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荒木经惟,摄影师、当代艺术家。1940年出生于东京平民区。1959年进入国立千叶大学主修摄影与电影。1963年,从工学系摄影专业毕业,进入日本著名的电通广告公司任广告摄影师。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:荒木经惟摄影艺术风格探究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
作为一名世界著名又颇具争议的摄影家,在全球范围内有着众多的仰慕追随者以及批判者。但是这都并不影响其作品的艺术魅力,其艺术风格随着他的人生旅程进而产生、发展、高潮、升华。荒木经惟是当今世界较为另类的摄影艺术家,其风格、审美、品位、艺术感知和文化解读对当下社会有着较高的启示。荒木经惟对“反摄影”、“私摄影”有着不懈的探索,对摄影艺术的创新贡献了不平凡的力量,其艺术风格率性而为、至真至纯、荒诞放逐、神秘深刻。在对其艺术风格进行探究之后,我们应当保持理性的思维,既不一味地宣扬,又不能随意地抛弃,坚持学以致用,敢于突破传统,勇于创新,形成属于自己的独特风格,不断独立思考反省,不断进步。
1.1 荒木经惟艺术创作的文化背景
日本所具有的民独特性对于荒木经惟的艺术创作的风格、心态、潜在倾向具有主导作用,它指导了摄影作品的文化取向和艺术规范。他具有深厚的东方文化培植根脉,有着深刻的日本趣味。例如,日本的浮世绘春宫画就对荒木经惟影响深刻,直接而显而易见。还有《枕草子》这部传统的日本色情文学也很大程度上影响了他的摄影创作。一名摄影家在“光天化日”之下所进行的创作是自己内在心灵不断自我撞击对话的过程,是超越自我,完善自我的结果。现代以来,日本摄影师对死亡、暴力、色情、变态的大量聚焦深刻有力地撞击了人们的视觉感受,荒木经惟们创造的艺术作品风格已经植根于日本的民族精神和民族性格。裸体女人、都市景象等大量出现在荒木经惟的作品之中,神秘而疏远,凝固而易逝,美丽而压抑,荒诞而真实。死亡终不能逃避,尚不如放浪形骸,放荡不羁。
1.2 荒木经惟独特的人生体验
荒木经惟的一生经历不平凡,坎坷却充实,简单却丰富。充满感伤的人生旅程形成了他独特的审美体验,他善于定格人生的某个瞬间,传达真实的情感旅程。荒木经惟70多年的人生旅程,经历了父母双亡、罹患癌症,人生起起伏伏,大喜大悲,毁誉参半,这都为他的摄影作品提供了真实的创作经历与生活经验。作为艺术家要想创作出好的作品,必须是一个热爱生命,热爱生活,敢于迎接质疑与挑战,超越自我界限,并且更加热爱艺术本身的平凡人;还要善于捕捉灵光一现的瞬间,灵感来袭的刹那,会观察适当的时间、空间、背景、地点,在生活中是一个感性的人,但是又要学会理性的独立思考,不断地进行审美实践,提升理论高度,完善理论体系。
荒木经惟
2.1 凸显人性之美
作为一名摄影家,利用摄影机记录世界的过程中,必定以自然的人性为其作品主题。不管怎样忽略人的情感表达,都逃脱不了人性地融入。在荒木经惟的艺术作品中,死亡、性、欲望、裸体女人都是作为经常性的元素出现,并鲜活地表现在影像之中。他利用自己的独特视角、语言形式和摄影方式展现人性中率真、潇洒的一面,表现出对自由、叛逆、深爱、快乐的渴望。“私人纪实摄影”简称为“私摄影”,是荒木经惟艺术作品标新立异的独特存在,他一反常规,不加修饰,对生活的瞬间进行迅速捕捉,自然地表达我们的内心情感,反照我们每个人的自身经历、生活体验。他将人类内心最深处的潜在欲望赤裸裸地展现,表现方式大胆新奇、惊艳具象,将本真的自我感受呈现在镜头前面。他把摄影作为一件私密的事情看待,但人们对于私密的事也有着表达的欲望,想要一吐为快,分享出去,公之于世。荒木经惟的摄影艺术是人生的真实写照,纯粹、随性,其独特之美便生于此。
2.2 投射意象之美
