为您找到与浅谈风景油画的创作相关的共200个结果:
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创作,指创造文学艺术作品,也可作文艺作品。创作是我们造型综合能力与艺术创造能力的集中体现。在学习创作的过程中,能够同时满足我们对于求知和创造的快感需求。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:。具体内容仅供参考,欢迎阅读!
每个艺术家都具有创造能力,可为什么在美术创作中能够坚持原创性的却是少数,综合具有原创性表现特色的艺术家的经验及我个人的浅见,我认为要实现在美术创作中坚持原创性,需注意以下几点:
美术创作者在进行创作实践时,思路要清晰、透彻、单纯,专注于自己的内心世界,心无旁骛地探索发自内心的感受想法。一个不能在思想上集中专注的艺术家,不仅无法感受美术实践中的一些细节以及一些微妙的变化与细腻体验,更很难确认稍纵即逝的原创性语言的特征和意义。要想在创作中有所突破,就不能把复杂的思想观念带入美术创作中,要做到“外要离相,内不动心”,这样才能在构思上深刻化,表达方式上完美化。[1]运用一切可能性来开创自己的表现方法,探索各种形式语言和媒介材料,以寻求独特的创意构思,美术创作应该在没有任何复杂思想观念影响下的一种个体精神畅游和飞翔,随心所欲,自由地发挥个人的想像力和创造力,才能展现出创作者最大的创造潜力。
我们往往会发现,很多中国艺术家会不自觉地流露出与古代人相似的思维方式,或受西方绘画的影响产生一种思维定势状态。其实,有很多艺术家并不满意自己的创作态度,只是因为他们不敢打破常规,缺乏大胆的探索精神来打破现有的思维模式,因而在艺术创作中依然停滞不前。正是因为这种保守思想阻碍了他们在艺术创作中的前进道路。袁运生的作品《泼水节》,在当时来看,被一些人说成是有碍社会风气,受到很多不公对待。这幅作品着重描绘了傣族人民泼水节的狂欢盛景,揭示了人民热爱生命、追求自由、向往幸福的美好愿望。在傣族的民族风俗中,相互泼水是为了洗刷被恶魔毒汁污染了的身体,同时也是相互致幸福的意思。
《泼水节》在后来得到了各方的好评。其中,日本驻波大学教授、著名的美术评论家桑原住雄先生,谈到《泼水节》中出现裸体这一点特别值得注意,在装饰空间的壁画中出现裸女形象,从中国的当时来看,完全是破格的事物,这也可以看作是中国美术的新尝试。这就是作者敢于打破常规,挑战新事物的结果。[2]袁运生画家和他具有一样品质的画家都具有一种无法使自己的创作停留在符合社会一般大众的审美上,总是要走在社会与时代的前面,按照自己内在的需要来探索新的表达方法。也正是因为这样,就注定了这些艺术家要承受先行者的孤独。但也正是由于具有这一精神品格,才使得他们成为伟大的艺术家。因此我们在创作中要敢于打破常规,尝试新事物。
一种创意的产生是非常不易的,艺术家有时就是因为这一独特的创意而留名艺术史。而后来者再重复使用这一创意构思时就不能再体现这种表达方式原有的意义了。很多看来具有“独特创意”的构思,其实不是他们自己的创作,而是借鉴了已有的艺术现象后创作出来的样式。在装置艺术中出现了杜尚的《小便池》、单伯格的《上帝》的作品之后,各种概念想法和表达手段都出现在艺术家的作品中,可是,我们发现重复这一创作理念,就失去了装置艺术的原创性,这样的作品也就不能再次打动人们。
好的作品必须是由深刻动人的创意思想出发的,在美术创作中,只要能给自己留下独立思考的空间,想像力就会发挥积极的作用。我们在创作构思中就不会局限于所看到的某些具体的事物形象,而是会不自觉地加入自己的精神活动。当感觉想像力匮乏时,不妨看一些儿童绘画、民间艺术等,通过各种渠道来刺激和激发我们的思维,拓展想像的空间。如果我们的美术创作中,以个人的想像为出发点,在创作理念上进行创新,就可以超越对所表达对象在形象和结构上所谓的合理化思维障碍,反而突出了作品的审美价值。
当艺术家在进行创作实践时,处于一种四平八稳、不痛不痒的状态时,不如干脆尝试改变表现方法,突破这种自我重复的僵局,尝试新方式进行创作。毕加索在16岁时就有非常好的绘画基本功,可以画出很棒的写实绘画,可他并没有固守这一传统的表达方式,而是创立了立体主义绘画,并取得了很大的成就。因此要想创造出好的作品,就要打破原有的表现方法,去尝试新的表现方法。
一个艺术家在创作中无法取得突破,或许是由于表现形式的平庸和想像力的不足,也可能是在选择题材和体裁上没有自己独特的判断。当陈丹青以油画《西藏组画》蜚声海内外后,以西藏题材为创作在当时很热门,但是当已经有人选择了这一题材进行创作并且创作了一些成功并有影响力的作品时,再去涉足这一题材的,无非就是对于这已有的艺术现象进行重复。这种盲目的跟风行为只能使美术创作陷入平庸的状态。在创作中,如果能真正找到一种能够让自己有感而发的表现题材,这对于美术家确立个人的原创性美术作品面貌是至关重要的。
