关心自身导致了精神危机成为全人类的共同疾患。如果人类再不更多关爱自身,特别是关爱自身心理与人格的健康发展,人类的精神危机的蔓延将远远超过癌症与艾滋病的危害。因此,人类必须以审美的态度对待自身,使自身特别是心理与人格得到和谐协调的发展。
在人的全面发展内容中,心理与人格和谐协调发展的核心是培养提升人的内在情感力,使每个人都充满美好高尚的情感。这是人健全的心理和健全人格的基础,也是新世纪是人类更加美好的基础。
综上所述,只要我们坚持审美教育,特别是在高校艺术教育中,有目的、有意识地进行系统训练,这将使更多的人或者说是绝大多数人都成为“生活的艺术家,”人类与人类社会在新的世纪就会变得更加美好。
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摘要:通过对东北石油大学艺术学院艺术设计专业的发展,就一年级基础课的回顾,发现了一些问题,以这几年学生生源素质为研究基础,经过这几年探索出一些适合与本专业学生提高基础素养的教学办法,教学方法主要针对于设计基础课中的徒手表达的研究,提出了一套较为合理高效的学习方法,从训练的题材和学时的安排两方面入手,使没有受过学前专业素质训练的学生能够在短期内提高到一定的水平,从而树立起学习的信心。
关键词:循序渐进;徒手表达;论文下载
我校的艺术设计专业还处在起步阶段,虽然艺术设计专业还比较年轻,在这期间为社会也培养了一批批优秀的设计人才,教学体系已经比较完备。这些成果的取得得益于全体教师在教学上的不泄努力,以及在教学体系改革和教学方法研究上所作出的贡献。从办学环境来讲,我们不具备任何优势,交通不便利,城市经济类型属于能源型城市,艺术设计对于学校来说也是一个新专业。这些原因致使我们的生源素质较其他兄弟院校尤其是老牌的艺术设计院校的生源相比较,素质相差甚远。为了弥补这些不足,我们立足于现有的硬件和软件的条件,努力研究,试图通过改革教学方法,因材施教,有针对性的对课程进行探索性的改革,力求走出一条有自身特色的教学新路。
1、徒手表达在设计课中的地位:徒手表达在整个设计课当中占有十分重要的地位,尤其是方案初期阶段,用速写草图帮助学生进行思考、构思,将头脑思维片段的捕捉下来形成准确、形象的图形和符号。有些优秀的艺术设计作品甚至就源于设计师的最初手稿。因此图解与思考是设计师基本素养之一,二者也是紧密联系不可分割的。同时也是设计师之间沟通的桥梁;徒手表达能从多个角度出发,空间、平面、立面、剖面、透视、展示设计意图与构思。许多设计师都是优秀的画家,而许多画家也曾参与到建筑设计,环境艺术设计当中。怀勒(Charles de Wailly,1730-1798)被认为是当时最优秀的建筑画家,他和皮瑞(Joseph Peyre,1730-1785)一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内,设计了绚丽辉煌的室内空间,这个空间淋漓尽致地体现在怀勒所画的剖面图中,它不仅表现了建筑结构和室内装饰,而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破,即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。
2、 以往的教学方法及效果:徒手表达或者称为设计速写这门课程,据了解在在大多数院校设计基础课程中只占有很少的学时,这是一个普遍的问题。我们也曾面临由于学时的有限,因此课堂上不可能将全部的徒手表达知识一一的讲解。基本上是在大一的第一学年刚入学的阶段讲完理论,然后大部分时间是留给学生课下自己来学习,每周交2篇A4幅面的速写作业,这样下来会出现一些问题,首先是学生临模时选择的题材多种多样,难易不等,有的临摹过于简单,有的却过于复杂;有的同学临摹的工作量不够,一张纸上只是寥寥几笔几个形态。还有的在交作业之前突击完成,效果可想而知。为了解决上述问题也曾尝试一些新的教学方法,如,临摹优秀的速写教材,现在有一些学校仍在应用这种方法,但在一年级采用这种方法还是不妥,首先是每一章节临摹的图量或多或少,难易不等,在理论方面学生也理解不了。
