为您找到与色彩中的色相水彩绘画相关的共92个结果:
当下,“后现代”思潮对中国当代绘画正发生着全面的潜移默化的影响,面对全球领域对“后现代”思想的赞誉或谴责,我们有必要对其进行新的梳理和思考,这对我国当代中国绘画艺术的发展具有积极的意。
后现代观念作为一种“外舶”文化,实际上从20世纪80年代以来就深深地影响着中国艺术家的艺术观念和艺术创造。虽然中国的现代艺术发展极快,而且也很前卫,但从当代大众审美文化角度来看,它并不具有真正意义上的大众性。首先,现代艺术过多地注重绘画语言自身的价值,艺术家过分强调作者的艺术观念和表现,而极度忽略了受众的审美需求,如有些行为艺术充满荒.唐、痛苦和血腥,这些作品很难被我国广大群众理解和接受(甚至一些老的艺术家也不能读懂),所以就中国范围而言,中国的现代艺术只能说是艺术家的艺术,是少数人的艺术。其次,我国的某些现代艺术过分迎合西方人的欣赏口味,而忽略了自己的文化身份和文化立场,这种严重背离我国文艺创作指导思想的艺术表现肯定不会得到广泛的认可,也就不会具有顽强长久的生命力。
在这种状况下,“后现代”文化思潮作为对现代文化的另一种思考,也就显示出了它的价值和意义。在全球范围“后现代”文化语境的影响下,中国的现代艺术家也在不断地寻求艺术表现的新出路,艺术既要“神圣”有“尊严”,又要面对大众的消市场,艺术创作从追求艺术自身语言前卫、个性的理想而转向大众文化,大众审美理想的表现成为一种新的趋势,中国的现代艺术向“后现代”的迅速转变,也就成了一种必然。笔者认为,在“后现代”语境影响下,中国的当代绘画艺术主要发生了以下几方面的突出变化。
第一,某些艺术家的创作价值观发生改变。在“后现代”艺术的影响下,中国美术具有工业文化追求消费的特点,有的画家告别了80年代的那种追求艺术永恒的创作精神,而转型为眼睛紧盯市场,力求通过市场效应来证实自己的价值。艺术家的创作抛掉了老一代艺术家走西北,爬黄土,进青藏,寻找文化之根,以肉体苦难换取精神升华的艺术创作过程和思想,在创作上有意回避重大题材,表现内容只求构图轻、浅、淡、简、软,以取媚社会大众,获得更多的经济利润,艺术创作具有明显的市场价值观。
第二,以美术政治波普来突出自己的先锋姿态。近几年,随着后现代主义的“西风东渐”,美术界的新生代或实验派以东方式的智慧重组了“后”的话语。无论是“89现代艺术展”的“后现代性”挪用,还是上世纪90年代艺术家的群体分化,无论是由《祈世鉴》的高蹈还是“猪交配”的东西方文化冲突隐喻的粗陋,都表现出当代中国美术所遭遇到的全面精神困惑和存在的困境,以及画家渴望走出这种困境的悲壮性努力。尤其是90年代以后,中国的现代艺术更多地充满着政治式的绘画思维。它们消解传统的理想,嘲弄意识话语,挑战保守的秩序,有的画家采取一种政治波普的方式表达自己的艺术观,将政治波普用来表现当下的生存状态、国人的精神状态和生命境遇。如某些画家的作品,画面多表现傻、大、呆、痴的愚农和城市群氓,充斥于画面的是一种愚笨憨蠢、无所事事、咧着嘴打着哈欠不知如何打发日子的人群。画家将那种““””语言的高歌猛进式的、80年代的高瞻远瞩式的反思彻底抛在一边,而是以面无表情去表现其盲目茫然的心态。第三,追求大众化的审美表达。在当下消费社会中,长期以来处于主流文化中心的理想的、凝重的高雅文化似乎成为可有可无的东西,而轻松的、娱乐的、休闲的通俗文化则风风火火地成为畅销和时髦。他们已经不再通过绘画来证明自己的追求和价值,甚至仅仅是为了追求感官享受和生活调味。在欣赏方式上,人们更多地也已从思考意义转向感受快乐。过去人们欣赏作品时总喜欢思考其现实意义和审美价值,现在大多数人则往往只是为了感受开心快乐,满足于轻松和愉悦,人们常常选择能逗人开心的作品,作品让人看完就罢,不求回味和铭记。在欣赏目的上,过去人们认为,艺术欣赏是一种高雅的审美活动,可以启迪思维、陶冶情操、充实人生、完善自我,而现在许多人接受艺术只当作一种生活休闲,或者为了消解疲劳、平衡心态;或者为了排遣寂寞、补偿失落;或者为了打发时光、调剂视阈、享乐人生;甚至为了享乐人生,有些人不惜代价去猎奇搜怪、去追逐新鲜刺激,于是严肃文艺被冷落了,快餐文化一片火爆。中国的现代艺术作为当代大众文化的一部分也致力追求大众审美理想的表达。在画家笔下,伟人也有了一般平民所有的七情六欲,平民也能成为理想的超人和侠士。在艺术家群体中,女性艺术家也堂堂正正地走到了艺术大堂,对性的思考、生育的幻境以及女性更加敏锐地对社会角落人和物的思考都作为文化现象在画家笔下所表现。轻松自由的创作形态下,“泼皮艺术”“唯美艺术”“消费艺术”同时被不同的受众所接受。在这里,艺术家所具有的审美愿望和大众的审美理想皆得到实现。艺术家在揣摩受众审美理想的同时,不但获取了丰厚的经济利润,同时也满足了人生社会价值的理想实现。人们像在欣赏周星驰的电影一样,轻松地对待艺术和欣赏艺术。更有甚者,现代的“消费艺术家”能把肉皮、动物毛发、蚊虫脚、儿童喜爱的果冻等都作为观念符号运用到艺术作品创作当中。瞬时即逝的艺术形象再也没有传统艺术的永恒,就像果冻一边被吃又一边被大量的生产一样,艺术家大批量的生产着能够满足受众的短暂艺术,又在快速的艺术品消费中获得了金钱和荣誉。艺术家的社会价值理想也在这种文化的创造和消费过程中得到了满足和实现。
第四,追求角色本位的艺术创作理想。在后现代语境下,中国现代艺术家力求使美术创作能满足欣赏者角色本位的审美理想,如刘晓东的《自古英雄出少年》《死水》;岳敏君的《表情》系列等都是这种艺术理想的体现。这种艺术不是要大众艺术向精英艺术看齐,也不是要退缩到反精英文化的层次上面,而是将所有可能成为它的欣赏者的人放在同一框架内去,各种身份的人都可在此中找到其能够认同的方面,欣赏者扮演的什么社会角色,那么它就同这一角色有着某一方面的同化的可能性。某种意义上它是对作为“人”的本性,即潜意识进行的沟通。这就如同一场重要而精彩的足球赛,拉拉队中可能有绅士淑女,也可能有流氓娼妓,但在为自己球队助威这一点上他们都处在同一营垒,并且在助威中产生心心相印的共同参与感。这已经是一种全新的艺术文化,它一方面使得虚缈的远离现实人生理想而只以艺术为美的家园、只以艺术为陶冶生活情趣的精英艺术受到了冲击,另一方面也使得意图创立不同于经典艺术的大众艺术找到了一个新的创作支点。这种艺术既包括了现实人生理想的内容,同时也具备了经典艺术那种代表人类艺术文化创造的胸襟。这种角色同位的艺术实际上表现的东西是“空框”,无非是如同每一个人走到镜子面前都能看到自己的影像,它显得可以容纳很多人,其实待人走开后它里面是空无一人。而这一点若作形而上的终极追询,也许更近于艺术的实质。
的确,具有现代工业文化要求下的大众性和大众审美特性,促使了中国当代艺术的多元与“繁荣”,但它并没有真正切入到中国具体的问题和现实语境中去,这是中国后现代艺术实践的缺憾。因此,对中国的“后”现象审理是一项相当复杂而又难有定论的工作。我们既要认识到这是世界“文明冲突”或“文化渗透”的必然,又要冷静对待由后现代文化现象所引发的否定或质疑,这种思考或许更有利于我国当代艺术能真正走向前卫和繁荣,并沿 着正确而健康的道路向前发展。
[1]姚晓雷著.世纪末的文学精神[M].广西师范大学出版社,2004年版.
[2]张荣翼.当代大众审美文化当受众的理想幻境.社会科学,2004年 第5期.
[3]彭修银,杨爱新.后现代艺术思潮的中国变体及意义.社会科学家[J].1999年第1期.
[4]尼古拉斯?米尔佐夫著.视觉文化导论[M].江苏人民出版社,2006年11月版.
[5]陈望衡著.美与当代生活方式.武汉大学出版社,2005年版.
浏览量:2
下载量:0
时间:
当我们观看黑白画面时,哪怕一点点色彩的出现也会产生极大的威力。今天读文网小编要与大家分享的是:蒂姆·伯顿导演电影的画面与色彩相关论文。具体内容如下,欢迎参考:
蒂姆·伯顿导演电影的画面与色彩
蒂姆?伯顿的电影,从画面内容上看,寂静的古堡、疯狂的骷髅、乌鸦、枯树、南瓜头都是出现频次最多的事物;画面色彩多呈现无彩系的黑白、阴冷灰暗的冷色调和高纯度的对比色。从他目前的作品中,我们可以看到作品主题表现上的哥特式风格,也能看到伴随着作品中CG元素的增加,画面效果更是日趋精致。
电影调度中的光与影是营造画面效果和画面空间的有力手段;光的运用可以促进和引导观众的观影过程,合理的布光更有利于观众理解导演的主观意图。在伯顿的作品中,我们能看他在光影运用上由稚嫩到成熟的过程。
伯顿早期深受传统好莱坞电影作品的影响,对布光的运用略显保守,画面角色与环境的光影对比较弱,场景布光多以自然光、人工光和泛光源为主,并根据故事情节和人物心理适当调节不同的布光位置。
例如,在《蝙蝠侠》中,蝙蝠侠和猫女出现时,大多以顶光和背光强调两者黑色衣着的身体轮廓,可以见到明显的人工光所产生的高光效果。在描写反面角色的心理动机时,多采用高亮度的底光和侧光,以清晰的面部阴影充分体现面目的狰狞和人物内心的复杂。这些光影的运用遵循了传统好莱坞对光线的运用,舞台效果浓重。从《火星人攻击地球》之后的影片中,我们能看到明显变化的光线运用。
舞台化的光影效果逐渐被电脑校色的高纯度、高质感画面所取代。与此同时,在光线的处理上也更加成熟,摒弃了旧好莱坞时期既定的光线原则,画面中很难辨别明显的人工光痕迹,光影的运用开始追求与真实、自然的贴合。
此外,伯顿还热衷于利用影调的表现来增强画面的空间感。通常当我们看到这类画面,总是容易忽略光的存在,只是由于光线的布局太过隐匿而使我们无法从画面上找到它们,但却可以看到他们的产物即丰富的影调。这种影调的利用在20世纪20年代的德国表现主义电影中屡见不鲜。伯顿作品中影调的表现也从某种程度上体现出表现主义在电影场景调度中所产生的极大影响,尤其是由光影缔造的超现实空间都不乏令人震惊的创新性。
表现主义电影常使用大块的明亮的、非写实的灰暗色彩,人的脸庞不时地变成青灰的绿色,人体也有意被拉长。其代表作《卡里加里博士》中风格化的布景,扭曲怪异的建筑物和拉长的变形的身影,都为后期恐怖、幻想题材电影所借鉴。伯顿在他的几部作品中就体现出对“影”进行的特写化表现。
例如,《大鱼》中,爱德华在讲述女巫的故事时,镜头呈现的是他在墙壁上的投影,画面中观众看不到光的来源,仅有影调的运动。《断头谷》呈现警长儿时的美好生活时,画面记录一对母子在观看一盏旋转的镂空手灯,灯罩上镂空的花纹映照在母子的全身和周围的墙壁上。可以明显看出,排除画内的各种补充光源,镂空手灯则是场景中的主要光源,这种光影表现形成了灵动而奇幻的光影空间,增强了画面纵深信息的同时,也映衬了叙事中奇幻和诡异的色彩。
在伯顿的理念里,经常依照他的法则对生活中的某些部分进行分隔,这些法则大多构筑于存在与死亡、现实与回忆、美好与邪恶、自由与封闭等这些主题名词的关系之上,具有明确的善恶观和批判意识,而他采取的分隔方式则是利用色彩的有效变化。镜头画面可以是黑白的,也可以是彩色的。
20世纪30年代初,电影工作者就已经开始以彩色拍摄,20世纪50年代起,色彩在电影中开始普及。在大部分情况下,色彩的运用无非是为了再现客观世界的真实,很少利用色彩进行造型和表意功能。但在人们对色彩在电影艺术中的重要性有了深入认识后,不少导演独具匠心地夸大或强化某种色彩来产生特殊的效果或深化主题,如在大家所熟知的《绿野仙踪》,巫婆绿色的脸、红色的沙漏、翡翠城和黄砖路,到处都以色彩分隔世界,不仅具有了不同世界的奇幻感,也流露出角色性格和导演意图。
当我们观看黑白画面时,哪怕一点点色彩的出现也会产生极大的威力。《理发师陶德》的画面阴沉而暗淡,集市、人群,都以灰色、褐色占据主导,甚至金发少女也仅以灰白色出现,流露不出一丝光彩,唯有飞溅的鲜血在画面中格外刺眼。这正深刻地说明了主人公眼中的世界是一个复仇的世界,他的精神孤独绝望,利用灰色和鲜红的强烈对比赋予他们象征性的重量。
一方面配合了影片的叙事需要;另一方面也把导演的主观思想和批判意识贴合在了色彩的变换空间内。同时,伯顿对灰色系和冷色调的偏爱是不言而喻的,《断头谷》中警长查案现场―警长的儿时回忆,《查理和巧克力工厂》中查理居住的城市和破旧简陋的居室――巧克力工厂的内部幻境,《圣诞夜惊魂》中的僵尸家园――圣诞村,《僵尸新娘》中的人类社会――死亡世界,等等。这些相对应的空间组合,其前者企图包含黑白影像中的所有灰度级别,并从整体上体现出脏旧、冷淡、无生气的心理感受;后者却光影琉璃,色彩万千。
正如米开朗琪罗?安东尼奥尼对电影色彩的理解那样,他强调导演对色彩的控制:“我们得干预彩色电影,去除它惯常的真实性,以当时的真实性取而代之。”[1]在这一点上,我们的确看到了伯顿作品在基于色彩逼真性的基础上,对其真实性进行的主观化处理,体现出导演分配色彩的敏锐的艺术眼光。
此外,伯顿作品中丰富色彩的运用与电脑CG(CG即英语Computer Graphics的缩写,就是电脑合成技术,亦即利用计算机技术进行视觉艺术设计、生产的创作活动)参与制作的理念是密切相关的。CG技术中可以完全自由地对颜色进行选择和控制。
导演在《理发师陶德》中利用黑灰与鲜红的纯度对比传达人性的邪恶与纯洁,CG的校色技术在此无疑是导演传达该艺术思想的有力武器。无论是《查理和巧克力工厂》或是《爱丽丝梦游仙境》中的色彩,都可谓是一部色彩宝典,其中每种颜色都娇嫩欲滴、新鲜可人,如嫩绿、玫红、大红、柠檬黄、蓝紫等,这些锐利的色彩表现和高纯度的色彩对比都与电脑技术的应用密不可分。
可见,CG技术不仅可以在电影创作者进行色彩处理时,提供更为完备的色彩选择,高效地实现色彩搭配;还可以从色彩的美学价值出发,基于视觉真实的基础之上,对色彩进行主观的再加工处理,形成与影片叙事紧密结合并带有强烈个人风格的画面效果。
浏览量:2
下载量:0
时间:
宋元时期诗词论家通过对诗画关系的分析,探讨了不同门类艺术之间审美意象的共通性和差异性,而宋代文人把“情”与“景”这对范畴突出的提出来了,通过对“情”与“景”关系的分析反映出人们对审美意象的特点有了更深入的认识,并开始对绘画作品及绘画美学审美意象的结构与类型进行了深入讨论。今天读文网小编要与大家分享的是:“情在景中,景在情中”宋元绘画美学相关美学论文。具体内容如下,欢迎参考阅读:
“情在景中,景在情中” 宋元绘画美学
在我国古典文学历史上宋元朝代是传统绘画的一个鼎盛时期,也是古典绘画一个极为重要的转折点,这是因为宋元绘画风格面貌的发展方向及美学观念发生了较大变化,文人绘画的美学观开始由“重理”画风向“重义”画风进行转变,这也是元代之所至成为“文人画”发展巅峰时期的主要原因。宋元时期形成的“文人画”充分体现出中国绘画主体审美观念的精微高妙,而且这种“情在景中,景在情中”的绘画美学观一直影响到明清和现代,成为当代绘画在新形势下发展中的源流和基础。因此,针对宋元绘画美学的研究对促进现代绘画的传承、发展有着重要意义。
中国绘画在宋元时期之前还没有形成“文人画”这一概念,而“文人画”自诞生起便沿着一条正常的、符合绘画艺术客观要求的方向进行发展,在我国古典艺术历史上,宋元朝代前的绘画史上出现了很多优秀的理论著作,其中有很多著作是针对绘画美学分析和品评。这个特殊的历史时期对绘画美学的品评标准相对较为客观,文人在品评绘画过程中注重对造型、用笔以及色彩等绘画表现语言方面的评论。
例如,南齐时期朱景玄在《唐朝名画录》中提出,对绘画的品评要以“神、妙、能、逸”作为主要标准,而这也可以充分证明在宋元时期以前以“形似”作为对绘画的品评标准。谢赫在《古诗画录?序》中说明当时绘画的主要功能为:“图绘者,莫不明劝诫,著升沉,千载寂寥,披图可鉴。”这也可以看出当时绘画的主要功能是教育和文献保存,而这也可以充分说明这个阶段尚未对绘画美学进行重视,所以谢赫当时对绘画的评价标准以“六法”为主,“六法”自提出起便成为我国绘画史上一直沿用的美学品评标准,但是从中我们也可以充分看出宋元时期前十分注重绘画表现语言的,而“六法”中的气韵、用笔、象形、色彩是对绘画表现的具体要求,显然可以充分证明这个阶段对绘画美学的品评标准是建立在客观性基础上的。
在文人眼里墨色的干湿浓淡是十分美妙的一个事,而色彩丰富、绘制精细的绘画作品会让文人品评为低俗、匠气的作品,这类绘画作品并不符合文人的绘画美学品评标准。因此,“随类赋彩”成为后来文人画美学中即为排斥的一个标准,即使采用颜色作画也要以墨色为主。
唐代朱景玄在《唐朝名画录》中提出“神、妙、能、逸”四品的绘画美学标准,但是在后世这四品绘画美学标准一直被文人曲解所用,朱景玄是在前人张环?“神、妙、能”三品绘画美学基础上提出的四品绘画美学标准,而在后世很多文人的眼中“逸”品成了最高境界的绘画美学标准,而且在后世只有很少一部分画家的作品被列入到“逸”品行列。但是我们通过对唐景玄《唐朝名画录》的深度解读,可以充分了解到唐景玄在评价绘画美学时以绘画作品的实物效果作为标准,“不见者不录”是指只有亲自看到作品后才能对其进行客观品评,避免了绘画作品文字记录和作品实际效果产生的误差。
再者,唐景玄的绘画美学四品品评标准和“六法”相比,都是将绘画作品表现语言的优劣作为一个准确、详尽的品评标准,唐景玄予以“神品上”的绘画美学品评标准只有吴道子达到了这一境界,虽然谢赫与朱景玄并不是一个时代的人物,但是二者对绘画美学的品评标准基本相同。
朱景玄在《唐朝名画录》中提出的“逸”品的本意应泛指绘画中的表现技法和形式,这是在宋元时期前的画家一般都遵循相对较为一致的绘画技巧,而采用统一的绘画美学标准对作品进行品评高下极为方便,但是宋元时期很多作家开始尝试使用新的表现技法和形式进行创作,从而也使这个阶段的绘画画风出现了很大变化。在宋元时期以前的文人在品评绘画作品过于注重于“景”,并没有形成宋元时期以“情”和“景”的融合对绘画美学进行品评的标准,而也没有构成单有“情”或单有“景”都不能构成审美意象这一标准。
宋元时期诗词论家通过对诗画关系的分析,探讨了不同门类艺术之间审美意象的共通性和差异性,而宋代文人把“情”与“景”这对范畴突出的提出来了,通过对“情”与“景”关系的分析反映出人们对审美意象的特点有了更深入的认识,并开始对绘画作品及绘画美学审美意象的结构与类型进行了深入讨论。这个阶段文人的议论对各种艺术理论的发展产生了极大影响,所以在宋朝时期关于绘画美学理论的发展相对较为繁荣,文人开始通过对绘画的评论来提出新的绘画美学标准,而欧阳修、王安石以及苏轼这三位文学泰斗对新绘画美学标准的影响最大,在元朝时期使新的绘画美学标准不断接近完善。
欧阳修作为北宋时期文坛领袖倡导了当时的文学复古运动,由于欧阳修当时有很多的门生都是北宋时期著名文人。因此,欧阳修这位文坛巨匠对当时绘画美学产生了很大影响,在他的《鉴画》中提出了“萧条淡泊”和“闲和严静趣远之心”这两个绘画美学思想,这两个美学思想都十分强调绘画美学“情”与“景”相融的精神意境,并非对绘画美学提出了更高、更新的具体技术要求。
欧阳修在北宋时期提出了两个绘画美学思想成了后世文人作画追求的最高意境,欧阳修在《盘车图》一诗中写道:“古画画意不画形,梅诗咏物无隐情。忘形得意知者寡,不若见诗如见画”。而这也是宋元时期文人画又被称为写意画的主要出处,欧阳修将“古画”视为体现着文人完美美学理想的原型,认为绘画中文人应该高度追求“意”,而不是太过于注重绘画作品外在行迹的真实细节表现,这也意味着北宋时期绘画美学开始向着“情在景中。景在情中”的美学观进行转变。
王安石提出的绘画要表现出“荒寒”境界与欧阳修追求的“萧条淡泊”境界存在很多共性,这也导致宋元时期文人对绘画的美学要求开始以两位文学泰斗的美学思想为主,而这也意味着王安石和欧阳修这两位文学大家的美学思想开始对绘画美学进行改造,在后期这两位的绘画美学思想被苏轼吸收后又进一步发扬光大。虽然欧阳修、王安石以及苏轼都是宋元时期著名的文学泰斗,但是他们为该时期绘画美学的塑造与完善做出了重要贡献,他们将一些文学美学思想融入绘画美学思想中,从而使宋元时期绘画美学开始形成“情在景中,景在情中”这种意象,使文人不需要进行严格的技术训练也可以进行绘画创作。
宋元时期特殊的诗词美学对绘画美学进行了改造,绘画美学在很大程度上融合了当时理论家的态度,将“情在景中,景在情中”这种诗词美学思想融入绘画美学中,并使其沿用至今,对现代中国画的创作与发展做出了重要贡献。
浏览量:4
下载量:0
时间:
舞台美术设计简称舞美设计,其任务是根据剧本的内容和演出要求,在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段,创造出剧中环境和角色的外部形象,渲染舞台气氛。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅谈舞台美术设计中的色彩运用相关论文。具体内容仅供参考,欢迎阅读!
