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摘要:本文以造型的集中性、形象的多样性、风格的写实性、色彩的独特性为四大理论视角,对水彩画的艺术特色进行了全方位、系列化、深层次的论述。对于水彩画创作与学习,可提供理性思辨与艺术实践的双重参照系。
关键词:水彩画;特色;造型;形象;风格;色彩
水彩画是西方绘画品种的重要一种,传入我国以后,已成为我国画坛中的一朵奇葩。分析、研究、把握水彩画的艺术特色,无论是对于水彩画的创作与学习,也无论是在理论启示上还是在艺术实践上,不仅大有裨益,而且十分必要。为此本文试就水彩画的艺术特色这一重要艺术命题发表几点肤浅之见,以与同行共同讨论、共同切磋、共同提高。
具体而言,水彩画的艺术特色可分为以下四大层面予以解读—
A.造型的集中性
水彩画同中外所有的绘画艺术一样,都是造型艺术,这是毫无疑义的。但是水彩画更加强调造型的集中性,这种集中性,又具体通过以下几大手法来体现:
其一是以平面显立体。水彩画同所有的绘画一样,都是平面(二维空间)造型艺术,但它并不是孤立呆板、单调僵化的平面艺术,而是以平面显立体的艺术,即以二维空间表现三维空间的艺术。绘画作品只有长与宽,而没有高,只能从正面通过视角进行观赏。这的确是绘画艺术之短,但作为水彩画,却可以扬长避短,甚至以短见长,即通过观赏者的第一视觉印象的联想与想像,获得最大的艺术信息量,创造出一个更为广阔的立体空间,获得审美的极致。
其二是以瞬间显永恒。水彩画选取的是瞬间的物象,但却以这瞬间的物象显示了人物或事物的永恒。狄德罗说:“画家的笔只有一个顷刻:他不能同时画两个顷刻,也不能同时画两个动作。”①莱辛也说:“绘画要选择最富于孕育性的那一顷刻,使得前后都可以从一顷刻中得到最清楚的理解。”②因此,水彩画选择的瞬间形象,应当是事物发展与人的感觉的顶点,因为顶点就意味着止境。莱辛认为:在一种激情的整个过程里,最不能显出这种好处的莫过于它的顶点,到了顶点就到了止境,眼睛就不能再朝远处去看,想像也就会停止了。水彩画画出这人世间的瞬间物象,它又被圈定下来,显示出人世间事物的永恒。
其三是以静止显动态。水彩画是静止的艺术,但它却通过静止的画面表现动态性特征。例如大海的波涛在画面上是静止的,但它却显示出动态的汹涌之姿;蓝天上的白云也是静止的,它也显示出不断飘动的意象。
由此可见,水彩画正是通过以平面显立体、以瞬间显永恒、以静止显动态的辨证统一的艺术手法,来实现它的集中性的。
B.形象的多样性
水彩画的绘画形象,也是多种多样的。它既有人物形象,又有动物形象,还有景物形象、器物(静物)形象,具体可分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画、宗教画、历史画、壁画、年画、儿童画等各种形式。
而且更为重要的是,在这些形象之中,还饱含着画家深刻的思想与深厚的情感。也就是说,水彩画的形象,是主观与客观的有机统一,也是形与意的有机统一。例如一幅蓝天大海的风景水彩画,其形象是碧海、蓝天、白云、海鸥、帆船等等,而在这些形象的背后,又透出画家对自然景色的喜爱之情与渴望飞向更广阔的天地的向往之心和理想之趣。
由此可见,水彩画的形象,是多样的,这种多样性,既表现在物象本身的多样性,又表现在物象之外的多样性,即所谓“象外之象”、“画外之画”。用我国传统的绘画理论而言,就是“诗中有画,画外有诗”。
因此,水彩画的学习与创作,都要仔细品味、认真揣摩、全面把握由形象性所形成的这种“味外之旨”、“弦外之音”、“画外之蕴”。
C.风格的写实性
水彩画作为西方绘画的品种,属于写实主义范畴。从美学原则与艺术精神的视角考量,它是受西方传统美学原则与传统艺术精神所制约的。正如当代著名美学家彭吉象先生所概括的那样:“中国传统美学强调美与善的统一,注重艺术的伦理价值;西方传统美学则强调美与真的统一,更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志;西方传统美学是强调艺术的再现、模仿、写实。我们从中西美学史上可以发现,‘模仿说’是古希腊美学的普遍原则,亚里士多德以模仿的基础建立起的《诗学》体系,在欧洲雄霸了两千年。而‘表现说’则成为中国先秦美学的核心,‘言志’、‘缘情’是我国诗论重视表现的最早见解,在情与理的统一中,将‘天人合一’的审美境界作为最高境界。”③
作为写实主义风格的水彩画,主要通过明暗处理与焦点透视来得以具体体现。通过光影与明暗的不同,通过近大远小成比例的焦点透视法,来加强其真实感。
D.色彩的独特性
水彩画的艺术特色,主要体现在它色彩的独特性上。正如马克思所说:“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。”④水彩一的灵魂是水彩,它是用胶水和颜料等调制而成的,作画时用水溶解于纸上,利用画板的白地与水分互相渗透等条件,表现出透明感,具有轻快、湿润等特殊效果。既不同于油画的油质色彩,也不同于水粉画的用水调合的方法。一言以蔽之,水彩画色彩的独特性,就在于它具有“水彩味”。
注释:
①②转引陈兆金主编:《艺术鉴赏学导论》第321页,哈尔滨:北方文艺出版社207版。
③彭吉象:《艺术学概论》第330页,北京:高等教育出版社2002年版。
④马克思:《马克思恩格斯全集》第13卷第68页,北京:人民出版社1979年版。
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摘 要:美术欣赏对于每一个从事美术事业的人来说都是必不可少的,对提升我们的专业素质有着重要的作用和地位,它能不断地拓宽我们美术欣赏的视野,并且可以发展我们的思维活动,激发我们对美的真谛的认识和把握。美术欣赏通过对美的艺术审美和感受,培养我们的审美心理,使我们对美有一个正确的认识与理解,学会领悟美、鉴赏美和创造美。在欣赏美术作品时认识和感受,可以提高我们的艺术修养和创新能力,从而使我们达到自身素养水平的提高。在新的时代,我们如何能更好地利用美术欣赏来指导我们的创作实践,本文引入心灵研究的知识,尝试新的观点,论述美术欣赏与实践的互动,拓宽我们的视野。
关键词:审美意识;心灵潜能;潜意识;创新
美术欣赏作为步入艺术大门的一门必修课,在学校教育阶段就已经受到重视,美术欣赏直接影响着今后的艺术实践,影响着艺术家的审美品位和艺术创作水平,笔者通过在艺术实践的体悟,反观美术欣赏的重要性,让我们从新审视美术欣赏的意义与作用,让美术欣赏与艺术实践融为一体,发掘艺术家的潜能,启发艺术家的创造性思维。
纵观历史长河,中国艺术思潮的产生与发展,是在中华民族源远流长、博大精深的文化基础上建立起来的,是在特定的历史时期和环境下出现的,是人们的想法和思维的总和,这些经验的整合已渗透到中华民族的心理意识当中,成为中华民族文化不可分割的重要部分。
审美能力的培养,能独立去发现美、欣赏美和创造美。道家以无道德意义的天人合一为最高境界,复归于本真,实际上是审美意识。它认为审美意识才是人与世界的关系,或者说是精神发展的最高阶段。审美意识的天人合一是诗与思相结合的高级直观,它不受功利牵绕而又不是不懂功利,它超出道德而又自然地合乎道德,既克服人与自然的分隔,又克服自己与他人的分隔。说得简单通俗一点,审美意识的天人合一,其核心内容在于内心感情的真挚传达,真正的艺术之人也都是通过内心的感受来传达最真挚的情感。
自然逍遥的境界,实质上就是这种能够超越本能欲望、超越知识、超越功利、超越道德意识的审美意识,这主要是以庄子思想为依归。李泽厚指出,在庄子的逍遥境界里,“主体人格的绝对自由是通过客观自然的无限广大来呈现的,它也就是庄子最主要的审美对象:无限的美、大美、 壮美。”其摆脱小我拘牵和社会罗网,向大自然寻求寄托的意向。
庄子那种种齐物我、一死生、超利害、忘真幻的人生态度,用在现实生活中,这是很难行得通的,而且也很少有人会采取这种态度;但把它用在美学和文艺上,却非常恰当和有效。在文艺创作和审美欣赏的过程中,个人的生活经验使得对艺术作品的理解能力和欣赏能力都有所不同。了解审美的境界,对我们艺术欣赏与实践就有了方向,不会受假丑恶审美观的影响,塑造独立的审美能力。
要想达到古人所说的美的境界,不仅与艺术作品的外在形式美相联系,而且还涉及了艺术作品的内在审美意义,要注重开发人的审美意蕴,这样有利于形成自身的健全个性和积极活动。在当今社会相对复杂的环境中,人的内心容易躁动,但是我们的硬件条件在不断的提升,我们对心灵的研究在逐步推进,只要我们能以古人为师,以实践生活为师,开发我们的心灵潜能,与古人之心相应,与大美之境相融,我们的艺术是可以达到较高的欣赏和审美境界。
人脑接受信息的方式可以分为有意识和无意识接收两种方式,我们每天都会接受到不同程度信息的刺激,使我们引起注意,并产生不同程度的反应,当我们的脑子不知不觉地对周边事物刺激的接收,这就产生了所谓的潜意识。潜能使我们的心灵开发和运用,创造心灵的灵感和学习能力,不断培养我们的能量,使我们激发自身的潜意识。潜意识里拥有着巨大的能量,根据它的特点,我们把它用于美术欣赏,用于指导美术实践,岂不是可以快速提升审美能力和创作能力。
以往的美术欣赏课堂式和灌输式的教学,现在新型美术欣赏课堂以生活化和感悟启发式的引导,生活欣赏是美术之外的欣赏体验,作品欣赏是生活提炼后的结晶之美。美术欣赏与实践互动从心灵发掘潜力和换角度思维创作相结合,与万物相应,在欣赏里启发实践,在实践中享受欣赏。
美术是人类感性和理性的结合体,是抒发情感的一种创造性行为。美术欣赏课程能充分调动学生的学习热情和潜能,使学生学会独立思考,培养学生的创新精神。
美术欣赏是一种审美享受,是一种特殊的审美活动,是一种再创造活动。审美创造力主要表现敏锐的感知力、丰富的想像力及精湛的艺术技能。在美术欣赏的整个过程中,欣赏者在积极地参与、投入,用艺术的表达方式来展现情感,从事着能动的艺术再创造。美术家用审美意识和丰富情感来借助于不同的美术表现形式和手法,通过美术作品来传达给欣赏者,使得欣赏者产生审美的心理感受和想象力,对我们的社会和生活方面的都产生了积极的影响和作用,这就是艺术欣赏的再创造。我们通过美术欣赏,通过欣赏者能动的艺术再创造活动,来真正的展现艺术作品的真实涵义,才能将自身的社会意义与审美体现从可能性转变为现实性,这才是真正作品的意义。
在美术欣赏课程中,注重研究性学习和创新能力的培养,倡导理论与实践相结合,从而培养创新精神和实践能力,在教学过程中通过学生的主动参与,将学生的想象力和创造力充分地展现出来。
美术欣赏课程中的优秀美术作品,是对于美的事物的理解和欣赏,是人类审美经验的提炼,是现实美的展现、概括和升华。美术欣赏课程的教学,是我们的民族传统文化得到弘扬与发展,有利于开阔学生的视眼,提高学生的修养能力、鉴赏能力和创新能力,这对现代的学生来讲是非常有意义的。
[1]杨建滨,美术学科教学概论[M],湖北美术出版社,2005
[2]孙乃树、程明太,新编美术教学论[M],华东师范大学出版社,2006
[3]尹少淳,走进课堂――美术新课程案例与评析[M],高等教育出版社,2003
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歌唱艺术是将文字与音乐完美的结合起来,给人们带来美好的听觉盛宴的一种艺术形式,声乐美学能够让演唱者在演唱的过程中,将作品中的情感充分地表达出来,向听众传递作品中的真正意义,并激励作者创造出更多感染人心的作品。因此,声乐美学一直成为艺术界备受关注的研究对象,声乐美学的作用也一直被各国探讨研究,力求将作品表现得淋漓尽致。
艺术美学是对艺术美的属性、特质等进行研究的一门学问,它能够将多元化的艺术形态之美区别开来,发掘每种艺术形式的独特之处,对审美性能和艺术创造的组合形态和步骤进行研究。声乐美学以艺术美学为基础,发掘其本质,探究审美的普遍规律和本质规律,是从美学基础上衍生出来的美学之一[1]。
音乐文化在人类的发展历史中一直处于重要地位,在发展历程中经过实践不断的进化,形成了自己的艺术特征。能够将语言和情感更充分地表达出来,是人类生活实践和情感交流的产物。
著名的荷马史诗,就是古希腊时期具有时代特征的歌唱艺术作品。史诗作品、颂歌、抒情诗等被认为是早期的声乐歌唱艺术,在公元5世纪时,新的艺术载体希腊悲剧出现了,这对后世的声乐艺术影响深远。随着时代前进的步伐,基督教音乐文化、歌剧等相继出现,声乐美学理论也不断发展,在二十世纪时,已经融合了现代心理学等其他学科的不同理论,建立起了新的理论体系。