并非所有的原创性作品都是优秀的、有意义的。深厚的文化底蕴和全面的艺术修养对美术创作中原创性的表现起到了不可忽视的作用。有人可能会问,既然如此强调原创性的重要性,那么是否可以在创作中“胡来”呢?在美术创作中,别出心裁固然重要,但是所选定的某种表达方式还要符合人性的基本要求。这种表达方式还是要体现出它在艺术修养和文化底蕴层面上具有积极的意义。[3]不然,虽然创造出了某种不同于任何人的表现形式,但是没有发挥出这一表达方式的有效性,就是由于创造者自身缺乏艺术修养,缺乏文化知识的延伸,就会被称为是“胡来”或不成熟的创作。
全国政协委员、中国美协主席刘大为在2011年全国两会期间谈起了对艺术作品主题性的看法。刘大为认为:当前,很多艺术家已感到美术作品的内涵不足,希望多创作一些有影响、有思想含量的重大题材作品。这就要求艺术家在美术创作中要坚持原创性,必须系统了解时代历史背景,具备创作需要的相应的全面素养。例如,法国画家德拉克洛瓦为纪念1830年法国七月革命而创作的油画作品《自由领导人民》,该画作在1831年的巴黎沙龙会展上第一次正式对外进行展览,于1874年被卢浮宫博物馆收藏。德拉克洛瓦是浪漫主义最伟大的画家,左拉誉他为“浪漫主义的雄狮”,安格尔称之为“艺坛上的魔鬼”,而新印象主义者称他为色彩新纪元的开创者。
《自由领导人民》标志着德拉克洛瓦艺术的成熟,这幅画作描绘的是1830年7月22日,巴黎的市民、手工业者、学生发动起义,为了粉碎查理十四恢复波旁王朝的统治,最终取得了胜利。画面正中塑造了一位自由女神的形象,她一手高举三色旗,一手紧握武器英勇地向前,在这里突出地体现了浪漫主义的特征。这是一幅具有重大题材的优秀的原创性美术作品。这一时期出现了很多这样优秀的作品,如法国画家席里柯的《梅杜萨之筏》、唐代画家阎立本的《步辇图》等。
通过前文的研究,笔者认为一幅优秀上好的美术作品的原创性在美术创作中起决定性的因素。在创新型的社会中,美术在当代文化发展中不仅体现出它所具有的教育和审美作用,更重要的意义在于直观地展现了最为可贵的创造精神,是一个国家和社会能否站在时代发展的前沿,引领潮流的关键所在。希望通过此文的浅析,能够引起广大美术创作者在创作实践中对原创性问题的重视与思考,突显出自己大胆的创作精神和活力,展现出自己的原创面貌,从而提高美术创作的质量,繁荣创作景象。
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安妮的小说创作总像是一个孤独的流浪者,隔离了外界之后,简装出行,因而她创作出来的作品是极其的个性化,同时也具备了异于常文的尖锐与冷漠。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术文学论文:浅谈安妮宝贝的小说创作。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘要:安妮宝贝,一个名声大噪于上世纪九十年代的双栖作家,在跨越了一个实际的今天仍然受人追捧。很多人开始对她的文风,笔调,思维,心理进行分析,而本文也是就安妮宝贝的小说创作为依据对其主要的特色进行总结:孤独的流浪者;杜撰的小说人生;自我的人生百态;细节的出奇捕捉;畸形的主角;寂寞的文字;毒品般的诱惑。而归结起来,她的创作题材多围绕城市中流浪者或者诠释为游离者的边缘化生活,她的创作实质就是在摸寻这平凡人内心的世界与周遭的环境之间的关系。
关键词:孤独;寂寞;情爱;流浪;困窘;职称论文
论文正文:
浅谈安妮宝贝的小说创作
当网络替代泛黄的纸页时,一种新兴的文学形式弥漫在本世纪初的文学天空,“安妮宝贝”以其阴郁却不失艳丽,飘忽却不乏实际的文风征服了一代人的心。《告别薇安》、《八月未央》、《彼岸花》、《蔷薇岛屿》、《二三事》、《清醒纪》和《莲花》,成为她为这个社会创造的骄傲,为读者创造的另一片天空。当然,如同娱乐圈的明星大腕,人红了就成了话题的焦点,安妮宝贝也不知不觉成了上世纪90年代末至本世纪初的文学大腕。读者纷至沓来地对她的作品进行归位性界定:女性文学。无疑,经历了如此久的讨论,安妮宝贝在女性文学创作界是有她独特的一席之地。
北大教授戴锦华曾评价安妮宝贝:“在安妮的笔下,都市是永远的漂泊流浪的现代丛林,也是无家可归的唯一归属。我为安妮笔下的颓靡和绮丽所震动,在那里生命如同脆弱的琴弦,个人如同湍流中的落叶……安妮宝贝的作品,展现了一脉中国大陆版的世纪末的华丽,一份灰烬间的火光的弥留。”正是这样的作品,在一遍遍回放着都市悖论下的人生困境,但是读者却从她细腻地情感文学中开始追溯她的创作特色。今天就随我们的探寻开始了解一下安妮宝贝的创作特色。