舞台美术设计是一个复杂的设计过程,其中色彩设计是不容忽视的重要环节。“看剧先看色”,在舞台美术设计中,依据舞台剧内容选择相符的颜色设计,可以更加有效地烘托舞台场景,给观众直接的视觉冲击。现代舞美大师在舞台设计中,十分强调颜色设计的重要性。采用正确的色彩,并实现不同色彩之间有机的结合,是舞台美术设计中的颜色设计最基本的要求。因此,在舞台设计中,要想实现舞台华丽多姿必须关注颜色设计。正确的颜色设计可以充分吸引观众的注意力,对舞台剧产生直观深刻地印象。但是,不恰当的舞台美术中的色彩设计与运用,会分散观众注意力,甚至对舞台剧表演内容本身也产生负面影响。
舞台美术设计在色彩运用中要把握以下三个原则:一是色彩要与舞台剧相协调一致原则,即色彩的选择要与剧中人物形象,舞台整体环境相互协调,相得益彰。二是色彩要凸显舞台剧主旋律原则。每一种舞台剧都会有一个主题思想,要运用恰当的色彩表现主要人物的性格和内在心理变化情况,进而彰显整部舞台剧的主旋律。三是色彩之间的选择搭配和转换协调性原则。每一种人物,每一个舞台场景的色彩设计都提出个性化的要求。因此,色彩的选择搭配十分重要,如果选择错误就会产生角色的错位,舞台场景布置的混乱。同时色彩之间的转移也要自然协调,尤其在舞台场景转换中,色彩的转换直接影响关注的注意力,进而影响观众对舞台剧内容的理解。以上三个原则,笔者认为是做好舞台美术设计中色彩运用必须遵循的最基本的原则。
2.1色彩选择与舞台实际不适应
现实舞台美术设计中,由于设计人员美术素养和设计技能参差不齐,造成在舞台美术设计中色彩的选择中产生较明显的差异性。某些设计人员不从舞台实际出发,没有对舞台人物的性格和心理变化等仔细揣摩,有时也没有考察舞台场景布置的实际需要,就进行了色彩的选择。这必然会对舞台剧的人物打造和情节推进产生负面影响,这也是对观众不负责任的表现。
2.2色彩搭配不合理
某些舞美大师追求个性化色彩搭配原则,的确给观众耳目一新的感觉。但是这种色彩搭配中的创新,需要有雄厚的专业功底。而部分普通设计人员在不具备色彩搭配创新理念的前提下,就盲目模仿,造成色彩搭配中的混乱。以京剧舞台表演艺术为例,几百年来形成的京剧行当对不同角色的色彩设计有严格到极致的规定,不同的人物要选择搭配不同的颜色,京剧舞台场景的布置也要十分关注颜色的搭配,否则就会出现“黑脸的关公、红脸的曹操”等角色错位现象。
2.3颜色转换不及时
不同的场景需要不同的舞台场景颜色,因此在舞台美术设计中要十分关注不同舞台色彩转换的设计。同时不同舞台人物在不同的舞台场景下,也要关注角色服装、脸部描妆等颜色的转换。这是舞台美术设计中颜色设计的最基本的要求,但是在现实的舞台美术设计中,部分设计师尤其是刚入行的设计师在颜色转换的设计中不注意。这就造成了某些舞台场景变化不及时,甚至出现舞台角色上一场和下一场穿戴打扮相同的现象。这就给观众带来了剧情理解上的偏失,甚至出现审美疲劳现象。
2.4舞台美术设计人员设计水平差异性较大
前面是从舞台美术设计中的技术角度,探讨色彩的运用中出现的问题。但是归根到底,造成以上舞台美术设计中色彩运用差异性的根本原因,在于设计人员设计水平参差不一。随着我国文化事业的发展,舞台美术设计人员出现暂时的短缺现象,这就造成一些专业素质不高的设计人员也进入这个行业,带来设计群体的鱼龙混杂。一般来说,舞美大师的水平一般比普通设计人员的设计素质和设计技能高,但也有失误的时候。设计人员素质高低不同,造成舞台美术设计中在色彩运用方面,差异性较大。
3.1依据舞台场景的转换和人物特点选择恰当的色彩
舞台场景变换频繁,不同的地点,不同的舞台环境,应当选择不同的设计色彩。同时,舞台人物是过去和现在人物的舞台化再现,各有自己的个性特点,因此舞台美术设计人员在颜色选择中,要充分了解每一个人物的性格、心理变化等特点。以京剧舞台戏剧人物为例,不同的脸谱,在京剧艺术领域表现了不同人物的特点,红色脸谱代表忠诚,黑色脸谱代表粗狂,而白色脸谱代表奸诈等。京剧戏曲爱好者通过人物脸谱的色彩就能够大致推测人物的忠奸,以及在整个戏剧中的重要性。
3.2舞台美术设计中颜色的搭配要合理,色彩转换要及时
舞台设计人员要关注每一舞台场景的不同之处,考察不同舞台角色之间的关系,然后进行色彩设计中合理的搭配。不同的舞台场景,需要不同的舞台设计,采用不同的设计颜色。舞台剧剧情平缓美好之时,要多采用柔和浅淡的颜色;而舞台剧剧情强烈跌宕之时,要采用更加爱活泼深重的颜色。在不同人物角色的颜色搭配中,要依据不同剧情人物的性格、年龄等进行颜色的搭配,同时还要考察不同人物角色之间的关系,实现合理的颜色配置。在颜色转换过程中,不同舞台场景之间的颜色转换要自然协调;在人物角色不同的场景下,颜色的转换也要紧贴剧情,及时加以转换。
3.3培养更多优秀的舞台美术设计人员
优秀设计人员是做好舞台美术设计的保障。要从国家相关艺术院校吸引大量优秀人才进入这个领域。同时还要加强对舞台美术设计人员的培训,提高他们的设计素质和设计技能。这样才会为我国舞台美术设计奠定人力基础。笔者认为最有效的方式,就是采用新入行的设计人员向行业领域内的舞美大师进行“拜师学艺”,这会用最快的速度培养我国亟需的高素质的舞台美术设计人员。
舞台美术设计中色彩的运用十分重要,这是做好舞台美术设计不容忽视的重要内容。我国目前在舞台美术设计的色彩运用中还存在很多不足之处,因此要采用合理有效的措施提高我国在舞台美术设计中色彩运用的水平。最终为我国观众提供更加美轮美奂的视觉冲击,促进我国舞台艺术健康的发展。
浏览量:4
下载量:0
时间:
一个艺术家通常都是具有天赋的。当然,从最开始的时候,艺术家都要经历学习绘画,不断创作来发展自己的艺术特长。但是,艺术家最本质的价值在于其与生俱来的天赋。可以这么说,好的艺术家一定具有设计技巧,但拥有好的设计技巧却不一定能够成为艺术家。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:民间绘画色彩在现代艺术设计中的应用研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】传统艺术和民间绘画色彩在中国现代艺术设计中的应用,有利于我们借鉴民间绘画色彩所特有的表现手法,实现具有现代审美特点的艺术设计作品,从而寻求具有强烈的民族特点的现代艺术设计道路。本文中,笔者主要对民间绘画色彩在现代艺术设计中的应用进行了研究与分析。
【关键词】 民间绘画色彩;现代艺术设计
随着全球化发展,越来越多海外的艺术元素流入我国,与我国传统艺术相互融合、相互影响,优化艺术设计领域的进化与发展。我国人民自古对艺术创造有很高的天赋,有尤其是在绘画方面,结合了天人合一的道家思想,民间绘画作品色彩自然、纯粹、鲜明,令人看来眼前一亮、心旷神怡。在当代艺术创作中,设计者要想突破固态思维、扩宽设计思路,可以将我国传统绘画用色方法应用于艺术设计,实现继承与突破。
我国是拥有五千年灿烂文明的国家,在文学、科学和艺术领域都有十分深厚的文化基础,尤其是在艺术领域,数千年间,我国产生了许多绘画艺术流派,创作了许多杰出的工艺、艺术作品,艺术对我国的民间生活有十分深重的影响。经过长年发展和累积,我国民间绘画艺术已经形成了固定而独特风格,中国民间绘画风格与模式自成一派,绘画作品中包含着我国人民独特的审美理念和传统文化,明显区别于其他国家的美术作品[1]。
我国传统绘画在用色上具有色彩艳丽、对比明朗、层次丰富等特点,而不同时期、不同流派的绘画在用色上也有不同特色,例如唐宋时期绘画作品,色彩丰富艳丽、着色大起大落,凸显盛世景象,而明清时期的绘画作品笔触细腻、画工精致,色彩淡雅素净,符合明清时代特点。
虽然我国许多民间艺术家和画师对色调、用色的理论知识知之甚少,但通过传统文化氛围的熏陶,画师同样可以通过经验与才智,对色彩进行划分,将分红、嫩黄、蔚蓝等柔和的色彩划分为软色,而将墨绿、深红、大紫、靛色等浓重的色彩划分为硬色,我国传统绘画艺术,在配色方面,注重和谐、中庸,通常不会大幅倾向软色或硬色,而习惯于将软硬色彩结合使用,创造出配色鲜明、层次丰富的画作,给人以无限的想象和视觉冲击。民间绘画创作,为了凸显色彩的冲击力,通常会运用到大量的互补色彩,例如,墨绿与深红的组合、浅黄与天蓝的组合[2]。这样的色彩搭配体现了民间画师对大自然的崇拜、对市井生活的热情,因此作品往往给人的第一感觉就是平和、纯真、朴素。
2.1 扩展设计的用色思路
艺术作品的用色,不但能表现作品内容,更是作者内心情感的真实写照。通常,内心开朗的设计者其作品用色往往大起大落、不拘一格,偏向明亮与轻快。
色彩是人们对艺术作品基调最直观的感受,会对人们的心理造成很大的影响和刺激[3]。优秀的作品的色彩,往往富有层次感能激发观看者的想象,让观看者能顺利接受到作者通过作品传达的信息。因此,当代设计时再进行艺术创作时,要结合传统文化拓宽设计思路,将民间艺术真挚、淳朴、天然的用色方式与艺术创作相结合,赋予作品深厚的民俗内涵。结合了传统绘画色彩的艺术设计作品,不但能因其国人的共鸣,提高国人对设计的认同感,还能吸引国际友人的注意,提高外国人民对我国传统绘画艺术的了解。
2.2 将传统绘画用色方式应用于时装设计
选用何种色彩是奠定服装风格的基础,鲜艳纯粹的颜色往往显得青春而富有活力,而深沉浓重的色彩则显得庄重沉稳。因此在进行服装设计时,选择何种色彩是最需深重思考的问题质疑其。在当今社会,时装更新淘汰的频率日渐提高,设计师要想掌握潮流的变化方向,首先必须要拥有能引领潮流的设计能力,在实践中探索出创新设计的方法。近年来,随着复古风潮席卷全球,正是将中国传统艺术与时装相结合的最佳时机。
其中,我国的传统绘画色彩特点鲜明,历久弥新、永不过时,因此设计师再进行服装设计时,应该多引用传统绘画用色,例如,我国明代青花瓷器绘画用色,将青色与纯白结合淳朴自然,简洁大方。在设计服装时,可以在现代服装款式的基础上使用青、白两种色彩,不另外增加其他杂色,并结合青花绘画图案,设计出既符合时代潮流,又富有传统色彩的服装,将现代服装设计与传统绘画用色相结合,创造具有设计师自身风格的作品。
2.3 将传统绘画用色方式应用于平面设计
纵观当代商品包装、商标、城市国家标识设计,凡是在世界范围广受好评的作品,大多都结合了设计师所在国家的传统文化。这样的作品之所以能吸引国内外人民的喜爱,其根本原因就是正是由于作品本身富有民族特色,给国人熟悉亲切的感觉,同时给国际友人眼前一亮的新鲜感。例如,我国奥林匹克运动会的吉祥物―福娃,就是结合了民间绘画色彩特点的杰出平面设计作品。五个福娃是五种典型的动物形象,分别为纯正的黄、白、青、红、黑色,这五种颜色是大自然最基本的颜色,是构成世间万物色彩的原色,符合我国崇尚自然的传统理念[4]。
总而言之,民间绘画具有鲜明的艺术特点,对我国国民的审美观念影响深重,随着全球化发展,民间艺术的影响力不断向海外辐射,越来越多的外国友人都对中国民间绘画怀着浓厚的兴趣。在当代,设计师要想拓宽设计思路,创作出不落俗套、别具一格的平面、装饰设计作品,就要对我国民间绘画进行探索,将传统绘画的用色特点应用于现代艺术设计,创造符合国人和国际友人审美的艺术作品。
浏览量:3
下载量:0
时间:
中国的绘画史可以上溯到原始社会的新石器时代,距今至少有七千余年的历史。最初的中国绘画,是画在陶器、地面、和岩壁上的,渐而发展到画在墙壁、绢、和纸上。使用的基本工具是毛笔和墨,以及天然矿物质颜料。在无数画家不断探索、创新的努力之下,逐渐形成了鲜明的民族风格和民族气派,并有着自己独立的绘画美学体系。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅谈黎雄才对于20世纪中国绘画史的贡献相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
在20世纪中国绘画史上,岭南画派具有特别的意义,它的革命性、创新性的特质,不仅为20世纪的中国画带来了新的面貌,而且在融合东洋画法方面的努力为融合西洋画法提供了成熟的经验,这之中难以忘却的有其开派大师,也有在这一派系传承过程中的重要人物,黎雄才则是与关山月相提并论的代表性画家。如果从1907年二高一陈赴日本留学开始算起,到2001年黎雄才去世,这几乎是一个世纪的岭南画学发展的历史,它见证了晚清、民国和中华人民共和国各个时期中国画发展的过程。在这一历史中,岭南的风格独秀于林,而黎雄才和关山月则成为岭南画派的终结者。
1926年,黎雄才拜高剑父为师,六年后,黎雄才和他的老师一样,赴东瀛留学。这种画学上的血缘关系,决定了黎雄才的未来发展方向。二高一陈和岭南的一些其他画家在20世纪上半叶塑造岭南风格方面的成就,使得岭南派和海派成了传统中国画发展的两翼,有了这两翼,传统中国画开始了现代化的旅程。岭南的地缘文化是岭南派发展的基础,东洋的或西洋的画法在这一基础上的结合,则是伴随着新文化的发展而得到了一个历史的机缘。黎雄才在早期所受到的教育,尽管也像同时代的许多拜师学艺的画家那样去临仿前人的画稿或古代的画谱,可是他更多的是受到西方教育的影响,所以,在范本和写生方面兼而有之的努力,为他日后脱离范本进入生活状态形成了一种自然的态势。因此,他从40年代初期开始,由川渝到西北的旅行写生,为他夯实了艺术大厦的基础。
正因为有了近20年行万里路的努力,1954年,黎雄才在厚积的基础上创作了《武汉防汛图》。对于黎雄才来说,这是具有里程碑意义的一件重要作品;而对于20世纪中国画发展史来说,这也是具有标杆性质的代表性作品。《武汉防汛图》的意义在于它证实了中国画在表现重大的现实题材方面的能力,这在50年代改造国画的具体要求中,所显现的求证的作用超过了艺术的本体。《武汉防汛图》所表现出的宏大的叙事结构,像《清明上河图》一样复杂而耐人品读,所不同的是,《清明上河图》表现的是盛世中的繁华景象,而《武汉防汛图》表现的则是悲情中的时代精神。《武汉防汛图》在绘画语言方面的成就,突出了岭南画派在绘画语言方面的优长,使人们看到了新时代中新技法的用武之地,而这一新技法尽管来自旧社会就已经成型的岭南风格,也说明了新社会利用旧形式、改造旧艺术的成果。
《武汉防汛图》标志了黎雄才的绘画艺术进入到成熟期。在这件作品中透露了他40年代以来不断写生的成果, 而这一成果中所表现出的“黎家山水”中鲜活的生活气息,不仅是在选材上,而且在语言上,都在一个时代的风尚中成为引领潮流的人。
1959年5月,黎雄才的韶山写生也具有特别的意义,从他开始的对于韶山这一革命圣地题材的开发,为山水画在以后的发展中开拓了一个重要的题材。虽然他以纯正的岭南风格和精细的笔墨对毛泽东故居以及周边的一些重要场景作了精细的刻划,但是,由于时代的局限,他的作品只是在“写生”的层面上表现出一种现场感,或时代所倡导的写生的意义,所以,没有能够获得本来有可能属于他的历史地位。尽管如此,黎雄才还是在这一方面具有重要的美术史的意义。加上后来的《朱砂冲哨口》等一系列革命圣地和圣迹的作品,“黎家山水”的风范显露出来,并得到了社会的认同。
在岭南画派二高一陈所奠立的基本规范的基础上,“黎家山水”更重视中国传统的笔墨,这种历史性的回归表现在“黎家山水”中是墨重于色。而在浓重的笔墨关系中,“黎家山水”中原本属于基本构件的树石,有时被独立出来,成为一种以树石为主体的作品,这在黎雄才的后期作品中作为一种标志性的题材,被他反复描绘。黎雄才的晚年,还放大了山水中的松树,成为他最爱表现的题材之一,反映了他对松的君子品格的敬仰,因此,画松也就成了黎雄才在题材方面的另一方面的成就。黎雄才画松往往被人称道,这和20世纪的一些著名画家所专长的某一题材成为画家闻名于世的一个特点一样,如齐白石画虾、徐悲鸿画马、黄胄画驴、关山月画梅等,黎雄才画松也忝列其中。
黎雄才对于20世纪中国绘画史作出了重要的贡献,其成就大致可以概括为五个方面:一、继承和发展了岭南画派的艺术,并成为这一画派体系在20世纪中期之后的中坚人物;二、创作了像《武汉防汛图》、《朱砂冲哨口》等反映时代、代表时代的作品,为20世纪中国画成就的高峰增高;三、具有个人风格特点的绘画语言丰富了20世纪中国画的内涵,是20世纪画坛上不可或缺的样式;四、对于松的表现,成就独到,是20世纪个性化题材方面的重要一家;五、为教一生,为20世纪中国画的发展培养了无数的人才。
相关
浏览量:2
下载量:0
时间:
绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态,对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征,是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化,突出和夸张其本质因素。今天为大家精心准备的:浅析庞薰琹中西融合绘画艺术道路相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:本文是寸月轩主人1997年在北京中央美术学院美术史系"百年美术"助教进修班学习时撰写的结业论文。全文刊载于《美术观察》1998年第8期第58页至61页,原题为《技寄于道 艺以传情--析庞薰琹中西融合绘画艺术道路》,发表时题为《庞薰琹中西融合绘画艺术道路》。此文得以发表应特别感谢我的导师中央美术学院美术史系李树声先生、薛永年先生和《美术观察》美术学栏目主持黄远林先生。
提起庞薰琹的绘画艺术,常被归入现代主义艺术或装饰绘画艺术之列;虽有一部分学者谈到庞薰琹对中西艺术的融合,常专指其后期作品。笔者以为:就庞薰琹整个绘画艺术道路来看,他对中西绘画的融合自20年代留法时萌生,到40年代基本成熟,线索清晰,毋庸置疑。情况究竟如何?只要全面地剖析其绘画艺术道路的发展、演进,答案自然水落石出。
首先,我们从其早期所受教育入手,来考察是哪些因素促使庞薰琹接受现代主义绘画的影响?