意象是心理学中的重要概念,是人心中想象与现实结合的影像。东方美学之核心范畴即包含意象之美,它是艺术家们创建出来的美,是阅读者心灵与作品融合的产物,是极具韵味的美。荒木经惟不再复制客观事物的存在,而是将现实中熟悉的事物陌生起来,他利用自身掌握的摄影技巧、语言形式、视角感觉突破传统,创造出与纪实影像具有不同韵味和美感的意象作品。
灰暗的天空、一叶扁舟、将要凋谢的花朵、黑白的色调、湿气逼人的雨巷等一系列意象传达出对生和死的拷问,对人生的诘问,对社会的质问,表达出当代人无奈孤寂彷徨迷茫的悲凉凄零,有力地冲击了人们的精神世界和文化内存。荒木经惟不拘泥于传统摄影理论要认真不苟地记录现实,反映真实世界的主义,他突破这层束缚,不断地探索新的摄影内涵思想,并认为纪实并不仅仅是记录事物表面的真实,而是应当透过事物的表象,深入事物的本质内涵中去,发现其最真实的本像。他叛离正道却又不远离摄影艺术的真经,不利用玄幻虚拟的手法而能突破传统,表达事物内部的真实客观,形成了一种全新的视觉冲击模式,向我们传达着事物本身真正的内涵思想。
2.3 多维艺术之美
荒木经惟别具一格的艺术形式,与众不同的摄影风格,大量对其的文化解读,将一个缤彩纷呈的大千世界展现在我们的面前。在不同的角度、观察方向、作品侧面、时空变幻去解读荒木经惟是复杂而有难度的。多维的客体形成了荒木经惟多维的艺术之美,后期的荒木经惟返璞归真,将摄影作为一种游戏而“玩摄影”,正如所说,人生正如一场游戏一场梦,不再刻意追求摄影作品最终的成色结果,没有世俗的功利和欲望企图,更加自由地进行创作,将摄影与生命融为一体。可以说,荒木经惟的摄影风格即是他对生活的态度,肆意而为,潇洒自如。
作为日本当代在国际范围内最具影响力的一位摄影家,荒木经惟建构了独特的视觉影像和艺术思维,是摄影界乃至艺术节的鬼才、怪才、奇才、天才。尽管他的摄影人生充满赞誉也伴宿争议,但是“天下惟庸才无咎无誉”,他终将被历史所铭记,被后来者供养和学习,作为艺术传奇而流芳后世。荒木经惟经历了不同凡响的一生,其作品风格也不断完善升华,独特而不失真,率性而有为,他对生命、生活的感悟在他经历了一系列人生考验之后终归于平淡。荒木经惟所创造出的多维意象的人性之美,对后世艺术家乃至生活中平凡的人们都具有难以言说的启示和意义,不仅仅是创作手法、技巧展现,更甚于艺术观念、人生感悟。
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摘 要:隋代敦煌石窟艺术具有上承北朝,下启盛唐,包前孕后的过渡性质。在几天的敦煌艺术考察中,笔者认为420窟的隋代壁画很具有典型性。文章从壁画的内容、表现方法、(密体的表现方法)空间构成、藻井图案几方面来分析和阐述420窟隋代壁画的风格特点和她所带来的审美感受。
关键词:敦煌石窟艺术;密体;疏体;空间构成
Abstract: The Sui Dynasty Dunhuang rock cave art has the deck Northern Dynasty,gets down opens the glorious age of Tang poetry,after before the package,is pregnant the transition nature. In several day-long Dunhuang art inspection,the author thought that 420 holes the Sui Dynasty murals have the typical nature very much. Article from mural content,performance method. The spatial constitution,the caisson ceiling design and the aspect analyze and elaborated 420 hole Sui Dynasty mural’s style characteristic and she brings esthetic feeling.