3、 循序渐进的教学方法,经过一番总结,还是觉得应该从作业的环节着手解决问题,最终形成以下教学方法;首先将临摹的题材收集整理归类,主要来源于几本好的参考书如《建筑环境配景表现技法》等,将这些临摹的素材按照由简单到复杂,有平面到立面再到立体的顺序归类,在归类的过程中,筛选出简单、常用容易掌握的配景。各类参考书中有很多复杂的难以掌握图例不适合于初学,如果不加以要求,在安排作业时,临摹的内容过于多样,在工作量和评分上难以统一。其次,在临摹的数量上,按照所给出的临摹稿上的数量来完成,这样可以保证每人每周完成一定的工作量。
上述几点看上去虽然简单,但是需要我们课下做更多一些的工作,如将临摹的题材收集整理归类,做成临摹稿。制定详细的训练计划,(1)各种形式的徒手线条练习(两周),(2)树木、植物平面的表达方法(两周)(3)各种立面树木的表达方法(4)人物、车辆的画法(两周)(5)各种材质的画法(两周)(6)室内轴测图、透视图、鸟瞰图的表达方法(两周)(7)综合环境表现及方案草图练习(六周),每周4篇A4幅面规定内容的速写练习作业,只有通过量的积累才能达到质的飞跃,争取在一年级使学生完全掌握各种类型的徒手表现图的表达方法,为设计课打下坚实的基础。这也可以称得上是专业训练,针对于艺术设计专业的,而不是泛泛的美术速写练习,是掌握设计语言与能力的捷径。
徒手表达教学这个环节中,理论指导是一方面,更的重要的是贯彻落实每次的练习内容和课上的监督指导。在作业的评判过程中发现问题所在,及时调整内容,重点辅导资质较差的学生,培养兴趣是关键。通过速写的练习,从而使学生建立起学习艺术设计专业的信心。
[1]《建筑画环境表现与技法》中国建筑工业出版社 钟训正
[2]《图解思考》(美)保罗·拉索 建筑工业出版社
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我校的艺术设计专业还处在起步阶段,虽然艺术设计专业还比较年轻,在这期间为社会也培养了一批批优秀的设计人才,教学体系已经比较完备。这些成果的取得得益于全体教师在教学上的不泄努力,以及在教学体系改革和教学方法研究上所作出的贡献。从办学环境来讲,我们不具备任何优势,交通不便利,城市经济类型属于能源型城市,艺术设计对于学校来说也是一个新专业。这些原因致使我们的生源素质较其他兄弟院校尤其是老牌的艺术设计院校的生源相比较,素质相差甚远。为了弥补这些不足,我们立足于现有的硬件和软件的条件,努力研究,试图通过改革教学方法,因材施教,有针对性的对课程进行探索性的改革,力求走出一条有自身特色的教学新路。
1、徒手表达在设计课中的地位;徒手表达在整个设计课当中占有十分重要的地位,尤其是方案初期阶段,用速写草图帮助学生进行思考、构思,将头脑思维片段的捕捉下来形成准确、形象的图形和符号。有些优秀的艺术设计作品甚至就源于设计师的最初手稿。因此图解与思考是设计师基本素养之一,二者也是紧密联系不可分割的。同时也是设计师之间沟通的桥梁;徒手表达能从多个角度出发,空间、平面、立面、剖面、透视、展示设计意图与构思。许多设计师都是优秀的画家,而许多画家也曾参与到建筑设计,环境艺术设计当中。怀勒(Charles de Wailly,1730-1798)被认为是当时最优秀的建筑画家,他和皮瑞(Joseph Peyre,1730-1785)一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内,设计了绚丽辉煌的室内空间,这个空间淋漓尽致地体现在怀勒所画的剖面图中,它不仅表现了建筑结构和室内装饰,而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破,即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。