声乐是音乐的重要组成部分,它是通过人的声音和歌词作为载体来表现感情的一门艺术[2]。声乐美学的发展历史是整个音乐史不可或缺的一部分,声乐美学的研究,就是通过不断地研究音乐艺术中的特征,发现自身的规律内涵,从而更好地纵观全局,以便对声乐美学更好的认识、了解,更好地建设声乐美学理论体系。
声乐美学随着历史不断发展,至今已经有了相当大的成就,但是在某些方面的研究还是略有不足,通过对声乐美学的研究,可以不断完善改进声乐理论,激励音乐创作者创造出更具欣赏价值的作品。
歌唱语言的婉转曲折变化和相随的高音关系,组成了声调的抑扬顿挫。在歌唱艺术发展的最初,音乐中声调的表现形式大多都是吟唱,通过不同的音调来表达文字不同的意义。
在演唱中,声乐美学要求演唱者吐字清晰,根据作品的不同特点和情感,控制演唱过程中咬字的力度和速度,保证听众能够充分领会作品中的语言表达的意思和情感。例如民族唱法中的“开、齐、撮、合”吐字法,就要求演唱者科学的发声,准确地咬字,让听众领略声乐上的语言之美。
声音是歌唱艺术表现的基础,声乐美学要求演唱者在演唱的时候声音优美,能够利用正确的歌唱技巧。声音的优美可以通过后天的努力得到改善,因此,演唱者需要不断的学习,提升自身演唱水平,加强专业性,进行各种声音、声调的练习,最终达到声音美的目的。
声乐艺术要求演唱者在演唱过程中达到声情并茂的效果,将各种艺术手段运用在唱腔中。根据作品的结构和要表达的情感,通过对唱腔的处理,将作品的曲调、字调等完美的融合起来,充分的表达出作品的感情,突出歌唱艺术的独特魅力。
节奏是歌唱艺术中的重要因素,不同的节奏代表着不同的作品风格。节奏在作品中发挥的作用就如同文章中的起承转合,将歌曲中每个部分的感情都表现出来。声乐美学要求演唱者充分利用作品中的节奏感,表现作品重要表达的情感,利用不同的节奏感染听众,传递作品的意义。
歌唱技巧对于歌唱艺术的表现相当重要,演唱者在演唱时通过调整呼吸对声音进行调整,呼吸变化对情感的表达和作品的美感有着重要影响。要求演唱者做到腔体共鸣,达到美化声音、令音色变得字正腔圆的目的,使演唱过程中演唱者可以吐字清晰,保持音调与作品情感的统一。
声乐美学的运用是对作品的二次加工,能够让作品的语言和旋律相互融合,通过对歌词的进一步表现,将歌唱艺术的艺术效果凸显出来。并通过对旋律的控制,将作品的情感和演唱者演唱时所表达的情感相统一,更进一步的发掘作品中表达的意境,利用不同的唱腔再次对情感进行强化。
情感是声乐美学要求的重要表现因素,演唱者根据声乐美学的规律,将语言、唱腔、音调等因素和谐的运用到一起,通过情感来感染听众,将歌唱艺术的魅力表现的淋漓尽致,真正得到想要的艺术效果。
声乐美学是一种创造美的手段,它将音乐艺术的形态和特征充分地发掘出来,提升了人们的审美观。声乐美学在歌唱艺术中的作用深远,让人们从多个角度实现美好的听觉效果,通过声情并茂的演唱,将作品想要传达的感情传递给每一位听众,激励更多的音乐创作人,创造更多极具感染力的作品,对我国音乐事业的发展和音乐艺术的研究产生了巨大的影响。
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俗话说:唱歌的过程就是把自身变为一件乐器和如何使用这件乐器的过程。因此,要拥有良好的歌唱乐器,首先要有健康的身体和良好的精神状态。
今天读文网小编要与大家分享的是艺术理论论文:声乐艺术表现的灵魂。具体内容如下,欢迎参考阅读:
声乐艺术表现的灵魂
古人云:"乐者,音之所由生也,其本在人心之感于物也。是故其哀心感者,其声噍以杀;其乐心感者,其声??以缓;其喜心感者,其声发以散;其怒心感者,其声粗以厉;其敬心感者,其声直以廉;其爱心感者,其声和以柔。"在我国,早在两千多年以前,《乐记》就已经提出"凡音之起,由人心生也"的看法,并描述了音乐是以怎样不同的声音表达出哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等六种的不同心情。"情以物兴","物以情观"准确地说明了情感是人对客观事物与人的需求之间所存在的关系的反映,即人对客观事物是否符合人的需要而产生的体验。《诗大序》说:"诗者,志之所之也,在心为志,发言为诗。情动于中而形于言。言之不足,故嗟叹之;嗟叹之不足,故咏歌之;咏歌之不足,不知手之舞之,足之蹈之也。"《乐记》说:"感于物而动,故形于声。"这都是着重指出了诗、乐、舞创作中的情感的特点和作用,同时也指出了表现于艺术创作中的情感来源于客观现实的,是由一定的审美对象引起的。
在西方,早在古希腊时期,亚里斯多德就把人与音乐的感情生活联系起来,认为乐调能反映出愤怒和温和、勇敢和节制以及一切互相对立的品质和其他的性情。波兰音乐学家丽莎认为: "音乐的内容是感情,而很少是唤起这些感情的那些现象本身。"苏联音乐学家万斯洛夫说;"音乐是一切艺术中最接近抒情的,"并认为:"承认感情在音乐中的特别重要的作用,这是意味着,同其他艺术相比,音乐在表现现实的全部多样性,首先是通过感情的表现。"
在我国当代音乐美学研究中,也普遍认为音乐是一种表现情感的艺术。赵宋光在《论音乐的形象性》一文中说:"音乐则是重表情的,主要是通过表达情感来使人联想起那些曾引起类似情感反映的许多对象和情景,而以摹拟因素为辅助。"因此,我们认为提出"音乐是表现感情的艺术"或"音乐主要是表现情感的艺术",应该说是抓住了音乐表现内容最主要、最核心的东西。总之,音乐是一种善于表现人对现实生活的心理感受,尤其是情感态度的艺术。
歌唱艺术即我们所说的声乐艺术,他是由音乐与诗、词相结合的综合艺术,具有声和诗、词两者共有的艺术功能。情感表现则恰恰是它们共同具有的显著特征,从而使表情成为声乐艺术的主要表现功能之一。声乐艺术的表情有"三情"即诗情、曲情、声情。这"三情"所形成的整体情感,都要通过最后的声情来加以体现,声情是音乐艺术整体情感再现的核心环节,它是集多重主观情感于一身的重要载体。正如车尔尼雪夫斯基所认为的:"歌唱是情感的产物",是"情感要求表现"的。故而,歌唱者的声情应该由取自作品本身的客观情感和来自自身能动的创造情感两个部分构成。
欲把声乐艺术作品中的声情准确地表达出来,作为一个优秀的歌者应该具备以下三个条件:
3.1 善用脑。
要善于思考问题、分析问题、有正确的思想方法,有观察事物、分析事物、理解事物的能力。对歌曲所反映的生活、内容能够通晓,认识上有一个深度。作为学生,对老师所提出的要求能够理解;对自己唱法上的问题能够明确;能够有效地把握练习的方法,不断地提高歌唱能力。对自己的歌唱做到心中有数,有"自知之明",有独到见解和创造性,这是发展歌唱能力的主导力量。在歌唱中要善于用脑,培养敏锐的观察力,学会辨证地看问题,提高分析问题解决问题的能力,这个问题对歌唱艺术非常重要,不能忽略。
3.2 善用心。
音乐是表演艺术,一个歌者需要有分析、理解作品内容和体验作品感情的能力,并且会用歌声去表达作品的内容、思想感情,这是歌唱者应当具备的表现能力。歌唱的表现能力是多种智慧、能力的综合:
(1)对音乐作品中所反映的生活及人物的思想感情、神态和事物的内涵有观察、分析、理解能力;
(2)对音乐语言、音乐表现手段所表现的感情有感受、体验和认识能力;
(3)善于运用歌唱的技能技巧,把所理解的内容、感受的情感用歌声表现出来的表达能力。如果歌唱者没有分析、理解、感受、表达歌曲的能力,纵然有好嗓子,却因唱出来的歌很平淡、少激情,虽背的很熟,就是不感人,也就达不到歌唱艺术的目的和要求。因此,歌唱者要善于感受、体验歌曲的情感,领悟其内涵,用歌唱技能、技巧把它表现出来,这是使歌唱富有艺术,表现力的非常重要的方面。
3.3 善修身。
俗话说:唱歌的过程就是把自身变为一件乐器和如何使用这件乐器的过程。因此,要拥有良好的歌唱乐器,首先要有健康的身体和良好的精神状态。要用歌唱乐器来唱歌,就要学会重新制造它、调理它、使用它、爱护它,要能够充分发挥自己歌唱乐器的最好功能,保持它持久耐用,唱得动听、感人,这就要学习正确的歌唱方法,掌握适合自己嗓音条件的歌唱技术。否则,即使你有好的嗓音本钱,好的歌唱乐器,没有好的歌唱方法,你的好的嗓音本身得不到正常发挥,就可能被损伤或被埋没掉。所以歌唱者不仅要有良好的声音素质,还需要学习正确的歌唱方法,掌握适合自己嗓音条件的歌唱技术和适合自己实际情况的歌唱训练过程,这样的歌唱训练过程,是对歌唱乐器的制作、调理和再整顿的过程。一个好的歌者必须具备上述三个条件,三者要协调发展互相促进,缺一不可。
综上所述,我们可以看出情感是歌唱艺术的灵魂。歌者要想演唱好一首声乐作品,需要通过歌者运用高超的演唱技巧、发挥丰富的想象力、然后协调自身的音乐修养、文化修养以及生活阅历,在运用恰如其分的眼神、表情、形体动作等,将自己全身心地融入到声乐作品所表达的感情中去。只有这样才能让听众接受歌者演唱的声乐作品,也只有这样才能使听众产生情感共鸣。可见,歌唱艺术最重要的因素就是"情感"。匈牙利音乐家柯达伊说过:"艺术的精髓并不是技术,而是心灵,一旦心灵可以毫无障碍的自由表达,便能创造出完美的音乐艺术效果。"音乐是情感的艺术,著名音乐评论家李凌曾经说过:"我们永远不要忘记,唱歌就是唱情,声音只是一个工具。"
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手绘是从事建筑,服饰陈列设计、橱窗设计、家居软装设计、空间花艺设计、美术、园林、环艺、摄影、工业设计、视觉传达等专业学习的学生一门重要的专业必修课程。在效果图的学习过程中,临摹是一个非常重要的内容与环节。它是衡量大学生手绘能力的重要指标。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:环境艺术设计手绘表现技法研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
手绘效果图是环境艺术设计中设计者徒手绘制的一种表现性图纸,不仅具有艺术性,同时还集科学性、说明性与文化性于一身,并且能够在短时间内较为直观、快捷地表达出设计者的设计意图和对设计方案进行沟通,是广大艺术设者对设计方案进行比较、分析以及展现创意设计作品的法宝。在环境艺术设计中,手绘表现技法的高低直接影响到手绘效果的设计成果,设计者通过对进行空间透视、空间构图、线条、造型以及造型等方面的训练可以提高手绘表现的技法与技巧。由于手绘表现技法形式种类繁多,需要设计者扎实掌握绘画基本功,长期坚持训练,达到质的飞越,才能设计出精美而极具魅力的手绘图纸。
环境艺术设计工作主要是通过一些表现手法来展示艺术形象,而手绘就是其中一种有效的表现手法。通过手绘可以把部分空间环境中所蕴含的内容生动形象地呈现出来,在创意方面发挥着重要作用,能够传达出设计者的设计理念,也是设计者和客户之间进行沟通的一种形式,是设计者向客户表达设计思想的语言媒介。[1]通过手绘能在短时间内更为快捷、直观地表达出设计构思与方案,是对设计方案进行对比、分析和进行创意设计的快捷高效方式。
2.1 手绘表现技法的特点
手绘效果图通过对空间、物质形态、色彩、结构、线条等具体的呈现,把设计对象的艺术形象展的淋漓尽致。由于其中蕴含了作者的情感,使艺术形象的存在形式更加形象。设计者在手绘探索与创作过程中,将激情融入了作品中。因而,手绘能够直接传达出创作者的理念与风格,生动、亲切、形象,使人有回归自然的感受。[2]
2.2 手绘表现的价值
(1)市场价值。社会经济的快速发展,人们对活动空间和居住环境的设计要求也逐步提高。设计者们在考虑空间设计形式美与使用基本功能的同时,也需要在较短时间内,准确地向客户传达出自己个性化的设计风格与理念,快速让客户了解到设计者的设计构思,从而能够满意的接受设计方案。由此看来,设计者需要熟练掌握手绘表现技能,利用手绘图,缩短与客户沟通设计方案的时间,争取提高设计者设计方案的成功率。通过设计者对极具表现力的设计效果图的展示,客户能够深刻、直观地感受到设计方案的魅力所在。
(2)艺术价值。手绘效果图除了具有较高的市场价值以外,还具有极强的艺术价值。作为一种特殊艺术的表现手法,它具有多种表现形式,如钢笔淡彩、透明水色、水彩、水粉、喷笔、色粉以及马克笔等表现途径,无论何种表现,都具有较强的观赏性,成了室内装饰中的重要装饰品。手绘效果图作为一种独特的艺术作品,艺术价值不可估量。
2.3 手绘表现的风格
