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摘要:源自中国农业社会的民间美术,顺应了民间文化的观念、性质和特点。民间美术通过特有的观察和思维方式,以及对历史传统遣型的重新建构,实现了创作语言的自由和个性化的要求,具有强烈的审美感染力。民间美术表达了创作者真挚,朴素的情感,并使这种艺术形式最终实现了大众化。
关键词:民间美术;造型;表现;创作
民间美术的创作手段是以民族根源上流传下来的造型语言为基础,民间美术成为创作者对于自我主观意识的强烈自信。它们有一些共同的表现特征规律一一不以再现客观现实为目的,而形成了艺术创作中重视直觉、意念、臆断对客观世界的认识,以重建美好的现实、理想和必然。民间美术色彩热烈、喜庆,造型夸张、幽默,艺术形式生动活泼,表现技法质朴无华而又大胆、鲜明,使得劳动人民的情感在创作中得到淋漓尽致的体现。
一随意性的特点
民间美术的审美意象是追求情感上的真。因此,不注重形象上的真,“不求形似,但求神似”是主观的真实,创作的随意性就是基于这个道理。民间美术随意性的造型特点源于;民间艺人娴熟的技艺所创造的“熟能生巧”之作和因陋就简条件下的“弄巧成拙”。这类创作表现出“即兴发挥”,造型上显现“随意、稚拙”的特点。在创作过程中民间艺人表现出异乎寻常的洒脱,他们的精力集中在创作主题的渲染上,乎略细节的处理,表现出一些违背生活常识的不合理情节,让理念服从于意念、情理服从于情感。在造型中并不完全依赖对自然的观察和简单的直观反映,而是靠记忆力,借助意象进行创作,这样一来造型的随意性也就顺理成章了。老百姓常说,“我想啥就画啥,只要心里有,看不到的东西也可画在纸上”。这些朴实的话语道出了中国民间美术创作者的心理状态,在他们看来,“画是随心草”,表达了民间美术创作的自由性、随意性,同时又反映了老百姓对待现实生活、客观事物的主观态度。当你询问民间剪纸艺人,为什么侧面牛的眼不是一只?他们说:因为牛都长着两只眼睛;为什么大牛肚子里有一只小牛?他们说:牛怀着孩子就是这样的。这是他们所见,在他们眼里,这是最写实的。民间美术创作的随意性向我们展示了这样一个艺术世界:老虎身上长着刀;老牛拉车可以两只蹄子走路、两只蹄子扶辕;打腰鼓的人可以三头六臂、七八条腿;老虎可以赶来拉碾,耕地的两头牛背靠背躺在地上;莲花开花、生藕、结子、生出胖娃娃都在一起,鹊桥相会里有牛郎织女、天上人间、日月星辰、银河、燕子,河里还有牡丹鲤鱼等等。不同时空、人神鸟兽都可以集聚成一个整体,这种随心所欲、轻松自由的创作令人难以想象。他们以为自己的剪纸、绘画、泥塑最正确地再现了客观现实。他们没有像专业艺术家那样有意识地概括、简化、夸张、重新组合。民间美术造型的“心里有”、“爱啥就画啥”是他们自由无羁、无拘无束地表达自己的审美感受和审美理想的心理写照,他们并没有将自己心灵的感悟当作是真实的客观存在,所表达的只是“心里有”的东西。在审美创造活动中自己既是审美主体,又是客观的观察者;既可以自由地面对审美客体,又在冷静地注视自己。“爱啥就画啥”是一种“心上之音”、“得意忘象”的审美境界,强调审美创造的自我意识;而在艺术表达的时候则是积极主动的,客观现实物象都被纳入到作者的审美范畴中,各种造型有所依据,又不是客观现实的影子,这种主观认识又必定符合民众的内心要求和审美感受。
二、圆满完美的造型
中国传统的宇宙观中,有一基本信条:就是一切事物莫不在变化之中,宇宙是一个变易不息的大流。中国人自古形成了往而复返的空间观念和周而复始的时间概念。古人的这种宇宙观与人生观与佛教哲学上“因果报应”、“三世轮回”的人生观不谋而合,表现在民间美术造型上即崇尚圆满完美,浑沌思维的整体性。民间艺人对事物的完整、全面的追求一一崇尚完美,这便是“天人合一”思想与人们主观情感同外界事物同形同构的关系所致。圆满完美的造型观,反映出民间美术“求垒”、“求美”的特点。民间美术的创作是以全部的感性和理性认识来综合表现对象,把长期观察所得到的体验充分表现在造型中。其一是通过透明透视,把对象的各个侧面和背部进行垒方位的展现,体现了崇尚完整、圆满的观念。所描绘的对象内外重叠或前后重叠,互不遮挡。例如:透过虎、牛的肚皮可以看到腹内的小仔,透过房屋的墙面可以看到屋内的景象等。民间美术之所以能突破透视规律的局限,在于民间美术抛开了自然对象的实体真实,即立体的、占有一定空间的真实,而是以全部感性与理性的认识来综合表现对象,观看得真实已让位于观念的真实,客体形象的真实已让位于心象的真实。这种造型的完美特征在各地的民间美术作品中都有体现,山东潍县木牌牟画中的骑虎,湖南年画“老鼠嫁女”不是在侧面身上出现正面头,就是在侧面头部出现正面的两只限,产生二维平面上的多维感。质朴的思想感情和审美需求,形成对民间美术造型的完美性要求。其二是通过看不见的内部真实,表现出造型上的求全求美,在表现石榴、葫芦、南瓜一类的瓜果时往往剖开物体,使其露出籽来,透过母鸡可以看到腹内的鸡蛋,公鸡肚子吞下了五毒,在老虎、牛、羊、鹿身上装饰梅花等图案。把完整与美好有机结合达到和谐统一的境界。其三是民间美术对事物完整、圆满的理想化审美定向。因此,在民间美术作品中,很少看到残缺的人物形象,讲究构图的完整性,常将画面看成独立的舞台,形成与外界隔离的小天地,通过完整形象的巧妙组合,达到集中、内向、充实、饱满的艺术效果。山东潍坊木版年画《男十忙》里描绘了十三个庄稼汉在耕田、耙地、种麦、锄草、轧垄、收割、运粮等田间劳动情景。《女十忙》画面中的十一个妇女,有的弹棉花,有的纺纱、捻线、织布,其间穿插有儿童、花猫、黑狗既填补了画面空白又活跃了气氛。在剪纸中男女老妇,衣服都饰以花纹,连老虎、狮子、鹿、狗动物身体上都描画出花草的形象,为的是使画面丰满、完整、突出喜庆热闹的主题。为了达到完美的效果,民间美术的造型不拘泥于一般生活现象,创造出异想天开的画面,完整与美好有机结合,达到和谐与统一的美学境界。
三、造象的抽象性.概括性
劳动者是最先从认识自然和改造自然的过程中获得了抽象创作的原动力,原始美术和民间美术成为抽象艺术的先导。民间艺人在形象的塑造上,多因时、因地、因材制宜,不假虚饰,以抽象性的手法表现出物象自然、质朴的本来面貌。抛开现实形象的细节,用极简单的线条概括抽象现实形象:在织绵刺绣和桃花这类民间美术种类中,除少数具象图案外,大部分都是点、线、面组成的几何形图案。这种抽象造型能力可以追溯到新石器时代,在彩陶的表面有圆点、三角、旋涡、波折、齿纹、鱼纹、蛙等多种纹样,抛开现实本身的各种细节和不规则因素,用极简单的线条概括抽象现实的形象。把各种动物、植物、抽象为几何图案,不但要仔细观察。抓住对象的主要特征,集中概括,夸张变形,而且还要饱含浓厚的文化内涵和古老的造型意识;云南沧源文化和古老的造型意识具有的抽象、象征含义。汉族的民间服饰,日用品装饰上也可以看到概括的抽象几何图形,如百家衣、百纳幛。这种以菱形的碎布拼制而成,以色彩的拼接和几何状的结构,完整呈现出某种动物、植物造型,色调鲜艳和谐;生殖崇拜的华中树、鱼人、鸡头鱼、双鱼,气氛热烈喜庆。民间美术概括性表现在程式化造型。如“十斤狮子九斤头,一斤尾巴掉后头”的画诀,表现出大胆取舍,夸张、提炼其本质,舍弃、弱化细枝末节,并夸张画中的内容:贵州民间泥玩中,野猪的造型十分奇特,头部和嘴占了大半位置,躯干几乎被省略了,却将野猪的生猛表现得鲜活生动。河北武强木版年画为突出门神的勇武,尽量横向夸张,把人体比例缩减为四个头长,形成方厚如山的气度,而仕女则被刻画得格外清秀,细腰削肩极尽婀娜之态。民间木刻版画在处理大场面时,以简略的笔画表现出多种物象。在戏剧表演中,几个兵卒就是千军万马,版画中几组细浅排列的草就是一片草地,这种造型上的省略手法存在合理性,言未尽而意已明。
