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广告意向形符化是信息符号的意义化行动,行动的内化,则能改变人们原有的倾向和评价。今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:浅谈平面广告信息传达的符号化。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:以传达信息为主要目的的广告,通过视觉上的符号化,向人们传情达意,实现信息的传播。本文分别从主体图形、广告意向和广告语言文字的符号化,三大方面论述了广告信息符号化的传达方式。
关键词:广告意向 ;广告文字 ;符号化;
浅谈平面广告信息传达的符号化
作为平面广告主体图形的传播,实际上是以符号的形式来传播的,美学家苏珊·朗格曾说过,一个符号总是以简化的形式来表现它的意义,不论一件艺术品是何等的复杂、深奥和丰富,它都远比真实的生活简单。图形通过视觉符号的语义传达,使受众真正认识了广告主题和广告企业主,对之产生好感,这种图形语言的寓意使人感觉到某种风格和某种精神氛围。
当广告将某种图形符号引入传播的空间,它预期达到一种符号放大而成为某种象征的驱动力,符号所携带的信息能够刺激人们产生意义,意义是人的内心状态或内在体验,其结果就有了我们对客观环境的主观想象。当然,如果我们对广告的感知反应在传播者的预料之中,那么广告的效果也就显现出来,于是,这种符号的社会性放大便是一种富有谋略性的操作。下面以万宝路香烟广告为例,万宝路在面世之初,是一种供女士享用的香烟产品,其广告口号也带有明显的女性色彩,投放市场初期市场反应十分凄凉。后来万宝路在保持原有配方的情况下,将其原来的女性色彩,重塑为一个具有男子气概的全新形象,把万宝路由女性市场转向男性消费市场。
为了符合这一构想,他们选用了一个最能为青年接受和喜爱的、最有男子气概的、最具美国风格的西部牛仔形象充当万宝路广告主角。一年的时间,万宝路一跃成为全美十种畅销烟之一,后来广告调查显示,人们选取万宝路并不是因为它的味道与众不同,很大程度上是为了表现自己的男子汉气概。万宝路广告的成功在于寻找到了能被人们接受的符号——男子气概。因此广告的符号化要“对症下药”,以受众的需求为基础,传达适应接受者心理的符号内涵,这样的符号化信息才是成功的。相反,假若传达的信息不为人们所接受,那么会适得其反,造成受者对广告信息的反感,最终对广告的品产生抵制情绪。
广告意向形符化是信息符号的意义化行动,行动的内化,则能改变人们原有的倾向和评价。在广告中,广告意向借助符号由此到彼的传递,是一种“编译信息符号”的过程,意义从一方传出又在另一方被激起,从一方输入由另一方解读。作为广告中最具说服力的符号,应该是即合理、又舒适、同时与道义相吻合,形符化传达最为有效。
广告意向的符号化,根本意向是固定的,但各个人对符号的理解是不同的,同一个符号可能引发不同的理解,一个人从符号中获得什么样的理解很大度上受到自身知识背景的影响,假若“有一千个读者就会有一千个哈姆雷特”,受者将接受的符号依据自己的思维方式及价值观念做出独特的个人理解。在现代的广告设计中呈现出寓繁于简的形符化趋势,使广告的意向符号表达变得简练生动起来。例如吉普车广告画面:一把钥匙。这把异质同构的钥匙,如此的简洁而又力鼎千钧。山的形态与钥匙的齿印同构,浑然天成,毫无做作之感。
广告标题“START UP A MONTAIN”。这是向受众提示——只须拥有这辆车,再艰险的山路,也如同一马平川。没有商品形象、没有复杂背景、没有连篇累牍的文字说明、没有多余的东西,仅用一把钥匙的同构就把吉普车能翻山越野的意向性能,无任何异议的向受众传达了出来。广告意向的形符化,并不直接表现广告的目标而是经过高度概括和凝练,转化成为广告内容的信息符码。因此意向的形符化一定要贴近生活,让传播的符号在人们头脑中有一定的形象落足点,以巧用精妙的比喻和生动的事例,实现符号的象征意义。
广告在表达某种意义时,单单依靠“图形”是无法肩负的,非借助“文字”不可,因为文字具有极强的思想表现力,犹如来自灵魂深处的声音,是一种特殊的符号。这种符号最易触动受众的心灵,引起思维和情感的共鸣。日本设计大师杉浦康平非常强调文字的蕴含力,认为文字具有相当巧妙的象征性,每一点、每一划都蕴含着符号的内涵。在广告中文字以符号的概念向受众表明广告的主题,当受众在接受到文字信息的时候,将文字看做一种符号,努力在大脑中搜寻相符合的形式和意义信息来诠释这种文字符号,从而获得广告的真正意向。
在这款洗发水广告中我们看到,到处都是白茫茫的雪花,只有标牌下面是空白的,图中的文字“无法在此停留”映射了头皮屑同样不可停留。这里的文字似乎是一种声音在告诉我们海飞丝去屑功能是如此优良。文字以符号的概念唤醒我们对去屑功能的认知,在此文字是信息传达和情感传达的符号载体。
广告图形,意向和文字的符号化,归根结底是为了广告的诉求的更明确化。它们共同符号化,表达了一定的生活情节,通过情境传达给人情趣盎然之感;通过图形的简单比拟,含蓄地表现了广告对象的某种特征并引人入胜;或运用广告意向的符号化,巧妙揭示文化内涵;广告传达的符号化具有极强涵盖力,它对受众联想的引发力是无法抗拒的,正因为如此,才使得广告的传达得以成功的实施,广告的内在潜能得以发挥到了极致。
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传统小说的主角一般都体现小说主旨,并与历史的主流意识保持一致性,具有正面性。而这正是黑色幽默所背离的。黑色幽默作品的人物没有严格的正反面定义。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:谈黑色幽默的特点。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:黑色幽默文学是世界文学中重要的现代派文学,在20世纪60年代的美国盛极一时。黑色幽默诉诸于人类形而上的灾难命运,厚重的悲剧意味与浓烈的喜剧色彩之间分外矛盾,独特的表现手法和艺术特色描绘出了美国历史上的这个荒诞世界。它在文学艺术上表现的特征也值得剖析和探讨。
关键词:黑色幽默;荒诞;喜剧;论文下载
论文正文:
谈黑色幽默的特点
上世纪60年代美国文坛,许多作家的创作风格呈现出相似性:单纬性的人物性格,人物与感情被有意地割裂,滑稽、怪诞,对悲剧材料异乎寻常地处理,散乱、分离的叙述结构;对现实不可靠的清醒认识和超脱的观望;不分善恶,无功无利的模仿、嘲笑等等。他们引起了读者和批评家的注意。1965年,弗里德曼出版了包括他自己在内的十三位作家的作品片段选集,名为《黑色幽默》。这些作家没有集会、结社,也没有共同纲领、宣言,但他们的作品却以相似的面貌出现在当时的美国文坛。由于这种相似性,他们被称为“黑色幽默”派。
黑色幽默是一种用喜剧形式表现悲剧内容的文学方法。“黑色”代表死亡,是可怕滑稽的现实,“幽默”是有意志的个体对这种现实的嘲讽态度。幽默加上黑色,就成了绝望的幽默。这派作家调动一切可调动的艺术手法,将周围的世界和自我的滑稽、丑恶、畸形、阴暗等放大、扭曲,使其更加荒诞不经。
黑色幽默的题材选择涉及到它产生的土壤。美国社会在上世纪60年代发生了激烈的变化,出现了大量的社会异质。传统小说江河日下,嬉皮士、战争忧郁症、两性混杂、荒谬的社会现实成了热门题材。这都为黑色幽默的产生提供了基础。黑色幽默选择意义不明,摇摆不定,似梦似醒的场景。这种场景为作家提供了否认旧标准,树立新标准的无穷题材。这些题材大都超越表面,形成对人的精神和社会的关注。以约瑟夫·海勒的《第二十二条军规》为例,它是以第二次世界大战中一支美国空军中队的经历为题材。根据第二十二条军规,只有疯子才能获准免于飞行,但必须由本人提出申请,而一旦提出申请,恰好证明了你是一个正常人,还是在劫难逃。它不是真正意义上的战争小说,海勒并没有真心描述第二次世界大战,而是试图通过第二十二条军规下的军人,刻画人类在敌对环境中的内心体验,揭露社会现实的丑陋。其最终目的是阐述人生哲理,而非历史。
以外,黑色幽默作家还在科技领域里挖掘题材。他们大都是大学教师,有渊博的知识,喜欢把自然科学领域的概念带进文学。如,《五号屠场》里主人公毕利·皮尔格里姆有超时空的能力,还被飞碟绑架到541号大众星。
传统小说的主角一般都体现小说主旨,并与历史的主流意识保持一致性,具有正面性。而这正是黑色幽默所背离的。黑色幽默作品的人物没有严格的正反面定义。一方面,这些人物荒诞懦弱,企图逃避责任,另一方面,他们又走在潮流的反面,揭示人性的荒诞与丑恶,成为一种另类的英雄形象。这些反英雄形象怀疑一切传统价值,有种众人皆醉我独醒的孤独感。《第二十二条军规》中的尤索林是反体制的斗士,也是懦弱的逃兵。这样的人物形象成了黑色幽默独特的风景,是其艺术表现手法中不可或缺的部分。
与传统小说不同,黑色幽默小说的情节结构混乱无序。这幅由散乱情节构成的复杂场面就是荒诞无序社会的写照。但它能让读者享受到从无序中建造有序的乐趣。例如,在库尔特·冯内古特的《五号屠场》中,时间和空间都是随着人的思维变化而变化。主人公毕利·皮尔格里姆的思绪在过去、现在、未来的时间层面以及地球和541号大众星之间的空间层面中跳跃。小说的开始,作者就说:“听!毕利·皮尔格里姆摆脱了时间的羁绊。”
接着都是在毕利·皮尔格里姆在时间和空间的穿越中进行叙述的,似乎是由一个个简短画面构成。他一会儿在战场上,一会儿在埃廉市,一会儿在541号大众星上,使读者觉得整个结构看起来杂乱无章,时空颠倒。冯内古特认为,小说不需要有开端、中心、结尾,甚至不需要情节。有的作家还主张采用拼贴的方法写作,那作品情节就更为杂乱了。
虽然黑色幽默小说中穿插着无数的分支情节和人物,叙事顺序混乱,但是作者通过巧妙的组织,利用人物之间的复杂关系将各个情节有机联系,形成了完整的故事架构。这种谋篇布局反映出黑色幽默作家不仅通过内容,而且运用形式来揭示世界存在的无序性和荒诞性。
用语言来界定幽默是很困难的,因为幽默并不存在于语言本身,而是在语言描述的场景中。在大街上见到狗不觉得奇怪,但在会议中闯入一只狗,人们会大笑不止,因为这不是狗该出现的地方。幽默就产生于这不期而遇、超出常规的场景中。
至于黑色幽默,冯内格特是这样解释的:这是一种Gallow Humor,我们可将其理解为“绞架下的幽默”。有这样一个美国民间笑话:在一个对死囚执行绞刑的日子,绞架旁聚集了大批观众。可是囚犯迟迟未来。监刑人、刽子手和人群已开始不耐烦。终于,狱卒押着囚犯来到刑场。囚犯看到人们焦急贪婪的目光不禁笑了,他得意地说:“没有我,你们什么也干不成。”看到绞架旁的人群,囚犯却是大笑。这就体现了与传统描写的大不同。它是企图把内心无形的恐惧,变成有形的大笑。它使人发笑,但却未能带来愉悦,因为在滑稽背后隐藏着痛苦和不幸,这会让人哀怨和恐惧。可以说,幽默和恐惧的相互融合和渗透就是黑色幽默的本质。
《第二十二条军规》的第八章,克莱文杰因为“专爱闹事,又是有头脑的人”,为沙伊科普夫少尉憎恨,并被推上审判台。海勒用极其戏谑的口吻描写这次审问,但读者却不能笑得舒怀。因为揭开了滑稽的面纱,读者看到的是恐怖:一个无辜的人,随时都会成为黑暗现实的牺牲品;咄咄逼人的军官不仅让克莱文杰,也让读者胆颤心惊。在这场审讯中,幽默和恐惧互相交融,读者感到乐中有惧,惧中有乐。
可见,黑色幽默是将悲剧内容按照喜剧来进行艺术处理,本应让当事人惆怅悲伤的死亡、战争等成了调侃的对象,读者在欢笑中能感受到背后的悲凉和恐惧,达到“绝望的喜剧”效果。《五号屠场》中,毕利无论描述多模血肉横飞的惨状,都是以一副轻松、戏谑的口吻说:就这么回事。黑色幽默作品正是以营造这种荒诞扭曲的喜剧氛围,形成了特有的流派风格。
黑色幽默作品在题材、人物形象、叙事结构和幽默特点等方面都自成一派,形成了自己的艺术特色,它通过对现实的荒诞不经的描绘和独特的结构表现了深沉的悲哀,不仅揭露了社会及其人的心理的荒诞,同时也流露出对社会的强烈关注。了解这一文学流派的艺术特点和形成基础,有助于我们更好的理解其产生、发展和近年来衰落的深层次原因,也可以对其反映的社会问题及其发展历程有更深刻的认识。
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汉字中有些形声字的不少偏旁是异常繁复的,书写时多有不便,于是人们便想方设法在不影响字义表达的前提下,用笔画较为简单的形旁或声旁去替换繁复的偏旁,这些字就化繁为简了。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:楷书繁体简化来源再梳理。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:文章立足于1986年出版的《简化字总表》中的表一350个简化字、表二132个简化字,将482个简化字与其相对应的503个繁体字,按照简化的方法进行归纳、统计,以期说明楷书繁体简化的来源。
关键词:楷书;繁体字;简化;方法;分类;
论文正文:
楷书繁体简化来源再梳理
“汉字进入楷书阶段以后,字形还在继续简化,字体就没有大的变化了。”[1]汉字发展到楷书,汉字的形体简化似乎已经到了终极阶段。但是文字是交流交际的工具,应该越简便越好。在字体不可简便的情况下,人们便想到形体本身的笔画省减,汉字的笔画简化就成了汉字求简便的最重要方式。虽然楷书之前就出现过笔画的简化,但中国50年代的有组织、成规模的汉字简化还是有史以来的第一次。
凡是使用汉字的国家和地区,在进行汉字简化时,都必须确立一定的原则和方法。中国50年代的汉字简化,总原则是“约定俗成,稳步前进”,就是在过去汉字简化的基础上进行简化。长期在群众中流行的、已经社会化了的简体字,只作必要的修改和补充;简体字的选定以最常用的字为限,不是每一个繁难的字都简化;所需要简化的字分期分批进行,不一次解决,也不一次推行。这样做既符合社会需要,又有群众基础;既便利初学者的学习,又照顾已识字的人的习惯,有利于简化字的顺利推行。
这个时期中国汉字简化的方法,可以归纳出以下几种主要方法。
1.保留原字轮廓。如:“慮”作“虑”,“蓋”作“盖”等。
2.保留原字的特征部分。如:“聲”作“声”,“開”作“开”等。
3.改换形声字较复杂的声符或形符。如:“殲”作“歼”,“劇”作“剧”等。
4.改非形声字为形声字。如:“態”作“态”,“郵”作“邮”等。
5.同音代替。如:“醜”作“丑”,“裏”作“里”等。
6.草书楷化。如:“東”作“东”,“書”作“书”等。
7.改复杂偏旁为简单的象征符号。如:“僅”作“仅”,“興”作“兴”等。
8.新造会意字。如:“塵”作“尘”,“寶”作“宝”等。
9.符号代替。如:“義”作“义”,“頭”作“头”等。
10.借用古字。如:“雲”作“云”,“從”作“从”等。
这些汉字简化的原则和方法不是凭空想出来的,而是在研究、总结前人简化汉字的做法和经验的基础上提出来的。有些方法可以追溯到原始记事方法,比如“保留原字的特征部分”(也可以说是“以部分代全体”)。在原始的记事方法中就有用动物的头或尾代表整个动物的,最早的时候画一头牛表示一头牛、画一头羊表示一头羊,到甲骨文中画一牛头表示牛、画一羊头表示羊。另外,后来的假借字,其实就是“同音替代”的一种。1922年,钱玄同在国语筹备委员会提出《简省现行汉字的笔画案》,他客观地分析了简体字的构成,并且提出了简体字的八种产生方式:一是全体删减,粗具轮廓;二是采用草书;三是仅写原字的一部分;四是原字一部分用很简单的几画替代;五是采用古体;六是音符改少笔画;七是别造简字;八是假借他字。前人简化汉字的原则和方法都被现在所吸收了,只不过现在的原则和方法比过去略为完善一些罢了。
简化字是在历代的“简体字”的基础上形成的。“简体字”是和“繁体字”相对应的,它们从有汉字以来就有了。简体字由来已久,新中国成立以后的汉字简化,主要不是新造简体字,而是尽量采用已经流行的简体字。具体做法是在过去汉字简化的基础上进行简化,首先整理研究和肯定在群众中长期而广泛流行的、已经社会化的简体字。因此《汉字简化方案》中的简化字是具有广泛的社会用字基础的。
本部分将《简化字总表》(1986年版)中的第一表的350个不作简化偏旁使用的简化字(其相对应的繁体字共365个)和第二表中的132个可作简化偏旁用的简化字(其相对应的繁体字共138个),按照简化的方法进行归纳、统计。应当说明的是:第一,关于简化方法的分类,目前大家颇不一致。分类各异,是因为角度不同。有人着眼于来源(分为采用古体字、新造字等),有人着眼于形体(分为省形、改形、同音代替等),有人兼顾来源和形体两个方面。笔者的分析、归纳、统计是兼顾来源和形体两个方面的。第二,各种简化方法不是“井水不犯河水”的,简化字的归类不能绝对化。例如:“云”可以看作省去原字的一部分,也可以说是采用古体字(“雲”古作“云”)。在文中笔者若将其归入“省去原字的一部分”,将不在“采用古体字”中作重复归纳。同类例子将不多作说明。
现将482个简化字(其相对应的繁体字共503个)的来源做一个归纳说明。
1.省去原字的一部分或大部分。有些字是由好几个部件(偏旁)组成的,从原字中抽取部分形体去代替整体,这些字就化繁为简了,所以也可以说是“以部分代替整体”。
用这种办法简化的汉字有标(標)缠(纏)厂(廠)等共74个,占14.7%。
这种方法古已有之。上文已经说过,早期的文字,具有很强的图画性,不少字都近乎写实,结构便容易造成繁复,极不利于书写的方便快捷。人们便设法抓住对象的主要特征,而将重复的或不重要的部分省去,从而达到了简化的目的。这样,对字义不会有多大的影响,书写起来却方便快捷多了。如:“郭”本义是外城,本象城墙上四亭相对,占地太宽,不利方块结构,省为两亭;“采”字以手摘树上果实会意,省去果实为。可见这种简化的方式在甲骨文时代即已很普遍。金文中如省(易)为,小篆作,是截取原字的一部分而成的;小篆的“灋”,隶书省为“法”,也是截取原字的一部分而成的。到了楷书阶段,文字的符号性更强了,简化已不斤斤计较于形义的关联,保留原字的特征部分,省去其他笔画,以简化形体的做法就更为普遍了,上述74个简化字就是很好的例证。
2.用符号或单字替代偏旁的办法。很显然,这是用一个简单的符号或单字去代替原本繁难的部分。有些字的某个部分过于繁杂,把这些繁杂的符号用一个简单的符号去替代,这些字就化繁为简了。这些字只要用一个符号就可以代替很多与这个符号完全无关的偏旁。常用的符号有:“丶、ㄨ、又、刂、文、扌、云、大、舌”等。
用这种办法简化的汉字有:办(辦)报(報)币(幣)等共139个,占27.6%。
这种方法也是古已有之。《玉篇》“關”的俗体为“”,用“关”去代替“”,现又省去“門”。《京本通俗小说》把“權”、“劉”、“壞”、“鳳”,简为“权”、“刘”、“坏”、“凤”,也是符号代替法。
《第二次汉字简化方案(草案)》称这类字为“符号字”。符号字的繁体很多原来也是形声字(如“雞”、“鄧”),这些字简化以后,简化字就不再是形声字了(如“鸡”、“邓”),因为这些符号(虽然有的成字如“又、大、云”)既不表声,也不表意,它们在这些简化字里只表一个符号。
因此,有些专家学者就据此认为汉字是朝着记号化的方向发展的。提倡“记号化”的其中一员张玉金在《汉字结构的发展方向》一文中通过对2500个常用汉字的结构进行分析,得出“如果把记号字、半记号字统计到一块,则占总数的38.32%,数量仅次于意音字(形声字)。”[2](P98)同时又引他人对《新华字典》(1987年重排本)中的“又、冫、刂、鱼”四部字抽样测查的统计数字说明记号字、半记号字占总数的45.8%。从这两方面论证“现代汉字的结构正朝着记号化的方向发展。”[2](P98)他说:“目前,在汉字体系里记号虽然不占优势,但是数量已相当可观。估计在不久的将来,含有记号的字很可能赶超意音字,成为汉字的主流。……我们的汉字已经走完了原始文字、假借文字和形声文字三个发展阶段,如果不被废弃,它将迈进记号文字(在文字体系里记号这种字符占大多数)的大门,这是不以人的意志为转移的。”
很显然,这观点未得到众人的呼应。在“声”上尚有联系的“本无其字,依声托事”的假借都只是汉字发展的一个阶段,而非趋势,更何况“文字所代表的语素在语音和意义上都没有联系的字符”[2](P97)的记号文字?倘若将记号化作为汉字发展的方向,同样的,多年以后,也将割断我们与后代之间的联系。
3.变草书的连绵笔形为楷书的点画。“汉兴有草书”。草书以连绵的笔形代替复杂的构字成分,使汉字的结构和写法高度简化。由于它保持着原字的“轮廓”,所以有些草体字是不难辨认的。那些为大家所熟悉的草体字,把它的连绵笔画断开,改用楷书的写法,这样的简化字叫“草书楷化字”。如将“學”、“車”、“樂”、“堯”等简化为“学”、“车”、“乐”、“尧”,就是草书楷化的方法。汉碑中已有楷化的草书,宋元以来,这种方法很盛行,如《京本通俗小说》将“書”写成“书”,《列女传》将“樓”写成“楼”等。
用这种方法简化的汉字有导(導)继(繼)实(實)等共33个,占6.6%。
《简化字总表》表二的“简化偏旁”中,象“言”旁之简化为“讠”,“食”旁之简化为“饣”,“”旁之简化为“”;“糸”旁之简化为“纟”;“臤”旁之简化为“”;“金”旁之简化为“钅”;“”旁之简化为“”等,都可作此类理解。
4.改换形声字的形旁或声旁。
汉字中有些形声字的不少偏旁是异常繁复的,书写时多有不便,于是人们便想方设法在不影响字义表达的前提下,用笔画较为简单的形旁或声旁去替换繁复的偏旁,这些字就化繁为简了。
改换形旁的有:肮(骯)硷(鹼);
改换声旁的有:袄(襖)坝(壩)毙(斃)等;
同时改换形声字的形旁和声旁的有:脏(贜、髒)。
从上面就可知道这种简化方法的特点,这些字简化后还是形声字。用这种方法简化的汉字共81个,占16.1%,其中改换形旁和同时改换声旁形旁的数量都很少,各占2.47%;改换声旁的数量较多,占95.06%。
5.同音(或近音)归并。就是用简易的同音字(或近音字)去代替原来的繁体字,即用笔画少的同音字(近音字)去代替原来的繁体字。用这种方法简化汉字,既精简了字数,又减少了笔画,一举两得。