手绘表现作为一种特殊形式的艺术,由于表现形式多种多样,因而表现效果也各不相同。无论哪种表现形式,都具有自己独特的风格。艺术本来就没有固定的形式,因而手绘表现创作中也不要受多方面的束缚与限制,设计人员也要摆脱陈旧思想观念的束缚,充分利用自己的知识技能,有效整合多种资源,大胆地进行艺术创作,经过艺术加工,将构思用手绘图完成呈现。在手绘过程中,要整体把握,调整好局部与局部、局部与整体之间的关系,掌握整体统一环境,同时也要处理好环境空间中近景、中景、远景等各层次之间的关系,正确理解色彩与色调,努力使环境氛围与艺术效果之间达到平衡,整个创作设计规划安排合理,使感性表现和理性表现相辅相成,达到形神兼备,使手绘表现风格迥异,独具特色,展现出高端的时代艺术气息。
当今社会瞬间万变,设计方法与表现手段随之发生改变,而在环境艺术设计领域,电脑的出现,逐渐弱化了传统手绘表现形式的使用频率。电脑设计技术在艺术设计中的应用,缩短了设计工作时间,降低了工作强度。但是随着电脑设计软件和设计技术的普及,为手绘表现注入了新鲜活力,逼真的材质、绚丽的灯光效果,让人叹为观止。
但是另一方面,电脑设计技术的出现,对传统手绘表现方式造成了一定程度的冲击。尽管电脑设计技术的应用,提高了设计工作的效率,完成许多用手绘方式无法完成的工作,但这并不意味着电脑能够取代手绘的位置。目前,一些设计者对电脑设计的依赖,只是阶段性的,而且过分应用电脑进行艺术设计的弊端已经出现。由于电脑是一种电子智能工具,它是程序化与命令化的集成,因而,通过采用电脑进行设计,很多情况下,会出现千篇一律的设计效果。
一个完美的艺术设计作品,能够体现出设计者的个性与风格,但是电脑艺术作品的效果中往往使这一点变得模糊。很多情况下,手绘设计和电脑设计在某些特定意境下,会呈现出语言和观念上的矛盾与冲突。手绘设计在表现方式上,一定程度上对传统设计思想观念和画面语言表达进行了继承,而电脑设计突出了时代特性,但是也不能说手绘设计作品就是传统的,电脑设计作品就是现代的,判断艺术作品的现代性与传统性,主要取决于设计观念与意识。如果一味对继承传统手绘方式,并未从本质上进行创新与改造,必然会造成设计上的断层,使设计作品在语言和形式上形成较为单一的局面。
当前,很多设计者已经忽略了手绘的重要作用,在某种程度上,已经形成了错误认识,特别是对于年轻设计者和设计初学者,他们认为电脑能够完全替代手绘的设计方式,甚至还不会对手绘方式进行研究与创作,这些思想都会对环境艺术设计产生不利影响。因而,在艺术设计中,要对手绘表现技法形成正确的认识,需要从传统手绘研究开始,对艺术设计的发展历程进行重新审视,充分理解与掌握手绘表现技法的精髓,认识到设计手段最终是为设计观念服务,无论是手绘方式还是电脑设计,都需要立足实际,与时俱进,不断创新,手绘表现与电脑设计并重才是环境艺术设计的未来发展之路。
随着我国设计行业的不断发展壮大、人们审美水平和要求的提升,环境艺术设计中的表现手段也在发生变化,尽管手绘表现在艺术设计方案表现中不占据主导地位,但是也对环境艺术设计表现产生深远影响。我们需要对于手绘表现技法进行研究,并要不断创新,应用是长期进行。我们需要对手绘表现技法有清晰认识,在继承传统手绘表现技法精髓的同时,需要与时俱进,对手绘表现技法进创新,体现出时代特色。不能完全依赖电脑设计,要把手绘设计和电脑设计进行有机结合,与行业接轨,通过精湛的方案设计展示手绘表现技法的艺术魅力。总而言之,在广阔的艺术海洋中,设计者需要不断探索与追求,采取成熟的手绘表现技法,促进环境艺术设计行业的发展。
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中国画善于将诗、书、画、印完美地结合在一起、丰富画面、调动想象等高超的手法。 在万紫千红的艺苑之中,中国画是一枝独秀的奇葩。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:管窥国画艺术中的意境美及其表现相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
意境美是我国传统美学理论中的重要内容,同时也是我国艺术审美中的重要标准,在我国国画的创作中,优秀的国画作家不仅能够刻画出逼真的艺术形象,同时能够表达出自身的情趣和思想,所以在对国画作品进行鉴赏的过程中,鉴赏者往往能够体会到国画所具有的意境美,这种意境美是神游于艺术形象之外的艺术魅力。在国画领域的发展中,有必要保留和传承国画创作中的这种特质与精神内涵,并重视体现出国画的时代性来推动国画艺术的发展与创新,从而使我国国画艺术能够具有更加旺盛的活力与生命力。在此过程中,对国画所具有的意境美以及表现手法做出研究与探讨,对于体验这种意境美并更高的传承这种艺术精神和艺术特质具有重要的现实意义。
国画在创作过程中能够体现出天人合一的艺术理念以及人生理念,这种创作理念对我国绘画艺术的演变与发展发挥着重要的推动作用。在这种理念的基础上,国画具有虚实相生的意境美。其中实境是对现实所做出的逼真描写,而虚境则是在逼真的现实描写中诱发的审美想象空间,虚境是对实境画面所做出的一种延伸,而这种延伸的产生主要是通过联想等方法获得,具体表现为感悟与体味,这种感悟与体味能够让国画本身具有言之不尽之意。
蒲震元认为:“意境的形成是诸种艺术因素虚实相生的结果,它是特定的艺术形象和它所表现的艺术情趣、艺术气氛以及可能触发的丰富的艺术联想及幻想形象的总和。”也就是说,这种意境美产生于形象但是同时也是对形象的延伸,并且会受到形象的制约。由此可见,国画中的虚实之间具有相互依存的关系,而其中的虚境就是人们在对国画做出鉴赏的过程中所体会到的意境美的主要来源。
虚实的概念本身是我国传统哲学领域中重要的内容,并且这一哲学思想在古代文学研究中得到了广泛的应用。同时这种哲学思想在国画意境美的构建中也得到了充分的体现。国画笔墨艺术在表现中强调留白,这种不追求画面太满的创作理念就是虚实相生的最好体现,因为国画作家使用留白手法的本意不在于国画外在的形象,而是为了让国画作品的鉴赏者具有更大的想象空间,所以这种留白的手法不仅不会导致国画作品意蕴的缺失,而且能够使国画作品的意蕴得到无限大且具有差异的延伸。就像笪重光先生曾说过的一样:“空本图难,实景清而空景现。神无可绘,真景逼而神境生。位置相决,有画处,多成赘庆。虚实相生,无画处,皆成妙境。”
例如,国画创作中烘云托月的创作手法就能够体现出虚实相生的意境美。另外,我国著名国画大师齐白石最擅长创作的虾和鱼,虽然他并没有描绘出水体与水波,但是这种并不存在的水体与水波却可以通过生动的鱼虾写实来表现出来,其中鱼虾为实,而水体与水波为虚,通过对实体的表现来让鉴赏者联想到虚体,也就是说,齐白石的作品以及其他优秀的国画作品可以通过无声、休止、隐蔽、残缺甚至空白来触发国画鉴赏者利用自身的生活经验联想到实,并对这些无声、休止、隐蔽、残缺甚至空白之处进行填补,从而体会到作者要表达的创作思想,并使自身获得独特的审美体验。
再如,齐白石先生所创作的《蛙声十里出山泉》中,画面绘出了山涧、清泉、乱石以及蝌蚪,但是却没有画出一只青蛙。如果对这幅国画作品做出简单的理解,显然画名与画的内容存在冲突。然而,这正是我国国画虚实相生意境美的体现。齐白石先生利用所描绘出的蝌蚪指出了蛙声来源,鉴赏者也能够从蝌蚪联想到山涧中发出蛙声的青蛙,于是这幅作品虽然只有蝌蚪没有蛙,但是却能够让人体会到十里之外自是一片蛙声的意境,并且相对而言,比直接绘出青蛙的画作相比,这一作品更能体现出齐白石线上用安静来表现喧闹的绘画功底,同时也体现出了国画中无中生有的手法以及景中含意与物中见情的创作理念,这是齐白石的伟大之处,同时也是我国国画的意境之美。
在我国国画创作中,审美意识的体现具有双重结构,即作者所创作的国画作品不仅能够对客观事物进行艺术再现,同时能够体现出作者的主观思想以及在创作过程中的创作理念。这种双重结构共同构成了我国国画的意境美。换而言之,在国画的意境塑造中,作者既不是对客观事物进行简单的描摹,也不是单纯的以体现自身主观意念为出发点,而是通过实现主客观世界的结合来对国画进行创作并对意境美进行表现,即,国画中的意境美强调情与景的高度结合与和谐。
在国画情景交融的意境美体现方面,借景抒情是主要的方式。我国国画创作侧重表达和抒发作者的主观思想与情绪,苏轼曾对国画创作提出了“文以达吾心,画以适吾意”以及“君子可以寓意于物,不可以留意于物”的创作理念,即在国画创作中不要过于专注再现客观事物,而应当同时关注主题思想的表达,在这种创作原则的影响下,许多国画作家在创作过程中“或寄以骋纵横之志,或托以散郁结之怀”。
例如,苏轼所创作的《枯木怪石图》就开创了借景抒情的绘画新风,在创作这一作品的过程中,苏轼主要是为了通过草木与怪石的仪态来对自身的郁结情绪进行表达。所以可以说,在苏轼之前的绘画创作中,作家能够通过表现自然与实物的过程中表达出自身的情感,但是这种情感表达是无意识的,而苏轼之后我国国画创作中对情感地融入则成了一种自觉且有意识的行为。直到明清时期,这种自觉且有意识的创作理念和创作行为得到了更加明显的强化,国画作家不仅重视将自身的情感倾注于绘画作品之中,而且开始用国画中的客观形象来对自身意志进行表现,这种创作手法即绘画中的托物言志。
例如,国画画家经常使用梅兰竹菊松等来表现道德情操和道德品质,这种创作手法中的情境交融已经更加明显。例如,郑所南擅长画兰花,这种兰花代表着一种君子形象,通过这种形象可以表达出作者不愿为官的心态。而清朝画家金农在画水仙中题上“葱和蒜卖街头”的题语,鉴赏者也能够体会到作者本人怀才不遇的悲愤情绪。这种托物言志以及借景抒情的手法在我国国画创作中十分普遍,但是在国画创作中,优秀的作家以及作品不仅重视对自身意识的表达,同时也重视对艺术形象的刻画。因此,我国国画具有逼真的画面效果以及丰富的人文情感。
中国国画所具有的意境美并不是国画作者对艺术形象的简单刻画,而是在通过利用独特的绘画创作技巧的基础之上实现艺术形象与主题思想的统一,这种意境美是中国国画最为突显的艺术魅力。随着我国社会的发展,绘画艺术也呈现出了多元化的局面,在这种背景下,对我国国画的创作手法以及创作理念的继承应当是当代画家所应承担的重要责任。所以,我们应当坚持对国画意境美的研究与探索,并在学习国画意境美表现手法的基础上对国画的意境美进行创新与发展,从而创作出具有中国传统艺术特色且更具深度与时代性的绘画作品。
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中国戏曲艺术是中国文学的重要组成部分。戏曲部分包含的精神,审美情趣,人格魅力,悲剧艺术等等,作为文化的观念层面,构成某一种文化特色的价值体系。戏曲对于中国文化,意义尤其重大:不仅一般地形成中国文化的价值体系,而且最终铸成中国文化的诗性特征和人格魅力。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:传统戏曲艺术在工科院校校园文化建设中的作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:中国戏曲它是一门综合艺术,是中华文明的瑰宝。它特有精神文化对于推进校园文化建设,提升校园文化品质,营造健康向上的文化艺术氛围,打造良好的育人环境等方面具有现实意义。根据工科院校校园文化自身的特点,本文从戏曲艺术特有精神文化、高校校园文化及工科校园文化特色的三个维度,围绕如何创建特色校园文化这个问题进行了有益的探讨。
关键词:戏曲艺术;工科院校;校园文化
世界有三种古老的戏剧艺术:古希腊戏剧、印度梵剧和中国戏曲,前两种已经绝迹于世,唯中国戏曲艺术依然焕发生机。中国戏曲植根于中国传统文化的沃壤,它吸取了中国传统文化精华,它集文学、音乐、美术、服装、哲学于一体。
中国戏曲艺术的起源,可以追溯到至今3000年前先秦的祭祀活动,而后经宋元发展成型,明清到达顶峰,以至于到近现代随着社会的跌宕起伏而不断发展。中国传统戏曲艺术在千百年的历史长河中,各剧种不断兼收并蓄相互学习,剧种丰富多样各具特色。中国戏曲艺术现可查已存剧种300余种,其中京剧、昆曲、豫剧、秦腔、河北梆子等是的杰出代表。在我国各地又有根植于地方文化的地方戏曲剧种,他们也是中国戏曲艺术的优秀代表。
蔡元培先生说:“欲知明日之社会,先看今日之校园”。建设有独自特点的校园文化已经成为当下高校发展的趋势之一。高校校园文化是一种独特的文化现象,它伴随着高校的成长而逐步形成,它具有继承创新、吸收兼并等特点;它承担着引导校园成员健康发展的重担,但是当代高校校园文化中优秀传统文化的缺失现状令人着实堪忧。近年来,我国戏曲艺术不断继承创新,取得了不朽的成绩。戏曲艺术的复兴,是中国民族的文化觉醒。现在不断有年轻的大学生去接触戏曲了解戏曲,他们对经典戏曲开始有了热情,他们不断去感悟从戏曲艺术中流露出的思想境界、艺术品位、思想含量、人文意识。