2.1 孤独的流浪者
安妮的小说创作总像是一个孤独的流浪者,隔离了外界之后,简装出行,因而她创作出来的作品是极其的个性化,同时也具备了异于常文的尖锐与冷漠。刚开始接触的人,很容易就被她的文字刺伤,但是心中的沮丧与懊恼却会在细细品味后又变成情理之中的体谅。所以与其说安妮是个孤独的流浪者,不如说她是一位看破世间冷暖之后能平心静气应付各类事态的智者。
读过安妮的小说的人,难免都会沾染上她的惆怅气息。青春年华,却总黏附这伤感的情调,旁人投来不解的目光时,这些略显成熟的青春却总是道出抚慰那些流浪心灵的话语。或许,这就是安妮小说的一大魅力,以其孤独的心,去慰藉一群被社会遗弃的生灵。而这群被遗弃的生灵,在安妮的笔下寻找到了一个合群的社会,一种安抚。
2.2杜撰的小说人生
读过安妮小说的人都能感受她文中冲刺的孤独、漂泊、死亡、爱情、伤害,这似乎是她对这个社会的一种诠释。然而,她总习惯于将小说的背景描绘成物质奢糜的大都市生活,这从某个层面又反映出这一都市存在的悖论:物欲横流的社会,有很多耀眼的奢华,那是上层人物所显摆的舞台,但灯光浮华背后又是一群困窘的人生。这样的笔调总让安妮俘获一群读者的心,因为纯困境式地刻画这个社会的悲哀永远敌不过这一亮一黯的对比。人是属于感官主导的动物,对比这一形象的感官刺激每时每刻都在文章中拉紧了读者的神经,让读者的心跳随着故事的发展时缓时快。
2.3 自我的人生百态
安妮的早期作品大多围绕爱情这类主题来创作,没有复杂的情节,也没有入木三分的分析,有的只是坦诚地在描述她内心情绪的流淌。仿佛她早期的作品就是在极力刻画一个刚刚出世的青年,望眼这落寞凄凉的都市人情世界。然而,安妮一贯就认为,她的小说并非凭空捏造,她写的就是她的人生往事,往事就如同她的瑰宝,她只是把往事珍藏起来,而今又拿出来写成文字供大家一起分享这其中的酸甜苦辣。这样的态度就成就了安妮的文章总是与社会现实接轨,让喧嚣的闹市里,有一份真实的空间留个读者去品茗,去评判。
到了后期,安妮随着十多载光阴的流逝,她对小说创作无论是深度还是广度都在扩展和蔓延,不再借助爱情生活中的花前月下,细语绵绵来征服读者。这一点在她的《莲花》中得到了最好的证明。还是采用其惯用的叙述方式,但是创作的主题和思维方式,却与以往的作品大相径庭。这在一定程度上也道明了安妮为什么能有一名成功的网络写手跻身到文学领域的红人。她绝不会拘泥于一贯的特色,总会在她自身的成长中寻求灵感,然后赋予其作品当中,这就时不时地给读者一种横空出世的惊艳。
2.4细节的出奇捕捉
在前面我们已经提到了安妮的作品是很注重情感的描述,其实这也体现她的小说创作中的一大特点:捕捉细节。除了情感方面的细节,许多背景中存在的细节也都未能逃过她的创作应用。
安妮喜欢都市的气息,当然小说中就少不了那些高楼林宇,喧嚣拥挤的街道。但除此之外,地铁这一都市的标志在安妮的创作中,多次被利用到。她借这一城市的标签来作为她作品中内日故事发生的载体。这同时凸显了她双关的用意,既描述了都市悖论下的困苦人生,人们的整日流浪,毫无半点归属感可言,又体现了这个年年岁岁都无半点涟漪的枯燥都市生活。这类意象不管从哪一角度都领读者对安妮笔下的都市产生了一种心灰意冷的厌倦。
2.5畸形的主角
“我是一个生性自由散漫的女子。……只按照自己的本性生活。……我模式出自己关注和重视之外的一切感觉和现象。不太容易付出,有享受孤独的需要。……喜欢简单生活。做喜欢的事情。”
如果你想用妙笔生花来形容安妮的小说创作,不如选择用一个较为刺耳的词“变态的另类”。安妮的小说人物,稀松平常地就具备着引人唏嘘的性情。这些角色大都对自我过度崇尚,对自由具备极端地追求。他们可以在众目睽睽下,漠视旁人的言语,而赤裸裸地追求自我的满足,也可以在大庭广众下暴露自己肆虐的一面。安妮的笔下毫不忌讳这类文学的血腥,这也是她个人棱角分明的表现,爱及大爱,恨及深恨。很多读者也是对安妮的真性情所倾倒,对于社会的诠释永远不刻意隐藏那阴暗的一面。
2.6 寂寞的文字
所谓安妮“寂寞的文字”就是从处女作开始便流传在读者心中的语录,这些语录中每一句都透露着安妮的特色,可以说绝无仅有的罕见。
“我想,有些事情是可以遗忘的,有些事情是可以记念的,有些事情能够心甘情愿,有些事情一直无能为力。 我爱你,这是我的劫难。”乍一看,文字却也平淡无奇,但是就是一股平实的风格中隐约透漏的不寻常的韵味,着实让读者倾倒。简简单单一个“劫难”,将一个深陷情网,却无法自拔的人的那般心境刻画得淋漓尽致。
“爱情原来是很象我们去观望的一场烟花。 它绽放的瞬间,充满勇气的灼热和即将幻灭的绚烂, 我们看着它,想着自己的心里原来有这么多的激情。 后来烟花熄灭了,夜空沉寂了。我们也就回家了。 就是如此。”不是辞藻有多浮华,也不是修辞有多特色,而是一句描述之后,总会在笔末加上那一句点睛之句,仿佛前面的语言黯淡了,衬托出的是末尾的精华。