这类简化字有:板(闆)别(彆)卜(蔔)等共82个,占16.3%。
其实这就是通假字,不过带有简化笔画和形体结构双层意义的通假字。《墨子?尚贤上》:“然后国之良士亦将可得而众也”,《史记·刺客列传》:“流涕有顷而后言”,均以“后”为“後”。可见这种简化法也来源甚古。这种简化的方式多数是一代替一,也有少数是一代替二,或者是一代替三,一字而兼两三字之职,确实可以使汉字在字数上得到很大的精简。但是这一类在进行汉字简繁转换时很容易出现问题,这是简化汉字备受责难的一方面,也是目前关于汉字简化讨论较为激烈的一点。“一简对多繁”在某一层面上造成用字的混乱,还会带来词语歧义现象,特别是时常出现在计算机信息处理过程中简体字文本转换为繁体字文本时字形对应上的错误。即便如此,这些简化字给我们带来的方便,无论如何比它产生的问题要多得多。
6.用传统的方法另造新字。有些字不好就原字进行改造,也不便借用同音字来代替。对于这类繁体字,常按照传统的造字方法另造一个笔画较少的新字。
有些字是在繁体字的基础上,保留繁体字的轮廓另造简体的,如“龙、鱼、马、鸟、当、卢”等字。这些轮廓字有的是草书楷化来的,有的是减省原字某些笔画的结果。
有些字是通过变更造字方法来创造的。有的是以新造简化会意字代替繁复的形声字,例如“竈”之作“灶”,“淚”之作“泪”;有的是以新造简化会意字代替繁复的会意字,例如:“塵”之作“尘”,“筆”之作“笔”;有的是以简体的形声字代替繁复的会意字,例如:“竄”之作“窜”;有的是以简体的形声字代替繁复的形声字,例如:“護”之作“护”,“驚”之作“惊”;等等。
这类的简化字有:帮(幫)宝(寶)尘(塵)等共26个,占5.2%。
7.恢复古体。现行简化字有的采用古已有之的本字,有的或用其古文,或用其或体,或用其奇字。我们将其统称为“恢复古体”。
现行简化字有的比其繁体字的历史还要久远,与其说它们是繁体字的简化,不如说繁体字是它们的繁化。象“云、气、从、舍、卷、凭、与、启”等字都是古已有之的本字。而那些古文、或体、奇字,它们与相应的繁体字形体虽殊,而音义无别,古代通用,今用其简体。例如,“礼”为“禮”之古文,“达”为“達”之或体,“迩”为“邇”之古文,“无”这“無”之奇字,等等。
这类的简化字有:碍(礙)表(錶)蚕(蠶)等共53个,占10.5%。
8.先简化可作偏旁用的字,然后用简化偏旁或单字适当类推。如:签(簽) 蜡(蠟)联(聯)猎(獵)扑(撲)悬(懸)爱(愛)罢(罷)备(備)贝(貝)见(見)页(頁)鱼(魚)惩(懲)戋(戔)。用这种方法简化的汉字共15个,占3%。
简化偏旁和部分简化字可以类推,类推扩大了简化面。例如门(門)、讠(言)、饣(食)、几(幾)等都是偏旁的简化,相应地类推出“闪闷计订饥饮机矶”等简化字。在整个简化工作中,这项作用最大,因为用类推的办法,简化一个偏旁,就可以简化数十数百个繁体字。1964年5月文字改革委员会编的《简化字总表》共收简化字2238个(因“签”“须”两字重见,实为2236个),它从146个简化偏旁,类推出1754个简化字,占总数的三分之二以上。
上述的8种办法只是一些简单的概括,有的字还很难包括到这9种办法中去。如“麗”简化为“丽”,除了以部分代替整体外,笔画也稍有变化,头顶上面两短横已连为一长横。
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诗歌是人类最早的文学样式,它通过节奏感和流动性展现诗歌音乐性的美感,诗歌的音乐性调动了人们的情感,正是在音乐中,诗的感情才被激动。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:埃德加·艾伦·坡诗歌中美学思想。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:可以这样说,艾伦?坡在世界文学史上是一名不折不扣的“怪才、鬼才”,无论在小说界、文学评论界还是诗歌界,他都是当之无愧的“天才”,他甚至还开创了侦探小说的先河。细细品读艾伦?坡的诗歌意境,会发现其诗歌所传达的想象力、情感性、音乐性以及唯美型均属独到。本文将分析其诗歌中所表达的美学思想,提请对坡作为一名诗人来关注和重视。
关键词:艾伦 坡 诗歌 美学思想 论文下载
埃德加·艾伦·坡诗歌中美学思想
艾伦 坡生于美国一个演员家庭,自小失去双亲,随后被当地一商人收养,坡童年和青年的大部分时光在养父母艾伦的家庭度过,缺少足够的父母之爱,其养父很少过问坡,并且到了坡十几岁时,又与其养父感情决裂,过上了缺衣少食的生活,造成其与众不同的性格与思维意识,造成了他酗酒如命。他一生坎坷,在四十几年的生涯中颠沛流离,但是他的笔下从没流露出艰辛和屈辱感,相反他乐观和好强的性格充满了其作品。可以这么说,他是一位绅士,一位孤独的天才,在他短暂的一生中,只有更短暂的十几年美好时光,剩下的都是些身后之名。坡是位小说家,文学评论家,更是位诗人,其自认为是美学问题专家,他的诗歌美学在当时看来独树一帜,对文学评论也具有独到的见解,罗威尔的传记中就赞扬坡是美国最有见识、最富哲理的大无畏评论家。
1. “美”的完整性。
古罗马诗人贺拉斯在《诗艺》中说:“话要说的简短,……一个人的心里记不了太多东西,多余的东西必然溢出”,坡也认为诗歌是最美的文学艺术,应当篇幅短小,让读者一次读完,从而获得完整的印象。诗歌要包含刺激,任何长篇诗著里,刺激的过程是不会保持长久的,一旦刺激衰歇,在效果上就不是诗了。他强调诗是灵魂的升华,只有一口气读完的诗才会保持诗歌美的完整性,才能在欣赏者的心目中留下完整的美感。他在《诗学》第七章写到:美在于大小和秩序,他主张诗要短小精悍,诗歌的长度问题体现了他诗歌理论中整体性的美学思想。
2. “美”的情感性。
诗和散文等其他文体不同,诗歌不能容忍长篇叙述,要让欣赏着在欣赏诗歌时感受到诗的感情和情绪,感受到灵魂的升华。坡的诗作强调想象,强调灵魂,强调主观情感,诗需要展现出其特有的形式美,要散发着闪烁的思想光芒。他对情感美独到的见解可以从他《创作哲学》中得到充分体现,他认为最美好、最纯洁的情趣存在于对美好事物的沉思过程中。坡的诗作中充满情感,他在诗歌中拥有自由的翅膀,快乐的飞翔,忘却生命与死亡。瓦莱里说,坡是创造世界的上帝,的确,坡创造了诗歌世界中令人振奋的灵魂。
3. “美”的理性。
雪莱认为诗歌是从“永恒之地将光芒和火种传送到人间”,诗人是抹去人们心尖上灰尘的使者。坡始终认为诗歌的创造需要理性,又敢于挑战自己的智慧。他的诗作从不缺少智慧和理性,其代表作《乌鸦》历时四年创作,在整个创作工程中小心翼翼的深思熟虑,他说:“诗歌的创作没有一点是源于直觉”,诗歌创作始终要保持目的性,时刻考虑到诗的效果。坡的诗歌主体没有离开死亡,但是在这忧郁悲伤基调的背后,正是坡不断追求的理性目标——美学思想。
4. “美”的音乐性。
诗歌是人类最早的文学样式,它通过节奏感和流动性展现诗歌音乐性的美感,诗歌的音乐性调动了人们的情感,正是在音乐中,诗的感情才被激动。音律是最能调动人们感情的形式,坡曾说:“诗是美的节奏性创作”,从人类最早以歌的形式来表达诗的思想开始,音乐性就融入到诗歌之中,成为诗中重大的契机,在创作诗时放弃音乐性便是不明智的。坡的诗作大多富含音律,一韵到底,使人欣赏起来意犹未觉。
1. 对自身诗歌创作的指引。
其实坡自始至终都把自己视作一名诗人,他曾表示,小说和另论只不过是他为了维持生计的手段,而诗才是不容玷污的圣洁的东西,对他来说,诗是一种激情。艾伦?坡的这些美学思想自始至终指引着他的诗歌创作,他一生所创作的不多诗集之中,从不缺少他对美的感悟和对唯美主义的追求,他的每一首诗都闪现出美的光芒,都是他对“爱”与“美”的渴望。比如在他的代表诗集《帖木儿及其他诗集》、《诗集》、《乌鸦及其他诗》等中,我们都可以看到坡的美学思想对其诗歌创作的指引作用。
2. 对自身其他文体创作的指引。
其实在坡的一生中,创作最多的并不是诗,而是小说,其中包括两篇长篇小说和七十余部短片小说。其所创作的绝大多数文学作品都符合他对篇幅的长度标准,即“任何文学作品的长度都有个明确的限定,那就是一口气读完”。众所周知,坡一生中创作了许多侦探小说和科幻小说,无论在那种文体中都不缺少他独特的美学观念,理性、情感、完整及音乐性。依靠他严谨的数学才华和丰富的天文地理知识,他的作用总是能够达到细节和情感上的真实。
3. 艾伦--坡文艺美学思想对世界文学的影响。
各国文学是独立而又相互依存和侵润的,坡的美学思想对各国文学的影响是普遍而又广泛的。象征主义、唯美主义、浪漫主义等都多多少少的收到坡的影响,尤其在侦探小说和科幻小说上,坡可以说是侦探小说的先驱,科幻小说的鼻祖。艾伦?坡对世界文人产生了深远的影响,象征主义代表波德莱尔说,坡是“一位密友至交,一位寻觅已久的兄长”。坡的“诗论”和唯美追求影响到世界各地的诗人、作家和艺术家,给世界文学带来深远的影响。
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景观设计学是一门建立在广泛的自然科学和人文与艺术学科基础上的应用学科。今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:探析景观的科学与艺术。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:景观的设计就是土地的设计,它的基本原则为:认识人性,尊重人;认同自然过程,尊重自然,尊重土地之“神”。
论文正文:
探析景观的科学与艺术
一、关于景观免费公文网版权所有景观应该从五个层次来理解。
(1)第一层含义:景观是美,是理想。
人们把他所看到的最美的景象通过艺术的手法表现出来,这是景观最早的含义。在西方,景观的画的含义最早来源于荷兰的风景画,后来又传到英国。
它是描绘景色的,是当一个人站在远处看景色时的那种感受,然后把这种感受画下来,所以画永远不是实景,画是加上了人的审美态度之后再表现出来的。景观的概念最早的来源是画,一幅风景画,它是有画框的,这画框是人限定的,是人通过审美的趣味提炼出来的。景观一开始就是视觉审美的含义。但人的审美趣味是随着社会发展,随着经济地位变化而不断变化的,所以人所了解的景色也是不断变化的。
在作为画之前,景观作为一个词最早出现在希伯来文的《旧约圣经》中。是用来描写耶路撒冷皇城景象的,一个牧羊人站在一个荒凉的山冈上,看到一片绿洲,这个绿洲中有宏宇大厦,有庙宇宫殿,这些他作为美景来描述的景观是一个城市。所以,在农业时代人们想像的美景是一个城市,这种观念一直延续到工业时代。把景观作为城市发展的极致,把城市当作理想,一直发展下去,才会导致纽约这样的大都市的出现。现在我们中国人理解的景观也基本停留在农业时代的城市理想,所以你才会看到深圳的高楼大厦,才会看到浦东的高楼大厦,才会用同样的理想来建设北京的城市。这就是农民在描绘着未来的场景。但这种趣味是不长久的,所以到了工业时代末期以后,由于大量的乡下人涌到纽约城市中来,纽约的钢筋水泥丛林不再适合人居住,一系列城市病出现。他们发现他们追求的城市景观原来不适合
人的生存和居住,高楼大厦太危险了(世贸大厦的悲剧就是很好的说明),景观的理想发生了改变,他们不再想用以前当农民或牧民时眼中的城市模样来造景观。
这种对城市景观的否定通过两个途径来实现:一个是逃离城市,建立国家公园、自然公园,另一个是把自然引到城市中来。
为什么国家公园会在英国出现?国家公园甚至有上万平方公里之大,有大量的自然地,这是由于纽约人的理想景观开始转向自然地,所以才会把自然地保护起来,作为他们休闲度假的地方,所以才出现了黄石公园、红杉树公园等。这是否定城市的一种途径——逃离城市,逃到荒野之中——这时,人们对景观的概念发生了一次深刻的变化,把自然当作美而不是把城市当作美。
但是人们很快就发现,逃跑不是办法。因为,二战以后,汽车在美国很快普及,所以汽车就拉着城市跟着人跑到郊外去了,人越想离开城市,这个城市就越跟着人和汽车跑,这就出现了郊区的城市化。整个美国都出现了这样的城市:大量的土地盖了房子,把自然地变成建筑,把环境变得更糟糕了,特别是20世纪60年代、70年代以后,人们就发现,以前想像的田园城市实际上并没有实现,因为当时的人想用铁路把中心城市和郊区的花园城市连接在一起,但美国在20世30年代以后铁路被高速公路取代了,火车被汽车取代了,汽车公司为了推销汽车而拆掉铁路.结果每家都有至少一辆汽车,最后导致每一寸土地都变成城市。
除了离开城市走向自然外,要摆脱拥挤的城市还有第二条途径,那就是把自然引到城市中来。最早的实践就是把公园建到城市中去,这就是纽约的中央公园,300多公顷,那是城市中心的一个非常大的地方。从此出现了美国的城市公园运动。
这就是由于人类想像中的理想景观概念的变化导致城市的变化。这是关于景观作为视觉美的含义的理解。
(2)第二层含义:景观是栖息地,是居住和生活的地方。
它是人的内在生活的体验,是和你发生关系的地方,哪怕是一株草、一条河流,或者是村庄旁的一棵大树。皖南的民居充满诗情画意,非常潭亮,那是由于居住在那方土地上的人形成了人和人、人和自然的和谐关系。人要从自然和社会中获取资源,获取庇护、灵感以及生活所需要的一切东西,所以景观就是人和人。人和自然的关系在大地上的烙印。中东地区耶路撒冷有____、犹太教,还有伊斯兰教,从城市的景观你就可以看出这个城市总是有纷争的,反映了人和人关系的不和谐。当丽江穿过你门前的时候,你可在门前的石埠上洗涮,人和自然就这样发生了关系。你看到的石埠,实际上在告诉你人是需要水的,需要和水亲近的,这就是人和自然之间非常友善和谐的关系。
如果是不和谐的关系,比如长江、黄河、钱塘江。钱塘江大坝筑到10m高,有些地方有20m高,这是人和自然的敌对关系的反映,而没有把自然当作你的家人来对待,把自然排除在外,这就是人和自然关系的不和谐。那么人和人的关系呢?当年柏林墙没推倒时反映了人和人关系的不和谐,现在以色列边界立起铁丝网也反映了人和人关系的不和谐。香港没回归之前,香港和大陆的边界上有一道断面是倒“l”形的铁丝网,这也反映了人跟人关系的不和谐。这种边界都被称作政治景观。
所以当你看到景观的时候,看到任何景观中任何一种元素的时候,它实际上都是在讲述人和人、人和自然的关系是不是和谐。
(3)第三层含义:景观是具有结构和功能的系统。
在这个层次上,它与人的情感是没有关系的,而外在于人情感的东西。但是作为一个系统,人是更客观地站在一个与之完全没有关系的角度去研究景观,所以景观就变成科学的研究对象。一块土地,当你和它没有关系时,那你的研究是科学家的研究。但
如果你居住在这片土地上,再去研究它,就不是科学家的研究态度了,因为这块土地已经和你的切身利益发生关系了,就不是科学了。一块土地有动物的栖息地,有动物的迁移通道,等等,都需要用科学的方法去研究:用生态的、生物的方法来观察、模拟,来了解这个景观的系统。一门学科叫“景观学”,实际上是用科学方法研究景观系统,是地理学的一个分支。
(4)第四层含义:景观是“符号”。
我们看到的所有东西都有其背后的含义。景观是关于自然与人类历史的书。皖南民居的路、亭子、河流和后面的牌坊群,都在讲述着今天和昨天的故事。比如亭子,当地叫做水口亭,在村庄的水口,这就说明人们对待自然的态度,这个地方很关键,决定当地人的生老病死和财富,这个亭子就告诉你这块地是神圣的.又比如说,这个牌坊叫贞节牌坊,那个叫忠孝或仁义牌坊等等。贞节牌坊讲的就是一个少妇在她丈夫死后就未再改嫁,这种对贞节的树碑立传就反映了那个时代的价值观。忠孝坊是歌颂孝道的,讲的是一个儿子当他的父母还活着的时候是不离开家的,这就是一种价值观。
华北平原上,哪怕是一条浅沟、一个土堆,都在讲述着历史。城墙、烽火台,曾经是金戈铁马,烽火燎原。这些现在看来不起眼的留在土地上的痕迹,都在讲述着非常生动壮阔的故事。北方地区有三百年的古道走成河的说法,一条走了两千多年的路,变成了河,那么这条河就不只是河,它是古代赵武灵王攻打秦国时用过的古道,千军万马曾从这走过。一条浅浅的古道或浅沟,充满了含义。所以,景观是有含义的符号,需要我们去读。
在很大程度上,我们最早的文字也来源于景观。山的象形字直接 来源于山,水的象形字直接来源于水。云南丽江纳西族文字中水的写法和汉族的是不一样的,汉字的水是在一条曲线两侧各有两点,而纳西族文字中的水则是在这条曲线的端点还有一个圈。我的理解是:因为纳西族居住在云南
高原上,那里水的形态跟长江和黄河是不一样的:玉龙雪山融化后的雪水流下来,在河里你看不到水,水都渗到河滩底下去了,然后水经过河滩在十几里外的地方又冒出来,这个水就叫潭,有黑龙潭或白龙潭。这些水你是看得见它从哪里来的,是有源头的。但是我们的长江或黄河一带早期居民看到的水是没有源头的,虽然说源头在昆仑山,但当时谁也没到过昆仑山。这就是景观的小同导致描述的文字的不一样,所以我们的语言也是从景观来的。所谓河出图、洛出书,实际上是说我们的古代文字是阅读了黄河、洛河,阅读了来自水中的龟背的纹理来解读、预测事物的变化。这些都是符号,都在讲述着故事,兴的故事,亡的故事。
所以说当你看到景观和景观中的元素的时候,哪怕是一棵树,也要认真地阅读它、理解它。比如说,这棵树长弯了,为什么长弯了,因为风的力量的不均衡,或者因为光照的不均衡;如果这棵树上布满了伤痕,为什么有伤痕它在讲述曾经被火烧了或是什么。所以如果到颐和园去,你可以看到那里的柏树都是伤痕累累的,靠房屋的一侧,许多古柏都是没有皮的,为什么?都是给八国联军烧的,所以没有皮了。这些树讲述了历史,充满了含义。
人类最伟大的景观创造莫过于城市。一个几万人甚至上千万人组成的社区,他们为了共同的和不同的目的生活在一起,有时互助互爱,有时嫉妒有加,憎恨之极,以致于你死我活。有时为了交流,他们修池道,掘运河;有时却为了隔离,垒城墙,设陷阱。我们看以前的城市,有城墙,有陷阱。同样的爱和恨也表现在人类对自然及其它生命的态度上。恨之切切,人类把野兽、洪水视为共同的敌人,所以称之为洪水猛兽,因此筑高墙藩篱以拒之;爱之殷殷,人们不惜挖湖堆山,引草木、虎狼入城,像在城里建动物园、植物园,又表观了人类对自然的爱。人类所有这些复杂的人性和需求被刻写在大地上,刻写在某块被称为城市的地方,这就是城市景观。所以说,景观需要人们去读,去品味,去体验,正如读一首诗,品味一幅画,体验过去和现在的生活。
(5)第五层含义:景观是土地之“神”。
我们都知道宗教的神,神的概念本质上就是精神寄托.那么人对景观的寄托就使景观有了神性。当一个信徒一步一叩从西藏的边缘爬到拉萨,他可以叩一年的长头,这就使土地——拉萨那块土地——变成了神。当他走到了一个交叉路口的时候,那会有一堆石头,这堆石头是玛尼堆,它寄托了人的希望,寄托了人的信仰,这堆石头也是神。哪怕是普通的山,普通的地形,也是神圣的。中国古代有一个模式,被用来神化大地,叫风水模式:左青龙,右白虎,前朱雀,后玄武。看看北京的山水,北边的军都山脉就是玄武,因为明代十三陵的缘故,叫万寿山,它是有了神性的山。也因为明代十三陵的缘故,把西边的山叫做青龙山,东边的叫做白虎山。中国古代所有的城市或建筑选址都是在这一模式基础上进行的,所以说用这种模式把整个大地都神化了,没有一个山脉是不属于某一家或某个州府的神。所以你动土的时候,先要研究一下这座山是归哪个神管辖的。
在唐僧取经的故事里,孙悟空有着高超的本领,但他每到一个地方,都要把土地爷叫出来。土地爷是什么?土地爷就是土地之神。问问他这里有没有妖怪?是好妖怪还是坏妖怪?然后他就知道,如何对待这块地方,如何施展他的法术。这就是当地的神,说穿了就是当地的自然和人文精神。地方之神究竟是什么呢?那就是你必须服从的外在力量。不管你是科学家或者宗教人士,不管是搞法律或是搞经济的,你都得服从,否则你就要吃亏,就会被这神圣的力量摧毁。这种神圣的力量来源于什么?来源于人永远战胜不了的自然力。
在拉斯维加斯的一个大赌场里养了两只白老虎,供人参观。这个白老虎养在非常壮丽的宫殿里,外面是镏金的玻璃,地下铺着大理石,里面有一个皇帝才能坐的那种镀金的汉白玉宝座,有喷泉,有非常华贵的
装饰。但是每次去看,这老虎都是病怏怏的,像一个病猫一样趴在那儿。学生物的知道,虎是猫科动物,所以当虎没有虎威的时候,它就变成猫了。它没有神气,是病态。不能够使它认同这个环境,它就失去了它的个性、天性,失去了它作为老虎的那种威风。老虎只有在丛林中飞奔、在悬崖上咆哮,在那才是虎。人也是这样。你可以看到北京新建的别墅,有多少像宫殿一样,看看北京城里住宅销售的广告,有多少在宣传这是凡尔赛宫、那是丹枫白露。这就是一种病态,病态的心理在引导大众的居住模式,导致病态的价值观、病态的生活方式。如果让人真的居住在那儿,人是要失去人性,失去天性的。所以说我们需要一个符合人性的生活空间。我并不是说要让你生活在太行山区,而是说除了生活在城市的优越的物质环境之外,你也要有一种对土地的归属和认同。
很多人可能去过九寨沟,成都到九寨沟的路上,有一段悬崖,路非常难走,经常出车祸。据说很早以前当地人说那个山像龙一样,是龙骨山,不能炸、不能动的,但公路部门就不听,非得修这条公路,结果开山以后,这地方老出车祸,死了不少人,然后当地就建了一个庙,整天祭拜,我路过的时候就发现好几辆车摔在悬崖下面。为什么呢?就是因为人们没有真正理解,这样陡的山是不能修路的,你如果顺着地形去修就不会出现这种问题,而你非要开山,抄近道,把自然的“骨头”露出来了,路就会很陡,尽管是近了,车子开得快了,事故却会更多,这是科学的解释。这归根到底是什么呢?尊重土地之神,也就是尊重自然,尊重自然原有的格局。
因此景观需要人们去呵护,去关爱,就像关爱自己和爱人;当然景观也需要人们去设计,去改造和管理,以实现人和自然的和谐。要理解景观,要阅读景观,要呵护它,要关怀它,要管理它,这就是景观设计学。所以说,景观设计学,就是土地的分析、规划、设计、改造、保护和管理的科学和艺术。它是科学,因为景观是一个系统,需要用科学的方法去理解,去分析;它又是艺术,因为它跟人发生关系,需要创造,除了科学的分析和研究,还要有人的情感,要用人的激情去创造你的生活空间,这就是一种艺术。
景观设计是科学也是艺术,那么它包括什么内容呢?