每一所高校都会形成自己的校园文化,校园文化有其共性,也有根据学校的地理位置、办学特色及办学历史等原因,有其的特性。一所学校的校园文化内涵能够充分反映出该校的办学理念,当某所高校的独特的校园文化形成,校园内的每一个成员都会在它的滋养下而发展成长。将戏曲艺术融入工科高校,促进工科院校校园文化发展,它符合于校园文化建设的内在规律。
(1)丰富校园人文精神。由于学科建设特点,理工科院校人文资源相当缺乏,人文素质教育手段单一,校园文化的导向功能不能充分发挥,而中国戏曲艺术是中国传统文化的重要组成部分。它包含的人文精神、审美情趣、哲理思想、文化品位等等,作为文化的观念层面,构成某一种文化特色的价值体系;它能够有效地加强校园文化建设,丰富校园文化中的人文精神,构建和谐的校园文化。
(2)提高校园文化品位。戏曲作为一种文人文化艺术,它一直富含古代文人所赋予的文学精神,在历史上许许多多科场失意的仕子,官场落魄的政客,常常寄情于梨园,他们豢养家班、编写剧本,他们编写的剧本拥有极高的文化水平,这些剧目暗含了作者的哲学思想、爱国情感等等,这也就是戏曲剧本的文学性质。
戏曲艺术表演形式的多样性决定了戏曲美的丰富性,戏曲演员在表演上遵循唱、念、做、打、舞五种表演手段,手、眼、身、法、步五重表演技法。在舞台上三两步便走遍天下,七八人既是千军万马,一桌二椅表现环境。戏曲艺术用虚拟化、程式化的表演形式,来进行对于人物形象的刻画、故事情节的描绘、思想感情的表达,它以语言的形式来表演生活,来自于生活却又高于生活。观赏戏曲艺术,可以提升当代大学生的艺术鉴赏能力;因为戏曲艺术的抽象、写意、程式化的表演耐人寻味,这是中国传统戏曲艺术表演的核心,它也有助于提高高校校园文化品位。
(3)塑造高尚的道德情操。戏曲艺术作为一个时代的社会意识形态的反应,它的艺术是来源于生活,把当时社会的价值观念、主流思想揉纳于其中,强调对当时社会的主流价值观的宣扬教化功能。我国古代戏曲家李渔所著《闲情偶寄?词曲上?结构》说:“故设此种文词,借优人说法与大众齐听,谓善者如此收场,不善者如此结果,使人知所趋避,是药人寿世之方,救苦弭灾之具也。”它里面最核心的思想就是文以载道、助成教化。
明代著名戏剧家汤显祖所著的《牡丹亭》,它被称为东方的《罗密欧与朱丽叶》,它也是中国戏曲史上浪漫主义的杰作,剧本中通过男女主人公的荒诞、离奇的爱情故事表达了作者对于追求个人幸福、呼唤个性解放、反对封建制度的浪漫主义理想。当然,戏曲剧目中也有色情、迷信、封建等落后低俗的内容存在,这就需要继承者弃其糟粕取其精华,将优秀向上的戏曲剧目传播到高校校园。
戏曲通过在通过舞台表演的方式将故事情节展现给观众,使观众在视觉、听觉上感受到强烈的冲击,在欣赏高雅艺术的同时接受了爱国主义、传统文化等方面的教育。
湖北理工学院是一所以工为主,工理结合,工、理、经、管、医、文、教、艺等学科门类协调发展的省属普通本科高校,坐落于青铜文化发祥地的黄石市。为了引领青年学生提高审美修养、提升精神境界、丰富校园文化氛围,为弘扬民族文化、建设中华民族共有精神家园奠定基础。湖北理工学院在近几年的校园文化艺术节中增加了“国粹生香”高雅艺术进校园活动,由校团委主办、艺术学院协办。就组织几次传统文化进校园次活动,笔者感悟良多,下面就其主要几点与读者共议之。
(1)突出特色,小型多样。抓住戏曲艺术中心,不定期开展活动,就活动类型来说有讲座、文化沙龙、演出等形式;在为期3个月的活动周期里,共组织活动8次,近3500余名学生与民族艺术零距离接触。活动内容不仅仅有京剧还有昆曲、湖北大鼓、汉剧与阳新采茶戏,这既体现了戏曲艺术的高雅性、多样性还体现了戏曲艺术的本土性。
(2)合理安排,内容创新。在主题讲座中邀请专业老师与学校戏曲爱好者共同主讲,为了能够调动现场气氛,讲座融合了现场化妆、实时表演、服装道具展示的形式,将戏曲的幕后工作搬到了台前,使得讲座与表演有效地融合在一起,增强了讲座的感染力。现场气氛高涨,无一人中途退场。
(3)利用社团,培育文化。高校学生社团是培育校园文化的主要阵地,也是建设校园文化的重要载体。为了让民族艺术永存于校园,学校还成立了戏曲社团――湖北理工学院京昆研习社,开展戏曲社团活动也是进行戏曲艺术进校园的一种实践方式。
开展戏曲艺术进校园活动有效地加强了传统文化载体建设,广泛开展校园传统文化展示、学习与体验三个层面的活动,把传承中华传统文化精髓与培育、践行社会主义核心价值观主题教育活动紧密结合,充分体现出了“教育活动化、活动社会化、教育品位化”的特点,探索出了一条强化大学生思想道德建设的新路。校园文化与戏曲艺术的互动促进了校园文化的发展,也激发了大学生的创造力,培养了学生的审美能力,增强了学生的人文素质,弥补了传统的工科校园文化中存在的不足。
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艺术教育,是一种提高个人素质、修养的新兴教育,随着中国第三产业的发展,艺术教育已经逐步占据教育体系的主要地位,而除了北京电影学院、中央美术学院等高等艺术院校外,还有类似艺先锋、庶吉这样的权威培训机构在不断促进此板块的发展。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:分析艺术教育在人才培养中作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
高校作为文化传承的重要组织机构,承担着传授知识、培养人才的责任与使命。如何培养更多高素质、复合型人才,是高校越来越重视和关注的问题。如今现代教育中艺术教育在人才培养中的重量性也越来越受到广泛的关注和重视。
在大力培养高素质人才,促进人的全面发展的当今,艺术教育作为高等教育的一个重要组成部分,不仅能够提升高校大学生的文化品位、净化心灵、丰富情感与思想内涵、增长才干,而且艺术的美可以舒展心灵、拓宽思维,为创造性想象提供自由想象的空间。帮助学生形成对美丑、善恶、荣辱的正确认识,确立积极进取的人生态度。培养大学生的艺术素养、提高大学生艺术实践能力,使广大学生树立向真、向善、向美的价值追求,从而形成正确的世界观、人生观、价值观。同时也是大学校园文化建设的需要,能够提升校园的文化氛围与品位,让整个校园形成富于创新活力、健康向上的良好的人文环境。
1.美术教育在素质培养中的作用。
美术教育具有鲜明的特性,即对事物的形象表现性、运用色彩表达的感染性和展示创作成果的愉悦性。学习美术既能有效地激发创作热情,提高审美能力,还能有利于激发潜在的想象力、创造力和开发智力。美术教育的过程也是培养观察力、记忆力、思维力的过程,更能锻炼和不断提高记忆力,因为形象比抽象事物更能促进人的记忆。创作过程还能帮助学生锻炼耐力、体力和自控力。美术属于艺术的范畴,美术作品是由物质材料构成的可视形象的艺术世界,是人类文化的造型载体,是时代精神的文化结晶,对美术作品的鉴赏关系到在校大学生生活品质的提高。也是大学生应具备的文化素养。
马克思说:“如果愿意欣赏艺术,你必须是一个有艺术修养的人。”这就是说美术教育有助于提高学生的艺术修养,也是培养大学生拥有审美眼光的一条好的途径。调查发现受过良好美术教育或具有美术修养的人,都具有很好的想象力和形象思维能力。美术教育可以激发学生的创造灵感,从而培养学生的创新能力。在学生进行选修美术课、学习美术作品创作时,不仅是对意志力、耐心与恒心的考验,也是提升自信心会的一个良好的途径。在学习美术作品鉴赏时,作品中美的色彩、线条、形体、风景等有利于扩展他们的视野,提高他们理解美、鉴赏美的能力,形成正确的审美观,进而起到让学生知善恶、识美丑,净化心灵,陶冶情操的效果,促进个人内心与所处社会环境之间的协调。正像康德说的“:美是道德上善的象征。”将大学生心理健康教育融入到艺术教育中来,有助于学生整体素质的提升及个性的发展。
2.音乐教育的价值所在。
音乐无国界,音乐是全世界的共同语言。音乐是人类最古老、最具感染力的艺术形式之一,是人类表达思想和感情以及进行传达传递情感交流的一种重要形式,是一个国家或民族的社会文化的组成部分。它蕴含着丰富的文化和历史内涵,音乐为人们提供精神文化需要,反映社会生活又给社会以深刻的影响。
音乐的教育功能就是对人们产生政治思想和道德伦理的教化作用,激发爱国热情和奋发向上的精神。音乐教育在促进人的全面发展中更加显示出它的独特功能和作用,音乐美育在素质教育中的地位越来越重要。
大学生艺术教育主要指:大学生在文学艺术欣赏、审美能力和艺术才能等方面的教育培养。具体包括文学、书法、绘画、舞蹈、音乐、戏剧、影视、雕塑、建筑等各方面的熏陶。国内更多的高校相继设立了大学本科生选修美术等艺术课程的规定。高校进行艺术教育,有利于培养和提高他们对艺术的感受力、鉴赏力和创造力。美术教育与学科专业人才培养密切相连,美术与园林艺术、建筑学、城市规划等专业有着息息相关的联系。
从中国园林中烟水空蒙的杭州西湖、北京北海伫立的白塔、巧夺天工的苏州园林到西方整齐庄严的法国古典园林、优美自然的英国风景园林,在我们领略如诗如画的园林艺术时,也了解了世界各民族对美的不同看法、不同构思,这对开发学生的创造性、培养丰富的审美情趣有积极的作用,对专业发展也起到引领作用。从古典园林艺术、建筑设计到现代城市建设与开发,是在时代、风格与文化的积累中形成和发展的,现代的景观园林、城市建设渗透着对实用价值的考虑、对自然的探索、对生态环境的保护的理念。在美术教学中让学生懂得了这些知识与道理,为将来所从事的专业学习与创造有着深远的意义。
建筑设计的本质就是创造,在学习鉴赏与审视了一个又一个的经典建筑后,学生们会逐渐产生对美的追求、探寻与思考。以建筑学为例,目前,工科院校中建筑学专业的艺术教育功能对培养有特色、专业素质高的毕业生占有越来越重要的地位。建筑学是一门科学与艺术相结合的学科,包含工程艺术和人文艺术。但国内高校建筑学专业在教学中更加重视专业技术知识的传授,忽视了建筑艺术效果的美学规律教学,导致学生思维方式局限,缺乏创造性思维和设计能力及创新性,而创造性思维在建筑设计中的运用对设计的结果起着至关重要的作用。
教学中加强对艺术理论和人文学科的教学,是提高学生创新能力的培养的一个重要方法和途径。在学习欣赏民歌时,可以了解不同的行政区划分、地理概况、地形地貌、人文环境等知识,对拓展工科专业学生的文科知识有促进作用;在学习西方音乐时,拓展对世界地理、世界历史知识的了解;对研究西方文学也有一定的参考价值。
在欣赏中国古典歌曲时,对汉语言文学的学习,尤其是古典文学中诗经、楚辞、乐府、绝律诗、词曲等学习有很大的帮助。在艺术教育的实践活动中,充分发挥学生自主学习、参与和创造;充分发挥学生的个性专长和聪明才智。我校艺术学院作为以工为主的多科性大学的艺术学院,每年各专业汇报表演旨在加强实践教学工作,不断提升学生实践能力。我们在做好专业艺术教育的同时,还要做好公共艺术教育工作,将艺术教育、美育教育辐射到全校,真正做到文化引领校园,实现科学与艺术的完美结合,在提高大学生的审美能力和美学修养的同时也促进不同学科、不同专业间的相互交流、学习、融合与发展。
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伴随着高新技术的不断涌现,承受多元文化洗礼的建筑设计愈加重视外观视觉形象创造,而承载了建筑形象的关键要素——建筑表皮在建筑本体结构基础上,成为建筑形式的主要表现途径。以下是读文网小编为大家精心准备的:当代建筑表皮的结构艺术表现研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】随着经济的发展,科学技术的进步,文化多元化的发展,建筑行业的发展更是给人带来了耳目一新的感觉。尤其是在文化多元的环境下,建筑设计更是空前繁荣,建筑表皮的结构艺术更是成为一种新的艺术欣赏形式,在当代的建筑设计中不断发展。关于建筑表皮结构的艺术表现形式,主要分为建筑结构形制母体、营造视觉层次以及建筑形式美感特征表现这三种。本文对当代建筑表皮结构的艺术表现做出了分析和探讨。
【关键词】建筑设计
建筑是凝固的艺术。但是在实际的建筑设计中,很多设计师不重视对建筑结构的设计,把责任推给结构工程师,这使得建筑领域存在了一个很严重的问题,即建筑结构仅仅在现代建筑建设中发挥着承重功能,空间形体美感功能并没有得到挖掘。所以,在我过的建筑设计中,往往借助其他的艺术表现形式来弥补这个问题,表达建筑的美感。但是,随着现代文化的多元化发展,建筑表皮结构的艺术表现形式也不断呈现出多样化的发展趋势,日益成为建筑设计师所不能忽略的问题。