2、 以往的教学方法及效果:徒手表达或者称为设计速写这门课程,据了解在在大多数院校设计基础课程中只占有很少的学时,这是一个普遍的问题。我们也曾面临由于学时的有限,因此课堂上不可能将全部的徒手表达知识一一的讲解。基本上是在大一的第一学年刚入学的阶段讲完理论,然后大部分时间是留给学生课下自己来学习,每周交2篇A4幅面的速写作业,这样下来会出现一些问题,首先是学生临模时选择的题材多种多样,难易不等,有的临摹过于简单,有的却过于复杂;有的同学临摹的工作量不够,一张纸上只是寥寥几笔几个形态。还有的在交作业之前突击完成,效果可想而知。为了解决上述问题也曾尝试一些新的教学方法,如,临摹优秀的速写教材,现在有一些学校仍在应用这种方法,但在一年级采用这种方法还是不妥,首先是每一章节临摹的图量或多或少,难易不等,在理论方面学生也理解不了。
3、 循序渐进的教学方法,经过一番总结,还是觉得应该从作业的环节着手解决问题,最终形成以下教学方法;首先将临摹的题材收集整理归类,主要来源于几本好的参考书如《建筑环境配景表现技法》等,将这些临摹的素材按照由简单到复杂,有平面到立面再到立体的顺序归类,在归类的过程中,筛选出简单、常用容易掌握的配景。各类参考书中有很多复杂的难以掌握图例不适合于初学,如果不加以要求,在安排作业时,临摹的内容过于多样,在工作量和评分上难以统一。其次,在临摹的数量上,按照所给出的临摹稿上的数量来完成,这样可以保证每人每周完成一定的工作量。
徒手表达教学这个环节中,理论指导是一方面,更的重要的是贯彻落实每次的练习内容和课上的监督指导。在作业的评判过程中发现问题所在,及时调整内容,重点辅导资质较差的学生,培养兴趣是关键。通过速写的练习,从而使学生建立起学习艺术设计专业的信心。
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美术教育是艺术教育的重要领域,在促进人的发展和社会进步的事业中具有独特的价值和魅力。下面是读文网小编为大家整理的美术教育艺术设计学术论文,供大家参考。
一、高校美术教育发展存在的现实问题
目前,我国高校美术教育处于发展瓶颈时期,各高校美术教育普遍存在教学目标不明确、教学内容不全面、教学方法不系统、教学设施不完善、教学评估不合理等几个较为显著的问题。
首先,在教学目标方面,有相当一部分院校为了拓展教育领域,实现与其他院校在专业设置上的一致性,在教学目标不甚明确的情况下,盲目开展美术教育,丝毫不注重对学生专业技能、艺术修养和审美能力的培养,使美术教育成为一个形式化的空壳,未能体现其在社会主义文化建设中的特殊意义。还有一些高校片面追求提升就业率,弱化了美术教育的审美功能和创造内涵,一味强调迎合主流文化市场的专业技能,使学生丧失了艺术创作的能力乃至学习的热情和兴趣,对学生自身的发展和整个美术事业的延续都造成非常不利的影响。
其次,在教学内容方面,很多高校美术教育的课程设置缺乏科学性与合理性,内容较为单一和薄弱,培养出来的学生实践能力与适应能力较差,与社会脱节比较严重。这些院校的美术课程大多重技而轻道,仅向学生传授单纯的绘画技法,而不进行系统的综合训练,使学生的综合素养和创作能力无法得到有效提升。与之相对,当前社会需要的美术人才恰恰是具有综合技术能力和专业创作才能的复合型人才,特别是那些能够将新技术、新文化、新内容与艺术创作有机结合的人才,而不是单纯的绘画人员。所以,要满足社会对美术人才的需求,全面拓展学生的知识结构、努力提升学生的创造才能和实践能力,我们必须科学而合理地设置高校美术教育课程,这可以说是我国高校美术教育改革与创新的重中之重。