庞薰琹1906年6月20日(光绪32年4月29日)出生于常塾虞山镇一个世家,1921年初考入一所教会学校--震旦大学⑴学习四年法文及医学。1925年8月乘法轮“波尔加”号赴法留学。富足的家庭,严格的早期教育,在一定程度上使庞薰琹留法前对当时中国社会震荡、艺术变革情况了解不多,无论是康有为的中国画衰敝论,还是陈独秀的美术革命对他基本上没有产生影响。
赴法初期经徐悲鸿介绍庞薰琹入叙利恩研究所学习。众所周知,徐悲鸿当年曾在此学习,为何他没有象徐悲鸿等人选择写实主义艺术,而接受现代主义艺术的影响?事实上徐悲鸿赴法胸有成竹,不仅熟悉中国画坛,对西方绘画也有一定的了解。并抱有明确的目标。这已被众多学者所论证。1917年徐悲鸿赴法前曾赴日考察。在各种流派中,中村不折、藤岛武二及黑田清辉等以西方写实技法表现东方文化题材的作品对徐悲鸿影响尤深(有学者认为其《田横五百士》、《奚我后》即受此影响)。与徐悲鸿等人比较,庞薰琹赴法则不然。他曾谦虚地说“我去法国学习时对西洋美术史知道得很少,其它文艺修养也很差,学习也不踏实。所以到了巴黎既想学绘画,又想学音乐,还想学文学,没有一定的主张,浪费了很多时间。”⑵那时他对音乐的兴趣很大甚至于超过了对绘画的爱好,曾一度“想弃画学音乐”⑶若不是有人劝他说:既学绘画,又学音乐、文学不妥;若不是继续学音乐就必须动手术——他的手指略短——很难说他会走上一条怎样的艺术道路。后来即使他下决心放弃音乐专学绘画,仍无法摆脱西方绘画潮流的影响。用他自己的话说“象我这样一个学画青年,不受当时潮流影响是不可能的。有时我去卢浮尔博物馆,坐在维纳斯像前,一坐一两个小时。面对这样的雕像,我的心象被微风吹拂的湖面,清澈、安静。可是当我走进另一些画廊,我的心就着了火。”⑷他认为艺术学习中,依靠老师教导只能占30%,自学可占30%,而在朋友间得到的益处最少也要占40%。
1926年春,庞薰琹在卢森堡公园画风景时,一位波兰人见他所用的颜色多数是从颜料瓶里挤出来直接使用,提出作为一个画家,每一笔都应该自己在调色板上调出来。色彩最能表达画家的感情,瓶子里挤出来的颜料不表达什么感情。从此以后,庞薰琹始终根据这一原则作画--每一笔颜色都自己在调色板上调配。青年画家马奈卡茨见庞薰琹总在临摹,提出用很多时间去临摹是不值得的,卢浮尔那么多名画临得完吗?即使临摹了几百张,临得很象也只能学到一点技术。用笔去临摹,不如用眼睛去看,用脑子去想。把它们的优点找出来,记在心里,以后就可以不受任何人影响,也不受任何画派的约束画出自己的风格来。这些对庞薰琹早期的绘画创作影响极大。值得一提的是1927年常玉⑸对他的影响。庞薰琹原来计划在叙利恩学习两年,然后再去巴黎美术学校进修两年,受到常玉的坚决反对。常玉劝他离开叙利恩去格朗歇米欧尔画院。在巴黎潮流的影响下庞薰琹一步步走向了现代主义艺术道路。
然而,庞薰琹虽然受到西方现代主义艺术的影响却时常提醒自己是一个中国人应该逐渐摆脱巴黎各种画派的影响。他在为一位南锡女钢琴家画像时便用了中国画的笔法,着意使人能看出是一个中国画家的油画。回国前,一位权威评论家对他说,中国是有着优秀艺术传统的。你回去学习十年,以后你来巴黎办展览,不请,我也帮你写文章。这句话为庞薰琹指明了从艺的方向,使他认识到从哪种土壤里长出的芽,也只能在同样的土壤上生长、开花、结果!这是他对法国古典绘画、现代绘画进行比较、研究、探索、实践后得出的。可见庞薰琹的中西融合艺术道路是在留法时萌生,且在留法时便进行了探索。
如果说上述探索还是初步的尝试,那末1930年回国后庞薰琹埋首于中国画画史画论画作的研究则试图更主动、深入地了解传统。1932年发表于《艺术旬刊》上的《薰琹随笔》虽然是1930年的读书杂感,却反映出他的一些艺术观点及追求。他写道:“我国古今好的作品我们应该研究;世界各国好的作品我们也应该研究,但是不一定呆板板地模仿。”“我想,我们不妨尽量接受外来的影响,凭它们在我们的神经上起一种融合作用,再滤过我们的个性来著作、来创作。”“画家要有自我,不应该有什么派别的成见,派别只是一种束缚、一种障碍,创作时应该将一切弃之脑后,诚实地说出当时想说的话。”他还写道“画家应该站在社会中观察社会,站在人生中观察人生、观察一切。画家应该认识社会、认识世界,使自我站在时代之上。”⑹在这里庞薰琹不仅提倡中西融合,而且主张艺术与社会结合,反映时代风貌。他说“我回国的主要目的是想研究中国的传统绘画……对西方的现代绘画,我既不同意照搬,也不同意一笔抹煞。”他的油画《屋顶》,黑白二色,加些褐色、土黄,几乎整个画面的江南民房顶,充满了江南民间风情。后来,法国驻上海领事柯克林见了此画,兴奋异常“一再强调这样的画,西方画家是画不出来的”⑺这句话道出庞薰琹的绘画与西方现代主义艺术存在一定的差异,这种差异不是不及西方现代主义艺术,而是更胜一筹(至少在那位领事看来是这样)。
那么,当时庞薰琹的绘画作品怎样?与西方现代主义艺术有没有区别呢?赫伯特·里德在《西方现代绘画史》中指出:现代艺术虽然有其复杂性,但也具有统一的形象,使它与以往的绘画迥然不同,如保罗·克利所说,这个倾向就是不去反映物质世界而去表现精神世界。西方现代主义艺术尤其是抽象艺术在内容上脱离自然物象和社会生活,把艺术变成“纯技巧”的研究或作者思想情感的“自我表现”;在形式上高度抽象化;在效果上使人感到朦胧、恍惚、晦涩,往往不易为人们所接受。日本著名美术理论家三宅正太郎曾指出“欧洲的现代艺术由于没有将内在的灵魂和感情具象化,所以说并非能够真正得到广大市民的理解和赞同。如一位英国女画家所说‘英国一般市民就对现代艺术持怀疑和否定态度,因此,搞现代艺术只是艺术家圈子内进行的。”⑻这种只能在象牙之塔中进行的艺术,怎能用以观察人生、观察社会,认识社会、认识世界呢?
我们不妨从上述三个方面对庞薰琹的绘画进行一番考察和比较。从内容上看,庞薰琹的绘画艺术不但没有脱离社会生活,变成纯技巧的研究和自我情感的纯粹表现,而且常着意介入社会生活。从形式上看庞薰琹的绘画作品虽未能象古典写实绘画那样令人几欲走进画中,却也未如现代主义艺术那样高度抽象、不可卒读。如其《地之子》是有感于1934年江南大旱、土地龟裂、民不聊生,用几个月时间创作的一幅油画作品。画面上一个僵硬的孩子横躺在一个农民模样的男人臂上;男人一手扶着孩子一手握拳;孩子的母亲靠在丈夫肩上,掩面而泣。他们穿戴整齐,体质健康。拉长的和朴素的人物形象,简化的形体描绘,强调了一种被压抑而又平静的人物感情。色调的装饰性也增强了作品的表现力。从效果上看,这幅《地之子》展出时尽管挂在楼下阴暗的过道处,却吸引了众多观者,受到人们赞扬的同时,也招致统治者的不满。作品几乎成为禁品,不准在报刊上发表。甚至淞沪警备司令部还准备逮捕他。这样的作品难道人们不能理解吗?可以说《地之子》与徐悲鸿《田横五百士》等作品有着异曲同工的社会功效(陶咏白语)。比较而言,庞薰琹的作品更直接针砭时弊、面对人生。这一时期庞薰琹的绘画作品固然带有西方现代主义艺术的烙印,但在内容、形式及效果上与西方现代主义艺术都存在着显见的差异。从某种意义上说庞薰琹的这些作品从一定角度反映了社会现实,表达了作者的艺术追求和大众心声。这些差异随着庞薰琹绘画艺术的发展不是缩小了,而是逐渐扩大,并最终形成其中西融合绘画艺术的独特面貌。
试想是哪些因素造成庞薰琹的绘画与西方现代主义绘画之间距离,促使他最终摆脱西方现代主义艺术的束缚呢?
决澜社时期是庞薰琹现代主义绘画的重要时期。从1932年10月17日举行第一次展览到1935年10月在第四次展览中落幕,决澜社仅存在三年时间。在社会上产生了一些影响。正如庞薰琹本人所言“象投进一块又一块小石子到池塘中去,当时虽然可以听到一声轻微的落水声,在水面上激起一些小小的花,可是这石子很快落下,水面又恢复了原样。”⑼何以如此?首先,在决澜社成员中仅有庞薰琹留法、倪贻德留日、张旋留法,其他成员此前如果说接触过现代主义艺术,也只是借助一些印刷品。即使庞薰琹自己也不无谦虚地说自己“对祖国的艺术没有研究,对西方的现代派绘画也一样没有认真研究。”⑽毋庸讳言,科学技术的引进一般较为直接,文化艺术的借鉴则很难直接照搬,只能有选择地吸收、融合。虽可用外来技法进行创作,却必须丰富、充实本民族的艺术精神,适应人们的审美需求。这就必须知己知彼:一方面需熟悉和了解西方绘画艺术的长短得失;另一方面要研究和分析本民族传统艺术的精华和糟粕。
对于身处内忧外患频仍,科技、经济落后国度中的众多青年来说这两方面的修养无疑都是不够的。其次,现代主义艺术发端于西方现代工业社会,是西方社会经济、科技、文化、艺术发展的必然结果。一个现代主义艺术家应是生活在现代工业社会中的现代人。正如淮南的橘到了淮北便成了枳一样,离开现代工业社会的环境和土壤,现代主义艺术家失去了生活的基石,很难产生现代主义艺术家应有的情感和创作激情。没有现代工业社会培育的现代主义艺术的参与者与欣赏氛围,可以想象要创作出现代主义艺术作品是多么艰难。庞薰琹曾在《薰琹随笔》中写道:“猴子喜欢学人的种种动作,有时学得很神似,但是猴子总是猴子,人总是人。历史剧中拿破仑虽然穿着拿破仑的衣服,说拿破仑活着时所说的话,但是总只是一个演员,而不是拿破仑。何况是表现艺术家自我的艺术?”⑾再次,从社会政治角度来看“艺术不可能脱离国家民族而孤立存在,它不是随民族觉醒、振兴而获得新生,就是随民族沦落、灭亡而沉落”⑿决澜社等众多美术群体的解散,不言而喻是时代选择的结果。尽管每个人都有自主性,但每个人又都生活在大的社会历史背景下。所有的艺术家、所有的艺术作品都必须放在其所处的时代中进行考察才能找到相应的位置。这极大地损伤了那些不合潮流的天才艺术家;极大地损伤了那些确有创造性、但又不得不在这个时代被淹没的艺术家及其作品。这是无可奈何的。
决澜社落幕后,为了生计庞薰琹不得不离开上海,辗转杭州去北平任教。从某种意义上说,决澜社的解散是庞薰琹绘画艺术道路的重要转折点。其后,对中国传统装饰纹样的研究是促使他最终摆脱西方现代主义艺术束缚的重要原因。三十年代的中国,一个油画家除了到学校去教学以外,几乎没有其它的谋生办法。1936年9月应李有行先生之聘,庞薰琹赴北平艺专任教。不是受聘于西画系,而是受聘于图案系,这使庞薰琹有机会接触到装饰纹样。艺术事业,尤其是美术在封建社会常常被认为是“壮夫不为之事”;而装饰纹样则更属于“画续之事”为历代“名士”所不屑。所以世代相传并在我国文化史上占据重要地位的装饰纹样很少有人去整理。20世纪二十年代后,一批有志于振兴民族文化、民族艺术的志士开始了多方面、系统的整理研究。庞薰琹即是其中骨干之一。1939年起庞薰琹着手研究中国古代装饰纹样。从中他认识到祖国文化艺术的博大精深,感到作为一个中国艺术家认识祖国文化遗产是多么必要。因此尽管闻一多等人不赞成庞改变先前的绘画风格,但“事实上做不到”。
抗日战争爆发后,庞薰琹到了云南,在中央博物院研究文物。这期间他通过与菜农、屠夫、花匠的接触和交往,了解到人民生活的疾苦,也体验到穷乡僻壤纯朴的民风,增进了他与乡民的情感。特别是后来他不辞辛苦、想方设法深入到“地无三尺平,天无三日晴,人无三分银”的贵州少数民族地区收集民间装饰资料,对其中西融合艺术思想走向成熟起着决定性的作用。
浏览量:2
下载量:0
时间:
儿童画包括的内容广泛,题材多样。不论是国外儿童抽象、夸张的绘画手法,还是国内儿童所创作的细致精美的装饰画,其共同之处是他们在色彩上都是以红、黄、蓝等丰富夺目的颜色为主,画面整体明亮、鲜艳,给人以活泼跳跃分外醒目的感觉,这正是孩子们画画的主要特点,也是儿童画较成人画不同之处。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈色彩在幼儿教学中的心理影响相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:随着我国国民素质的不断提升,教育起着主导作用,作为基础教育的幼儿教育的地位也不断提高。其中幼儿阶段的美育对幼儿的成长成才十分重要,幼儿阶段是幼儿对色彩认知的关键阶段,是整个幼儿美育培养的基础阶段,因此,对幼儿色彩教育方法的研究很有必要。本文主要探讨了色彩在幼儿教学中的研究背景、意义、具体运用和色彩心理影响等。
幼儿美术教育在儿童的心理健康和人格完善方面的教育作用,是一个新的研究领域。此项目正是在这一理念下,通过改进现有的幼儿色彩教学,结合长期的教学效果反馈和分析,形成一种新的色彩教学方法。以《幼儿园教育指导纲要》的要求为基础,在幼儿园色彩教学实践中引入儿童心理干预的最新研究成果,形成教学方法,加以实践。艺术教育是调节儿童心理的有效途径,我们的项目研究是这种教育观的具体应用环节,具有重要的实用价值。
《幼儿园教育指导纲要》指出,幼儿园教育应当贯彻国家的教育方针,坚持保育与教育相结合的原则,对幼儿实施体、智、德、美诸方面全面发展的教育。尽管《纲要》在幼儿园的活动教学中已经实行多年,但真正地把握幼儿心理的特点,并进行美术色彩干预的方式几乎是空白,现在大多数幼儿园的美术教学没有把握幼儿心理特点,还是运用教小学生美术的方法来教幼儿美术,对于幼儿来说,这样小学化的美术教育,形式就会显得过于死板,方法过于僵硬,从而让很多孩子失去了学习的兴趣。
美术是幼儿的另一种表达认识和情感的语言。它能激发幼儿表现美和创造美的情趣,能鼓励幼儿大胆运用不同的艺术形式表达自己的经验、感受和体验;教师要理解幼儿并积极鼓励幼儿创造与众不同的表现方式,注意不要把艺术教育变成机械化的技能训练。
在幼儿教学中,美术是根据不同年龄幼儿的特点,针对儿童在绘画、动手操作及美术欣赏中出现的智力或非智力因素,并依据长期的学习经验,来开发幼儿的想象力、创造力和促进幼儿思维的发散,达到美育的效果的一种艺术,美术既能反映现实美,又能创造艺术美,而色彩则是美术的重要组成部分。
色彩的本质是光。色彩是以光为主体的客观存在,对于人则是一种视觉感觉,这种感觉包括三个要素:一是光,二是物体对光的反射,三是人的视觉器官――眼。光与人类的生命息息相关,生命离不开光,即生命离不开色彩,特定的色彩在我们身体的各个器官中也有体现,当光的不同波长作用在人的视觉器官产生色感时,会使人产生某种带有情感的心理活动,这就是色彩对人类身心的影响的一种特性。色彩是通过人的眼、脑和生活经验所产生的一种对光的视觉效应。色彩是将视觉元素搭配组合成新的视觉形象,是人在接受光的刺激后,视网膜的兴奋传达到大脑中枢而产生的感觉。色彩不同于颜色,颜色是色彩的具体表现形式之一。在幼儿的教学过程中,色彩不仅是幼儿对颜色的种类的一种认识,更是幼儿对现实生活的反应和内心世界的一种表达。色彩心理学是研究人对色彩感觉、知觉、记忆、想象、思维等心理活动规律的科学。
(一)从色彩到色彩心理学
说起在近代的色彩研究,就不得不提起两位伟人――牛顿和歌德,他们因色彩而被紧紧地联系在一起,纵然生活的年代相差近百年,但对色彩的研究着实让人惊叹,因此被称为色彩研究的奠基人和倡导者。牛顿用科学实验来解释自然的方式把光分解为七原色,而将这种七原色光综合起来就会还原成白色光,这就是牛顿发现的所谓的“混色原则”,因此树立了自己在光学领域里的权威地位,建立了色彩领域的“共和国”。
歌德的理论观点与牛顿的理论观点大不相同,为此他还用著作《色彩论》诠释自己的观点。他是最早注意到色彩与情感之间联系的人,他认为颜色的显现是通过对比展现出来的,色彩具有轻重感、冷暖感、强弱感,不同的颜色会给人以不同的色彩联想,因此有人甚至将歌德视为现代色彩心理学的开山鼻祖。
(二)从心理学到色彩心理学
自古以来,人们就没有停止过对心理探寻的脚步,从希波克拉底的“体液说”,到荣格的性格类型,再到一些发达国家进一步对色彩心理学进行深入的研究,特别是日本、美国,并出现了一大批以研究色彩心理学为内容的书籍,如:最近几年,出现的具有实用性的石井亚由美的《别笑,我是色彩心理学》,原田玲仁的《每天懂一点色彩心理学》等等;在国外,色彩心理学很早就被引入到幼儿的心理教育学校日常教学当中,美国著名儿童心理学家阿尔修勒博士,曾进行过为期一年的儿童色彩调查研究,并将他的研究成果广泛作用于现代教学当中。在国内,近几年,随着色彩心理学理论的不断发展与完善,使越来越多的人开始认识并且关注色彩心理学。同时,越来越多的国内教育工作者开始关注这个在近几年迅速发展的学科,并有意识地引入到日常教育教学工作当中,也有越来越多的关于色彩心理学与教学的论文发表并引起了广泛的关注。而在幼儿园日常教学活动中,色彩心理学以其去无所不在的特征和不经意间潜移默化的影响已在不经意间被运用于幼儿的教学当中,当然真正成熟的,有效地运用于幼儿教学中的实例却寥寥无几。
(一)现实价值
色彩与幼儿的心理及情绪,有着相当大的关联性,是项灵敏的指示器。色彩偏好与性格有很大的关系,幼儿对色彩的选择甚至可以透露出他当时的情绪是快乐的还是忧伤的。对颜色无意识的选择习惯可能诠释了幼儿内心的秘密,他的深层个性与气质特征,幼儿极端的热爱某一种颜色,证明了其个性特点存在突出的问题,这种突出的个性特征常常是幼儿优缺点的“释放点”,这个时候教师要找准了这个“释放点”,正确地对幼儿进行引导,这样对其进行色彩的教育可以更加地有的放矢。既然颜色诠释了幼儿内心的秘密,我们可以运用简洁有效的“色彩引导”方式,如运用冷暖色调的对比,色调渐近的方式,或多让幼儿欣赏其他颜色的艺术作品,这样不仅弥补幼儿“极端个性”的缺陷,又培养了良好的审美习惯,又能在正确的价值观引导下促进幼儿个性的发展。 作为一名幼儿园教师,如果能在效地掌握色彩和色彩心理学的基础上,并能在日常的教学工作中有效地、灵活地运用,这对幼儿园的教育教学活动的展开是非常有意义的。
(二)理论价值
通过色彩心理学在幼儿园的活动教学中的运用,能够使幼儿园、教师、家长更准确、快速地掌握孩子的情绪情感、心理动向,进而弥补其他活动领域的不足,并辅助常规的理论教学活动,培养幼儿积极健康的心理、实践能力和创新能力,让幼儿快乐的成长,并取得良好的教学效果。
幼儿认识色彩的过程从认知方式的转变,到色彩感觉的培养,到色彩心理在幼儿教学中的应用,再到幼儿在美术学习中存在的问题。
(一)认知方式的转变
3―4岁是幼儿的色彩敏感期,这时的特点是幼儿开始对色彩产生感觉和认识,开始在生活中不断寻找不同的色彩,人类认知的发展正是从感觉训练开始的。
但是现在,在幼儿园的艺术教学活动中,其中特别是色彩认识教学中存在很大的问题,仍然采用的是传统的色彩认知方式。传统的幼儿色彩认知方式是老师拿出色彩图片或相应的图书机械地教幼儿进行认识记忆,教师再用简单的游戏来进行强化,来达到认识的目的。说实在话,这样的方式确实会让幼儿准确地认识色彩,然而这种填鸭式的教育方式会大大降低幼儿的学习兴趣,这对于幼儿的整体的身心发展是非常不利的。针对这种现象,我们根据幼儿的兴趣和好动的天性出发,探索出一种新的认识色彩的方式,即运动认识法。教师在讲色彩时应准备饮料瓶若干,并装多半瓶水,提前把颜料放入瓶盖内(不让幼儿看见),教师做示范,引起幼儿的学习兴趣,幼儿再通过亲手摇晃水瓶的方式来认识色彩。经过幼儿园的实践演练发现,幼儿在进行此活动时,一方面颜色的变化会刺激幼儿的视觉,进行记忆,另一方面身体的跳跃和手臂的摇晃等肢体动作的协调进行会加深记忆。事实证明,这种愉快的方式远比机械的记忆效果显著,同时可以在幼儿的交叉活动教学中进行有效的运用,如社会领域活动等。
这种“游戏化”的教学手段,让幼儿在愉快的氛围中学习,不仅尊重了幼儿的自主性,同时又理解、重视了幼儿的情绪情感,满足了幼儿的心理需求。
(二)色彩心理干预在幼儿教学中起着至关重要的作用
《指南》指出,要培养幼儿去感受美、发现美、创造美的能力,培养幼儿对色彩的感觉,这时教师就应该给幼儿提供丰富多彩的材料,不同主题的版块、琳琅满目的游戏区角、优秀的艺术作品的欣赏等来调动幼儿的色彩感知能力,让孩子无意识地进行色彩交流。另外,在主题的环境创设中教师应有意识地通过色彩对幼儿进行心理调节和渗透,也可以针对幼儿的个性差异组织一些活动或游戏进行个别指导。
根据日本色彩大师野村顺一的调查研究可知,幼儿喜欢颜色的顺序是黄色、白色、粉色、红色、橙色,它完全不同于成人的色彩喜好。
色彩的喜好与幼儿的性格特点有着密切的联系,喜欢不同颜色的幼儿性格也大不相同,比较明显的是,喜欢红色的幼儿多为外向型,活跃,精力旺盛,但脾气易暴躁,自制力较弱;喜欢黄色的幼儿好奇心较强,乐于探索新事物,有很好的自我调节意识,但有时行动会较为自由散漫;喜欢蓝色的幼儿感觉敏锐,冷静,有较强的自控力,但有时会比较自我;喜欢绿色的幼儿率真,平和,富于忍耐力。色彩心理是幼儿对客观世界的主观反应。作为教师就更应该注意幼儿心理感受,通过色彩的调节使幼儿得到心理的满足。
通常教师可以通过幼儿园的相关色彩教学活动来判定幼儿的性格特点,但教师绝不能因为幼儿喜欢的颜色就定义幼儿的性格,幼儿对某种颜色偏爱才能能体现幼儿的性格特点,而且这种喜好是受多方面因素的影响而产生的,如家庭成员对幼儿颜色的引导性、幼儿现阶段的心理状况、周围环境的影响等。
(三)幼儿在美术学习中存在的问题
由于成人评价观念落后,只注重绘画技能训练,大大忽略了幼儿的创造性的发展。
现在很多家长都特别重视幼儿的艺术教育,把孩子送到美术班学习,而很多的美术班为了向家长展示孩子学到了美术知识,就特别注重幼儿的绘画技能、技巧,如:画出优质的线条,临摹优秀的艺术作品。优质线条的绘画要求不利于幼儿小肌肉群的发育,这种不考虑幼儿身体发展状况的学习行为,会使幼儿沦为绘画的“小技工”,而非真正的感受、发现,创造艺术的美;与此同时,不可否认临摹优秀艺术作品对提高幼儿审美能力有着极大的益处,但一味的模仿恰恰束缚了幼儿自我创作的天性,这种机械的、缺乏自主性的、不考虑幼儿的心理年龄特点的学习方式,会大大降低幼儿对美术学习的兴趣。以上这两种美术的学习方式只会使幼儿变成所谓的“乖宝宝”,这样的美育教育又有什么意义呢?