结束语;
民间美术是千百年来集体意识和劳动积累起来的丰富经验的结晶,民间美术的创作者是劳动群众和民间艺人,其中决大多数是在劳动之余创作的,主要为劳动者自己欣赏、使用,因此表现了他们的愿望、心理、信仰和生活观念。民间美术和民俗活动有极为密切的关系,民间美术是伴随民俗活动而发展的。民间美术是在生活中发生、并为现实生活服务的文化表现形式,它的文化内涵和艺术魅力始终无法摆脱创造者的群体意识、情感气质和习俗心理,它是为生活而创造的艺术。它有着自己独特的艺术体系和造型体系,这种艺术体系和造型体系不是取法自然的真实形象去表达作者的某种观念,而是用观念去看待和描述某种事物,使作者的观念暗寓其中。民间美术是最自由、最有生命的艺术,是没有雕琢、不做作,用简单的形式表现出古老的民族风俗的艺术。
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民间工艺美术是我国民间艺人生活的积淀和智慧的结晶,是民间“草根”艺术的灿烂奇葩和文化瑰宝。自古以来,民间艺人都坚持“工精,艺深,美奂,术高”的一丝不苟精神,但在当今的经济社会中,一股艺术的“浮躁”之风正影响着工美行业,困扰着从业者本应纯洁的心灵,干扰着原本平静有序的市场,扭曲着“草根”艺术的本来面目,更制约着工艺美术产业的持续健康发展。为此笔者认为,当今工艺美术行业的工作者应正确认识与解决当今工艺美术业中“市场与艺术”、“本色与失色”、“沉静与灵动”、“重任与发展”之间的关系,遵循工艺美术其“工精湛,艺高深”的本色、品质、规律和技法,自觉养成“空灵”的心境,以凤凰涅槃的境界创作具有时代价值、社会价值、文化价值、审美价值的精品。
当前困惑和影响工艺美术健康持续发展的问题,主要表现在以下几个方面:
1.产业在发展,“艺念”修养在弱化。当今工艺品已成为一种文化产业进入市场,这本是可喜的,但一些人把它作为追求自身利益的“敲门砖”来索取,致使在工艺美术市场上不乏出现以假乱真、以劣充优等违背工艺美术家良心的行为。
2.市场在拓展,艺术水准在退化。“十一五”期间,我国工艺美术产业不论结构、发展、经营的方式,还是市场拓展都不断得到提升,但其艺术水准在某些程度上却有所退化。工艺美术是我国传统的“草根”艺术,应凸显自身的本色、品质、特色和技艺,而今却定式定格,呆板僵化,失去了它原本的面目和属性,也失去了人们对工艺美术遐想超脱的空间,淡化了对工艺美术“草根”的魅力。
3.产量在增加,创意思维在僵化。在市场竞争中,工艺美术行业为求生存谋发展,在“功利”的驱使下,将原本精雕细刻的工艺产品变成了批量生产、雇工仿制,导致出现“重数量,轻质量;求产值,忽品质;争市场,淡创意”的现象,产品的内容和形式千篇一律。以至于不少民众和收藏家感叹:“艺术品市场似曾繁荣,可当今一件精品难求!”
4.产品在广销,艺术价值在“擬化”。自古以来,商人最讲究的是诚信与信誉,对销售产品“明码实价”是为了体现“货真价实”。对艺术品更要讲求真正的价值,才能体现它的艺术价值,可当今工艺品市场上明曰“明码实价”,实为“满天要价”,导致其“有价无市”,使市场出现“冷清”和不景气,同时也失去了其艺术的品牌和市场。
5.人员在壮大,人才精英在虚化。随着工艺美术产业的发展,从业人数也随之大增,但真正具有高素质的人才却少之又少。如若忽视了对艺术家德艺双馨的培养,将会出现后继无人,令人担忧。
当今工艺美术家要摆脱“浮躁”之风,应该坚持文化自信,与时俱进,修炼沉静的心态,方能从事高尚的创作。何谓“沉静”,古人云:“心安静虑”,也正是佛学所指“禅心”(禅那)。艺术家要置于一个五蕴皆空、无我的禅定心态,从“污染”向清静意念转变,使自身进入心明空宁的境界,获得心绪宁静,心身愉悦,由“痴”而“智”,产生一种创作灵感、顿悟与智慧。唯有沉静的心态,念心清明,方能对艺术进行深入的探求。
1.静心永葆艺术的本色。“本”是万物的根体,“色”是万物的面目。对工艺美术家而言,其“本色”就是“固根体,还本原”——热爱自然、遵循自然、回归自然、再现自然,以自然反映多彩的民间生活,创作高于现实生活的艺术美,展示一种时代的精神和风貌。唯有摆脱浮躁的干扰,方能“心静智高”、“心和智博”、“心慈智深”,创作出昂扬向上、广大民众喜欢的优秀作品,这才真正体现工艺美术者的本色。
2.用心把握艺术的规律。任何事物的发展都有其自身的特点和规律,工艺美术自身特定的规律是“观察—认识,感悟—创作,再现—求变,精作—升华,创意—经典”,每一个环节规律的准确把握,要靠工艺美术家用心去观察认识。只有用心者才能把握事物发展的规律,才能探求把握自然、生活与艺术的真谛,也才能在艺术创作中得心应手,独放异彩。如福建石狮通草画创始人吴为家大师,正是因为把握了自然、生活与通草艺术间内在特殊规律,潜心探求通草创作的真谛。才能独具匠心创作出“天人合一”的通草佳作,声蜚海外,并得到杨成武将军“通草奇葩,香飘万里”的题词赞美以及国内外新闻媒体的广为宣传。
3.真心养成艺术之“道心”。所谓“道”,即是“和”,这是中国几千年“道学”文化的精髓和艺术内涵,也是工艺美术家应具备的“夫有真人而后有真知”的灵悟和功力,以敏锐的眼光洞察自然,自觉反观自我,以达到海纳百川、宽厚人和的境界。在喧嚣中养成一种和谐的氛围和一个凌空的心境,与自然融合相和,感受大千世界之美感、悠然灵动之物象。这是道心之所宽悟,道心之所在。
4.潜心苦炼艺术的“禅意”。艺术家要具备“禅意”的平常心,树立正确世界观、人生观和价值观,获得艺术的大智慧,方能创作出理想的佳作。徐悲鸿的《奔马图》、张大千的《荷花》、齐白石的《虾》,等等,都是大师们“禅心”修炼而就的佳作。
作为一个工艺美术家,他的作品应体现一种高尚的境界和本色。其“本色”的深涵在于“天味、天色、天触和天音”,这是作品灵动的要素,也展现其生命力、感染力和吸引力。那么灵动的作品从何而来,就要通过艺术家沉静的修炼,产生创作的智慧,而智慧又勃发沉集灵动的“色相”,而跃然受众的眼界,成为人们评定与鉴赏的天人合一的佳作。为此,灵动的作品是检验和评定艺术家艺术思想修炼的功力,是创作表现能力和素质潜在实力之所在,这恰恰正是当今工艺美术家所要肩负的历史重任和时代使命。
1.灵动作品是艺术家追求的终极目标。当今工艺美术市场出现的一种“有价无市”、“叫卖不叫好”的问题,是因为失色的作品困扰了工艺市场,特别是伪劣造价、坑蒙拐骗的艺术品,更是要了工艺美术的“命”,断了工艺美术的“根”。要真正地改变工艺美术家的命运,就要从自身做起,为时代创作出反映人们生活、反映时代风貌,反映历史之魂的灵动作品,这也是我们艺术家一生追求的目标。我国工美大师丁大洋最近创作的《黄河颂》木纹组画(包括《黄河怨》、《黄河之水天上来》、《黄河日出》)无愧为大时代的巨作,我们从中能嗅其天味,见其天色,触其天感,闻其天音。这就是能产生灵动神韵的大作。