再次,在教学方法方面,我国大部分高校的美术教育均未形成有机系统,教学方法传统而老旧,教学模式保守而单一。在高校任教的教师大都是美术院校毕业的专业人才,他们的理论知识积淀颇为深厚,艺术创作才能也比较突出,但由于教学经验不足,对高校美术教育的参悟不深,很多人便套用自己学生时代的学习经验,有些甚至盲目照搬其他院校或者其他教师的教学模式,导致其教学方法与学校和学生的实际情况严重不符,与现实社会经济文化发展较大脱节,使学生的专业学习和技能发展受到很大限制。另外,大多数高校的美术课程设置中缺乏实践练习,教学的重点放在理论讲解与技巧分析之上,学生学习宛若纸上谈兵,在社会市场上完全不具备竞争能力。很多教师在教学中一味强调勤加练习,让学生不断地临摹指定物体,尽管提升了学生的写实能力,却极大地抑制了他们的艺术创造能力和美学思维能力,可以说是得不偿失。
然后,在教学设施方面,我国高校美术教育的硬件与软件设备均不充分。一方面,美术教育是一种关于审美能力和创造能力的教育,外出写生、参观、定期举办画展等是此项教育的必备项目,良好的绘画场所也是美术教育的基本条件,需要大量的经费投入作为支撑。然而,在很多学校中,由于相关部门和学校领导对美术教育的认识不够充分也不够科学,导致学校对于美术教育的投入力度远远达不到这项学科的正常需求,再加上高校扩招政策的不断推进,美术教育的经费更显欠缺,很多必要的教学设施都无法提供给学生,严重影响了教学质量,不利于学生的全面发展。另一方面,我国高校美术教育在软件方面的配备也没有到位。在许多高校,美术仅仅是作为边缘学科而存在,学校在硬件设施上一再限制,在师资配备方面同样不甚重视。很多美术教师只具备一般的美术学习和教学经验,与美术领域的骨干型人才差距极大,还有个别学校办学仓促,招聘的美术教师不具备扎实的理论功底和文化素养,教学能力之薄弱、教学观念之落后更是不言自明,导致学校的美术教学始终不能取得理想的效果。
最后,在教学评估方面,我国高校美术教育的评估指标仍不够明确,评价体系仍不够健全。现今,我国对高校教学的评估大多围绕教师和学生发表论文的数量及质量来进行,美术教学属后起之秀,没有深厚的学科积淀,自然也没有现成的评估经验可以参考,于是美术教学便向其他学科靠拢,在评估方面,论文发表的数量和质量也成为非常重要的一环。但是,美术教育是关乎艺术创造的学科,与其他文理工学科有着显著不同,它的创造性与美学效果体现在酝酿良久的具体美术作品之中,并非一篇几千字的论文可以言尽。同时,美术工作者大多善于创作、疏于言表,以论文为一大核心的教学评估体系对他们而言是极不合理也极不公平的。因此,必须建立一个符合美术教学的学科特色,并且能够集科学性、合理性、公正性和客观性于一体的评估体系,方能促进高校美术教育的长足发展。
二、对高校美术发展的几点建议
针对上述高校美术发展面临的五个现实问题,笔者分别提出几点建议,以期促进我国高校美术的科学发展,助力我国社会主义文化建设。
首先,在教学目标方面,应当明确新时期对美术人才的需求,找准高校美术教学在社会经济文化市场中的定位,积极调整和完善教学目标,把培养高素质、综合型的美术人才作为核心任务,着重培养学生的创新能力、审美能力和实践能力,把学生打造成为既具备扎实的美术专业理论基础,又具有与时代相接轨的其他方面知识及能力的优秀美术人才,满足社会的需求和艺术发展的要求。例如,在美术教学的色彩使用部分,教师首先应当细致地讲解关于色彩使用及搭配的基础知识,明确不同色彩所传达的内涵及其相应的表现手法,在创作实践中,教师先引导学生对现实中的物体进行临摹及适当的艺术再现,等学生完全掌握了用色技巧以后,则应当鼓励学生在符合基本用色要求的基础之上,依照内心的创作理念进行独立自主的色彩搭配,从而进一步巩固学生的专业知识,充分挖掘学生的创新能力与审美意识。