使用色彩心理教育的方法进入幼儿的内心世界,不仅可以满足幼儿们在心理上的心理需要,还能帮助幼儿提高他们的能力,让幼儿达到心理上的自我完善和自我认同。
随着时代的进步与发展,色彩在幼儿教学中的影响日益显著,这就要求在各级幼儿园的一线教学活动中,在一线幼儿英语教师的队伍中,能不断地学习色彩及色彩心理学的应用,能够花费一点时间不断创造出新的教育教学方式,为幼儿在健康、快乐的氛围中学习奠定良好的基础。有效的学习,从来都是快乐的。
相关
浏览量:2
下载量:0
时间:
在世界整体信息化、全球化的潮流下,设计的民族风格和人文特色在多元化发展中备受重视,我们可以感受出现代平面设计所显示的人文本土意识的回归,根植于中国传统文化的民间美术色彩,其独具特色的赋色体系应用于平面设中,将具有十分重要的意义。以下是读文网小编为大家精心准备的:中国民间美术色彩在平面设计中的应用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
中国民间美术色彩在平面设计中的应用全文如下:
摘要:色彩是民间美术的重要构成元素,不仅具有审美的功能,更是一种独特的文化语言,体现了作品创作者的思想和情感。近年来,随着艺术设计领域的不断创新和发展,民间美术色彩在现代平面设计中的应用愈发广泛,从而开拓出具有民族性与世界性的设计之路。鉴于此,本文对中国民间美术色彩在平面设计中的应用进行了探讨,以期对相关从业人员有所借鉴意义。
民间美术是中华瑰宝中的重要组成部分,是劳动人民在漫长的生活和劳动过程中创造的,反映当地民俗、民风的美术作品。这些美术作品形态各异、风格多样,贯穿于人们生活和精神世界的各个领域。正是由于扎根于民间,民间美术得到了广泛的应用,有的用于日常生活,例如结婚用的嫁衣、儿童穿的虎皮帽、长命衣等;有的用于环境装饰,例如我国春节时贴的年画、房间玻璃上的剪纸等等。这些民间美术作品大多制作精巧、构思奇特,不仅具有一定的使用价值,而且极具审美价值,表现出创作者对美好生活的热爱,对人生积极乐观的态度,具有鲜明的浪漫主义色彩。
色彩是中国民间美术作品中重要的构成要素,也是美术作品情感表达的重要载体。在视觉艺术中,色彩给人的视觉印象更加深远,具有先声夺人的作用。当人们在欣赏某一作品时,最先关注的是色彩,然后才是形状,再是细节,这充分说明了色彩在艺术设计中的重要性。进入现代社会后,现代人的审美意识得到了很大的提高,对颜色美感的要求越来越高,色彩在平面设计领域得到了广泛的应用。所谓平面设计是指设计师在平面空间内,利用图形、颜色和字体等元素,根据各种创意和想法来传播信息和表达情感,平面设计的最终技术手段是现代印刷技术和电脑喷绘技术。
1、吉祥物设计中的民间美术色彩运用
吉祥物是中国的特色,是古代人民在与大自然斗争中形成的原始文化,中国民间的吉祥物多种多样,不仅有龙、凤凰等吉禽瑞兽,也有喜鹊、羊、牛等大众化的动物。不管何种模样的吉祥物,都代表了人们求吉祥、保平安的思想情感。直到今天,吉祥物依然在我国生活中频繁出现,象征着现代人追求幸福和美好的愿望。由于吉祥物富含中国传统文化,体现中国民族精神和特色,因此在吉祥物色彩设计中大多借鉴民间美术色彩,例如2008年奥运会的福娃就是成功的杰作之一,设计师在设计福娃时,为了将现代设计与传统文化有机结合起来,展现中华民族的文化内涵和民族精神,采用中国五行的金木水火土,来设计出五种不同颜色的福娃,五个福娃、五种造型,五个颜色,诠释出浓浓的奥林匹克精神,并传递出中华民族爱好和平、追求和谐相处的理想和追求,全世界都感受到中国文化的魅力。
2、招贴设计中的民间美术色彩运用
招贴是指被张贴于楼宇、公交车或者车辆上的印刷广告,是户外广告重要的形式之一,大多用于商业或者公益宣传,起到广而告之的目的。公众对招贴的第一印象就是通过色彩得到的,招贴中的色彩起到了烘托主题、表达情感的目的。因此设计人员在招贴设计中,需要着重考虑颜色的选择,来形成强烈的视觉冲击,引起大众的共鸣。事实上,在漫长的历史发展中,颜色的观念已经深深的影响到每一位国人,尤其是民间美术的色彩元素,其扎根于民间,有着广泛的普及性和认可度。很多设计师纷纷将民间美术颜色用于招贴设计,纵观一些知名平面设计大师的作品,都将色彩的运用发挥得淋漓尽致。
例如日本著名设计师衫浦康平根据中国传统文学西游记中的新悟空为原型,设计了一款形象逼真、颜色鲜艳的京剧海报(图1),作品以黑色做底,采用京剧戏服的明黄色进行搭配,黄黑颜色之间形成鲜明的对比,产生强烈的视觉冲击,再配上红底黑色的汉字,不仅展现了逼真的人物形象,又传达了京剧的艺术魅力,给现代设计风格带来一股清新的空气。香港著名的设计师靳埭强,创作了大量的文化招贴。靳埭强先生深受中国传统文化的影响,在他的作品中,经常会看到民间美术颜色的巧妙运用。例如靳先生的代表作之一《儒传天下》(图2),该作品用明黄色做底色,配上鲜艳的红色字母“C”。事实上,在颜色的搭配上,大红颜色做主调、黄色做辅的作品十分常见,红色让人想到火光之热烈,黄色是彩色中的亮色,红与黑的搭配是火热与明亮的融合,突出了节庆的氛围,给人一种热闹、喜庆、浪漫的感觉。该副作品中就是采用了红黄搭配,一方面展示了现代中国向全世界开放的心态,展现了中国人的热情和好客。另一方面也诠释了儒家文化的精神,彰显孔子的尊贵。
2008年北京奥运会的申奥标志(图3),采用了传统美术作品中黑色、黄色、青色、红色配以白色作为底色,然后用太极图的形式展示出来,该作品不仅契合奥运精神,而且渲染了中国传统文化,给世界友人带来视觉上的冲击和享受,这也是现代平面设计与传统民间美术色彩相融合的典范。
3、中国民间美术色彩在包装设计中的应用
中国传统的色彩强调传神、写意的韵味,富于装饰性,配色崇尚平淡自然、朴素幽深的意境,这与现代包装设计倡导的理念极为贴近,而在我们生活中的许多包装设计都体现了中国民间美术色彩的韵味。中国民间美术色彩的应用手法为现代包装提供了丰富的素材。著名设计家陈幼坚,他将东、西方文化在他的设计理念中更为合理地融合在一起。他成功地融合西方美学和东方文化,既赋予作品传统神韵又不失时尚品味的优雅,他的设计作品中国风味浓重,却又不失优雅精细。如他的包装设计作品《英记茶庄》(图4),幽雅而传统的红色,与黑色的巧妙搭配,使我们仿佛嗅到阵阵茶香,并体验到浓浓的中国味。
总之,民间美术是中国传统文化的重要组成部分,在几千年的发展中,中国民间美术形成了独特的艺术特性。色彩是民间美术情感表达的方式之一,是当代人审美心理、文化观念的反映。尽管今天中国发生了很大的变化,审美多元化和个性化的趋势不断强化,但不可否认的是,民间美术色彩体现出强烈的生命力,未来将得到广为广阔的运用。
相关
浏览量:2
下载量:0
时间:
中国民间美术中的色彩体系庞大、内涵深刻。色彩不仅是中国民间美术的视觉元素,也是创作者在所处时代和文化背景下思想与情感的体现。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈民间美术中的色彩相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:民间美术中的色彩让创作者与观众进行直接的对话,以不同色彩表达其特定的观念,反应了民间美术传统习俗及审美观念的延续和发展,处处体现出民间特有的信仰,烘托我们整个民族的印迹。朴实的民间艺人用最淳朴的五色体现了生活中的喜怒哀乐,让人们在欣赏民间工艺的时候通过视觉冲击就能清楚地感受到作品想表达的寓意,这也是这种“简单”色彩的独特魅力使其能在中国民间艺术长河中一直长流的原因。
民间美术色彩是创作者与受众进行对话的一种文化语言。古人独有的“五色”色彩观念,使中国色彩区分于西方的“色调”理论,正是因为中国色彩有自己的调色,赋色法则,虽然制约着华夏民族的色彩选择,却赋予了中国民间美术色彩的文化内涵。
民间美术的色彩首先是用来饰美娱乐。其是在民间工艺赋彩法则上一般多用鲜艳的原色,少用或不用兼色。由此使得整个画面色彩明亮鲜艳,对比鲜明强烈,概括性强,主观色彩较为浓重,突出吉祥喜庆红火热闹的气氛。当然,除了对比热烈、色彩浓重的农民画,我们也能找到有追求雅致调和的色彩效果的工艺品。但是无论哪类色彩的运用,却又都是写意不写形,不求现实的真实,色彩大胆明了。
在欣赏民间工艺品中中我们明显能感受到色彩搭配体现出的是朦胧的明度,色彩、色相的冷暖以及面积的搭配与对比。明度的对比使画面疏朗、透气,色调清新,而多种色彩冷暖的不同和面积大小的对比则易产生丰富,绚丽、热闹红火的气氛,这种色调风格也正是民众喜爱并表达思想情感的最恰当的形式。同时,色彩的冷暖对比丰富、强烈,极具现代装饰色彩效果。
根据心理学的研究表明,色彩最能引起人们奇特的想象,它最能拨动感情的琴弦。色彩效果不仅体现在视觉上,更体现在象征意义上,使大众得到心理上的体验和理解,从而得到心理上的满足。所谓“象征”,就是用以代表、体现、表示某种事物的一种物体或符号,重视色彩的象征性使之在我国历史上有着自己的传统。民间色彩象征意义丰富,根据华夏民族古老的五色观进行组织搭配,在五色(青、红、黄、白、黑)的观念内涵上,根据需要去突出某一色的主旋律,以达到表达审美和生存上的追求。
在民间美术创作中,对色彩的文化内涵和象征意义的依托是时常要遵循的。“红红绿绿,图个吉利”这句流传在老百姓中的口头禅,作为一般的民间艺诀,可以说是整个民间美术的色彩特征。“图个吉利”是在传统的民间文化观念下表现出的审美观念,以表达求生、趋利、避害等功利意义为主。色彩的这种观念性的象征意义被纳入包罗万象的中国古代宇宙论的框架中,与传统的价值观、哲学思想、等级意识、宗法观念、伦理道德相互交融,具有深厚的文化底蕴和丰富的内涵。
从民间工艺设色的整体观念和特征来看,不难发现其对传统的色彩观念有依有背,既遵循了传统色彩的象征、意义和内涵,具有深沉的文化底蕴,同时又重视色彩的视觉审美效果,呈现出斑斓多彩的热闹景象。可以这样说,色彩在民间既是观念的、历史的,又是现实的、审美的,它不仅诉诸于视知觉,同时还受到文化传统、环境的制约,包含着丰富的社会内容。因此对民间美术色彩的认识就不能仅仅停留在现象的描述上,而必须对包蕴其中的观念性涵义和文化历史内容予以领悟和把握。
民间美术的色彩,是根据华夏民族古老的五色观进行组织搭配的,在五色的观念内涵上,根据需要去突出某一色的主旋律,以达到表达审美和生存上的追求。民间美术的色彩不同于西方的色彩美学,从固有色到条件色,进而到纯科学的色彩分解。也不同于宫廷画、文人画所追求的审美情趣,显而不露的淡雅超俗,发展到墨分五色而代之。那是非民间的物质生活条件及文化熏陶所决定的。民间美术的色彩,是意念造型的自由理想色,色彩的抒情意义只是就基本的艺术精神和整体对应的关系而言的,对色彩的具体把握有时缺乏更自觉、更个性化的色彩感受,而往往以能激扬感官亢奋作为潜在的自然依据,带有原始的自然选择印记。使读者更清晰地了解民间美术色彩的选择不是纯客观视觉的,而是以伦理化和宗教化的色彩选择习俗为根据的。
历代传承的色彩选择习俗赋予民间色彩以独特的“语义”,使供人娱目的色彩富有深刻的文化意蕴和丰富的历史内容。通过进一步的研究,我们不难发现色彩在民间美术里不仅仅是一种视觉美感的呈现,根本的意义在于它首先是情绪和情感的刺激和对应物,是积极乐观情感的宣泄。民间美术的色彩真实反映了劳动人民的内心世界,情感体验及歌颂理想、乐观向上的浪漫主义理想。
民间美术的色彩是千百年来劳动人民集体意识和劳动积累而来的经验结晶,表现了他们的愿望、心理、信仰和生活观。因而与民俗活动有着极为密切的关系,所以它们的用色十分单纯,在生活中产生并服务于生活。所以民间美术的色彩是最自由、最有生命力,没有雕刻,不做作用最简单寓意着民族风俗的形式。但是这些朴素的文化财产正在时尚的潮流中流失,希望大家重视和保护。
相关
浏览量:3
下载量:0
时间:
创新是当今社会的一大主题,也是一大难题,创新不仅关系到国家,社会,而且还关系个人。课程教学创新关系到学生的素质教育全面发展,尤其是在新课程改革的背景下,创新应该放在首位。以下是读文网小编为大家精心准备的:东南亚风格引入色彩构成课程的教学创新相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:东南亚风格是近几年热门的一种室内设计风格,其家居轮廓简洁圆润、线条流畅,材质天然、色彩为回归自然的大地色系、图案采用动植物图案元素等方面内容,如果把东南亚风格引入到色彩构成的课程教学之中,可以引导学生在项目式的设计实践过程中把东南亚风格融入自己的设计作品之中。在这样一种教学创新下,不少学生都能设计出兼具新颖创意与区域特色的优秀设计作品。
“东南亚风格”主要指的是室内设计中的一种风格流派,也是近几年大热的一种家装风格,不论是餐厅、工作室、家庭住宅都很喜欢采用东南亚风格来进行室内装修。那么这究竟是怎样的一种设计风格呢?这样一种室内设计风格又应该如何运用于色彩构成课程之中呢?这些问题将是笔者在下文中要展开讨论的内容。
(一)地理位置。东南亚(Southeast Asia)位于亚洲的东南部,包括中南半岛和马来群岛两大部分。中南半岛因位于中国以南而得名,南部的细长部分叫马来半岛。
东南亚地区共有11个国家:越南、老挝、柬埔寨、泰国、缅甸、马来西亚、印度尼西亚、文莱、菲律宾、东帝汶、新加坡,面积约457万平方千米。
(二)气候特点。东南亚地区的经纬度位置是 92°E-140°E ,10°S-23°26’N,绝大部分是热带雨林气候和热带季风气候。北纬10°至南纬10°为热带雨林气候;北纬10°至北纬20°之间以热带季风气候为主;中南半岛北部有小面积的高山高原气候。
(三)经济发展。东南亚各国拥有丰富的自然资源和人力资源,为经济发展提供了良好的条件,形成了以季风水田农业和热带种植园为主的农业地域类型。
东南亚是当今世界经济发展最有活力和潜力的地区之一。东南亚地区除新加坡外其余国家经济均落后,在未来新的世界政治、经济格局中,东南亚在政治、经济上的作用和战略地位将更加重要。东南亚是中国的南邻,自古以来就是中国通向世界的必经之地。在历史上,绝大多数国家就与中国有友好往来,在政治、经济、文化上关系密切。在悠久的历史交往中,中国人民和东南亚各国人民就结下了深厚的友情。在未来的历史进程中,随着中国和东南亚国家经济建设的飞速发展和社会进步,双边和多边的友好合作关系也将进入一个不断发展、更加密切的历史时期。
“东南亚风格”一直以来主要指的是室内设计中的一种风格流派,因此笔者在此主要总结其在室内设计中的风格特点。
(一)轮廓与材质。东南亚风格是一种结合了东南亚民族风情岛屿特色及精致文化品位的家居设计方式,家具的外轮廓简洁圆润,线条流畅生动,家具的材质大都就地取材,广泛地运用木材和其他的天然原材料,如室内常见如藤条、竹子、石材、青铜和黄铜和木制的家具。
(二)色彩特征。东南亚风格的室内设计注重手工艺、重视细节设计和软装饰,室内设计多以暖色调为主。家具材质因多用木材和其他天然材质,所以深棕色、土黄色、咖啡色、浅米色等回归自然的大地色系构成东南亚家居的特色。斑斓的色彩其实就是大自然的色彩,明黄、果绿、粉红、粉紫、孔雀蓝等等香艳的色彩化作精巧的靠垫或抱枕,跟原木色系的家具相衬,香艳的愈发香艳,沧桑的愈加沧桑。同时,东南亚地区因多信奉佛教和伊斯兰教的关系,金色、白色、紫色、暗红、墨绿等色也是室内设计中常用的色彩。
(三)图案元素。东南亚风格的装饰图案常采用自然元素的动植物,阔叶类植物、大朵的花卉、吉祥的大象、骆驼、蒙面纱的美女及椰子壳、香蕉、咖啡豆等植物果实都是家居装饰图案中常用的元素。也因为东南亚地区的民众多信奉佛教的关系,常常出现佛教相关的莲花、佛手、忍冬花纹、飞鸟、鱼等元素作为家居的装饰元素。
“构成”是一种造型概念,指的是将不同形态的几个元素重新组构成一个新的元素。构成课程的学习是设计专业学生必须的基础课程,是现代艺术设计基础的重要组成部分,构成课程是一种艺术训练,引导学生去了解造型观念,训练抽象构成能力,培养审美观,为今后的设计专业学习打下基础。
构成课程一共三门,由平面构成、色彩构成、立体构成组成,统称为“三大构成”。色彩构成是“三大构成”课程学习中的第二门课程,在上一门的平面构成学习中学生已经学会在二维空间中通过点、线、面的形式来描绘物体形象,通过探索各种元素的构成规律,设计出既严谨又有无穷律动变化的装饰构图。色彩构成课程则是通过引导学生学习色彩知识,根据人们长期形成的对色彩的感觉,而产生的一种思维定势,而立体构成是建立在前面两者的基础上,在三维空间中遵循美的原则,使用各种材料将元素组合成新立体造型的过程。立体构成所研究的对象是立体形态和空间形态的创造规律。因此,色彩构成是一门承上启下的课程,在整个设计类基础课程的学习中及其重要。
笔者之所以想到要把东南亚风格引入自己的课堂教学之中,是基于所处的区域及所在学院的发展方针和东南亚风格未来持续热门的发展前景这几个方面因素来考虑的。
笔者所居住的城市是广西自治区的首府南宁市,广西南濒北部湾、面向东南亚,西南与越南毗邻。2003年10月8日,中国国务院温家宝在第七次中国与东盟(10+1)领导人会议上倡议,从2004年起每年在中国南宁举办中国―东盟博览会,同期举办中国―东盟商务与投资峰会。这一倡议得到了东盟十国领导人的普遍欢迎。从2004年11月以来至今,中国―东盟博览会已成功举办了十届,促进了中国―东盟自由贸易区建设。中国―东盟博览会是中国境内唯一由多国政府共办且长期在一地举办的展会。其以展览为中心,同时开展多领域多层次的交流活动,搭建了中国与东盟交流合作的平台。 在东盟博览会举办的这十年里,南宁市发生了翻天覆地的变化,政治、经济、文化各个方面都有了快速的发展,其中最有的特色的便是东南亚各国的文化艺术都在这座城市里遍地开花,街上随处可见的东南亚风味餐馆、东南亚服饰品店、东南亚风格建筑等等,这些都受到了南宁市民的喜爱,东南亚风格在这个区域有着极大的发展前景。
尽管东南亚风格在本区域有着极大的发展前景,设计行业对精通东南亚风格的设计类人才的需求也非常大,但笔者通过调查研究发现,在本区域现有的高校中还未有一所高校的设计专业把这样一种极具特色的设计风格引入到课程教学之中,因此笔者在对东南亚风格进行了详细的调查研究之后,决定把这种风格引入到自己的课程教学之中。
项目式教学是我国高校设计专业教学中常用的一种教学模式,是通过把企业或公司的实际设计项目引入课堂教学中,引导学生在课程学习中去完成某个具体的设计项目的一种实践教学方法。