2.灵动的作品是艺术家素质和能力的表现。常言道:“台上一分钟,台下十年功”。表演艺术如此,工艺美术亦如此。一幅灵动的工艺美术佳作,不是一蹴而就,而是艺术家在长期实践中,思维修炼的功力、创作表现能力和素质潜在能力的集中表现和爆发的智慧闪光点。像福建青年雕刻家杨明,他创作的寿山石《龙腾盛世》,龙身矫健,灵动腾飞,刀工细腻苍劲,充分表现出他炉火纯青的艺术功力,而2011年工艺美术百花奖金奖是对其功深艺高的肯定。
3.灵动的作品对市场品牌的效应。灵动的作品在市场中不仅可以产生鲜活的艺术效应,也会产生强烈的商品品牌和丰厚的经济效益。2011年1月16日,天津画家白庚延的《黄河咆哮》和《燕塞秋》两幅巨作在天津文化艺术品交易所正式挂牌,以1亿/份的价格进行申购。截止2月25日收盘,《黄河咆哮》报收6.21亿元,月涨621%;《燕塞秋》报收5.75亿元,月涨575%。这说明灵动的作品不仅有艺术价值,也具有一定的经济价值。当然,有的经典的艺术品是难以用经济价值来评定的。
4.灵动的艺术品有益于“艺术授权”。“艺术授权”是当今经济社会艺术品进入市场交易的一种新方式,指是授权者将自己拥有或代理的作品、艺术品等以合同的形式授权给被授权者使用,被授权者按合同的规定从事经营活动,并向授权者支付相应的版税;同时授权者将收到的版税按一定比例回馈给提供著作权的艺术家。比如印有齐白石画作《雀跃樱桃》的旅行箱成为上海世博会特许商品,梵?高经典作品《向日葵》被印上了银行的信用卡,这些商业与艺术品联营都是通过艺术授权的方式来实现的。艺术品要想进行艺术授权的首要条件是艺术品是灵动的,这样才能吸引商人和客人的心理,否则也失去了市场商业品牌价值和市场效应。在我国,随着人民生活的提高,对品牌艺术品的需求也日益提高,这就要求我们的艺术家们要创作更多灵动、富有时代感的作品,才能够适应当今激烈市场的竞争,扩大它的发展空间,灵动的艺术品有益于让中国的艺术文化走向世界。
吴小锦,1965年生,福建石狮人。自幼喜爱工艺美术,师从其父——我国著名“通草画”创始人吴为家,学习“通草画”剪、画、雕刻、粘、贴等技术。1998年,吴小锦又独创了“贞观香绒画”。20多年来,她创作了3000多幅“两画”(通草画、贞观香绒画)佳作,其中不少作品荣获全国金奖。2002年元月,她被中央电视台邀请到北京参加“春与狮共舞”联欢晚会,向全国展示了巨幅通草画《深切怀念毛泽东》;2004年获共青团中央、民间艺术家协会颁发的“全国乡村青年民间能手”荣誉证书;2008年被评为“福建省工艺美术大师”; 2010年12月被评为全国一级、高级技师;2010年9月19日“通草画”被评为非物质文化遗产,吴小锦为遗产的传承人;2014年1月9日“贞观香绒画”被评为非物质文化遗产,吴小锦为创始人。
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创作,指创造文学艺术作品,也可作文艺作品。创作是我们造型综合能力与艺术创造能力的集中体现。在学习创作的过程中,能够同时满足我们对于求知和创造的快感需求。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:。具体内容仅供参考,欢迎阅读!
每个艺术家都具有创造能力,可为什么在美术创作中能够坚持原创性的却是少数,综合具有原创性表现特色的艺术家的经验及我个人的浅见,我认为要实现在美术创作中坚持原创性,需注意以下几点:
美术创作者在进行创作实践时,思路要清晰、透彻、单纯,专注于自己的内心世界,心无旁骛地探索发自内心的感受想法。一个不能在思想上集中专注的艺术家,不仅无法感受美术实践中的一些细节以及一些微妙的变化与细腻体验,更很难确认稍纵即逝的原创性语言的特征和意义。要想在创作中有所突破,就不能把复杂的思想观念带入美术创作中,要做到“外要离相,内不动心”,这样才能在构思上深刻化,表达方式上完美化。[1]运用一切可能性来开创自己的表现方法,探索各种形式语言和媒介材料,以寻求独特的创意构思,美术创作应该在没有任何复杂思想观念影响下的一种个体精神畅游和飞翔,随心所欲,自由地发挥个人的想像力和创造力,才能展现出创作者最大的创造潜力。
我们往往会发现,很多中国艺术家会不自觉地流露出与古代人相似的思维方式,或受西方绘画的影响产生一种思维定势状态。其实,有很多艺术家并不满意自己的创作态度,只是因为他们不敢打破常规,缺乏大胆的探索精神来打破现有的思维模式,因而在艺术创作中依然停滞不前。正是因为这种保守思想阻碍了他们在艺术创作中的前进道路。袁运生的作品《泼水节》,在当时来看,被一些人说成是有碍社会风气,受到很多不公对待。这幅作品着重描绘了傣族人民泼水节的狂欢盛景,揭示了人民热爱生命、追求自由、向往幸福的美好愿望。在傣族的民族风俗中,相互泼水是为了洗刷被恶魔毒汁污染了的身体,同时也是相互致幸福的意思。
《泼水节》在后来得到了各方的好评。其中,日本驻波大学教授、著名的美术评论家桑原住雄先生,谈到《泼水节》中出现裸体这一点特别值得注意,在装饰空间的壁画中出现裸女形象,从中国的当时来看,完全是破格的事物,这也可以看作是中国美术的新尝试。这就是作者敢于打破常规,挑战新事物的结果。[2]袁运生画家和他具有一样品质的画家都具有一种无法使自己的创作停留在符合社会一般大众的审美上,总是要走在社会与时代的前面,按照自己内在的需要来探索新的表达方法。也正是因为这样,就注定了这些艺术家要承受先行者的孤独。但也正是由于具有这一精神品格,才使得他们成为伟大的艺术家。因此我们在创作中要敢于打破常规,尝试新事物。
一种创意的产生是非常不易的,艺术家有时就是因为这一独特的创意而留名艺术史。而后来者再重复使用这一创意构思时就不能再体现这种表达方式原有的意义了。很多看来具有“独特创意”的构思,其实不是他们自己的创作,而是借鉴了已有的艺术现象后创作出来的样式。在装置艺术中出现了杜尚的《小便池》、单伯格的《上帝》的作品之后,各种概念想法和表达手段都出现在艺术家的作品中,可是,我们发现重复这一创作理念,就失去了装置艺术的原创性,这样的作品也就不能再次打动人们。
好的作品必须是由深刻动人的创意思想出发的,在美术创作中,只要能给自己留下独立思考的空间,想像力就会发挥积极的作用。我们在创作构思中就不会局限于所看到的某些具体的事物形象,而是会不自觉地加入自己的精神活动。当感觉想像力匮乏时,不妨看一些儿童绘画、民间艺术等,通过各种渠道来刺激和激发我们的思维,拓展想像的空间。如果我们的美术创作中,以个人的想像为出发点,在创作理念上进行创新,就可以超越对所表达对象在形象和结构上所谓的合理化思维障碍,反而突出了作品的审美价值。
当艺术家在进行创作实践时,处于一种四平八稳、不痛不痒的状态时,不如干脆尝试改变表现方法,突破这种自我重复的僵局,尝试新方式进行创作。毕加索在16岁时就有非常好的绘画基本功,可以画出很棒的写实绘画,可他并没有固守这一传统的表达方式,而是创立了立体主义绘画,并取得了很大的成就。因此要想创造出好的作品,就要打破原有的表现方法,去尝试新的表现方法。
一个艺术家在创作中无法取得突破,或许是由于表现形式的平庸和想像力的不足,也可能是在选择题材和体裁上没有自己独特的判断。当陈丹青以油画《西藏组画》蜚声海内外后,以西藏题材为创作在当时很热门,但是当已经有人选择了这一题材进行创作并且创作了一些成功并有影响力的作品时,再去涉足这一题材的,无非就是对于这已有的艺术现象进行重复。这种盲目的跟风行为只能使美术创作陷入平庸的状态。在创作中,如果能真正找到一种能够让自己有感而发的表现题材,这对于美术家确立个人的原创性美术作品面貌是至关重要的。