其次,在教学内容方面,应当牢牢把握高校美术教育的培养目标,以现阶段的经济文化市场为设置引导,秉持“以人为本”的办学理念,调整并完善专业课程安排,培养专业技能、实践能力与适应能力兼备的美术人才。具体而言,教学内容应由传统的纯理论型教学过渡到实践型教学,根据社会发展和时代需求,增加新知识、应用新技术、强调创新力,使学生在牢固掌握空间、色彩、形态、材料、技巧等专业理论知识的同时,能够触类旁通、举一反三,实现自我创新意识的提升和创新能力的发掘。在课程设置上,应当针对社会对复合型专业人才的需求,开设综合交叉学科,将美术知识的教授延伸到自然、科学、人文、社会等各个领域,让学生在专业学习的过程中系统接触其他方面的知识。有条件的高校可以在学科融合实践经验的基础之上,尝试开设新学科、新专业,将学生培养成为跨领域、跨学科并且具备新知识、新技能的综合型人才。
再次,在教学方法方面,应当建立适应社会发展和时代特征的教学体系,打破传统的以理论灌输为主的封闭式课堂模式,让学生成为课堂活动的主体,鼓励学生自主开展实践创作活动。学校相关部门负责人应当积极拓展学生的实践空间,与专门的艺术工作室或有关企业建立合作关系,有条件的可以考虑创建自己的工作室,促使学生走出教室、走出校门,成为与社会需求相接轨的专业创作型艺术人才。同时,应当改变老旧的授课模式,将网络和多媒体技术引入课堂,增大教学信息量,增强理论知识的感官性,提升教学效果,调动学生参与互动的积极性。然后,在教学设备方面,教育部门和各院校都应相应增加对美术教学的资金投入力度,为师生提供良好的教学环境。同时,可以借助社会宣传的力量,吸引企业、团体及个人进行项目赞助,尽可能多地为学生举办画展、校外参观或写生等活动,丰富学生的学习生活,赋予学生创作灵感,激发学生的创作热情。同时,高校应当加强对美术师资队伍的培养,不断提高教师的教学水平和教学能力,更新并完善以学生为本、以实践为主的教学理念,促进理论与实践的有机结合,为学生的专业学习树立模范。
最后,在教学评估方面,对于师生艺术创作能力的评估应该跳出单纯以论文定输赢的樊篱,转而从艺术的高度,对其艺术创作进行鉴赏和评析,确定其能力的高低与进步的幅度。另外,对于学生的评估,教师应当尊重学生的个性差异,以艺术创作的过程为重点,建立一个相对宽松的艺术氛围和科学合理的评价体系,尽最大可能避免评价中的主观因素干扰,对学生的能力和态度进行客观性描述。此外,可以采取任课教师多重评价、师生之间相互评价以及学生之间相互评价的评估模式,帮助教师更加全面地了解学生,更加深入地发现其艺术创作和个性发展的闪光点,进而有的放矢,促进学生的全面发展。
一、美术教育意义
美术教育是培养素质教育的一种有效手段,是现代教育的重要组成部分。开展美术教育,能更全面的开发学生思维,并激发学生对美的追求与热爱。而且,研究美术教育对提高学生们思想道德修养,培养健康的个性及健全的人格。早在先秦时期,孔子即提出:“兴于诗,立于礼,成于乐”的思想,奠定了“礼乐相济”的理论基础,并把美术教育作为道德教育的特殊形式。古希腊哲学家柏拉图同样把审美教育作为素质教育的补充手段,把审美教育从属于素质教育。我国著名教育家蔡元培先生也提出:“美育者,应用美学理论于教育,以陶冶情操为目的者也。”强调美术教育能使人达到全新境界。所以,把美术教育作为当代学校素质教育的重要手段及补充手段是非常必要的.