在建筑设计领域,随着经济的发展,社会的进步,文化多元化的发展,人们对于建筑工程的建设,追求的不再仅仅是使用功能,建筑工程的空间塑造和审美功能也逐渐成为人们争相追求的对象。而对于建筑表皮来说,其在审美方面具有的重要性更不言而喻了。建筑表皮不仅仅是承受荷载,保持建筑的逻辑和理性,更重要的是其空间形象塑造的价值和作用十分巨大。
1.1 建筑物的艺术形象得以丰富
在对建筑物进行设计时,由于受到建筑功能、工程造价、施工场地等客观因素的限制,建筑形体多呈现出千篇一律的现状,使得建筑结构的艺术表现力不足。但是,通过对建筑结构艺术表现的研究,对建筑表皮进行设计,就可以促进建筑结构艺术表现力的提高。在表皮结构设计中,通过多种不同的设计实现与结构的充分互动,从而实现对建筑形体的重塑,从视觉层面上增强建筑结构的艺术表现力。在众多的建筑工程建设中,济南黄金地产大厦的设计十分典型,虽然整个建筑物的整体为方正状,但是在建筑表皮设计中,整个设计以结构构件形式为母体展开,沿构件方向进行设计,实现以线带面,立足于表皮肌理,对建筑物的形体进行了二次划分,使得建筑物的艺术表现力不断攀升,在建筑美感增加的同时工程造价基本没有发生改变。
1.2 建筑的文化内涵得以拓展
通过建筑表皮的结构设计,使得建筑结构的艺术表现形式不断呈现出多样性。在设计中,采用相应构成的方式,对建筑表皮进行重塑,增加了建筑的艺术表现力,也使得建筑形式的“能指”范围得到扩展,建筑物的文化内涵得到充分体现,建筑象征性的表现更加明显。比如济南奥体中心场馆的设计,在设计中,运用“透视”的设计手法展现给市民一个柳叶环绕的艺术形象。通过透视手法,使得“柳叶”这一特色元素在建筑结构中以若隐若现的形式被展现地淋漓尽致,给市民留下了充分的想象空间。通过建筑表皮和结构的配合,表皮形态在“叶脉”建筑结构的衬托下,顺利由“能指”转换成了“所指”,实现了对建筑文化内涵的拓展。
1.3 建筑的空间品质得以提升
专注于建筑表皮设计,不仅仅是为了达到建筑物的外观要求。但是在实际操作中,很多建筑设计者过于看重建筑外观这一评价指标,设计过程中的价值取向也受到了严重影响。在设计过程中,有些设计师片面追求建筑的外观要求,对于建筑内部功能空间的适用性有所忽略。但是基于结构艺术表现的建筑表皮设计,在一定程度上对这种现状进行了协调,使得建筑内部空间组织和外部外观形式之间的矛盾得到缓和。众所周知,建筑的结构形式深深影响着建筑内部空间组织,内部空间组织摆脱不了外部结构形式的束缚,所以在表皮设计中坚持结构表现的前提是十分理性的选择。通过对建筑表皮的结构艺术表现,使得建筑物的外观形式不断走向丰富化,也使得内部空间品质得到整体提升。
2.1 基于建筑结构形制母体的表皮艺术构成方式
理性是建筑结构设计的重要原则,在对建筑结构进行创新时,必须要本着理性、实际的态度对不同结构类型的建筑表皮进行艺术创新。以结构构件元素为母体的表皮艺术构成就是其中的重要方式。在这种设计构成中,结构构件元素的重复构成、渐变构成、特意构成是其中的重要设计手法。重复构成在表皮设计中十分常见,通过重复构成可以使建筑物的整齐度和壮观度得到提高,增加建筑结构的形式美。
通过建筑结构构件元素的渐变构成,使得建筑表皮结构的构成元素按照形状、大小、色彩等进行渐变处理,从而使整体的建筑表皮结构艺术表现力和趣味性不断增强。而特异构成就是在表皮设计中,在基本形重复和渐变的基础上对构件元素进行编排、形状和色彩的变异,从而营造不一样的整体视觉效果,增加建筑物的艺术感染力。另一方面,以结构构成形式单元为母体的表皮艺术构成也是设计中常用的表现手法。这种建筑表皮艺术形式的处理可以通过建筑结构单元块面为母体的近似构成、对比构成、立体肌理构成等方式来实现,使得建筑表皮富有情趣变化,充分增加建筑表皮的艺术表现力。
2.2 基于建筑结构形态之视觉层次营造的表皮构成方式
在当代的建筑设计实践中,经济性一直是设计工作遵循的重要原则,在建筑表皮的结构艺术表现设计中,要立足于建筑结构的形式,考虑经济合理性的原则。随着现代科技的进步,在不改变建筑结构形态的前提下,建筑表皮的视觉艺术效果也可以通过自身的构成形式变化来实现。在实践过程中,表皮肌理构成能对结构元素进行层次性修饰,通过“透视”、“底示”等方法,使表皮结构焕发生命的活力,使结构的韵律美感得到展现。另一方面,通过表皮艺术处理来营造建筑物的层次感,也是设计中常用的手段。通过材料的变化使得建筑物内部空间层次得到修饰,也使得建筑外部的结构层次更加明显。这样的设计,使得建筑结构突破了单调、单一的束缚,视觉效果十分显而易见。
2.3 基于建筑结构形式美感特征表现的表皮艺术构成方式
随着现代科技的进步,建筑工程行业的繁荣,建筑结构的艺术表现不断呈现出多样化的发展趋势,各种建筑表皮的艺术表现形式更多纷繁复杂。通过建筑物结构形式美感特征来表现建筑表皮艺术性的设计方式在建筑设计中也是一个具有代表性的方式。这种设计方式与上述两种设计方式最大的区别在于它不拘泥于建筑结构的形式,而是对建筑结构形式的美学指向回归,从而增加建筑结构与表皮的互动。用这种设计方式进行设计的建筑物,具有非常高的艺术美学价值,卢浮宫就是一个很典型的例子。虽然从视觉角度来讲,建筑结构与建筑表皮没有直接的关联性,但是却宛若一件稀世的工艺品,所传达的艺术感染力不容小觑。
随着当代经济的发展,技术的进步,建筑工程行业的设计、施工技术和工艺逐渐趋于成熟,建筑表皮的结构设计也不断在创新中获得发展,建筑物的使用功能得到保证之外,建筑的艺术表现力也不断攀升,满足了人们的审美需求。而基于建筑结构的表皮设计也使得建筑表皮的创新空间更加广泛。
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传承民族民间歌舞艺术是一个具有深远意义的文化课题,高校艺术教育是普及、推广及传承民间歌舞艺术的重要途径。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析高校艺术教育对民间艺术传承的作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
浅析高校艺术教育对民间艺术传承的作用全文如下:
摘要:中华民族的艺术文化历史悠久,民间艺术根植于民俗、民间,是文化的重要载体,也是中华几千年文化的历史沉淀和宝贵的精神财富。随着社会的发展,时间的洗礼,民间艺术显现出强大生命力的同时,又日趋陷入窘迫的境地。而高校艺术教育是对文化传承与传播最好的阐释。学校艺术教育积极挖掘和整理民间艺术资源,形成自身特色艺术教育途径,使文化得以更好的传承和发展。
提起民间艺术,我们可以想象到的或许是乡土文化和劳动者所创造出的艺术作品。例如:皮影、剪纸、雕刻、版画、民间歌舞等等。民间艺术有广义和狭义之分。广义的民间艺术包括民众在社会生活与劳动实践中所创造的精神和物质文化形态。如音乐、舞蹈、戏曲、建筑工艺品艺术等。狭义的民间艺术是以造型艺术为主的民间艺术。它包括民间美术、民间工艺、民间技艺等。[1]
民间艺术源于民间,服务于民间。是中华民族文化的重要组成部分,是社会主义精神文明建设的重要体现。现在,忧郁民间艺术建设存在诸如门类发展不平衡,门类消失、资金匮乏等问题,严重阻碍了民间艺术发展。首先,从事民间艺术人员的生存境遇不佳,传统民间技艺行业费时费力,还需一定得悟性。许多传统技能和民间艺术濒临失传甚至绝迹。其次,研究人员和经费短缺制约民间文化的传承与保护。因民间艺术团队的演艺人员普遍工资低,年轻人对这一行业不“感冒”。严重缺乏传承人和产业后继人。另外,大量相关的民间艺术资料遭到破损,对民间艺术传承带来巨大的阻碍。最后,如今大量的民间艺术演出团专业素质不强,表演水平一般,以致艺术传承的途径得以扭曲。
1、民间艺术的传承与保护
目前,民间艺术正面临着一种“艺绝人亡”的尴尬境地。因为技艺“口传心授”的特点,某项手艺也就会跟随着在某个地区消失了。目前许多民间艺术例如:糖画、木板年画,皮影等民间艺术都面临着失传的境地。一方面碍于生活的压力,另一方面由于传承中缺少完整的教授体系,是的民间艺术就像无源之水,正在枯竭。民间艺术丰富了艺术世界的种类和形式,同时它也是艺术创造最宽阔的载体。从专业的角度讲,这是对艺术本身不可再生的破坏。有些艺术真的就活在老一辈人的记忆力。艺术源于生活,同时高于生活。艺术从来都是在社会广大群众中萌生,经由艺术家提炼升华而来。
民间艺术的保护任重道远,一下两点意见可作参考:(1)将民间艺术的地位提高,有些可以申非物质文化遗产。争取当地文化部门和媒体的关注、报道,取得社会关注。政府也可申请专项资金用于抢救濒临灭绝的民间艺术。(2)艺术可以和经济有配合的发展。结合旅游业、乡镇企业提高手艺人的收入,让艺术在实践中保留、完善。这是最根本的方法,当然合作模式还有很多,需要开发。
2、民间艺术传承是高校艺术教育的责任
面对我们丢失的优秀传统民间艺术,或即将面临失传的优秀文化,高校艺术教育必须承担这一重要的责任来保护民间艺术,传承民族文化。民间艺术的传承与艺术教育有着密切的关系,民间艺术与艺术教育相融合,培养高校学生对传统文化的修养有着不可代替的作用。艺术教育在潜移默化中就培养了学生的艺术能力和人文素养。艺术教育又是优秀文化传承的重要途径之一。我们不能光靠专家学者去保护和传承民间艺术,更多的是靠全体的共同努力。
1、有利于传承民间艺术,保护艺术文化生态平衡
高等院校汇集了全国优秀的知识分子,是教授先进文化和知识的主要平台。知识是第一生产力的是时代里,高校的责任是传承几千年的优秀文化和技术,承启未来的学术研究和知识转化生产力。同时民间艺术进入大学课程,同样是具有承前启后的重要作用,青年学生的活力是张扬的,创新的。民族的、民间的、民众的文化在来自各地的学子的脑海汇聚、碰撞、反应、催生新形式、新内容的艺术美。高等院校应该高举民间民族文化传承和发展大旗,充分利用其人力、设备的优势,将更原生态的民间艺术保留,传之后世,呵护其萌芽开花。
2、有利于提升高校艺术教育的价值
在高校艺术教育中加入优秀的民间艺术文化,既丰富了大学生的民间艺术知识,更有助于大学生更为直观地去感受、认识特定历史时期、特定社会的精神实质,从根本上把握时代特征。在云南大理白族聚居地,有这两样乐器:霸王鞭和八角鼓。他们可以合着音乐在节日中登场表演。据了解,只是霸王鞭就有上百种打法(套路),每种打法少则四拍,多则三十六拍。这些民间艺术可以引入高校课程,删繁就简去粗求精后,保留原生态的舞步配合现代乐器的节奏相信会异彩纷呈。这样的舞蹈同时有助于大学生对民间艺术的认知和传承。直观地视觉冲击,亲身感受在不同时期,不同地域人民的精神面貌。在当代前卫的大学生中,也许会催生符合时代脉搏的民间艺术新篇。提升社会艺术素养,谱写时代音符。
3、促进中国现代艺术的发展
民间艺术作为开放的文化艺术载体,有着自身独特的艺术魅力,它的价值追求和文化内涵在不断地积淀,在现代意识和技术的不断冲击下,民族艺术需要不断进行更新与拓展。在现代艺术教育当中加入民间艺术,可以更好的让现代艺术与民间艺术进行互动。这样不但可以使艺术教育的审美内涵与艺术思维更加丰富,而且也使艺术创作在情感的抒发以及审美的表现上面有了更好地深度拓展。让现在艺术创作与民间艺术进行沟通交流,使现代艺术的设计形式更加合理化、生态化,使现代艺术的艺术形式可以更加自然、更加合理的得到发展。[2]
1、高校开展民间艺术进校园活动
不管是艺术类高校还是综合类高校,丰富的文艺生活是必不可少的。各地高校可以多开展一些民间艺术的学习的平台,吸引更多的爱好者去接触艺术,了解艺术。高校多举办一些高品位、高层次的校园文化活动。例如:艺术交流会、艺术展览、歌舞巡演等等。给学生足够的平台,让民间艺术在高校中生根发芽。
2、高校开设关于民间艺术的专业课程
我国民间艺术种类繁多,表现形式多种多样。艺术类专业学科的教学中融入民间艺术的精华进行基础教学,教师通过ppt展示,视频播放等形式教学,这样不但可以让学生对传统知识有一定掌握,同时使学生的生活充满乐趣而不乏枯燥。非艺术类高校可以开设公共艺术课程,增加学生兴趣,学生会自觉主动去接受民间艺术的课后学习。为学生提供了良好的平台,也使得民间艺术只是得到普及。
3、组织学生参加民间艺术活动,全面了解学习民间文艺
学校领导多组织学生下基层,下农村去采风、调研活动。多参与中华民族的传统节日。请当地从事民间艺术工作者为学生表演展示,也让学生亲自参与到活动当中,并且让学生发表对民间艺术的见解,主动参与到学习创作当中。为促进民族艺术发展做更大的贡献。
“民间艺术虽然表现得粗糙一些、单纯一些,没有宫廷艺术那样富丽堂皇,也没有文人艺术那样精细雅致,但民间艺术更鲜活、更质朴、更淳厚,更富有生命力。她构成了民族文化的基础”。[3]民间艺术的传承与保护有深刻的意义,这条道路任重而道远,我们需共同不懈地努力!