并非所有的原创性作品都是优秀的、有意义的。深厚的文化底蕴和全面的艺术修养对美术创作中原创性的表现起到了不可忽视的作用。有人可能会问,既然如此强调原创性的重要性,那么是否可以在创作中“胡来”呢?在美术创作中,别出心裁固然重要,但是所选定的某种表达方式还要符合人性的基本要求。这种表达方式还是要体现出它在艺术修养和文化底蕴层面上具有积极的意义。[3]不然,虽然创造出了某种不同于任何人的表现形式,但是没有发挥出这一表达方式的有效性,就是由于创造者自身缺乏艺术修养,缺乏文化知识的延伸,就会被称为是“胡来”或不成熟的创作。
全国政协委员、中国美协主席刘大为在2011年全国两会期间谈起了对艺术作品主题性的看法。刘大为认为:当前,很多艺术家已感到美术作品的内涵不足,希望多创作一些有影响、有思想含量的重大题材作品。这就要求艺术家在美术创作中要坚持原创性,必须系统了解时代历史背景,具备创作需要的相应的全面素养。例如,法国画家德拉克洛瓦为纪念1830年法国七月革命而创作的油画作品《自由领导人民》,该画作在1831年的巴黎沙龙会展上第一次正式对外进行展览,于1874年被卢浮宫博物馆收藏。德拉克洛瓦是浪漫主义最伟大的画家,左拉誉他为“浪漫主义的雄狮”,安格尔称之为“艺坛上的魔鬼”,而新印象主义者称他为色彩新纪元的开创者。
《自由领导人民》标志着德拉克洛瓦艺术的成熟,这幅画作描绘的是1830年7月22日,巴黎的市民、手工业者、学生发动起义,为了粉碎查理十四恢复波旁王朝的统治,最终取得了胜利。画面正中塑造了一位自由女神的形象,她一手高举三色旗,一手紧握武器英勇地向前,在这里突出地体现了浪漫主义的特征。这是一幅具有重大题材的优秀的原创性美术作品。这一时期出现了很多这样优秀的作品,如法国画家席里柯的《梅杜萨之筏》、唐代画家阎立本的《步辇图》等。
通过前文的研究,笔者认为一幅优秀上好的美术作品的原创性在美术创作中起决定性的因素。在创新型的社会中,美术在当代文化发展中不仅体现出它所具有的教育和审美作用,更重要的意义在于直观地展现了最为可贵的创造精神,是一个国家和社会能否站在时代发展的前沿,引领潮流的关键所在。希望通过此文的浅析,能够引起广大美术创作者在创作实践中对原创性问题的重视与思考,突显出自己大胆的创作精神和活力,展现出自己的原创面貌,从而提高美术创作的质量,繁荣创作景象。
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美术,指的是艺术工作者塑造独特艺术形象,表达自己思想的一种创作形式和创作结果。以下是读文网小编为大家精心准备的教师学术论文范文:浅论多媒体对美术创作的影响。内容仅供参考,欢迎阅读!
浅论多媒体对美术创作的影响全文如下:
在当下多媒体技术快速发展、新生代学生接受知识方式的改变这一事实的社会大环境下合理有效的运用现代多媒体技术,把传统美术教学转变成有血有肉、有激情、有活力、和谐共融的教学过程,对优化高校美术教学、激发学生学习兴趣、促进学生积极主动参与教学活动、探求知识、培养智能、改善高校美术教学条件等方面具有极高的应用价值。因此我们在高校美术教学中应用现代多媒体技术,这将是一件有益的事情,在教学中具有极大的研究价值。
多媒体已经适应了人们对于信息的获取方面上的改革与需求,满足了信息化的社会建设的需求,现代多媒体的技术主要有数字图像上的技术、数字音频上的技术等。现代多媒体的网络系统可以按硬件分为计算机的硬件、多媒体计算机设备的硬件;按照功能的开发可以分为演示系统、培训系统和家庭系统等。多媒体技术是多媒体学科与计算机的综合应用技术,它是一种迅速发展的综合性电子信息技术。已涉及到各个方面的领域,实现了信息表现的多样化、交互性、实时性、数字化特征。
1.1 交互性
所谓的交互性就是指通过各种媒体信息,使参与的(不论是发送方还是接收方)都可以进行编辑、控制和传递。同时也为信息或者是教学的应用开辟了更加广泛的领域。自由的控制和干预信息的处理,增强对信息的理解。
1.2 数字化
各种多媒体在处理数字信息后,计算机都能对多媒体进行存储、加工、编辑等活动。而多媒体信息对当今的教学模式有了一定的促进作用,改变了原有传统的教学模式,采用新型的技术对美术的创作教学又有一定的提高。
1.3 多样性
多媒体计算机可以综合处理文字、图形、图像、声音、动画、视频等多种形式的信息媒体。进行信息显现,适应了信息时代人们对信息获取的方式,另一方面是指多媒体计算机处理输入的信息。
多媒体艺术指的是随着现代计算机技术的飞速发展,特别是在传播、资讯和图像上进行的研究情况,并且进行艺术创作的过程和表现形式。与此同时,网络多媒体艺术主要包括了根据生命遗传的技术和生命工程的技术等表现的新媒体的一种艺术形式。多媒体艺术主要表现在这几个特征:
一是具有较强的虚拟性,虚拟性是利用多媒体艺术建立而成的非真实幻想出来的,对当前所面临的问题作出虚构的非真实的假想;
二是观念性很强烈;
三是公共性广泛,现代多媒体艺术可以通过电视、录像和互联网络等手段表现出来,积极的开展消费文化和大众文化,突破了个人私人的狭隘性,对公共的大众文化产生强烈的感染力;四是流行性和时效性的特征。现代多媒体艺术抓住了文化这一热点话题,进行及时、迅速的传播报道,这样的艺术符号的形成很容易和流行的文化结构形成前卫的艺术表现形式。
3.1 有丰富教材的价值
利用现代多媒体技术方便教学资源的收集使学生更直观的产生情感体验,有利于学生的个性发展,还有有利于促进师生互动和开放式教学模式的形成 美术是一门造型艺术,每节课都离不开具体的、可视的形象。形象的直观性,往往会直接影响到课堂的教学质量。美术课的教材中有大量的教学内容需要直观的图片资料进行解释,通过现代多媒体技术,我们可以把图片,文字,甚至声音整合到一起,以此来丰富教材内容并完成教学任务。随着现代多媒体技术,配套设施及相关软件的普及,美术课教学用的图片来源越来越多,学生在上美术课的时候,看到屏幕出示的一幅幅画面,立即产生了兴趣。特别是对世界著名画家的作品欣赏时,由于各方面的特殊性,很多原作是不可能出现在我们的眼前的,这就有碍于对画家这一人物作品、风格、流派、个性等各项内容进行更加深入的剖析。
当我们通过网络寻找到高清晰的有关此画家的作品后,利用多媒体的特性,我们就能直观的、如愿以偿的、近距离的去欣赏,并能通过各种放大、模拟、分离等多媒体软件技术的支持,仔细的探索作品本身的技法、语言、手段、形式美感等表象的东西,另外再通过搜索大量的有关文字信息,丰富了教材的知识面,从更深层次理解、解读此画家,最终让学生与画家或大师之间达到跨越历史时空的心灵对话。
3.2 有活跃教学过程的价值
现代多媒体技术有效的培养学生的学习主动性、审美能力和美术素质的修养,极大地提高课堂效率,创造出快乐的课堂教学 现代多媒体技术应用于教学有利于激发学生的兴趣,充分发挥多媒体作用,能以富于启发性的形象和媒体提供的有声有色的信息,紧紧吸引住学生,不断诱导他们的探知欲望,激励他们产生学习的主动性,积极性,从而消除课堂单调紧张的气氛,使学生获得更加扎实的知识。
课堂的交互性设计使学生和老师随时都可以回顾、探讨、计划的学习,可以主动的探求知识,能够提供多种刺激,利于学生对知识的获取和保持时间。如在对待艺术设计专业的学生,在上某阶段课题时,首先要求学生对相关知识进行收集、整理,在上课时再以大家共同探讨的方式进行,教师再作评价总结。这样极大的活跃了课堂的氛围,削弱了教师只身单影的课堂教学感,大大优越于传统教学,教与学融为一体,其乐也融融。