在以往的色彩构成课程教学中,笔者也会在后期让学生做一些设计项目,虽然学生的作品中不乏优秀的设计作品,有创意但却不具备特色。经过笔者这几年的教学探索,笔者便决定在运用项目式的教学模式中,把东南亚风格引入色彩构成的教学课堂。色彩构成课堂学习中,在带领学生学完色彩构成的基本知识之后,便给出了学生一个具体的设计项目,要求学生自组3-5人的小团队共同合作来完成设计项目。笔者给出的这个设计项目的主题及内容要求都是与东南亚风格有关的,因此也就引导了学生开始自主去调研东南亚风格的特征,及其运用到设计中的方式,并把收集到的资料与设计元素运用到了自己的设计之中。通过为期一个月的课程训练,学生不但对东南亚风格有了深入的了解,也设计出了兼具创意与地域特色的设计作品。
常言道:兴趣是最好的老师。笔者认为只有引导学生把作业变成自己的兴趣爱好,学生才能设计出更好的作品。笔者把东南亚风格引入到了色彩构成的课程教学实践中后,学生对这种平时极少接触到的风格非常新奇,因此也就有了极大的热忱去调查研究这种风格,并把所了解到的设计元素与个人的创意结合后运用到了自己的设计之中,创作出了许多具有区域特色又不失新颖创意的设计作品。
虽然东南亚风格在建筑与室内设计中盛行,但是在平面设计中却及其少见。笔者认为东南亚风格是一种极具魅力与区域民族特色的设计风格,其包含的色彩特征、图案元素若能运用到平面设计作品中,将会是一种新颖而又充满地域风情的设计风格。在今后的设计专业课程教学中,笔者将继续把东南亚风格引入到自己的课堂之中,让学生在四年的设计专业学习中学到有特色的专业知识。这样才能更好地提高学生今后的就业能力。
笔者通过几年的教学实践,得出了一些教学经验及体会,于是有了上述关于教学改革的思路,这也是笔者对教学创新的一次思索,期望笔者的探索能为我校设计类专业在今后的教学改革中提供些许参考,也期望自己的研究能为高校的教学改革与创新做出一份贡献。
本文也是笔者所参与的2015年度广西高等教育教学改革项目“时代审美需求下的艺术设计学人才培养研究与实践”的阶段性研究成果之一,期望通过自己的这些教学探索,能为课题的完满结题尽一份力。
在此,谨向那些曾经在历史的长河中,用双手创造美、追求美的散落在民间的艺人致以崇高的敬意,正是他们的存在,为我们今天的艺术创作激发了无穷无尽的灵感,也向那些在教学生涯中,推动教学事业不断前进的优秀教师们致以崇高的敬意。
相关
浏览量:2
下载量:0
时间:
随着现代科学技术的不断发展,尤其是动画电影出现之后,为我们的娱乐生活增添了色彩,也留下了无数的艺术享受。从20世纪80年代的美国动画电影到90年代的日本以宫崎骏动画电影为首的动画电影行业繁荣发展,再到我国刚刚处于起步阶段的动画电影行业,都难以脱离色彩语言的表达。以下是读文网小编为大家精心准备的:动画电影中色彩元素的运用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要: 动画电影作为社会精神领域的重要组成部分,在现代社会中的影响力越来越广泛,给人们的文化生活带来了丰富的视觉享受。从最开始的美国动画电影发展到以宫崎骏为代表的日本动漫电影,以及中国动画电影的起步发展,都与色彩元素都有着密切联系。本文拟从色彩在动画电影和实拍电影之间的区别为出发点,分析解色彩的作用,探讨色彩在动画电影中的具体运用。
现代化的动画影片具有着重大的感染力与吸引力,其正从视觉、听觉这两方面征服着愈来愈多的观众。色彩元素作为构成动画影片的重要视觉组成部分,已经发展成为当前动画影片的关键研究领域。动画电影从过去的黑白、无声、二维发展至今天的彩色、立体声以及三维动画,色彩元素在这之中发挥着至关重要的功能与价值。色彩在新时期的动画电影中具有刻画角色特征、制造场景气氛、丰富内容表现、提高动画影片的欣赏意义与价值等作用。特别是今天的动画影片作为国家科技信息产业发展的重要风向标,尽管不同国家、民族对动画影片的设计与制作方式各有特色,但在色彩的应用方面却有着异曲同工之妙,即通过夸张的色彩运用丰富动画人物的个性特征以及制造相应的场景气氛等等。
1 客观的色彩处理
实拍电影注重电影画面与客观存在的被摄物之间的统一性,具有独特的客观性。在具体的实拍电影中,摄影师对色彩的表现与处理方式是借助摄像机这一工具形象生动、客观真实地记录画面中的人物和景色的活动而独立完成的。从另一个角度来看,即是实拍电影必须依据社会发展的自然法则和色彩元素自身的规律,因此其色彩表现的是人们现实生活的真实面目。除了遵循相应的客观规律,实拍电影在拍摄过程中必然会夹带导演的主观色彩元素,虽有夸张的色彩表现,但其本质依然是以真实客观的生活为基础的。而动画电影是具有极强的主观性和抽象性的影片,因此,其在色彩的表现以及处理方式上更加多样化,具有较强的创造性和丰富的想象力。比如,《千与千寻》、《狮子王》、《龙猫》等动画片都添加了各种各样的色彩元素。因为送花电影题材类别繁多,所以在色彩的使用也是多变的。动画电影中的色彩既可以是摄影师亲眼看到的自然景物,也可以是动画家主观能动性作用下超越自然的色彩元素,因此可以说,色彩既是客观的,也主观的表现,丰富了人们对动画影像的视觉体验。
2 独特的色彩表现
实拍电影中的拍摄物都是生活中客观存在的不以人的意志为转移的事物,通过摄影机用胶片直接将真实的事物拍摄出来,色彩比较接近拍摄对象。由于拍摄镜头具有较强的纪实性,因此,对实拍电影的色彩加工,也只能是建立在客观存在的事物基础之上的主观表达。然而,动画电影本身具有明显的绘画性质,其可以以人的意志为转移,充分发挥动画家的主观能动性,摆脱自然存在的客观事物的限制,能够充分发挥人们难以想象到的色彩空间。因此,动画电影的风格呈现出多种多样的模式,有装饰作用的、有写意目的的、有抽象的色彩风格等等。每一部动画电影都带具有极强的创作者艺术思维,表现了创作者的思想观念、道德修养、审美心里和专业技能等等。
3 夸张的色彩效果
动画电影中的色彩应用与处理通常都是超脱于现实生活的,善于运用夸张的形式刻画动画影片中的场景、景色以及人物等等,这一系列强烈、夸张的色彩使用不但不会让人们感觉不舒服,反而会给人一种耳目一新的体验。动画影片的制作与设计,一般情况下都是创作者编排好故事情节之后,按照主观思维对动画中的人物进行塑造。尤其是随着信息化时代的到来,计算机技术的广泛应用与普及,使得动画电影的制作也高度依赖电脑的设计、模拟与制作等。自从计算机技术在动画影片中的广泛应用以来,对动画人物的色彩设计更加的夸张与多样化,甚至色彩的种类选择也愈来愈多样化。以电脑软件技术为基础的动画影片制作,使得色彩的应用和处理可以最大化的夸张与细化动画角色的个性特征等,从而使得动画影片的质量与效果更加完美。
二 色彩在动画电影中的作用分析
不论是实拍电影还是动画电影,色彩的运用都增强了观众对影片的视觉体验,给人们带来了丰富的艺术享受。然而色彩在动画电影中的作用更加突出,主要表现在以下几个方面:
1 深化电影主题
动画电影借助色彩元素在色调上的冷暖和强弱变化以深化影片的场景,着重表现出主人公的思想情感、心里活动等变化,进而深化影片的内在涵义。一般而言,摄影师常常运用准确、清晰的色彩元素来表达影片的重要思想和本质内涵,丰富动画电影的主题思想。比如,著名的日本动画电影《千年女优》借助具有忧郁基调的色彩,表现影片充满悲观、伤感、唯美的影像氛围,进而深化了关于宿命和爱情的电影主题思想。
2 塑造人物形象
在动画电影的拍摄过程中,摄影师常常借助丰富的色彩元素来彰显不同的人物形象,体现人物不同的性格特征,促使人们更加理解影片中主人公的思想、情感和心理活动等变化。摄影师给予特定的人物角色给予指定的色彩,从侧面烘托影片中每一个角色的性格特征。比如,中国著名动画片《葫芦兄弟》中,创作者运用七种不同的颜色来区别七兄弟,使得七个葫芦兄弟的人物形象更加生动鲜明。另外,《三个和尚》中运用蓝色凸显高和尚,黄色代表胖和尚,红色表示小和尚,不同的色彩表现出了不同人物的性格。
3 推动故事情节
动画电影中的色彩作用不仅仅只是表现在深化影片主题和凸显人物形象上,同时它还通过构成不同的影片场景,进而推动动画电影故事情节的发展,这要归功于色彩自身的联想作用。众所周知,色彩不仅具有其物理特性,也具有极强的情感和联想功能。比如,红色既可以让人联想到热情,也象征着血淋淋的鲜血或者是残酷无情的战争;蓝色既可以让人联想到广阔的海洋,也象征着忧郁等等。而色彩在动漫电影中的运用正是基于其联想功能。比如,《鬼妈妈》利用色彩的联想能力将现实世界、虚幻世界和冲破虚幻世界这三个不同的故事情节紧密地连结起来,进而促进人们能够充分了解三个不同世界各自的独特之处。
1 色彩的视觉平衡
无论是动画电影还是实拍电影,色彩运用的根本目的即是促进观众达到视觉上的平衡,也就是指色彩在摄影机镜头下的位置、大小和形状的不断变化带给观众的视觉感受。比如,中国著名动画电影《葫芦娃》中,高峰和悬崖等艰难的生存环境从侧面衬托出了以挖草药谋生的老爷爷日常生活的艰辛以及对未来美好生活的追求和向往,然而在蛇精洞的描述上却异常华丽,创作者借助这种差异性使得人们内心产生较大的落差,为后文葫芦娃最终打败妖精、造福人类社会做了铺垫。不同的颜色代表七个不同的葫芦娃,也凸显了他们不同的性格和特长,一方面为葫芦娃不断遭到妖精的残害进行衬托,另一方面影片中色彩的整体处理也给后文七个葫芦兄弟团结协作打败妖精打下了色彩的烙印。色彩的应用丰富了观众的视觉体验,而科学合理的色彩视觉平衡技术则又可以让观众在享受视觉效果的同时体会到其他多方面的舒适感,例如,心理愉悦、精神放松、感情宣泄等等。由此可见,动画电影中的色彩视觉平衡设计对促进动画电影艺术的发展发挥着重要的价值与意义。
2 色彩的情感应用
在动画电影中,色彩情感的应用主要体现在色调上,不同的影片色调能够给人不同的心理体验与视觉冲击力。因此,色调的设计与处理显得尤为重要。著名动画电影《大闹天宫》中,有这样一个镜头,即是玉皇大帝指定李靖率领众天兵天将追捕孙悟空,在将花果山包围时,动画片的影像色调由明快迅速转为灰暗的色调,阴暗的气氛笼罩在四周,李靖和哪吒气势磅礴地出现在影片的正中央。影片的色调变化从情感情绪上凸显出了维权者的势力之威武雄壮,进而给观众带来心理上的压抑,使得观众身临其境为孙悟空深深担忧,随着色彩基调的变化,人们的情绪也跟着波动。从一定程度去讲,色彩的情感应用对于丰富动画影片的故事情节以及人物角色的感情世界发挥了直观重要的影响作用。色彩艺术在动画影片中的引入与不断创新是动画影片发展历程中的一个重要里程碑,更是推动动画电影可持续发展的关键要素之一。
3 色彩的对比体现
色彩之间只有存在对比才会有层次感,也才能丰富影片的画面与场景。动画电影中的色彩有大小、多少、明暗、远近、冷暖、轻重和粗细等对比关系与区别,通过运用对比视域观察多姿多彩的大千世界,我们才能真正体会到自然界的美是丰富多彩、意蕴深厚且具有独特魅力的。动画电影借助明显的色彩对比,给观众一种较强的视觉感受,进而刻画出影片中不同人物、景观和场景的特征和气氛,能更好地吸引观众,让观众感受到真正的艺术魅力。比如,《埃及王子》中,在逃亡的过程中通过运用色彩的对比关系,表现出不同时间的合理过渡。色彩由暖色调慢慢转变为冷色调,表明了埃及王子逃亡的辛苦残酷和漫长无情的时间。另外,影片中黑蓝橙三种颜色的对比凸显出了人物的不同性格特征,在同一个人身上,蓝色象征邪恶;橙色象征正义。影片的结尾处,蓝橙色二者之间分裂开来,即代表邪恶和正义的分离。科学的色彩对比不但会使动画电影的场景更加多种多样,而且会使影片的故事推进与画面转换更加的自然与逼真,同时更能提升影片的制作效果,提高动画影片的整体质量与上映成效。
总而言之,依据动画影片中色彩元素的重要特征和关键作用,以及现代化动画影片制作中色彩的充分应用,使得电影艺术的色彩内容更加丰富多彩,艺术魅力与感染力也得以最大程度的发挥和展现。高超的色彩设计能够让观众感受到动画电影的视觉冲击力与显著成效。当前的色彩艺术已广泛应用到多种类型的动画影片之中,通过色彩主观设计对观众视觉所带来的巨大冲击,使得动画影片的市场大大拓展,特别是促进了艺术审美水平的提升。快速发展进步的动画电影艺术广泛吸收了色彩艺术设计的精髓,并在此基础上不断的发展与创新,进而使得动画影片的艺术感染力和价值不但的提高,故事情节也得以不断的丰富。伴随着二21世纪社会经济的迅速推进,动画电影的色彩应用也会随之迅猛发展。
动画电影中色彩元素的运用相关
浏览量:4
下载量:0
时间:
色彩 一词因着眼点不同而衍生出多种不同的定义,对于艺术设计来说,就是艺术的语言,是带给人视觉冲击的重要因素之一,作者可以通过对不同色彩元素和色调的搭配,表达自已的情感,宣泄自已的情绪,与此同时,又会对人们的心理情绪产生影响。以下是读文网小编为大家精心准备的:解析情绪心理在艺术设计色彩中的应用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】色彩的运用在现代设计中起到了关键性的作用,其通过设计师不同的表达手法与应用手段,能够充分展示出设计主体物的美感,以及设计师所要传达的中心思想,运用色彩的表达方式比苍白的语言更具有说服力。通常情况下,在日常生活中人们可以通过一些色彩体会到其所传达的情绪,并且这种情绪能够支配人们的行为和心理活动。
色彩是艺术设计中的重要环节,通过对色彩的科学应用能够充分调动观者的心理情绪,从而表现出最真实的心理反馈。现阶段,对于色彩应用方面的研究还较为稀缺,能够借鉴与学习的研究成果凤毛麟角。同时,色彩也是自然界赠与人类最盛大的礼物,为人们提供了良好的感官体验,为想象力插上了飞跃的翅膀。在这个丰富多彩的大自然中,各种色彩对人们的情绪、心理、感官世界产生着不同的影响,在这种色彩的熏陶与感染下促成人们产生了独特的审美观点,作为一种情感与思想的抒发方式,色彩是最直观也是最直接的表达方式,能够对观者产生情绪心理上的影响并通过其行为反映出来。
人类对某些事物的记忆有时候会停留在对某种代表性色彩的记忆上,或者通过代表性的色彩得到启发,从而引发对该事物的思考、想象、回忆,当某些色彩冲击到人类记忆的敏感神经元时,将能够改在一定程度上改变人类的心情或者举止行为。色彩不仅为人带来感官上的体验,更能够为人类表达与抒发思想情感,因此,我们应该充分利用色彩的影响力,更多更全面的在艺术设计中应用色彩,发挥其重要作用。
人们的情绪实际上是需求与客观事实共同作用下的产物,其内容主要包括了面部表情、生理反应以及情感抒发这三种因素的综合统一。也就是说,情绪是人类心理以及生理对于客观存在的事物,所产生的最直接的情感表达,体现了人类的主观需求与客观事实之间的关系。在本文中所提到的情绪,与情感具有相同的性质属于同一理论概念。从某种角度来分析,情感与情绪是相互依存缺一不可的,情绪是情感的直接表达,情绪的波动反映了情感的变化过程。同时,情感渗透于情绪之中,缺少了情感的影响,情绪的抒发缺少真实的感官体验,而情感离开了情绪,则无法显现出来。
情绪与色彩之间有着千丝万缕的关系,人的情绪能够通过不同的色彩表达出来,同时不同的色彩也能够刺激或者引发人们产生不同的情绪心理。从物理学以及生理学的角度来讲,根据色彩不同波长的理论依据来研究,不同的波长对人们视觉的传达所产生的影响程度不同,因此人们对不同色彩所形成的情绪心理也各不相同,例如,实验研究发现,在所有色彩中蓝色的波长是最短的,在其对人类的视觉刺激下,能够使人们情绪逐渐平静下来;而在这其中红色的波长是最长的,通过红色对人们视觉上的刺激,能够让人们感到情绪澎湃充满活力。往心里学层面分析,人们的联想受到不同颜色的引导会产生不同的变化,最终形成情绪上的相对反应。
譬如:人们看到红色时,总是能想到温暖热烈的火焰,从而产生兴奋与激动的情绪;看到黄色时,能产生愉悦、明快的心理情绪;看到紫色时,会让人感到忧虑不安;而看到白色时,能让人产生冷静与理智的心理情绪。在掌握了这些色彩对人类心理情绪的影响之后,科学合理的将这些色彩运用到日常生活中,能够发挥色彩的更多价值。曾有实验研究结构显示,将儿童医院的整体装饰颜色,从白色基调变换为以绿色为主的彩色基调时,儿童对于医院的恐惧与排斥心理在很大程度上有所减弱,心理情绪上也得到了充分的安抚,更有利于儿童疾病治疗的进行。通常情况下,我们都有这样的体验经历,当我们在日常工作中感到疲惫的时候,都会产生想去森林或者大自然放松心情的想法,这是因为绿色能够愉悦人们的心情,能够有效舒缓紧张的情绪让人能够放松下来,心灵得以释放和平静,在这过程中有效缓解疲劳与压力。
随着社会文明的不断发展,人们对艺术设计色彩的要求越来越高,从单纯的追求视觉体验上升为心理情绪方面的要求。由此可见,色彩的审美通常受到情绪心理的影响。
(一)在产品设计中运用色彩心理情绪所形成的审美
在产品设计中灵活的应用色彩,能够有效提高该产品的艺术美感,为人们提供良好的视觉体验,从而加强人们的购买动机和欲望。较为典型的例子就是近几年风靡全球的苹果手机,其选用了简单质朴的黑、白两大色系作为手机的主要色彩,众所周知,黑色是庄严、稳重的代表,而白色象征着纯洁和坦率也是在宗教中最为圣洁的色彩,这两种简单的颜色对于大众来说比较易于接受,因此,苹果手机在设计中运用黑、白两种色彩,一方面有别于市场上花样繁多的手机走简约商务路线;另一方面,巧妙的运用色彩搭配成功扩大的消费群体,促进了产品的消费。
(二)在室内设计中运用色彩心理情绪所形成的审美
在室内设计中灵活运用色彩,对于使用者的日常生活产生了相当大的影响。譬如在设计儿童房的时候,多选用一些较为活跃的色彩如橙色、绿色、蓝色、黄色等,创造一种温馨的环境,能够对幼儿良好性格养成起到一定的作用。
总而言之,色彩的应用对于现代设计情绪心理的发挥起到了关键性的作用,并且是表达心理情绪最直观的手法,这些特点在现代工业产品设计、室内设计中表现最为突出。色彩对人们心理情绪所产生的影响是不可否认的,因此,现代设计师需要对各种色彩的含义,以及对心理情绪所产生的影响进行深入的研究,探索出在设计中合理应用色彩的增加设计价值的方案。
解析情绪心理在艺术设计色彩中的应用相关
浏览量:2
下载量:0
时间:
室内设计是建筑设计的继续和深化,是室内空间和环境的再创造。它是一门建立在现代环境科学研究基础之上的新兴边缘性科学,其设计的范畴包括人文社会环境、自然环境、人工环境的规划与设计。下面是读文网小编为大家推荐的室内设计色彩论文,供大家参考。
随着社会的日益繁荣,随着个人的经济能力成长到一定的程度,更好的居家生活品质成为随之而至的生活目标。“执子之手,与子携老”,当人们经历了追逐、拼搏、浪漫和收获之后,在穿越时空的浓浓情缘牵引下,家便成为了温馨的港湾。