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书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式,具有悠久的历史,它伴随着中华民族的发展而发展,丰富的内涵和独特的表现力使其独立于其他艺术的表现形式,它不是绘画,没有绚丽的色彩,却能表现深邃意境;它不是音乐,没有和谐动听的乐章,却有与音乐相同的旋律韵味。它不是舞蹈,没有舞蹈刚柔相济的肢体语言,却也有与舞蹈相似的节奏和旋律;以下是读文网小编为大家精心准备的:中国书法艺术的语言表现形式相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】文章阐述了中国书法的博大精深。首先概述了中国书法艺术的渊源;其次,阐述了书法语言基本要素:笔法、字法、章法,阐释了用中国特制的毛笔书写中国汉字来传达中华传统文化信息的意象艺术,它孕育了完善而独到的中国书学理论。
【关键词】艺术;笔法;字法;章法
中国书法是一门古老的艺术,它伴随着中华文明的发展而发展,历经千载,经久不衰。书法承载着几千年来传统文化思想的内涵,是民族审美情趣的集中体现。它既有线条的实际扭动,又有空间的无穷想象,集具体与抽象于一身,是意向艺术的最高境界。
书法,按其字面意思解释即为写字,但书法绝不等同于写字。
世界上很多民族都拥有自己民族文字所独特的书写艺术,但唯独汉字的书写艺术迥然不群,异于其他民族。其他民族文字的书写偏重于装饰与外观上的趣味,汉字的书写则是以日常文字书写为依托,在此基础上加入了书写者的思想、情绪、气韵、独白,是个人特征的充分表达。
之所以汉字的书写有别于其他民族文字的书写,原因在于:
―是书写的对象――汉字。作为世界上唯一使用至今的表意文字,汉字兼具了书写的实用性与视觉的观赏性,而基于汉字书写的中国书法艺术也就自然形成了深邃博大的意向。汉字结构复杂,变化丰富,而且演变中产生了多种结构特征迥然不同的书体,这使中国书法在视觉上有可能产生无穷无尽的变化。二是书写的工具――毛笔。它的笔尖由柔软的兽毫做成,书写时触纸的深浅、不同方向的扭曲,造成笔画――线条的无穷变化。
这是非常重要的两个因素。首先,汉字总数大约有45000个,其中常用汉字约有3000个。它们由各种形状的部首组成,其中最常用的部首虽然只有一百多个,但它们与其他部首组合而成的变化极为丰富。汉字复杂的结构,使汉字与拼音在书写的感觉上有明显的区别。书写由字母构成的文字时,感觉只需要控制着笔朝有限的几个方向运动,但书写汉字时,几乎要朝各个不同的方向控制笔的运动。只要细心体会,不难发现书写时手感的区别。汉字结构带来书写上的复杂性。就实用而言,它增加了书写的难度,但对于一种艺术来说,却是一种图形潜力之所在。这种结构上的复杂性与汉字书写时运动变化的丰富性紧紧结合在一起。其次,它有真、草、隶、篆、行等五种不同的书体,汉字创造的过程是意象思维的物化过程。汉字五种书体的定性过程也是意象思维的过程。汉字创造之初,尚带有原始、粗犷的美。但随着甲骨文的出现,理性精神已逐渐贯穿汉字书体中,注重阴阳调和、刚柔并济,笔书纵收得体,结字疏密匀停,章法整齐匀称。甲骨文的书写意识与理念为西周的大篆和秦统一文字后的小篆打下了意向思维的基础。大篆和小篆笔法相对圆融,方折略显不足。阴极生阳,后人在由阴柔之美渐求阳刚之美的过程中,逐步产生了隶书。随后楷书、行书、草书的定型也同于此理。对汉字书法多元化、多样性的追求,也正是汉字书体本身多元素的发挥与表现。最后是点画的多变性,分书(隶书)和楷书的点画形式最为丰富。如竖悬针、垂露万岁枯藤,点如高峰坠石的奇观,横似千里阵云变化丰富,隐隐然其实有形等。
书写是非常微妙的活动,而且动作在瞬间完成,也不允许修改,没有良好的工具配合,一切都不可能实现。作为书写的工具,毛笔选用各种动物的毛扎结成锥形于竹木骨竿一端用以濡墨书写,因其软故而多变,汉代蔡邕云“惟笔软则奇怪生焉”。它的特征“尖、健、齐、圆”决定其在书写时因提按、力度、正侧的不同,致使笔画的粗细,圆健、偏侧和立体感的不同,所产生出不同线条的美感是其它笔不能替代的。
汉字结构的象形性、复杂性;毛笔线条的丰富性、多变性,是中国书法得以成立的重要原因。缺少结构和工具上的可能性,文字书写是不可能演变为一种重要艺术的。但是,仅仅具备结构和工具上的可能性,也许在形式上有所成就,却不一定能找到深入表现精神生活的道路。只有具备形式与工具上的可能性,同时有一种适当的机制将这种可能性与精神生活紧紧糅合在一起,一种关于书写的技艺才有可能成为深刻的、含蕴复杂精神生活的艺术。
应该说,书法是一种关于语言的艺术。当然,必须把它和人们所熟知的“语言艺术”――文学区分开来。文学利用的是语言的语义与语音成分,书法利用的是语言的视觉形式――书面语言的线结构。那么具体的书法语言又是什么呢?
钟明善曾说:书法起于点画用笔,基于单字结构,成于章法布白,美于风神气韵;既要求工于一笔之内,又要寄情于点画之间;法度森严而又变化无穷。这就是书法的三个基本要素:笔法、字法、章法。
1、笔法
元代赵孟?曾说:用笔千古不易,结字因时相延。这里的用笔就是用笔的原则,即为笔法。笔法是控制毛笔的运动,以写出符合一定要求的点画或线条的方法,其核心是中锋用笔。所谓中锋用笔,就是在书画行笔时,应该使笔锋随时和纸平面保持垂直,笔尖时刻保持在线条的中心部位,如汉代蔡邕所言“令笔心常在点画中行”。书法作品的“锥画沙”、“屋漏痕”、“力透纸背”等效果正是使用中锋用笔达到的,它能充分表达笔势的力量感。同时,书法作品是静止的,我们无法从作品中直接观察到书写时毛笔的运动,但书写时毛笔的运动变化保存在点画的形状上,所以观察者必须具备要从作品中点画形状的变化想象出书写时毛笔运行的动作,想象出点画内部所包含的运行变化。如姜夔说:“余尝历观古之名书,无不点画振动,如见其挥运之时”。对笔法的想象能力是欣赏书法时必须具备的能力。
虽说中锋用笔是遵循笔法的原则,但用笔是一个很复杂的过程。唐代孙过庭在《书谱》中就说到:“一画之间,变起伏于锋杪;一点之内,殊衄挫于毫芒”。笔法的变化贯穿于书写操作的一切细微处,同时又隐藏在点画内部,难以窥测。这是人们对笔法始终怀有神秘感与畏惧之心的原因。字的形状以及字的排列摆在眼前,不管它们怎样变化,人们总可以根据所见到的范本反复比较,一点点推进自己的认识。但控制笔法的运动在书写结束后立即消失,留下的只是静止的点画。从点画的形状去感受运动,毕竟是一件非常困难的事情,感受的深度和准确性也都是问题。再加上时光流转,书写习惯的变迁,对前人杰作中笔法的感悟难上加难。由此,笔法成为中国书法技法中最困难的,也是最神秘的部分。 在很多传说中,笔法由非自然的力量所赋予,根本无法由通常意义上的学习而掌握。据传蔡邕早年入嵩山学书,此间意外得到一件帛书,上面记载着秦代李斯对笔法的阐述,蔡邕“读诵三年”,从而掌握了笔法。另传王献之24岁时隐居林下,有天一只鸟抓着笔和纸送给王献之,纸上文辞内容难以辨识,王献之天天对之练习,不久便掌握了笔法的奥妙。这些传说既反映了人们对笔法的敬畏,同时也说明笔法在书法中的重要性。
笔法贯穿于整个书法的创作过程中,只有正确的理解笔法、使用笔法,通过方圆兼备、藏露互见,中侧互换,才能达到刚柔相济,筋骨俱全,形神皆佳。
2、字法
字法即是结字的方法。孙过庭在《书谱》云:“初学分布,但求平正;既知平正,务追险绝;既能险绝,复归平正”。也有名家谈结字:密处不犯,疏处不离;计白当黑,调匀点画;点画呼应,顾盼有情;围绕中心,穿插避就。从中我们可以发现,结字的法则和规律既闪烁着于古人朴素的唯物主义和辩证法的哲学思想,也契合了儒家和道家思想中“中庸”与“阴阳对立统一”的精神特征。以书法中的九宫格为例,即应用了易学中九宫八卦之象。将结字的“中宫”类比为太极图的中心部位。在一个字的结构中,只有紧收中宫,重心偏下,偏上,偏左,偏右都离不开中宫,然后将在卦象部位的笔画按己意作伸展、紧缩、斜出、偏正变化,才能使整个字主笔,副笔安排得错落有致而不会歪斜倾倒。蔡邕《笔论》云:“为书之体,须入其形,若坐若行,若飞若动,若来若往,若愁若喜,若卧若起,若虫食木叶、若利剑长戈,若强弓硬失,若水火,若云雾,若日月,纵横有可象者,方得谓之书矣。”书法字势与天地万物之神韵通过意象思维的思路完全相通了。但需要注意的是,这种相通只是意象相通,不能简单地用书之象去模拟物之象。
然而单字的结体之美相对点画而言,它是一个组合,一个整体;相对章法而言,它又是一种元素,一个局部。结体具有双重身份,因此,对它的处理也有双重标准。当它作为整体时,要求统一、平衡和完整;当它作为局部时,要求不统一、不平衡和不完整。其实,一幅书法作品毕竟不是由一个字组成的(少字书例外),字在作品中只是个局部,必须与其他字组合在一起。字与字之间就会相互影响,避免雷同,寻求互补,出现一个更大范围更高层次上的变化与和谐的问题。因此,掌握字形的协调平衡是学习书法的必经阶段。
结体的双重身份,双重标准,使得我们对它的研究也必须从两个方面入手。一是将它作为一个独立的整体去研究,称之为结体方法;二是将它作为整体中的一个局部去研究,称之为造型方法。结体将字形看做点画的组合形式,是相对独立的整体。结构方法的研究虽然有主观处理的意识,但主要受制与字形结构,如上下结构、左右结构、包围结构等。因此,结体方法是客观的,所要表现的是汉字结构固有的形式美。造型将字形看做章法的局部元素,没有独立意义。而造型方法则是主观的,表现的是人文精神。造型方法是通过各种对比关系,如疏密、正侧、收放、外拓与内?等,对结体做各种变化处理。这种处理虽然受客观字形及结体方法的影响,但主要受制于作者的思想感情和审美趣味。
造型以结体为基础,造型方法包括结体方法。从结体方法到造型方法的发展,本质上是从客观到主观、从写字到艺术的升华,是汉字固有的形式美向艺术美的升华。因此,学习中国书法艺术,字法是一个关键性的环节,是中国人传达中华民族传统文化的一个重要途径。
3、章法
章法是指一件书法作品中各种视觉因素的组合,即一幅作品的整体视觉效果。影响一件书法作品章法的主要因素有:各字的大小与墨色的轻重(取决于笔画的粗细、书写时的含墨量与纸张的渗化性能等),以及单字如何连缀成行、行如何缀合成篇。各字的大小与墨色对视觉的影响很大,但规律比较明显,隐藏在深处的、不容易察觉的是各字的连接,而字的大小与墨色的轻重在书写过程中如何被组合,大体来说,可以分为两类:书势和构成。