2.7毒品般的诱惑
最开始接触安妮的作品时,只是听旁人的描述,总觉得在她们眼里,安妮是想一个狐媚一样的女子。并不是外貌妖媚,而是她的小说透露着那个摄人神魂的魅力。带着像看悬疑剧一般的心境我开始咀嚼她的文字,“……我还是宁愿相信,她的往事,只是为我而曾经透明过……不相信爱情。却相信世界的某处有一个人……带着温暖的心情离开,要比苍白的真相要好,纯粹的东西死的太快了……”。果不其然,读着是一页又一页,却发现越来越有欲罢不能的感觉。你的心里还会时不时地幻想,这到底是一个怎样的女子写出这样的文字,或许也正是这种冒险式地好奇体验,让我们“弥足深陷”,当你意识到自己已经冥想许久时,你一来不及抽身而去了。
安妮宝贝的文章对于很多读者有着这样一种感觉,或者是大家对她的文章不屑理睬,觉得是太悲观,太灰暗,或者是大家对她的文章如同心头好一般,爱不释手,追随着安妮的笔墨,跨越一个世纪。这也如同毒品般,恨它的人,永远不会去沾染上它,爱它的人永远割舍不掉它。或许,这就是安妮宝贝创作的魔力。
细品安妮的小说,你很难去点评她的好。不是因为她的语言有多深奥,而是她看似平常却极其不平常的语言都会让你想去珍藏。有人说她是无病呻吟,靡靡之音;有人说她是压抑颓废,造乱社会。而当你心静下来,捧起一本文集,你会发现她笔下那自由绽放着色彩的人生并非黑白两色,而是各有内在,各呈缤纷。
安妮也曾在她的小说中提到过她理想的世界“有时候我想,这个城市也许应该分为两层。地上的那些人,就让他们在阳光下厮杀,挣扎,为了物质和欲望尽情施展十八般武艺。所向披靡,一往无前。地下的那些人,就让他们在黑暗中很安全地存活着。他们可以安静地相爱,快乐地流泪”。“两层”,看到这里你是否恍然大悟,她创作中多次凸显的那种悖论社会,物质奢华与人生困窘的鲜明对比一下明朗了。为何她的作品如此萦绕着我们的心,为何让我们如此割舍不下,也就是她一心营造的这样一个理想的社会罢了。
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影视作品中的声音丰富多彩,声音在影视创作中占有重要的地位。下面是读文网小编带来的关于影视创作中的声音论文的内容,欢迎阅读参考!
摘 要:“含蓄”是中国古典美学和诗学的核心范畴之一。是提高作品艺术性的最不应被忽视的重要的基本艺术规律之一。影视作品中我们要充分运用这一规律来指导我们的创作。电影与电视是画面和声音的复合艺术。不能过分重视画面,而忽略对声音的设计,以至影响了视听艺术的完整性。
关键词:含蓄 声音 意境 含蓄美
何为“含蓄”二字? “含,衔也;蓄,积也。含虚而蓄实。[1] “含蓄”就是实与虚、有与无、显与隐、言与无言、有限与无限、局部与整体、……的矛盾与统一。中国艺术趋向于体验其静态的“统一”,追求心灵的释放和自由感。
“含蓄”是中国古典美学和诗学的核心范畴之一。它既是汉语诗歌的一种美学风格,也是一种美学形态;不仅如此,中国古典诗歌的其它美学类型、美学风格也大都要求含蓄。不把话说绝,不把意思表达尽,一切都在调动鉴赏者的主动性,艺术不仅仅是现成的作品,它是有待于鉴赏者来填补的空白。象外之象,味外之味才是人们追求的目标。说白了,说明了就不美。美的体验应是一种悠长的回味,美的表现应该是一种表面上不声张的创造。所以含蓄是提高作品艺术性的最不应被忽视的重要的基本艺术规律之一。
电影与电视是画面和声音的复合艺术。不能过分重视画面,而忽略对声音的设计,以至影响了视听艺术的完整性。
声音在影视中可分为三种:人声、音响、音乐。他们在影视中也都有不可忽视的作用,也可丰富作品的内涵和外延,产生含蓄的美。
所谓人声,主要是指由语言(如对白、旁白、独白等)构成的具有理性内容的声音。语言是自我表达和人际交往的主要形式和工具。在影视中,精辟的语言的运用也会产生含蓄的美。下面我就简单进行一些分析。
一、人声
语言是有表情的
在影视表演中,人物的喜怒哀乐都可以从话语中听出来。俗话说“听话听音”。这“音”就是寓意语言的表情。比如《新上海滩》中冯先生,他的话说出来掷地有声,对手下人说话和对程程说话就截然不一样。对称程的话中可以听到他对女儿的爱意和疼爱。电影理论家巴拉兹在《电影美学》中指出:“人的语言不仅是讲给某些听众的进度报告,而且也是他们情绪的一种自然的表现。”语言是塑造人物形象的重要元素,它能准确的体现人物的文化素质和性格特征,语言的表情更能开掘出人物内心活动的微妙变化。
语言的弦外之音
按照常规的解释,出自人口的话语才能算作语言。但是,人们最想听的、也是最耐人寻味的却是那些听不见的语言,也就是潜台词,也可以解释为语言的弦外之音。弦外之音,内涵丰富,别有所指,它更真、更深、更耐人琢磨。