首先区域的景观设计,就是区域尺度上的,在几百、几千、上万平方公里的尺度上设计,梳理它的水系、山脉、绿地系统、交通、城市;其次是城市设计。城市需要人们去设计,它的公共空间、开放空间、绿地、水系,这些界定了城市的形态;再次,风景旅游地的规划和设计、自然地和历史文化遗产地的规划和设计;第四,自然地,如湿地、森林,也需要人们去设计;第五,综合地产的开发项目的规划和设计;第六,校园、科技园和办公园区的设计;当然还有花园、公园和绿地系统的规划和设计。你未来的归宿——坟墓,也需要设计:选择什么样的地方埋葬你的遗骨。人活着的时候需要优美健康的环境,死后也需要一个归属,跟土地发生一种关系。这些都是景观设计的范畴。景观设计就是关于景观的分析、规划布局、设计、改造、管理、保护和恢复的科学和艺术。本质上讲,景观就是土地,所以景观设计就是土地 的设计。
景观设计学是一门建立在广泛的自然科学和人文与艺术学科基础上的应用学科。北京大学研究生的专业中有这个专业方向,因为它也是法律的问题,它协调人和人的关系、人和自然的关系,这就需要法,所以有《城市规划法》《土地法》;应当认识到,美是有经济价值的,为什么香港豪宅都在山顶上?就是因为它的景观好,所以经济价值高;与信息工程也有关系,现在进行土地
分析时所用的是地理信息系统,大量应用信息技术进行地形的模拟、地表径流的分析、土地适宜性的分析,然后在科学分析的基础上进行规划,如何梳理水系,如何布局建筑、交通;与文学艺术当然就更有关系了。所以景观设计和许多专业都发生了关系。凯文?林奇曾经说,你要成为一个真正合格的景观和城市的设计师,必须学完270门课,所以说这门学科综合了大量的自然和人文科学。
天地、人、神,是景观设计的基本原则。
(1)天地:在天地中定位,认同自然过程与格局。
景观设计师的终生目标,就是实现人、建筑、城市以及人的一切活动与生命的地球和谐相处。这就是景观设计师的工作,使人生活在这块土地上具有意义,那么生活怎么会有意思呢?有两点跟土地有关系:
首先,是所谓的定位。你如何在这块土地上定位?为什么北斗星如此重要呢?为什么发明罗盘呢?就是为了让人在土地上找到自己的方向,有个方位。中国人发明罗盘,最早不是用来航海的,是用来看风水的,就是为了定位,为了在土地上找到自己的穴位,找到现实人生活的穴位以及死去后居住的墓穴。当然罗盘后来被西方人拿走了变成了航海的工具,航海也是为了定位。在大海上,在戈壁上,在森林中,你找不到自己的方位的时候,简单的说就是“迷途”,不见得是饿死、渴死,却往往因为恐惧而死。所以说要使生活具有意义首先就是要定位。人要是失去了定位就失去了意义,人就变得空虚了。
人与土地关系的第二个方面是认同。在英文中它和个性(identity)是—回事,但是在汉语中这两者却是完全相反的东西,好像你认同了—个东西就失去了自己的个性。实际上,正因为认同才有个性:认同你的父母,才使你有了像父母的个性;认同一个家族,才会发现这个家族的个性;同样,如果认同于太行山,你就会有太行山的豪爽个性;认同于江南山水,你就会有江南山水的秀气。太行山人的壮阔、粗犷,江南人的秀气,为什么人会有这样的不同?就是因为认同了自然。在新疆的草原上,唱歌的调子非常悠扬、高亢,就是因为那儿的大地非常开阔,歌声只有那样才传得远,所以就出现了那样的风格,那里人的风格,那里人的音乐,那里人的生活方式,这就是认同于自然。在江南就只能出现江南小调,如果把陕西的民歌引到江南去那就不伦不类了,因为那小山小水里头,小城镇里头,声音不用喊得很响就能够听见所以只能是非常亲切,拐弯抹角的小声音才优美。这就是认同创造了不同的个性,不同的艺术、不同的生活方式。
所以说,人生活的过程就是认同于环境、认同于自然的过程。当一个哈尼族的山寨姑娘走出她的村庄,走到城里的大街上的时候,你一眼就能看出她是哈尼族的。为什么?她带着哈尼村寨的风水,带着哈尼村寨的梯田。每个人的身上都反映了他生活空间的所有信息。所以说人跟土地、景观经过这种认同、定位发生了亲密的关系。这种关系需要得到尊重,需要设计。
所以景观设计,第一条原则就是要尊重自然,尊重天地,尊重自然的山,自然的地形地貌、自然的水。
(2)人:认识人性,尊重人。
此外景观设计还要尊重人,既然我们要建立人和土地的关系,设计就必须尊重人。
我们可以做很多实验来证明人的健康居住场所到底是什么。土拨鼠选择栖居的时候跟人类有许多共同之处,甚至比人更聪明,有人说土拨鼠建造的城市比人类建造的城市更完美:不受洪涝灾害的威胁,冬天充满了阳光,充满了温暖(simonds,1984)。为什么呢?它总是在阳坡上打洞,而且洞是先往上打,然后再往下斜着打下,所以水来了淹不到它,而且洞的前面还有溪流,水边长满谷子,有食物。同时它还要回避丛林和乱石堆。阳光、水、谷子,都好理解,就像人们想像草地上有鸭子,河里有鱼一样,人们在潜意识中就想像人们需要有这么多水和食物,来保证给养,所以,关于动物和花卉的美是从这里来的。那土拨鼠为什么要回避丛林和乱石堆呢?原来,丛林是它的天敌猫头鹰经常居住的场所,而蛇是住在乱石堆里的,那是鼠类的另一大天敌。不管有没有猫头鹰和蛇,老鼠都要回避这种景观,中间过程就忘了,最后你发现它怕的是乱石堆和丛林,有没有天敌和它关系已经不大了。
人也像土拨鼠一样,鲁滨逊流落到一个荒岛上,遇到了为自己找居住场所的问题。最后他就找到了一个地方;这个地方背靠森林,是悬崖峭壁底下的一个洞穴,面向大海,前面是一片草地,他在草地前面做了一个栏杆,这就成了最理想的“家”了。尽管后来发现在那片森林里并没有任伺食肉动物,但是他选择这个居住场所,就考虑到了这些危险,也就回到了人类原来的“家”,这个原来的“家”是洪荒时代的“家”,是几万年、几百万年之前的“家”,人类把几百万年之前的所有需求的本能都调动起来找,找到了这么一个理想的地方。
北京郊区的龙骨山上的龙骨洞里曾经住着北京人,北京人在这里居住过好几次.10万年前,50万年前都居住过。龙骨洞下面有一条河,叫做坝儿河,河边是一大片草地,这是有人考证过的。这是原始人居住的场所,和鲁滨逊选的那个一样,这样的栖居场所是最安全的,可以隔河而望。当时大概是50个人一个群体,其中大概20个男人、20个女人、10个小孩,这样的一个比例关系构成一个居住群体。男子要出去打猎,需要一个囤猎的空间,而在茫茫草原上,很难围猎,所以必须靠自然的屏障来围猎,所以当你发现盆地这种空间的
时候,就有一种安全感、美感,陶渊明描绘的桃花源就是这种空间。另外,在河南有一个小小的盆地,叫小南海,一万多年前居住过一群人,有趣的是,后来的人在原始人居住过的洞穴上面盖了一个道观,盖道观的时候道士们并不知道这里有原始人居住过,那么为什么道士选的地方和原始人类选的地方是一个场所?那是因为人类的基因是一样的,老在惦记着这个地方,这个地方是理想的,就像在冥冥之中有个人在告诉你:这个地方最好。大家都知道古代陶渊明所描绘的武陵仙境就是盆地。所以我们可以想像为什么将北京作为首都,原来几十万年前就注定了人类要选择这么好的地方:它背靠太行山、燕山。这个山脉是一直连着昆仑山的:俯瞰华北平原,这是边缘地带,符合“?t望—庇护”的需求,就是看得见别人而不被别人看见(appleton,1975)这就是人天性的反映。
除此之外,人还有领地意识。一个国家,一个民族,一个家庭,实际上就是人自己的领地,每个人都有领地。小孩就经常为课桌闹矛盾,要在课桌中间画一条线,谁都不能越过这条线,过了这条线就要发生纷争了,这和中东的巴以冲突情况是一样的,这就是人的本性。
所以,城市景观为什么最终会走向美国的郊区化,走向单家独屋?为什么领地要搞清楚,土地要私有,否则便有“公地悲剧”(hardin,1959 ),就是因为人本质上需要他的领地。另外,人还有狩猖、采集的本性,人都是猎人的后代。小孩爱爬树,女孩子爱采摘,这就是为什么女生爱穿花衣服,而且女生一般来说在一起会发出很多的声音,有说法称发出声音是为了采集时吓唬动物的(geist,1978)。而男的一般合作性比较好,一般是一群人在一起,你看经常出去酗酒闹事的都是—群人,而且都是围绕食物,可以想象当年猎获一只羊以后再去烧烤、分享猎物的情景。这时你就要选择位置坐下来。有人类学家研究过,只要五个或十来个人出去,里面必然会产生一个领袖,然后必然会产生至少一个领袖的支持者,其他人就会听他的,这也是人性,因为男的要打猎,要合作,必须有合作精神,必须有组织。女性的合作精神就差一点,她各
自采各自的,只要大家发出声音就行。这就是从人的本性来论证现在人在景观中的所有行为。
当一片空间,比如一片林子或草地,没有结构的时候,人就会有迷茫的感觉。这跟乡下人到城里的感觉是一样的。所以,人类的城市、居住环境要有一种结构。校园也是如此,要有一种非常清晰的结构,让你回想起来;我在食堂,在宿舍,在教室,要有非常好的空间关系。这种空间关系如果是符合人性的,就产生美感;如果不符合人性,景观就不能产生美感,而只能产生恐惧感。这是人性对空间的需求,这是回到生物的“人”上面来理解的。
但是,人不光是生物的人,还是一个文化的人,各个地方的人有不同的生活习惯,这是长期以来适应不同的自然条件而形成的。比如四川是天府之国,最休闲,种下去粮食肯定都有收获,旱涝保收。李冰父子修了都江堰,四川盆地从此不知道旱涝是怎么回事,所以就使得成都认非常悠闲,一天可以坐在那儿不动。耍麻将、掏耳朵是成都的特色。你再到深圳、广东,就不一样了。在北京的街上,人们就都匆匆忙忙,没有人在掏耳朵,也没有人坐在那儿休闲。广东、广西的人,是女的下地,男的在家抽烟、打麻将;北方和江南的人,是男的下地,女的在家。这是不一样的,是当地的气候条件、生活方式造成的。各地人有各地的文化、习俗,这是需要尊重的。设计要尊重人的这些生活方式。人的动物性当然是一样的,但文化和生活方式是不一样的。这是尊重人的另一个层面。
那么,如果我们的设计不尊重自然,不尊重人,就是糟糕的。哪些东西是不尊重人的呢?凡尔赛宫的广场!凡尔赛广场是为了路易十四一个人造的。故宫也是为了一个人造的,是为了当时的皇帝造的,绝对不是为老百姓造的。而我们现在有的城市广场,有时也是为了一个人造免费公文网版权所有 的,是为了市长、为了某领导造的,根本没有为普通老百姓考虑。有的广场没有一棵树遮荫,这是违背人性的。而恰恰我们现在的许多城市都在学着搞这种大广场。这种大广场是把人当成蚂蚁,缺乏人性,所以不美。
人类设计城市经历了几个阶段。最早人类是为神设计,像前一段时间展出的印加帝国,还有天坛。大家去参观的时候觉得天坛、月坛这么漂亮,这么宏伟,那不是为你设计的,是为神设计的,是为了祭天、祭神的。印加帝国的金字塔上面是要杀人的,把人杀了放在上面祭天、祭太阳神,是很残酷的。这样的景观我们现在却要去崇拜,把它当作美的东西来对待。历史我们就不说了,故事是故事,但现代人绝对不能生活在那样的空间里。我们要认识到为神设计的空间不是好的,当你看到大家都在欣赏一个地方,你要想想它到底是为谁设计的,是为老百姓还是为神。
第二个阶段是为权贵,为君主而设计。文艺复兴以后,结束了中世纪的黑暗。我们知道,在中世纪,神、宗教、教会统治了人类的生活。文艺复兴以后,解放了人,但并没有解放人权,最后是君主替代了神权来统治。法国、意大利都是这样,出现了君主、帝王,是权贵的时代,城市变成了为贵族、君主设计的了。你看巴黎的大街,这么宏伟壮观,但你要问问:它是为谁设计的?是为君主个人。凡尔赛是为帝王设计的。故宫参观一下可以,千万不要再设计这样的东西。有人要重新设计胡同给现代人居住,是荒谬的。那是封建时代的东西,所有居住在胡同里的平民百姓,都是在晨钟暮鼓的号令之下,早上8点钟起床,晚上8点钟睡觉,没有任何自由的夜生活。所以这个城市建设得这么严谨,有这么强烈的轴线,这么井井有条的院落和胡同。它是历史,是故事,可以讲,但不能居住,不要幻想我们还要回到那种地方去居住,封建君主的时代已经结束了。
第三个阶段,我们摆脱了封建贵族、君主的影响,又被工业时代的机器统治了。从20世纪50年代到20世纪70年代,甚至20世纪90年代,我们的城市基本上是为工业发展,为机器、为能源开采、为矿物开采而设计的。哪里发现了一个矿,就在旁边盖工厂,工厂旁边盖住宅,这是一个人围绕着机器的模式,最终城市变成了机器。比如城市交通,北京的五环、六环,就像机器的输油管道,汽车在里面运转,这里有个大学区,那里有个居住区,那儿有个工业用地,那儿有cbd,那儿有个公园,所有这些都成了机器的零件,城市变成了机器。当描写香港是什么时,有人说香港是高楼大厦,但能更形象地说明香港的是“管道”。所有的东西都围绕着机器被输送到各个零件,城市是没有人性的,不是为人设计的。
现在是真正应该回到城市为人设计的时代。当你看到一个城市,一个景观的时候,你就要感觉一下:这是不是为你设计的?
(3)神:设计尊重地方之“神”。
最后一点关于景观设计的原则是设计要尊重神。文艺复兴把神打倒了,神的地位降低了,但是我们现在要回过头来思考问题。马克思说,人的认识总是螺旋式上升的。我们曾经把自然打倒,现在又要尊重自然:神、土地之神、地方之神也是这样,回过头来要尊重地方之神。美国的白宫、国会大厦出现在中国的城市里,就是不尊重地方之神。在咸阳,中国第一大古都,秦始皇开始在那里建都,竟然出现了美国的白宫和国会大厦,是对土地之神的侮辱,对中国土地之神的不尊重。北京也有这种现象。整个中国的600多座城市里,有上千座来自欧洲、美国的建筑,这就是不尊重中国的土地之神的具体反映。.