现代多媒体技术的发展日新月异,将来与3G技术、无线视频技术的结合必将成为另一种选择,在美术教学中的运用还有着很大的潜力,我们要充分合理有效的运用多媒体教学辅助系统大力开发高校美术教学领域。所以高校教师在这样的环境中,则必须不断学习新概念、新知识,不断提高自身素质,积极推进新的教学理念的形成,达到教师、学生、教学与多媒体之间融为一体,实现教学效果获得价值的最大化。
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艺术创作是指艺术家运用自己的艺术经验、艺术观念以及审美体验,通过一定的艺术媒介和艺术语言,把特定的艺术内容、艺术形式转化为艺术形象、艺术作品和艺术文本的创造性活动。艺术创作从根本上来说是人类的自由创造活动。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:论艺术创作中的情感因素相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
诺贝尔文学奖获得者格哈特?约翰内斯?罗伯特?霍普特曼(Gerhart Johann Robert Hauptmann,1862年11月15日-1946年6月6日)说过:“书籍包括了人类的过去、现在和未来。没有什么比书籍占有的人类文化更值得敬重、更了不起和更重要了。”书籍是人类信息的载体,人类进步的阶梯,不仅记录和传播人类的思想,还蕴含着人类的文明。随着现代文明与自然科学的高速发展,书籍的载体被不断的拓展。人们可以通过网络、手机等多媒体设备获得信息,这的确为我们的生活提供了大大的便利,这是时代的特征。
如今,我们已进入数字时代,数码阅读似乎成为一种时尚大行其道。在这种情况下去谈传统书籍看似有些不合时宜,甚至有人会怀疑电子书籍会不会替代传统书籍,传统书籍会不会消亡?面对这样的质疑,答案是否定的,当今的电子书籍仅仅是为书籍开辟了一种新的载体,充其量只会与纸为主载体的传统书籍发生竞争关系,不可能替代传统书籍。因为阅读不仅仅是为了获取信息和知识,阅读更是一种体验。每当看到公园草地上,书店角落里,咖啡店温暖的台灯旁有人在执书阅读,我都会莫名的感动,我想或许是这一幕幕的场景让我感受到飘有书香的生活之温馨吧!这是电子书籍所望尘莫及的。
尽管今天我们已身处高科技的信息时代,网络书籍和电子书籍大量充斥于我们的生活之中,但传统纸制书籍的魅力是无可替代的,这是中国人创造的自然之美。《考工记》是我国的第一部工艺设计专著,蕴藏着宝贵的朴素的唯物辨证的美学思想观。“天有时、地有气、材有美、工有巧,合此四者,然后可以为良。”这句话的意思是结合天时地利,材美工巧才能铸造出美的艺术品。在几千年前的中国古人就已意识到了任何的艺术生产都不是片面孤立的,而是综合各种有利条件形成系统的美的感受。这种传统美学思想不仅在当时具有进步意义,在今天也依然对艺术设计起着借鉴指导的作用。一本书是通过张张薄纸来传达信息的,因此书籍的设计是三位一体的整体感官设计。
翻开一本崭新的书籍,书卷的气息会油然而生,迎面袭来,这种气息通过五官让我们体味感受到书籍的质感、书籍的色彩、书籍的味道等等,实现“平面不平”的空间延展,实现多维的艺术体验。人类通过自身的感官,如眼、耳、口、鼻、舌、皮肤等去看、去听、去品尝、去嗅、去触摸,由此获得对事物最初的直接认识。人的感觉分为五种:视觉、触觉、嗅觉、听觉、味觉,这五感综合起来构成人对物的大概印象。现在的传统书籍的设计不仅仅局限于平面的静态的视觉,而是扩展到了立体的动态的多维度体验,传统书籍的美感形式体现在书籍自身的视、触、嗅、味、听之间,这为书籍装帧设计增添了巨大的想象空间和无限的创造可能。
德裔美籍格式塔心理学的代表人物鲁道夫?阿恩海姆(德语:Rudolf Arnheim,1904年7月15日-2007年6月9日)的“同形说”认为艺术表现性的最终原因就在于艺术品力的结构与人类情感的结构是同构的。因为有了人的参与,书籍有了不同的性格魅力和令人感动的力量。一本成功的书籍在于创造一种愉悦的阅读环境,在书与读者之间建立一种友好的互相尊重理解的互动关系。让读者读之有趣,受之有益是现代传统书籍的伟大使命。
法国的著名作家福楼拜曾写道:“他爱书的气味,书的形状,书的标题。他爱手抄本,是爱手抄本陈旧无法辨识的日期,手抄本里怪异难解的歌德体书写字,还有手抄本插图繁复的烫金镶边。他爱的是落满灰尘的书页――他喜欢嗅出那甜美而温柔的香。”在书籍的装帧设计中加上对感官的互动,让阅读方式多元化能更好的对书籍加以演绎,使读者爱不释手。南海出版社出版的《菊花香》就是极佳的力作。《菊花香》在制作过程中运用了带有菊花香气的油墨来印刷,所以在翻看书籍时,会袅袅传来淡淡菊花香,这巧妙的营造渲染了氛围,让读者能够更好的沉浸在感官享受中,徜徉在故事情节里。
传统书籍装帧之美还体现在它的设计是以特定文化为精神内核,依托在特定的文明中。谈到书籍,我国是发明造纸术和印刷术的国度。以我国的书籍装帧为例,我国的书籍装帧文化历史悠久,从甲骨文――简策――卷轴装――蝴蝶装――线装书,再到今天的各种平装书、精装书,中国的书籍装帧艺术可谓繁若星辰,显示出了中国文化特有的“文人书卷气”。在中国传统文化中“气”是一个非常重要的美学概念,中国的美学妙在精深博大,气韵生动。庄子云:“口不能言,有数存焉于其中。”这种由气生韵、生情、生意、生神的心灵沟通正是中国书籍的魅力所在。
中国讲求“天人合一”,中国文化是一种“气”的文化,在“气”的世界里,虚实相生,物与心紧密相连。中国文化的“气”充斥在虚空之中,徘徊在自然之界,也显现在艺术作品的形神之间。因此确立了中国文化“以气为本”的思维模式,形成了自然和谐的审美观念。如吕敬人先生为《黑白》而创作的书籍装帧里,封面的图形与文字都进行了创意再造,用符号语言向读者传达了对于“黑白”的辨证思考。此本书籍的装帧没有造作的造型,没有华丽的颜色,没有繁琐的装饰,仅是文字的变形模糊运用的恰到好处,准确的阐释了书籍的思想,筑就了书籍浑然天成,气韵生动之美。
马克思?恩格斯指出“物质生活的生产方式制约着整个社会生活,政治生活和精神生活的过程。”中国的地理位置位于地球赤道以北,千百年来炎黄子孙“日出而作,日落而息” ,他们的生产主要依靠自然的力量,寄希望于自然界。并把人与自然的和谐共处作为最高的理想追求。这种农业社会的社会历史条件孕育了中国的传统文化,“天人合一”的中国哲学思想观,厚德载物、自强不息、平等和谐的精神影响着一代又一代的华夏子孙,并且造化了出了绚丽斑斓的中国书籍艺术。在这样的思潮下,中国的书籍设计是秉承民族传统与时俱进的,中华民族特有的情趣、精神、理想在书籍装帧中得以一一体现。
所谓“纸质如玉,墨光如漆,展卷书香”,中国的书籍装帧艺术体现了东方文化端庄典雅,含蓄脱俗的气韵。日本书籍设计家杉浦康平曾这样评价中国的书籍:“拿起一本书,首先感到的是重量,西方的书就像大理石一样坚硬厚实,中国的书却像羽毛似的轻柔。接着是抚摩特殊材质的书籍封面给人特别的感动……翻动书页,纸张又会发出声音,字典纸的响声是哗啦的尖声,而中国古代用的宣纸如同雪落的声音,寂静又幽雅……”中国绵长的历史与底蕴深厚的文化为书籍装帧提供了充足的养分与智慧,传统文化艺术在书籍装帧设计中的延伸升华为对中华文化艺术精神的继承。我们可以在成功的作品中感受到一种畅远长流而又包罗万象的精神。