在《大校的女儿》里彭澄在西藏的时候作了一首诗:《墓地里只有一个她》。
这首诗很美,表达了一个女兵在西藏想报效祖国的壮志。传说在那片墓地里全是男同志,这些支藏的女兵在说自己牺牲时是怎样的情形,在这样的背景下彭澄作了这样一首诗,表达了自己对先烈的敬仰和怀念,同时也表达了自己报效祖国的决心,哪怕牺牲自己的生命。也反映出了在和平年代军人的伟大和无私,从而让人在心底不觉产生出一种由衷的对军人的敬意。在整部电视剧中,以小见大,折射出剧作者的立意和审美理想。
二、音响与音乐
在电影理论家认为,电影音响在强化电影空间的深度感和广度延伸(即由画内空间向画外空间拓展)方面的作用,以及电影音响在由营造现实空间的气氛、表明叙事空间的特征,以及提示由现实空间(直觉空间)拓展到意识空间(幻觉空间)或在意识空间保留现实空间的某些特征等方面所起的极其重要的不可替代的作用。而音乐也将提高和增强整部影片的节奏感。
1.扩展画外空间
无论是电影银幕,还是电视银幕,都要受到四周边框的制约。画面的形象只能止于画框的边缘,画框之外的事物就看不到了。声音则不受画框的限制,银幕上没有的形象发出的声音照样可以出现,观众也不会感到突兀。
2.营造气氛和渲染情绪
通过对音响的独特设计和运用,可以增强对环境气氛和人物情绪的渲染,并将其提升到饱和状态,加大音响的能力,令观众参与其中,为之激动、感奋,或为之悲痛、落泪,以达到更高层次的审美境界。
在影片《太阳照常升起》中,姜文和一群孩子在山里疯跑,打猎的场景,我认为这一段音响处理的很好,在美丽的画面中,传来孩子天籁般的笑声,枪声。在电影中我从来没有听过如此好听、动人的枪声。那种枪声好像是大夏天吃了9副槟榔顺气丸,爽,爽,除了爽还是爽。伴着他们的脚步声还传来了类似于《鬼子来了》里的背景乐,很有节奏,正好配上孩子们的高兴的脚步。给人一种他们就是这山上可爱的强盗。愉悦之情无法言表。
3.开掘意境
有些导演对影片意境的开发,常常注重画面的表现力,而忽视声音这一表现手段与之相匹配。其实对声音运用得当,和画面配置贴切,则可起到相得益彰的效果,达到更为理想的境界。
在意大利著名导演费里尼拍摄的影片《卡比利亚之夜》中对结尾场面的处理,就是运用音响,通过乐器声、歌唱声、欢笑声、呼叫声、车声、人声,混合成一股交响的热浪,撞击着心灰意冷、已经身临绝境的卡比利亚的心灵。
4.寂静
贝拉.巴拉兹在《电影美学》中指出:“静也是一种声音效果,但这只是在能听到声音的情况下才如此。表现静是有声片最独特的戏剧性效果”。
这种寂静声音的运用也会给作品带来非凡的意境。同时运用恰当也能体现作者的心境。在这里就是“此时无声胜有声”的美学效果。在霍建起导演的《暖》中,有很大一部分都是安静的处理。暖用小武生送给她的小镜子照着吃桑叶的蚕,小镜子晃来晃去,一会儿又照照自己害羞的笑了。此时四周很安静,只有外面的雨滴声。显得很惬意,也反映出暖此时心里美好的回忆和对未来的美好畅想。在井和去暖家的那场戏中,也是几乎没有声音。没有对话、没有音乐。也正是这样的处理,作者巧妙的表现出来三人见面时的彼此的不自然和尴尬。同时这样处理也是符合实际的,哑巴的世界里没有声音,和他一起生活的暖和孩子也都习惯了无声的世界。井和的突然到来,各自也都不知道说些什么。安静在此时是最好的表现方法。
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黄梅戏,旧称黄梅调或采茶戏,发源于湖北黄梅,流传于鄂、赣、皖毗邻地区,发展壮大于安徽安庆,[1-2] 是中国五大戏曲剧种之一,也是安徽省的主要戏曲剧种,在湖北、江西、福建、浙江、江苏、香港特区等地以及台湾亦有黄梅戏的专业或业余的演出团体,受到广泛的欢迎。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:浅谈黄梅戏音乐元素在流行音乐创作中的运用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
黄梅戏音乐文化博大精深,是安徽省代表性的地方曲种。它的剧目良多,风格与色彩迥异,但都有着独树一帜的代表元素与特色曲味,它的独特唱腔、曲风、器乐伴奏使它具有了地方性与民族性。流行音乐于19世纪末20世纪初起源于美国,改革开放后,中国与国外的联系日益密切,而流行音乐在这时渐渐传入中国。新颖的音乐形式很快在国内流行开来,因为其内容简单、结构短小、形式多样,深受广大人民喜爱。近几年,为了使流行音乐创作更具特色,同时使这件“舶来品”散发中国民族味道,中国音乐创作者苦思冥想,在积极探索之路上,渐渐将中国传统的戏曲音乐元素融入流行音乐的创作之中,创作出来的音乐更具渲染力,歌曲曲风独特,尤其中国色彩元素鲜明。中国在流行音乐的发展上找到了突破口,世界流行音乐领域“中国风”渐渐刮起。其中,黄梅戏音乐元素在流行音乐中的使用是很有代表性的。