书势是点画与点画,字与字之间的联系与呼应。可分为笔势和体势两类。
(1)笔势。一个字由不同的点画组合而成,一幅作品由不同的单字组合而成。点画与点画、字与字的组合是通过连续书写而成的,它们的运行轨迹有两种:一种是留在纸上,为笔画,一种走在空中,为笔势,笔势是笔画与笔画之间的过渡,完整的书写运动就是从笔画到笔势,从笔势到笔画,再从笔画到笔势,直至篇终。所谓的“气脉不断”,“气”指隐晦的笔势,“脉”指有形的笔画,“气脉不断”就是笔画与笔势的连绵相属。这样的章法偏向时间和音乐,可读性强。
(2)体势,即字形姿态,是汉字结体因左右倾侧而造成的动态。单字相互之间本没有笔墨连贯,但随着结体的左右倾侧,产生出强烈的顾盼与呼应,从而使作品气息达到了贯通。
一幅艺术性强的书法作品,要求它的章法中必须破除单纯写字的局限,达到笔势与体势的相互融合。以视觉艺术的眼光,从笔势和体势中抽象出时间和空间的概念,将时间和空间作为书法艺术的表现内容,要从时间的角度看节奏是否流畅,让点画线条的提按顿挫、轻重快慢和离合断续传导出生命的旋律;要从空间的角度看关系是否和谐,让造型元素的大小正侧、左右避就、上下穿插反映出世界的缤纷。从而使书法艺术与绘画和音乐相通,成为一种形而上的视觉艺术。
构成,空间造型和时间节奏是章法的两大组合方式,它们的合二为一使中国书法成为一种融音乐与绘画于一体的艺术,沈尹默先生说它“无声而具音乐之和谐,无色而具图画之灿烂”。古人对这两种组合各有偏重,帖学强调上下连绵的时间节奏,碑学推崇左右呼应的空间关系,碑帖结合则兼乎两者,其结果,开启了书法艺术的解构之路,主要表现为对立统一和相似性两个方面。
一是对立统一。刘熙载《词曲概》说:“词之章法,不外相摩相荡,如奇正、虚实、抑扬、开合、工易、宽紧之类是已”。所有这些对比因素组合在一起都是正侧相依,大小相形,枯湿相辅、浓淡相宜。对立双方相互排斥,又相互依存,任何一方为求平衡都离不开另一方的帮衬,它们在本质上是一个事物的两个方面,是一体的,相互之间存在强烈的内在联系。
二是相似性。一幅作品中错落地分布着许多粗细、正侧、枯湿等造型元素,它们所处的空间位置虽然不同,但是如果在形状或墨色上有一定的相似性,也会互相呼应,成为一个整体的。
构成式章法以分离为基础,让所有造型元素都将各自的特点发挥出来,因此作品的内涵非常丰富。然后利用对立统一和相似性的原理来加以组合,将完全不同的造型元素并置在一起,使各自的特征相得益彰,相映成辉。
中国书法要求阴阳调和,气血畅达,以“字里金生,行间玉润”为美的典范。这里“气”是至关重要的。气息流畅,就如《易经》所揭示的宇宙观:“变则通,通则久”。章法的要害就是“活”,就是静中之动。气活则韵胜,韵胜则有神。
笔法、字法、章法是构成书法艺术最基本的三大要素,也是书法艺术的语言表达形式。只有充分理解并掌握这三点要素,才能有效提高书家的创作水平与艺术水准。
中国书法艺术的语言表现形式相关
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音乐是电影艺术至关重要的元素之一,帮助影片实现影音同步、声画结合。声乐艺术汲取了声音与音乐的精华,在电影作品中的运用极具艺术特色,使得电影主题凸显、艺术氛围浓烈。本文深入了解了电影《立春》及其声乐艺术,研究声乐艺术对电影本身的叙事作用。该部影片利用原创音乐和西洋歌剧来参与电影情节发展,通过刻画人物复杂的内心矛盾来表现现实与理想之间的强烈反差,对声乐艺术的广泛利用使得人物之间的外部冲突剧增,起到了强化电影主题、渲染人物悲剧色彩的作用。以下是读文网小编为大家精心准备的:论电影《立春》中声乐艺术的作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要: 在电影艺术中,音乐发挥着营造场景氛围、表现人物性格、表达情感变化、升华电影主题的重要作用。电影《立春》以女主人公王彩玲的音乐理想和艺术追求为线索,展现了王彩玲在追求音乐梦想中遇到的种种挫折。在《立春》中,声乐艺术发挥着至关重要的作用,通过四首声乐作品的反复运用表现了主人公孤独、无奈的内心世界,提升了影片的艺术品位,深化了影片的思想主题,实现了电影音乐与电影画面的完美结合。
电影是一种融合了绘画、音乐、文学、舞蹈、雕塑等艺术形式的综合性视听艺术,在电影艺术中音乐发挥着营造场景氛围、表现人物性格、表达情感变化、升华电影主题的重要作用。因而,在电影创作中,应根据故事情节、思想主题、电影画面、影片风格等选择电影音乐,通过电影音乐推进剧情发展,突出电影的思想主题,表现人物的内心世界,提升影片的艺术魅力。电影《立春》以上世纪90年代的北方小城为故事背景,以女主人公王彩玲的音乐理想和艺术追求为线索,展现了女主人公王彩玲在爱情、事业、生活上所面临的种种挫折挫折,表现了王彩玲对音乐艺术的不懈追求,片中歌曲与画面浑然一体,弥漫着浓浓的艺术气息。
主人公王彩玲是一位普通的小学音乐教师,她相貌并不出众,满脸疙瘩,一张嘴就露出几个大龅牙,走起路来有点罗圈腿,但王彩玲却有着超常的音乐天赋,能够唱出清新脱俗的天籁之音。只可惜,王彩玲生活于在偏僻、落后的县城,在这个偏僻的小城里没有人能够欣赏歌剧这种高雅艺术,许多人都认为那是一种浪费力气且毫无意义的艺术,这无疑为王彩玲的音乐追求蒙上了一层阴影。影片开头,导演将电影画面定格于文艺青年周瑜专心聆听王彩玲演唱的表情上,用音乐讲述王彩玲的音乐理想与人生故事。然后,王彩玲演唱了声乐歌曲《暮春》,《暮春》是舒伯特的音乐作品,该曲旋律优美动听,语言质朴无华,节奏自然流畅,犹如奥地利民歌般质朴自然,优美的音乐语言描绘了大自然盎然的勃勃生机,整首乐曲散发着亲切、唯美的浪漫主义气息。显然,乐曲《暮春》与王彩玲的音乐理想、人生追求完全一致,导演借这首歌曲交代了主人公王彩玲的身份、职业、特长和爱好,阐释了影片的思想主题,推动了剧情的深入发展,表达了王彩玲对美好春天的憧憬和向往。随后,在轻松欢快的音乐伴奏中,电影画面切换到了王彩玲的声乐课堂之上,头戴纱巾的王彩玲带领学生演唱歌曲《暮春》,清新、悠扬的歌声中夹杂着少许世俗气息,形象表达了王彩玲的内心喜悦和生活追求,使王彩玲深深陶醉于美妙的歌声之中。
此后,街道边的喇叭上也唱起了歌曲《暮春》,“立春一过,实际上城市里还没啥春天的迹象……”,平静安详的音乐层层铺开,优雅动听的女高音传遍整个小城,飘荡于山花烂漫、绿树成荫的春天里,犹如清晨的太阳在灰蒙蒙的小城透射出点点阳光,表达了人们对美好春天的留恋与向往。但是,王彩玲那朝气蓬勃的歌声并未掩映陈旧、保守、灰暗、萧瑟的小城,人们仍麻木、呆板地骑着自行车,毫无生机地行进于上班的路上,这种视觉与听觉的强烈反差暗示了王彩玲与固步自封的小县城格格不入,为王彩玲的悲剧生活埋下了伏笔。
电影《立春》围绕着女主角王彩玲的音乐梦想展开故事情节,表现了王彩玲在追求艺术梦想中的心酸与痛楚。片中,王彩玲是一位有梦想、有上进心的女孩,虽然在追求音乐梦想的过程中屡屡碰壁,但是这些困难和挫折并未阻挡王彩玲追求梦想的步伐,她常固执地认为,只要坚持不懈,就可以实现自己的音乐梦想,只有实现音乐梦想,才能使自己的生活更有价值和意义。但是,由于相貌丑陋、体型不佳,在实现梦想的过程中,王彩玲接二连三地遭到了面试官的拒绝,这使王彩玲的梦想变得支离破碎。特别是在北京的日子里,现实总是冷冰冰地摧毁着王彩玲的梦想,这令她非常难过,甚至可以用度日如年来形容。
片中,导演用声乐歌曲《献身艺术,献身爱情》表现了王彩玲在追求艺术梦想中的心理变化和内心痛楚。歌曲《献身艺术,献身爱情》是作曲家普契尼的代表作《托斯卡》中的一段,普契尼运用曲调悲伤缠绵的咏叹调,表现了女主人公托斯卡对爱情的执着、对艺术的追求、对命运的无奈。因而,该曲是意大利歌剧中最优秀的咏叹调。歌曲《献身艺术,献身爱情》的思想主题、音乐形象等与王彩玲的艺术梦想、进京学习却屡遭拒绝的人生经历非常相似,王彩玲有着崇高的音乐理想和不懈的艺术追求,但在现实生活中屡屡碰壁,不得不面对世人的冷漠、欺骗与讥讽。歌曲《献身艺术,献身爱情》首先出现于王彩玲教周瑜唱歌的场景中:在学校的琴房中,王彩玲深情地演唱了歌曲《献身艺术,献身爱情》,演唱中王彩玲忘记了周围的一切,将自己的生命完全融入歌声之中,将歌剧《托斯卡》的主人公托斯卡的咏叹调变成了自己的咏叹调,变成了对命运和生活的质问,让观众在音乐中走进了王彩玲孤独、伤感、无奈的内心世界。
歌曲《献身艺术,献身爱情》第二次出现于王彩玲到中央歌剧院面试时的片段,王彩玲到中央歌剧院毛遂自荐,但她的请求却屡遭拒绝,歌剧院领导拂手而去,这时王彩玲跪地唱起了《献身艺术,献身爱情》,“上帝,为何对我如此绝情与残忍”,高亢而忧伤的歌声与曲中托斯卡的悲痛欲绝的情感融于一体,也与电影画面融于一体,唱出了王彩玲的独孤、无助、绝望的心声,也将王彩玲的内心痛楚淋漓尽致地表现出来,大大深化了电影的悲剧意蕴,带给观众极大的心灵震撼。从这段声乐歌曲中,我们可以感受到这位单纯、善良的女孩内心的压抑、痛苦与不幸,感受到王彩玲坚韧不拔的意志与强大的内心世界。影片最后,王彩玲在大礼堂内演唱了歌曲《献身艺术,献身爱情》,最终圆了王彩玲的梦想,也带给人们无尽的生活遐想。
乐曲《阳关三叠》是根据王维的《送元二使安西》谱写的古典声乐歌曲,乐曲以伤感的情调表达了诗人对友人的依依不舍之情,在经过历代音乐家和文人的努力之后,该曲成了一首较为成熟的长短句多段声乐作品。在电影《立春》中,导演巧妙地运用了乐曲《阳春三叠》,生动展现了王彩玲的生活现状与内心世界,刻画了王彩玲内心的孤独、无奈与凄苦,在音乐与电影画面的完美结合中升华了影片的思想主题。以王彩玲报考中央歌剧院而言,她明知会多次碰壁,但是却抱着飞蛾扑火的决心,勇敢地走上了为艺术献身的道路,当王彩玲来到中央歌剧院之后,她在领导办公室门口唱出了“马儿将要带着你离开……我们何时能再次开怀畅饮”,这种悲伤的情感生动表现了王彩玲的无奈和凄凉。