Key words: dunhuang rock cave art;dense body;sparse body;spatial constitution
带着对历史文明的久仰和中国古老文化的向往和渴望,我们踏上了敦煌艺术考察之旅,映着深秋的晚霞,踏着古道大漠,耳畔传来了久远的“叮当,叮当”的驼铃声,我们仿佛踏着先人的足迹,回到了当年丝绸之路的繁荣和富庶,呼吸到了敦煌艺术的神秘、深邃、博大、浑厚的艺术气息。“大漠孤烟直,长河落日圆”,莫高窟就像旷漠中的一粒金子,灼灼发光……敦煌是世界四大文化体系(中国、古代印度、古代希腊、古代伊朗)交融之地,为中国和世界文明留下了丰富的文化遗产,也提供了认识中国中古社会的一个标本。在它的全盛期,融汇了东西方各种异彩纷呈的文化,显示了那个时代中国人雍容的气度、开阔的胸襟和深厚的文化底蕴。敦煌,不仅展示出过去的一段气度恢宏、绚丽多彩的历史,也昭示着我们民族光辉的未来。罗振玉、王国维于1909年最早开始对敦煌文献的介绍和研究。陈寅恪最早提出“敦煌学”的概念。王重民、向达等在中国处在帝国主义侵略和国内战争时期极其困难的情况下,收集流散海外的敦煌资料。李丁陇、张大千、常书鸿等一批美术家从1938年开始,先后赴敦煌临摹研究壁画。敦煌艺术灿烂辉煌,是集建筑、彩塑、壁画为一体的文化艺术宝库,其壁画艺术蔚为大观,在中国绘画史上占有极其重要的地位,其中有壁画和彩塑的洞窟492个,壁画45 000 m2,其内容涉及古代社会的艺术、历史、经济、文化、宗教、民族、科技等领域,具有珍贵的历史、艺术、科学价值,是中华民族的艺术瑰宝、人类优秀的文化遗产。这里笔者从420窟隋代壁画的内容、表现方法,空间构成、藻井图案4方面入手对她的艺术风格以及她给我们带来的审美感受进行分析和探讨。当然只是触及皮毛,也是对前人之见的认识和理解。
1 从内容上看
隋代敦煌石窟艺术具有上承北朝,下启盛唐,包前孕后的性质。隋代壁画无论从篇幅还是内容来看,都大大超过了前代。其内容除了前期已有的佛像画、本生故事画、佛教故事画等以外,还增加了大量的经变画,而且随着时间的推移,故事画日益减少,到了隋晚期,本生画已经消失,经变画日益增多且流行甚广。隋代经变画除去图解抽象的教义,还包含着一些故事情节的描绘,画面结构也适应新的内容创造出新的形式。这类经变画到唐代就发展衍变为中国式的大型经变。隋代的经变画有“净土经变”、“法华经变”、“维摩诘经变”等数种,但这些经变画大多在表现形式上还不太完备,如420窟的法华经变,仍然沿用早期故事画的形式,在窟顶以长卷形式绘出。“维摩诘经变”在隋代石窟中经常出现,画面均较小,构图亦较简单。“问疾品”均以维摩诘与文殊师利为主体人物,很自然地形成左右对称的结构,因而多数绘于正龛门的两侧。420窟的“维摩诘经变”具有代表性,佛龛两侧上部画维摩经变图,其中,北侧画维摩诘坐一座殿堂中央,手持麈尾,凭几而坐,正和佛龛南侧的文殊菩萨辩经说法,文殊菩萨倚坐在殿堂的莲花台上,举手论道,姿态从容,四众列座聆听,气氛肃然,殿堂之后有苍翠的林木,前面有碧波荡漾的水池,池中红莲绽开,鸳鸯戏水,孔雀展翅,还有萱草和忍冬点缀在这一优美的环境中。到了唐代,“维摩诘经变”在艺术上由隋代的基础上发展到了高峰。
2 从表现手法看