伴随人类文明的不断发展,创造能力的不断提高,书籍设计作为一门古老的设计艺术,一直是以物质形态存在于人们的视野之中。然而在人与书籍的对话中,人文关怀正在被塑造被印证。纸材为主载体的传统书籍装帧正是综合各种自然、社会、文化、心理、情感等因素进行艺术加工处理后的艺术品。传统印刷书籍已经超越了书籍的功能性范畴,它不仅是知识和信息的承接和传递者,它自身更具有一种自然的亲切感,能唤起人类与之亲近的欲望。
中国权威的哲学家冯友兰先生曾说道:“悦目初,不在色;盈耳初,不在声。”美丽的事物不一定是华美耀眼的,悦耳的音乐也未必是响亮高亢的,也许潺潺细水涓涓注入心田的温润关怀,润物细无声的低调关爱更能撼动我们的心灵。日本书籍设计大师杉浦康平设计的《立体的星星》既是利用人类视觉的“偏光原理”,通过红蓝双色眼镜的分色技术使读者能够看到富有真实空间感的宇宙星空,充分传达了书籍设计中“以人为本”的理念,展现出一种对人类的关爱精神,这是一种物我相生和谐共处的境界。
杉浦康平称:“以包容生命感的造型为突破点,在浩瀚雍繁、魅力无边的图书中寻找其源流,从层层包容着无限内涵的造型中分辨破译,寻找宇宙万物的共通性和包罗万象的情感舞台。” 传统书籍的装帧艺术是美化时间的艺术,时光通过阅读这一实践沉积下来。在阅读中人们融入情感,倾注思想,探索世界。传统书籍装帧艺术之美就在于它能够帮助人们去更好的完成这段旅程,美化这段时光,身未动心已远的在纸墨世界中完成对于生命的体验,这就是传统书籍装帧艺术无与伦比的魅力所在!
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声乐表演是有别于器乐的音乐表演艺术形式。声乐表演是指用歌声,以嗓音为主的音乐表演。声乐表演艺术是一门结合于脑力、体力、想象力、表现力的综合艺术,声乐表演艺术与所有的艺术门类一样,都服从于一定的审美意识,讲求美学原理。那么,就必须建立起一个标准,这个标准能让我们去衡量、判断某个作品的美或不美。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:声乐表演教学中情感调控的重要性及方法探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:声乐表演是一项综合性的艺术形式,人们通过声乐表演表达丰富的情感变化。声乐表演的教学需要教师在情感方面良好地引导,使学生能够完美地诠释一首作品,表演者要在表演过程中对声乐作品有一个准确的情感定位以及结合自身特点进行再度创作,使作品保存原有意味的同时加入表演者的理解,声情并茂的演唱,这有赖于声乐表演中的情感调控。
关键词:声乐表演 情感调控 教学探析
声乐表演不仅仅要把作品完整的呈现在舞台上,而且需要演唱者能够很好的把握声乐作品包含的情感。声乐表演艺术需要歌词、曲调、旋律的相互配合,相互衬托,投入真挚的情感,表现出或深刻或轻松的声乐作品主题,创造性地对声乐表演进行二次加工,调动丰富的感情去感染听众,引发听众与演唱者的情感共鸣,投入的享受声乐表演,这就要求声乐表演者要具有强大的情感调控能力。
(一)正确的情感把握推动声乐表演效果
在声乐教学中,情感的调控对解决声乐技巧具有重要的作用,声乐艺术的学科特点充满矛盾,学生就在矛盾不断出现和不断被解决的过程中,使歌唱技巧和艺术表现力得到提高和完善。声乐表演一直是一个比较感性的艺术表演形式,表演者需要具有细腻的情感体验以及丰富的感情世界。声乐表演者不能直接接触到自己的演唱构造,只能凭借其他器官的感觉和老师的指导进行声乐练习,进而学生可以通过大脑的思考对所学的各方面声乐知识进行分析、整理,形成自己的理解,在这个基础上学生再进一步的对自己的演唱技巧或情感抒发进行调整。在声乐表演教学过程中,学生不断地完善演唱技巧需要深入的体验声乐作品的情感内涵,在表演过程中不仅要注意音准、音调、歌词的正确性,更要表达出声乐作品需要传达的情感,只有情感表现得恰当才能传递出声乐作品真正意义,情感调控也要掌握一个火候,情感表达的不到位或者表达的夸张都会影响声乐表演的效果。
(二)丰富的情感增加声乐表演的艺术魅力
歌唱是一门技巧性极强的学科,但具有艺术性的教学最能激发学生的歌唱激情,教师的教学要富有情感性,应具体落实在教学和艺术实践的每个环节中。在声乐表演的课堂教学中教师一般会选择几首简单的具有代表意义的练习曲让学生进行演唱,这样可以培养学生的歌唱技巧、声乐的感受力等综合的声乐能力。反复的练习可以使学生在练声中养成细心体验、分析声乐作品的习惯,无论是发声技巧还是情感的表达都可以通过声乐作品完整的准确的呈现出来,在教学过程中对声乐表演作品的艺术表现也要通过情感的调控来表现。另一方面情感调控也可以很好的起到调动氛围的作用,如果是悲伤的声乐作品,就要把快乐的活泼的情感抹去,调动出与歌曲内容相吻合的悲伤的情感然后进行表演,这样就会把人带入声乐表演作品想要表达的世界里,周围的气氛也会跟着蒙上一层伤感的情绪,使听众身临其境,达到声乐的最大表现能力。
(一)情感调控的主体情绪培养
在现代声乐表演教学中学生已经成为教学的主体,是声乐表演的演唱者和情感表达的主体,学生对与情感的调控需要注意几个方面的问题:首先,学生需要建立良好的练习情绪,积极的进行声乐基础知识的练习,要持之以恒不能因为枯燥就半途而废。良好的学习态度就是成功的一半,在进行情感的练习掌握之前就必须先熟悉作品,巩固自身的演唱技巧和能力。其次,要培养自己良好的心理掌控能力,提升自己的自信心排除外界的干扰,在平常的声乐练习中注意内心情感的适度抒发,养成良好的演唱习惯,不要被声乐作品的情感控制,要学会控制情感,建立坚固的心理防线和坚定的意志力,时刻记住声乐表演的最终目的是完成表演,不留遗憾。比如《黄河颂》这一作品,在开始表演时需要具有坚强的情绪表达,是一个蓄势的阶段,接下来是一个情绪宣泄的过程,作品直抒胸臆表达对黄河和国家的无限热爱,演唱者也要把这种高昂的情感把握到位。
(二)声乐表演中的表演与演唱配合
发声一定要有“感”而发,最能令人赏心悦目演唱是演员“字正腔圆,声情并茂”的歌唱表演,是以人声为载体将声乐、语言、情感完美结合的声乐艺术。在教学过程中需要强调的就是声乐表演的实践能力以及表演自信的树立,要想准确地调控情感首先应该研究歌词,将歌词背熟于心然后进行理解,挖掘其中隐含的各种情感,比如《祖国啊,我永远热爱你》这一部作品,从歌词可以看出表达的情感就是热爱祖国,从开始的娓娓道来逐渐加强情感的表达,“啊”字就是情感深入的连接点,把歌唱引导到了情感的高处,表现了情感调控对于声乐表演的重要意义。
一般的教学目的就是让学生能够尽快的掌握知识和拥有自主学习的能力,声乐表演教学也是以完善学生的演唱技巧以及审美能力为教学目标的一门课程。声乐方面的教学内容比较多样化,需要把理论知识与声乐表演实践相互配合在一起进行教学,重点指导学生在声乐表演中的情感调控能力,掌握歌唱技巧的同时加强对作品情绪的感受,情感调控是提高声乐教学质量的重点内容。