电影《立春》成功塑造了相貌平平却拥有音乐天赋的女性形象――王彩玲,在这个人物形象塑造中音乐发挥着至关重要的作用,因为王彩玲的一生始终与音乐密切联系,音乐是王彩玲的人生梦想,也是她生活的全部,更是她的人生和命运的表达方式。影片中,导演运用了《乘着歌声的翅膀》、《月亮颂》等声乐歌曲,通过这些声乐歌曲诠释了王彩玲对命运的不甘、绝望和无奈,成功塑造了王彩玲的艺术形象。
歌曲《乘着歌声的翅膀》是作曲家门德尔松的作品,孟德尔松擅长浪漫、抒情的音乐创作,其作品多以华丽和优雅著称于世。歌曲《乘着歌声的翅膀》是孟德尔松献给未婚妻塞西尔?让勒诺的一首歌曲,该曲旋律清新优美,节奏富有动感,描绘了宁静的月夜、美丽的百花、亲爱的人们、幸福的梦想,勾勒出了舟行水上的温馨画面,展现出浓郁的浪漫主义色彩,每当听到这首歌曲时人会不自觉地哼起“乘着歌声的翅膀……憧憬幸福的梦”的浪漫诗句。
在影片《立春》中,导演巧妙运用这首浪漫的抒情歌曲,表现了世人对高雅艺术的无知和对另类生活的冷漠。比如,在县城的老式电影院门前,人们举行了一场盛大的露天文艺活动,在演出活动中,民族大秧歌获得了观众的青睐,并赢得了阵阵掌声,而舞蹈老师胡金泉的芭蕾舞蹈并未得到观众认可,换来了一片哄堂大笑。望着狼狈不堪的胡金泉,王彩玲心中满怀同情,等到王彩玲演唱声乐歌曲《乘着个歌声的翅膀》时,台下观众早已散去,只剩王彩玲站在露天舞台上唱独角戏。此时,天空中缓缓飘起了雪花,清凉的歌声与宁静的天空形成了强烈反差,巧妙的音画对比展现了王彩玲孤独、寂寥的内心世界。显然,《乘着歌声的翅膀》中饱含春天暖意与现实社会的寒冬凄凉有着巨大差异,这种差异表现了主人公另类的生存状态,揭示了人生理想与现实生活的巨大反差,表现了生活理想与社会现实之间不可调和的矛盾。
乐曲《月亮颂》是作曲家德沃夏克的歌剧《水仙女》的乐曲,作曲家以高雅的旋律、明快的节奏、纯真的情感、唯美的诗意,描写了水仙女鲁萨尔对恋人深情怀念,她恳请月亮告诉她恋人的去处,让月亮代她传言“告诉他,在梦中想念我”,“告诉他,我在这里等待他”。整首歌曲旋律悠长、低沉哀怨、如凄如诉,生动展现了鲁萨尔为爱情献身的高贵品质。在电影《立春》中,导演借用了《月亮颂》的音乐旋律、情感表达、音乐形象、思想主题等,以此表现王彩玲所面临的内心冲突。
王彩玲有着崇高的音乐理想,身上也散发着真诚与善良的艺术气息,她将“中央歌剧院”当成自己的童话世界,勇敢地追求这个不属于自己的生活梦想,但是她的理想却屡屡破灭。在王彩玲进京无望、爱情理想破灭时,王彩玲选择了到歌厅当啤酒销售员,破旧的歌厅、媚俗的音乐、暧昧的色彩、杂乱的音响与王彩玲对高雅艺术的追求形成了鲜明对比,这时《月亮颂》成了王彩玲内心情感的艺术再现,歌曲中充满乞求的音乐情感生动表现了王彩玲无助心态,凸显了王彩玲对高雅艺术的渴望。影片结尾,导演让王彩玲圆了自己的梦想,并用“立春”两字昭示了影片的深刻含义――春天的意义不仅仅在于它非常美好,还在于它带给你希望和未来。
电影《立春》中,声乐艺术发挥着塑造人物形象、推动剧情发展、深化影片主题等多重功效,四首声乐作品的反复运用表现了主人公孤独、无奈的内心世界,提升了影片的艺术品位,深化了影片的思想主题,实现了电影音乐与电影画面的完美结合,收到了良好的艺术效果。同时,导演也借助声乐歌曲表现了王彩玲在追求梦想中遇到的重重艰难险阻,展现了理想与现实之间强烈的冲突和碰撞,带给观众无尽的遐想与沉思。
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发展新时代具有世界影响力的雕塑艺术 雕塑是在三维空间里的静态呈现立体式艺术,欣赏者通过视觉感官和触觉传感,感触艺术家寄托在作品上的所要表达的内心情感。欣赏一件雕塑艺术作品,首先是欣赏它的形式和风格语言,优秀的雕塑艺术作品,可以起到教育影响、警示后人的作用,亦能满足人们的情感,丰富审美历程。以下是读文网小编为大家精心准备的:论原始母性崇拜在雕塑艺术的表现相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:雕塑艺术的历史源远流长, 原始社会的雕塑艺术是离我们最遥远的艺术。由于原始艺术的特殊性,目前中国美术学界对这一领域的研究还很缺乏,特别是对原始雕塑艺术的创作特征和内涵的研究并没有深入系统的论述,仅散见于一些原始艺术史的论著中。本文意在论述不同地区原始雕塑的产生时体现出来的原始崇拜,对雕塑创作的影响。
原始社会生产力水平十分低下,原始人类的生存条件非常恶劣,人们在严酷的自然界的沉重的压迫下,不得不屈从于它的淫威,从而在观念中把自然力和自然物神化,导致原始自然宗教的产生,其主要信仰形式有自然崇拜, 母性崇拜、图腾崇拜和祖先崇拜等,这在原始艺术中都有作品体现。
在原始人看来,人丁兴旺和捕捉猎物是最重要的事情,因为只有人丁兴旺才能繁衍后代,只有捕捉到猎物才能维持生活,这是最基本的也是最重要的条件。全世界所有的人在原始时期都面临类似的生活境况,即极端低下的生产力和极端艰苦的生活条件,所以对母性的崇拜在世界各地具有普遍的意义。我们知道,有一种类型的雕塑在原始的观念里具有信仰的魔力和符咒的功能。母性的崇拜表达对生命存在和崇尚的内容,这里没有性的含意,也没有性别的含意。但是能够说明一个问题就是原始人能够认识到母性是人种延续的载体,认识到这就是生命的来源,只有她才能创造更多的人和更多的劳动力,所以他们非常崇拜这种孕体形式。
从雕像的体态上看,作品无疑表现的是孕育新生命的人体特征。在古代社会,女神历来被作为生育的象征、大地和收获的象征,被作为一个群体或民族生命力的体现,从而受到人们的广泛崇拜。女性雕塑形象从旧石器时代晚期到青铜时代早期,在欧洲、亚洲和非洲大陆以至南美洲的古遗址、古墓葬中普遍有所发现。
比如发现于奥地利的《威伦多的维纳斯》,明显具有生殖崇拜的特征,双乳、腹部、臀部、生殖器的强化处理实际上是寄寓了人们对生殖、繁衍后代的希望。从这一时期其他的地区的女人像也具有相类似的特征,双足并拢,甚或直接成为尖状的,有学者认为这有可能是插在土中用于供奉的。与乳、腹、臀的夸张处理相比,身体的其他部位则被弱化处理,甚至头部仅仅是一个大型,五官也被省略了,只不过是有些装饰的局部形体而已。这一类的作品在欧洲很多地区都有发现,都是省略了五官,或是干脆没头没脚,但个个都是臀部膨大,乳腹部极为丰满和突出,体现了明显的生殖崇拜和一种催生的魔力作用。还有一些浮雕也有类似的形象,例如发现于法国的《持角杯的妇女》,几乎是《威伦多的维纳斯》的变形浮雕,当然也表达了相同的意愿。
发源于黄河流域、长江流域的中原文明在母性崇拜的观念上有过之而无不及。大概因为人们普遍生活在沃土之上,远离海洋,所以他们深深地依恋着土地,于是乎和土地收成相关的一切自然,便可能进入他们充满神灵敬畏的心中,同时被赋予了与神灵相同的性质。巫术或者宗教在中国先民眼里同样魅力无穷,母性崇拜的观念在他们心里根深蒂固。典型的是在红山文化牛河梁女神庙的遗址中,发现了一尊引人注目的女神全身像残留下来的头部,该像大小和真人的相当,用泥塑的表现手段,视觉上有厚重的雕塑感,手法写实,古朴自然,比例较为准确,面颊塑造饱满圆润,额头发际平直起棱,五官刻画准确细致生动,眼窝较浅,眉弓上挑,下巴尖圆,鼻梁扁平,具有明显的蒙古女性的特征;表情生动,威严,据专家推测应该是一尊受崇拜的丰收女神或地牧女神的头像。这座雕像显示了当时中国人物塑造高超的水平,在世界来讲也是很罕见的。虽然不能把他们的观察认识自然的能力和艺术表现能力加以理想化,但像这样的雕塑作品的创作,倘若没有丰富的艺术想象力、高超的艺术表现技巧,和对母性的虔诚是不可能实现的。东山嘴残存的那些残肢断臂,拼接起来,不正是生动的“孕妇”形象吗?丰臀、隆腹及丰满的体积和《威伦多的维纳斯》有异曲同工之妙。
族中的人丁是否兴旺,无疑是史前部落社会的一个生存主题,“人多力量大”的观念早已渗透在原始先民的头脑中。那醒目的生殖器,隆起的腹部,似乎蓄积了一种正在膨胀的力量,是她控制着人类的繁殖和部族的前途。当这种力量常常出现在人们面前的时候,慢慢地就会被它的这样力量所感染,长此以往,部落人力的信心就得到了大大的增强。
来到遥远的黑非洲(指的是撒哈拉以南黑人居住的非洲腹地),我们在研究非洲雕刻的时候,首先应该明确这个地区虽然建立了很多现代国家,但是这些国家的不少居民,特别是广大的村民,至今仍然生活在氏族部落的社会环境里,所以,非洲为我们研究原始艺术提供了最直接,最直观的宝库。非洲部族的人们对母性的崇拜可谓到了登峰造极地步,几乎非洲每一个地区的艺术都少不了洋溢着母性的雕塑,并一直保留着古老的传统。发现于尼日利亚的《女人雕像》是约鲁巴族的作品,具有典型的代表性。它的雕刻者只凭自己的敏感从事创作,然而这种安排总是以一定比例为依据的,它可以用数字或者音乐的节奏来表达。作者赋予雕像各个部分的节奏联系并引起观者的节奏反应:稳定感、重量感或者轻盈感、灵巧感、宏伟感、优雅感他们已经知道要讲究各个部分之间的造型关系,同时也本能的给予作品的形象性。非洲木雕的这种形象性还只是一个概貌,因为它的形象还要服从于作品整体的节奏,尽管我们也不能确定这是一种自觉的行为,非洲雕刻者就是这样来创造了自己独特的造型特征的艺术
回头来看世界各地的女性雕像,把两者相比较,其主角是惊人的相似,都是被赋予神性的妇女的形象,这些丰产的“女神”充当了通灵的媒介。通过它,原始人就可以在精神上与宇宙万物的繁衍生命的力量相通,进而得到壮大发展本部族的信心。换句话说,“女神像”即是他们精神的寄托,希望它能给人们带来繁衍发展的力量。少数具有“艺术”天才的先民们在这种虔诚崇拜的影响下,试图塑造出符合大家的心目当中的母性形象,那就是丰臀、隆腹和饱满的体积,似乎只有这些才能满足他们的要求,而不是简单的模仿一个怀孕的妇女的形象。假如我们设身处地想想一下,仅仅是模仿一位孕妇,尽可能全面的照抄她的所有细节,这样出来的作品能够有如此生动的感染力吗?可见在艺术创作中,创作者所具备的主观意识决定了作品价值的高低。
参考文献:
1、热尔曼?巴赞 《艺术史?史前至现代》 上海人民美术出版社 1989年4月出版论原始母性崇拜在雕塑艺术的表现
李恩田 内蒙古师范大学雕塑艺术研究院 内蒙古 呼和浩特 011517
查 娜 内蒙古师范大学雕塑艺术研究院 内蒙古 呼和浩特 011517
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