二、传统教育存在问题
1.传统教育影响下
学校美术教育以“教”为主,老师以自己示范为中心,形成“老师牵着学生走,学生围着老师转”的不良学风,导致老师教学生怎么画学生怎么画,老师叫学生画什么学生画什么,严重抑制了学生独立想象的空间和能力,同时,该种教育模式下,使得一些不负责任的老师出现上“花课”“假课”现象,严重影响学生的发展,此外,这也使得学生学习与生活经验脱节,不利于深层次发展。
2.受传统应试教育思想影响
学生家长方面不支持孩子花时间学习“旁门左道”,而大力支持孩子花时间在“主”课上,家长认为,只有孩子学习好了,成绩高了才有出息,才有发展前景;同时,学校方面为满足家长要求,大力培养学生文化知识,减少美术课程,培养出大量学习成绩优秀的同学,但殊不知,这种教育方式下的学生,失去了独立想象与创造的空间,失去了培养审美情操、创美能力的机会,从而为应试教育付出了沉重的代价。
3.传统美术教育忽视孩子成长历程
所用教材由简到繁,从成人眼光看待问题,脱离学生实际生活。实际上孩子在成长过程中,思维常常产生掌握世界,了解世界,并有一种证明世界的冲动。这极大程度的约束了孩子思维,对孩子想象力创造力的发展极其不利。
4.传统美术教育评估标准
只以“像不像”为评分标准,压抑孩子创造力发展,忽视艺术中多元化的重要性。因为艺术创造区别于其他学科的是,艺术创造没有统一的答案。[2]个人生活感受不同,必会导致不同的生活情趣。所以在传统的教学中,要求“统一性”带来的最严重后果就是学生作品呆滞和僵化,缺少了艺术的创造。
三、新课标下改革要求
新课程要求学校美术教育要有新的教学理念,能够激发学生对美术的兴趣,培养想象与创造能力,促进学生全方面的发展。新课改下要改变传统教学中不正确的美术教学观,把教学方式的改变作为转变核心,主要包括以下几点:
1.针对传统教学中以“教”为主的方式
实现由重“教”向重“学”的转变,培养学生独立自主的学习能力,丰富想象与创造的空间,使学生在学习过程中,发现美术之美,并能自由创造美术之美,将这种美带到生活、学习中去,使自己产生新的人生观、价值观。
2.打破应试教育带来的束缚,由重“学习结果”向重“学习过程”转变
传统美术教学中,老师只重视学生画的怎么样,忽略学生情感因素及学画的过程和方法。过多的教学生去模仿教材,或只按老师主观意识去画。新课标下,要求学生通过感知——探究——实践的学习过程去发现美术的创作规律和形式,并在学习过程中,收获到美感经验,提高学习能力。作为老师,要为学生创造丰富的教学环境,相信学生的学习能力,为之营造轻松、宽容、愉快的学习环境。
3.多元化教学,培养学生兴趣
新课标下,老师应重视多元化教学方法,调动学生想象力,主动性,包括以下几点:
3.1比较教学法
运用比较法,多角度进行分析,便于学生掌握相关知识,利于调动学生积极性,若使此法产生更好效果,还要注意选择作品,适时适地的引导、启发学生,讲究艺术性、典型性和科学性;
3.2分步教学法
避免传统教学中“先示范,后制作”的教学模式,老师可尝试从学生身心特征及认识规律出发,由浅入深,层层深入,层层启发。课程中,老师始终作为学生们的合作伙伴,生生互动,师生互动,为学生营造轻松愉快环境,使学生能力得到发展升华;
3.3游戏教学法
为改造枯燥的教学环境,满足学生爱玩好动的需求,可把游戏活动加入美术活动中。要求老师充分挖掘教材中潜在的游戏成分,在游戏活动中完成教学任务,让学生在学中玩,在玩中学。
四、结语
总而言之,美术教育,能陶冶学生情操,并能美化学生心灵,使学生建立全新的人生观和价值观,进入更高的精神境界。总之,美术教育在素质教育中有着其他学科不可代替的地位和作用,新课标下的美术教育,更需要美术教师认真领会新课标精神,提高教学质量,尽职尽责,责无旁贷的担起美育教学的任务。
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