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钢琴艺术伊始,国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲,并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲,简直被奉为钢琴界的神明。今天读文网小编要与大家分享的是-艺术理论论文:中国钢琴艺术发展之思考。具体内容如下,欢迎参考阅读:
中国钢琴艺术发展之思考
我国的钢琴演奏家们在汲取了西方钢琴文化艺术的精华后,结合我国民族特色文化,将中国钢琴艺术逐渐的发展起来。在这个过程中,我们可以看到钢琴文化给我们整个民族带来的变化,特别是当中国的钢琴演奏技能达到世界水平的时候,中国民族文化也在世界文化领域占据了一个重要的地位。
首先,我们能够从整体上发现中国传统的民族气息和民间特色,这是中国传统美学标准在钢琴艺术中的体现;其次,西洋乐器本身所带有的不可磨灭的印记,使得中国的钢琴艺术必须在本土的审美要求中融入能与本身印记相适应的内容,这是钢琴自身艺术特点对其要求。在中国音乐发展的漫长岁月中,随着时代社会的发展以及民族文化的不断交融发展,我国的钢琴艺术形成了能为人们所接受的特点。从西方来说,它们吸收了很多具有中国特色的积极民族精神,有着独特的美学意境和风格。但不可否认的是,中国钢琴艺术的继续发展不能秉承一成不变的美学思路,我们必须思考:在多种不同类型的文化冲击下,钢琴艺术中的美学观念会有什么样的变化?我们应当如何面对?只有回答好这两个问题,中国的钢琴艺术发展才会快速地向前发展。
中国钢琴艺术民族化特征的显现主要表现在演奏风格、钢琴曲目和文化推广三个主要方面,与欧美钢琴艺术出现了较为显著的差别,并逐步向中国式钢琴艺术过渡和演变。
1、演奏风格特征
以殷承宗的《春江花月夜》为例,该曲本是古筝曲,改编成钢琴曲后,依然不失古筝如泣如诉的悠悠之意,体现出了民族化特征。这只是一个极具代表性的例子,中国钢琴曲目大多如此,在钢琴演奏中显现出更多、更明显的中国民族艺术特征,这是五千年造就的根深蒂固的民族元素。
2、钢琴曲目特征
在诸多以民族文化特征为主的钢琴曲中,尤其以中国古代曲目和民族曲目居多,而这些钢琴曲作的出现,充分展现了中国钢琴艺术的民族风,例如黎英海的《夕阳箫鼓》、陈培勋的《平湖秋月》、刘晓耕的《撒尼幻想曲》、廖胜京的《火把节之夜》等,不胜枚举。这些中国民族与古典的融入,足以展现中国钢琴艺术的民族化特征。
3、文化推广特征
钢琴艺术伊始,国人大多推崇国外的一些钢琴名家、名曲,并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲,简直被奉为钢琴界的神明。大凡学习钢琴的学生都必须学习他们的曲目,并以能够熟练演奏这些曲目为骄傲。后来,随着国内钢琴艺术、钢琴曲创作、钢琴曲目的逐渐成熟,中国钢琴曲目也就融入钢琴学习中成为必备学习曲目。尤其是古典曲目改编出来的钢琴曲更是比较突出。随之,以中国古代曲目改编的钢琴曲成为钢琴文化推广的领头羊,并为该领域的文化推广开启了先河。
1、与民族渊源的融合
多民族文化融合的特征,就是民族渊源的融合。钢琴艺术传到中国之后,中华民族那多姿多彩的少数民族风情,为拓宽钢琴艺术题材内容提供无穷无尽的创作之源,显现了钢琴艺术与中国民族渊源的融合。另外,由于我国各民族之间的历史渊源、文化传统、生活环境、宗教信仰的不同,也为钢琴家在创作中产生了无穷无尽的灵感。
2、与民族文化的融合
经过一个世纪的发展和融合,钢琴艺术已经与中国民族文化有机地融合在一起,并且逐步演变成中国音乐大家园中的重要一员。其中以《牧童短笛》为例,该钢琴曲目是融入中国元素最多并且成名最早的。这一作品是中国老一辈音乐家贺绿汀创作的,虽然作品在刚刚创作时并没有产生很大影响,就当时而言,用钢琴曲来创作中国民族音乐是一种新的尝试,而这种尝试恰恰推动了中国民族音乐走向世界。
3、与民族乐器的融合
我国的民族乐器众多,主要包括磬、缶、铃、萧、笙、琴、瑟、古筝、琵琶、二胡、笛子等近百余种乐器。而这些乐器在实际的演奏和使用中,正逐步与钢琴较为完美地融合起来,形成了钢琴为古筝演奏、为琵琶演奏、为笛子或箫演奏的合作曲目,而且随着钢琴功能的不断开发和挖掘,现代钢琴已经能惟妙惟肖地模仿出以古琴、古筝为首的中国乐器的声音,虽然仅仅是形似而神不似,但这已经足以显现中国民族乐器与钢琴的有机融合。
例如,现代音乐家谷娜创作的《彝寨风情》中的《月下》就是用钢琴代替传统乐器葫芦丝演奏出来的。虽然钢琴相对粗犷一些,但依然以委婉的音调呈现出了彝族青年月夜相互依偎的美好场面,让人们在钢琴曲的演奏中仿佛看到彝族青年月夜的歌恋情景,这一演绎是成功且玄妙的。
现代钢琴艺术语境受不同文化、社会风俗等因素的影响,尤其是不同文化背景下的语境差异巨大。语境是听众感受钢琴艺术的重要方面,所以,应该在某种程度上顺应时代潮流,促进钢琴艺术的融合,在不同文化背景的听众之间架起一座沟通的桥梁。在当今的中国钢琴领域中,优秀的钢琴人才必将会越来越多。而优秀的、具有中国特色的钢琴曲目也会与日俱增。在这样一个竞争激烈的领域里,需要更多的专家、学者和钢琴教育工作者去共同努力、探研,从而把中国钢琴音乐推上一个又一个巅峰。
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音乐课是一门审美的课程,是实施美育的重要途径,在音乐课中融入地方戏曲教育能够让学生认识、理解家乡的本土音乐文化,提高人文素养,增强社会责任感。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:将地方婺剧艺术融入音乐课堂的尝试。具体内容如下,欢迎参考阅读:
将地方婺剧艺术融入音乐课堂的尝试
新课标中明确规定“弘扬民族音乐,应将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容,通过学习民族音乐,使学生了解和热爱祖国的音乐文化,增强民族意识和爱国情操。”浙江师范大学国际学院的民俗学教授宣炳善说:“婺剧作为一种非物质文化遗产,要想继续保存,最好的办法就是培养下一代对地方文化、本民族文化的认同和文化情感。只有增强了对地方文化、本民族文化的信心,才能拥有更宽广的文化视野。”戏曲教学能够培养学生对戏曲艺术的欣赏能力和学习兴趣,启迪学生的思维与心智,增强学生民族自豪感,培养学生爱国主义情操与民族精神。我主要从以下几个方面作了将婺剧艺术引进课堂的尝试。
京剧艺术大师梅兰芳就曾这样赞美过婺剧:“京剧的前身是徽剧,京剧要寻找自己的祖宗,看来还要到婺剧中去找。”
教师在进行婺剧教学前,必须先对婺剧要有清楚和全面的了解。所以,在课前可以多搜集一些有关婺剧的介绍资料,也可以建议学生搜集有关婺剧的资料。在课堂中,通过师生共享搜集来的资料、播放光盘、多媒体资料、欣赏婺剧片段等方式和手段让学生更多更全面地了解婺剧,并做出总结:婺剧,源于明朝中叶,迄今已有400多年历史,俗称“金华戏”,中国浙江省汉族地方戏曲的剧种之一。婺剧以金华地区为中心,流行于金华、丽水、临海、建德、衢州、淳安以及江西东北部的玉山、上饶、贵溪、鄱阳、景德镇等地,是高腔、昆腔、乱弹、徽戏、滩簧、时调六种声腔的合班,因金华古称婺州,故称婺剧。婺剧剧目丰富、传统深厚、特色浓郁、影响深远,有徽戏“活化石”之称。200年前,四大徽班进京,融二黄、西皮、昆、秦诸腔之长,衍变成了京剧。徽戏自身反而日益衰弱,甚至在其发祥地安徽,也因受到京剧倒流的影响而逐渐消失。婺剧则是徽剧早在徽班进京前向南流入的一支,是中国戏曲舞台保留徽戏剧目与资料最多、最完整的剧种之一。它拥有800多个大小剧目,3000余首曲牌。
兴趣是引领学生学习的一盏明灯,教师在40分钟内努力使学生保持高涨的兴趣定会事半功倍。本人在教学中主要尝试了以下几种教学方法和教学手段来激发学生的学习兴趣,效果良好。
1.导入方式生动活泼
由于地方戏都是运用地方方言演唱的,所以,教师在导入新课的时候,可以用金华方言跟学生进行问好、交流,使整个课堂充满了金华地方色彩,气氛也顿时活跃起来,为学生进一步学习婺剧的演唱打下基础。教师还可以利用多媒体播放婺剧片段或者自己边唱边演,将学生带入浓浓的婺剧氛围中。
2.范唱与欣赏相结合
在婺剧教唱中,教师可以发挥自己的演唱特长,给学生示范演唱和表演,特别是这种学生本身不太喜欢且又难听懂的艺术,更应采用形象、直观的教学方法,不断地吸引学生的注意力。每当教师说要给大家范唱一段时,全体学生都会报以热烈的掌声,并用期待的目光注视着教师,原本窃窃私语的课堂,会变得鸦雀无声,因此,教师的范唱能起到事倍功倍的效果。但婺剧艺术是视觉和听觉的完美结合,形象各异的脸谱、色彩斑斓的服饰、丰富多彩的道具、种类纷呈的唱腔,无不体现出婺剧艺术的魅力。因此,在教学中,应采用教师范唱与视频视听相结合,这样才能够真正让学生体会到婺剧的无穷魅力,才能使他们找到身临其境的感觉。学生对婺剧艺术如此陌生的主要原因就是很少有机会接触婺剧表演,只有走进戏院的人才能为名角喝彩、叫好!让学生真正走进戏院或许不容易,但可以在课堂上充分运用现代媒体创设舞台效果,让学生真真切切地观看、明明白白地欣赏。
3.将剧情介绍融入欣赏
如果在欣赏婺剧时,一味地让学生听,学生根本提不起兴趣来。他们会说:“太拖了,听着够累人的,听不懂,不知道在唱什么”。所以,在学生欣赏婺剧时,我采用剧情介绍跟欣赏同步进行,讲一段,听一段,边讲边听。如,婺剧《断桥》是著名剧目《白蛇传》中的一个唱段,欣赏时,可先让学生讲讲《白蛇传》中许仙和白娘子之间的爱情故事。同时,教师把这段歌词打出来,让学生一边看着歌词,一边欣赏,这样学生很快就能听明白了。然后,再把整唱段分几小段让学生来欣赏,讲一段故事,听一段唱腔,同时,可以穿插一些表演或演唱,这样,学生就不会觉得沉闷、枯燥,相反,他们觉得学习婺剧也蛮有意思,课堂上时时会发出开心的笑声。
4.将表演加入学唱过程
戏曲中的一个难题是拖腔的演唱,一字多音,半天唱不完一句。如果运用传统的听唱或视唱方法来教学,学生会觉得枯燥乏味。为了解决这一难点,我注重指导学生的学法,在学唱中加入动作表演,取得了很好的效果。如,在教学《巡营》时,可以根据不同的乐句内容,编配相应的动作、手势、眼神,这样有利于学生更快、更生动地掌握整段演唱和表演。这种边唱边表演的学唱形式,学生非常感兴趣,学习积极性也增强了,同时,也活跃了课堂气氛。
又如,在教学《僧尼会》时,因为这段戏学生相对比较熟悉,也比较容易唱,学生很快就学会了,所以,可把重点放在表演上,要求学生以小组为单位进行动作创编,通过组员合作,发挥集体的力量。然后,各小组上台进行展示,可以边唱边表演,也可以只演动作让其他学生帮唱,大家创编的动作很富有新意。这时,学生完全放开了害羞和胆怯的心理,在共同的合作下更加感受到了学习婺剧表演的乐趣。
5.将游戏教学引入课堂
婺剧走进课堂后,仅仅欣赏和演唱是完全不能满足学生需要的,教师还需努力营造愉快的氛围,开展一些具有游戏性质的艺术活动。如,在介绍婺剧的行当时,可让学生提前搜集各行当资料,了解婺剧行当主要分为生、旦、净、末、丑、这几个大类。课堂中,再结合讲解来欣赏脸谱图片,了解各行当扮相特点,最后,运用多媒体教学,给学生出示脸谱和各行当图片,让学生“找伙伴”。结果,白脸的赵高和贾似道凑在一堆,红脸的关羽和赵匡胤结成一对,黑脸的包拯和张飞找在一起,因此,在引入婺剧脸谱色彩与各行当形象、特征、性格特点之间的关系时,学生踊跃参与以及分析判断,兴趣浓厚,自然印象深刻。 6.聆听唱腔,学唱经典
戏曲的唱腔是刻画人物性格、塑造人物形象、揭示人物内心情感的主要手段。它既有口语化的叙述性唱腔,又有舒缓悠扬的抒情性唱腔,更有跌宕起伏、充满激情的戏剧性唱腔。婺剧,拥有高腔、昆腔、乱弹、徽戏、滩簧、时调六大声腔,音乐丰富、旋律优美,涌现过许多具有相当造诣的艺术家与名艺人,分别在生、旦、净、末、丑等诸行当上,根据各自的嗓音条件,摸索出其优势所在,去发展、去争取自己的观众群。在教学中,教师可以选取典型的唱腔片段让学生欣赏。如,名小生周越桂,“润唱细腻如绣花,味儿浓郁似香茶”,她那自如洒脱的演唱,堪称婺剧女小生之最;青衣刘淑贞,别具一格的低旋唱腔,轻声哼来娓娓动听、情真意切、倍加感人;婺剧表演艺术家徐汝英、郑兰香的唱腔声情并茂、委婉动听;武旦葛素云的嗓音特点与演唱风格是略带一丝鼻腔,常用滑音,显得甜美亲切,其演唱旋律呈大跳特色,节奏明快、富有弹性、顿挫有致、喷口有力,是婺剧味儿最为浓郁的演员之一;丑角徐东福、吴光煜的唱腔特点是“上下起伏犹如行云流水,说笑逗唱好似功到自来”。如上列举所述,婺剧的先辈们早早就为子孙后代奠定了生、旦、净、末、丑“五行唱调定规”,也制订了相应的声、字、腔、味、情的“五字善歌准则”,让人有规可循,有则可依。在课堂中,让学生了解婺剧各行当的发声、音色特点,学生在欣赏婺剧时,就能根据声音来辨别行当。
学生在欣赏完名家名段之后,会增强学唱经典乐段的兴趣,在学唱经典乐段时,教师要尽量进行范唱,甚至可以着戏装边演边唱。教师的范唱能使学生获得生动、具体、真实的感性认识,创造亲切的意境,从而提高学生的学习兴趣。一段好的唱腔,还必须通过恰当的唱法加以润色,才能达到悦耳感人、声情并茂的目的。婺剧演唱非常讲究吐字和归韵。如,行腔时要注意字的声调及语气,因而对吐字的出声(咬清字头)、引长(引长字腹)、归韵(收清字尾)要求颇为严格,字音还要唱得含蓄,符合人物的感情需要。例如,《三请梨花》选段《守边关》,这是剧中人物樊梨花的一个唱段,既有唱腔又有表演,学生模唱时,教师应对咬字、吐字的清晰度和音色、情感的处理等方面对学生加以启发,尽量使他们做到字正腔圆、腔随情转。学唱时,教师必须多引导学生运用恰当的演唱技巧加以润色,才能达到悦耳感人、声情并茂的目的。要让学生的学唱效果更好、课堂氛围更热烈,教师可以在教唱过程中运用前面提到的范唱与视频结合、学唱和表演结合、欣赏和剧情介绍结合、游戏法等来辅助教唱,将所有的教学方法适当地融会贯通于整堂课的教学过程。
音乐课是一门审美的课程,是实施美育的重要途径,在音乐课中融入地方戏曲教育能够让学生认识、理解家乡的本土音乐文化,提高人文素养,增强社会责任感。
如,婺剧古装戏《穆桂英》在第二场《寨上招亲》中有一段唱词“我本是边陲小族一孤女,战乱之中苦流离。蒙义父收养我疼爱无比,当总兵他戎马相携到辽西。只因为冒犯权奸罢职归里,才回到这穆柯寨上把身栖。招乡勇募庄丁为保乡里,只盼望有朝一日,重披铠甲执旌旗,横刀立马,沙场杀敌,热血染征衣。”一个因为冒犯权奸罢职归里的总兵,一个边陲小族的孤女,在深受迫害的逆境中,尚能想到国家和民族的利益,“只盼望有朝一日,重披铠甲执旌旗,横刀立马,沙场杀敌,热血染征衣。”这么崇高的爱国主义精神和伟大的民族精神,是多么值得教师去引导和教育学生的啊!