1.唱腔元素的运用。唱腔指戏曲的曲调和唱段。不同剧种有不同唱腔,黄梅戏的唱腔有的柔婉抒情、有的高亢激昂、有的恢宏大气、有的通俗质朴。在流行音乐的创作中,创作者也借鉴了黄梅戏唱腔的经典选段运用于歌曲之中,如花儿乐队在歌曲《鹊桥汇》中就巧妙融入了经典黄梅戏《天仙配》中的唱段,将歌词改为了“树上的鸟儿成双对,绿水青山我在想着谁。路边的野花不理会,只盼双双鹊桥会”。将原曲的徵调式改为宫调式,达到了轻松俏皮的效果,也使这首歌曲朗朗上口,很接地气。
2.器乐元素的运用。黄梅戏音乐中器乐包含广泛,由吹奏类、弹拨类、弓弦类、打击乐类等器乐组合而成。传统的习惯分类即为文场和武场。文场指的是管弦乐部分,它偏重于文戏,有着“软乐”之称,它在戏曲中的主要作用是伴奏演唱者唱功的腔调和演奏各种戏曲的曲牌。武场指的是打击乐部分,它偏重于武戏,有“硬乐”之称,作用是帮助演员准确表现出戏曲人物情绪和烘托渲染舞台的气氛,使表演更具有节奏感和音乐性。戏曲中的器乐节奏较为鲜明,律动欢快,给戏曲本身添上一种独特的味道,正是因为这样,在许多流行音乐创作中加入了戏曲的器乐,以增强歌曲的曲味。例如蔡依林的歌曲《独占神话》中,在二胡与古筝的演奏之下,就带来了一番潇湘古韵,演绎出了一幅细腻柔情的新世纪爱情神话,正是器乐带来的那熟悉的民族风味。歌曲《将军令》就是由戏曲的大鼓和唢呐开启前奏部分,各种器乐交相呼应,听上去气势磅礴、振奋人心。随后却很快变成中国风的嘻哈,中间还带有搞笑的口技和声,将曲风瞬间转化成舞曲风格。戏曲乐器的融入使流行歌曲节奏紧凑激烈、活力十足,同时富含美感。
3.念白元素的运用。念白,是中国戏曲的一种独特表现手法,在唱和读之间,以音乐化展现人物内心的道白,其中黄梅戏的念白有独特的韵味。流行曲中有借鉴戏曲中的某一段旋律直接植入歌曲或者将原有的旋律加以修饰。例如《新天仙配》是在黄梅戏《天仙配》的曲调上二度创作出来的作品,以男女重唱的形式展现牛郎与织女的旷世爱情神话,歌曲的前奏和副歌部分都保留了原曲的旋律,同时将“树上的鸟儿成双对,绿水青山带笑颜”旋律段直接融入歌曲,歌曲听上去就是一股黄梅曲风,借黄梅韵味推广了歌曲。这种巧妙颠覆的借用,丰富了歌曲的意境。
黄梅戏剧目繁多,戏曲文化底蕴深厚,极具审美价值。从流行音乐的角度分析,黄梅戏音乐元素的融入能给新兴问世的流行歌曲带来一种似曾相识的感觉,迅速拉近歌曲与聆听者的距离,使人们更容易接受。黄梅戏独有的特性也给流行歌曲带来了独特的曲风,带有鲜明的地方印记。同时歌曲后期的影像录制和舞台表演时注入戏曲元素,能使受众体会到古朴风韵,使人们对歌曲有种耳目一新的感受。流行音乐作为全球最广泛的音乐传播途径,注入戏曲音乐元素后,丰富了创作手法和创作形式,对其发展大有裨益。
从黄梅戏音乐的角度分析,随着流行音乐的冲击,社会思潮的活跃,新颖题材的音乐能更加受到人们关注,传统的戏曲音乐发展举步维艰;正是因为流行音乐受人们喜爱,戏曲元素的融入,不仅促进了流行音乐的发展,而且在一定程度上传播了传统的戏曲音乐文化,使戏曲音乐更富有时代感。
黄梅戏音乐根植内容丰富、题材众多,为流行音乐的创作提供了丰富资源。戏曲音乐元素在流行音乐创作中的运用提升了歌曲本身的意蕴,通过特色的曲风变化,使听者感到时而优雅感伤,时而恢宏激烈,营造出别样的古典美,歌曲的审美价值大大提高。这样的音乐很能迎合大众,贴地气,只有这样才能独树一帜,经久不衰地流传下去。
对于戏曲音乐元素融入流行音乐,这种形式也遭到了戏曲艺术界专家们的质疑。认为这是对传统艺术的破坏,有一种流行音乐取代戏曲音乐的理解。笔者认为这种观点是不可取的,因为只有喜闻乐见的文化才是大众文化,流行音乐能为人们所认可,说明它具有很好的审美作用。黄梅戏音乐在历史的发展中被人们深爱,说明它是艺术沉淀的精品,戏曲音乐元素融入流行音乐,能促进二者共同发展。
每一种高雅的艺术都不是孤立存在的,它们都有广泛联系,黄梅戏这种蕴含深厚的民间戏曲,与年轻的流行音乐发生碰撞,必然能擦出耀眼的火花。黄梅戏在戏曲艺术中独一无二,它的艺术形式精美绝伦,艺术特点浓郁独特;我们应该利用与发展这块瑰宝,只有在不断运用与发展中才能源源不断地创作出具有时代和民族特色的优秀作品,这样中国的流行音乐才能在世界音乐舞台上独树一帜,开拓出另一番天地。
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摘 要:就像所有艺术创作一样,动画影片的创作过程中,有很多因素决定了动画片的成败。特别是包括了创意、策划、剧本、分镜剧本头等前期工作。在这些元素中,剧本创作则是重要的前期工作里尤为重要的一环。
关键词:动画;制作;剧本创作