仔细观察隋代壁画,可以看出表现手法存在着疏密二体,密体以细密精致见长,疏体以简练豪放著称。密体受隋代画家展子虔、郑法士为代表的一派精致绚丽的中原绘画风格所影响。隋文帝在命天下造舍利塔的同时,还让主管部门造成样式送往各州,这不仅扩大了造像的规模,而且使中原艺术的影响遍于全国。疏体这派风格的作者大约是河西地区土生土长的画师,他们发扬敦煌早期艺术的传统,并以现实生活为基础,创造出简练、淳朴的新风格,人物脸部薄施渲染或留素面。密体的表现风格既富于敦煌本土色彩,也具有统一的时代气息。420窟的人物故事画,应用密体的表现方法,很具有代表性。该窟的“法华经变”场面十分宏伟,图中楼阁耸峙,曲廊蜿蜒。殿宇相接,更有山峦起伏、林木掩映、溪流潺潺,人、鸟、兽活动其间,绘出一幕幕饱含寓义的场景,而且刻画精密细致、栩栩如生。这种密体的表现手法表现的活动场面很具有装饰味道的形式美感。由于经历岁月的冲刷,颜色有的已脱落或褪变,但她仍不乏永久、鲜活的艺术魅力,石青、石绿苍郁的青山绿水、林木山峦点缀着深褐色的楼阁殿宇,“之”字形状的曲廊把楼阁屋宇、山石林木蜿蜒相接,而且其间还有朱砂(多为人物的衣服颜色)、白色(也可能是颜色脱落后的白色)的亮点出现,那种黑与白、深与浅、冷与暖的对比,构成了一种沉稳和跳跃、静与动的鲜明对比,构成了强烈的形式美感。
在表现方法上,420窟还采用虚与实的对比。比方说420窟顶部的壁画有一辆马车的描绘采用上部实、下部虚的表现方法,不仅使车、马具有奔跑行走的动感,而且还造成了很强的空间透气感。整个画面有规律,反复出现这样上实下虚的表现方法,使画面具有很强的立体效果,而且更充分体现了山川、树木、大自然的灵动。
3 从空间构成上看
敦煌壁画的空间构成,还揭示了知觉的恒常性在画家创作中对画家的影响。按照几何法则,一个离你远走的人,随着他的距离增加,其外形大小就会按比例减少,但我们在街上看见一位朋友打着招呼向我们走来,我们并不觉得他的身体在增大,他仍是老样子,我们不论在什么距离和方向看他,都觉得他的身材和以前一样。在心理学中,这一现象被称为“知觉的恒常性”,所以壁画中经常是远处的山、人或树都与近处的大小差不多,因而我们在看壁画时,不仅能感到空间的存在,而且还给我们一种“梦里寻他千百度,蓦然回首,那人灯火阑珊处”的审美狂喜,保持审美愉悦的鲜活和永久性,420窟壁画的空间构成当然也不例外。
420窟壁画的画面构图是连环画式的幅式,人物活动场面宏大,富有生活气息。各种人物或人物组合穿插反复出现在相类似的楼阁殿宇、山恋树木之中,给人以整体之中蕴含着变化,繁杂之中透露着秩序的审美感,达到无序和有序、对称与和谐的完美统一。
4 从藻井图案看
隋朝的壁画限注重装饰效果,华丽精致的装饰图案,成为隋代壁画的主要特征,首先藻井图案,隋朝洞窟多为覆斗形顶,窟顶藻井都为豪华丰富的图案。420窟的风神藻井则继承了传统的方形覆斗顶形式,中心是一朵圆形大莲花,花的中央由3只兔子组成,莲花向外共有3层叠涩,饰有云气纹、几何纹、花叶纹,桁条形成的岔角中画飞天,外层饰有忍冬纹和垂角纹。3只兔子共有3个耳朵,可是看上去每只兔子又有两只耳朵,巧妙地应用图案的拼结组合,创造出饶有兴味的艺术形式。各种纹饰也显示出不同的艺术效果,弧线型的忍冬纹,显得活泼;直线型的几何纹,产生了谨严;曲线型的云气纹,呈现出流畅。敦煌石窟是一个超凡脱俗的佛国世界,而作为敦煌壁画的一个组成部分——图案,显示了一个个超越尘凡的世界,420窟的藻井图案,同样也寓示着一个“佛国世界”,在佛经里莲花不仅象征佛,而且是“金光金色大明普照”(《大悲经》卷三),佛经中常用草本“以譬受教法雨润之一切众生”综合起来分析藻井图案的寓意就是:“佛”(莲花表现)之“金光金色”普照四面八方,“雨润”天地间一切众生,方井内的蓝色则表现净土的绿池。(四方套叠呈八角的形式与道家的“八极”观念有关,以喻四方八极,天地万物,皆沐佛光)实际上寓示着一个“佛国世界”。