又如,《梦断婺江》是一部以太平天国农民战争为背景、以太平天国后期重要领导人之一的侍王李世贤为主角的历史剧。这样一个题材的历史剧,究竟有没有意义?能够给予观众一些什么样的启示呢?我看了以后,还是觉得自己受到触动、得到启迪。例如,人民利益是最根本的,即使是正义的斗争,如果损害了人民群众的利益,最后也会受到人民的反对。又如,在国家、民族利益面前,为了中国人的尊严,一切其他矛盾都应该放下,挺身而出。这样就应该受到人们的尊重。这些历史故事和教训都是值得让学生了解的。
再如,现代婺剧《残月》反映了某市一位局长因贪污受贿,走上违法犯罪道路的过程,揭示了腐败给党和人民的事业以及个人家庭幸福带来的严重危害,既具有反腐倡廉的教育意义,又对广大的领导干部起着深刻的警示作用,也对学生进行了一次遵纪守法的教育,感人肺腑、催人泪下、发人深省。
金华市很重视婺剧的传播和传承,婺剧团除了在外地巡回演出之外,在本地、市、区大会堂、广场等地也经常有演出,金华市教育部门也每年都组织“婺剧进校园”和“中小学婺剧表演比赛”的活动。这些演出和活动推动了群众和学校师生对婺剧的了解。本校很重视一年一度的婺剧比赛,每年都有专人组织学生成立课外婺剧兴趣小组进行训练和表演,还请了婺剧团的演员来校教授和指导,师生们积极参与教育部门组织的婺剧表演比赛,并获得了一些不错的荣誉和奖项。
民间曲艺出自民间、出自生活。教师除了在课堂上、校园里要激发学生学习婺剧的兴趣之外,还要多引导学生到生活中去寻找、探索、发现、研究婺剧,给学生自由的空间。日常生活中,在市区的广场,一些村里的祠堂、大会堂等地,经常会有婺剧团的演出。教师可以鼓励学生多去观看,并适当布置一些交流、汇报作业,比如,看完一部戏后,让学生在课堂上跟大家分享一下剧情,学唱(或哼唱)其中一个喜欢的片段或几个乐句等等。这样,既给了学生学习目标和任务,也增强了学生的表现欲,更培养了学生的表演能力。
戏曲作为一种重要而独特的艺术表现形式把它引进课堂,挖掘它的教育资源是音乐教学改革的发展趋势,是民族文化发展的迫切需要。把婺剧引入课堂,将会是培养学生传承本土文化、全面提高素质的新起点,这是一件很有意义的事,只要我们思想重视、措施实在、途径科学,戏剧的传承创新一定能梦想成真。
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艺术作品要凭借内容的美来吸引和打动人心。实际上,真正的艺术家总是在追寻孤独,就如同翟墨所讲的,“没有荒无人烟的孤岛就没有众所周知的鲁滨逊,少了孤寂的沉淀就没有美的独特发现与创造”。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:论中国当代艺术的“精神走向”。具体内容如下,欢迎参考阅读:
论中国当代艺术的“精神走向”
艺术家从本土文化土壤中汲取养分,然后完成一系列的成长与蜕变,而所有的成就都需要文化之根做支撑。艺术家离不开母体的滋养,需要以传统文化作坚实依托,这不仅是艺术家生命的归宿,而且是文化的自觉回归。
艺术大师马蒂斯对东方文明充满了无限憧憬,他的作品也表现出了东方绘画的线条律动,他的率性与纯真,散发着浓厚的东方写意气息。但是马蒂斯的根在西方,他用色彩拓展了西方野性十足的装饰画风。画家张大千通过重彩的泼墨写意,创造了有别于传统画风的全新气象,两位大师不仅有相似的愿望,而且有相遇的机缘,但是两人最终还是选择以本土文化作为自己的生命与艺术归宿。虽然艺术是不分国界的,但文化是有根的,艺术是在交融互通中得到发展的。但若是画家失去了本土文化的支撑,就很难创作出优秀的作品,与那些急功近利的艺术家相比,大师们少了些空想和浮躁,多了些沉潜与内涵,这也是为何他们总能在变幻的精神空间中始终坚持自我。
因此,中国当代艺术要在文化的冲突与交融中,在新旧的更迭与对接中,牢牢抓住传统文化的根,实现艺术观念向传统的回归。
艺术作品要凭借内容的美来吸引和打动人心。没有好的内容,形式毫无意义,同样没有好的形式,内容之美也难以彰显。没有不同的形式就不可能有独特的、个性的艺术创造。好的内容源于艺术家丰富的心灵收藏。事实上,抽象艺术并非形式与内容的完全抽象,而是以形象元素为支撑的形式抽象。所以,艺术家不仅要向大师和传统学习,而且要丰富生活体验,让心灵回归自然。
许多艺术家之所以创作不出满意的作品,主要是因为心灵收藏匮乏,没有深入自然和生活中去挖掘艺术价值。正如清初画家石涛所讲的,要“收尽奇峰打草稿”。万事万物都有其灵性所在,我们疏远自然,自会被自然抛弃,古今中外的伟大艺术家,无一不深深热爱着大自然,并将大自然作为最大的灵感源泉和素材宝库。
有些艺术家的作品之所以感人至深,是因为作品中蕴含着生活的美和对人性的思考,是源于生活却高于生活的一种精神创造与艺术升华。可以说,那些远离自然与生活的艺术家,是很难形成深刻的生命感受的,也就很难创造出优秀的作品。从马蒂斯到毕加索,从古典主义到后现代主义,大自然一直是艺术家创作的根底。但我们必须自觉于传统,回归于自然,学会从自然和生活中创造艺术。
正如画家米罗所讲,回归大地能让我们飞得更高。而米罗就是那个回归大地的人,他创造的充满童话色彩的世界,就是源于其西班牙文化血统中富于幻想、思维敏感、表现力强的传统。不难发现,艺术的生命需要在时间的洗礼下才能焕发新彩,艺术家脱胎于传统,心灵回归于自然,是一种生命经历的深刻反映,优秀的艺术作品从来都不是无源之水、无本之木,若是少了传统文化与自然生活的支撑,艺术世界只能是不切实际的乌托邦。
真正的艺术经得起历史的淘汰,当艺术成为艺术家甘愿为之牺牲的信仰时,它的价值才是永恒的。没有思想内涵的艺术品就如同没有灵魂的空壳,是无法存活下去的。艺术大师们通常都是孤独的,只有处于孤独状态才能静下心来看,才能独立思考,才能展开创造。孤独产生的巨大能量,会让艺术家的思维变得更加活跃和清晰,掌控力和行动力也将更强。纯真是一种非常难以企及的境界,人类自古至今,创造的活力源于情感,不管是激情、悲情或狂喜,经典的艺术作品总能以情感人、以情动人,不管是绘画、音乐、舞蹈或文学,都是人类不可或缺的精神食粮,若是人类毫无情感,那么艺术也没有了存在的必要。
实际上,真正的艺术家总是在追寻孤独,就如同翟墨所讲的,“没有荒无人烟的孤岛就没有众所周知的鲁滨逊,少了孤寂的沉淀就没有美的独特发现与创造”。可以说,艺术家只有沉下心来,客观审视自我,远离世俗纷扰,以孤独而超然的心回归自然,回归本我,才能明白我们只是大自然的一种存在,才能找到生命的本源,并彻底激发自我的创造能力。因此,艺术家不仅要以饱满的情感进行艺术创造,而且要以理性态度客观审视自然与自我,实现理性的回归。
总而言之,中国当代艺术要在观念上回归传统,在心灵上回归自然,在信仰上回归理性,找到真正的时代出路,推动自身可持续发展。
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俗话说:唱歌的过程就是把自身变为一件乐器和如何使用这件乐器的过程。因此,要拥有良好的歌唱乐器,首先要有健康的身体和良好的精神状态。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:声乐艺术表现的灵魂。具体内容如下,欢迎参考阅读:
声乐艺术表现的灵魂
古人云:"乐者,音之所由生也,其本在人心之感于物也。是故其哀心感者,其声噍以杀;其乐心感者,其声??以缓;其喜心感者,其声发以散;其怒心感者,其声粗以厉;其敬心感者,其声直以廉;其爱心感者,其声和以柔。"在我国,早在两千多年以前,《乐记》就已经提出"凡音之起,由人心生也"的看法,并描述了音乐是以怎样不同的声音表达出哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等六种的不同心情。"情以物兴","物以情观"准确地说明了情感是人对客观事物与人的需求之间所存在的关系的反映,即人对客观事物是否符合人的需要而产生的体验。《诗大序》说:"诗者,志之所之也,在心为志,发言为诗。情动于中而形于言。言之不足,故嗟叹之;嗟叹之不足,故咏歌之;咏歌之不足,不知手之舞之,足之蹈之也。"《乐记》说:"感于物而动,故形于声。"这都是着重指出了诗、乐、舞创作中的情感的特点和作用,同时也指出了表现于艺术创作中的情感来源于客观现实的,是由一定的审美对象引起的。
在西方,早在古希腊时期,亚里斯多德就把人与音乐的感情生活联系起来,认为乐调能反映出愤怒和温和、勇敢和节制以及一切互相对立的品质和其他的性情。波兰音乐学家丽莎认为: "音乐的内容是感情,而很少是唤起这些感情的那些现象本身。"苏联音乐学家万斯洛夫说;"音乐是一切艺术中最接近抒情的,"并认为:"承认感情在音乐中的特别重要的作用,这是意味着,同其他艺术相比,音乐在表现现实的全部多样性,首先是通过感情的表现。"
在我国当代音乐美学研究中,也普遍认为音乐是一种表现情感的艺术。赵宋光在《论音乐的形象性》一文中说:"音乐则是重表情的,主要是通过表达情感来使人联想起那些曾引起类似情感反映的许多对象和情景,而以摹拟因素为辅助。"因此,我们认为提出"音乐是表现感情的艺术"或"音乐主要是表现情感的艺术",应该说是抓住了音乐表现内容最主要、最核心的东西。总之,音乐是一种善于表现人对现实生活的心理感受,尤其是情感态度的艺术。
歌唱艺术即我们所说的声乐艺术,他是由音乐与诗、词相结合的综合艺术,具有声和诗、词两者共有的艺术功能。情感表现则恰恰是它们共同具有的显著特征,从而使表情成为声乐艺术的主要表现功能之一。声乐艺术的表情有"三情"即诗情、曲情、声情。这"三情"所形成的整体情感,都要通过最后的声情来加以体现,声情是音乐艺术整体情感再现的核心环节,它是集多重主观情感于一身的重要载体。正如车尔尼雪夫斯基所认为的:"歌唱是情感的产物",是"情感要求表现"的。故而,歌唱者的声情应该由取自作品本身的客观情感和来自自身能动的创造情感两个部分构成。
欲把声乐艺术作品中的声情准确地表达出来,作为一个优秀的歌者应该具备以下三个条件:
3.1 善用脑。
要善于思考问题、分析问题、有正确的思想方法,有观察事物、分析事物、理解事物的能力。对歌曲所反映的生活、内容能够通晓,认识上有一个深度。作为学生,对老师所提出的要求能够理解;对自己唱法上的问题能够明确;能够有效地把握练习的方法,不断地提高歌唱能力。对自己的歌唱做到心中有数,有"自知之明",有独到见解和创造性,这是发展歌唱能力的主导力量。在歌唱中要善于用脑,培养敏锐的观察力,学会辨证地看问题,提高分析问题解决问题的能力,这个问题对歌唱艺术非常重要,不能忽略。
3.2 善用心。
音乐是表演艺术,一个歌者需要有分析、理解作品内容和体验作品感情的能力,并且会用歌声去表达作品的内容、思想感情,这是歌唱者应当具备的表现能力。歌唱的表现能力是多种智慧、能力的综合:
(1)对音乐作品中所反映的生活及人物的思想感情、神态和事物的内涵有观察、分析、理解能力;
(2)对音乐语言、音乐表现手段所表现的感情有感受、体验和认识能力;
(3)善于运用歌唱的技能技巧,把所理解的内容、感受的情感用歌声表现出来的表达能力。如果歌唱者没有分析、理解、感受、表达歌曲的能力,纵然有好嗓子,却因唱出来的歌很平淡、少激情,虽背的很熟,就是不感人,也就达不到歌唱艺术的目的和要求。因此,歌唱者要善于感受、体验歌曲的情感,领悟其内涵,用歌唱技能、技巧把它表现出来,这是使歌唱富有艺术,表现力的非常重要的方面。
3.3 善修身。
俗话说:唱歌的过程就是把自身变为一件乐器和如何使用这件乐器的过程。因此,要拥有良好的歌唱乐器,首先要有健康的身体和良好的精神状态。要用歌唱乐器来唱歌,就要学会重新制造它、调理它、使用它、爱护它,要能够充分发挥自己歌唱乐器的最好功能,保持它持久耐用,唱得动听、感人,这就要学习正确的歌唱方法,掌握适合自己嗓音条件的歌唱技术。否则,即使你有好的嗓音本钱,好的歌唱乐器,没有好的歌唱方法,你的好的嗓音本身得不到正常发挥,就可能被损伤或被埋没掉。所以歌唱者不仅要有良好的声音素质,还需要学习正确的歌唱方法,掌握适合自己嗓音条件的歌唱技术和适合自己实际情况的歌唱训练过程,这样的歌唱训练过程,是对歌唱乐器的制作、调理和再整顿的过程。一个好的歌者必须具备上述三个条件,三者要协调发展互相促进,缺一不可。
综上所述,我们可以看出情感是歌唱艺术的灵魂。歌者要想演唱好一首声乐作品,需要通过歌者运用高超的演唱技巧、发挥丰富的想象力、然后协调自身的音乐修养、文化修养以及生活阅历,在运用恰如其分的眼神、表情、形体动作等,将自己全身心地融入到声乐作品所表达的感情中去。只有这样才能让听众接受歌者演唱的声乐作品,也只有这样才能使听众产生情感共鸣。可见,歌唱艺术最重要的因素就是"情感"。匈牙利音乐家柯达伊说过:"艺术的精髓并不是技术,而是心灵,一旦心灵可以毫无障碍的自由表达,便能创造出完美的音乐艺术效果。"音乐是情感的艺术,著名音乐评论家李凌曾经说过:"我们永远不要忘记,唱歌就是唱情,声音只是一个工具。"
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照梁初有情, 出水旧知名。裙衩芙蓉小, 钗茸翡翠轻。锦长书郑重,局细恨分明。莫近弹棋局,中心最不平。李商隐的诗其所以具有感伤情调、朦胧意境、表现其内心复杂的情绪,这与他一生的经历息息相关。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:论李商隐爱情诗的艺术魅力。具体内容如下,欢迎参考阅读:
论李商隐爱情诗的艺术魅力
李商隐作为晚唐的著名诗人,爱情诗在其整个诗歌创作中占据了相当重要的地位。他的爱情诗就犹似唐代万紫千红诗苑中一朵晚开的奇葩,以它无比的艺术魅力为千百年来的读者所倾倒。尽管我们并不能完全识透他诗句的含意,但仍非常喜欢它,觉得它很美。
李商隐的爱情诗十分注重创造一种怅惘迷离、冷峻含蓄的朦胧意境。诗意含而不现, 蕴意深广, 从而引发读者无尽遐想,千回百转,回味无穷。尤其是他独创的“无题”诗或类似的诗篇, 寄托深邃高远, 情致缠绵悱恻, 篇章华丽细密, 大都具有朦胧的意境。
如“蓬山此去无多路,青鸟殷勤为探看”(《无题?相见时难别亦难》),“蓬山”是神话传说中的一座仙山,“青鸟”是西王母的使者,这里即以蓬山为对方居处的象征,而以青鸟作为抒情主人公的使者出现。此情此景,前途渺茫,与爱人会合无期,蓬山万里,青鸟难凭,但仍寄希望于使者――然而也深知这不过是无望中的希望罢了。诗句就这样笼罩在一片迷离的色彩中,令人怅然若失,又凭空增添了几分神秘和朦胧。
又如《无题四首》之一:
来是空言去绝踪,月斜楼上五更钟。梦为远别啼难唤,书被催成墨未浓。蜡照半笼金翡翠,麝熏微度绣芙蓉。刘郎已恨蓬山远,更隔蓬山一万重。
诗中抒发一位男子对身处天涯海角的情人的思念之情。首联说来已属空言,一去又成绝踪,待至梦醒后,已是月光斜照,五更钟鸣了。远别经年,会合无缘,夜来入梦,两人忽得相见,一觉醒来,却踪迹杳然。但见朦胧斜月空照楼阁,远处传来悠长而凄清的晓钟声。梦醒后的空寂更证实了梦境的虚幻。这里作者渲染出朦胧的意境,为主人公制造一种怀人思远空寂孤清的氛围。接着写他追忆梦中的情景,啼哭难唤,梦醒后在强烈思念之情驱使下奋笔疾书的当时,是不会注意到墨的浓淡的,只见烛光半笼,室内若明若暗,恍然犹在梦中;麝香微淡,使人疑心爱人真的来过这里,还留下依稀的余香,上句是以实境为梦境,下句是疑梦境为实境,写恍惚迷离中一时的错觉与幻觉极为生动传神。全篇围绕“梦”来写离别之恨。先从梦醒时情景写起,然后将梦中与梦后、实境与幻觉来糅合在一起,创造出疑梦疑真、亦梦亦真的艺术境界,最后才点明蓬山万重的阻隔之恨,与首句遥相呼应。这样的艺术构思,曲折突跌宕,有力地突出爱情阻隔的主题和梦幻式的心理氛围,使全诗充满朦胧恍惚的情怀。
李商隐的诗其所以具有感伤情调、朦胧意境、表现其内心复杂的情绪,这与他一生的经历息息相关。
李商隐生活在晚唐动荡不安、烽火弥漫的乱世。他出生于没落士大夫家庭,少年寒微。李商隐在仕途上经历坎坷,他的感情婚姻生活也非常不幸,他一生的遭际,扑朔迷离,如梦似幻,政治上的挫折,使他欲回天地之志而成虚;爱情上的追求,又总是“一寸相思一寸灰”;昔日昵交密友,旋即摧抑自己的势力;相濡以沫的妻子,又在盛年奄然去世。这一切使他常常被一种感伤、抑郁的情绪纠结包裹,这种感情基调影响了他的审美情趣。
特别是他的无题诗(包括一些以篇首二字为题者),有些是单纯的爱情诗, 有些则是托美人、香草以寄寓个人遭遇, 使它具有了双重内涵, 有了更普遍的意义。这些诗体现了诗人对爱情、对事业、对人生的执著追求, 具有震撼人心的美感力量, 从而激起无数读者的共鸣。对此, 李商隐自己在《有感》诗中曾说:“非关宋玉有微辞、却是襄王梦觉迟。一自高唐赋成后, 楚天云雨尽堪疑。”即是说他写过以微词寄意的作品,也写有只写男女之情并无寓意的作品。冯浩在《玉溪生诗笺注》中也说:“自来解无题诸诗者,或谓其皆属寓言, 或谓其尽赋本事,各有偏见,互持莫决。余细读全集,乃知实有寄托者多,直作艳情者少。夹杂不分,令人迷乱耳。”冯浩的意见是正确的,对李商隐无题诗中的两种情况要作具体分析,不能以偏概全,一概而论。
李商隐原本是有“欲回天地”的远大抱负,他关心政治,想挽救国家的颓局,无奈晚唐社会政治黑暗,加之宦官专权、朋党相争, 致使他没有干预朝政的条件,且成了牛李党争的牺牲品。理想与现实、希望与失望,形成了他内心的矛盾。时代的悲剧造成了他个人的悲剧,从而形成了他的抑郁心理。他的希望与追求、他的失望与悲哀, 便在爱情的描写中表现出来, 使爱情的歌唱与人生的感怀融成了一片,从相思的痛苦中透露出个人遭际的苦闷心声, 这就是写爱情诗有政治寄托的原因。试看他的《无题》(照梁初有情):
照梁初有情, 出水旧知名。裙衩芙蓉小, 钗茸翡翠轻。锦长书郑重,局细恨分明。莫近弹棋局,中心最不平。
冯浩说这首诗是“寄内诗。盖初婚后应鸿博不中, 闺人为之不平,有书寄慰”,似觉附会。但纵观全诗, 绝不仅仅是写一个女子对失去爱情的怨恨, 实在是含有诗人怀才不遇的感慨。她的“有情”、“ 知名”, 喻诗人早年成名和对理想的向往;少女的美丽容质,喻诗人的出众才华;女子多次寄书达情, 但不被看重,她的失恋,喻诗人政治上的失意。他多次上书令狐?, 希求援引, 但终成泡影。最后从突凸的棋盘, 联想到政治斗争中的波折,感到自己就是政治棋盘上一颗随时会被吃掉的小卒, 强烈地抒发了心中的不平之气。他的《无题四首》中“ 何处哀筝” 一首寄意也很明显:
何处哀筝随急管, 樱花永巷垂杨岸。东家老女嫁不售, 白日当天三月半。溧阳公主年十四,清明暖后同墙看。归来展转到五更,梁间燕子闻长叹。
诗歌先从暮春三月美好的环境写起, 这时阳光明媚, 樱花盛开, 垂杨轻拂, 筝管相逐, 乐声悠扬。在这良辰美景之中, 贵族女子纵情赏游,及时行乐;而贫寒女子却无媒难嫁,自伤迟暮。这阳春三月、芳华将逝的情景, 丝管竞逐、赏心乐事的场面, 贵家女子得意美满的生活, 越发触动了贫家女身世孤独之感, 增添了内心的苦闷和哀怨, 故归来后“展转到五更”,为自己的朱颜薄命而感叹。在这幅对比鲜明的艺术画面中,更加突出了寒士的落拓不遇和显贵子弟的仕宦得意, 寄寓了诗人在政治上怀才不遇的感慨。对此, 清代薛雪在《一瓢诗话》中说:“此是一副不遇血泪, 双手掬出,何尝是艳作。” 一语道破真谛。 李商隐爱情诗中的诸多名句, 如“刘郎已恨蓬山远, 更隔蓬山一万重”、“ 此情可待成追忆,只是当时已惘然”、“ 直道相思了无益, 未妨惆怅是轻狂”、“春心莫共花争发, 一寸相思一寸灰”、“晓镜但愁云鬓改, 夜吟应觉月光寒” 、“ 嫦娥应悔偷灵药, 碧海青天夜夜心” 等等, 似对爱情充满无限痴迷, 又似对个人不幸遭际的沉痛倾诉, 从而使诗句具有了丰富的内涵。正是这种超越字句本身的深刻内涵,才使带有不同感情的读者有了各自的认同。“ 一千个读者心中有一千个哈姆雷特”,情人必定认为是写情,政治家必定认为是寄意, 从而使李商隐的爱情诗获得了如此永久的魅力。
李商隐爱情诗千百年来赢得无数读者的喜爱, 除其内容之外, 还在于他那富有个性特征的高度的艺术技巧。
李商隐写爱情诗,往往略去爱情生活的外在方面,如人物的外貌、恋爱中的情事等,而侧重描写人物的内心活动, 如人物内心深处的思念、追求和离别的痛苦、希望、失望以至绝望等复杂情感, 从而充分展示人物复杂的内心活动。如著名的《无题二首》之一的“ 昨夜星辰”:
昨夜星辰昨夜风, 画楼西畔桂堂东。身无彩凤双飞翼, 心有灵犀一点通。隔座送钩春酒暖, 分曹射覆蜡灯红。嗟余听鼓应官去, 走马兰台类转蓬。