家,也有表情。他无一例外地隐藏在钢筋混凝土的都市里,也无一例外地通过清一色“四白落地”的格局构成了四方空间,我们的的确确感受到的是怎样的表情?最佳的室内设计是形状、空间、冷暖、质地和色彩的和谐搭配,而色彩是每项设计所不可缺的基本组成部分。色彩对人类的意义是不言而喻的。色彩无处不在,人们获取的外界信息中80%是通过视觉完成的,75%—90%的人体活动是由视觉引起的。从色彩的实验可以证明,在正常状态下观察物体时,首先引起视觉反应的就是色彩,其次才是形状、质感等①。居室空间中的色彩时常意味着居住者情感的宣泄或流露,同时色彩也影响着居住者的情绪,甚至家庭成员之间的关系。当居住者选择了某种属于自己的色彩并将自己融入这个特定的环境中,他就和这个色彩空间一样,拥有了自己的专属表情。
所有的色彩都有三种重要的属性:色相、明度和纯度,被称之为色彩立体。红、黄、蓝是减色法的三原色,所有其他色彩都是这三种色的衍生色。不同的色彩有不同的波长,可综合分为12个色系:给人漂亮感觉的亮粉红色、奶油色,这些色令人觉得可爱、天真;黄色、橙色,这些色令人觉得轻松、快活;红色充满生气,令人觉得强烈、大胆;柔和的粉红色系让人们觉得罗曼蒂克;米色系体现着暖和和自然,这些色令人觉得温柔、朴素;玫瑰色、淡紫色令人觉得雅致、优美;清爽、自然的嫩草色,令人觉得淡雅、爽快;褐色系、蓝色令人觉得素雅、漂亮,不乏一种时髦的气息;典雅的深咖啡色、深橄榄色令人觉得稳重、沉着;清澈的淡蓝色系令人觉得朴素、爽快;清爽、轻快的蓝色、绿色令人觉得轻松、舒爽;而深蓝、黑色则是摩登的代表。同时我们也可以用配色法将这些颜色搭配使用,会创造出各种不同的效果。类似色的配色法运用的是色相环上相互邻接的三种颜色或是他们的阴暗深浅,它们可以是冷色和暖色的组合,如蓝色、紫蓝色和紫色的组合,或红色、橘红色和橘色的组合。这些配色法充满活力,是运动设施、幼稚园、学校和休闲俱乐部等生动活泼场所非常适合的设计选择。类似色配色法可以混合暖颜色和冷颜色,像紫红色、红色和橘红色那种生动的配色;或绿蓝色、绿色和绿黄色之类,令人心旷神怡犹如身处热带水上那样的颜色。比同一色的彩色调色板更为有趣的是中性色配色法,它包含诸如纯白色、中灰色、米色、棕黄色和浅灰褐色之类程度较浓的色彩。这些配色,既不暖也不冷,被认为是精美、正规和雅致的表现。中性色建立在色彩的明度之上,中性配色可作为单一显眼的浓色彩或美术收藏品的背景。单一种中性色的同一色彩组合是最为稳妥,最为保守的方法。互补色的配色是色相环上相对应的色彩,是最醒目、最有差别的配色,也是最难适当均衡的色彩,互补是调和,这些配色被用来使室内空间充满活力,使人感到愉快、精力充沛。互补的深绿色和红色令人向往,其色彩的浓淡程度恰足以维持室内的平静气氛。比起互补配色更为复杂的是对邻互补配色,对邻互补配色是利用色环一侧的一种颜色与其互补色的两个邻近色。例如紫色配绿黄和橘黄就是对邻互补配色。这两个邻近色的色彩是协调的,而互补配色表示动作和能动性。三色配色是使用环绕色相环等距间隔的三种色彩。最具有代表性的三色配色是红、黄和蓝这三种原色的配合。这些配色倾向于色彩轮廓清晰、引人瞩目,最适合于诸如学校、运动场和电影院之类的大空间。
建筑是冰凉的,家具是沉重的,而色彩却为这样的家居生活注入了新鲜感,注入了轻松的活力。无论是阴暗、冷暖、轻重或者远近,都是那么的恰如其分。色彩是家居装饰的重要内容,用喜欢的色彩来展示个性表达自我,装点这精彩的家。色彩不占据居住空间,也不受空间结构的限制,色彩具有以下一些重要的作用:1.决定空间的情调或气氛;2.吸引或转移视线;3.调节空间,使其产生更大或更小的感觉;4.隔断和划分空间;5.连结空间或令其和谐统一②。每一种色彩都能代表着一种心情,每一种色彩都关系着特定的环境,每一种色彩都能影响人们的温度知觉和空间知觉甚至是情绪。例如在以冷色调为主的餐厅中使用暗淡的绿色、灰色或黑色,会使人们产生一种宁静的气氛。要是能在玻璃或地窗等透明的材质上配合使用上引人注目的鲜艳色彩加以点缀,就能在整体上形成和谐的反差,令人兴奋充满幻想。这些点缀的颜色能给人们很醒目的感觉,将人们的视线一下子被集中吸引过来,成为这个空间的点睛之笔。对不同的色彩,
人们的视觉感受是不同的。色彩会使人产生心理上和生理上的反应,在和其他色彩的关系上,暖的色彩似乎向观看者进逼,冷的色彩却向后退。例如,在同一个空间中使用分量相等的红、黄、蓝三原色去展示物体时,很明显我们会感觉红色离我们比较近,其次是黄色,最后才是蓝色。要改变这样的状况,只有将红色的用量减少,增加蓝色的用量,才能使这些带有颜色的物体给人们的感觉处于同一水平线上。色彩的彩度和明度不同,也能造成不同的空间感。明度高的暖色有突出、前进的感觉,明度低的冷色有凹进、远离的感觉。色彩的作用显然是不容忽视的。
色彩千变万化,飘忽不定,但也不是那么难被把握的。现代居室的色彩运用有以下几个主要规则:⑴设计构思:在决定哪些部位上哪种颜色之前,尽量要明了空间的设计构思。如果空间有某个连接部位例如楼梯或其他固定的细部结构,可以巧妙地利用色彩突出这些部位。现代居室通常都有一些抽象的交合线、平面以及一些设有屏障的不规则的小区间,没有齐整框边的建筑细部等。就从这些具有可塑性的、有连接空间作用的部位开始着色。⑵平面与实体:如果居室被分割为几个抽象平面和实体,尽量用稍有不同的色彩处理每个平面或实体。成功的色彩运用可以令空间清晰明朗,整齐有条理。如果不施色彩,这种空间会显得空洞乏味,杂乱无章。在这样的空间,用低对比度的色彩组合往往会产生很好的效果。每种颜色应与相邻的颜色稍有不同,但要避免使用强烈的反差色彩。例如在厨房或储藏间之类的房间里,常常是堆满了各种用具和设备,给人们一种拥挤和繁忙的感觉,如果能在这样的背景上用类似仿古的灰色漆加以掩饰,甚至在这样的墙面加上些肌理效果,不但能给人耐人寻味的感觉,同时还能舒缓紧张的气氛。⑶强调部位:强调色彩可以把人的视线和注意力集中至任何特别的建筑结构,例如栏杆、橱柜、设备等,选择强调色彩时,最好使用对比较强的色彩,同时要选定着重突出的特定部位。
色彩给人的印象会随着搭配的组合而改变,因此我们不能孤立地看待色调,色调能给空间布局起到整体改观的效果,颜色的搭配也是一种品位的体现。室内的色调可以分为单色调、相似色调、互补色调和无彩色调四种。许多对色彩并不了解的居住者常常认为颜色越少越整洁,我认为这是一种偏见。只要平衡搭配,多种色彩组合同样能有素净的效果③。要想营造室内整洁素净的气氛,就必须对室内进行尽量的精简。任何家居内摆放的家具、装饰物品或日常生活用品都带有颜色,因此要对他们进行统一,使他们能在同一色调上进行细微的变化,达到和谐的效果。但是不可否认的是,鲜艳的色彩组合和多样的色调搭配能吸引人们的目光和吸引力,这样在视觉和感觉上能为繁忙的现代人们凌乱的生活起到掩饰的作用。事实上例如墙壁、天花和地面的颜色都是房间的主色调,窗帘、灯罩、桌布、鲜花等等都是细节部分,但是无论是重点或细节都是为了整体服务的,房间的整体效果都是这些共同作用的结果。色彩的选用还必须考虑到周边色彩和材料的选用,房间内有墙壁、窗帘、家具等各种要素,即使颜色相同,但是材料、质地的不同给人们带来的感觉也不尽相同,颜色与颜色之间会相互影响,也因形状和面积的不同,产生不同的效应。合理地处理整体的色彩搭配能利用这些物体的折射,形成意想不到的混合光色。色彩的力量是无穷大的,我们不能被色彩的印象所左右,即使是相同的色彩也能给人们有不同的感觉。正所谓“十人十色”,每个房间都不可能单独存在一种色调,居室的布局设计也靠色调来改变效果。总的说来配色无非就分为两种,一是遵循一些章法的配色原则,另一种就是打破常规,避开对原则性的束缚的配色原则。室内色彩的配置,一般情况下应采取上浅下深的方法,使重心处下沉,给人们一种稳重的感觉。可以按地板、墙面、顶棚的顺序选择层次明亮的色彩组合,使房间具有宽阔的感觉。居室的色彩搭配还应考虑朝向问题,阴面的房间应以暖色调为主,如米黄色、淡粉色等,增大采光系数;阳面的房间则可根据用途采用暖色调和冷色调。自然光也会对色彩产生影响,从北方来的光发出浅淡的冷绿色,而南方来的光却投射出鲜艳夺目的淡红色。东方来的光使色彩看起来似乎是退了色一样,淡黄,刺目。西方来的光能产生明亮的橘红色效应。一般情况下室内的主色调是很难改变的,应在其他色彩上采用相近的同色系色彩,产生一些变化和层次,带来整体和谐美,避免杂乱无章,失去主次之分。在考虑了颜色本身给人们带来的信息后,还应考虑家人的不同爱好甚至不同年龄对色彩的要求,比如老年人适合具有稳定感的色系,沉稳的色彩比较有利于老年人身心健康;青年人适合对比度较大的色系,让人感觉到时代的气息与生活节奏的快捷;儿童适合纯度较高的浅蓝、浅粉色系,适合儿童天真无暇的个性。在这种情况下,全家采用一个颜色也是不合适的,因此可以选择同一色系的不同深浅,或者在相对独立的房间里采用不同的颜色。另外还可以借助一些外力来改变色彩给整体带来的影响。比如,在狭窄的空间中,人们喜欢用一面镜子来扩大视觉上的空间感和增加亮度,同时镜子也能将映入其中的色彩视觉的效果扩大。不同的区域对色彩的要求也不一样,比如对卧室色彩的要求较高,卧室是人们睡眠休息的地方,不同年龄对卧室色彩的要求差异也极大,应该使用能让人们身心得到放松的颜色;厨房是制作食品的场所,颜色表现应以清洁、卫生为主。由于厨房在使用中易发生污染,需要经常清洗,因此应以白、灰色为主。鲜黄、鲜红、鲜蓝及鲜绿色都是快乐的厨房颜色,而厨房的颜色越多,家庭主妇便会觉得时间越容易打发。乳白色的厨房看上去清洁卫生,但是别让带绿的黄色出现。餐厅是进餐的专用场所,在色彩运用上应根据家庭成员的爱好而定,一般应选择暖色调,突出温馨、祥和的气氛,同时要便于清理。客厅是全家展示性最强的部位,色彩运用也最为丰富,客厅的色彩要以反映热情好客的暖色调为基调,并可有较大的色彩跳跃和强烈的对比,突出各个重点装饰部位。对于室内装饰来说,现今还是有大部分人们在用色方面比较保守,但试着背离或违反色彩和谐的规则也能给人们不同凡响的效果。色彩和谐的原理都是指比较对称的色彩反差。严格按照这些原理设计,自然会获得和谐的色彩组合。然而,完全的色彩和谐也会令人们感觉沉闷,缺少新鲜感。在色彩组合上加进某种强烈的不和谐色彩可以增加动感。不和谐色彩可以明显地吸引视线,或引起惊奇。主要的问题是所用的色彩是否能在适当的时刻把视线吸引至适当的物体上去,也得看业主有没有这样的勇气去尝试了。总结一下有这样几点用色建议:完整的配色是全局考虑的结果,首先要考虑好大的色调,同时不能忽视细节的点缀与整体的呼应;明度和彩度会随着色彩的形状和颜色而改变,,因此要以大面积的色彩来决定小面积的色彩,而不能完全依赖小面积的色彩;要考虑到材料本身的色泽和质感,它们也是影响色彩的重要因素;要注意到自然光线带来的影响,因为颜色也是会相互作用的,不同的亮度和光色下,整体的颜色感觉也会产生变化的;在同一房间使用多种颜色,可以利用色彩本身的属性来调整它们之间的关系,如给人们所产生的前进后退的感觉等。
或许,你是一位成熟稳重的现实主义者,喜欢平静、安宁的生活方式;或许,你是一位富于幻想的浪漫主义者,追求着自由自在、前卫大胆的生活方式;也或许,你是一位心态平和的温情主义者,享受着自然、简单的生活方式;在这样的色彩世界里,寻找属于自己的表情,让自己的眼睛和心灵得到充分的愉快,刺激和美的享受。
①摘自《城市色彩景观规划设计》第5页
②摘自《室内色彩设计》居室分册
③摘自《百姓家装细部80要决》第81页
参考文献
①《城市色彩景观规划设计》
②《室内色彩设计》居室分册
③《百姓家装细部80要决》
摘要:
色彩作为视觉传达五要素之一,在室内设计中具有较强的视觉冲击力,从理论与实践上阐述了如何利用色彩表现,把室内空间布臵得更加合理、美观,使人们的生活更加舒适、美满,来满足人们的消费心理需求,以达到满足和平衡人们精神与心理的需要。
关键词:室内设计;色彩;表现
随着人们生活水平的日趋提高,人们对居室功能要求不断的发生变化,在室内设计方面也越来越花费心思,而色彩却可以赋予居室生活奇妙的表情。单纯的色彩源自大地,能展露出表情的室内色彩却是发自内心的。色彩能表达自我、展现个性,我们应善于发现色彩,利用色彩的不同属性,利用色彩的不同搭配效果来唤出层次,唤出不同的生活情调,从而装点出我们精彩的居室生活。
一、色彩是室内设计的重要组成部分
室内的色彩设计要考虑的因素有很多这包括有空间、形式、结构、光线、材料以及色彩。然而设计因素中往往被忽视就是色彩。这种方式往往会使色彩的效果不能达到最佳状态.应该把色彩选择纳入建筑整体设计的内容,而不应事后应付般地处理。成功的色彩设计是把所有的色彩和其他材料作为一个色彩组合来处理。最为成功的室内色彩设计与整体设计的目标一致。
二、 色彩在室内设计中的重要性
人的一生有三分之二的时间是在室内度过的,因此,人们设计创造室内环境,必然会影响到室内生活,关系到人们的安全、健康、舒适、效率。室内环境的构成有很多的方面,其中色彩因素是室内环境中的重要部分。据调查,人进入某个空间最初的几秒钟内得到的印象,百分之七十五是对色彩的感觉,然后才会去理解形体。所以,色彩是室内装饰设计不能忽视的重要因素,了解不同色彩所产生的不同功能及人们自身对色彩的要求的重要作用是不言而喻的。
三、色彩对心里生活的重要性
选择一种自己喜爱的颜色作为居室风格设计主线,一切围绕这个主线来选择和搭配,这应该是一种省力又讨巧的办法,能把握自己心仪的色彩也是一种比较有成就感的事。但是,不同的颜色对于长期身处其中的人会产生不同的心里影响,
日积月累,这种影响将会变成一种不可忽视的力量,继而影响到生活的方方面面。色彩心里学家认为,不同颜色对人的情绪和心理的影响有差别。
暖色系列:红、黄、橙色能使人心情舒畅,产生兴奋感;而青、灰、绿色等冷色系列则使人感到清静,甚至有点忧郁。白、黑色是视觉的两个极点,研究证实:黑色会分散人的注意力,使人产生郁闷、乏味的感觉。长期生活在这样的环境中人的瞳孔极度放大,感觉麻木,久而久之,对人的健康、寿命产生不利的影响。把房间都布臵成白色,有素洁感,但白色的对比度太强,易刺激瞳孔放缩,诱发头痛等症状。
据美国学者研究发现:悦目明朗的色彩能够通过视神经传递到大脑神经细胞,从而有利于促进人的智力发育。在和谐色彩中生活的少年儿童,其创造力高于普通环境中成长者。若常处于让人心情压抑的色彩环境中,则会影响大脑神经细胞的发育,从而使智力下降。
四、色彩的科学性
所有的色彩都有三种重要的属性:色相、明度和纯度,被称之为色彩立体。红、黄、蓝是减色法的三原色,所有其他颜色都是这三种色的衍生色。不同的色彩有不同的波长,可综合分为12个色系:给人漂亮感觉的亮粉红色、奶油色,这些色令人觉得可爱、天真;黄色、橙色,这些色令人觉得轻松、快活;红色充满生气,令人觉得强烈、大胆;柔和的粉色系让人们觉得罗曼蒂克;米色系体现着暖和和自然,这些色令人觉得温柔、朴素;玫瑰色,淡紫色令人觉得雅致、优美;清爽、自然的嫩草色,令人觉得清雅、爽快;褐色系、蓝色令人觉得素雅、漂亮,不乏一种时髦的气息;典雅的深咖啡色、深橄榄色令人觉得稳重、沉着;清澈的淡蓝色系令人觉得朴素、爽快;清爽、轻快的蓝色、绿色令人觉得轻松、舒爽;而深蓝色、黑色则是摩登的代表。同时我们也可以用配色法将这些颜色搭配使用,会创造出各种不同的效果。
所以说正确的应用色彩美学,有助于改善居住条件。宽敞的居室采用暖色装修,可以避免房间给人以空旷感;房间小的住户可以采用冷色装修,在视觉上让人感觉大些。人口少而感到寂寞的家庭居室,配色宜选暖色,人口多而觉喧闹的家庭居室宜用冷色。同一家家庭,在色彩上也有侧重,卧室装饰色调暖些,有利于增进夫妻情感的和谐;书房用淡蓝色装饰,使人能够集中精力学习、研究;餐厅里,红棕色的餐桌,有利于增进食欲。对不同的气候条件,运用不同的色彩也可以一定程度的改变环境气氛。在严寒的北方,人们希望温暖、室内墙壁、地板、家具、窗帘选用暖色装饰会有温暖的感觉,反之,南方气候颜色潮湿,采用青、绿、蓝色等冷色装饰居室,感觉上会比较清凉爽些。
所以面对如此丰富的色彩呈现,我们室内设计中对于色彩的运用应该坚持以下几个原则:
1.设计构思:在决定哪些部位上哪种颜色之前,尽量要明了空间设计构思。如果空间某个连接部位例如楼梯或其他固定的细部结构,可以巧妙地利用色彩突出这些部位。现代居室通常都有一些抽象的交合线、平面以及一些设有屏障的不规则小区间,没有齐整框边的建筑细部等。就从这些具有可塑性的、有连接空间作用的部位开始着色。
2.平面与实体:如果居室被分割为几个抽象平面和实体,尽量用稍有不同的色彩处理每个平面和实体。成功的色彩运用可以令空间清晰明朗,整齐有条理。如果不施色彩,这种空间会显得空洞乏味,杂乱五章。在这样的空间,用低对比度的色彩组合往往会产生很好的效果。每种颜色应与相邻的颜色稍有不同,但要避免使用强烈的反差色彩,例如在厨房或者储物间之类的房间里,常常是堆满了各种用具和设备,给人们一种拥挤和繁忙的感觉,如果能在这样的背景上用类似仿古的灰色漆加以掩饰,甚至在这样的墙面加上些肌理效果,不但能给人耐人寻味的感觉,同时还能舒缓紧张的气氛。
3.强调部位:强调色彩可以把人的视线和注意力集中甚至任何特别的建筑结构,例如栏杆、橱柜、设备等,选择强调色彩时,最好使用对比较强的色彩,同时要选定着重突出的特定部位。
当然对于室内设计来说,现今还是有大部分的人们在用色方面比较保守,但试着背离或者违反色彩和谐的规则也能给人们不同凡响的效果。色彩和谐的原理都是指比较对称的色彩反差,严格按照这些原理设计,自然会获得和谐色彩组合。然而,完全的色彩和谐也会令人们感觉沉闷,缺少新鲜感。在色彩组合上加进某种强烈的不和谐的色彩可以增加动感。不和谐色彩可以,明显的吸引视线,或引起惊奇。主要的问题是所用的色彩是否能在适当的时候把视线吸引至适当的物体上去。
参考文献
《室内设计资料集》中国建筑出版社 张绮曼 郑曙旸
《色彩学讲座》广西师范大学出版社 李萧锟
《美国色彩基础教材》(美)潘泰克(pantak,s.)(美),罗斯(roth,r.) 著,汤凯青 译
上海人民美术出版社
致谢
经过为期一个月的忙碌,最终本次毕业设计和论文已经顺利完成。这都是陈泉老师的精心指导的结果,虽然有繁忙的工作,但仍抽出时间给予我们学术上的指导和帮助,在此,谨像陈老师致以深深的敬意和由衷的感谢。
感谢五年来所有的任课老师,正因为有了你们优秀的教学理念和方式,才能让我轻松的发挥所学的知识、独立的完成这次毕业设计。
也感谢各位同学,在我遇到学术上的困难的时候所给予的帮助。
最后,感谢我的母校湖南工艺美术职业学院,五年来对我的大力栽培,在这里,我仅用一句话来表明我无法言语的心情:感谢你们!