总之,通过以上分析我们能够充分感受到隋代壁画艺术在继承、总结前人经验的基础上加以创新,而且又进一步受到中原文化艺术的影响,内容开始丰富起来,结构也趋于宏伟,表现方法也呈现多样化。如:420窟采用密体的表现方法,整个壁画的这种黑与白、冷与暖、虚与实、动与静、繁杂与秩序、整齐与变化呈现了一种和谐统一的节奏和韵律,从而形成了很强的具有装饰美感的风格特点,为唐代佛教艺术的高峰奠定了基础。而且我们可以看到在中国文化传统价值观念“天人合一”的思维模式的指导下,敦煌壁画把人、神灵、自然三者融为一体,“通天人之际”为绘画的最高主旨,注重主观性情的抒发,融合宇宙精神,把握天地境界,敦煌壁画作为宗教的内容无疑具有神圣的庄严性,但作为艺术形式却又充满着人性的浪漫,从而达到理想的最高境界。敦煌艺术融古汇今,汲取东西方影响,包纳了巨大的容量,创造了独特的艺术风格,成为中国乃至世界艺术史上的奇葩,给人们带来了神秘、深邃、雄浑、博大、朦胧、鲜活……那种审美感受和审美愉悦是多元的、不一而足的。
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乔治•莫兰迪(1890-1964)出生于意大利北部一座叫波伦亚的小城。他青年时考入波伦亚艺术学院,他以后曾经长期地在这所学院做美术教师,教授版画课程。最终他病故在波伦亚,在故乡的土地上平静地度过一生。莫兰迪身体孱弱,性情平和宽厚、淡泊高简,他恋居故土,孑然一身,常年独居于家乡的小屋,沉湎于他的艺术。教书、画画当成了他生活的全部内容。
莫兰迪对早期文艺复兴大师的艺术极为推崇,对以后各流派的大胆执着的探索有着强烈的共鸣。在经过兴奋、茫然、探寻后,他终于找到了属于自己的路,然后坚定不移地走了下去。莫兰迪是具有独立思考能力的的艺术家,他的艺术小中见大、舍末求本。在经过长时间的静观默想后,他独辟蹊径,开始了属于自己的艺术语言的深层探索掘进。单纯平静的生活并没有使莫兰迪的想象力得到束缚,他艺术突破了时空的限制,神妙莫测、旷荡幽邃。他的艺术具有超乎寻常的感染力,首先吸引你的便是作品的色彩、色调。他非常喜欢使用调合的中间灰色,极少使用鲜艳的纯色,然而,当这些灰色组合在一起的时候,便会熠熠生辉……给人以古朴高雅、浑然天成之感。通过色彩的运用、把握营造出如此宁谧的视觉效果,不仅显示出艺术家高雅的修养和超逸的人格品质,也折射出莫兰迪淡泊、宁静的内心世界。
莫兰迪从废品站里找了些用过的空瓶罐子,于是,产生了他那些奇妙的静物画。他将油彩涂在这些瓶瓶罐罐上,然后再模仿它们的色调作画,经过苦心经营的各种“高级灰”在莫兰迪的画面上谐奏出旷古未闻的清雅的音响。那些灰色极具诱惑力——灰绿、灰蓝、灰赭……持重、沉稳;柠檬黄、淡紫红、灰白弹奏出一串串高音,然而,一切都归于美妙的宁静。在他那些令人陶醉的大量的静物中,其坛坛罐罐均不是真实的时空存在,那是艺术大师的艺术杜撰和创造。时间是静止的,空间是凝固的。莫兰迪的艺术一如中国书法艺术,他所画的物体便宜是“笔墨”,物体周围的空间便是“留白”。如何处理两者的关系全看艺术家的意趣及对画面的构成需要,而不必考虑其客观逻辑性。
在造型方面,莫兰迪也独具匠心。他极为大胆对物象进行了的简化,去掉一切细枝末节,仅仅保留基本形态,这使他的艺术走到具象艺术的最边缘,再向前跨一步即为抽象艺术。但莫兰迪显然不是在追求纯抽象,他的旨趣在于寻求借物抒情、借形达意的可能性。景物形体过写实,显然容易困住艺术家的手脚;景物外形虚无,则使艺术家失去凭借依托。面对具象和抽象,“似”与“不似”,莫兰迪选择了意象和“似与不似之间”。这种艺术观念具有东方美学的神韵,莫兰迪把握住了造型的似而不似,不似而似的奥妙,使自己的艺术成为传情达意的绝妙载体。这就是艺术大师的本色特征:一切最终都归于单纯!