首联由今宵之景触发对昨夜席间欢聚时光的美好回忆。在这个星光闪烁、和风习习的春夜里,空气中弥漫着令人沉醉的幽香,一切似乎都与昨晚在贵家后堂宴饮时的景况相同,而席间与意中人相遇的那一幕却只能成为难以重现的回忆了。诗人并未直接叙写昨夜的情事,而是借助于星辰好风、画楼桂堂等外部景物的映衬,烘托出昨夜柔美旖旎的环境气氛,语句华美流转,富于唱叹的情致,将读者带入温馨浪漫的回忆中。颔联抒写今夕对意中人的思念。自己此刻虽然没有彩凤般的双翅,得以飞越重重阻碍与意中人相会,但相信彼此的眷恋之心当如灵异的犀角暗中相通。“身无”、“心有”,一退一进,相互映照,是间隔中的契合与沟通,怅惘中的喜悦与慰藉,表现了诗人对这段美好情缘的珍视和自信。两句比喻新奇贴切,剖划深刻细致,展示了诗人抒写微妙矛盾的心理感受的高超才力。
颈联具体追忆昨夜与意中人共预盛会的场景,而诗人此际落寞抑郁情怀自在言外矣。诗人回想昨晚宴席之间,灯红酒暖,觥筹交错,藏钩射覆,笑语喧阗,场面是何等热烈醉人啊。“春酒暖”和“蜡灯红”,不但传神地刻画出宴会间热烈融洽的欢乐气氛,也使读者联想到烛光掩映下女子的红晕面颊,彼此的目成心会已不言自明,真是酒不醉人人自醉啊。
尾联回忆今晨离席应差时的情景和感慨。昨夕的欢宴彻夜到晓,楼内笙歌未歇,楼外鼓声已响,诗人自叹像随风飘转的蓬草,身不由己,不得不去秘书省应差,开始了又一天寂寞无聊的校书生涯,而与席上的意中人则后会难期了。岂独相思苦,长叹业未成。恋情阻隔的怅惘与身世沉沦的感叹交汇于诗人胸中,使此诗的内涵和意蕴得到了扩大和深化,在绮丽流动的风格中有着沉郁悲慨的自伤意味。诗中并没有具体描绘恋人形体、外貌、服饰等人物形象,也没有写人物相见和分别时的情事活动,而是运用各种艺术手法,写出热恋中人复杂的心理活动, 表达出真挚缠绵的爱情。
李商隐极善于运用象征手法来渲染一种迷离的意境,用移情于景的方法表达对爱情的追求。这样的艺术效果和那些艳体诗把恋爱情事做直露的琐屑描绘相比,自然品位更高, 也就更耐人寻味。如《如有》一诗:
如有瑶台客,相难复索归。芭蕉开绿扇,菡萏荐红衣。浦外传光远,烟中结响徽。良宵一寸艳,回首是垂帷。
首联诗人以神女喻所恋之人,仿佛如在,他们相亲之后又旋即离去。额联写送处之所见,作者驰骋想象,仿佛相送于芭蕉碧绿、荷花艳红之地。颈联用《洛神赋》与《神女赋》中的神女喻幻觉中的恋人愈去愈远, 以至于朦胧渺茫。尾联言良宵美好, 但稍纵即逝, 现实是深夜独坐, 回首依然垂筛。诗人情之所注何在?系念之人为谁?诗中没有交代,他只是运用神话传说,运用典故和象征手法勾勒出一个朦胧而又“余味曲包”的意境, 表现出诗人深藏于心间的强烈而又执著的恋情。唯其意境朦胧,就越包含着各种各样的象征和暗示,就越给读者留下了广阔的想象天地。
纵观李商隐的爱情诗,借助象征手法创造的朦胧意境比比皆是:恋人的容光绝艳和居处难窥,通过天尊楼阁中缥缈高远的意境来表现;悼亡的情怀和羁栖的寒峭, 融到银河吹笙、风帘残烛的倘恍境界;恋人的负约而走所引起的惆怅, 借助嫦娥神话来点染。这样的艺术手法, 虽受《楚辞》的影响, 但更主要的是李商隐的一种艺术追求与创造。
比兴、象征是我国古代诗歌惯用的创作手法, 能够起到生动形象而又含蓄隐晦地表达主题的作用。李商隐的爱情诗正是大量运用了此手法, 来寄寓诗人的美好爱情。如“春蚕到死丝方尽, 蜡炬成灰泪始干”, 比喻对所爱者至死不渝的挚爱真情, 以及终生不已的别离之恨。在这里, 烛泪难止, 蚕丝不尽, 既有比喻之义, 也有象征之义。又如“身无彩凤双飞翼, 心有灵犀一点通”, 彩凤比翼双飞, 象征美满的爱情, 用“身无彩凤双飞翼”来暗喻爱情的阻隔, 而用“心有灵犀一点通”来比喻相近的双方心灵的相通, 这也是诗人独特的风格和巧妙的构思。比兴、象征手法的广泛运用, 增强了诗歌内容的蕴涵和诗歌意象的暗示性, 也增强了诗歌的耐读性。
广采神话传说入诗,惯于用典,这是李商隐诗歌又一个非常突出的特色。神话充满虚幻与奇思异想, 再加上李商隐隐晦的感情, 更增加了诗的迷离特色, 如《重过圣女祠》、《银河吹笙》等。而那首《锦瑟》的用典尤其叫人拍案叫绝:
锦瑟无端五十弦, 一弦一柱思华年。庄生晓梦迷蝴蝶, 望帝春心托杜鹃。沧海明月珠有泪, 蓝田日暖玉生烟。此情可待成追忆,只是当时已惘然。
中间四句各用了一个典故: 第三句用《庄子?齐物论》中庄生梦蝶的故事, 呈现出人生的恍惚迷惘;第四句用《华阳国志》中蜀王望帝化为杜鹃,每到春天便悲啼不止直至出血的故事,包含了一种苦苦追寻而又毫无结果的悲哀;第五句用《博物志》里海中鲛人泣泪成珠的故事, 感伤意味浓厚;“蓝田日暖”、“良玉生烟”, 虽不知出自何典, 也是着意形容一种可望而不可即的朦胧虚幻美景。这样, 四句中四个典故便传达了迷惘、悲哀、伤感、虚幻的情绪体验, 并与开头两句“锦瑟无端五十弦, 一弦一柱思华年”中的“无端”,末尾两句“此情可待成追忆,只是当时已惘然”中的“惘然”交相映衬。
李商隐用典,显然是经过精心选择,所以能用得恰到好处,有如神来之笔。有学者评价李商隐的爱情诗是“摆脱了当时写闺阁生活的庸俗情调,写出了在感情领域里对女性倾心悦慕而又寻求理解的爱, 表达了他们热烈执著的精神追求”。李商隐流传于世的很多都是他的爱情诗, 或者具体地说是失意的爱情诗, 这和他失意沉沦的身世遭遇不无关系。他的爱情诗, 色彩斑斓、情思婉转、意境迷离、寄意深微、诗意隽永、耐人吟诵, 是对诗歌题材的创造性发展, 也预示了晚唐以后文人走向内省, 重视观照心态的新趋势, 同时又在一定的思想和艺术高度上架起了诗通向词的桥梁。这些深情绵邈的诗歌放射出璀璨的光芒, 在中国古典爱情文学史上占据着重要的地位, 是值得后来人关注和深究的。
综上所述, 李商隐特殊的经历成就了他诗歌创作独特的艺术魅力。他把爱情诗写得深邃朦胧,含蓄隽永,感情真挚、情调缠绵、风格独特。这跟他深厚的诗歌素养和高超的艺术造诣分不开。他用诗歌来形象比喻自己人生经历,用一种美好情感的毁灭来展示现实中的悲剧,这既是李商隐对人世间诸多美好事物的不幸命运的概括,更是诗人自身一生美好精神追求惨遭打击的深远寄托。
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插画在中国被人们俗称为插图。今天通行于国外市场的商业插画包括出版物配图、卡通吉祥物、影视海报、游戏人物设定及游戏内置的美术场景设计、广告、漫画、绘本、贺卡、挂历、装饰画、包装等多种形式。延伸到现在的网络及手机平台上的虚拟物品及相关视觉应用等……以下是读文网小编今天为大家精心准备的:论数字插画艺术理论研究的意义与必要性相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:数字插画作为一种新兴的数字媒体艺术形式,相对于技术应用成果而言,其美学价值尚未得到艺术理论界的重视与研究,本文试从新媒体艺术理论研究、创意产业发展、绘画创作实践、人才培养四个方面探讨数字插画艺术理论研究的意义与必要性,并探讨了数字插画美学理论研究的主要框架与内容。
关键词:数字插画;理论研究;意义
数字插画(也称CG插画)是近十年出现的数字媒体艺术形式,伴随着数字媒体技术的发展而逐渐成熟,广泛运用于影视动画概念设计、游戏美术、插画设计等领域。大众在消费杂志和欣赏商业影视作品的同时,间接或直接欣赏插图就成为一种必然行为。作为一种文化产品,数字绘画作品营造的唯美、绚丽、奇幻的艺术氛围通过游戏、电影、动漫影响着当代人的审美观念。然而,作为新兴画种,数字插画自诞生之日起即被定位为商业美术,其艺术价值也未得到学者的足够关注,这在当今数字媒体艺术人才培养方兴未艾的大背景下不能不说是一个遗憾。
1.1 国内的研究情况
在国内,对于数字插画的理论研究成果主要集中在软硬件技术、商业应用、教学研究,或者关联领域研究,如王选遥《论电影画面的灵魂――概念艺术》、赵小林《数码绘画与设计艺术专业基础教学》等;从美学角度探索数字绘画艺术理论的论文,在“中国知网”以变换关键词组合的方式进行搜索,可见数篇,包括赵忠波《浅析超现实主义绘画对现代数字绘画的影响》、许超《后现代视野下CG插画设计的美学特征探微》。这些研究成果在一定程度上代表了当前国内数字插画艺术理论研究现状,总体而言研究的成果有待进一步丰富和系统化。
1.2 欧美等国的研究情况
在美国,以出版物为服务对象现代插画的发展已经超过百年,形成了非常深厚的文化土壤。繁荣的出版业造就了一大批技法成熟、风格多元的插画大师。近20年来,作为数字技术革命的策源地,美国的数字娱乐产业异常繁荣,很多从事传统插画创作的画家成功转型为概念设计师,使用数码绘图工具,为电影、游戏和动漫业服务,数字插画由此应运而生。不过数字插画师的成就也一直不为主流艺术承认,其原因同样源自艺术界对商业美术的某种长期的“歧视”。在西方的数字艺术行业内,有关数字绘画的研究基本集中在视觉特效软硬件开发使用、表现技法、商业应用等实用性、技术性领域,鲜见数字插画艺术理论的研究成果。这一点,从历年的“ACM SIGGRAPH”会议所发表论文的主题与会议日程安排可见一斑。
2.1 为国内新媒体艺术理论研究拓展新的视角
目前,有关新媒体艺术美学理论研究的成果多集中在新媒体自身特性带来的审美异化,如虚拟性、交互性、技术性等,以及由此产生的新媒体与创作者的关系、创作者与观众之间的关系、新媒体对创作观念的变革等一系列问题。例如,刘自力《新媒体带来的美学思考》、刘佳《新媒体艺术的交互性带来的美学思考》等等。这些研究,从宏观的角度,阐述了新媒体艺术审美在文化学、心理学、社会学乃至哲学层面的意义。这样的视角,固然能够从整体上把握新媒体艺术的基本特征,但是限于一些研究者的专业背景,仍缺少对新媒体艺术中某些具体领域的研究。此外,需要指出的是,在新媒体艺术这个大的范畴中,实验艺术、装置艺术这类的当代“纯”艺术活动与游戏动漫设计、电影美术等商业艺术仍然是有本质性的区别的,所以,针对数字插画美学理论展开研究,对于充实国内数字媒体艺术研究的美学理论体系具有十分重要的意义。
2.2 数字插画创作需要艺术理论指导
由于数字插画是商业美术,一直以来被视为流行文化,其价值得不到主流艺术界的认同。以网络相册为平台,优秀的插画作品甚至可以赢得千万次的点击率,却很难进入到画廊、艺术馆中与传统画种获得并列展出的机会。数字绘画在主流美术界的“空缺”,使其缺乏专业而系统的评价体系、科学而规范的教育方法以及艺术投资人。这些都制约着中国数字绘画艺术品质的进一步提升。因此,展开数字插画的艺术理论研究,挖掘其文化价值、厘清风格流派、完善评论体系,将数字插画研究学术化、正规化,一定程度上可提高数字插画在主流美术界的知名度和影响力,这些都能更好地激励数字插画从业者的创作热情,对于提高数字绘画的整体创作水平、挖掘艺术价值是非常必要的。
3.1 利于构建更加科学的数字插画人才培养体系
目前,国内大专院校的数字插画教育大多处于初创阶段,师资力量和教材建设均比较薄弱。当前人才的培养主要由企业和社会机构承担,但在培养方式上往往注重技巧训练、追求画面的外在效果,较为忽视绘画创作的文化艺术性,不利于数字插画人才的良性发展。事实上,在欧美等国,数字插画师(概念设计师)基本出自艺术设计类院校的相关专业,需要系统学习解剖、架上绘画、艺术史、数字图形图像学等课程,企业培训只是培养实践经验的手段,学院教育才是主流。构建科学的数字插画人才培养体系,需要相关的艺术理论研究成果为依托,完善教材建设、丰富理论教学内容。
3.2 利于促进动漫游戏产业的原创力提升
自从2006年国务院发布《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》以来,我国的创意产业得到了长足的发展,动漫、游戏产业的原创能力不断得以加强。很多项目开始借鉴国外同行业经验,更加注重前期的概念设计的投入力度,推出了一批有分量的游戏作品。例如,腾讯游戏开发的网络游戏《斗战神》。该作的前期概念设定由国内一线的游戏美术师合力完成,人物造型夸张玄奇却不失中国神话人物的特征,场景华丽宏大,且充满东方色彩,充分展现出数字插画的视觉创造力和奇幻文化的魅力。
然而,对于中国创意产业整体而言,高质量的作品和优秀的概念设计师仍然数量稀少,数字插画师的绘画水平良莠不齐。拙劣的模仿和照抄,贫弱的造型与滥俗画风依旧充斥着中国的动漫游戏市场。建立数字插画艺术理论体系,特别是文化研究和批评研究,有助于指导插画师的创作,推动当前数字绘画创作者对艺术品质的自发追求,转变成自觉的要求。
本文的重点在于研究数字插画艺术性,因而笔者认为可参照传统绘画研究的方式构建数字插画的理论研究框架,内容包括: (1)数字插画史论、人物及作品研究。 (2)数字插画文化研究。 (3)传统绘画与数字插画比较研究。 (4)数字插画批评研究。 (5)数字插画创作研究。
设计艺术史论家王受之先生在其所著《美国插画史》中评价了美国主流艺术界对插画艺术的态度,他指出“插图之所以不被主流艺术承认,无非是它的明确的商业性质,然而仅仅用商业属性作为口实,忽略插图的艺术性,实在是过分”。中国数字插画今天所面临的尴尬局面并不比传统插画有所改善,所以,对数字插画艺术理论的研究,无论对于中国的新媒体艺术理论研究、创意产业发展还是对于数字插画创作而言,都是有十分重要的意义的,本文的目的也在于此。
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马克思的“艺术生产论”有多重意义。第一种意义是把物质生产与精神生产的艺术生产相比较,并不专指某一特定历史时期的艺术现象;第二种意义是指实际的创作过程;第三种意义专指在资本发展时期,一切艺术生产是为资本创造价值,一切艺术品都具有商品的属性。我们一般主要从第一种意义和第三种意义上来理解马克思的“艺术生产论”。也就是说:文学艺术并非孤立的存在,我们必须从社会物质生产和精神生产的实践中,从生产、消费、分配、交换的关系中,才可能获得对文学艺术的最终解释。以下是读文网小编今天要与大家分享的是:从马克思主义艺术生产理论看艺术设计相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:马克思艺术生产理论把艺术生产归纳为一般的生产物质产品的劳动,主张艺术的本质是一种特殊的精神生产,揭示了艺术的起源和艺术的发展以及艺术的性质和艺术的特点,并集中研究了艺术生产的生产力与生产关系之间的关系。我们要善于运用马克思艺术生产理论,从艺术设计与政治、经济、文化的关系等方面着手,把艺术设计也看着是一种生产力,利用艺术设计来推动社会经济的发展。
关键词:马克思主义艺术生产理论;艺术设计
我国是一个历史悠久的文明古国,艺术设计在我国的起源可追溯至石器时代,比欧洲和其他一些西方国家早很多年,但是起源早并不一定就等于发展快,因为艺术设计时时刻刻都在受到经济、政治、文化等方面的影响和牵制,在封建社会,艺术设计的发展甚至还会受到统治者喜好的影响,唐玄宗喜欢音乐,在他统治期间给予音乐以高度的重视,在那一时期,音乐形式、音乐理论、音乐教育、乐器制作等方面都取得了辉煌的成就,领先于世界各国,首都长安也成为了世界音乐中心,就如当今的“维也纳”。封建社会末期,封建制度的腐朽,清政府的腐败无能,经济文化的落后,外国的侵略,如此内忧外患的情况之下,艺术设计似乎无法顾及了,新中国成立以后,虽然政治稳定了,但由于经济文化的相对落后,我国艺术设计的发展也并未得到太多重视。
直至改革开放以来我国的艺术设计才取得了突飞猛进的发展,设计产业的范围也覆盖到社会经济、科技、文化及人们生活的方方面面,不仅推动了我国经济的发展,给人们的生活带来了极大的改善,而且为我国综合国力的增强也做出了不可磨灭的贡献。有人说艺术设计起源于生活,有人说艺术设计开始于人,有人就有艺术,就有设计,原研哉在他的书中写道:“生活本身,就是设计的起源地。而设计,归根到底就是我们对生活的发言。”我国艺术设计虽然比器欧洲和其他一些西方国家早很多年,但是受经济、政治等方面的影响我国现代艺术设计的发展步伐却比它们慢得多,由此看来艺术设计与经济、政治、文化之间有着千丝万缕的联系。本文结合马克思主义艺术生产理论,对艺术设计与经济、政治、文化之间的关系问题略加探讨。
马克思主义认为,人类社会的发展是由人类社会的各个阶段的矛盾所推动的,人类社会的基本矛盾是生产方式内部生产力与生产关系的矛盾和社会形态内部经济基础与上层建筑的矛盾,因此人类社会的各个阶段总是可以基本划分为经济基础和上层建筑两大部分,生产力与生产关系、经济基础与上层建筑之间的相互作用和动态结合构成了社会发展的基本动力和一般规律,即生产关系一定要适合生产力状况的规律和上层建筑一定要适合经济基础状况的规律。人类社会的各种活动也受这一规律的制约和支配,生产实践是人类社会存在的基础,可分为物质生产和精神生产两大类,艺术设计是一种人类有目的的并结合艺术和生活的创造性的活动,马克思把这种创造性的实践活动称之为艺术生产,属于精神生产的范畴,艺术是一种特殊的生产,同样也受到社会发展的基本规律的制约和支配。
马克思主义艺术生产理论主张艺术生产是一种特殊的生产力,是精神生产,精神生产是和实践和意识紧密联系的,而实践是人类社会存在的基础,艺术设计也是一种实践活动,艺术设计是人们有目的的创造性的实践活动,而这种有目的的创造跟物质生产也是分不开的,艺术设计的内容是随着人们时代生活的进步和人们审美情感的发展而发展的,艺术生产是物质生产发展到一定程度一定阶段上才产生的,它是从物质生产实践中分化出来的,所以艺术设计与生产实践和意识也是有着某种紧密联系的,所以艺术设计在创作过程中也需要考虑其与其他社会因素的关系。马克思主义认为任何一件事物都不是孤立存在的,都与其他事物是联系的,艺术设计作为特殊的生产力同样与其他的社会因素相互影响相互制约相互作用。
从马克思主义的角度看,经济基础是一种社会存在的表现形式,艺术设计是一种社会意识的体现形式,由此看来,社会经济与艺术设计的关系的本质就是存在与思维的关系问题,即物质与意识的关系问题,换言之,社会经济决定艺术设计,社会经济是基础,艺术设计为社会经济的发展服务,社会经济状况的兴衰盛亡决定艺术设计的发展,艺术设计的发展也反作用于社会经济,对社会经济起着推动作用。
艺术设计是一种既具有艺术性又具有经济性的社会实践生产,艺术设计与社会经济的发展息息相关,繁荣的社会经济造就繁荣的艺术设计,反过来,艺术设计也服务于社会经济发展,促进社会经济发展。
艺术设计是人们的一种有目的的创造活动,它不是纯艺术,它是艺术与技术的结合,也是一种特殊的生产力,同样推动社会经济的发展。首先,艺术设计发展的原动力是人们对美的追求,对物质生活和精神生活的不断追求,正是这种不懈的追求推动了社会经济的发展,艺术设计时人类智慧和创造力的体现,它体现着艺术创造力与经济技术实力的结合,通过艺术与技术相结合的方式不断的满足人们日益增长的物质需求和精神需求。
其次,艺术设计丰富了人们的生活,不仅在精神上满足了人们的需求,给人们带来了愉悦和享受,而且也改变了人们的生活方式,它把人们的意识通过社会生产实践转化为实体,给人们的生产生活带来了改变和进步,推动了社会经济的发展和人类社会的进步。
第三,从历史上看,艺术设计促进社会经济发展的案例也是相当多的,最典型的就是包豪斯运动,包豪斯本来是起源于德国的,可是在二战期间,各国优秀设计师为了躲避战争对艺术的摧毁,纷纷前往没有遭受战争摧毁的美国,由于这些设计大师的到来,骤然间给美国的社会经济带来了极大的发展。
艺术设计是一种有目的性的创造性的生产实践,这种目的是指人们的期望与需求,使艺术设计能为人类自身服务的期望与需求,这种目的性决定了艺术设计的功能性,然而人们的期望和需求是多种多样的,是随着社会经济的的发展不断发展的,所以艺术设计的功能性也是多种多样的,设计者的使命和职责就是把人们的这种多种多样的期望和需求转化为具体的实实在在看得见摸的着的东西来服务与人们。
随着当今时代的飞速发展,人类的需求也变得越来越复杂繁多,人类需求分为物质需求和精神需求两大类,通常物质需求较直观,易于把握,像吃穿用等这些物质需求都有一定的限度,容易满足,但是精神需求却是无限的,很微妙很难把握,具体操作起来也比较困难,不好解决,难以满足,这对我们艺术设计的发展也是一个极大的挑战,这就要求我们的艺术设计作品能蕴含着深厚的底蕴和气质,能慰藉人们的情感,在满足物质需求的同时也要考虑到其精神含量。当艺术设计所蕴含的精神含量满足了人类的精神需求时,它的功能就得到了实现,艺术设计作品要在生产、分配、交换、消费各个环节中都能满足目标群体的精神需求。