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我国教育工作者的愿望,就是将学生培养成具有创造精神的高素质人才。随着素质教育的深化和人才观念的更新,怎样有利于培养学生的创造力,怎样有利于学生全面的发展和优良个性品质的形成,已成为检验教育教学成效的关键因素了。美术教育是培养创造意识和创造能力的良好渠道和途径,美术创作又是美术教育中相当重要的一个部分,是被公认为培养创造能力最具成效的课程,在大力倡导创新意识的今天,美术教育就更应该发挥他独特的作用。以下是读文网小编为大家精心准备的:辅导学生美术创作的实施策略探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:绘画创作教学日趋成为学校美术教学的重要组成部分,但纵观学校绘画创作教学还存在不少问题,在一些绘画创作的展出、比赛中都会隐射出一些问题,引发我们的思考。本文以如何进行绘画创作的实践过程为例,从少儿绘画创作的背景意义、如何选择绘画作品、作品的训练、作品成型与提炼等几个方面讲述了笔者对如何进行美术创作的探索和实践。
(一)小学绘画创作的意义
现今艺术教育越来越受到人们的重视,尤其是儿童的绘画创作,儿童绘画作品的创作是培养孩子审美能力的特别有效的手段,它能使学生欢乐、激动,促使他们更注意观察周围生活,激发想象,并在自己的艺术创作活动中,能鲜明、充分地表现出生活中的美好事物。可以说绘画这门艺术已经深深地扎根于校园,越来越多的美术教师加入到了绘画创作教学的行列,绘画创作教学日趋成为学校美术教学的重要组成部分,那么所谓的美术绘画创作指什么呢?就是运用美术手段,把自己对生活的认识(包括感受、理解、评价、愿望等)显示出来,这就是美术创作。
(二)创作的分类
现在的创作比赛无非是两大类:一是命题创作,这首先要引导学生有目的地观察、记忆、为自己的绘画创作收集所需的各种形象,并可以通过画速写或画记忆画来收集有关的素材。二是自由绘画的创作,没有特定的主题,需要鼓励学生在平日生活中善于观察,留心周边的事物,这就需要引导学生展开必要的想象。
现在的美术绘画比赛中,好的作品层数不穷,那么我们该如何去选择创作适合艺术节的绘画作品呢?由此笔者从近几年自身的比赛中归纳出少儿绘画的选材组合一般要遵循以下原则。
(一)追求童真
首先要收集素材,作为美术老师在美术教室里面要有很多的素材,人物的动物的建筑的各方面的素材这样学生和老师在选材的时候就会有参照,在选材的时候作品内容要适合儿童的心理和生理特点,杜绝成人化的作品。少儿绘画必须是少儿的,亦即少儿天性的写照,绘画内容的选择,不能离开孩子的生活。
(二)内容宽泛
现在的绘画比赛都是以命题的方式来进行,在比赛的时候如果让学生当场发挥的话,不管是构图构思质量还是比赛时间基本都是不能完成的,因此作为教师只有在比赛前给学生“备”好画,这样在正式比赛的时候才不会手足无措。
那么作为教师,在平常训练的时候该如何指导学生“备”画呢?首先我们就要备人物,不同形态,表情动作的人物,学生要分组的“备”,接着则是“备”道具,什么样的人物组合适合什么样的道具映衬,接着才是“备”场景,比如春天的特色场景,劳动的特色场景,喜庆的场景等等,教师在平常的训练中要指导学生不停的组合搭配构图,只有画面的内容覆盖的命题范围广,适用性大,这样在比赛中才会更加的接近命题创作。
(三)构图合理
有人这样比喻,布置构图就像布置房间一样,一个房间总不能把家具塞满就了事。正确的应该是想想哪些家具摆在什么地方最合适,做到既实用又好看。如果一个比赛的学生连最基本的怎样构图都不会的话,那么她是无法在接下来的训练中很好的去诠释作品的,所以,在平常的训练中我们要教会学生下笔前先想想,把画的内容分布在什么地方最能表达出自己的想法和感受。哪些地方画主要的东西(就是主体部分),哪些地方画衬托的东西(就是背景),哪里应该留出空白,为什么?想好了再下笔。
(四)材质创新
对于绘画比赛创新很重要,从以前的水彩笔画到水笔画蜡笔画结合,到现在的国画版画水彩水粉画,技法在不断的创新,对于技法可能会设计到专业的美术教师,那么对于专业不是很强的美术教师我们也要从另外的角度去转换创新,比如说纸张材质的创新,很多时候只要你去尝试,你会发现意想不到的效果。
(五)独具慧眼
其实用独具慧眼这个词语有些夸张,但是作为教师我们要学会挑学生,一般能参加美术比赛的学生肯定是在绘画上有专长的,在我任教到现在经过几次大小型的比赛特别是美术比赛,我觉得作为美术老师要学会挑学生,如何去挑学生,首先要挑成绩好的学生,成绩好是首要的,当然也要绘画底子好的基础上去选成绩好的学生,而且这种训练自觉性要强,绘画有时为了备战艺术节一练就是2个小时,那就要靠学生的毅力与耐力了。再者就是要挑会动脑的“活泼”型的学生。
作为教师我们首先要和学生一起参与定稿,学生只有参与了整幅画的构思定稿这样才能开动脑子,去理解为什么要这样那样的变化构图,用意何在,也是为了学生在练习的时候能更好的去诠释。教师可以先定主题然后让学生说说自己的想法,也可以让学生简单的画下构图,虽然刚开始的形会比较的稚嫩,但是有时候我们正是会从他们这些幼稚的形中找到灵感,学生与老师一旦定稿就要让学生进行反复的加强练习,在不断的练习中发现问题在不断的改进中在加强练习。
(一)学生练稿
1、单个组合的练习
学生自己模仿,教师定好稿确定画面构图后,学生就要先单个的去训练作画,当然要从大的部件入手,如先是几棵大树的练习,默画,接着便是篱笆的练习,再接着就是小部件的练习,而且在练习的时候我们最好能算好时间大概一个物体的默写要多少时间,以便在接下来的练习中心中有个数。
2、单个组合的拼装
教师示范或讲解难点,学生经过了单个组合的训练,接下去就要进行组装的训练也就是整幅作品的结合,当然在组装的过程中肯定会遇到难以把握的地方,这个时候教师就要引导示范,讲解注意点比如说大小,远近,疏密等原理,及时的帮助学生解决疑难问题。
(二)学会欣赏
在稿子的毛胚稿基本练习完后,学生就要学会欣赏,不是说叫你去欣赏一些优秀作品范画,而是叫学生自己学会欣赏自己的练习稿,欣赏各个物体之间的大小比例关系,近大远小关系是否合理恰当还有各部分之间的组合是否合理或者是要舍去些什么添加些什么使得画面的效果更加的美观,还有各物体的用笔技法等进步了还是原地打转,画面的效果如何,这些学生都要自己学会欣赏,然后再从教师的引导中学改进,会改进。
(三)作品提炼:学生的模仿由于年龄的限制只能是浅层次的模仿,要想作品成型还需要教师进行不断的提炼,在学生能将作品完整地临摹下来之后,还需要教师的进一步提炼,而且切入点应该从情感入手,也就是让学生更深入地了解作品所表现的内在情感,在练习的过程中更好的表现这种情感, 还可以化难为简,减少高难度的笔画或者是费时间的笔画。
(四)材质尝试:作品的画面美除了上面提到的画面效果美内容美,在最后我们就要利用不同的材质去创造发现美,在以往的艺术节比赛绘画比赛中都是有纸张限制规定的,一般都是白色素描纸张,这样就限制了很多画种的发挥。但是在近几年的比赛中,方式逐渐的改变了,纸张可以由参赛选手自己准备,这样无论是教师还是学生都有了更大的发挥空间,因此我们在练习的时候就要想方设法的各方面去尝试创新,在稿子全部成型之后,我们可以从纸张的选择上去入手。
少儿美术教育不是专门传授美术技能的活动,而是对少儿进行智力开发的手段。它的目的不在于教会孩子们画一张好的作品,也不是为了培养未来的画家,而是作为开发智力、培养创造才能的一种手段。美术创作是生命的某种神奇的展现方式,是一种直率同时也更含蓄的语言,就让我们用智慧的头脑去挖掘孩子们心灵深处那份创作的才能吧!