就像所有艺术创作一样,动画影片的创作过程中,有很多因素决定了动画片的成败。特别是包括了创意、策划、剧本、分镜剧本头等前期工作。在这些元素中,剧本创作则是重要的前期工作里尤为重要的一环。
在最早时期的美国迪斯尼动画即可以看出:故事情节单调简单,镜头平实,重心偏侧于表现各种夸张变型的肢体活动。但在后来迪斯尼动画的改革当中,迪斯尼小组开始学习好莱坞的剧本写作模式,把叙述事件发展,讲究起承转合渐渐放在了第一位,而将动作动态只是放在以烘托、突出故事发展来继续描绘。
因此策划影视动画作品,在内容设置上吸引力低、情节平平、缺少悬念、虎头蛇尾、立意单一等,这样只能导致动画作品的彻底失败,这也是国内观众对于大多数国产动画片评价较低的原因之一。在此,在前期策划的过程中,剧本创作是极其重要的,是影视动画作品的创作根本。
影视动画剧本的创作则包括了:首先收集资料。任何编剧都会突然接到各种要求的剧本工作,而如果从接到工作以后才开始做准备,那就太晚了,勉强拼凑的故事也达不到引起观众共鸣的效果,所以,创作资料可以用过日常生活的积累来逐步完善。
影视动画剧本的创作,既可以改编也可以是原创。要是根据了畅销小说、报刊上的一段文章或知名戏剧所改编,一般情况下,剧本的主题和内容,以及戏剧元素中的矛盾、角色特征都是现成的。作者只用在此基础上,在不改动原来主题和意义上适当地加入夸张、冲突等戏剧元素,让文字故事具有比较强烈的画面效果,能够以画面表现出来就行了。这个问题上,美日的动画片创作值得借鉴。美日的动画一般多改编自文学或漫画作品,这样既节省了时间和创作立意的争论,还能保证剧本故事的深度与精细化,并以此确保了作品消费市场顺利接受,这样的动画剧本创作模式,也是美国与日本动漫相当稳定发展的原因。
如果是要进行文学原创,使所讲的故事真实、能引起观众普遍的共鸣,那么这样的故事一般来说在真实的现实社会才会发生,我们所需要做的就是详细耐心的记录现实生活。好的编剧要懂得笔记的选择,有所选择也可以说是最见作者功力的技巧之一,应该把最适合发展成剧本的那些故事关键字写下来,而不是死板的流水账形式。除了观察生活中的人与物,像报刊文章、小说、戏剧都能成为一个好故事的萌芽。一般常常采用间接的方法,把看到的内容用作转向另一个新故事的跳板,先研究故事发展的来龙去脉,再加以转折或引申发展,成为一个全新的原创故事。
然后,必须根据该剧本的要求,进行资料的选择,拼合写出一个故事大纲。然后不断进行修改、完善,再逐步细化,写出完整的剧本。如果不是长时间的剧场动画,而是系列片或连续剧,也就是说整个故事有一个最大的主题。
在创作剧本之前,都会最先确定故事的主题大纲。而故事大纲特点,必须以最简明扼要的语言概述整部作品的主题思想和故事内容。同时,还要表达出设置的冲突和主要角色间的内在联系,并反映出未来剧本中心事件或故事内容的大致轮廓,这些都是创作构思的基本框架。剧本的大纲首先要确定影片剧本的主人公,例如《千年女优》可以看成主角为女明星藤原千代子,以及她的影迷也是采访者身份的立花源,甚至还有不停出现的摄影师井田恭二。这时一定要保持清醒的头脑,分清每段故事的中心人物,在不同的内容中找到需重点表述的角色,再加以较多刻化、细节性描述,故事层次就要清楚多了。
主人公有了,然后需要确定故事的总体构思和主要发展方向,确定中心事件,即故事内容的大致轮廓。因此,在故事大纲中本必需确定的是:主要情节线是单一还是复杂,剧本故事整体的轮廓是怎样发展。
剧本的故事大纲,还应表现出剧本与成品影片的叙事格调,以及样式类型,比如是抒情的叙事风格、写实的叙事风格,还是戏剧式的叙事风格;是情感片、幽默片、哲理片,还是实验类动画的探索片等。风格与样式都是使剧本与影片在艺术上达成和谐统一所不可缺少的。如在剧本大纲里没有明确的标注风格与样式,只是在构思时提出了故事的趣味性,那结果就会出现问题。在以后的创作动画当中由于是大规模的分工合作,在形式不统一的情况下将会付出巨大的劳动,一次次返工修改剧本,画面也就要一次次的重新创作,其重要程度可想而知。
如果是连续剧或系列片,若情节比较复杂,那还要写分集大纲。要在每一集中落实一个重点事件或中心事件,明确该事件在总体情节中的位置、作用,并且照样要有剧本基础模式——起承转合。只有这样的剧本创作才是比较完整的。
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摘 要:从最初单纯地书写文字到西周金文对装饰美术效果的追求,再到汉末追求传情达意的艺术,一代又一代的中国人一直在探索中国书法的艺术规律。书法的难处在于学书者不能一味在临摹与技法上下功夫,而应重视提高自己的整体素质与修养,这在物欲横流的功利社会中显得更加重要。文章基于美学探析当代书法创作走向,希望写意性书法能为净化当代人的心灵发挥应有作用。