在艺术设计与政治的关系问题上,有的人认为艺术设计是从属于政治的,它的存在是为政治服务的。还有人认为艺术设计是完全独立的,它与政治没有关系,不受政治的影响。我们要正确的理解和认识艺术设计与政治的关系,用马克思主义的基本原理来看,艺术设计与政治有着密切的联系,政治影响艺术设计,艺术设计反应政治,两者既对立又统一,既相互联系又相互分离。
首先,马克思主义认为艺术设计和政治都是经济的反映,它们都属于上层建筑,但从它们与经济的距离相比较来说,政治与经济的关系更近些,马克思基本原理认为政治是经济的集中表现吗,与经济有着直接的关系,但是艺术设计与经济的关系却不是直接的,它必须通过政治、法律、等中介,才能达到为经济服务的目的。其次,艺术设计的本质表现了人的需求,而政治渗透人们生活的各个领域,政治影响艺术设计,决定着艺术设计的性质和发展,一定程度上,艺术设计也反作用于政治,通过政治为社会服务。在我国,艺术设计必须按照社会主义政治方向发展,必须坚持为社会主义服务、为人民服务。
文化是人类在社会历史发展过程中所创造的物质财富和精神财富的总和,特指精神财富,如艺术、文学、科学等,而艺术设计则是文化的一种表现现象,是为了满足人们物质生活和精神生活的产物。艺术设计和文化是紧密相联系的,我们很多时候我们察觉文化的存在都是通过艺术设计的表现形式体现出来的,艺术设计和文化的发展是统一的,相辅相成的。文化是艺术设计的创造的灵感来源,艺术设计是文化的内涵,艺术设计和文化相互影响,一个时期的文化影响着那个时期的艺术设计,一个时期的艺术设计也影响着那个时期的文化。一个艺术设计作品如果没有一定的文化底蕴作依托,就像是一杯白开水,淡然无味,没有思想也没有内涵。
记得几年前在一本书上看到:一个优秀的设计师必须具备哪些的条件,其中第一条就是必须要有深厚的文化底蕴,通过这么多年对艺术设计的学习,也验证了这一点,以深厚文化底蕴的基础之上创造出来的作品是经得起推敲的,就像现在许多没有受过专门的艺术设计教育的人,他们只是学过一些现代的艺术设计的操作软件,也可以做设计,但他们永远也只是设计软件的操作者,永远也成不了大设计大师,这就是缺乏文化底蕴的原因所致;相反,一个艺术设计作品如果有着一定的文化底蕴作依托,那么它就会有思想有内涵,就会丰富,它的生命就会长久,它所表现的事物也是多种多样的。从精神层面上讲,艺术设计是为了进一步满足人们的物质需求和精神需求的一种文化现象,所以说艺术设计和文化之间有着非常重要的关系。
在我看来,文化与艺术设计之间就是一种底蕴和延伸的关系,文化是艺术设计的底蕴,艺术设计是文化的延伸,文化是艺术设计的基石,艺术设计是文化内涵的表现,艺术设计丰富着我们的文化,改变着我们的生活,艺术设计是人类对自己文化的创造,二者是相互协调、相互作用、共同发展的关系。
艺术设计与人类生活密切联系,覆盖了人类生活的方方面面,提高了人们的生活质量,改变这人们的生产和生活方式,推动着人类文明的进步,艺术设计的根本任务就是创造更美好更进步的生活,因此,艺术设计必须坚持源于生活,坚持把握好它与社会经济、政治、文化之间的关系,使艺术设计与社会经济、政治、文化之间的关系达到平衡,更好的为社会服务。
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艺术,是才艺和技术的统称,词义很广,后慢慢加入各种优质思想而演化成一种对美,思想,境界的术语.艺术是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态,包括文学、书法、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅谈当代艺术理论家的几张“脸”相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
理论家是当代艺术的权威,是当代艺术的导航人,画家和观众多是在理论家的指引下,寻找着艺术的方位。不过,传统上对理论家的界定比较狭窄,鉴于当前艺术理论家队伍不断的泛化,需要做个重新界定,依据他们的生存状态,当代理论家可分为三种类型。
第一类是仕途型。仕途理论家活跃于各级权力机构,是知识型的政府官员, 也有的出任政府的高参,其观点与著述对当政者有相当大的影响。仕途型高参型的文人能在较大范围发挥作用。在中国这个权力较为集中的社会中,知识分子入仕参政不能不说是国家治理走向科学化和人文化的巨大历史进步。
但是由于历史因素与现实因素的双重催化作用,在权力内部各种复杂的从政规则和为官之道仍在隐蔽的层面上影响着行政机器的运转。当人们顺应它的力量与节奏时便如鱼得水,反之则感受到挤压和牵制。
面对如此局面,入仕文人有两种人生选择:为了保持自己的本性而拒绝应变,不得不退出仕途,或退出仕途竞争;要么适当改变自我以适应环境。这两种选择的是非得失没有明确简单的评价尺度,进与退只不过是生存的谋略,而生存的目的应该是完好地保存自己纯真的天性,并努力地去追寻真善美的境界。
第二类是书斋型。书斋型理论家大多是高校教师和专职研究人员,按照时下流行的说法,都是体制内的知识分子。他们的述说对象主要是学生与读者,对政府的影响要弱于仕途知识分子。由于不走仕途,他们的思想言行和个性更为自由,能形成一些独特的观点和进行独创的研究。
书斋型理论家由于处于权力中枢之外,故常有怀才不遇之感,在激扬文字时不免有偏激情绪;再者,书斋型文人与校园外的世俗生活相当生疏,缺乏来自生活与实践的新鲜刺激,思想的土壤不免有些贫脊,而且有沙化的危险。
第三类是所谓的体制外的理论家。他们是自由职业者,没有单位,或者虽有挂靠单位,但仅是名义上的安排。他们经常参加以民间名义组织的各种活动,他们与主流比较疏远,选择了边缘化的生存方式。由于自甘边缘,他们在思想与行动上更为率性自由,把学术生产与生存的经营放在一个更为开放,更为多元的平台上。
国际化是他们重要的谋略手段。他们在相当长的一个时期成为前卫艺术家与国际社会联系的纽带,成为前卫艺术的代言人。西方社会正是通过他们了解中国的前卫艺术状态,并且通过他们的策划在国外举办中国当代艺术展,并召开中国当代艺术研讨会。而这些理论家的言论和著作便成为西方人了解中国现代艺术的主渠道。虽然西方得到的只是想得到的信息。
为了不因边缘化而被公众冷落,理论家常求助于媒体宣传,为此他们不得不屈从于某些赞助者和投资商的逐利本能和市场化操作,按照对方的要求调整艺术理论与艺术批评的构成。如此看来,表面上的自由是要付出代价的,而且代价有时很昂贵。
社会生活正在呼唤第四类理论家,即复合型的知识分子、跨类型的理论家。他们具备前三种理论家的优势与长处,拥有适应各种社会需求的通用性。
首先,复合型理论家与主流意识和行政层面有良好的关系,观点与意见能比较顺畅地传递上去,并影响决策者。他们熟悉公共机器的操作程序与游戏规则,知道通道的卡口何在,枢纽何在,能借用行政的力量完成较大的文化工程。知识分子的个人行动汇入国家改革与建设的洪流中,将个人的能量成倍地释放出来。
例如,作家冯骥才多年前就对中国民间艺术感兴趣,并且敏锐地觉察到民间艺术濒临灭绝的巨大危险。十几年来,他利用自己的参政身份(冯是全国政协委员)与作家的名人效益,多方呼吁与周旋,终于引起有关方面的重视,把国际社会的关注转换成国内的普遍关注,使这项艰巨的事业列入政府工作,成为政府行为。冯并未在政府部门任要职,但是他的作用比官员还大,因为他有犀利的文化目光。
其次,复合型理论家对文化产业和艺术市场相当熟悉,他们善于将理论的片段嵌合到展览、交流、出版、表演与演说等公共行为中,使公共空间因高品位的理论镀金而熠熠生辉。复合型理论家谙熟如何将深奥的理论进行“营养化”分解,使之益于为大众消化与吸收。他们直接介入文化产业,担当起策划人的角色,策划是对一项活动的创意、谋划直至实施的功利性的行为。文化策划是当代文化产业的市场启动。无论是策划展览、演出、会议、访问、出版,还是策划庆典等公益活动,理论家 策划人都比较重视活动的文化品味,善于在市场化的文化活动中保持并提升精神性的追求,引领参加者高雅的旨趣。理论家策划人像保护名义一样维护自己学者的优雅形象,同时在市场化的运作中也获得广泛的社会效益与经济效益 。
近几年来,对中国前卫艺术的展览与研讨,成为全球艺术中不可或缺的风景,艺术策划当然不会忽视这一块市场蛋糕。理论家与前卫艺术家的关系越来越密切,后者的边缘化状态由于媒体的关注,由于理论家的介入与提升而越来越向公共领域的前排移动。理论家对前卫艺术的阐释为其填充了一些必不可少的支撑物。例如中国艺术的独特性,艺术的继承与创新等,淡化了艺术家的玩世不恭的反讽与戏谑,彰显作品中深藏不露的人道主义色彩。经过理论家对边缘化的无害处理,前卫艺术与社会主流生活的排异性减弱了,过去主要在体制外进行的策划与操作,现在可以在体制内进行,并且手持“国家公务护照”走出国门登上国际舞台,而不像以前只能以私人名义参加活动。
跨类理论家与各类理论家都保持良好的关系,与上层与下层都可以沟通,在体制内与体制外都吃得开,做学问和作策划都游刃有余,在文化的多元空间里扮演多元的角色,发挥多重作用,是当代社会的活跃分子。复合型理论家在目前更多是一种想象类型,是社会对理想人才的呼唤,同时我们也不能否认活跃于经济大潮的弄潮儿极易蜕变成商场的托儿,变成捧角的吆喝者。如果吆喝就是目的,托儿是手段,那么理论家也就差不多成了骗术家,他的学人生涯也就走到头了。因此,跨类理论家必须精心守护自己的文人品格和学术品味。
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通常而言,教学艺术就是教师在课堂上遵照教学法则和美学尺度的要求,灵活运用语言、表情、动作、心理活动、图象组织、调控等手段,充分发挥教学情感的功能,为取得最佳教学效果而施行的一套独具风格的创造性教学活动。以下是读文网小编为大家精心准备的旅游管理论文范文:旅游专业课堂教学艺术的展现。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:中职旅游专业学生的基础知识水平、认知能力较低,积极性、主动性不够,所以容易失去学习兴趣和信心。解决这一问题,可从旅游专业课堂教学艺术的展现方面入手。课堂教学是一门科学,也是一门艺术。课堂教学的艺术与课堂教学的效果紧密相关,也就是说,课堂教学艺术展现得好,课堂教学效果就好,反之,就会降低教学效果。
旅游专业的专业课二十多门,知识覆盖面广,它包括旅游学概论、导游基础知识、导游业务、旅游法规、旅游心理学、旅行社经营管理、旅游文化、现代饭店管理等众多专业性极强的课程。笔者在教学实践中发现,就读职校的初中毕业生,其原有知识结构与现在所开设学科之间出现脱节,学生没有经过高中阶段的中国历史、世界历史、中国地理、世界地理以及中外文学、哲学、政治等课程的系统学习。因此,认识能力、知识结构、欣赏水平、审美情趣、价值观念等很欠缺,无法理解并接受专业性强的课程,这就需要旅游专业课教师具有较强的教学艺术。那么,怎样来展现课堂教学的的艺术才能提高课堂教学的效果呢?简而言之就是教师充分展现课堂教学的艺术魅力,以良好的仪表修饰艺术、语言表达艺术、教学方法艺术、板书设计艺术、感情渗透艺术和饱和的精神状态去吸引学生,从而高效率地完成教学任务。
人的仪表修饰不仅能给人外在的印象,还能参透出其内在的文化修养。非常得体的仪表修饰可以给人带来良好的印象和愉悦的心境。反之,就会让人感到不舒服,给人一种不好的印象。由此可见,教师在课堂教学中的仪表修饰是很重要的。就教师的“为人师表”而言,仪表修饰也是不容忽视的,因为教师给人的第一印象就是仪表,也就是说,教师的“为人师表”首先反映在教师自身的仪表修饰上。一般来说,教师的仪表修饰应包括:面部、发式、服饰、举止和精神面貌。面部应洁净清新;发式应简洁利落;服饰应整洁美观;举止应端庄文雅;精神面貌应饱满乐观。总而言之,教师的仪表修饰应符合教师的职业特点和自身的年龄特征,充分体现出自然、大方、庄重、从容、积极、乐观等一些必备因素。如果教师在课堂教学中能够做到服饰整洁、举止文雅、精神饱满,就能引起学生积极愉快的学习情绪来,使学生产生对教师的敬意、信任和亲近的心里倾向。从而不仅有利于教师顺畅地组织课堂教学,而且会促进学生积极有效的学习知识。假如教师不注意自己的仪表修饰,满面灰尘或浓妆艳抹,衣着不整或花枝招展,举止随便或行为粗俗,精神不振或神情呆滞,这就会给学生带来很不好的影响或很低落的学习情绪。因此,教师的仪表修饰很重要,教师一定要讲究仪表的修饰艺术。
教学语言表达艺术是教师的必备素质,良好的教学语言表达艺术能增强感染力,提高课堂教学效果。因此,教师应当重视教学语言的表达艺术。
首先,教学语言表达要做到规范,准确。
语言的规范是指语言的科学性和合理性。语言的准确是指用语要斟酌,要正确无误,用词和要表达的意思一致。这样,学生不但能准确领会老师的意思,还可以从教师的规范语言表达中,得到良好教育。
其次,教学语言表达要通俗、精炼。
教学语言的通俗是指教师要根据学生的实际情况,运用使学生能够和接受的语言进行教学。教学语言的精炼是指教师语言表达要言简意赅,不拖泥带水、废话连篇。如果教师在课堂上能过做到语言表达通俗易懂、简明扼要,就能有助于提高课堂教学的效果。
最后,教学语言表达要生动、优美。
教学语言的生动、优美是指教师在课堂教学中的语言表达要富有感染力。优美动听的乐曲能让人振奋;单调枯燥的蝉鸣会让人乏味。同样,平铺直叙,念经似的教学语言,肯定会让学生感到乏味,甚至昏昏欲睡。如果教师能从教学的内容出发,做到抑扬顿挫、波澜起伏、节奏鲜明、语调优美,就必然会引起学生的注意力集中和感情上的共鸣。从而不但活跃了课堂气氛,还会促进学生的积极思考,获得良好的教学效果。
教学方法艺术是教师在课堂教学中展示出来的一种传授知识的能力。这种能力应是教师必须具备的一种素质。一堂课采用的教学方法,一是要根据教学内容,二是要考虑学生实际。中等职业学校旅游专业的教师不能仅限于原有的讲授方式,而应有所创新,可以尝试采用以下方法。
(1)案例分析法。旅游课程的案例是既丰富又鲜活的实例,并且有代表性,因此在传授知识时,应充分借助于大量的、有实效的旅游活动案例,让学生认识、分析、明辨是非、参与体验,以挖掘学生的潜力,调动其兴趣。
(2)多媒体教学法。多媒体教学课件从听觉、视觉及触觉方面满足学生的心理需求,并引起更多的无意注意,提高教学效果。教师可以使用Powerpoint、Authorware等软件自己开发旅游课件,并结合成形的旅游活动课件用多媒体教学设备给学生展示、讲解,起到强化记忆的作用,使学生内心产生愉悦。
(3)情境模拟法。教师可以让学生参与情境模拟,这样既可以提高学生的好奇心与积极性,又可以更加形象生动地展示自己所讲的知识,使学生更容易掌握所学知识。
板书是教师协助黑板上的文字或符号,是课堂教学的辅助手段。好的板书设计,可以帮助学生理解知识,增强教学效果。
首先,板书设计要层次清晰。
第二,板书设计要重点突出。
第三,板书设计要合理布局。
第四,板书设计要工整美观。
旅游专业要培养学生良好的亲和力,教师在课堂教学中的情感渗透是培养亲和力的重要手段。学生在课堂上的情绪好坏很大程度上取决于教师情感的渗透艺术。良好的师生情感交流,学生的情绪就会高涨,精神就会振奋,就乐于求知。因此,教师应当注重课堂上的情感渗透,把对全体学生满腔热情的爱投入到教学中去,以全身心的投入,换来全体学生高涨的学习热情,以一颗真诚的爱心,架起师生情感交流的桥梁。
中职学校旅游专业课教师在课堂上就应把学生带入所学专业环境中去,在仪表的修饰艺术、语言的表达艺术、教学的方法艺术、板书的设计艺术、情感的参透艺术上不断探索,创建旅游专业职教特色,培养适应社会需要的旅游专业人才。
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尽管尼采的思想之战场上驰骋着千军万马,但艺术是最高的,“除了艺术别无他物”。尼采之前的哲学家,也都有过关于艺术的思考。柏拉图将世界划分为理念世界和经验世界,认为经验世界是理念世界的影子,而艺术是经验世界的影子。因此,真理比艺术更具价值。黑格尔也认为“艺术是理念的感性显现。”叔本华认为“艺术是对理念的认识和复制”。以下是读文网小编为大家精心准备的艺术理论论文范文:浅议艺术发展的一般规律论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:在了解了艺术起源及其历史的发展过程的同时,最为关键的问题是分析阐述艺术发展的一般规律问题,因此,如何理解艺术发展与社会生活的同步性,如何理解艺术发展的内在规律,如何理解艺术发展的不平衡性,了解和掌握艺术发展的一般规律对于艺术发展史的整个过程的理解有着重要的帮助作用,因此这也是我们需要探讨的主要论题。
关键词:艺术发展 规律 发展过程
对于艺术的发展同社会生活的发展的关系,根据历史唯物主义,艺术是同社会历史一起向前发展的,即艺术如同历史的进化一样也是进化的。这里应该首先说明的是,我们所说的艺术的发展是有特别的规定的,即强调的是艺术的形式、观念和表现手段、表达的内容,而不是说艺术的螺旋式上升即不断的繁荣。
事实上,艺术发展比人类社会的发展在与时间的关系上要更为复杂,如果说人类社会与时间的展开是基本同步的,是一个不断进步的过程,那么艺术的发展虽然也随着时间的展开而发展,但这种发展却不能简单地以进步来衡量。更准确地说,艺术的发展与人类社会生活的发展的同步性主要表现在一定的社会历史条件总会产生相应的艺术,社会生活发展了,艺术也跟着发展,但艺术的发展不一定就进步,如果硬要说进步,那么这种“进步”只是多元可能性的不断展开。
首先,从形式上看,艺术发展和社会发展基本上具有一致性。例如立体派同结构主义,未来派、风格派同工业技术思想,达达派的机械图纸绘画同机械制造形式,超现实主义同弗洛伊德的释梦说等。其次,从观念上看,艺术发展与社会生活的发展更是关系密切,艺术在一定的程度上表达的是社会现象变化的最早的细微的表现。例如,达芬奇、米开朗基罗、莎士比亚的艺术作品意味着启蒙的孕育;陀思妥耶夫斯基和卡夫卡的艺术作品表达了存在的思想的萌动,但这并不表明艺术家比哲学家、思想家更卓越,因为艺术家主要是运用感性直觉提出问题而不提出解决问题的方案。
因此,从历史来看,天才的艺术家都是先于时代而觉醒的,这是因为他们的异常敏锐的艺术直觉深切地感受着社会、历史的最微小的变化。再次,从表现手段上看,艺术发展同当时的科学技术的发展紧密相连,例如,在此1966年的纽约以“艺术和工程”为主题的展览会上,一系列运用高科技设计的艺术作品闪亮登场,这就表明艺术家与科技研究者更加紧密地联系在一起。
艺术发展有着内在的规律性,在一定程度上,艺术发展是按其自身内部的规律来发展的。这些规律包括如下几个方面。
2.1 艺术发展是继承与批判的统一,是在批判中继承,在继承中批判。
当艺术发展较快时,批判的一面表现比较明显,传统艺术往往被贬低。当艺术发展较慢、表现出一种稳定状态时,传统艺术的成就往往被夸大,后人对前人有一种盲目崇拜的倾向。应该说这两种做法都是片面的、有问题的,正确的态度是在批判地继承中发展艺术,既不肆意贬低传统,也不盲目崇拜传统。但要真正做到这一点是很不容易的。从人类艺术发展的长河来看,古代艺术的发展过程中对继承强调得更多一些,如中国传统艺术是非常强调继承的;而现代艺术则对批判与否定强调得较多一些,如现代主义诸流派都是以激烈的批判者和破坏者的状态出现在艺术舞台上的。
从整个艺术发展历史来看,艺术发展的速度也不完全相同,往往是在继承消化与破坏否定之间轮流变化,某个艺术门类在稳定了一段后就要寻求新的变化,而新的变化产生之后又要稳定一段时间。虽然我们要求艺术家要不断创新,但是创新是有时代的共性的,事实上个别艺术家即使有主观的创新愿望而没有创新的时代条件的话,这种创新步伐往往迈得非常有限。
另一方面,在某种潮流或风格占据统治地位后,欣赏者有一个相对稳定的期待心理,他们并不期盼着艺术总是在不断变革,相反他的期待视野会有一个较长时间的稳定期,这也就使得一些艺术家即使想要创新,但也未必获得其受众的认同。如中国台湾歌手费玉清多年来一直保持着一种稳定的风格,他的“粉丝”也只认同这种风格,他想变都不行。同样地,中国山水画自从宋代以来,一直以一种稳定的风格延续到清代,其原因也是因为艺术发展中的求稳心理使之然。因此,艺术的发展是变与稳的统一,而不是一味求稳或一味求变。