因此,可以说莫兰迪既是在画他的“高级灰”,又不是在画他的“高级灰”。他实际上是在建立一种新秩序,一种精神层面的纯净的新秩序;他寻求全新的构成空间,寻求更单纯的感情表达,寻求更高的的精神境界!莫兰迪的艺术在从形而下的“器”向形而上的“道”转化的过程中,向世人展现了一个静谧温和、天籁谐鸣的世界;一个没有险山恶水、世俗残酷争斗的理想天国。莫兰迪这位离群索居、淡泊孤寂的艺术大师,平静地坐在自己的画架前,用他的笔和色为我们描绘出形简而韵长、情朴而意远、高雅脱俗、如真似幻的神奇艺术。这其中,客观物质世界和主观精神世界是辩证统一的。物与我是完全融为一体的,犹如东方艺术中的最高境界:天人和一、物我两忘。莫兰迪的世界艺术世界深深地感染了今天的每一位观众,它的魅力也必将会同历代伟大的艺术一样,感染着后世。
莫兰迪作为二十世纪的艺术家,他不但摆脱了自文艺复兴以来西方艺术界倡导的科学写实等一整套清规戒律,而且坚定地沿着以塞尚为代表的后印象主义所开辟的艺术道路,又走到一个新的阶段。莫兰迪独创出西方艺术史从未有过的“一元化”艺术世界,寻找到一种新的“平衡点”,人类艺术的发展做出了独特的重要贡献。
莫兰迪的艺术井然有序,他的个人生活秩序是怎样的呢?我们不得而知。有关他的情感生活至今仍是一个迷,有女人曾经闯入他的圈子吗?还是他有意自我封闭?我们只知道有他的妹妹对他的悉心照顾。确实,像许多伟大的人物一样,形而下与形而上之难两全;为生活,更为艺术的艰辛与崇高,则是莫兰迪自己画作外的精神遗产,也是需要我们后人沉思的内容。
莫兰迪的画风独立不群、超尘拔俗。然而,令人遗憾的是,除了少数的慧眼外,世人大多迷惑于表象,长期未能认识、理解它的珍贵价值,而使之屈就二三流的地位。当黄铜裉色之际,真金才显其珍贵。通过在世界各地陆续举办的各种莫兰迪画展,以及意大利波伦亚莫兰迪博物馆的成立,二十世纪末的世界艺坛才“重新发现”莫兰迪:他是本世纪真正的艺术大师,他无愧为历史上最伟大的艺术家之一。
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摘要:以洛可可艺术风格的含义、渊源、特点为切入点,通过对洛可可艺术风格的艺术品及服饰设计的赏析,意识到洛可可艺术风格为现代艺术家们提供着创作思路。
关键词:洛可可风格建筑与室内装饰家具绘画服饰
18世纪的法国是启蒙运动的时代,由于国家对工商业与文化实行奖励政策,促使资本主义经济飞速发展,文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感,尤其是没落的封建贵族们,他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后,开始追求奢侈享乐的生活,崇尚轻浮华丽的艺术,罗可可艺术便应运而生,并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。
洛可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪,洛可可趣味是随处可见的,贝壳、草茎和花朵是洛可可样式最常采用的装饰母题;即便是一件日用器皿,也能感到是洛可可时代的一个缩影。可以说,洛可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落,它不仅体现在绘画与建筑上,还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。
洛可可建筑与室内装饰
洛可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的,它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸,而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格,如室内的柱子与楼梯修长而小巧;天花与墙面间以弧面婉转相连;房间的角落砌成柔和的圆形。洛可可式室内装饰总体倾向自然主义,它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材,不仅用在墙面和天花板上,还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外,还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯,陈设瓷器古玩,以显示主人的豪华与高雅。洛可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩,并且尽量避免强烈的对比,如墙面粉刷,多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调,线脚多用金色,使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花巧,洛可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。
洛可可家具
洛可可家具由其装饰形式的新思想出发,整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成,可以说,女性化的柔美与纤巧的格调在洛可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发,创造出秀气、高雅、轻巧的家具,以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花,椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。洛可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色,或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法,讲究精致繁琐,这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具,构成了洛可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。
洛可可绘画
“洛可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想,此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦,享乐的世俗生活和欢愉的爱情是洛可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材,洛可可绘画讲求细腻入微的感官享受,甚至追求形象肉感和性感描写,即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩,在画面中渲染出一种如梦的境界,以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐,谈情说爱,尽情地安逸享乐,然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味,使华多避免了浅薄的思想而超越了其它洛可可画家。洛可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出,他们对感官之美真实大胆,富于情调效果的追求,成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。
洛可可服饰
洛可可时代是女人的时代,女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是洛可可女装最大的特点,洛可可女装流行内穿束身紧身胸衣,胸衣领口开口很低,并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口,以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响,女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物,内以鲸骨做撑架,这种裙撑越来越大,犹如盛开的花朵,裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放,目的是为了使臀部更突出,腰肢更纤细。洛可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花,再配上独特而夸张的假发和帽子,显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子,领口有一排长而密的扣子,将前襟去掉,就形成了日后的燕尾服,而颈前的蝴蝶结,就是今天的领结。
一直被禁锢在高雅文化中,只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务,不免显得过于娇媚浮华,缺少了精神内涵的深刻性。但是,洛可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力,甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。
参考文献:《巴洛克与洛可可》作者温尼海德米奈
《艺术史的语言》作者(英国)柯马尔(英国)卡斯尼尔
《十五世纪欧洲绘画风格史及哥特风格史研究》郑春泉
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