关键词:书法创作;当代书法;美学;走向;写意性书法
中图分类号:J292.1 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2015)14-0030-01
从笔法、墨法、结构、章法过渡到笔性墨情,再过渡到传达书者的性情及人格,书法的艺术内涵愈加丰富,承载着的历史文化内容也越来越厚重。看似由平淡而简单的纸张、书写工具、线条、表达方式等汇集成的书法承载了中国人太多不平淡、不简单的喜怒哀乐、人生感悟、人格映照,于是书法几乎变成了中国人表现人格的方式,甚至成了中国人的精神归宿,至今未变。
首先,思维意象标示着书法艺术呈现出感性特征。通过汉字的线条线构,书法作为呈现艺术的物质载体,虽然在形式上具有绘画物象的抽象性,但依旧是直接诉诸感官的形象。线条的形象是直接的,但其中蕴含的美却是间接呈现的,通过意象表达保持书写者、欣赏者的思维感性。其次,书法艺术功能的各个环节都贯穿着意象性。在创作书法的过程中,书写者必须通过意象方式表达出认识自然、体验自我,将它们转化成书法艺术。实体意象的力,加上形式意象的点画、结体、书体、品评一般意象与特殊意象,通过风格意象具体化哲学精神的艺术美学,从而全面剖析书法透过意象展现的本质。对于书法创作而言,书法的美学意象意义非凡。
虽然有少数书家继承了当代书坛的写实性书法一派,在临摹和继承传统名碑名帖上拥有扎实很厚的功力,前中期作品带有相当的临摹痕迹,后期作品有望将原有的格局打破。但是,书法创作的主流走向很可能是写意性书法,他们反感在书法创作中过度依赖碑帖的临摹和继承,更有甚者把临摹的作品讥为奴书,且他们也反对任意书写而毫无继承。写意性书法具体是指书家在良好的传统继承的基础上能较明显地突出个人的才情和风格,书法作品拥有较强的抒情性和较丰富的艺术感染力,其代表有周永健、穆棣、启功等。写意性书法创作的显著特点是在扎实深厚的继承上尽量忘记名碑名帖,依据书法美学及书法创作的规律等进行书法创作。
一是写意性书法创作要对汉字的美学价值进行充分挖掘,仔细探究汉字拥有的美学规律,重视临摹、继承传统的名碑名帖。在临摹方法上,写意性书家结合创造性临摹和复制性临摹,在继承传统方面涉猎广泛、博采众长,而不再局限于少数几家,力图做到名家与个体的融会贯通,从而形成独具个性特色和艺术魅力、艺术表现力的书法风格。二是写意性书家注重体现线条的美,尤其是线条的质感,他们甚至在创作书法的过程中专门对线条进行练习,丰富单独线条的美学意象,提升其艺术表现力和魅力。三是写意性书法创作重视书法的时空特性,在重视线条空间布局上更重视关照书法的时间维度,促使线条在时间维度里的艺术表现力更加高纯。四是写意性书家更注重丰富书法的文化内涵、传达书法的人文精神,通过创作书法努力提升个体的学识、品格与修养等。五是写意性书家更注重在书法创作中传达个人人格与性情、书法个人情感。书法创作致力于在书法个人情感的同时表现自己特有的艺术魅力。
当代社会物欲横流,人心浮躁,但人们的精神依旧需要寄托,缺乏宁静的沉思和心灵的洗涤,缺乏精神重返自由的空灵境界。对于深谙书法之道的人来说,以书法为寄托精神的媒介,相信可以做到心灵的洗涤,能够获得精神自由。在洗涤人的灵魂、提高人的精神、塑造人健全而独立的人格、改变并教化社会风气等方面,书法的任务责无旁贷,且书法也能胜任。
千年书法、千年艺术、千年提炼和升华,促使书法的表现内涵、艺术特质日趋丰富。书法承载着丰富的文化内涵,这充分地诠释出书家修养个人性情以及写意性书法创作的当代发展走向。至于少数现代人忽视传统,完全凭借一己想象而涂抹的书法,即所谓的嬉皮士书法,它是艺林的糟粕,势必会随着社会的进步而遭淘汰。对于学院派书法,也仅仅会以文化现象、许可而在一定的时间里存在,不会取得太大的发展。学院派书法仅仅是中国书法的形式要素跟西方现代艺术设计的少部分重合,这样的艺术的发展空间狭小,也会逐渐被人们抛弃。因此,书法艺术在当代完成其拥有的艺术之外的社会功能,主要的书法艺术形式就应是写意性书法。书法是中国文化核心中的核心,它在自身艺术价值的实现及艺术外的社会功能的发挥的基础上将引领中国的其他文化,共同组成能影响并能进一步深化当代社会精神的艺术。
当前,写意性书法在其形式特质的基础上通过写书法艺术来传达精神实质,致力于写人之意境、抒人之性情。对当代中国人而言,书法在重构与表现人格、在陶冶与抒发性情、在净化当今社会风尚与重建当今社会秩序等方面拥有的艺术特质、艺术精神等的作用是惊人的。中国书法也将承载历史赋予它的独特艺术魅力,努力发挥美学视野中书法创作的现实意义。
[1]张志锋.书法艺术的法度、力度和气度[J].当代电力文化,2013(05).
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