2.2 艺术的发展是内容与形式的矛盾运动的结果
艺术的发展分为两方面,一方面是内容的发展,另一方面则是形式的发展。但是,形式与内容并不是和谐统一、同步发展的。在艺术发展的内部,内容与形式之间的非同步性是经常存在的,甚至可以说这是艺术发展的常态,而内容与形式的发展的同步协调不是说不可能,但其可能性及实际发生的太小了。在艺术发展中,经常可以见到内容超前发展而形式滞后或相反的形式超前发展而内容滞后这两种情况发生。
2.3 艺术发展中的创新还往往以复古的形态出现
艺术发展中的否定与批判总是对当前的流行风格来说的,如何否定当前的流行风格,艺术家当然也有可能创造一种全新的风格,但艺术家也可能会追溯到更久远的艺术传统而实现对前的风格的否定,这种“隔代遗传”由于有了新的时代背景和技术条件,因而在复古的口号下完全有可能导致一种新的风格的创造。艺术史上到目前为止最重要的一次大的发展就是“文艺复兴”,而从字面上看,它的目的就要复兴古希腊艺术的伟大传统,而实际上要完全退回到古希腊艺术是完全不可能的,回到古希腊中的“希腊”也都是各人心中的“希腊”,而没有一个完全一致的标准,这样在否定当前的艺术风格上欧洲人达成了一致,而各种艺术上的创新都被看作是古希腊艺术的复活。
同样的情形在中国古代艺术发展中也经常出现,一些人往往从字画上理解中国艺术史上的各种复古派,认为他们是顽固不化,但实际上很多人是在复古的旗帜下从事着创新的事业的,他们当中的相当一部分是为艺术史的发展作出了贡献的,中国艺术的发展在一定程度上是以“复古”促成“创新”的,在“复古”追求“古雅”的过程中,艺术家实现了对当前的“流俗”的艺术趣味的超越。
文学艺术作为一种社会的精神产品,与社会、历史、时代、哲学、宗教和作家艺术家的个人的艺术修养、文化教养、审美情趣、审美理想、创作才能、人格情怀、生命体验有着非常特殊又密切关系。换言之,对艺术生产能够产生作用的只是物质生产,还有其他的很多方面,而且这些方面在特定的情况下还很可能成为决定性的因素。理解艺术发展的规律,有肋于我们的艺术创作在继承中未求得发展,在发展中少走弯路。
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歧义是语言的基本属性之一,是语言中存在的一种常见现象。歧义是语言结构形式同其意义之间的一种特殊关系,具有一个以上意义的同一结构形式就是歧义的。以下是读文网小编为大家精心准备的艺术理论论文范文:艺术文本字面歧义排除方法论。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要: 以人们对苏轼中秋词名句“起舞弄清影,何似在人间”的解读为例,指出了在艺术文本字面歧义排除上广泛存在的自由诠释与轻信自是的问题;区分了语用歧义、有解歧义、过失歧义;比较了意义诠释与艺术理解;论证了艺术理解是非标准的必要性;仍以“起舞弄清影,何似在人间”解读为例,揭示了逻辑贯通与情理和谐是艺术文本创作与理解共同的是非标准;指出字面歧义排除过程中,逻辑上应该存异求同不偏执,情理上应该注重艺术文本的章法。
苏轼的词《水调歌头?中秋》格高千古,又脍炙人口,雅俗共赏,深受人们喜爱,注释赏析研究的文字也相当多,但其中“起舞弄清影,何似在人间”一句字面歧义性很强,引发后世注释工作中诸多争议,比如,起舞的人可能是嫦娥或者苏轼自己;如果是苏轼起舞,则可能是在现场真实起舞,也可能是想象在天上起舞;“清影”有三种歧义:清亮的影子、清冷的影子、月亮;“何似”也有四种歧义:比起来如何、哪里比得上、哪里象、何其象。
字面歧义对艺术作品的自由诠释不构成难题,但对艺术理解造成困难。接受美学不重艺术理解问题,而强调艺术欣赏中的自由诠释作用,这可以解释艺术作品的歧义性不影响它们受到广泛喜爱。但高水平的艺术鉴赏不能任意诠释,必须建立在必要的艺术理解基础之上。现代艺术诠释学虽然关注艺术鉴赏问题,但关注的是超越字面意思的意义理解问题。字面歧义辨析中的艺术理解问题,是处于艺术诠释学与语言分析学之间而与它们不同的一类问题。
本文明线是努力解决苏轼“起舞弄清影,何似在人间”的字面歧义难题,暗线是问题反思,主旨是揭开一个新的问题领域,初步探讨艺术理解用于排除艺术文本字面歧义的方法论。
虽然对苏轼“起舞弄清影,何似在人间”进行赏析注释的文字非常多,但把其中的字面歧义问题提出来进行研究论辩的很少。然而,鉴于科学论证的“猜想-反驳”方式,排除歧义的方式应以驳论为本,没有驳论的立论只是猜想而已。如果只有注释而无疑问、只有观点无驳证,即使南宋傅干《注坡词》、近代龙渝生《东坡乐府笺》、当代李泽厚《美学三书》这些名著以及教科书中的相关论述,都未免自由诠释与艺术理解不分,这类观点止于非批判地体现歧义化解的一种逻辑可能性,并不具有重要的论证参考价值,所以都不必一一罗列。
周汝昌《苏轼词〈水调歌头?中秋〉浅讲》中虽然涉及了相关歧义问题:“应当注意的是:古代用‘何似’这个词语,一般都是把两件事物拿来对比的意思,而不要理解为‘哪里象’的意义”,但这是权威的裁判口吻,仍然缺乏驳论的论证,而且,即使承认其权威性,“一般都是”的说法也没有驳论效力。
通过知网和方正数据的文献检索与下载查看,发现相关疑问驳证的论文只有5篇(见参考文献)。它们虽然体现了疑问驳证的态度,但只是运用各自不同的方式方法解决字面歧义问题,解决疑问的驳证方法的可信度与正当性问题没有得到清醒的反思,而是各自安然地自信其是。 因而本文的讨论不管立论成果如何,都是首次在苏轼中秋词“起舞弄清影,何似在人间”字面歧义问题的解决努力中进入到从艺术理解视角排除字面歧义的方法论层面。
字面歧义可以分为三类:故意双关等无需解决的语用歧义、根据上下文可以妥善解决的有解歧义、无法根据上下文妥善解决的过失歧义。
苏轼“起舞弄清影,何似在人间”字面歧义问题不是故意双关之类的语用歧义问题,它可能是有解歧义,也可能是过失歧义。
艺术文本的非故意字面歧义应当努力通过逻辑分析结合情理考察来达成艺术理解,是有解歧义还是过失歧义,要由是否能达成艺术理解来检验,这时采用自由诠释的态度就缺乏正当性。而针对无字面歧义文本的意义诠释学既反对自由诠释也超越艺术理解,所以,艺术文本理解问题无需深入运用现代诠释学成果,也无需介入意义诠释学前沿的纷纭论争。
如果排除字面歧义只有方式方法,而没有是非判断标准,则任何方式方法都是正当的,无论什么样的结论都无从被正当地否定,这就意味着不论怎样都被允许,但是,不论怎样都正确也就意味着不论怎样都不正确。所以,排除字面歧义必须有是非判断标准。
排除字面歧义的是非判断标准,不同于优劣评判标准。排除字面歧义的结果只有两个:排除了或者没排除;这里不存在优劣问题,只有是非问题。是非判断才是语义分析的审判方式,优劣评判则是意义诠释的审判方式。
理解艺术文本的依据包括:语词用法、上下文、逻辑、非文本语境与情理。正是基于语词用法不能达成确定的理解时,才有了歧义问题。依据上下文与逻辑解决不了的歧义问题,才需要情理介入,这才意味着进入了艺术理解层面。
情理往往体现于文学艺术体裁的章法,比如诗词艺术体裁里的感情基调的一致性,情感表达的整体和谐性,这些在排除非故意字面歧义中都能够起到一定的作用。
5篇文献中的论据涉及到了语词用法、逻辑与情理,只是还没有达到方法论的自觉。其中运用情理的地方有:袁冬华的“刚才还觉得人间的美好,一下又跌入思亲的苦痛之中,这实在是不可捉摸的跳跃”;马梦原的“如果这时候让一个‘欢饮达旦,大醉’、仕途失意、不满现实的人说‘天上还是不如人间快乐’,我们会觉得既不自然,似乎也不合情理”;黄洋的“天宫寒冷孤寂,人间欢聚大醉,对比分明,由幻想出世到忧虑担心转而留恋人间,其思想情感的变化是连贯顺畅的。由‘何似在人间’过渡到下阕的对月怀人,也是顺畅的……”
现在借鉴5篇文献中运用词汇语用规则、逻辑与情理的成果,根据以上确立的导向,按逻辑贯通和情理和谐的原则,对“起舞弄清影,何似在人间”歧义问题进行辨析。
无论“何似”采用“比起来如何”、“哪里比得上”、“哪里象”、“何其象”中的哪个歧义,其共性是都有对比的意味。与人间对比的只能是天上或明月上,则“起舞弄清影”应是在天上或明月上,至少是象在天上或明月上,而不是简单的在人间或明月下。
天上怎样?“乘风”、“琼楼玉宇”、“高处不胜寒”、“弄清影”;人间怎样?“欢饮达旦”、“怀子由”、“无眠”、“千里共婵娟”;天上、人间都同样孤单,天上清明但高寒,人间悲离但有温情。若这样全面地对比,结果就有同有反,“何似”就不能偏激地理解成“哪里比得上”,而只是中性的“对比起来如何”的意思。若只取“起舞弄清影”与上阕结尾“人间”所引出的下阙“悲”、“离”相比,则是相同相似性对比,“何似”应取“何其象”的意思。但也可理解“起舞弄清影”为虚拟天上“乘风”之感,“何似”相应取“哪里象”的意思。这三种可能,逻辑上都说得通,要进一步辨析还必须结合情理眼光。
考察“我欲乘风归去,又恐琼楼玉宇,高处不胜寒,起舞弄清影,何似在人间”中的谓词:“欲”、“又恐”、“不胜寒”、“起舞弄清影”、“何似”,其中“又恐”是转折关系,“不胜寒”是“又恐”的从句内容,“弄清影”与“在人间”是“何似”对比的左右边从句内容,问题是,“弄清影”是“又恐”的从句内容还是又转折回去表达对天上的好感?或者说“不胜寒”是否也在“何似”对比的左边?这个问题不能根据语法与逻辑解决,也不宜主观揣摩,而只能寄望于情理和谐的原则来裁判。
若“弄清影”是“又恐”的从句内容,或者说“不胜寒”也在“何似”对比的左边,那么“何似”对比的左边对天上的情感总体上就是负面的,则“何似”可能是表达天上“哪里比得上”或“何其象”人间的意思。但理解为“哪里比得上”与全词表达的天上与人间同样有美好也有不如意地方的基调是相冲突的,这样的冲突不应出现在上阙结尾这种定调的地方。鉴于天上总体不如人间的选项已排除,则“何似”只能理解为同样不好的意思,而同样不好处是天上与人间都同样孤单。但如果只是同样孤单,也就没什么好“恐”的,所“恐”的应是天上不如人间的方面。因而“弄清影”不是“又恐”的从句内容,而是又转折回去表达对天上的好感,是月下起舞而神游天上的描写。“何似在人间”也就应该理解为“哪里象”身在人间的意思。“清影”是指月下“清朗的影子”还是“明月”的别称,都不重要,反正不是“清冷的影子”。
天上人间两不全,又各有美好,上阙基调是神往天上,下阙基调是心系人间;神往天上而仍心系人间,这正是苏轼出世情趣与入世情怀达观交融的精神写照;情理与章法相协调,也是苏轼名词艺术水准的体现。
逻辑贯通是根据上下文分析语义的必要,情理和谐是艺术文本理解的特有法则,逻辑贯通与情理和谐就是艺术理解排除歧义的是非标准。在字面歧义排除过程中,逻辑上要避免急于倒向某一种分歧,或者偏执于某一先有成见立场,而应以共性为出发点,情理上要结合对艺术文本章法的考察。
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在我国教育改革的大环境下,我们美术教育学科的地位也呈现出上升的趋势。而近些年来,在初中美术教育这个领域里,美术教育功能也得到了拓展。由此美术的治疗功能也被更多从事美术教育的人有所关注。本论文研究的核心在于将罗恩菲德的艺术治疗理论与我国的初中美术教育相结合,突显美术教育治疗功能的可行性。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:罗恩菲德艺术治疗理论与中学生的心理健康探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:以艺术治疗为基础的初中美术教育研究,其目的不在于通过学校课程来提高学生的绘画水平及审美能力,而是让学生通过学习美术并进行交流发现其心理可能存在的问题,让学生以美术的方式释放压力,敞开心扉。寻求艺术治疗和初中美育的融合,是希望两者结合能帮学生更好认识自我,使其得到情感宣泄的新渠道,给学生提供更好的成长空间。
关键词:罗恩菲德;艺术治疗;心理健康;初中美术
随着社会的不断发展,中学生的心理素质备受关注。构建和谐、健康的心理是心理素质教育的重点,它是与德、智、体、美、劳等教育同时进行的。
当今社会中学生的心理问题越来越多,严重威胁其健康成长。这些问题在传统心理治疗之外,急需找寻新的解决途径。
(一)罗恩菲德艺术治疗理论概论
罗恩菲德在卢梭和杜威的启迪之下,形成了以儿童为中心的美术教育形式。艺术治疗理论也是在这种美育形式中发展起来的,强调运用美术课程培养学生的创造性思维,解决儿童存在的身心问题。美术所要解决的基本问题是运用美术来帮助人们,如排除担忧和缓解紧张的情绪等,利用视觉图像让他们彻底放松,使有障碍的人缓解不良心态,恢复乐观,获得健康的心理。
(二)罗恩菲德的艺术治疗论中教师角色
教师在艺术教育中须遵循两个基本原则:一是教师必须配合儿童的需要;二是教师必须了解儿童生理和心理的需要,心理有障碍的学生要被更加谨慎的对待。能够准确运用艺术治疗手段的教师等同于医生;与此相应,学校也要依据学生的不同问题进行“因人而异、因材施教”的人性化美术教育方法。
老师首先要了解学生的生理发展和心理障碍程度,在掌握其障碍特点的前提下,尽可能详细地观察学生,判断学生存在的障碍类型。再与学生建立良好的关系,这对师生心灵沟通很有帮助。老师还要使用温和亲切的指导方式,让学生完熟识美术媒介以便下一步治疗。
教师在艺术创作过程中要了解学生心理障碍的类型和程度;应建立学生与艺术创作和表现之间的和谐氛围。治疗结果好坏取决于有障碍者和艺术活动的关系是否密切;学生在艺术创作活动中的掌握、体验程度决定能否对原本的障碍、能力和依赖性有客观认识。
(一)罗恩菲德艺术治疗理论与初中美术教育的交点
将罗恩菲德艺术治疗理论与初中美术教育相结合是从中国初中美术教育现状出发。由初中生的一些实际情况出发,可以看到许多单亲家庭对学生的心理产生影响;还有些学生因孤独症造成伤害;另一些则是初中生所处的青春期特点对学生心理产生影响;以及课业负担过重对学生心理造成的影响等等。通过将艺术治疗与美术教育结合可以帮助这些学生减轻已经受到的伤害,消除心理障碍,恢复自信,重新建立健全人格。
(二)解读初中生在青春期的艺术需要
初中生在经历青春期时的需要主要可分为两大类:一是个人心理的需要;二是随着当今社会迅猛发展所产生的需要。要根据初中生在青春期时的艺术需要来进行客观的分析与研究,之后才能做出准确判断,并给出相对应的艺术治疗方法。
(一)艺术手段和绘画角度对学生心理的影响
线条的粗细、色彩、柔和、直白、坚定等都可以表示艺术创作者的性格。
空间感不仅自身有意义,还与作品的创作氛围有关。空间感会随着艺术创作者的心理变化而变化,而艺术作品最后呈现在观众面前给人的感受也会不同。构图中任意元素的变化都可能让整体变化,研究者不能再只把目光放在和美感有关的东西上如平衡、韵律,而是要全面性地关注以及其和谐性及表现性。
色彩是所有艺术表现元素中最直接、最有特征的。触觉色彩关系是以色彩对我们的感情产生的效果而决定的。
(二)以艺术治疗为前提的美术教育应发挥的功能
绘画属于艺术创作,可以通过这种行为来传递自己的想法,创作者的思维都会展露在绘画作品当中,在艺术创作的过程中也囊括了作者本身的创作意图。通过学校美术课的学生艺术创作表现,可以看出学生作品能够反映出一定的心理问题,而艺术治疗也正是对学生绘画作品的暗示进行分析、观察。通过学生日常的表现,最后制定出相应的解决方案。
治疗为前提的艺术创作能够帮助有身心障碍的学生重构自我。通过艺术创作,能够更好了解自己的所思所想,进一步认识自我;同时努力放下心理防御思维,形成新的心理结构。
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歌曲演唱的艺术处理就是演唱者在演唱过程中,对声音的力度、音色、速度、情感、歌曲风格等方面作出合乎情理的变化处理。演唱者在演唱前通过熟悉、了解、分析作品,包括曲作者的创作意图、歌词内容、调性、曲式结构、风格特点等,然后根据自身的思想意识、艺术修养、实践经验,以自身掌握的歌唱能力、演唱技巧,进行歌曲演唱的艺术处理,进而完美地表达作品的思想感情、风格特点、艺术境界,使演唱达到声情并茂、情景交融的艺术境界。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析民族声乐演唱中的艺术处理相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:一首歌曲通过演员的演唱达到声情并茂、动人心弦的效果,这不是仅凭个人的一付好嗓子就能做到的,需要歌唱者在演唱中对歌曲进行艺术处理。本文仅从二度创作手法的角度,对民族声乐作品的艺术处理方式进行分析研究。在民族声乐演唱中,艺术表现是不可或缺的要素之一,必须抓住各民族的风格特点,创作出思想感情丰富、具有地域风情、艺术色彩浓厚的音乐形象。
民族声乐扎根于广阔的原野,许多经典民歌经过代代相传延续至今,不仅具有深刻的思想内涵、丰富的情感抒发、生动的自然写实,而且独特的艺术风格、多样化的艺术表现形式也为人津津乐道。演唱者应该具有较高的文化修养、丰富的想象力和演唱技巧,同时艺术处理也相当重要,它关系到整个歌曲的艺术水准和演唱者的艺术修养。
每一个音乐作品都有自己独特的艺术风格,尤其是民族声乐代表了不同民族地区的地域风情,艺术特征更加明显。比如,蒙古族歌曲奔放粗犷,维吾尔族歌曲欢快热情,节奏感强,江南歌曲细腻委婉,柔情似水。无论是演唱民族民歌,还是歌剧都要深刻领会作品的艺术特色,根据演唱的规律来进行处理,使之成为表现作品主题重要手段,达到思想和艺术的高度统一。
例:结合歌曲的民族传统流传,进行艺术加工。歌曲《沂蒙山小调》采用的是山西民歌的曲风,在演唱时就要结合当地方言的音律进行处理,当然不是全盘模仿,要抓住几个典型的字词适度夸张。比如“风吹草地”的“地”,加上了儿化音,并适度提高了音调,使歌曲充满那个地区的风味,艺术色彩也就凸显出来了。
著名声乐理论家凯萨利对于声乐的语言艺术有一段精彩的阐述,他认为,歌者只有拿出足够的时间和精力来提炼歌曲的语言艺术,用丰富的想象力把歌曲演绎的充满艺术风采,才能打动听众内心最深处的情感共鸣。说话言语和歌唱语言都从口出,一个是自然的流露,一个是艺术的表达,是通过歌者的优美声乐把语言含义表达出来,我们常说的生活“如歌”就是说明歌唱已经把语言艺术化了。
歌唱的语言艺术效果的处理不但要符合汉语吐字归韵的规则,还要符合五音(唇、齿、牙、舌、喉)四呼(开、齐、撮、合)的规律。要根据民族声乐演唱中语言与音乐的关系、演唱语言的的发音规律来处理发声、共鸣、行腔,通过艺术的处理来表达歌曲的思想情感,使歌词的思想感情高于现实生活,内容更丰富,曲调更优美,更有艺术感染力。完美的歌唱艺术,不但语言要清晰真切、掌握正确的咬字吐字方法,还要使发声悦耳动听。每首歌曲的风格是不同的,在演唱的咬字吐字中各有特色。
例一,比如军旅歌曲《当兵的人》,在演唱时就要铿锵有力,咬字准确短促,吐字干脆有力,两者的衔接富有张力和弹性,声音充满激昂自豪的韵味。
例二,在演唱委婉抒情的民族歌曲时,咬字吐字应该轻咬慢吐,柔和细腻。蒙古族歌曲《草原之夜》优美动听,在演唱时要特别注意语言的艺术修饰,字头要出得平稳沉静,字腹延长时要行如流水,字尾归韵时要缓慢、完美、清晰,逐渐地把听众引入那个美轮美奂的意境。
民族声乐同样需要媒介和平台的传递,表演艺术也是体现作品魅力的重要方面,有时还决定了一个作品的命运。民族歌曲是民族文化和民族生活的展现,它在艺术追求上更突出真实性和生活性,表演是民族声乐重要的组成部分。
少数民族地区的歌曲演唱,“演”的成分占有相当的比重,无论是眼神、手势、表情、着装都十分讲究,充分展现出不同民族之间的审美情趣,具有极强的感染力。所以,在民族声乐的演唱中,舞台表演艺术的处理,要学习和继承民族文化的传统,在此前提下创作和创新,把声音美、形象美与内容美有机地结合起来,达到完美的艺术效果。
民族声乐演唱中的艺术处理包括了多个方面,除了对民族风格、声乐技巧、歌曲语言、舞台表演等进行艺术处理外,还要多进行音乐理论、器乐、舞蹈等方面的学习,提高自己的综合音乐素质,才能在演唱的艺术处理中得心应手。同时还要认真观察和学习其它唱法的艺术处理方式方法,为我所用,不断提高自己的演唱水平和艺术表现能力。
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