浏览量:3
下载量:0
时间:
现代绘画艺术以其产生之时的狂热激情、原创的魅力给现代美术史增添了浓墨重彩的一笔,并对其后的艺术形式产生了深远的影响。下面是读文网小编为大家整理的绘画艺术论文,供大家参考。
中国绘画又名国画,是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类。有时特指以中国独有的笔墨等工具材料按照长期形成的传统而创作的绘画。中国画现分为三大画科:人物画、山水画、花鸟画;有工笔与写意两大种画法;有卷、轴、册、屏等多种装裱形制。
一、中国绘画发展概况
中国绘画艺术历史悠久,仅从已知独幅的战国帛画算起,已有2000余年的历史。如果从内蒙古、甘肃、山东、新疆以及东北各地的原始岩画及1986年发现于甘肃秦安大地湾原始地画来看,它的历史已不下5000年。以汉族为主包括各少数民族在内的画家和匠师,创造了具有鲜明民族风格和丰富多采的形式手法,形成独具特色的中国传统绘画。明清以来,特别是辛亥革命以后,随着封建社会的崩溃,外来绘画艺术不断传入,丰富了中国绘画的体裁。中外艺术交流日益频繁,使画家从中得到吸收和借鉴,中国绘画创作发生了前所未有的变化,油画、水彩画、漫画、宣传画等相继发展起来,特别是中华人民共和国建立以后,各个画种都展示出新的面貌。
(一)中国古代绘画
中国绘画的最早遗迹可上溯到远古的岩画和繁荣于新石器时代彩陶器上的装饰纹样。黄河上、中游是彩陶繁盛的地区。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化(距今约7000~8000年间)已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。新石器时代的绘画,技巧上尚处于稚拙阶段,但已具有初步造型能力,对人物、鱼、鸟等外形动态亦能抓住主要特征,并表现作者的信仰、愿望,用以美化生活,犹如一片绚丽的彩霞,映现了中国绘画史的黎明。
商、周时期的绘画处于发展的初期阶段。绘画应用的范围主要是壁画、章服以及青铜器、玉器、牙骨雕刻、漆木器等的纹饰。早期基本上是装饰性图案,到西周以后,开始有以表现人物活动为主的纪事性绘画作品,绘画的作者是百工。从风格上看,商代庄严神秘而缛丽,西周趋于典雅,春秋以后绘画内容逐渐更多地反映社会生活,形象活泼生动,技巧上有着巨大的飞跃。
秦汉王朝是中国历史上早期建立的中央集权的封建大帝国,国势强盛,疆域广阔,丝绸之路沟通着中外艺术交流,秦汉王朝与相邻各族也有密切的接触,这时期的绘画更加重视绘画的政治功能和伦理教化作用。具有雄厚博大、昂然向上的总的统一的时代风格,是中国绘画史上的第一个发展高潮。这时期的主的绘画形式是纯绘画的宫殿壁画、地上建筑壁画、墓室壁画及与此相关的画像石、画像砖等。秦代为了宣扬秦始皇统一大业及其拥有的无上权威,而建造的规模宏大的建筑群内部,绘制有许多壁画。汉代,从宫室殿堂到贵族官僚的府邸、神庙、学堂及豪强地主的宅院,几乎无不以绘画进行装饰。汉代习俗事死如生,以厚葬为德,薄殓为鄙,这就是使得装饰坟墓,为死者表彰功德的绘画活动规模和数量都达到了空前高涨的程度。东汉赵岐甚至在活着的时候,就为自己的坟墓准备壁画。画像石是东汉时期重要的美术作品。因以刀代笔施于石材平面上的绘画,因此称石刻画。其题材内容与墓室壁画大致相同。主要分布在山东、河南、四川、陕北等地区,江苏、陕西、山西、安徽、河北、湖北等省也均有发现。其中最为著名的有山东孝堂山画像石、嘉祥武氏祠画像石、沂南画像石墓、安邱画像石墓等,河南南阳画像石及密县打虎亭1号汉墓画像石。湖南长沙马王堆1号汉墓出土的帛画“非衣”,内容丰富,色彩绚烂,帛画以左右对称、上下连贯的格局分三段描绘了天上、人间、地下的景象。众多的人物、禽兽、器物被安排得有条不紊,疏密繁简错落有致。奇诞夸张的造型中体现出严谨细腻的写实技巧。线条流畅挺拔,刚健质朴,设色以平涂为主,技法纯熟,使用的矿物质颜料至今仍十分鲜艳。这幅帛画是本期绘画中的杰出作品之一,它全面而充分地体现了中国绘画在汉代所达到的高度水平。秦汉时期以绘画为专门职业的画工日益增多。被罗致到宫廷的专门画家被称为“黄门画者”或“尚方画工”。
三国两晋南北朝处于长期分裂混乱之中,战争频繁,民生疾苦,但却是绘画史中的重要阶段,绘画艺术仍在曲折中得到发展。苦难的时代,给佛教提供了传播和发展的土壤,佛教美术勃然兴盛,遍及南北。石窟壁画如新疆克孜尔石窟,甘肃麦积山石窟特别是敦煌莫高窟都保存有大量的此一时期壁画,展示出高度的艺术造诣。反映士族名士的生活及人物形象的作品迅速增多,以文学为题材的绘画创作日趋活跃,如卫协的《诗·北风图》,顾恺之的《木雁图》、《洛神赋图》等。肖像画在这一时期很发达,如顾恺之的传神写照,就特别注重揭示对象的精神意向和表现对象的特定性格。山水画和花鸟画开始萌芽。有以王微、宗炳为代表所创作的山水画。取义于中国古代“螳螂捕蝉,岂知黄雀在后”的寓言,以蝉雀为题材的绘画也颇为流行,赋予某种寓意性。涌现出一批有文化修养的上流社会知名画家,如顾恺之等。绘画史和绘画理论著作开始出现。
隋唐两代处于封建社会盛期,国家统一,社会相对安定,经济繁荣及对外经济文化交流的频繁与活跃,都给文化艺术的发展带来了新的机运,中国隋唐时代的绘画艺术随着社会经济文化的繁荣,在题材、内容和表现手法等方面,均取得了高度的成就,成为中国绘画史上的高峰之一。阎立德、阎立本兄弟及尉迟乙僧的绘画活动,以及以敦煌220窟为代表的壁画体现着此一时期绘画艺术的最高成就。
人物画在隋唐占主要地位。著名画家有阎立本、吴道子等。吴道子一生在京洛画寺观壁画300余堵,变相人物,千变万态,奇踪异状,无有同者,具有天衣飞扬、满壁风动和自然高出缣素的效果,世称为“吴装”。中唐周□善画天王和菩萨,创造了“水月观音”这一具有鲜明民族特点的宗教画新样式,一直为后代沿袭,被称为“周家样”。唐代人物画反映了当时的重大政治事件,如《步辇图》;有描绘功臣勋将的,如《凌烟阁功臣图》;相邻民族,如《西域图》、《职贡图》;皇室贵族,如《玄宗试马图》、《虢国夫人游春图》;文人雅士,如《醉学士图》。唐代山水画有着多种风貌,金碧青绿与水墨挥洒并行,专门山水画家日益增多,山水画即将进入成熟阶段。隋代展子虔所画山水具有咫尺千里之妙,唐代李思训、李昭道父子的山水画技巧上更有提高。而吴道子于佛寺壁上画怪石崩滩,达到“若可扪酌”的真实效果,又因一日之内能在大同殿壁上画出嘉陵江三百里的山水,而与李思训之作“皆尽其妙”。王维也以水墨山水著名。花鸟画开始兴起,唐代花鸟画侧重描绘鹰鹘、仙鹤、孔雀、雉鸡、蜂蝶及花木竹石,大都工整富丽。由于武功隆盛和贵族游猎的风气,使鞍马等题材也成为绘画专科并取得相当高的成就。由于印刷术的发明,版画也随之得到发展,唐代版画多用于佛像印刷,敦煌莫高窟发现的金刚经扉页画显示了较为成熟的雕印技艺。唐代绘画不仅大胆汲取、借鉴外来艺术的表现技巧,而且还通过中外经济文化的交流传播到其他国家,当时大食都城中有中国画工献艺,朝鲜半岛上的新罗曾在中国以高价收购名画家作品,中国绘画通过中日两国的使者、商人、留学生、僧侣等传入日本,对日本古代绘画的发展产生了很大影响。唐代绘画灿烂而恢宏,具有昂扬磅礴的时代精神和风貌。
五代两宋以后,中国历史进入封建社会后期,绘画艺术进一步成熟和完备,成为中古绘画的鼎盛时期。由于唐末以来城市商业的繁荣和市民阶层的壮大,使绘画艺术服务范围有所扩展,一些画家进入手工业行列,其作品作为商品在市场上出售,增强了艺术与社会的联系。
皇室贵族为政治需求及从装饰环境出发,创建了宫廷画院,集纳优秀画家,对绘画创作提出更多的要求。宋朝统治者设置画院,扩充机构,招揽人才,给画家授以职衔,从而使宋代成为历史上宫廷绘画最兴旺最活跃的阶段。文人学士把书画视为高雅的精神活动和文化素养,并对绘画提出鲜明的审美标准,在创作和理论上都开始形成独特体系。社会、宫廷、文人士大夫之间的绘画创作各具特色而又互相影响,使宋代绘画在内容、形式、技巧诸方面都出现群彩纷呈、多方发展的局面。宋代绘画题材较唐代有很大扩展,其中最有建树的是广泛表现社会生活的风俗画,如《清明上河图》、《货郎图》、《盘车图》、《耕织图》等;与节日民俗活动相结合的节令画,如《大傩图》、《冬至婴戏图》、《观灯图》等;借描绘历史传说反映人们对现实生活态度的历史故事画,如《文姬归汉图》、《采薇图》等;描绘文人韵事如《西园雅集图》等。五代两宋时期山水画发展最为显著,五代时中原地区的荆浩、关仝,江南地区的董源、巨然分别以不同的笔墨技巧塑造了不同地区的山水画,风格各异,对后世山水画发展有着重要影响。宋代山水画家辈出,各有专长和创造,北宋李成的塞林平远,范宽的崇山峻岭和雪景,许道宁的林木野水,郭熙描绘四时朝暮、风雨明晦的细微变化,惠崇、赵令穰的抒情小景,米芾、米友仁父子的云山墨戏,李唐、马远、夏圭高度剪裁而富有诗意的山水反映了山水画艺术的不断变革和发展。花鸟画也有着长足的发展,五代时江南徐熙的田园花果和西蜀黄筌的奇花异鸟分别具有野逸和富贵两种不同风格。北宋赵昌的设色折技花卉,易元吉的猿猴,崔白的败荷凫雁,以赵佶为代表的院体花鸟画都具有高度水平;南宋梁楷、法常的花鸟画已开水墨写意之先导。文人学士中流行的墨竹、墨梅、墨花、墨禽更着重表现主观情趣,与民间画工及宫廷花鸟画的高度写实、刻画入微的画风迥然不同。五代两宋绘画技巧有不少成功的创造,画家注意对生活的深入观察体验,艺术上倡导写实,具有精密不苟严谨认真的精神,但在创作中又注重提炼取舍,要求形神兼备,把工笔重彩技巧推向高峰。北宋李公麟又在纯用墨线勾染的白描手法上作出贡献,一些画家在写意人物花鸟上也进行了可喜的尝试,丰富了绘画的形式和表现技巧。
元、明、清时期文人画获得了突出的发展,题材上山水、花鸟占有绝大比重。文人画强调抒发主观情趣,提出“不求形似”、“无求于世,不以赞毁挠怀”,不趋附社会大众审美要求,借绘画以自鸣高雅,表现闲情逸趣,涌现出难以数计的文人画家和作品,许多画家借绘画抒写高尚情操,发泄对黑暗腐败势力的不满,艺术上敢于突破陈旧成法的藩篱,注意师法自然,勇于创造革新。文人画注意笔墨情趣及诗文书法相结合的题跋。此一时期具有代表性的画家中,既有为正统文人画奉为典范的赵孟□、元四家(黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙)、沈周、文徵明、唐寅、董其昌及“四王、吴、恽”,又有带有鲜明个性的徐渭、陈洪绶、朱耷、石涛及扬州八怪中的郑燮、金农等人。民间绘画的书籍版画插图和年画进入繁荣兴盛时期。
一、中西绘画在美学理论上的差异
传统中国绘画追求意境与中国传统哲学相互生发,是中国传统美学中一个十分重要的美学范畴,也是佛教流传影响的结果。艺术中所要求的“意境”又不同于佛家所说的“境界”,但艺术所创造的“意境”或“境界”总是物化之情与情化之物升华的结晶。中国绘画中的许多概念,如道、气、心、物、神、意、韵、静、势、实、虚、风、骨、理、质等等原本是哲学范畴,中国传统绘画是一种哲学化的艺术。在中国绘画艺术中,画家们心目中最“正确”的形象,并不是西方绘画中那些具有透视、凹凸、光影层次、色彩变换的高度写实形象,而是一种极为简化的形象,如齐白石老年时的画,看上去似乎不拘成法,随意挥洒,只消几笔便能完成,但由于其笔墨的浓淡干湿都恰到好处,所以看上去给人一种栩栩如生的感觉。在中国画色彩简化方面,在我国绘画的初始阶段有过“随类赋彩”的说法,但随着这门艺术的发展和成熟,对真实色彩的再现愈来愈不重视,绘画渐渐讲究淡施色彩或不施色彩,所谓“唐重丹青,元人水墨淋漓”,即指此。墨迹间的虚白似乎能发出万紫千红的色彩。难怪笪重光说:“墨之倾泼,势等崩云;墨之沉凝,色同碎锦”。所以,传统中国绘画的再现不是一味模写,而是充分运用审美知觉的规律,运用简化的形体,变形的处理,暗示的手法等等,努力获得与现实在结构上对应的形象,从而取得以少胜多、以小见大、以简代繁、以刹那见永恒的效果。而西方绘画则受到赫拉克利特、苏格拉底、柏拉图、亚里多德、但丁、狄德罗、黑格尔等人哲学思想特别是“摹仿论”、“反映论”、“现实主义”的深刻影响。西方绘画以人为主要的描绘对象,追求造型的准确、质感、光感、再现,它得益于自然科学,如物理光学、透视学、人体解剖学、色彩学等科学研究。欧洲艺术从乔托开始,就时断时续地向这个方向发展着,线性透视的应用,是这种发展的关键阶段,而对空气透视和色彩透视的使用,则是到法国印象派绘画时才最终得以实现。因此,相对而言,西方传统绘画更多的是一种科学的艺术,中西传统绘画美学思想的根本差异就在于此。
孔子和孟子是儒家的杰出代表人物,他们提出的“中庸之为德也”、“文质彬彬”、“成教化、助人伦”、“修身养性”、“中庸之道”等等,对中国绘画的影响是深远而巨大的。具体表现在:追求和谐的美、主张不偏不倚,中和为美,强调含蓄追求“充实之美”、“浩然正气”、“文质相辅”;反对“华而不实”,主张“名正言顺”;主张真善美的结合;认为“心正则笔正”,“人品不正,用墨无法”。
对于中国美学范畴体系的形成,对山水画的影响,道家思想的影响显然比儒佛两家深广得多。老庄哲学崇尚无为而为,主张天人合一,人应该顺应大自然,与自然保持亲和的关系,认为天地和谐是最高的境界,而天地之和是“天乐”、“大美”。道家的这些思想促使画家们超尘出世、隐逸山林,在自然中注入人的情感。从五代开始,到宋元明清,山水画在中国画中逐渐取得主导地位,比西方风景画早一千多年。这与道家格外重视自然的思想有关。
禅宗的思想对中国画的影响也很深。在中国文人看来,并不是任何艺术表现都是有价值的。只有以虚静明彻的心灵去观照、感悟大自然的美,才能达到“心物统一”、“天人合一”的最佳境界。
总之,禅宗和儒道思想相互渗透、相互影响,并存于画家的修养与创作之中,这三大思想支柱对中国绘画产生了深远的影响。
二、中西绘画在渊源上的差异
宗白华曾经精辟地论述西洋文化的主要基础在希腊,西洋绘画的基础和渊源也在希腊艺术。
西方15-16世纪的文艺复兴,形式上就要恢复和振兴被中世纪宗教所压抑和摧残了的古希腊罗马的艺术。从古希腊罗马的传统中吸取营养,逐步确立写实主义绘画的基础。另一方面,在透视学、解剖学及社会思潮的推动下,探索并逐步实现了绘画艺术与科学精神、人文思想的融合,为绘画艺术的全面解放吹响了号角。在精神意识方面强调人在精神和人道主义,进一步追求“真”和“美”。所谓“真”就模范自然,刻意写实。达·芬奇在他的《画论》中说:“最可夸奖的绘画是最能形似的绘画”,他们的绘画完全以希腊的雕刻为范本。所谓“美”,就是“和谐的形式”,而“和谐的形式”又以希腊的建筑为最高典范。总而言之,“模仿自然”和“形式的和谐”便成了西方绘画的中心问题。就是近代的“印象主义”,也不外乎是极端的“模仿自然”,特别是模仿自然界的光与色。正因如此,恩格斯说:“没有希腊文化和罗马帝国所奠定的基础,也就没有现代的欧洲。”冈布里奇还明确指出,“希腊诸大师曾受到埃及人的影响,而我们全都是希腊人的学生。”因此,我们可以得出一个结论:西方绘画艺术的渊源在古埃及、古希腊、古罗马人奠定的“模仿自然”与“和谐的形式”之中。
中国绘画的渊源与西方不同,不是来自于雕塑。在中国,人体圆雕还远不及希腊发达。晋唐以来的塑像反而受画境影响,具有画风。因此,雕塑不能成为画家的范本。中国绘画的渊源在于商周的钟、鼎、尊等青铜器。这些青铜器凝重浑穆、典雅,形成中国人特有的审美理想。此外,汉代画像石、画像砖,以及壁画也是中国绘画的渊源。青铜器及汉代艺术中的花纹、生动活泼的造型、流动的线条、虚灵的节奏、自由的空间,逐步形成中国画的特点。
中国特有的艺术——“书法”也是中国绘画的骨干,各种点线皴法溶解万象,超入灵虚妙境,而融诗心、诗境于画景,成为中国画第二特色。阐发中国画理论及提高中国画地位者不是画家,而是诗人和书法家。
由于渊源不同,中西绘画所表现的“境界层次”根本不同。西方是写实,中国是虚灵的;西方是物我对立,东方是物我相融;中国画以书法为骨干,以诗境为灵魂,诗、书、画融为一个整体,西方绘画以建筑空间为间架,追求逼真的可视空间。随着中西方文化交流的加深,东西方文化也会呈现优势互补的趋势。西方绘画从后印象派开始,不断吸收东方文化艺术的营养,注重主观表现,要么高度写实、要么完全抽象;而中国绘画也将受到西方绘画的巨大冲击。
中西绘画之所以进行比较,是为了看到差别,取长补短,互相促进,求同存异。我们既要反对全盘西化,又要反对盲目崇拜。既要了解中华民族传统绘画艺术,又要了解西方文化的发展脉络。我们要了解中国艺术的精神内涵和美学特点,继承和发扬我们中国画的优秀传统,使它与西画风格不同。同时,也要搞油画的民族化。当然也反对搞纯种的西洋画或中国画。文化是没有国界的,随着改革开放和文化交流的日益频繁,民族文化的迁移,中西方绘画艺术正朝着多元化、多层次、多方位发展。
浏览量:3
下载量:0
时间:
色彩是非常重要的视觉元素,能够对人们的视觉产生很大的冲击。下面是读文网小编为大家整理的色彩艺术概论论文,供大家参考。
服装的第一印象是色彩,色彩是向人们传递服装中文化、情趣、风格的语言艺术,体现了人们的审美理想、审美情趣和审美水平。人衣着后,色彩起到了视觉醒目作用,人们首先看到的是颜色,其次是服装造型,最后才是服质材料和工艺问题,
下面本文通过自我服装搭配为例,分析得出自我对服装搭配的认识和服装搭配的重要性。只有充分认识到设计过程中色彩搭配的有关艺术规律,才能更好地进行服装的整体设计。
图片中,晶莹同时富于质感的紫色,初映眼帘是仿佛阳光下的一抹水雾,剔透而迷离,给人一种不真实的感觉,你可远观,暗忖,却无法触摸。没有一种颜色比紫色更适合女孩子。它独有的神秘味道和点点风情吧女性的特质表象的淋漓尽致。紫色一直是服装设计师最钟爱的颜色之一,沉郁迷人的紫色仿佛满溢芬芳,总是那么抢眼,令人遐思万千。在人们的印象中,浪漫的紫色是爱情的颜色,让人无法抗拒。
上图,服装款式简洁大方,漫不经心地泄露出一种含蓄的优雅。其亮点在于服装和饰品的色彩搭配。
其大部分色彩都为浅紫色系,与周围深色调的环境形成鲜明的对比,显得轻盈许多,且与上装不同的是下衣出现了纯色调,纯度和明度较高白色小裙穿于红色内衣和紫色外衣之间,形成鲜明对比,更显年轻而富有生气。
戴于头部的粉白色小帽是真正的点睛之笔,给人的感觉是小鸟依人,落落大方但不张扬,可爱圆润,含蓄羞涩,也以服装配件的形式丰富了整体服装效果视觉元素,加强了整体色彩的跳跃性,虽有色彩上的对比,整体上仍未突破协调统一的优雅感觉。
上面服饰的另一主流颜色为白色,服饰用色上,白色是永远流行的主要色,可以喝人体颜色作搭配。在西方白色象征着浪漫,常常和婚姻相连。而在中国,白色常与死亡葬礼联系。此外白色象征纯洁、神圣、清洁与和平,最能表现一个人高贵的气质,因此,想要穿着白色服装而显得更美,对于化妆与配件的配色就要多加考究才行。另外,纯白色会带给人寒冷、严峻的感觉,所以在使用白色时,都会掺一些其他的色彩。白色的搭配原则是可以与任何一种颜色搭配。例如,上图中浅紫色上衣配以白色小裙和深色打底裤,不失为一种成功的配色,可以充分显示自我个性,突显学生的优雅与大方。
在脱离了日常生活中繁琐的作业之后,换一套奢侈恣意的紫衣白裙,尽享作为小女生的骄傲与浪漫。性格内向、细腻温柔的女孩子是紫衣的忠实消费群体。紫色服饰能为我们平添几许妩媚和成熟动人的美感。紫色更适合休闲、晚宴,是约会的首选。
通过这次的自我搭配色彩分析和本学期的学习,我认识到,就色彩本身而言是没有任何情感与意义的,但是色彩对人的心理影响是客观存在的,现实中的色彩通过人的视觉传达必然作用于人的心理,从而使人们对色彩产生知觉,联想以及审美等等心理活动,它甚至会影响人们的情绪,行为等等。
当我们步入万物葱郁的自然界中,心情会顿时充满轻快,舒畅感进入光线幽暗的房间更有忧郁不安之感。这是色彩给予我们的明快、忧郁感。
色彩的冷暖感:色彩的冷暖感主要是色彩对视觉的作用而使人体所产生一种主观感受。如,红、橙、黄让人联想到海洋,冰水,具有一定的寒冷感。
色彩的轻重感:同样的事物因色彩的不同会产生不同的轻重感,这种与实际的重量不符的视觉效果称之为轻重感。这种感觉主要来源于色彩的明度。明度高的色彩使人有轻薄感,明度低的色彩则有厚重感。因此,服装上白下黑给人一种沉稳、严肃之感;而上黑下白则给人轻盈、灵活之感。