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当前中国美术界,许多美术创作者受市场环境的影响,从而导致创作心灵的迷失。以下是读文网小编为大家精心准备的:美术创作中“技”与“道”的关系探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:以“道”为中心是美术创作中的基本思想,“技”是“道”的哲学思想的具体体现。“技”与“道”对美术创作的影响是相辅相成,相互作用和促进的。技法是伴随着“道”的审美趣味的不断发展而日趋成熟的,正是因为“技”的不断成熟,才会促进“道”的升华。两者是辩证统一的,不能过度重视强调一方。过分强调技艺就会忽视美术创作的精神思想内涵,忽略技艺方面的提高也是不行的。
庄周在《庄子》-书中对“道”与“技”的关系进行了阐述,即“道”进乎“技”“道”在“技”中、“道”“技”合一。而在美术创作中,“技”是“道”的基础,“道”通过“技”来体现,一件优秀的美术作品都是既精于“技”,又重于“道”。
在美术创作中,“技”的范围很广,在科技还未发达的以前,“技”可以理解为对绘画书法中“技巧”的熟练掌握,而在世界多元化发展的今天,随着艺术作品的多元化,“技”是完成一件出色的艺术作品必须具备的条件。
我们如何能够具备这些条件呢?一,我们对于我们进行创作的所使用的工具,材料,或者是软件、工艺要能够熟练地运用。二,在美术创作中,不管是绘画,设计中的效果图,还是雕塑艺术,都离不开造型能力。造型准确是最基本的,更重要的是将造型通过创作需求和实际创作环境表现出来。三,空间比例在画而上的安排,它决定着画而中各种物象的组织、安排,直接关系到画而的构图和观者的视觉感受。常规、基本的空间、比例运用如对称、平衡、黄金分割等,都应该很好地掌握。四,色彩的合理搭配,色彩是艺术的重要视觉语言,是创作者表达情感的重要途径,特别是当下新新世界,色彩更是人们传达信息和接收信息的重要元素。不管是那一种设计,都离不开色彩的搭配。
单纯的技术表现不能被称为是艺术,好的艺术作品都是灌入了画家的思想与灵魂甚至是一个时代的思想。“道”就是的美术创作者基于“技”把白己对生活、经历、环境的感悟投之于作品,使作品具有灵魂,具有思想。
其实,“道”就存在与我们日常的生活中,蕴藏于我们的内心,渗透在我们人生的旅途中。我们每个人都在不同的环境中长大,对不同的事物、不同的人、不同的地点都有不同的看法与感悟。久而久之,就会形成我们自己的人生观、世界观。正是这种独特的观点让我们明确了方向,知道了怎么去实现我们的目标。而美术创作者,把白己的理想、目标、追求甚至是对人、对物、对生活的感悟投注道作品之中并准确的表达出来时,便形成了美术创作中的“道”。
庄子“道”“技”合一的思想,也就是艺术与哲学合一的思想,而哲学本来白于生活,生活本就是一部哲学史书。在美术创作中,“技”是“道”的基础,“道”通过“技”来体现,一件优秀的美术作品都是既精于“技”,又重于“道”。所以说,在美术创作中,“技”是必不可少,而我们又不能仅仅满足于“技”,要去追求“道”,美术作品的创作,讲究“技”与“道”的完美结合,这样创作出来的作品,才堪称经典。
俄罗斯巡回画派的伊利亚?叶菲莫维奇?列宾,列宾因为出身较为低下,这种低下的社会地位,促使了列宾比别人遭受到更多的人情冷暖。尽管是这样,列宾仍然利用有利条件认真学习绘画,练就了扎实的绘画技能。受当时社会环境他创作了反应底层人民艰苦生活的《伏尔加河上的纤夫》,这幅著名绘画作品,表现了低层人民的生活境况,列宾为了描绘这些人物,从这些人物形象当中,我们不仅仅能够解读到当时沙皇俄国时期劳动人民的苦难与悲惨命运,甚至能够看到这些纤夫身上的巨大力量以及不愿意一辈子都受到他人压迫奴役的悲壮反抗意识。
在中国画中,也缺少不了这种扎实之“技”、生活之“道”。据记载,著名画家黄公望三十一岁开始作画,由于际遇的坎坷,到五十岁左右,也就是出狱后才专心从事山水画创作。由于他热爱自然,有较全而的文化修养,早期又在临摹众多的古代名家作品中练就了深厚的功力,胸中积累博大精深,使之一起步便具有了扎实的技艺与得天独厚的思想内涵,显示了艺术上的高格调。他的山水画大致有两种风格:一作浅绛色,山头多岩石,笔势雄伟;一作水墨,皱纹较少,笔意简远逸迈,充分体现出“寄兴于画”的思想和“浑厚华滋”的笔墨效果。
著名画家罗中立以一幅《父亲》轰动了整个画坛,从画中便可看出作者的绘画技艺之精湛。《父亲》刻画出了中国农民的典型形象,老农开裂的嘴唇、满脸的皱纹以及手中粗劣的碗等等写实的描绘,消除了观赏者与作品之间的隔膜,深深的打动了无数中国人的心;画家以深沉的感情,用巨幅画的形式,借超写实主义手法,刻画出一个勤劳、朴实、善良、贫穷的老农的形象。他咄咄逼人,发人深省。多少人曾在他而前黯然神伤。因为这位老农的形象已经远远超出了生活原型,他所代表的是中华民族千千万万的农民。正是他们辛勤的劳动,才养育出世世代代的中华儿女,他是我们精神上的父亲!《父亲》之所以引发了一个时代人民的共鸣,就是因为这幅作品不仅是一幅优秀的美术作品,更是一幅承载了画家全部思想感情的载体,即生活之“道”。
综上所述,可见,在美术创作中,“技”是所有一切的基础,“道”是“技”的升华,“道”寓于“技”。所以说“道”与“技”相辅相成,不可分割,只有做到“技”与“道”的完美结合,才可以在美术创作中取得辉煌的成绩。
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