色彩的兴奋与沉静感:色彩能给人兴奋与沉静的感受,这种感受带有积极或消极的情绪。积极的色彩能使人产生兴奋、激励、富有生命力的心理效应,消极的色彩则表现沉静、安宁、忧郁之感。
色彩的软硬度:通常来说,明度高的色彩给人以软感,明度低的色彩给人以硬感。在女性服装设计中为体现女性的温柔,优雅,亲切,宜用软感色彩,但一般的职业装或特殊功能服装宜采用硬感色彩。
色彩依附于特定的面积,位置以及形状而存在,因为色彩的面积,位置与形状必然与色彩对比关系产生一定的影响。
色彩没有对比就不会产生绚丽的色彩,但是对比过分就会产生不和谐的感受,既而对人的心理产生负面影响,因此对调和色彩之间的关系就可以使色彩更加赏心悦目。所以说秩序、和谐是悦目的先决条件在进行色彩构成训练时,要使对比的色彩成为刺激视觉的协调的统一整体,要使色彩符合人的欣赏习惯等等。
色彩在服装设计中起着先声夺人的作用,它以其无可代替的性质和特性,传达着不同的色彩语言,释放着不同的色彩情感,同时也起着传情达意的作用。服装色彩语言的组织需要多种因素的相互作用,才能达到合理的视觉效果,组成和谐的色彩节奏。色彩搭配是多种因素的组成和相互协调的过程,同时遵循着一定的规律。利用色彩间原有相异的关系,运用搭配调和的原则,找出它们内在的规律、有秩序的相互关系。通过在面积大小,位置不同、材质差异等方面搭配,在视觉上既不过分刺激,又不过分暧昧,突出单纯。和谐、色调的统一。在单纯中寻求色彩的丰富变化,在和谐中求得色彩的明暗,产生平衡、愉悦的美感。
除了社会习俗和审美需求外,某些行业的服装需要特殊色彩,以体现其特殊功能。例如,救生衣采用醒目的桔红色与周遭的环境色明显区别开;医院护士服采用柔和、洁净的白色或粉色调起到静气宁神的作用。
在我们的世界里,色彩无处不在,在日常的起居、工作中,如果可以很好的运用色彩去搭配自己、点缀生活,便可以得到意想不到的效果。
服装色彩是服装感观的第一印象,它有极强的吸引力,若想让其在着装上得到淋漓尽致的发挥,必须充分了解色彩的特性。红黑服装款式搭配色彩明艳,红色毛衣与黑红格裙的搭配显得非常之隆重且使人物极其具有韵味。红色代表着吉祥、喜气、热烈、奔放、激情,黑色代表着神秘、沉稳、气质。红与黑相交叠,颜色对比强烈,给人带来一种视觉上的冲击感!上图服饰搭配其大部分色彩都为深色系,与拍摄环境色彩交叠,显得稳重且鲜艳,在光的作用下,呈现出一种鲜明的节奏美,黑红交织显得色彩奔腾浓烈,呈现出热情且具有张力的视觉美感。浅色调和艳丽的色彩有前进感和扩张感,深色调和灰暗的色彩有后退感和收缩感,上图恰到好处地运用了色彩的这两种观感,这样不但可以修正和掩饰身材的不足,而且能强调突出人物的优点。
有些女性总认为色彩堆砌越多,越“丰富多彩”。集五色于一身,遍体罗绮,镶金挂银,其实效果并不好。服饰的美不美,并非在于价格高低,关键在于配饰得体,适合年龄、身份、季节及所处环境的风俗习惯,更主要是全身色调的一致性,取得和谐的整体效果。“色不在多,和谐则美”,正确的配色方法,应该是选择一两个系列的颜色,以此为主色调,占据服饰的大面积,其他少量的颜色为辅,作为对比,衬托或用来点缀装饰重点部位,如衣领、腰带、丝巾等,以取得多样统一的和谐效果。
总的来说,服装的色彩搭配分为两大类,一类是协调色搭配,另外一类则是对比色搭配。 日常生活中,我们常看到的是黑、白、灰与其他颜色的搭配。黑、白、灰为无色系,所以,无论它们与哪种颜色搭配,都不会出现大的问题。一般来说,如果同一个色与白色搭配时,会显得明亮;与黑色搭配时就显得昏暗。因此在进行服饰色彩搭配时应先衡量一下,你是为了突出哪个部分的衣饰。不要把沉着色彩,例如:深褐色、深紫色与黑色搭配,这样会和黑色呈现“抢色”的后果,令整套服装没有重点,而且服装的整体表现也会显得很沉重、昏暗无色。黑色与黄色是最亮眼的搭配,红色和黑色的搭配,非常之隆重,但是却不失韵味。
服饰搭配需要遵从几个原则,例如:
1、同类色搭配原则。是指深浅、明暗不同的两种同一类颜色相配,比如:青配天蓝,墨绿配浅绿,咖啡配米色,深红配浅红等,同类色配合的服装显得柔和文雅。粉红色系的的搭配,让整个人看上去柔和很多。
2、近似色相配原则。是指两个比较接近的颜色相配,如:红色与橙红或紫红相配,黄色与草绿色或橙黄色相配等。不是每个人穿绿色都能穿得好看的,绿色和嫩黄的搭配,给人一种很春天的感觉,整体感觉非常素雅,静止。淑女味道不经意间流露出来。
特别的,对于职业女装的色彩搭配来说,要注意,职业女性穿着职业女装活动的场所是办公室,低彩度可使工作其中的人专心致志,平心静气的处理各种问题,营造沉静的气氛。职业女装穿着的环境多在室内、有限的空间里,人们总希望获得更多的私人空间,穿着低纯度的色彩会增加人与人之间的距离,减少拥挤感。纯度低的颜色更容易与其他颜色相互协调,这使得人与人之间增加了和谐亲切之感,从而有助于形成协同合作的格局。另外,可以利用低纯度色彩易于搭配的特点,将有限的衣物搭配出丰富的组合。同时,低纯度给人以谦逊、宽容、成熟感,借用这种色彩语言,职业女性更易受到他人的重视和信赖。
职业女装的色彩搭配需要注意以下几个原则,即:
1、白色的搭配原则。白色可与任何颜色搭配,但要搭配得巧妙,也需费一番心思。白色下装配带条纹的淡黄色上衣,是柔和色的最佳组合;下身着象牙白长裤,上身穿淡紫色西装,配以纯白色衬衣,不失为一种成功的配色,可充分显示自我个性;象牙白长裤与淡色休闲衫配穿,也是一种成功的组合;白色褶折裙配淡粉红色毛衣,给人以温柔飘逸的感觉。红白搭配是大胆的结合。上身着白色休闲衫,下身穿红色窄裙,显得热情潇洒。在强烈对比下,白色的分量越重,看起来越柔和。
2、蓝色的搭配原则。在所有颜色中,蓝色服装最容易与其他颜色搭配。不管是近似于黑色的蓝色,还是深蓝色,都比较容易搭配,而且,蓝色具有紧缩身材的效果,极富魅力。生动的蓝色搭配红色,使人显得妩媚、俏丽,但应注意蓝红比例适当。近似黑色的蓝色合体外套,配白衬衣,再系上领结,出席一些正式场合,会使人显得神秘且不失浪漫。曲线鲜明的蓝色外套和及膝的蓝色裙子搭配,再以白衬衣、白袜子、白鞋点缀,会透出一种轻盈的妩媚气息。上身穿蓝色外套和蓝色背心,下身配细条纹灰色长裤,呈现出一派素雅的风格。因为,流行的细条纹可柔和蓝灰之间的强烈对比,增添优雅的气质。蓝色外套配灰色褶裙,是一种略带保守的组合,但这种组合再配以葡萄酒色衬衫和花格袜,显露出一种自我个性,从而变得明快起来。蓝色与淡紫色捂配,给人一种微妙的感觉。蓝色长裙配白衬衫是一种非常普通的打扮。如能穿上一件高雅的淡紫色的小外套,便会平添几分成熟都市味儿。上身穿淡紫色毛衣,下身配深蓝色窄裙,即使没有花俏的图案,也可在自然之中流露出成熟的韵味儿。
3、褐色搭配原则。褐色与白色搭配,给人一种清纯的感觉。金褐色及膝圆裙与大领衬衫搭配,可体现短裙的魅力,增添优雅气息。选用保守素雅的栗子色面料做外套,配以红色毛衣、红色围巾,鲜明生动,俏丽无比。褐色毛衣配褐色格子长裤,可体现雅致和成熟。褐色厚毛衣配褐色棉布裙,通过二者的质感差异,表现出穿着者的特有个性。
4、黑色的搭配原则。黑色是个百搭百配的色彩,无论与什么色彩放在一起,都会别有一番风情,和米色搭配也不例外!眼下,双休日逛街时,上衣可以还是夏季的那件黑色的印花t恤,下装就换上米色的纯棉含莱卡的及膝a字裙,脚上穿着白地彩色条纹的平底休闲鞋子,整个人看起来格外舒适,还充满着阳光的气息。其实,不穿裙子也可以,换上一条米色纯棉的休闲裤,最好是低腰微喇叭的裤型,脚上还是那双休闲鞋,依然前卫,青春逼人。
5、米色搭配原则。用米色穿出一丝严谨的味道来,也不难。一件浅米色的高领短袖毛衫,配上一条黑色的精致西裤,穿上闪着光泽的黑色的尖头中跟鞋子,将一位职业女性的专业感觉烘托得恰到好处。如果想要一种干练、强势的感觉,那就选择一套黑色条纹的精致西装套裙,配上一款米色的高档手袋,既有主管风范又不失女性优雅。许多女性朋友都喜欢看韩剧,剧中女性们穿的充满都市感的时装,要比简单而雷同的剧情及缓慢的剧情节奏精彩百倍。看的多了,多少能总结出一些韩国女性们穿衣打扮的特点:含蓄而优雅,明朗却不耀眼。在或柔媚或热烈的色彩中,米色是时尚女性们常用的色彩。现如今的时尚中,米色因其简约与富于知性美而成为职场着装的常青色。与白色相比,米色多了几分暖意与典雅,不事夸张;与黑色相比,米色纯洁柔和,不过于凝重。在追求简单抛却繁复的时尚潮流中,米色以其纯净典雅气息与严谨的现代职场氛围相吻合。要将任何一种颜色穿出最佳效果,都要讲究搭配,米色也不例外。
懂得如何运用色彩布置我们的环境,搭配我们的衣服,对于每个人来说都是十分重要的。色彩对于我们,是生活中必不可少的元素,合理的运用色彩,将使我们的生活变得更加美妙,更加富有情趣。
浏览量:7
下载量:0
时间:
美术是现代艺术领域研究的重点内容,美术绘画更是为人们提供了多方面的视觉享受,更加直观地接触到文化艺术内涵。下面是读文网小编为大家整理的美术绘画类论文,供大家参考。
一、我国美术绘画创作现状分析
改革开放以来,我国社会主义市场经济发展迅速,我国文化艺术与其他国家的交流也不断加深,我国艺术家在艺术创作方面也吸收了西方美术绘画艺术创作中的优秀成分,这在很大程度上促进了我国美术绘画创作事业的发展。然而,受各种现实因素的制约,艺术家在美术绘画创作过程中不可避免地要受到各种因素的影响,这就对艺术家的艺术修养和文化内涵提出了更高的要求。部分艺术家对有关艺术的形式、背景生活以及素材的理解都存在一定的问题,这在很大程度上影响了艺术家美术绘画创作能力和水平的提高。同时,很多艺术家美术绘画创作有关灵感来源的问题也是非常重要的一个方面。
二、美术绘画创作过程中存在的问题分析
(一)美术绘画创作过程中的灵感来源问题
毫无疑问,艺术家创作任何一件作品都必须有一个灵感来源。很多人在美术绘画创作过程中都经常为想不出更好的创意而苦恼,这就导致很多人在绘画时往往是跟着别人的创作方式进行模仿。然而,对别人的模仿就必然毫无新意,创作出来的作品也必然是千篇一律。也就是说,缺乏创新和新意的作品不可能引起人们的共鸣,对别人创作方式模仿的作品也必然没有艺术价值。因此,美术绘画创作过程中灵感来源问题是艺术家必须要给予高度重视的一个问题。
(二)对创作规范的再理解问题
人们常说,观察是创作的前提,观察的前提是客观,要注意排除一切“先人之见”。然而,这种说法却忽视了最重要的一条,即:创作与观察都是有规则的,而且都是有规则在先的。部分艺术家在美术绘画创作过程中追求一种“无拘无束”的创作状态,他们想摆脱规则。因此,很多人在创作过程中对异域风情进行盲目崇拜,一部分人则认为怪诞就是胆识,涂鸦就是奔放,却往往是用自己最生疏的规则限制了自己的创作。然而,这也并不意味着画家要严格遵循美术绘画创作规则,他们在创作过程中可以有自己的创新,因为个别艺术家的创新也可能会成为艺术创作范围内被多数人遵循的规则之一。
(三)对形式的再认识问题
一般而言,一个东西被称作什么并不是很重要的事情,在这个称呼上争来争去对艺术创作也没有什么积极作用。但是,定名为形式,实在太偏了,也把话说太死了。在美术绘画创作中,造型、构图、色彩等都不过是形式,那么与项目的内容就一定是有所不同的。因此,再套上“内容决定形式”这一共识,那么色彩、造型和构图就变成为题材服务的了,在创作过程中的作用就变得不再那么重要了,最终导致的结果就是绘画语言变得苍白软弱。
(四)对素材的再剖析问题
画家在日常生活中观察到的东西都可以作为他们绘画创作过程中的“素材”。然而,从简单的素材到有神有色的绘画语言,这中间却需要一个质变的过程。从生活素材到绘画语言之间的转变是必须要经过画家内心的熔冶才能完成的。如果生活素材不经过画家的锤炼,那么素材就永远也不可能成为绘画语言。那些长年生活在第一线的人,毫无疑问他们可以获得大量的素材,也积累了大量的细节和道具环境等相关知识。然而,没有经过熔冶的素材仍然是素材,这个画家的绘画语言还是空洞的。
三、美术绘画创作的影响因素分析
(一)美术绘画创作过程中,艺术家的造型能力
在美术绘画艺术创作过程中,经常会出现两种情况,一种是没有自己的创作思想而抄袭别人的,一种是自己具备独特思想却不具备表达能力的。绘画就是通过准确真实的形象塑造来传达艺术家的思想看法的,因此,造型能力是对艺术家的根本要求,如果不具备造型能力,那么其他问题就无从谈起。也就是说,具备一定造型能力的画家并不一定能成为一个优秀的创作者,但是想要创作出一件优秀的作品就必须具备一定的造型能力。例如,著名艺术家达芬奇能够用素描表现物体的突兀之感,并能够使人觉得用双手可以把这些物体抓住,只有具备这样的能力才是真正的有才能。同时,如果画家想要提高造型能力,就要经过各种各样短期或者长期作业的训练。美术绘画创作必须依赖于画家的绘画技能,但这种技能的学习和掌握却是一个长期的过程,有可能要花费多年甚至一生的时间。
(二)美术绘画创作过程中,画家对优秀作品的理解
画家在创作过程中,对前任优秀作品的理解和临摹能够提高和培养画家的造型能力,画家对优秀作品的理解对创作的影响是非常重要的。在现实生活中,我们已经很难再找到像拉斐尔、达芬奇一眼的巨匠和大师了,因此,我们只能通过对他们作品的理解和临摹,才能从中学习他们对形体的处理和表现方式,并可以借鉴这些大师们走过的艺术道路,培养自己的艺术内涵。毫无疑问,对优秀作品的理解与写生的作用是同等重要的,因为我们可以在伟大画家的作品中发现他们的师承关系。中国画往往都是很看重师承关系的,通过大量的临摹,后学者可以学习古人是如何运用笔墨来表现对象的,在临摹的基础上,有领悟能力的学习者还能融会贯通,并通过笔墨把自己的情感和感受传达出来。在创作过程中,有些大艺术家的这种临摹行为甚至是伴随其一生的。对以前优秀艺术家的学习和临摹能够渐渐提高画家的审美能力。同时,画家在创作过程中还要注意掌握一定的优秀绘画理论,尤其是在创作达到一定水准的时候,因为没有正确的理论加以正确的指导,是很难再进一步提高的。
(三)美术绘画创作过程中,画家的道德态度因素
一件优秀的艺术作品不但是生活的一面镜子,更是具有美和惩恶扬善的功能的。有些艺术作品往往是通过打碎或者塑造某些美的东西来引起读者的思索和震颤的。例如,世界闻名的雕塑家罗丹所创作的《欧米埃尔》就是通过塑造一个丑陋的裸体老妪让参观者感到震撼的,同时,多数参观者都会引发对人生和生活的思考。再如法国著名画家雷诺阿所创作的《提着水罐的小女孩》就通过对细腻情感的刻画的塑造讴歌了那些生活在社会底层的贫苦女孩身上多体现出来的那种气质,这种气质与生活在社会上层的那些贵妇人是不一样的,她们特有的美是纯洁的,是朴实的。尽管那个女孩衣衫褴褛,但是她看上去就像是一个从神话故事中走出来的小天使。这些世界闻名的作品中所体现出来的这种对社会的控诉或者是对纯真少女美的歌颂,都是与画家在创作过程中的道德因素息息相关的。因此,我们可以说,画家要时时提高自身的道德品质,要注意通过自己的作品传达一定的思想或者哲理,引起参观者的共鸣,引发人们的思考。
(四)美术绘画创作过程中,画家要寻找鲜活的素材
美术绘画发展已经经历了很长的时间,绘画创作的历史也是非常久远的,几乎是从人类诞生之时起,艺术创作就成了人们生活中不可缺少的一部分。也因此,现在几乎所有题材都被画家反复表现过,画家很难在美术绘画创作过程中找到新的素材,更难从那些新奇和时髦中找到新的出路。因此,画家在美术绘画创作过程中,要善于从平凡的生活材料和生活经验中去寻找鲜活的素材,并通过绘画语言将这些素材表现出来,这种创作过程就是画家的创新。例如,在中国有很多画家都曾以黄山为素材进行创作,但是多数作品都没有李可染的作品表现得那么神秘,那么新颖和那么亲切,尤其是在表现逆光下的山林景致和带雾气的雨后时,李可染带给我们一种似曾相识但又面貌全新的感觉。如果想要发现鲜活的素材,画家就要对生活有一定的认识,要具有一定的生活积累,更要注意把自己感兴趣的题材和自己的敏感点以及兴趣结合起来,还应该具备超于常人的想象力。只有这样,画家才能在那些已经被前人表现和创作过的素材中发现新的东西,还要表现出自己的独特之处,因此只有来自人们内心的东西才是最优价值的。
(五)美术绘画创作过程中,画家的真诚
毫无疑问,一件艺术作品的感人之处是源自于创作者内心真实的情感经历和情感体验的。艺术家的工作是通过他的画笔把这种真实情感表达出来,只有这样,参观者才能体会到他的真实,才能引起参观者联想和回忆自己曾经经历过的情感,从而得到美的享受。真诚对艺术创作是非常重要的,真诚是一件优秀作品的灵魂,真诚使作品具有生命,因为任何一件优秀的作品都是创作者真实情感的表达和迸发。例如,我们著名画家董希文的力作《开国大典》就是其对现实生活感悟的强有力表现。总之,画家在美术绘画创作过程中,要注意对真实情感的表达,只有真实的作品才能经得起历史的考验,才会成为经典之作。
四、结语
绘画创作的过程是复杂的,必须经过创作者投入大量的时间和精力。在这个过程中,存在一些影响绘画创作的因素。因此,画家在创作时要注意培养和提高自己的造型能力,要加强对优秀作品的理解和临摹,要用自己的作品传达一定的社会意义,还要善于在普通的生活中寻找一些鲜活的素材,更要用心创作,将自己的真实情感通过作品传达出来。
一、新课标背景下,教师应该如何教学
(一)激发学生兴趣。
兴趣是学习最好的催化剂,人类兴趣的养成一部分来自自身,另一部分来自外界环境刺激。教师在教育教学过程之中应该注意培养和激发学生对于美术的兴趣,采用最直接的方法发挥出美术最大特点及魅力,在这种学习环境中学习能够培养学生学习积极性和主观能动性,教师将教学内容与平时实际生活相结合,强调理论与实践相结合,让学生在最大程度上感受美术这门课程的独特魅力。
(二)培养学生想象力。
在美术教学过程中注重培养学生想象力也是教师需要努力的工作之一。对小学生来说他们各方面都还不够成熟,对待世界万物都充满幻想和好奇,老师在教学过程中要注重激发学生想象以及创造力,满足他们的好奇心。老师应该组织各种不同方式的课内外活动,以达到在最大限度上培养学生想象力的目的。
(三)对学生进行科学评价。
努力以后受到肯定,对于小学生来说具有很大的激励作用,作为老师和家长应该主动关心鼓励学生,挖掘他们所有潜能。恰当且适当对孩子进行奖励,这样不仅能够有效提高学生对学习的兴趣也能在一定程度上活跃教学课堂气氛,保证课堂既井然有序又不呆板,这有利于促进学生全面发展,增强自信心。从新课标中我们可以得知,“以学生发展为本”是指导思想,老师及其家长多对学生教学进行有益评价,把更多注意力放在关注发展培养学生潜能上,这样可以有效地调动学生学习美术的积极性和主动性。只有老师耐心沟通指导,才能对学生塑造好的学习习惯起到帮助。由此可见,教师的存在对于学生来说异常重要,尤其是好的教师形象,对学生学习成长起着至关重要的作用。
二、教学要点
新课标的实行,也就意味着教师必须在教学内容、方式以及目的上进行一定程度的变化。想要取得好的教学成果就必须从各方面来研究分析教学过程中的重点和基本注意事项。教师教育对象是小学生,他们各方面能力都存在一定欠缺,老师在教学过程中如何引导也就成了教学过程很重要的部分,这就要求教师必须对新课标有一定认识,再结合课程内容和学生特色进行教学备课。想要使教学过程达到预期成效,课后老师对学生辅导评价也是及其重要的一部分,老师不仅要对其绘画作品进行评价更要对其身上所存在的不足进行指导,让学生正确认识到自身优缺点并加以改正和延续,这样才能有效提高学生绘画能力和成绩。四、适应新理念,构建新教学模式让学生充分适应新课标理念,在这个基础上加强老师、家长与学生交流互动,这与新课标中提出的培养学生创造性理念相符。加强师生之间对话,了解彼此思想,才能在教育教学过程中达成更好的默契。学生将学习到的知识理念运用到实践过程中,实现真正意义上理论与实践相结合的原理,促成自身全面发展。总的来说,新课标改革是为了顺应时代发展,全面贯彻党的教育方针,优化创新教育体系,端正教育思想,改变教育理念,促进学生全面发展。
三、结束语
结合以上论述表明,优秀教师和好的学习环境能够为学生学习带去积极推动作用。教师在教育教学过程中需要认识到教育创新的重要性,同时也需要让学生在一定程度上进行模拟创新,在以新课标作为指导思想的前提下,将新课标理念和目的结合到实际教学过程之中,紧随时代潮流,走在时代前沿,提高教学质量,重视学生身心发展,为学生学习创造好环境树立好榜样。
浏览量:2
下载量:0
时间: