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电影文化是新世纪受众最多的大众平台样式,也是大学生接受程度比较高的平台形式,电影文化的这个特点为把它应用于大学生性教育提供了可能性。下面是读文网小编为大家整理的有关电影艺术论文,供大家参考。
三十年代,随着日寇对我国的侵略,中国电影人的作品中越来越多的开始出现强烈的民族情绪。其中最著名的就是左翼电影人。其中的代表人物聂耳,田汉等左翼知识分子为了抒发心中的愤恨,为了唤醒广大人民群众的信心,为了表现中华民族的气概创作了一大批激昂的影视作品。尤其是我们所熟知的《义勇军进行曲》,这首万万人传唱的,宣传爱国勇士奔赴前线为了中华民族战斗的歌曲有着极强的鼓动作用。这首歌也成为了我国的国歌传唱至今。在那个年代,电影中英雄的形象和劳苦群众受难的形象鼓励了大众,也让人们意识到中华民族的危险处境,为唤醒中华民族的崛起和对爱国文化的传播起到了强大的作用。
建国之后,电影作为统治者对于政治的需求工具也更加受到重视。相伴随的,电影中音乐的作用,因为其对于人们内心的鼓动和对于影片内涵的突出也更加受到重视。这些在“”十年中更加的凸显。如《闪闪的红星》中的《红星照我去战斗》等。电影在此时不断地描写英雄人物的三突出,相应的电影中的音乐也在正面人物出现时高昂,在反面人物出现时低沉阴森。这在当时对于人们精神生活的冲击和影响是十分巨大的。因为电影的单方强行输出文化的方式,让电影中音乐的文化传播显得十分重要和突出。
经历过了“”的黑暗,到了改革开放时,因为政治上的需求降低,电影的创作开始走进生活化和心灵化。其中产生了一大批优秀的作品《一个和八个》《青春祭》《城南旧事》等。这一时期的电影音乐也呈现其题材多样、配器考究、旋律优美、节奏明晰、曲调悠扬,在表情达意上显得功力深厚,在与电影画面关系的处理上显得游刃有余,在帮助刻画人物性格、渲染主题方面表现出高超的艺术感受力,在与影片反映的年代背景方面水乳交融的特点。这些好的音乐作品让人们在观看电影中漫慢地走出政治斗争给人们心灵留下的阴影。使人们的思想慢慢地平静和升华。提高着人们的艺术修养和审美素质。
电影自诞生以来经历了无声、无彩,到有声、有彩的过程。没有台词、声音和色彩的电影有很多,但是完全没有音乐的电影却几乎没有出现过,尤其到了现代,音乐已经成为现代电影不可缺少的组成部分。根据大量心理学、社会学研究显示,音乐对人类的情绪有着显著的影响。北电某博士生导师曾做过这样一个实验,在放映此类影片时将背景音乐完全抹去,结果在影片放映半小时内,已有大量观众离场,表示无法继续观看。由此可见,音乐在电影中不可或缺,作用显著。
电影中,很多特殊的场景或人物的心理状态无法用台词来表现,合适的音乐就可以起到一个很好的引导和暗示。影片中常见的人物出场,常常会通过人物的一举一动进行取乐,观众就能较明确的分辨出他是好人或者坏人。当然,随着电影的发展,这样简单的处理手法会越来越少,但万变不离其宗,音乐作为一种特殊的语言,在电影中可以起到揭示场景,暗喻人物心理的作用。在很多系列片中,某段或某类音乐总代表着一个比较固定的意义。也就是说,这段或这类音乐属于某一个特殊的人或景。比如奥特曼、佐罗、蜘蛛侠、超人等等,他们几乎都有自己的代表性音乐。每当音乐响起,观众就会知道某个人物即将出现,从而起到铺垫的作用。
背景音乐可以渲染气氛,可以引导和控制观众的心理状态。而在渲染氛围和影响观众情绪的过程中,也逐步推动了电影主题的表达,使观众和电影形成互动,从而使电影主题在观众心中得以凸显。一部好的影片,给观众留下深刻印象的不仅仅是电影的故事情节、画面制作等,背景音乐作为影视作品的重要艺术元素之一也同样有着重要地位,并且在宏观、微观、全方位、系列化、深层次、高水准的方面对影片效果起到促进作用。
综上所述,音乐在电影中运用的越来越广泛。更是电影中不可替代的一个重要元素。电影作为一种提供娱乐消遣的艺术形式。音乐在这当中能渲染气氛,刻画心理,塑造形象。以及推动高潮的到来。音乐还有转移空间和突出情节,使剧情衔接更加自然等作用。随着电影事业的发展,音乐越来越被重用。音乐能很好的烘托气氛。把美景变得更加灵动。我们应更充分地发掘听觉的潜能。增强电影的感染力和吸引力。同时我们也运用最新的技术。创造出更优美的音乐,使技术与艺术两者和谐地融合在一起。促进电视事业的发展。电影音乐和电影是相生相伴的。都不可避免的受到时代的影响。同时也发挥着传播文化的重要作用。
一、意象化的造型设计风格
“意象”的概念原本出自中国古代文论,用来表示人们在外在的现实世界中的具体物象上寄托自己内心的抽象的感觉。可以说“意象”一词既强调主观心灵的想法,又需要借助客观形象来表达。在很多情况下,意象化的造型用来塑造的是人们想象中的事物或世界。要准确地把握这种造型设计艺术,首先就要明白主创人员内心中想要表达的意蕴与情调。以魔幻电影为例,对于魔幻题材的电影来说,完全意义上的写实则失去了自己的特色,而如果滥用意象,则难以在创作者与观众之间形成沟通。这方面做得最为出色的莫过于彼得•杰克逊七年磨一剑打造的《指环王:王者归来》,从艺术上看,11项奥斯卡奖(包括与造型设计息息相关的最佳美术、最佳服装设计、最佳化妆三项大奖)充分地肯定了其的艺术价值,票房方面更是揽获十亿余美元,堪称魔幻电影中的不朽之作。在《指环王》中,原作者托尔金创造的是一个架空的中土世界,其中精灵、矮人、兽人等都是现实中不存在的生物,而人类的造型也与真实历史上的造型无法找到对应点,这就需要创作人员在设计时进行充分的考虑。以正面人物精灵们的形象设计来看,设计师准确地把握住了精灵这一种族的特色:历史悠久,气质优雅,容貌美丽,热爱自然。在小说中,精灵是最为古老的一个种族,拥有永生的生命,他们都容貌美丽,身材高大,并且拥有凡人不具备的视力,甚至能看透人心,是托尔金最为得意的创造。为了表现出他们优雅的气质,精灵的服装都设计为轻柔的长袍和长裙,大多是用印度丝缎做成,为了使布料显得更有气质和一种古旧的质感,工作人员特意花费大量精力把布料洗过,漂白和打磨过,使服装在灯光的照射下能呈现一种银光闪闪的亮度。而其他种族的服装则没有这种效果,这就突出了精灵这一种族虚幻缥缈的一面。同时为了表现精灵的美丽,影片中的精灵是趋于中性的,无论男女都一头飘逸的长发,长袍也有助于表现这种中性的气质。精灵还是一种与自然关系密切的种族,都居住在风光优美的森林之中,因此精灵的服装大多为青苔般的绿色、树干的褐色,艾玟公主的服装则有天鹅绒清淡的绯红色,显示她高贵的地位。而莱戈拉斯•绿叶在影片中是战士的形象,长袍无疑不利于行军作战,在电影中他穿着齐膝的高筒靴,扎着腰带,衣服和箭筒上有树叶的图案,以显示他密林王子的身份,可以说莱戈拉斯的形象既有清新高贵的精灵气质,又有干练的战士英姿。而作为反面人物的半兽人是数千年前被俘虏的人类饱受折磨后变异而成的怪物,后来成了黑暗魔君用来对抗正义之士的军队。在《指环王》中,共有两百多个半兽人,但是剧组设计的每一个半兽人都有所区别。从整体上来看,由于半兽人是毫无人性之徒,为了区别他们和正常人的区别,在外形上造型师用硅胶给他们做了头套,他们有着与人类相似的五官,但是头套上的牦牛毛以及从靴子中伸出的锐利脚爪,显示了他们兽性的一面。这些脚爪上还沾有泥巴,显示出半兽人步兵的长途跋涉。体形上,为了表现半兽人相对人类在攻击和防御上的压倒性优势,他们的皮肤是类似大象的又黑又皱的皮,盔甲则是类似昆虫外壳的硬甲,设计师希望借罗马战士的形象表现出半兽人并非为正义而战,而是受恐惧驱使的亡命徒。事实证明,《指环王》的造型设计是成功的,使不仅以__文化为主流背景的欧美观众领悟到了电影造型中的哲学思想和价值观念,而且也使在亚洲等地其他文化背景下的观众顺利地进入了想象中的中土世界。
二、装饰性的造型设计风格
电影的造型设计固然要有一定的事实依据,然而艺术又不可避免的是激进的,富有创造力的。在某些古装片中,人物的造型设计不能仅仅根据博物馆中的考据或实物来制作,也不能单纯地往传统服装中加入一些现代元素,而是要充分考虑到人物在影片中的特殊之处。在古装片中,可以在保证造型大体上符合时代背景的基础上,通过加一些装饰效果,或对某些装饰的细微之处做“变形”的方式传达出主创的匠心。以张艺谋的《满城尽带黄金甲》为例,服装设计奚仲文曾多次获得香港金马奖。电影虽然设置在五代十国时期,但是故事情节取材于曹禺的《雷雨》,是一个讲述人性阴暗的家庭伦理故事,这一虚构的前提使得造型设计上有了更多的发挥空间。以王后的服饰来看,华贵的面料和精美的刺绣彰显了她从公主到王后的高贵身份,然而层层叠叠的刺绣也使得原本应该飘逸轻薄的绸缎变得十分沉重,这是在暗示她一生没有得到过爱情,并且时刻在忍受丈夫毒害的王后阴郁的内心,盔甲一般的刺绣则象征了她内心充满防备的一面。这是《雷雨》中不可能表现出来的。尽管对于普通观众来说,这种违背历史的设计是有些难以接受的,但是从艺术的角度上看,影片无疑有其可取之处,《满城尽带黄金甲》的造型设计被美国主流媒体交口称赞,获得了第79届奥斯卡最佳服装设计奖提名或许就是一个证明。
三、结语
从对各种电影造型艺术的总结中不难看出,在承认角色塑造基本原则的基础上,可以最大限度地从现实的束缚中解放出来。回顾近几年来取得高票房与良好口碑的电影,在造型设计上无不极为用心,且能充分发挥想象力。随着时代的发展,国产电影的造型设计如要在世界影坛取得一席之地,要将优秀的设计师发展为协作良好的设计团队,还有很长的路要走。
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中国电影产业如何尽快完成转型、实现市场化运作,需要所有电影制作者与法律人的共同关注和努力。下面是读文网小编为大家整理的有关于电影论文,供大家参考。
一、盖•里奇电影中典型的后现代个性风格
(一)电影的表述更加游戏化
与传统的电影创作不同之处在于盖•里奇的电影表述方式更加游戏化。整个故事的表述更像是一场有趣的游戏,在表述的过程中甚少涉及戏剧的冲突,也不引申一些较为深层次的寓意。例如在《转轮手枪》这部电影的表述过程中盖•里奇就运用了很多的杀人场景,这些动画方法成了其后现代个性风格的游戏化的转变。而在拍摄《偷骗拐抢》的时候,盖•里奇又根据其故事情节的不同选用了非常规拍摄这一特殊的表述方式,可以说将电影的游戏化表现得淋漓尽致。盖•里奇在电影创作中运用的表述方式的游戏化很大一方面是由于其人生经历及其成长的大环境而造就其反抗意识,这种反抗意识正是其后现代个性风格的一种具体的表现。在盖•里奇的世界里他将自己的电影看成是自己手中的一个玩偶,因此也就可以无限进行游戏。盖•里奇的电影理想与追求就是将无数的观众拉进自己的世界里,从而与观众一起玩自己手中的玩偶,从而实现票房神话。因此在其电影创作的过程中他无视社会的使命以及历史的责任,而是专心进行后现代个性风格电影的创作,在努力改革传统的叙述方式使其更加游戏化的过程中他找到了一种相对较为规范的电影生产准则,从而加工出人们更加喜欢的电影作品。盖•里奇由于中途辍学以及单亲家庭的生活环境,其思想里存在着一定的叛逆因素,正是这些叛逆的思想所带来的离经叛道的行为与变现方式成为了盖•里奇独特的电影视听语言。盖•里奇以其玩世不恭的电影创作理念和游戏化的叙事方式给人们带来了一种另类的电影作品。在这些电影作品中夹杂着极度亢奋的视觉影像奇观,成为后现代电影作品的典范。
(二)叙事结构的破碎,情节的无序
从电影的叙事结构上看,盖•里奇的电影大多呈献出的是破碎化的结构,其将一个本应该完整的故事进行破碎化的处理,将其拆分成了多个碎片,如此一来加大了观众对于故事情节的理解困难。正是由于其电影创作中叙事情节的破碎以及无序,使得盖•里奇的作品深受大家的喜爱,成为后现代个性风格中一道亮丽的风景。在盖•里奇的电影创作中对于叙事的处理显现出的结构破碎具体表现在对于故事开端与结尾的模糊与不重视,进行故事交代的过程中并没有延续传统的叙事方式,即“开始———发展———高潮———结尾”的线型叙事方式,而是将具有一定故事情节的碎片拼凑在一起,运用多线并行的方式为观众呈现出整个故事。这种叙事情节的运用更多的是将故事内在的结构进行排列组合,并通过零散的、随机的拼贴手法将故事情节凑在一起,显得没有顺序,但是却获得了一种全新的体验与意味。很多时候人们会在这种破碎化的叙事结构中感到混乱与费解,特别是对于无序的情节更是难以理解,但是在盖•里奇的电影中并没有让这种混乱与费解的感知贯穿整个故事。随着故事情节的不断叙说及其内部故事的发展,观众可以通过这些零碎的故事碎片拼凑成一个完整的故事,心中的谜团被一一揭开,弄清楚了故事的起因与发展,也就更加深刻感受到整个影片的魅力之所在。对于观众来说,后现代电影最精彩的地方就在于使自己一直处于“介入”的状态,因此看电影的过程就像是一场智力游戏,通过将这些碎片放在特定的位置而完成了一场拼图游戏,最终完成的喜悦已经超越了电影本身。这种后现代的电影创作个性风格不仅调动了观众对于电影观赏的积极性,还对其产生了强烈的兴趣与快感。
(三)炫酷式语言与酒神式狂欢
由于盖•里奇并没有进入电影学院接受专业的教育,因此其视听语言显得更加随意,很少有教条式的约束,这也成为其电影创作中的一大特色。在盖•里奇的电影创作过程中存在着很多受过专业教育人员所无法想象到的炫酷式的语言,这种语言风格主要是通过其多年的MV、音乐录影带以及广告拍摄的经验得来的,转化到电影中就成为后现代电影中炫酷式语言的代表。在电影创作中盖•里奇追求癫狂化、奇观化、游戏化的镜像语言,在类似于玩笑的语言中表现出其粗俗、暴力的夸张处理,并通过不规则的构图、拼接式镜头的运用以及对于相似蒙太奇转场和卡通人物的介入等多种手法营造出了无人企及的炫酷式个人镜像语言风格,体现出了酒神式的狂欢。在盖•里奇创作的《偷拐抢骗》《两杆大烟枪》《转轮手枪》以及《摇滚黑帮》等多部耳熟能详的作品中我们不难看出许多搞笑的闹剧都是经过导演精心设计和准备的巧合与误会。在这些喜剧因素相互融合的过程中又穿插进了各种狂欢的镜头与打斗的场景。从而实现了通过表现小人物之间的相互打斗而体现出黑色幽默的同时,放大人们外在的动作所折射出的内心欲望。这也成为了现今影视制作者竞相学习与模仿的一种电影制作的方式。把快乐理解为对于感官刺激和肉体纵乐的另类屈从,从而消解掉属于历史遗迹思想的深度与厚重感。由此可见后现代更多的是运用较为平面、浅层的表述手法,但是这并不能阻止其对于炫酷式语言与酒神式狂欢的追求与表现,这也是后现代电影中的个性风格的一部分。
(四)人物玩偶化与行为幽默化
盖•里奇所创作的电影主角人物一般都是边缘人物或者是城市里的小人物,这些人物可能隐没在城市的某个角落里,他们可能是赌徒,是杀手或者混迹在黑帮,总之是在从事着种种地下犯罪的活动,例如偷盗、杀人、贩毒、甚至是赌博等等。在他们身上我们无法分出大善与大恶,他们仅仅是一群为了生存而搏杀与争夺的人,正是因为他们的生活环境才决定了其社会地位以及生存方式的艰辛。这群人常常受到他人的掌控,也常常疲于奔命。但是在盖•里奇的电影中却将这些人物剥离了现实的生活现状,让他们如同一个玩偶一样根据盖•里奇的意愿进行一系列的行为活动,从而为后现代个性风格中的游戏化的表示方式服务。因此盖•里奇电影中的人物形象缺少了其他电影制作者所宣扬的饱满的人物性格,更加像是一个滑稽的小丑。正是这种玩偶化的人物形象使得其人物的行为所表现出的动机与故事结局之间出现了间离,通过对电影中角色的可笑行为与失意结果所进行的夸张处理,表现出导演对于社会的调侃。与此同时导演将一个节点的粗俗、暴力以及人物行为继续放大,从而实现扩大幽默效果的作用。例如在《偷拐抢骗》中文尼和阿索两人进入地下赌场抢劫的情节中,盖•里奇就通过一系列的阴差阳错的情节设置,先是遇到了一位临危不惧的冷漠的女招待,拒绝交出钱款,接着两人在抓狂的状态中乱打一气却无济于事,最后只得提着得来的一袋硬币逃窜,却不料又被一扇门拦住了去路,两人歇斯底里地对着门又踹又打,却没能打开,正当两人感到绝望之时,黑人哥们儿却从外把门打开走了进来,原来门是向里开的。通过人物在一种抓狂的状态中放弃理性的指引,而流露出最真实的人性本色。
二、结语
由此可见,盖•里奇所创作的电影具有浓郁的后现代个性风格,他的电影囊括后现代电影的所有特点。与此同时,盖•里奇的电影还具有时尚的魅力,因此能够吸引很多现代的观众观赏。可以说,盖•里奇的电影是一个速食文化的代表,也是后现代电影创作的代表。
一、而随着有声片出现后,电影就又多了一种空间表达方式
因为任何从画外传出来的声音都会使观众感觉到画外空间的存在。例如《美丽人生》片尾要表现父亲被德国兵枪杀的事件,为了避免直接展示暴力杀戮的场面,影片就利用了画外空间的间接表现的方法。这场戏中父亲被带进了小巷,画内空间中没有任何人,但是我们却听到了机枪扫射的声音。听到枪声的观众通过想象头脑中就会展现出,此刻画外空间所呈现的内容。电影空间主要依附于镜头而存在,法国电影美学家让•米特里定义镜头为:“从同一视角在同一场景中由表现同一动作或同一事物的一组瞬间影像构成的”。电影史上第一部故事片《火车大劫案》,米特里说它是“运用电影手段讲述的第一篇故事”。影片《火车大劫案》改变了生活记录,突破了舞台的空间框架,从活动照相式的空间束缚中解放出来,《火车大劫案》是由镜头连接、组合而成的。从此,电影通过镜头走进了自己的空间表达。最初反映在银幕上的电影时空与现实时空几乎相同(也可以说是舞台时空的重现),经过电影艺术家长期实践的基础上,使今天的电影镜头空间结构发生了重大变化。具体可分为蒙太奇的组接镜头与长镜头两大镜头空间体系。蒙太奇理论把电影当成“画框”,正如巴赞所指出的“画框画出了实体上和本质上迥然不同的小天地”。著名的库里肖夫实验中运用了五个镜头组接:
(1)白宫前一女子从右向左走来;
(2)埃菲尔铁塔下一男子从左向右走来;
(3)相遇后男子向画外空间指点着
(4)带台阶的白色建筑物;
(5)两个人走向台阶。这五个镜头通过镜头的组接以后,通过画面的内容你会产生这样一种理解:两人在路上相遇以后他们一同去了某地。但实际上,这五个镜头都是在不同地点拍摄的,而将它们组接在一起时,观众看到的却是一个统一的时空整体,这就是库里肖夫所谓的在银幕上的“创造性地理学”。这种把不同的空间经蒙太奇的组接整合为一个整体空间的方法,成为电影艺术建构自己特有空间的一种经典方式。
二、而长镜头有别于蒙太奇的空间特征
如北京电影学院教授韩小磊总结的那样:“在一个统一的时空里不间断地展现两个以上的动作或一个完整事件的镜头为长镜头;而蒙太奇的表述职能产生于镜头与镜头之间相互关系的组合中。”所以在以蒙太奇手法为主的电影中,场面常常被分割成若干片段,因此事件的时间和空间也被分割,破坏了时空统一性,也破坏了时空真实性。而长镜头可以通过影片在空间上的延续性,保留现实空间的真实。《公民凯恩》这部电影中,有一场凯恩生母将凯恩过继给一位富翁亲戚的戏。场面几乎是完整的静止镜头,整场戏都是在大景深镜头下连续拍摄的,前景上是凯恩父母在桌边谈条件的中景镜头,后景上是一扇打开的窗户,通过窗户可以看到凯恩在雪地里扔雪球。于是,这个镜头画面中的人物便分成前后两个不同的层次,前层以父母为代表,后层则是少年凯恩。由于镜头有足够长的时间,观众的视线可以在这两个层次上来回移动,看到现实空间的全貌与事物发展的时间进程,强调了电影与现实生活的近亲性。无论“画框”(指蒙太奇手法)还是“窗户”(指长镜头手法),每一种隐喻,都有一定的合理性,也有一定的局限性。因此,关键在于怎样的隐喻能够使我们从电影中看到的更多、更全面的电影空间。
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在面向市场、面向全球化的今天,艺术设计教育目标多元化是设计教育发展的方向已经取得了共识。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计论文,供大家参考。
摘要:艺术设计创作是具有两重的属性,一方面,是艺术设计创作属于艺术的范畴,是具有审美价值的,另一方面,艺术设计创作还具有实用的功能。因此,在艺术设计创作中,色彩的表达是表现创作者的一种对社会和对周围的感知过程。分析认为,艺术设计创作中的色彩表现体现了创作者的风格,也架起了创作者和观众之间的情感桥梁,色彩的表达也体现了色彩的情感需要,色彩的表现更是文化需求的一种诠释。
关键词:艺术设计创作;色彩表现;审美
所谓艺术设计创作其实就是用艺术表现的形式,通过审美的表现来结合社会、文化、市场和科技等多方面的因素,然后把这些因素和我们的生活紧密联系起来,创作在设计中。一般情况下,艺术设计创作从艺术的角度来说,是具有审美的功能的,从实用的角度来说,其实还是具有使用功能。因此,作为艺术设计来说,是为人的精神和物质文化而服务的,是满足人类社会的物质功能和精神功能的完美的结合,也是现代化发展的社会历史进程中的必然的产物和过程。实际上,在艺术设计创作中,对色彩的运用也是很重要的,色彩是通过人的眼睛,脑和大众日常的生活经验综合运用的情况下产生的一种在光的作用下的视觉的效应。这种视觉的效应是创作者对周围感情的认知,也是对感觉的一种向往。创作者在进行艺术设计创作的时候,也需要通过色彩的表达来表现自身内心的感觉和自己内心的喜好,而色彩也是最好的一种表达内心的过程。实际上,艺术设计中的色彩设计和表现就是一种颜色的搭配,在实际的艺术设计创作中,这种艺术的表现是千变万化的,通过艺术设计者的创作把色彩表现出来,再通过大众用眼睛来体会周围的环境,色彩的作用就凸显出来了,在人类的视线中产生相应的各种各样的效果,带给大众不同的体会,也会反映大众的美感认知、情绪波动和自身的审美的情绪。因此,在艺术设计创作中色彩的表现是十分重要的。
一、艺术设计创作中色彩的风格表现
在艺术设计创作中,色彩具有十分重要的作用,直接体现了创作者的风格,和把握创造的精髓。实际上,在现实生活中有很多优秀的艺术品,在创作设计中都是用色彩来体现风格的,作为色彩设计来说,就其自身的内涵有很多不同的风格的,比如由鲜艳、强色的暖色调的色彩配成的艺术设计创作的风格表现和由冷色调配出来的风格就是不同的。一般情况下,暖色调的色彩风格都是给人以明快的感觉,也可以突出艺术设计创作的主题。其实,在艺术设计创作中,生动的色彩设计可以诠释创作者那一刻的心情,以及呈现给观众,观众也可以了解作者的风格和作者想表达的主题,这种色彩的风格的体现是很直观的,直接在色彩的表现中表现了出来。另外,在艺术设计创作中,内涵的体现也是很重要的,很多时候浓厚的色彩直接对创作作品的内涵显示就起到了重要的凸显作用。
二、艺术设计创作中色彩的情感表现
在现实中,人们的感知的色彩是通过现实的眼睛来直观的反映和体现的,一般情况下,视觉器官在感知色彩的时候,都是伴随着其他器官而产生的综合性的知觉和感觉的意识活动。所以在艺术设计创作中,创作者使用色彩其实代表的是一个整体的形象和过程,包括了客观的创作者的印象、记忆、联想和情感的体现,只有综合的丰富这些元素和内容,才会在艺术设计创作中体现出良好的色彩的效应。比如,在实际的艺术设计创作中,同一类的色相或者色调的配色方式其实在画面相一致和颜色相一致的情况下,很难达到和谐统一的效果,但是如果色调反差很大的话,色调的落差又正好突出明显的颜色,画面是否丰富,色调是否统一其实带给观众的都是一种情感的需要,淡雅的紫色配上大雁的黄色,这样的情感需要其实就是一种色彩情感的体现。也体现了创作者当时创作阶段的心情,给观众也表达了自己的倾诉和追求。所以,色彩的配色是一种情感的表现,在艺术设计创作中,要特别关注色彩设计配色的反差和魅力,善用色彩的配色来赋予颜色的内涵和丰满颜色的内涵。
三、艺术设计创作中色彩的文化表现
在艺术设计创作中,不管是商业的设计还是个人的爱好创作,实际上都是一种流行和文化的反映,色彩的表现是一种模仿和流行,色彩可以带来追随和认可。实际上,艺术设计创作者在色彩表达的时候,可以把色彩和同一色调的事物明显的表达出来,比如在平面设计中,可以通过平面设计的色彩表达方式直观的反映色彩中的流行的文化,在设计过程中,在思维上就可以演绎细微和微妙的色彩感受力。众所周知,红橙黄绿青蓝紫这些普通的魅力的颜色再加上黑白灰颜色,不同的颜色的搭配和属性就会呈现不同的创意和表现。在艺术设计创作者创作的过程中,在对色彩的感知过程中,实际上不能忽视眼睛第一时间的即视的感觉,要从文化魅力的角度来体现艺术设计创作中的色彩的表现。文化是一种流行,也是一种魅力,色彩的表达是文化流行的元素,也是引领设计的一种新潮,色彩给人的文化表现,给人一种文化的流行,艺术设计创作的色彩一旦拥有了文化的气息,也必将经得起市场的考验是流行的文化的体现。综上,在艺术设计创作中色彩的表现力量是很强的,直接反应了创作者的风格和情感和文化力,因此,艺术设计创作中,色彩的表现是十分重要的,也是设计创造者最直观的视觉表达,突出了创作的表现力。在艺术设计创作者创作的时候,必须根据色彩的实际情况和创作作品的实际情况来进行色彩的搭配和分析,用色彩来表现自己的心理特征,用色彩来感知创作者的思想和空间。因此,色彩是直接联系创作者和观众的桥梁,艺术设计创作中的色彩的表现是直观反映创作者和观众情感和思想的重要呈现。
参考文献:
[1]侯履晖,论艺术设计创作中的色彩表现,现代装饰(理论),2012年5月
[2]吴志华,色彩通感在审美活动中具有的价值,南昌大学,2012年8月
[3]徐燕,论色彩在中西现代油画艺术中的情感表现,山西师范大学,2012年4月
[4]周小娟,浅析艺术设计中的设计色彩表现,安徽文学(下半月),2010年12月
[5]杜森,现代海报设计中的色彩表现,中国艺术研究院,2009年3月
摘要:文章重点针对明清环境艺术设计与陈设思想进行分析,以便从中得到启示。
关键词:明清;环境艺术
中国现代环境艺术设计融合了我国传统设计理念和西方设计理念,风格多种多样,有中式、欧式、简约、田园等,不同的设计风格彰显着别具一格的设计理念。其中,我国的传统设计理念对现代环境艺术设计有着重要的指导意义,也是我国现代环境艺术设计的基础。因此,文章重点对明清环境艺术设计风格进行研究,这对我国现代环境艺术设计有着指导意义。
一、明清环境艺术设计的内涵
明清的环境艺术设计总体思想在于“道”,大到园林别院,小到客厅卧室,“道”之思想始终存在。古人云:“园总之奇在变化万千、独藏与道之衍一,虽穷变亦在气中,顽石水榭楼台阁角,无不与气通。”其中的“气”就是指“道”,这句话的总体意思是说虽然环境艺术千变万化,但是每一种都要与“主人的气”相互沟通,通俗来看这是因人制宜设计理念的表现。明清环境艺术设计的总体理念在于“藏”,既能“藏拙于巧”,又能“藏灵于愚”,具体表现在“不漏”二字上。明清的环境艺术设计没有唐代的夸张、宋代的活用,但是就“不漏”二字而言可谓登峰造极,最著名的莫过于皇家别院与园林的设计。每当我们看到故宫、天坛等设计,总会感慨其气象万千,但如果仔细挖掘,则能够发现其设计材料种类虽少却精、颜色虽少却重,总体设计理念并不张扬,但是在稳重的表象下藏着设计者根据皇家气象别具一格的“不漏”思想,既不让人感觉到夸张,又能衬托出皇家的威严,这是化繁为简、去伪存真的“简”的思想。明清环境艺术设计的总体方针在于因地制宜,即根据不同的地域进行不同的设计。如,北京地区的设计方针在于大气,江南地区的设计方针在于别有洞天,西北地区的设计方针在于方便使用,因地制宜思想成为当时的主要设计理念,任何设计都不可能脱离当地的地域风情、民俗习惯。因此,明清环境艺术设计针对不同的地域风格、人民生活水准、业主,提出不同的设计方案,即追寻上述的“道”“气”“藏”“不漏”等思想理念,根据实际情况进行调整,尤其是在1570至1620年间,由于当时民间思想更为开放,在这一段时间内基本打破了“士农工商”的阶级理念,建筑设计标准也随之被打破,因地制宜、因人制宜、因时制宜的设计思想得到普及。明清的环境艺术设计内涵在于与人结合、与“道”结合、与时结合、与地结合,不拘泥于形式。
二、明清陈设思想的内涵
与整体环境艺术设计相比,明清的陈设思想更为复杂。明代陈设在于“自然”,沈津为《长物志》写序说:“几榻有变,器具有式,位置有定,贵其精而便,简而裁,巧而自然也。”明代的陈设布置根据主人经济状况的不同有一定的区分,但是总体讲究“自然”,陈设摆放的位置、款式、数量都有一定的规格。如,明代的书房陈设标准要有长桌、笔格、笔筒、笔洗、古砚、水注、糊斗、镇纸等,根据文人的地位和经济状况,这些事物都要有不同的款式规格。又如,明代的卧室陈设要有榻床、滚凳、小几、花尊、定瓶、鼎炉等。清代的室内陈设讲究简约,没有固定的要求,在设计理念上,设计者根据自身喜好可以对室内物品进行增减,其总体标准在于简约实用。同时,清代的汉族设计理念与满族设计理念相互杂糅,所以清代的陈设思想也融入了一定的少数民族风情,更贴近自然。明清两代的陈设思想有一定的不同,但总体而言,陈设与主人的地位相适合这一中心思想没有改变,室内的陈设能够从很大程度上反映出主人的地位、品节、风格,如读书人的客厅讲究市声不入耳,俗轨不至门。客至共坐,青山当户,流水在左,辄谈世事,便当以大白浮之。室内外布置为“门内有径,径欲曲;径转有屏,屏欲小;屏进有阶,阶欲平;阶畔有花,花欲鲜;花外有墙,墙欲低;墙内有松,松欲古;松底有石,石欲怪;石后有亭,亭欲朴;亭后有竹,竹欲疏;竹尽有室,室欲幽”,讲究自然、情趣、意境。
三、明清环境艺术设计与陈设思想对现代环境艺术设计的启示
明清两代环境艺术设计理念都以尊崇主人的地位、身份为根本,配合“道”“藏”“自然”等思想在细节上进行一定的变化。这一思想理念对现代环境艺术设计的启示可以总结为三点:第一,设计根本在于衬托业主的气质,配合地域、民俗等客观条件,能够在一定程度上展现出业主的个人品格和思想观念;第二,设计的根本在于结合当下社会风气融入艺术气息,因时制宜地进行设计变通;第三,设计根本在于在繁复中彰显简约、自然,自然含有素朴、本性、本质之意。一些人常常注重繁复的设计风格,却忽略了自然的特性,也忘记了从简单的事物中体验快乐的感觉。因此,要想现代环境艺术设计最大限度地融入自然,则必须回归简单的设计风格。明清环境艺术设计更多地受到了儒家思想的熏陶,将环境与人看作一体是这一时期的主要思想。因此,若想将这种自然的设计理念运用于现代环境艺术设计,则必须基于时代的角度具体问题具体分析。结语明清环境艺术设计与陈设受时代影响较大,并且受文人思想与社会风气的影响较大。现代环境艺术设计应当延续明清环境艺术设计与陈设思想,将其设计理念用在具体的设计中,如此才能传承传统环境艺术设计理念并将其发扬光大。
参考文献:
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[2]肖一倩.艺术设计专业实践教学手段、方法的研究和实践.南京广播电视大学学报,2009(1).
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[4]王朝晖.园林绿化与生态景观结合的意境美.黑龙江现代建筑,2014(14).
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高等艺术设计教育要顺应经济全球化的大趋势,突出专业特色、提高应用能力,着重培养学生的创新思维能力、视觉艺术感受力及表现能力.强调设计文化的重要性。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文,供大家参考。
摘要:
商品包装体现了企业、产品的形象,现代包装艺术设计除了保护产品安全流通之外,还要对产品进行宣传。在现代包装设计中赋予鲜明的地域文化,可以吸引消费者的注意,从而达到营销的目的。因此,地域文化在现代包装设计中逐渐被广泛运用。本文简要的探讨了地域文化对现代包装艺术设计的影响。
关键词:地域文化,现代包装艺术设计,影响,消费
随着工业技术的发展,越来越多的产品出现在消费者的面前。包装作为产品流通过程中的重要环节,除了要保证产品安全运输销售之外,还要促进产品的营销。产品包装的成本、环保、吸引力等因素,决定了现代包装艺术设计水平的高低。如何合理运用地域文化来塑造产品形象,让现代包装成为沟通企业和消费者的重要桥梁,是当下包装设计师应注意的问题。
一、地域文化与现代包装艺术设计
1、地域文化的概念
由于的不同自然环境条件和社会环境条件的影响,人类在发展的过程中,不同地域、不同民族有其独有的语言、习俗、审美、文化等等,我们将其称之为地域文化。地域文化是地区发展的过程中文化的积累和沉淀,它是特定区域内人文与环境的结合,对地区的发展有着传承的作用。
2、现代包装艺术设计的概念
现代包装设计以确保产品的安全流通、促进产品的营销为目的,通过图像、色彩、形体、文化、材料等手段来制作产品的包装。现代包装主要分为工业包装和商业包装两种,产品的工业包装主要是为确保产品的安全运输,产品的商业包装主要以吸引客户消费为目的。作为一个复杂的专业设计概念的现代包装艺术设计,是产品流通销售中的最后一个环节,也是最重要的一个环节,现代包装设计水平的高低,关系着产品能否吸引消费者去购买,更是一个企业、产品的形象。
3、地域文化与现代包装艺术设计的关系
文化与设计之间相互连接、相互作用,设计是文化的体现,而文化是设计表现的基本手段。现代包装设计是为了将保护产品的流通运输,突出产品的优点吸引消费者进行购买,达到产品销售的目的。随着社会经济的发展,越来越多的产品出现在消费者面前,单凭产品质量的优劣很难在产品竞争中脱颖而出,达到销售的目的。如何抓住消费者的购买需求,吸引消费者的注意力已经成为各个企业最关注的问题。将地域文化运用到现代包装设计中,把地域文化与现代防护技术相结合,形成独特的产品包装风格展现给消费者并区别于其他同类型产品,让消费者一目了然,使产品具有生活化、人性化、个性化、地域化等特征。此类型的包装更能吸引消费者的注意力,有利于产品的流通销售,实现企业的盈利。具有地域文化特色的产品包装,不仅能吸引消费者的购买欲望,更能传递产品形象和企业文化,得到消费者的认可,为产品以及企业日后的发展做了品牌的铺垫,满足消费者物质以及精神的双重需求。
二、地域文化在现代包装艺术设计的应用
地域文化在现代包装艺术设计中应用的原理设计师在设计产品包装时,可以通过材料的选择,准确表达出产品的地域文化或地方特色,在结合传统文化的同时,提倡创新精神,将传统地域文化与现代时尚元素相结合,设计出独一无二、易为现代消费者接受的产品包装。中国地域宽广,人口众多,五十六个民族以及各个地域都各有其独特的地域文化。包装设计师在设计产品包装时,要准确表达出产品的地域文化特色,让消费者直观的了解到产品的地域文化,满足消费者对包装的情感需求,并且要具有独特性、代表性,避免与市场上其他同类产品在企业文化信息上产生混淆,尤其是对于一些地域性的特产,更应注意这一点。以黄山头酒的包装为例,企业将其定位为楚文化第一酒,所以在产品的包装上,融入了大量的楚地文化。设计师将黄山头酒瓶身设计为编钟造型,外包装和瓶身的颜色选用了传统的中国红,将传统地域文化与现代防护技术完美结合。现今,黄山头酒已成为湖北酒业的代表,这与它在包装上的成功有着必然的关系。在包装产品的材料选择上,要结合产品本地的风俗习惯、产品特性,以凸显地域文化特征为目标,同时考虑材料制作的技术工艺、制作成本、是否环保等问题。其中,若同时能在包装用料上展示地域文化特征将会使产品更具有地域性。比如说,青岛的海产品包装时多在包装上印有大海,这与青岛临海的地域环境有关;景德镇的土产品多用瓷器样式来包装,这与景德镇瓷器在全国中有较大知名度有关;云南的过桥米线包装上多印有竹楼,这与云南的地域建筑文化有关。合理的选择材料还要考虑材料的成本,就像我们不能用景德镇的瓷器去包装海产品一样。现代包装艺术设计时要尽可能的把制作成本降低,保证产品正常运输流通和达到宣传目的的要求下,控制包装成本就可以降低产品的生产流通成本,更好的服务于民。现代包装设计应紧跟时代潮流,引领消费时尚。随着社会的快速发展,消费者的审美以及关注热点一直在不断变化,所以在设计产品包装时,要把握流行时尚,抓住消费者的心理,从而让产品顺利销售。在产品的包装形式上,现代包装艺术设计应准确的表达出产品的特性、用途,凸显产品的性质。以“老君眉”茶为例,如果消费者从包装上把“老君眉”茶误认为是玫瑰花茶,那么不管产品设计多么精良,包装多么华丽,没有准确的向消费者传递产品性质,就是一个失败的包装。另外在现代包装设计内容上,要注意不同的形象在不同地域、不同人群所表达的含义,结合消费者的风俗习惯以及消费需求等多方面因素来设计产品包装。如回族人不吃猪肉,对猪有忌讳,那么产品包装设计师在设计清真产品包装时就不能用猪的形象;如幼儿多喜欢卡通人物形象,所以在儿童的产品包装设计上可采用以漫画、插画等形式来表现。
三、地域文化在现代包装艺术设计中应用的现状
1、地域文化在现代包装艺术设计中各国应用现状
传统文化与现代防护技术相结合的现代包装设计,反映了一个地区、一个民族、一个国家独特的地域文化。我国产品包装设计师要更好地在产品包装设计中凸显我国独特的文化,展现和发扬中华民族独特的民族风貌,需借鉴国外先进的包装设计经验,取其精华,融合中华特色地域文化,将其应用在现代包装设计中。日本的现代包装设计一直是各国学习效仿的对象。首先,日本的包装提倡材料的环保性。日本是一个自然资源匮乏的岛国,为保护仅有的生态资源,国家大力倡导环保,所以我们在市场上看到的日本产品包装,大到空调、冰箱,小到毛巾、茶叶,大多都采用可回收的环保材料,这种绿色包装已成为日本现代包装设计的标志。其次,日本现代包装设计的严谨性也是我们要学习的地方。日本产品包装大多没有浮夸的造型,但无论何种产品都有着严谨性的结构和丰富的表现形式,包装材料虽然朴实,却能通过设计和精致的制作工艺实现高品质。最后,日本的产品包装不仅很好的融合了现代包装的设计语言,还能赋予包装浓郁地域传统文化。现在日本市场上的产品包装主要分为两大类,一种是具有国际时尚语言的包装,另一种是有着浓郁大和民族特色的日本传统包装。在日本传统包装设计中,日本包装设计师并不是生搬硬套的将日本传统文化用在产品包装上,而是融入现代时尚元素,让消费者一方面能从产品包装中领略到日本的地域文化,另一方面又让日本包装设计走在时尚的前沿,在发扬日本传统地域文化的同时,又使产品包装设计具有时代的特征。欧美的设计引领时尚的发展,欧美各国都有其独特的地域文化以及审美观点,所以在包装设计风格上各有不同。法国产品的包装展现了法式“浪漫”与“优雅”的包装风格,法国人浪漫的生活和情怀世界闻名。在法国,一个成功的包装设计必须具有浪漫元素,例如:法国娇兰,创立于1828年,187年来,法国娇兰为世人带来不断的惊喜,并在世界上同类的产品脱颖而出,成为世界顶级的化妆品牌,除了产品质量外,还与它的包装设计有关。对于娇兰而言,每一款产品都有着精致美丽的包装,其包装形式是展现产品灵魂的重要载体,是表达情绪,创造愉悦,彰显个性品味的体现。成功的包装设计必须考虑消费者的审美观点,法国娇兰的包装将法式的贵族气息和浪漫生活方式的融入到设计的美感中去,使产品的包装成为具有法国特色的时尚风格。德国的包装设计注重包装的严谨性,这与德意志民族严谨的工作和生活态度有着必不可分的联系。在德国,产品的包装设计更注重实用性,设计常以简练的文字、图形、色彩构成表达出产品的特性,形成了德式包装独有的极简风格。在包装结构设计上,德国人更注重对产品的保护,将审美与实用相结合。造型美观大方又注重实用性的德国现代包装设计,值得我们借鉴,提升我国产品包装设计的严谨性。美国是近年来迅速发展起来的资本主义国家,在多元化、多民族的美国倡导自由、轻松的设计理念,所以在包装设计上更注重表现形式的幽默感和人性化。美式的诙谐通过电影得到了有效的传播,变得通俗易懂,他们追求的是可以轻松、自由展现自我的生活方式,这一地域文化特征在包装设计上得到了完美的体现。如美国迪斯尼电影里卡通人物形象,受到全世界人民的喜爱,当消费者看到这些形象在产品包装上出现,会带给我们快乐的体验,并会对这一产品产生购买欲望,从而达到产品销售的目的。
2、地域文化在现代包装艺术设计中国内应用现状
中国地域广阔、民族众多,不同的地域、民族有着不用的地域文化,一个地区的地域文化是这个地区形象的展现。我国具有浓郁地域文化特色的产品包装实例有很多,在包装中添加地域文化元素,能更好地展现产品的特色以及当地的文化特征。例如水井坊世纪典藏酒的包装设计为例,在酒的内部设计上,瓶身造型为水井的形象,突出了水井坊的名称,酒瓶底座的包装材料为四川特有的乌木,突出了四川的地域文化特征。在酒的外部设计上,外部包装造型为古代编钟形象,且在外部包装材料选择上,采用了青铜合金,整个外部包装形象具有浓郁的中国传统文化特色。包装设计师在设计产品包装时,要根据产品的特性和消费者的审美需求,结合地域文化特征来设计包装。我们在学习国外先进的现代包装设计时,要取其精华弃其糟粕,不能全部按照别国的模式来设计中国特色产品的包装,应结合我国人民的审美观点,将中国地域文化体现到产品的包装设计上。
四、地域文化对现代包装艺术设计的影响
地域文化是一个特定区域发展的过程中人文与环境的积累沉淀。现代包装设计中色彩、图形、材料以及文化的运用,都深刻体现了地域文化对现代包装设计的影响。在现代包装设计中,色彩的运用是最醒目的体现。地域文化中,不同的色彩代表不同的含义,比如,红色在中国代表喜庆、温暖、祥和,过节团圆时中国人民都会张灯结彩,整个国家沉浸在红色的氛围中。但在欧洲国家,红色代表着恐怖、血腥,是不吉利的颜色。所以针对不同的地域文化,在设计产品包装时,要结合当地风俗、审美来进行包装色彩的选择。在现代包装设计中,图形的运用最能直观地展示产品形象。图形的设计包括企业形象设计以及包装上的图案设计,经典的图形设计可以使消费者更容易记住所要购买的产品品牌。比如,消费者对海尔最直观的印象就是两个小男孩的图形标志,在海尔的标志图形设计中加入剪纸等传统民间工艺的元素,能准确展示出中国地域文化。在现代包装设计中,包装材料的选择变得越来越重要。随着社会工业的发展,生态资源日渐匮乏,全世界都在倡导环保,倡导可持续的设计理念。设计师在选择包装材料时,既要考虑材料加工成本,又要考虑材料的安全性与环保性。合理的选择包装材料,能更好的突出地域特征,如云南的特产的包装材料多为竹子,云南省是我国乃至世界公认的竹类种质资源大省,用当地的竹子作为特产的包装既能体现云南的地域文化,又符合人们提倡的环保主题。在现代包装设计中,文化元素的融入更能引起消费者的共鸣。中国传统文化讲究道德、正统、稳重,所以中国人较含蓄、沉稳。西方文化讲究自由、浪漫、平等,所以西方的设计热情且富有创造力。产品包装设计师需要利用地域文化的侧重点,设计出具有地域特点的产品包装,引起消费者的共鸣。
五、结语
地域文化可以通过色彩、图形、材料等方面融入现代包装设计。在我国,产品的包装设计不仅起到保护产品的作用,更应该结合时代传承和弘扬中华优秀传统文化和美学精神。中国特色产品的包装还应肩负起活化传统工艺与地方产业的使命,包装设计需将传统工艺与新材料、新技术相结合,研发出具有中国特色、符合现代人审美的包装。
参考文献
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摘要:目前,很多行业采用了数字科技技术模式,比如,环境艺术设计借助数字科技的数据分析功能,可调节设计方案的参数,还可借助新原材料的模型搭建来保证建筑和室内设计的安全性。因此,就数字科技对环境艺术设计的影响进行了分析。
关键词:数字科技;信息技术;环境艺术设计;3D软件
数字科技是基于信息技术的数字处理模式。由于其采用的是二进制编码,对其调取后会发现大量的“0”与“1”的排列组合,因此,将其命名为数字科技。在应用方面,数字科技并非特定的技术模式,其可对任何数据进行转化和处理,可用于各类生产和设计行业,除了本文所研究的环境艺术设计的建筑领域外,还包括工程、电子信息科技、生物技术等领域;数字科技具有模型化的管理能力,可借助3D软件制作设计模型,并在计算机中调节模型的参数,从而达到最优化配置,这样不仅有效解决了人力试验效率低下的问题,还有效避免了误差的产生,特别是一些专业的软件具有的自动检测和报错功能,可为使用者提供数据模型创建的合理建议。因此,鉴于数字科技自身强大的功能,以下对数字科技引入环境艺术设计中的影响进行分析,以期为环境艺术设计的发展提供帮助。
1数字科技对环境艺术设计行业的影响
数字科技的出现,使人类的生活和生产方式发生了很大的改变。对于环境艺术设计领域而言,这种改变具体表现在以下3方面:①设计效率的提升。计算机对设计的管理比设计师在图纸上的管理更加便捷。②满足个性化需求能力的提升。以往,设计者无法兼顾业主的所有需求,进而引发了业主与设计师、委托公司的矛盾;而在数字科技的帮助下,设计师能兼顾各种相关信息。③数字科技和网络化的实现,开拓了环境艺术的设计视野,使设计师能跟上时代发展的潮流,接触更多的世界级作品,这对于设计师的个人发展及其在设计领域的持久生存都有着不可忽视的意义。
1.1促进了环境艺术设计的发展
数字科技的核心能力在于对信息的处理,而环境艺术设计也可被看作信息的整合过程。这是因为在建筑和装修设计中,设计者主要负责构图和材料的选择,而构图是一种可转化为数字处理的信息模式,在电脑上构图不仅可提升设计效率,还能节约设计成本;材料选择的关键在于材料比例的设置,在计算机出现前,人们只能不断地搅拌原材料,并进行搭建试验,历经数千年后才找到相对完善和适合各类企业特征的材料应用方式,但随着时代的发展,以往的材料已逐渐被替代,对于新型材料的应用而言,再以长时间的试验方式寻求合适的比例,显然已不适合时代发展的需求。而在数字科技出现后,采用数字化调解和模拟的方式可有效解决材料的比例问题,且能帮助设计者找到不同气候环境下材料性能的差异,从而有效提升建筑的坚固程度。
1.2提高了环境艺术设计的效率
数字科技的表现力较为强,可展现语言、图形、文字和影像等,使设计者可以更好地调节色彩、光影、材质等效果,且在固定模型的帮助下,可借用对比手段优化新采纳的元素;可有效提升设计的艺术性。以往,设计师只能在纸上构图,其设计理念基于平面展开,在实践过程中可能会遇到平面与立体的转化问题,进而导致设计师需要消耗较长的时间设计;但依靠数字科技可直接立体设计,不仅减少了模式转化过程中的烦琐程序,还能保证整体艺术的输出效果。对于环境契合性而言,近年来,建筑设计正在向环境友好型发展,需要建筑设计师契合环境,以不破坏环境的设计理念设计建筑,且人们对建筑有审美需求,因此,在兼顾两者的过程中,设计师必须花费大量的时间;但采用数字科技后,可提前通过3D拍摄方法,将周边环境设置成设计背景,从而有效地融合建筑与自然环境。
1.3提升了环境艺术设计的市场竞争力
环境艺术设计虽然是一种与人类健康发展契合性较高的设计模式,但因设计过程烦琐、建设难度较大,导致其一直不受市场欢迎,加之环境艺术设计的自我要求较高、内容不断丰富,削弱了其在市场中的竞争能力。但对于我国当前的设计领域而言,正缺乏这样的健康设计理念,因此,环境艺术设计不仅不应被淘汰,反而需要得到有效发展。而借助数字科技,可提升环境艺术设计的效率,并结合市场需求提升公众审美的契合性,从而使环境艺术设计得到更多人的关注。此外,数字科技还能帮助环境艺术设计建立模板式的工作方法,即通过程序将可借用的元素与设计需求相结合,实现整体输出的设计雇佣模式,从而更好地提高服务效率。
2结束语
时代的发展必然会为人类带来改变,但很多领域却无法有效地与时代契合,本文所研究的环境艺术设计便是其中之一。因此,笔者探讨了当前提升行业发展效率最有效的数字科技,以期借助其丰富的功能,促进环境艺术设计的发展,从而提升整个建筑设计领域的水平。
参考文献
[1]陈健,张雪青.数字科技发展对环境艺术设计的影响[J].同济大学学报(社会科学版),2011(06).
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[3]侯艳辉,孟繁博.数字媒体与环境艺术设计结合中的关键问题分析与解决[J].美术教育研究,2015(02).
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所谓艺术教育,从狭义上说就是通过有关艺术设计基本理论、基本知识的传授,通过艺术设计能力、设计意识的培养,通过艺术设计方法、设计技能的训练,培养具备创新素质与持续发展能力。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计专业毕业论文,供大家参考。
摘要:随着经济水平的不断提升,环境质量发生了重大的改变,环境的破坏和污染给人们的生活带来了不利的影响。为了寻求对环境的改善,对环境艺术的设计引起了人们的关注。环境艺术设计的生态性研究主要是指通过对改善和创新的方式对环境艺术进行设计,来减少对环境的破坏和造成的不利影响。
关键词:环境艺术;生态性;安全性;舒适性
生态性在不同行业有着不同的看法,环境艺术设计的生态理念是指人们需要遵守自然界本身的发展规律和自然原则,对人们居住的环境和住房的构造进行艺术性的设计。但当今的环境受到了不同程度的破坏,所以大部分地区都应该加入到保护环境中来,应清楚地认识到环境对于人们生活的重要性。所以生态理念在环境设计中的运用中已经成为当前社会发展的需要,人们应该改变传统的设计观念,把生态理念融入到环境艺术设计中来。
一、环境艺术设计的生态性内涵
生态设计主要是指通过绿色设计的方式或者生命周期的设计理念来实现环境艺术的设计。在设计过程中应该结合当地的地理环境,为了减少对环境的危害程度,在设计过程中坚持持续发展的循环观念。要想实现生态在环境设计中的良好应用,必须要遵循以下几个方面的内容。首先,应该考虑到人的本性,环境艺术的根本任务主要是实现为人们服务的功能,通过对环境的设计来提高人们的物质条件和精神生活。主要实施的内容是在设计中找到设计理念和自然环境的融合,在满足人们日常生活需要的情况下,来实现对环境的保护功能。其次,在进行设计时,需要保持设计理念的整体性,环境艺术设计应该以保护环境为基本出发点,能够为人们提供良好的环境保护意识1。
二、生态理念在环境艺术设计中遵循的原则
(一)自然性原则
遵循自然性的原则是生态理念在环境艺术设计中的重要原则,如果设计师在进行环境雕琢中只注重展现虚实的美,那就导致设计结果的偏离,不能很好地体现出最自然的状态,偏离了设计的初衷。所以,应该在环境艺术设计中融入自然的特性,与自然进行相互协调和亲近自然的感觉,实现艺术的美感。
(二)生态性原则
生态性主要需要遵循的是源于自然和体现自然的生态规律。设计的灵感来源于自然,应该充分理解大自然所展现出来的生态性能,结合自然的固有规律,进行环保的建筑设计,使设计融入到自然环境之中,领悟大自然的美丽,促进人与人之间的协调和融洽。
(三)艺术性原则
在进行环境艺术设计中,设计者应该根据当地的地理环境和生态环境来进行设计的构造,这样的环境具有较强的艺术性能和强大的感染力,在人们的生活中发挥一定的作用2。
三、生态理念在环境设计中的应用
(一)社会性设计策略
环境艺术设计中的社会性设计主要是指在进行作品设计中,应该遵循社会性和生态性的功能,不要盲目进行艺术化的追求。当前社会的环境意识不容乐观,所以设计师应该结合目前社会发展的现状,以人们的生活方式上和文化模式作为设计的原则,设计出更多能够满足人们需要的作品。在现代社会中,有一些设计人员为了追求设计效果忽略了生态环境,对环境造成了极大的危害。所以人们应该追求一种人与自然平衡的状态,来实现设计者的设计目标,对环境起到保护的作用。例如,当今有一些企业或者电视台在举办活动时,盲目的进行活动效果的追求,使用大量的彩灯和灯光效果,对电能资源却造成了很大的浪费,不符合社会性的设计理念。
(二)安全性设计策略
环境艺术中的安全性设计主要是指设计师在进行设计时应该考虑到人身的安全和自然的安全。人的安全主要表现为环境艺术的设计应该坚持满足人们的需要和提高物质生活条件为前提,注重人身的安全。如果在设计中存在安全漏洞的方面,这种作品将不能称之为好的作品。自然安全主要表现为设计者在设计过程中应该运用周围的环境来进行艺术创造,选择自然的环境作为创作背景,坚持造型以牢固为主的原则,尽量使用可以回收或者方便拆卸的材料。例如,在小区环境设计中,一些景观的设计通常会与停车场形成空间的重叠,所以就导致安全隐患的发生。所以设计人们在设计过程中,一定要考虑安全方面的因素,设计出安全性能高的作品。
(三)舒适性设计策略
进行环境设计最主要的出发点是为了设计出人们更加舒适的环境,来满足人们日常的需求,使人们的心情得到充分的放松,丰富人们的审美能力。例如,设计师在住宅上通过运用玻璃的形式,来保障充足的光照。在屋顶上安装太阳能进行热水的使用,在房屋建造中使用无毒的材料,在屋顶和墙壁上进行保温处理等,这些方法的运用都体现出了舒适性的设计原则。在设计中不仅满足了人们对艺术化的追求,并且极大地促进了对资源的使用效率,促进了环境的保护,实现了环境艺术设计与生态的融合3。
四、结语
随着经济的不断发展,社会生产力得到了极大的提高。但是在创造财富时,无形中给环境造成了一定的污染,生态环境恶化,资源短缺已经成为影响当前社会发展的主要因素。所以,为了实现可持续发展,实现人与自然的和谐,应该在追求环境保护过程中,运用生态性的理念来实现环境艺术的设计。要注重体现环境的生态性能,满足人们审美的同时,实现对自然的保护。
注释:
1.熊珂.解析思维方式对环境艺术设计的导向性[J].现代装饰:理论,2013(12):209.
2.伍迪.装置艺术在城市景观设计中的互动性应用研究[D].东华大学,2014.
3.李延俊.河西走廊传统生土民居生态经验及再生设计研究[D].西安建筑科技大学,2009.
摘要:微观科学基于对建筑设计领域的探究,启发借助科技在微观环境下的各种形态的艺术创作,将微观科学中的特殊形态和建筑设计的思维相互结合穿插,提供创新的设计理念。观察思考微观景象来启发和影响建筑艺术设计。
关键词:微观科学;建筑设计;艺术创作;创新
一、建筑艺术中微观设计创意产生的来源
微观科学研究将以前肉眼不易感知到的微观世界的形态、色彩、功能、结构展现在人们面前,给人耳目一新的感觉,促使人们从微观世界各种形态中寻找素材、获取创意,运用于室内装饰家居用品、绘画创作、摄影从事艺术创作。可以说微观科学的发展为艺术创作提供了新的思想、新的原理、新的方法和新的途径,当前微观科学研究成果应用于艺术领域已是一种趋势。目前中国的建筑行业都在蓬勃发展,而微观艺术世界中这些微观的分子结构则正是(建筑室内外)最具创新性与可塑性的良好设计素材。通过微观科学机构中个体的形态,结构变形,有机的排列组合,生成一个较为具象的二维图形,再将二维图像升华到立体的三维空间的一个发展过程。在实际造型的设计过程中,将重点研究下列几个方面的元素:微观世界艺术中的微观物质(离子•分子•单晶体•类细胞机理•微生物机理•几何学原理),相关文献的记载,空间设计中的实际案例。通过研究上述这些方面,找到一些规律。综合平面设计,空间设计等方面理论进行新的设计探讨研究。
二、微观形态设计在建筑艺术设计中的应用方法
(一)微观形态的结构特征,可以最简单的划分为以下这三类的微观组织结构:
1.动植物的微观结构和组织。
2.微生物种类繁多,至少有十万种以上,按其结构、化学组成及生活习性等差异可分成三大类:
(1)真核细胞型微生,真菌属于此类型微生物。
(2)原核细胞型微生物。
(3)非细胞型微生物。
3.自然形态中的微观结构和组织。
(二)微观形态特征的主观认识
1.微观形态的美感认识:人类在历史长河中所培养出的视觉体验。而今已然作为大众评判事物的标准。
2.微观形态的意象认知:微观形态有着自己的多样性和随机性,而当我们把自己的主观认识安放在这些形态上其所标到的内涵又有了新的意义。这种人的意识其实是对某种物的转移,微观形态本身不具有意象,当人们通过各种解读从而让他有了意象。如下图所示,不同的形态会给人以不同的心理感受,当然这归结于人的意向认知。可以说,微观形态所带给建筑的启示也是依附于人的自我感官及审美能力范畴,最关键的是其自我的微观形态认知意识。
三、微观科学建筑案例分析
我们对微观科学中的系统的认知最基本的主要是理解微观形态给予人的视觉形式。有些是人的肉眼所能直观看到的,而另一种则是需要科学仪器设备来呈现出来。可把这两种形式称作大微观和小微观。大微观(及人眼所见的微观形态):
1.鸟巢体育馆。
2.蜘蛛网形态演变出的蒙特利尔博览会德国馆肥皂泡,这也是生活中最常见的可见形态,水立方也是很好的利用了这种形式。小微观(需要设备仪器所见的微观形态):
1).马鞍藻。
2).细胞骨架。
3).细胞质基质。
4).植物细胞。这些生物体形态在设备的研究下所获取的结构可作为建筑设计素材。在建筑艺术中借鉴微观科学发现的事物形态进行建筑设计,只要比现存的建筑具有优越性,值得设计师借鉴的微观科学发现的物质形态都属于微观形态设计的范畴。案例1细胞分裂与水立方建筑案例:北京奥运会设计的水立方——国家游泳中心。水立方是一个关于水的建筑,水是一个建筑的魂。设计的中心就是引入中国传统理念“上善若水”的思想内涵。为了体现这一理念,建筑师配合鸟巢的形式为场馆设计了一个方行盒子,其中布满了类似细胞分裂的多元化几何形结构。在微观结构中,肥皂泡沫的结构造型与水立方所呈现出来的不规则多边形结构高度的统一。而在微观图形意向中,泡沫的模仿度极高,它在生成堆积排列的过程给予水立方相同的衍生模式,在建筑群体中能到很高的辨识度。很容易让观者第一时间联想到泡沫的缩影。案例2自然中的鸟巢与北京鸟巢体育公园建筑案例:自然形态中的微观鸟巢的结构性形态,通过架构的变形衍生出了新的形式。单体的树枝架构通过了有序的堆积排列形成了非常稳定的结构。从而演变出了新的建筑案例。案例3蜘蛛网与蒙特利尔博览会德国馆:从微观形象中所提取的元素模仿的是蜘蛛网的造型模式,由弗雷•奥托设计的德国馆第一次创造性地大规模成功应用了支撑膜结构技术。发散的造型取自平常我们很难注意的蜘蛛网,当这种微观的结构放大以后自然而然就更加稳定的与建筑空间所联系起来,所谓支撑膜结构实际上就是帐篷的放大,使得帐篷做的足够大且耐用。案例3马鞍藻与伦敦奥与会水上运动中心建筑案例:马鞍藻的犹如马鞍的形状,在微观镜像中的马鞍藻两头翅起,美感十足,如今的许多体育场馆也有相类似形象,因为造型的美观,结构之坚固这种常规的手法已经广泛应用。建筑师扎哈•哈迪德设计的伦敦奥运会水上运动中心在屋顶呈现出拉升扭曲状的另一个目的是为了应对气候变化,各种恶劣天气等对屋顶和运动中心所造成的二次伤害。场馆两翼的翘起与马安藻的外形结构神似。而这一发现也是对微观镜像中马安藻的结构形态的研究所得出的结论。案例4细胞骨架与PRADA旗舰店:要提到就是关于细胞骨架与服装店内部装饰立面墙的结构分析。洛杉矶新旗舰店的店中可以看到一面穿孔式的伪立面墙。它所运用的的结构模式与细胞骨架的结构类似。细胞骨架结构是真核细胞中的蛋白纤维网络结构。这种需要在电镜显微镜下所看到的细胞结构呈现出多孔均匀分布的排列结构。将这种特别的形式通过展开以后所得到的艺术效果远远大于其本身。微观世界中的某些镜像不仅仅对于建筑来说有着仿生和设计意义。若是把这种形式带入到室内空间中也可以成为另一种表现形式。案例5细胞质基质与台中大剧院建筑案例:台中大剧院用机的结构形式,对细胞的结构变化的利用引到了一个新的设计方法路线。它对于细胞质基质的模拟是以分层次的结构形式。细胞质的没一个层都是建筑师对于功能区域划分细化,所以细胞内部的机体组织对在建筑功能场所、形态、空间组织上对建筑的设计有着特殊的实践含义。以上的建筑案例是比较突出的利用了微观形态来对建筑的改造所获得的实例,不管是外立面亦是建筑的整体外形都有了不一样的体验和感受。
四、微观科学在建筑设计中的应用研究意义
1.微观科学在艺术领域的应用为当今国内空间的设计提供了一种选择,一种设计依据,不论是设计思想,还是空间的形态、功能的组织、参数化的设计等,空间的设计不再是模仿,抄袭,没有新意的重复。
2.正对目前我国大多数盲目追求奇异形式与参数化的空间设计的行为提出不同理念,极度缺乏的想象思维。而微观科学在艺术领域的应用能为空间设计提供合理的形式与规则的模板。
3.在复杂性、智能化、可持续等影响下,未来的空间设计将走向非线性、智能、可持续,微观科学的艺术应用成为了其中的一种可能。
4.本文对论题的研究并非最终结论。微观科学中的微观物质繁多形态、复杂机体种类繁多,随着研究的深入,以及不同的设计师(建筑师)的其它解读和设计,更多类型的微观科学物质还会为艺术领域提供更好的设计作品。
参考文献:
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[6]王洁,翁智伟.从细胞凋亡看建筑弱化[J].华中建筑,2008(10).
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我国现代艺术设计教育从20世纪80年初引进以设计理论、设计表现、设计思维三大构成为基础的包豪斯式的现代艺术设计教育模式,标志着中国现代艺术设计教育改革的开端。下面是读文网小编为大家整理的艺术设计毕业论文,供大家参考。
【内容摘要】
随着国民经济的快速发展,我国教育事业面临着新的机遇与挑战。高校艺术设计教育作为我国教育事业的重要组成部分,发挥着十分重要的作用,必须予以高度重视。在社会发展的过程中,高校艺术设计教育也在不断变化,要想促进艺术设计教育科学发展,需要重视创新策略的运用,以此提高教学水平,完成预期的教学目标。文章针对高校艺术设计教育的发展,提出了几点可行性建议。
【关键词】艺术设计专业 高校教育 教学方法 创新思维 教学模式
艺术设计专业是集艺术与科学于一体的学科,具有跨学科性和集成性特点。艺术设计教育不仅是传统技法的教育,也是创造性地开发智慧与想象力的综合性教育。①特别是在信息技术高度发达的今天,高校艺术设计专业教学一定要重视创新教育,努力培养出高素质、高水平的创新人才,以满足社会发展的需要。下面本文提出几点高校艺术设计专业教学改革的建议,以期促进高校艺术设计教育的发展。
一、提高教师的专业水平与教学能力
艺术设计专业是我国高等教育中的一门新兴学科,具有很强的时代性,要求艺术设计专业教师必须不断提高自身的专业水平,以保证所掌握的理论知识与社会同步,能够满足教学需要。相较于其他专业而言,艺术设计专业的知识更新速度更快。因此,需要教师及时更新相应的理论知识。高校艺术设计教育一定要重视教师培训,有效提高其专业水平与教学能力,以保证教学全面展开,并且能够与时俱进;同时,支持教师对艺术设计领域展开深入研究,以便更加透彻地理解专业知识,从而可以在教学中更好地传授给学生,有效提高教学质量。在此过程中,高校还需要有效拓展教师的知识面、提高其文化素养、增强创新意识,以此实现创新教学。
二、创新课程体系
高校艺术设计教育中,要想培养学生的创造能力与创新思维,需要重视教学内容与课程设置。我国艺术设计教育的发展时间较短,学科设置与教育思想大部分是借鉴西方教学经验,忽视了西方艺术设计教育体系并不符合我国艺术设计教育发展的实际情况,影响了教学效果。因此,高校艺术设计教育在课程设置与教学内容方面,需要在借鉴西方教学经验的同时,结合自身的实际情况予以适当的调整与创新,以此满足实际教学需求。高校艺术设计教育必须从突出办学特色、科学发展的角度出发,明确办学目标,结合办学理念构建课程体系,并根据专业需求对教学内容予以确定。②在课程安排上,需重视基础理论教学,并且结合一些其他学科的相关课程内容,充分实现课程体系的创造性、科学性与综合性,同时考虑到可操作性,确保教学内容全面落实。此外,应重视选择优质教材、设置精品课程,保证教学内容不仅广泛,还要新颖、有深度,以此提高教学质量,从而培养出复合型专业人才。从专业角度来说,高校艺术设计教育应具有较强的适应性与较宽泛的基础。学生在学习过程中,可以根据市场需求选择相应的课程,为就业、创业奠定坚实的基础。高校艺术设计教育不应局限于校园内,而应面向时代发展的需求,培养学生的学习能力,使其能够根据实践工作需求不断更新专业理论知识,以此提高专业水平,从而更好地适应社会。
三、采用多种教学方法,开发学生的创新思维
在高校艺术设计教育中,教学方法是保证课程体系全面落实的基石,也是培养学生个性化发展的主要途径。首先,在实际教学中,一定要重视对学生创新能力的培养,采用多种教学方法,激发学生学习的兴趣与积极性,以此取得良好的教学效果。其次,根据不同的课程阶段与特点,教师应灵活利用现场教学、项目教学、案例教学、探究式教学、讨论式教学等多种方法,充分展现学生的主体地位,培养学生的创新精神与学习能力,以实现预期的教学目标。最后,在实际教学中,教师一定要鼓励学生进行独立思考,学会质疑、释疑、解疑,全方位引导学生进行多角度的分析,从而有效解决问题,提高教学效果。
四、运用工作室制教学模式
高校艺术设计教育中,工作室制教学模式同时为教师与学生提供了教学与学习实践的环境,并且教学环境是开放式的,更加重视对应用型专业人才的培养。通过产、学、研、用一体化教学活动的开展,可以有效促进专业与产业的发展,实现教师专业水平与实践技能的双向提高,有效增强教师的综合素质;对学生而言,工作室制教学模式为学生提供了实践平台,以此调动学生学习的兴趣与积极性,培养与提高学生的专业技能,使其更加适应工作岗位的需求。③在实际教学中,工作室制教学模式是在各学校党委的指导下构建的,具有机构完善、制度规范、职责清晰的特点,对外服务与宣传也比较到位,能够承揽一些课题项目,如学科竞赛创作、毕业设计、企业项目研究等。工作室制教学模式不仅可以为学生实践提供平台,培养其实践动手能力,还可以充分激发学习的积极性与热情,有助于实现高校艺术设计教育的教学目标。
五、突出艺术设计教育特色
高校艺术设计教育必须要明确培养目标,突出办学特色。一方面,培养学生的审美能力,这是课程教学的重点内容;另一方面,培养学生的思维能力与表现能力,促使其全面发展。因此,在实际教学中,高校必须对艺术设计教育目标与特色进行深入探讨,在明确专业发展方向的基础上,加大对教育广度与深度的研究,以此建立特色教育,突出办学优势,以便于学生更快、更好地适应社会发展。此外,高校艺术设计教育需要加强对地域文化的挖掘与整理吸收,对当地的文化研究成果予以整理,明确特色教学体系,加强传统元素与现代文化的结合,突出文化内涵与办学特色,以此提高教学效果,这也是突出高校特色教育的主要方式。
结语
综上所述,随着时代的不断发展,高校艺术设计教育必须在实践过程中不断探索创新,结合实际情况,采取合理、有效的教学措施,以提高教学效果。同时,在实际教学中,教师一定要重视对西方先进教学经验的借鉴,结合本校的艺术设计教育发展情况,采用恰当的教学方法,提高学生的综合素质与创新能力,从而培养出符合社会需求的复合型专业人才。
注释:
①李晓帆.关于高校艺术设计人才培养的教育创新策略研究[J].美术教育研究,2013(8):45.
②章一而.实现我国高校艺术设计教育创新发展的途径与方法[J].佳木斯教育学院学报,2011(1):163,180.
③陈高雅.高校艺术设计教育创新模式探索[J].产业与科技论坛,2015(14):157-158.
【摘要】
目前,我国经济发展速度很快,极大地推动了我国城市化进程。在这样的环境下,本文分析了环境艺术设计的定义以及其发展中的问题,并提出了环境艺术设计发展过程中的问题是高校人才培养中的不足,并详细的分析了三类高校在该学科教育上存在的问题。
【关键词】美学;实践;施工
当前,我国每年建造大量的房屋,城市化进程加快,环境艺术设计这个专业得到了很大的发展。因此,对环境艺术设计人才的素质及能力的培养显得至关重要。只有高校的环境艺术设计专业的教育取的进步,才能更好的培养出数量多的,质量高的,并且能够符合社会要求的高素质设计人才。
一、环境艺术设计的定义以及发展
(一)环境艺术设计的定义
环境艺术设计本意为人居环境设计,既为人们居住空间环境进行设计和规划的学科,可以分为室外环境设计(景观设计)和室内建筑设计。中国环境艺术设计专业的创立始于20世纪60年代,当时由于中国经济和生产力刚开始发展,以及在当时的背景下需要一定的室内设计人才,中央工艺美院率先开设了室内设计专业。20世纪70年代,随着城镇化进程速度的加快,为适应社会需要,中央工艺美院的室内设计专业率先改为环境艺术设计专业,教学范围从室内设计走向了室外环境设计。正是在此时,我国正式的将环境艺术设计作为一门学科创立出来。
(二)环境艺术设计的发展
20世纪70年代,在改革开放政策实施的背景下,我国综合国力迅速增强,经济快速发展,国民生活水平迅速提高。由于这样的快速发展,推动了城市化的发展,大量的房屋开始在城市建造。因此,在市场上需要大量的室内设计师来装修房子从而满足人的居住需求,这使得环境艺术设计得到了迅速发展。进入21新世纪以来,在人们的物质需求日益增长的环境下,环境艺术设计得到了迅速的发展,最明显的变化体现在社会市场和教育这两个方面。在市场层面上:建筑装饰及室内环境艺术设计行业工程年总产值从2000年的5500亿元,到2006年已达1.15万亿元,占全国国内生产总值的GDP的6%左右。目前,在国内的一般的地级市,装饰公司和景观设计公司的数量总和大概维持在250家左右,简言之,从事环境艺术设计的工作人员可谓是数量众多,并且在设计领域占了主导地位。在教育层面上:20世界70年代,在国内高校中,环境艺术设计这门学科从刚开始只有中央工艺美院开设,然而到了21世纪,据不完全统计,国内设立环境艺术设计以及相关专业的院校将近有400所左右,绝大多数高校都开设了环艺这个专业。
二、开设环境艺术设计这门学科的不同类型的高校
目前,在我们国内开设环境艺术设计这门学科以及其相关专业的,数量上大概有400所左右,然而分其专业开设的学校属性和类别,大体上可以分为三类。其一是美术类院校,美术院校(美院)的艺术设计专业分出去了一部分师资力量成立了环境艺术设计专业,因此环境艺术设计成为了设计类的第一大专业。另一方面,由于很多高校要发展成综合性大学,旨在建立很多的专业和学科,比如我们熟知的985类综合顶尖大学,这些学校相继开设美术专业,又增加环境艺术设计系,从而完成综合性大学的建设任务。其二是建筑老牌工科院校开设环境艺术设计专业,比如:同济大学建筑学院开设室内设计,重庆大学建筑学院开设室内设计。其三是园林院校开设环境艺术设计,如北京林业大学,南京林业大学等。这类的院校主要把环境艺术设计中的室外环境设计(景观和园林)作为主要的教学目标,培养了大批景观设计的人才。
三、高校环境艺术设计的教学中存在的问题
(一)环境艺术设计发展存在的问题是教育上存在的缺陷
目前,虽然环境艺术设计迅速发展,但是其中出现了很多问题。在全国建筑工程装饰奖颁奖大会上,建设部副部长刘志峰谈到装饰行业言道:“市场秩序混乱、缺乏诚信意识和服务意识、科技创新能力低、设计和施工总体水平低、劳动生产率低等问题。”其中所提到的设计和施工总体水平低下问题与人才的培养有着紧密的联系,亦或者可以言设计和施工以及创新是大多数环境艺术设计工作人员所缺乏的,这与高校的设计人才培养有着紧密的联系。概而论之,是由于高校的教育培养上的问题才导致了上述的一些设计装饰行业的问题。
(二)开设环境艺术设计的不同类型的高校存在的问题
美院开设环境艺术设计这个专业是基于其院校本质是艺术类院校,而环境艺术设计这门学科属于艺术的范畴,因此其开设环艺这个专业。美院开设的课程大多数是从美术这个角度出发的,大一大二的基础课一般会开设美术基础课。专业课开设理论方向的课程,比如:室内设计原理、中外建筑史、室内设计色彩、建筑装饰构造、CAD制图、PS等课程。美院的环艺教学很偏向艺术性,这样的教学模式很容易培养学生良好的造型能力和设计形体能力。美院老师都是学艺术出身,在美术及设计美感教育中有一定水平与能力,培养出来的学生很有设计和艺术的灵性。然而,环境艺术设计是一门交叉性极其强学科,其涉及的面非常的宽广,需要对材料和施工以及人体工程学非常的了解才能顺利的完成一个项目。美院的老师缺乏对理科知识的学习与实践,在教学活动中不能结合工科特点进行授课。此外,美术院校的环境艺术设计专业的学生高考的时候都是艺术生,文化课基本功较之美术基础比较一般,理工科的知识掌握的不是很足够,在这样的条件下,学生只能偏向艺术性的发展,并且养成了随意的习惯,因此在工作的时候,经常会在其作品中体现图纸制图不严谨、构造、尺寸不科学等缺陷。建筑学院的环境艺术设计专业,一般设在建筑学里面。其侧重于建筑工程内部的室内设计能力培养,旨在研究建筑内部功能的规律并且研究建筑的内部构造和装饰。在课程开设上,大一、大二的建筑学专业的设计室内学生会学习一些美术基础,比如色彩、素描、速写、建筑初步等。大三、大四学习中国建筑史、外国建筑史、建筑构造、室内设计陈设原理、室内设计基础等。就建筑学室内设计专业而言,我国把该学科设立在工科院校,招收理工类学生,美术课程只有大一阶段“蜻蜓点水”式的学习,大多数学生有着很好的理工科做项目的逻辑能力,但是其缺乏了美学的基础。在这样的背景下,学生们毕业后参加工作,成为了一个很严谨的画图机器,对项目的施工和构造也相当的了解,但是这类学生在其设计中会缺少创意,缺乏美感,不具备良好的造型设计能力,因此这类学生与社会要求还有一段距离。园林院校的环境艺术设计,一般设在园林系。其主要的培养方向是园林方向的人才。众所周知,环境艺术设计是指人居住的环境设计,包含了室内和室外,园林院校重点在于室外这个层面上。如北京林业大学园林系的环境艺术设计专业,大多数开设的是与景观和园林植物方面相关的课程,在课程设置上对绿化与园林工程比较侧重,这与环境艺术设计专业的原本的培养目标存在着差异。概而论之,上述三类高校的环境艺术设计都存在着不足,我国要想大力发展环境艺术设计,让建筑设计和景观设计以及室内设计取得较大的发展,必须大力的完善环境艺术设计以及相关专业的教育,从而才能从本质上改变环境艺术设计相关产业上出现的问题。简言之,设计是以人为主导,人是万物的尺度,只有从根本上改变“人”,才能很好的去完成“事”与“物”。
【参考文献】
[1]梁立民环境艺术设计教学的发展与思考[J].教育与职业,2006(14).
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电影作为当代视觉文化的重要载体,集合了人类数千年的优秀文化成果,蕴藏着丰富而深厚的文化内涵。下面是读文网小编为大家整理的有关电影文化论文,供大家参考。
摘要
美国文化人类学家EdwardT.Hall提出的“高低语境文化理论”被广泛地应用于跨文化交际与对比、传播学、文学、翻译、写作等领域的研究。近年来,一些国产影视作品在中国好评如潮,在北美市场反映却十分冷淡,这一现象令人深思。文章从高低语境文化理论的视角,探究中美观众对于中国电影截然不同观感背后的文化差异及其在跨文化传播中对不同受众理解力的影响,指出影视作品要想达到跨文化交际效果,必须在两种不同背景下的非语言交际文化上找到良好的契合。
关键词 高低语境文化理论;文化差异;非语言交际
一、引言
当今世界,经济全球化进程日趋加快。电影这种文化产品在激烈的国际竞争形势之下,能否占领市场,赢得观众的好评是一个严肃的问题。近年,一个引人深思的现象是一些中国电影在亚洲市场引起巨大轰动,在北美市场却遭受到了“闭门羹”,几乎没有一部影片取得超过500万美元的票房,单部影片在北美票房影响呈现出下降趋势。对此,国内外学者有各种各样的评说。笔者认为文化传播的表现形式,离不开场景语境(时间、地点、场合、境况……)和伴随语境(体态、眼神、风格、关系……),一些中国电影尝试进入国际市场的过程中,不能忽视语境话语模式对文化传播的影响,霍尔的高低语境文化理论,对于阐释中国电影在北美市场遇冷,未来如何走向国际市场,提供了一个崭新的视角。
二、霍尔高低语境文化理论
(一)高语境文化和低语境文化
美国文化人类学家EdwardT.Hall于1976年在其著作《超越文化》(BeyondCulture)中认为,人类交际(包括语言交际)要受到文化和语境的制约与影响。Hall在该书中提出“文化是人类生活的环境,人类生活的各个方面无不受文化的影响,并随文化的变化而变化”。[1]霍尔认为:“任何事物均可被赋予高、中、低语境的特征。高语境事物具有预先编排信息的特色,编排的绝大部分信息或存在于物质语境中,或内化于交际者个人,仅有微小部分存于编码清晰的信息中。低语境事物恰好相反,大部分信息处在传递的信息中,以便补充语境中丢失的部分(内在语境及外在语境)”。霍尔通过研究得出结论:“有着伟大而复杂文化的中国就处在天平的高语境一方,而美国文化只是偏向天平较低的一方”。[2]
(二)高低语境文化的交际性特征
M.W.Lustig和J.Koester[3]把HC和LC文化及交际的差别特征概括(cf.贾玉新[4])为8项。高语境文化主要依赖于人们思想预先设定的,先入为主的程序来传达信息,如许多不成文的传统习惯,不言而喻的价值观和社会普遍公认的行为模式;传达信息时并不完全依赖语言本身,因为交际者对其语言的局限性有充分的认识;交际信息以含蓄和暗码的方式来传递,要更多地借助语境衍生出来;人际关系紧密,但(圈)内(圈)外有别,反应很少外露。低语境文化恰恰相反,语言的作用突出,交际信息主要是通过语言以直白和明码的方式来传递,语言在交际中始终处于中心地位。人际关系不密切,(圈)内(圈)外灵活,反应外露。跨文化交际研究者WilliamB.Gudykurmt等[5]根据Hall的关于高低语境的解释,将12个不同文化的国家按从低语境到高语境的顺序排列依次为:瑞士、德国、斯堪的纳维亚、美国、法国、英国、意大利、西班牙、希腊、阿拉伯、中国和日本。西方很多国家,包括美国是低语境文化,语言是文化交际的主要渠道,交际信息是基于“谈话者—听话者”的直白和明码的方式来传递,交际语境只起到辅助的作用。而中国作为典型的高语境国家,在交际中,语境的重要性超乎寻常。东方人的语言编码模式是基于“作者—读者”的心领神会型。在典型的高语境文化中制作的中国电影凸显了高语境文化的特征,对于低语境文化的北美观众经常造成了巨大的观赏障碍,这成了影评极差,市场极冷的重要原因。在中国电影试图走入北美市场的过程中,不能忽视高低语境话语模式对文化传播的影响。
三、李安导演电影解读
《色戒》改编自著名作家张爱玲于1950年居于上海时所著的同名短篇小说。影片描述了一个畸形的舍身报国加爱情的悲剧故事。日伪时期,岭南大学迁至香港,大一学生王佳芝是学校话剧社的当家花旦,她的几个同学选定王佳芝施展美人计,要谋刺汪精卫的特务头子易先生。不料易先生突然返回上海,暗杀计划流产。三年后,地下工作者老吴得知王佳芝的情况,指示他们继续完成暗杀易先生的计划。王佳芝以“麦太太”的身份与易先生上演了一场民族大义和个人情欲激烈冲突的大戏。就在刺杀汉奸易先生即将成功的时候,王佳芝陷入了情网,使得易先生死里逃生,而王佳芝和她的几个同学却一起被易先生处决。《色戒》是李安继《断背山》后的冲“奥”大片,李安善于以独特的视角,营造出充满东方神韵的影视空间(旗袍、麻将等)。影片采用文本策略和范文本策略相结合的方式,找到了电影艺术与商业的结合点。强大的明星阵容,国际级的实力派演员,加上早已光环满身的大导演,以及报纸、杂志、广播、电视、网络等多种媒体的关注和炒作,影片的上映极为成功。不仅票房成绩傲人,而且斩获多项大奖,如第65届金球奖(2008),第27届香港电影金像奖(2008),第32届日本电影学院奖(2009),在第2届亚洲电影大奖(2008)评选中,除了梁朝伟和汤唯入围男女主角评选外,《色戒》共获得六项提名。与亚洲电影界的一片叫好声相比,该片在美国的影评普遍不佳。《纽约邮报》以单纯的“WAR,SEX,ZZ……”为影评的标题,认为该部影片只是战争和性的叠加,让人观看时昏昏欲睡,并且只给了1.5颗星的评价。《纽约时报》的影评人ManohlaDargis直言不讳地批评该影片“asleepy,mustyperioddramaaboutwartimemaneuversandbedroomcalisthenics”。[6]在亚洲人眼里这样一部精彩大片,有太多的细腻情节让人回味无穷。首先,主人公的姓名有很深的文化蕴含。易默成语出《易•系辞上》:“默而成之不言而信存乎德行”,合成为易(易经)默成。默成又是丁默邨和胡兰成两个真实事件中原型人物名字的合成。躬行不言默而成事,又是易的个性。而原著中的名字———佳芝呢?就是戒指的意思,在上海话里读音完全一样。影片借助于名片、签名、书房墨宝还有办公桌上的印章等非语言交际手段,共4次用“暗码”含蓄内隐地指向“易默成”,进而体会人物“躬行不言,默而成事”。梁朝伟饰演的易先生这个反面角色———代表民族背叛,阴冷忧郁,是一个抛弃者和背叛者。梁朝伟更多地借助于非语言交际去展现人物:苍白的面孔、油光的发型以及典型的那个年代的官员的走路姿势等。汤唯在影片中饰演王佳之这一角色,一开始,她是有抱负的爱国热血青年,打扮清纯。影片开场是化名为麦太太的王佳芝和几个汉奸太太打麻将的一组镜头,后来又有若干次这样的镜头。开场的麻将桌意境中,她是唯一没戴钻戒的女士。随着情节的发展,逐渐沦为大汉奸的情妇时,她脂粉味十足,到结局时戴着六克拉的钻戒。影片中借用传统的旗袍、高跟鞋、眼神和红唇把一个20世纪30年代的贵妇形象展现得栩栩如生。除了装扮,电影中的场景是非语言交际的主要手段,比如开场时打麻将的场景。虽然是大白天,但是四个女人却拉着帘子,通过阴暗的色调烘托出一种阴郁的氛围,在强烈灯光照耀下,四个女人的着装鲜明地体现着各自的身份,四个女人的眼神、动作以及短时间的沉默等非语言交际把麻将桌上尔虞我诈、心怀鬼胎等复杂的情感表现得淋漓尽致。影片43分钟时的另一个打麻将的场景,易先生加入了太太们“无声胜有声”的战斗中,随手打出一个七筒,王佳芝喊“吃”但是被易太太“碰”了;结果易先生再次打出一个七筒故意让王佳芝胡牌,这种暧昧的情绪借助于非语言交际,很好的得以表现。李安深谙在中国人的语言里,信息量不多,大部分信息隐含在语境之中。《色戒》这部影片借助许多不成文的传统习惯,不言而喻的价值观和社会普遍公认的行为模式,极其含蓄巧妙的传递了太多的信息,让中国观众觉得妙不可言;然而对于不懂东方文化的西方人会觉得冗长乏味,莫名其妙,一头雾水。影片中有一个麦太太和易先生3年后重逢的画面,麦太太给易先生带了些烟,说自己不知道易先生喜欢什么,易先生的回答是“人来了就好”,说话的时候伴随着转身的动作,使得语言模糊、晦涩。对应的影片字幕翻译成“你的到来就是最好的礼物”,语言十分明确。影片高潮部分,有一个片段,令人难忘:麦太太问易先生喜不喜欢她选的钻石,易先生的回答是“我对钻石不感兴趣,我只想看它戴在你的手上,”之后画面转到麦太太的时候,她出现了足足40秒的停顿,镜头在钻石和人物间不断切换,这种停顿我们称之为“语空”。低语境文化多依赖听觉本身的语言刺激,所以对这种停顿不能解读。
四、结语
目前,文化产业的地位越来越高,电影作为一种文化的表现手段,在跨文化传播中起着桥梁的作用,然而全球化带来的“文化一体性”的负面影响使美国文化处于文化传播的轴心。随着我国对文化产业的重视,许多文化企业欲漂洋过海、挥师西进,《色戒》《金陵十三钗》立足于奥斯卡就是一个典型的例子。虽然两部电影时隔4年,双双无缘冲击奥斯卡,从中我们可以看出在跨文化交际中存在的文化暗礁,特定的文化定势思维影响了不同受众对同一部影片的观感,造成了跨文化交际的障碍。“一切向好莱坞看齐”是中国电影界的口号,纵观中国电影近5年,一味的模仿和复制不可能受到西方媒体的青睐,更不用说冲击奥斯卡。如何更好的依赖跨文化主题的电影传播民族文化,寻找两种文化的契合点仍是国内同仁需要一致努力的方向。
参考文献
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中国电影文化软实力,现在主要依赖各个大导演的真实水平和才华,电影领导决策者的宏大气魄与科学的市场运转和开发,而是靠投机取巧赚得一些经济上的被宣传的“巨额”收入,即使这样,可以说依然是极少部分的影视经济实力的提高,而并非影视文化软实力的递增。中国电影的主要收入是靠三个取巧捷径:贺岁片、献礼片和进口片。一是以冯小刚、张艺谋为代表的各种贺岁片、节日片;一是靠社会主义祖国加强精神文明建设,歌颂伟大领袖和先进代表人物、英雄人物的政治献礼片,然后单位集体购票帮助观众接受和提高思想教育;最后,拉动中国电影经济增长的、占中国电影收入的大部分份额依然是依靠对国外的进口片。2011年,《金陵十三钗》《建党伟业》《辛亥革命》《郭明义》《龙门飞甲》《白蛇传说》《失恋33天》创造了国产片的主要票房。据报道,节假日档期浪漫喜剧影片《失恋33天》以不足千万的制作成本狂收逾3.5亿元的票房。④这都是相关的报道列出的丰硕成果,那么,这些被认为极为优秀的本土电影,到底获得了多少收入呢?准确的影视经济软实力到底有多大呢?无从得知。犹如前面所说,电影的软实力影响在于观众的接受,观众越多,影响层面越大。而那些由单位组织观众观看的优秀献礼歌颂影片,强行功能化与符号化的政治性作品,能不能提高国人的文化软实力水平?能不能让观众在热爱我们的党,伟大的社会主义祖国及对先进人物、英雄人物无限缅怀的同时,更有一种对生命、尊严、人类、人生的价值意义的思考和对人类性共同问题的普世价值的关注?政治宣传真能代替文化软实力的提升?
中国电影界研究者一直对电影文化软实力非常关注,并将中国电影文化软实力与美国电影、欧洲电影甚至亚洲其他国家电影文化软实力进行对比,希望中国大力进行电影体制管理的改革,促进与世界电影管理体制接轨,解放中国电影生产力,在遵循民族文化及中国特色的政治话语的同时,尽力打破解放各种电影题材的禁区,满足中国与世界观众对中国民族电影不同层次内容的审美需求。唯有如此,才对中国电影文化软实力参与国际竞争具有重要的积极作用。
第一,对影视文化软实力与中国电影管理体制之间关系的研究。河北大学艺术学院潘先伟教授,多次呼吁加强对中国电影体制管理的深化改革,其论文《论中国电影管理与公共空间的建构》⑥《论电影分级制就是解放电影生产力》⑦从多角度论述了影视文化管理体制对我国影视文化软实力发展的影响,并表示极其忧虑。提升中国电影软实力的理想与现实状态是非常脱节的,影视文化软实力的提高,不仅仅是领导素质的提高,而是需要庞大的观众群体的观影水平的提高,观影带来的国家收入及观众人格内在精神的全面提高。而目前,我国观众的人数,大多数是白领、精英与新富贵阶层,占80%的普通观众很少能够为高额的票价慨然解囊而去观赏一场国产电影。连自己本国的观众对电影都没有持久的热情和能力,何以奢望中国电影的文化软实力对国际观众的影响?
第二,希望将商业主流电影与国家意识形态主流电影河流。近几年来,国内一些著名的影视专家学者如尹鸿、贾磊磊、桂青山、饶曙光、黄会林、王志敏等教授都表达了对提升我国影视文化的软实力的强烈关注,他们从中国电影百年历史发展的经验教训,中国电影的市场竞争力、中国电影的国际影响力等多个方面论述了中国电影文化软实力发展状态。饶曙光把电影分为国家主流电影,一种是主流商业电影,希望能将两种潮流结合起来,将红色基调注入商业电影,以期望中国电影文化软实力得到加强。
第三,对海外电影文化软实力具体研究和借鉴。由于中国不断加强了与海外电影的合作,一些学者开始对海外电影软实力的发展予以深入的研究。北京第二外国语学院张娟对美国好莱坞电影的软实力进行了探索,认为:好莱坞电影是美国软实力的重要组成部分,其形式和内容都体现了软实力的“软”性之道。电影的商业娱乐身份打消了海外观众对可能存在政府宣传的疑虑,电影所展现出的普世价值和理想化的美国自由主义政治文化在潜移默化中提升了美国文化和价值观念的吸引力,实现了文化软实力。尹鸿的《好莱坞电影与美国国家文化软实力》从美国传媒化集团的多元经营,好莱坞电影工业现状,好莱坞电影的工业体系,好莱坞电影的中国策略等多个方面,对美国好莱坞的电影软实力进行了仔细考证研究。
目前,对中国影视文化软实力的研究,缺乏对中国影视政策、中国影视管理体制创新对影视文化软实力的影响研究;缺乏对中国在WTO框架下中国影视产业如何“走出去”提升软实力竞争优势的研究;缺乏对国内公共影视文化管理与受众审美需求对影视文化软实力的研究。
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与其他专业相比,高校艺术教育专业具有特殊性,其管理也需要在遵循教育规律的同时体现艺术的规律性。下面是读文网小编为大家整理的有关高校艺术教育论文,供大家参考。
【摘要】
少数民族音乐是我国音乐艺术中不可或缺的一部分,然而随着社会多元化经济的快速发展,不少少数民族地区的民族音乐面临着灭亡的危险。无论是站在我国非物质文化遗产的角度,还是站在对大学生的自我熏陶的角度上,少数民族音乐在高校艺术教育中都有着独特的魅力。
【关键词】少数民族音乐;高校音乐;传承;开展作用
中华民族上下五千年文化,尤其是少数民族音乐,有着丰富的艺术和文化特色,它们之间不断地融合、影响、吸收,相互促进,形成了各具特色的民族文化艺术。中国几千年的传统文化滋润着中国少数民族音乐的发展,少数民族音乐承载着它们的欢乐和痛苦,记录着他们一代又一代实际生活,寄托着他们的精神情感。民族音乐记录着我国民族文化的发展,也是民族的精髓所在,这种民族的精髓理应当灌输在我国高校的音乐教育中,但是实际上大多数音乐学院并没有特别重视少数民族音乐教育的重要性,也没有认识到民族音乐传承的重要性。高校应积极运用少数民族音乐进行教学,培养学生热爱民族音乐事业,传承民族音乐文化的责任感。
一、少数民族音乐在高校音乐教育中的现阶段的发展状况
目前少数民族音乐教育处于边缘化的状态,很多高校都没有重视少数民族音乐教育,少数民族音乐仅局限于当地的民族大众之间的传播。上世纪六十年代,就有音乐界人士大力提倡少数民族音乐在高校教育中的施行,也有高校积极响应,把它作为必修课开设了,但是还有很多高校没有回应没有普及。很多高校认为少数民族音乐可有可无,音乐教育体系大多借鉴西方的音乐理论,使得少数民族音乐不断流失。据笔者调查,大多数少数民族地区的高校音乐教育中,少数民族音乐只用来作为选修课对待。其他民族地区高校音乐教育起步比较早,课程也很完善,但是涉及到少数民族音乐的几乎没有,这就是现在的少数民族音乐教育在高校音乐教育发展的现状,我国的高校教育要改变如今的现状和观念,去培养这方面的优秀人才。
二、少数民族音乐在我国高校音乐教育中的意义
(一)少数民族音乐在高校音乐教育中对少数民族音乐的传承和保护有着重要意义。如今少数民族音乐在传承上面临着十分严峻的问题,老一代民间艺人的离去,民间音乐的歌唱和民族乐器的演奏技术也在渐渐的消失,所以对于少数民族音乐的传承和保护不能仅仅靠民间艺人和政府的支持,而要高校音乐教育对此予以重视。
(二)少数民族音乐在高校教育中实施,可以培养大量的少数民族音乐人才,增加对少数民族音乐的认识,让学生了解中国少数民族文化的丰富性和多元化,提高学生的文学素养。
(三)通过对少数民族音乐的学习,可以培养学生对少数民族文化的兴趣,让他们感受到民族音乐的魅力和更多地宣传少数民族音乐。
(四)想要创作出具有民族特色的音乐作品,必须把少数民族音乐和汉族音乐结合起来。少数民族音乐是我国音乐教育的重要资源,积极结合少数民族音乐,可以增进民族之间的交流,创造出更新颖的音乐作品。
(五)大学生学习少数民族音乐,不仅仅是对音乐的聆听和鉴赏,同时也是对学生心理素质和文化的一种提高,同时有利于促进我国少数民族音乐的发展和创新,激发学生的创造性,给予学生创作的灵感。
三、少数民族音乐在高校音乐艺术教育中开展的作用
(一)培养审美意识。
音乐的特征就是激发聆听者的情感,为所要表达的情感提供合适的方式。在校大学生都处于青春期,有着丰富的情感,因此音乐是表达情感再好不过的介质。在高校中开展少数民族音乐教育,可以更好地激发他们对民族音乐的兴趣,从而提高其音乐审美能力。
(二)增强民族意识。
中国南北方文化差异,地域差异比较大,通过开展少数民族音乐的课程,让大学生接触到我国不同民族、不同地区的音乐,培养他们对音乐感知力和理解能力,使他们更好地理解我国多样化民族音乐文化,培养他们的爱国主义情怀,从而继承我国少数民族音乐的精髓。
(三)开发创造性。
各个少数民族,有着各色各样音乐文化,大学生将各个民族音乐文化进行学习,对各个民族的音乐文化都有所学习和体验,能更好地激发他们的创造力。
四、结语
我国作为一个多民族的国家,对少数民族音乐的学习,同时也是在保护我国的非物质文化遗产,加强学生对少数民族文化的传承和发扬,促进学生思想价值观、民族精神的提高。作为高校的音乐教育是有责任去传承我国的少数民族音乐的,让少数民族这朵音乐艺术中的奇葩在在祖国的音乐艺术中盛开,经久不衰。
参考文献:
[1]陈业秀.地方高校音乐教育对本土民间音乐的传承与开发[J].艺海,2009,(02).
[2]吴磊.高校声乐教育与民族音乐文化的融合[J].民族音乐,2010(02).
[3]黄长安.少数民族音乐教育对提高大学生综合素质的作用[J].艺海,2010,(07).
摘要:高校公共艺术教育对于提高当代大学生综合素质、培养创新型人才具有重要作用,基于现在公共艺术教育实施的现状,文章分析了艺术教育对高校人才培养的必要性,在教育实践的基础上阐述了高校公共艺术教育的实施措施,以期为改进高校公共艺术教育提供借鉴。
关键词:高校;公共艺术教育;必要性;实施办法
高校公共艺术教育是指针对非艺术专业面向全体大学生而进行的艺术知识技能的普及型教育,它与艺术类专业的专业教学有很大的不同。不管是从知识的广度和深度,还是影响层面和教学目的,或是传授方法等方面,公共艺术教育与艺术专业教育都有质的区别。大学公共艺术教育的课程门类繁多,主要有美术欣赏、音乐、舞蹈、书法等课程,这些课程包括理论课程和实践课程,通过这些课程可以培养学生的艺术修养,提升大学生的综合素质,为创新型人才的培养奠定基础。高校的本质功能是育人,不仅要有知识技能的传授,还要包括学生健全人格的养成、综合素质的提高、传统文化的传承等,其最终目的在于培养全面发展的人。在高校开展公共艺术教育的必要性主要体现在以下几个方面:
第一,公共艺术教育对于促进大学生综合素质的培养和文化的传承具有重要意义。现代社会要求一名合格的大学生不仅要有扎实的专业技能知识,而且要掌握一定的艺术知识,具有较高的艺术修养和一定的艺术鉴赏力。成为高素质的综合型人才,对于促进社会和自身的可持续发展有很大的帮助,而公共艺术教育正是提高学生艺术素养的有效手段。人类文明几千年的发展,积淀了丰厚的艺术文化知识,这是前人智慧和创造能力的结晶,对现代人具有重要的启示意义。让这些艺术精华得以传承,也是公共艺术教育的重要职能之一。
第二,公共艺术教育具有德育功能。在中国古代,统治者一贯强调艺术的德育功能,正所谓“成教化,助人伦”(唐代张彦远《历代名画记》)。艺术教育可以通过艺术形象影响人的审美感知、意志等,潜移默化地促使人们形成对社会和人生中美丑、善恶、荣辱的正确认识,并进一步形成积极进取的人生态度和崇高的道德品质。在艺术作品中,理融于情,在艺术接受中,情先于理,艺术总是先使接受者受到情感的感染而后才引起其对生活和人生的理性思考,进而受到教育。
第三,公共艺术有利于大学生的身心健康。学生在学习艺术知识的过程中,势必会接触和感受到艺术作品所表达的感人之处与动情之理,受到心灵的震撼,引发对自身、对生活的反思。同时,艺术也是人本能的一种精神需要,艺术能使现实生活中人的焦虑、压抑等情绪得到适当的宣泄,使人的心灵趋向平静与和谐。大学生正处于青年期,其心智与步入社会的成年人相比,尚未完全成熟,人际关系、经济状况、失恋、学业受挫等因素很容易引发大学生的心理问题。各种形式的艺术教育丰富了学生的生活,在一定程度上缓解了大学生焦虑、压抑等不良情绪,使他们的心境趋向平和。
由此可见,高校公共艺术教育对于大学生具有重要意义。国家在政策层面高度重视,以法规的形式为高校公共艺术教育的健康发展提供了保障,但在各高校的实际实施过程中存在不同程度的问题,导致实施效果不佳。如何让公共艺术教育深入开展下去,是值得高校艺术教育工作者研究与思考的问题。笔者从多年的艺术教育实践出发,从操作层面对高校公共艺术教育的实施提出了几点想法。
一、建立高校公共艺术课程平台
教育部明确规定:“普通高等学校应设立专门的公共艺术课程管理部门和教学机构。”高校不应将高校公共艺术教育挂在嘴边,应落实到行动中,在各专业人才培养方案中要明确学生应具备艺术知识和艺术实践能力的要求,在教学计划中开设多门供不同层次学生选择的艺术选修课程,甚至在部分专业作为必修课程开设,设立公共艺术教育学分,要求学生进行必要的公共艺术课程学习。同时,在课程设置上也应充分考虑学生的不同需求,一方面要开设艺术理论和艺术赏析的课程,用以丰富学生的艺术理论基础知识。这个层面的教学应以大量的案例和生动的艺术作品吸引学生,激发学生的学习兴趣,切不可枯燥讲解理论知识。另一方面,要在艺术实践方面成立类似兴趣班的小组,让部分在艺术天赋或兴趣方面有较大可塑性的学生获得更进一步学习和施展自己艺术才能的机会。根据艺术教育的特性,这个方面教学的实施应是较小范围的,难以普及到每一位学生。因此,两方面的结合解决的是高校艺术教育共性和个性的问题。
二、以学生艺术社团活动为载体,实施公共艺术教育
高校艺术社团是指有艺术特长或艺术兴趣的大学生自发组建的学生团体(如舞蹈队、合唱团、电声乐队、管乐队、书画协会等),为实现成员共同愿望而开展活动,是学生体现自我、发展自我的有效途径,也是高校校园文化的重要组成部分。学生艺术社团有两种形式:一是由有共同艺术理想和艺术兴趣的学生自发组建的,二是由学校层面为了丰富校园文化出面组织的艺术社团。不管哪种形式的社团,都是对公共艺术教育课堂教学的有益补充,不仅是有基础的学生相互切磋技艺的平台,也是其他无基础但感兴趣的学生学习艺术技能的好场所。艺术社团的成员完全出于自身的兴趣爱好,学习主动性强,学习效果更加明显,同时也不会受到教学学时的限制,可以系统地对自己感兴趣的艺术门类进行长时间的学习。实践证明,艺术社团是高校公共艺术教育的重要阵地,高校要在政策层面对艺术社团给予支持,如指导教师的委派、经费的报销、场地的提供等。
三、开展艺术类的具体活动,为公共艺术教育的成果提供展示平台
学校的教学管理部门以及艺术教育机构应把握全校艺术教育活动的定位,可以每年定期举行大型艺术主题活动,如以重大节日(如国庆、元旦等)为时间节点,也可以某个艺术门类为主题举行一年一度的展演活动,如校园艺术节、校园歌手大赛、书画摄影艺术展览等。同时,要建立完善的激励与奖励机制,以量化形式对表现突出的指导教师和学生给予精神与物质的奖励,以此鼓励师生积极参加各类艺术实践与竞赛活动。这样,公共艺术教育的成果可以得到充分展示,学生也有了发挥自己才能的平台,极大地激发了学生的学习热情。
四、充分利用所在城市的公共艺术平台进行公共艺术教育
现代城市都十分重视公共艺术平台的建立,如各地建有的博物馆、图书馆、歌舞剧院、电影院等,这些资源都可以成为公共艺术教育的平台。教师经常组织大学生到这些场所参观或进行艺术实践,通过耳濡目染,亲身接触大量鲜活的艺术形象,在感性和实践层面培养学生的艺术素养和审美能力。以博物馆为例,地方博物馆一般都浓缩了各个地方的地域文化与历史,涉及的专业和知识面也非常广泛。高校的艺术教育偏重理论教育,而地方博物馆则更注重实践教育,注重审美感受与应用,把这两者结合起来,既有理论又有实践,能够使公共艺术教育更加完善,资源与教学形式也更加丰富。博物馆以其丰富的教育资源发挥着重要的教育功能,也成为培养审美能力和人文素养的重要场所。许多博物馆内都藏有大量从古至今各个时期造型艺术的代表,如精美的工艺美术品、绘画作品等,展现着不同时期的艺术之美,人们在欣赏这些作品的同时也获得了艺术知识与启迪。没有博物馆参与的公共艺术教育是一种不完备的、有缺陷的艺术教育,更是一种资源的浪费。通过参观博物馆,学生结合原有的知识,对艺术作品的理解就更丰富、更完整了,有助于培养学生的审美兴趣,提高公共艺术教育的教学效果和教学质量。
五、利用本地区地域文化艺术资源进行公共艺术教育
公共艺术教育作为普及型的教育方式,应该对各艺术门类进行较为系统的了解,使学生对艺术有全面而系统的认识。然而,谈论与普通大学生相距甚远的艺术门类,会使公共艺术教学形式空洞,内容虚无,久而久之,学生会失去兴趣,导致教学效果及质量的下降。因此,教师应该思考如何利用学生身边的艺术元素对课堂教学进行有益的补充,学生能够方便接触的、在平时显而易见的本土地域艺术资源是一个不错的选择。我国幅员辽阔、民族众多,产生了丰富而灿烂的地域艺术文化,如古建筑、民族歌舞、民间服饰文化、民俗活动等,无不如璀璨群星,散落在大江南北,成为国内取之不尽、用之不竭的艺术资源。高校在实施公共艺术教育时,应将地域文化艺术资源与课堂教学紧密结合。公共艺术教育与地域文化艺术资源相结合是一个双赢的选择。从学生受教育的角度来讲,地域艺术资源给学生带来了异彩纷呈的艺术文化,使学生能够更深入地了解地域文化,接触更多的艺术门类。最重要的是,这些地域艺术文化就在学生身边,如北京的故宫、上海的中山路万国建筑群、海口的骑楼老街、海南的黎锦苗绣等。平时能够接触到,已经熟悉于心,通过公共艺术教师的深入讲解或现场引导,介绍其艺术价值,会使学生产生强烈的共鸣,从而产生进一步了解乃至研究身边传统文化艺术的愿望,进而提高了学生的艺术素养,激发了学生学习艺术的热情。此外,从民间文化艺术的传承和发扬角度来说,通过高校公共艺术教育的平台,让更多的学生了解当地的文化艺术,可以使地方文化艺术得以传播普及,发扬光大。
六、对从事公共艺术教育的教师给予一定的政策支持
要想做好高校公共艺术教育工作,一支稳定的、艺术素养高的教师队伍必不可少。现在许多高校都采取由艺术专业院系的专业教师兼任公共艺术教育的授课教师,这样做有利有弊。艺术专业教师在单项艺术门类的业务能力上钻研较深,但非艺术专业学生需要的是普及性质的艺术知识,要有广度,深度上不宜过于深入。同时,在教学实施和管理上,兼任教师往往受制于教师的所在院系,因此,成立专门的公共艺术教育教学部门,在政策上给予从事公共艺术教学的教师一定的支持,对于高校公共艺术教育的良性发展是十分必要的。现代社会的竞争是人才的竞争,如何培养具有较高综合素质的人才成为高校需要反思的问题。以往过于功利的教育模式,使得高校培养的毕业生缺乏创造力。而艺术教育特有的发散性思维方式有利于培养学生的创造性思维,有利于激发学生对艺术、对生活的热爱,有利于提高学生的综合素质,有利于丰富学生的业余生活。基于高校公共艺术教育的重要作用,大力提倡高校公共艺术教育势在必行,着力研究公共艺术教育的实施办法,意义深远。
参考文献:
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在互联网时代的发展下,微电影这一新兴事物呈现出了迅猛的发展势头。下面是读文网小编为大家整理的有关微电影论文,供大家参考。
摘要:微电影就是在较短的时间内用更加清晰、简短的语言和情节将完整的故事阐述清楚,满足当前大多数人快餐文化的需求。在电影制作中很多制作方会利用电影音乐提升影响力、创造经济利益。微电影亦是如此,本文将对微电影音乐制作进行分析。
关键词:微电影;音乐;制作
本文将对当前国内微电影的研究现状进行分析,并在此基础上探索微电影音乐的表现和类型,以研究我国微电影音乐的发展。
一、国内微电影音乐研究现状
目前我国微电影音乐创作刚刚起步,第一步在网络传播的微电影音乐是2010年《老男孩》,我国微电影发展就此进入元年,但当时国内研究者并没有充分地注意到这点。之后随着微电影作品的不断涌现以及在新媒体平台的广泛宣传,相应的关注和研究活动逐渐多了起来。这些研究涉及的领域包括营销学、音乐学、传播学、经济学等,但涉及微电影音乐创作和表现方面的文章还相对较少。2014年至今,关于微电影的文论已经达到432篇,其中有两篇研究文论是关于微电影音乐,为《<六个梦><我的诗篇>微电影创作计划启动》《音乐微电影<飘香>大结局曝光谭晶献唱》,在第一篇文论中通讯报道了谭盾发起的配乐微电影计划,但是研究旨趣的言论很少,在第二篇文论中阐述了音乐微电影《飘香》的专题创作。当前我国关于微电影的研究仍然主要局限于“戏剧电影与电视技术”和“文化经济”方面。笔者认为作为一种新型文化艺术种类,微电影之所以能够在短时间内迅速发展起来,主要是背后蕴含的巨大文化经济利益在驱动。随着信息技术和网络技术的普及,我们产生大量的移动媒体使用者和网络用户,再加上公共空间媒体和新型公交媒体,我国新媒体平台用户数量惊人。可见未来一段时间内电影院和电视媒体必然会受到网络和移动终端为平台基础的微电影的冲击,基于移动终端的互动性和便捷性决定了会有大量用户会在线观看微电影。所以,应当对微电影发展倾注更多关注。
二、微电影音乐的类型和表现
很多学者认为电影音乐的本质是一种功能音乐,对于微电影亦是如此。音乐在电影中起着支撑剧情发展的作用,有时微电影音乐是作为叙事结构的组成部分而存在,有时作为烘托电影气氛的重要手段使用,有时则是为了表达角色的内心情感。传统的电影作品中,都是根据音乐的功能性质来划分音乐类型。我国电影音乐研究的过程中运用的是波兰音乐学家《电影音乐美学》中的“功能性分类体系”。我国著名音乐学家于润洋就将这一部分内容写进了《电影音乐美学问题探讨》一书中,同时将其划分为四种基本功能类型,分别为背景气氛性音乐、表达作者主观态度音乐、表现角色心理体验音乐、描绘性音乐,这种分类是以电影音乐功能性和表现性为基础实现的,后来国内大部分学者也都接受了这种分类,并在电影音乐研究中广泛应用。虽然微电影与传统电影艺术之间有着千丝万缕的联系,但是因为其具有独特的传播途径、表现内容、制作方式,并且发展时间不长,所以不能按照分类普通电影音乐的方法进行音乐分类体系进行划分。笔者认为微电影音乐的划分可按照以下依据进行:首先,以微电影音乐素材为依据划分。根据微电影音乐素材的来源可将微电影音乐划分为原创性音乐和非原创性音乐。直接运用于电影中的既有音乐就是非原创音乐,通常该类音乐产生于电影之前,是完成剪辑后音乐制作人为了满足电影需要而进行剪辑的。实际当中通常有两种引用非原创音乐的方式,包括直接引用和间接引用。在直接引用中,音乐制作人将未经过任何改编音乐的内容直接应用于微电影中。例如:制作人老狼曾将崔龙阳《再见克隆人》、荷西《布拉娃》、张智的《巴克图口岸》直接运用于微电影《音乐十诫》当中,并通过在背景音乐中使用这些作品收获了良好的成效。在间接引用中,音乐制作人为了达到更加契合电影内容和推动情绪、清洁发展的目的,会将原有音乐作品的配器、速度、力度、和声进行改变。例如:帕格尼尼的《钟》就被间接的运用于薛凌的微电影《造琴师的秘密》中,音乐制作人大胆的改变和剪辑了第三章中部分乐曲片段,使音乐更具时代感。当时微电影音乐制作的主流仍是非原创音乐,这种方式配乐目前在国内大多数微电影制作中使用,相对于原创音乐其成本、资源、操作等方面都具有明显优势,但是要使影片内容和音乐的契合度高,就必须由高水平的剪辑者完成剪辑环节,另外这种直接应用造成侵权问题也相对较多。其次,以微电影音乐的剪辑方式来划分。根据微电影音乐的剪辑方式,可以将微电影音乐分为主题性配乐和拼贴式配乐两种。拼贴式配乐本质上是一种自由式剪辑配乐,当前国内微电影配乐中主要采用的就是这种。拼贴式配乐的剪辑采用的是音轨剪辑方式,通过拼贴或混剪若干知名乐曲达到衬托剧情和参与叙事的目的。《老男孩》就是这一类型的代表,其主要内容表现为怀旧、励志、青春,上世纪八九十年代风靡一时的歌曲《粉红色的回忆》《十六岁的花季》《水手》《花仙子》都被通过混剪的方式运用到电影中。这些作品不仅将时代背景和历史环境都一一展现出来,还将观众带入到那个时代氛围,很多八零后很容易就会想起自己的青春岁月。
三、微电影音乐的前景分析
电影在经济学中作为一种商品存在,电影音乐在经济学中则是附属商品。很多人将电影从音乐中获取经济效益的方式归纳为三种:首先通过吸引观众的作用,带动电影票房提升。其次是电影音乐原声大碟等音乐衍生品,获取效益。最后,通过明星演唱电影歌曲,促进粉丝效应。笔者认为与电影音乐相同,微电影音乐的商业特征也是如此,这在它的应用价值上就能够体现出来。《老男孩》《一触即发》两部作品都产生于微电影元年,这也决定了微电影发展的两条路径,分别为品牌营销类、各门户网站发起并寻求广告品牌合作类。可见微电影的经济回报机制从最初就已经建立起来:一方面广告投资方加入到微电影制作当中,并将自身的商业品牌在特定故事短片中植入,甚至一些广告界认识直接将微电影表述为新的广告形式,虽然这种说法有失偏颇,但是从中能够窥探出微电影的经济价值。近年来微电影音乐开始呈现出新的发展形势:第一种是以音乐微电影形势应用于传统唱片业市场。实际当中通常是由音乐发型公司投资拍摄音乐微电影,主角通常由歌手担任,拍摄的蓝本是新创作的单曲内容。这种作品能够为新专辑发行聚拢人气,或者帮助歌手引起关注等。第二种是,利用单曲模式宣传微电影。近年来为了使即将发行的电影内容能够为更多人所了解,经常采用提前发行电影主题曲吸引观众的方法。例如:微电影《飘香》的制作方就在播映前,将微电影主题曲发布在乐视网上,微电影主题曲收获了五十万的点击率,宣传了这部微电影。
四、结语
本文分析了微电影音乐的创作,以求为推动微电影音乐的发展、提升微电影音乐创造价值贡献绵力。
参考文献:
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摘要:电影是视听艺术,近年来随着微电影的崛起,一种全新体裁的音乐出现了。这便是微电影音乐,其与电影音乐在功能、艺术价值上有着相同之处,又有其自身的特点。本文试图从微电影原创音乐与微电影发展的关系入手,以江苏微电影产业发展中原创音乐对于微电影重要作用为例,浅析微电影音乐原创的重要性。
关键词:微电影;音乐;原创性
2010年微电影这个前所未有的名词诞生,发展至今已然成为一个基于互联网传播的庞大产业,创造出巨大的商业利润。伴随着微电影的不断发展,微电影音乐这个全新的体裁也开始兴起,成为微电影产业中不可或缺的一环。所谓微电影音乐,目前尚无明确定义。但由于微电影与电影有着密切的联系,微电影音乐同样具备电影音乐的基本特征。电影音乐,即“电影中使用的音乐,是电影的重要组成部分,对整个影片起着至关重要的作用”。按照这个定义,顾名思义微电影音乐是在微电影作品中被使用的音乐,包含歌曲、背景音乐以及音响音效等。但与电影音乐有所不同,微电影音乐有其自身的特点。
1电影音乐与微电影音乐的异同
1.1相同之处
微电影音乐为微电影服务,这一点和电影音乐与电影的关系完全相同。因此,电影音乐所具备的功能,微电影音乐都具备。从功能性上看,有深化主题、表现时代背景、体现环境特征、刻画人物、烘托气氛、承上启下等作用。从艺术价值上看,微电影音乐同样具备审美、教育等艺术价值。
1.2不同之处
首先,电影音乐以原创为主,原创性是电影音乐的基本属性。好莱坞优秀影片往往都会推出“电影原声”,奥斯卡每年也会设立“最佳电影原创音乐”奖项。微电影是中国特有的一种体裁,因我国版权保护意识没有国外发达,微电影音乐分为原创性与非原创性两种。一个微电影团队为了节省成本,在微电影剪辑后期引用既有音乐的情况比比皆是。其次,微电影音乐与电影音乐的不同之处体现在“微”,特别是原创音乐,必须在短时间内让观众获得审美体验。“微”主要体现在:曲式结构简单、运用手法灵活以及制作成本低廉。这样才能与微电影“微”的叙事题材相匹配。非原创音乐在这一块只能是用打碎拼贴的方式实现。从电影音乐与微电影音乐的异同,我们可以清晰地看出,原创性是两者最大的不同之处。在微电影音乐发展过程中,对于电影音乐过于依赖,导致对原创性有所忽视。其实倘若我们将微电影中这些原创音乐与微电影发展历程相对应,会发现两者之间有着密不可分的关系。
2原创音乐与微电影发展的关系
2.1诞生的标志
2010年被广大网民定义为“微电影元年”,是由于《老男孩》和《一触即发》两部经典微电影作品的问世。仔细分析在2010年之前,微电影这种模式的作品其实早已在互联网上存在。代表作品如胡戈的《鸟笼山剿匪记》、焦洋的《七宗罪之LUST》等。我们一般称这个时期为网络剧情短片时代,期间几乎很少有作者会采用原创音乐。而到了微电影时代则完全不同:《老男孩》采用了《花仙子》《小芳》等一系列经典歌曲来营造时代特征、渲染气氛、塑造人物,但全片最后的主题曲却涉及了原创。虽然歌曲是翻唱日本歌手大桥卓弥的《谢谢》,但歌词等完全做了改编。作为“微电影元年”的代表作,《老男孩》的音乐开始强调原创性。同样,“2010年凯迪拉克公司的微电影《一触即发》,邀请了好莱坞音乐制作团队进行乐曲编配”。应该说“微电影元年”两部代表作品选择了原创音乐,使得原创音乐成为微电影诞生的标志之一。
2.2全新的体裁
微电影的不断发展使得微电影原创音乐正成为一种全新的体裁。特别是随着微电影大热,原创性微电影音乐逐渐趋于主流化。例如,由张扬导演的微电影《老人愿》,主题曲便是由著名歌手胡海泉创作并演唱的《你在哪里啊》。“此外,我国微电影评选活动中最具影响力的‘微电影大典’,也推出了‘金蜂鸟最佳微电影原创音乐奖’评选,这也预示着原创音乐将逐渐成为我国微电影音乐制作的主流。”从原创音乐与微电影发展的关系上看,微电影音乐的原创性非常重要,它可以区分微电影与网络剧情短片,也是微电影诞生的标志之一,更是随着微电影的发展成为一个全新的体裁,是微电影产业链中的重要组成部分。
3江苏微电影产业的音乐原创性
江苏微电影产业已然蓬勃兴起,涌现出一系列优秀的作品。这其中极有影响力的几部都采用了原创音乐,正是这些原创音乐使得几部微电影脱颖而出。
3.1更有利于主题烘托
南京艺术学院传媒学院影视摄影专业师生拍摄的武侠微电影《浮沉谁主》,最具亮点之一的便是录音艺术系同学的原创音乐。其主题曲、配乐、音效与作品主题完美契合。主题曲歌词是根据微电影内容创作的。配乐选用了二胡、琵琶等民族乐器。音效方面,一般而言,微电影由于小成本制作,不会耗费大量的人力、物力去进行后期拟音,而是选择通过已经存在的音效进行具有艺术创新性的组合。在《浮沉谁主》中音效的来源也分为两类,一类是通过拟音所获得,如影片中打斗时竹子所发出的气流声;另一类则是现成存在的,如刀剑相撞的声音。无论音效的来源如何,在制作过程中都要结合影像对音效进行组合和技术处理,这一过程本身就是一个再创造的过程。《浮沉谁主》的原创音乐以影片主题为圆心进行补充,完全符合整部微电影所要表达的“浮沉谁主,笑看花开花落”的情绪,并使整部影片的主题再次深化。
3.2更有利于人物塑造
原创音乐能帮助短小精悍的微电影塑造人物,如特定的人物对象。在江苏省建集团推出的微电影《城市温度》中,原创主题曲《Ifeel》便有特定的人物对象。当男女主人公同时出现,主题曲就会缓缓响起。由于微电影作品本身投资不大,演员并不出名,原创音乐一定程度上对于观众认知人物起到了非常重要的作用,并对影片情绪发展和节奏至关重要。原创音乐还能帮助微电影完成抒发人物内心情感的作用。以苏州市政府出品的城市形象微电影《苏州情书》为例,主题曲便是以女主的视角唱出了她的心声,也表现出了她对苏州这座城市的喜爱与对感情的释怀。
3.3更有利于提升知名度
好的微电影音乐能提升作品知名度,这在微电影“开山之作”《老男孩》中已被证实,你可以没有看过微电影《老男孩》,但一定听过这首歌。同样在江苏微电影产业中,如《苏州情书》的主题曲,便是由韩雪担任主唱,由于明星效应以及歌曲朗朗上口的旋律,很容易就成为人们口中哼唱的小曲。可以说微电影原创音乐为影片本身带来更多的关注。
4结语
微电影音乐是伴随着微电影的产生,而形成的一种新的音乐体裁。随着微电影产业的蓬勃发展,微电影音乐的原创性变得越来越重要。对于江苏微电影产业而言,高度重视微电影原创音乐,既是提升作品本身品质的需要,也是市场发展、产业链构建的需要。更何况,在重视知识产权的今天,微电影的创作者,已然开始具有原创的意识,微电影音乐原创的重要性正在日益凸显。
【摘 要】近年来,在新媒体微时代影响下微电影热度不断提升,各大视频网站和新媒体播放平台、微电影产业相关的新媒体都大力布局微电影,抢夺微电影资源。全国各地的微电影节、微电影大赛及其相关的活动也不断涌现。百度搜索“微电影”关键字,其搜索到的文稿多达2380000篇,可见微电影无论是从内容生产、内容推广、广告营销等产业上已经异常火热。文章单从公益性的微电影内容创作出发,接合自已在湖北网络广播电视台微影频道实际工作经验,浅谈微电影在内容创作和新媒体传播、繁荣校园文化建设方面特点表达自已的看法。
【关键词】微电影;微时代;新媒体;大学生电影节
微电影(Micro film),即微型电影,又称微影。微电影是指专门运用在各种新媒体平台上播放的、适合在移动状态和短时休闲状态下观看的、具有完整策划和系统制作体系支持的具有完整故事情节的“微(超短)时”(30秒-300秒)放映、“微(超短)周期制作(1-7天或数周)”和“微(超小)规模投资(几千-数千/万元每部)”的视频(“类”电影)短片,内容融合了幽默搞怪、时尚潮流、公益教育、商业定制等主题,可以单独成篇,也可系列成剧。
一、微时代用微电影“草根秀”纪录青春
随着微博在中国的兴起,微文化开始流行,网民即是大众文化的消费者,也是大众文化的生产者。web2.0催生了微博、微信、微小说、微电影,各种以“微”开头的词汇进入大众的视线,微电影的产生是当前微时代新媒体传播发展的必然趋势。“80后”乃至“90后”正是网络的一代,新媒体的一代。我对“80后”、“90后”有两个定义,如果说“80后”是“从平面印刷媒体向数字新媒体过渡”的一代和“价值断裂”的一代,那么“90后”就是“完全数字化”的一代和“重建价值的一代”,同时又是更加自我的一代,也可能是更加远离传统并试图探寻新价值观的一代。无论定义如何在发展修正中,一个趋向是明显的,即他们共同拥有的数字化背景,以及这种背景的不断深化。在这种大的背景下,作为“正青春”的一代,青年人成为了微电影创作和消费的最大群体。
从狭义上来讲,微电影以它本身具有创意元素、艺术性、故事情节、打动消费者、易于分享等特点通过新媒体平台广泛传播。在首届湖北微电影大赛活动征集作品中,我们发现,年轻的微电影创作者们用他们的青春,在微镜头下展现激情飞扬的年代;有憧憬美好爱情,纪录自已的校园爱情故事;有述说感怀毕业时光,感恩师生情、难舍同窗谊的;有真实的纪录某些现场来引起网民朋友共鸣,传播正能量的现场,有青春励志、敢于担当、团队合作赢得未来的微故事......微成本微时长微制作的微电影,真实地反映校园文化生活,引导师生在校园文化建设中自我表现、自我服务,增强了校园文化的感染力。在2012年首届湖北微电影大赛中,中国地质大学(武汉)报送的《巅峰印象》、武汉大学报送的《今年夏天》、黄冈师范学院报送的《蓄》、云南旅游学院报送的《绿豆糕》网上展播人气旺、传播正能量、社会反响好,展现了同学积极向上的精神追求和健康文明的生活方式,成为本届电影节微电影大赛的热门影片。
二、微电影是大众文化传播的文化样式,从群众中来到群众中去
微电影与近年盛行的微博、微小说等成为共同构建“微时代”大众文化传播的文化样式。“碎片化”的信息接收方式的形成或者说微时代催生了微电影的诞生发展。微电影形式简单,短小精悍,恰好在“体型”上契合了受众即时消费的诉求,它既可以满足时间上的“碎片化”需要,也可以满足传播上的“碎片化”需求。微电影基于网络与移动新媒体传播媒介,使得传播方式从作者中心向受众中心转移,受众可以掌握更多的话语权。从媒介特征来看,电视是将传播主体与受众二元对立起来的,而网络则突破了单向传播的模式,它能够使受众在传播过程中提高自主性、互动性和参与性。
湖北网台微影频道在第四届网络文化节首届湖北微电影大赛和第五届武汉大学生电影节活动中,积极开展线上征集、展播、投票,线下走进高校影展、影评、座谈会和名家互动等多种活动形式。发动对微电影感兴趣的“海量人群”,通过征集、上传微影,并以网络特有的呈现、筛选、推送、排行进行多轮精选。将点击率高、投票率高等得到网友观照的关注高的作品。通过组织专家评审。推选出精品力作,通过微电影大赛的颁奖和颁发证书等环节,让来自于社会大众的被社会大众推选出的微电影精品通过新媒体的分享和推送,在互联网上得到最大化的传播,成为网民喜爱、百姓热爱的微电影。
《巅峰印象》用纪实的手法纪录了中国地质大学登山队登顶珠峰的全过程。影片展现了在登顶过程中,学生 队员克服了缺氧、干燥、暴晒、寒冷、失眠、枯燥等困难,敢于挑战、勇于攀登,充分展示了当代大学生勇攀高峰的浩气、敢为人先的勇气、攻坚克难的朝气和勇于担当、百折不挠的精神风貌。这部作品一经上传在湖北网台微影频道展播,就得到了广大好友的一致赞同,点击播放达15万多次。形成了广泛的社会影响,传递了不怕困难,勇攀高峰的正能量。其主创陈晨不仅站在了第四届湖北网络文化节颁奖的领奖台上。今年在五四期间还获得了习近平总书记的接见,总书记肯定地说:陈晨,我非常敬佩你,我相信你今后的事业,一定会在这种精神的砥砺下,勇往直前,不断攀上人生新高峰。
三、微电影成为校园文化建设创新的源泉之一
校园文化建设是育人的重要途径,是服务大学生、提高大学生综合素质的重要手段。各高等院校一直在探索多元化的校园文化,创新服务载体,凝练品牌特色,强化校园文化在大学生思想政治教育中的育人功能,充分发挥学校的文化建设中的生力军作用。而微时代下的微电影兴起和发展也给校园微电影的创作和繁荣注入了新的活力,而学校或院系通过学校党工委、校团委、学生会就是校园微电影创作机构或微电影社团滋润的土壤。增加受众的互动性和参与性,微电影区别于传统硬广告和电影植入式广告最重要的地方就是观众的互动和参与。增加观众的互动性和参与性的方法有很多,比如邀请网民参与续集或系列剧的拍摄,演员的选择,奖项的评选,多个故事结局的选择,等等,这需要微电影的制作者在这方面多下工夫。在传媒精神、影像艺术和信息技术激越张扬的时代,一台摄像机、一个梦想、一点创意架构出的微电影,就可以表现你所有的憧憬、智慧与感动。大学生拍摄以自己及身边发生的故事为题材的微电影 已成为一种时尚,大学生慢慢地走进微世界,并逐渐形成微电影界的新生力量,也为微电影界带去了无限活力,时下大学校园内微电影的现状更是呈现出一派雨后春笋的迹象。学生们自编、自导、自拍、自演,定格校园美景,记录青春印迹,创造出了一批原汁原味反映大学校园生活的微电影。
在由湖北省教育厅、湖北省文化厅、湖北省广播电影电视局共同主办、湖北省网络广播电视台承办的第五届武汉大学生电影节活动中。我们积极推进电影节进校园展播活动,分别在中国地质大学(武汉)、华中农业大学、武汉工业 学院三所高校,分别从编导、摄制、网络人气、先锋影片、特别关注五个方面与同学们共同欣赏微电影作品。走进湖北高校现场展评活动请来了本届大学生电影节评委会副主席、华中科技大学新闻与信息传播学院新闻媒体研究所副所长余奇敏副教授,与现场学子们交流、互动。征集到微电影和微剧本作品200多部(集),其中在校大学生作品占到80%以上。从编剧、导演到摄像、剪辑,从演员到评委,从网络投票到作品推广,全部由师生完成,师生成为推动校园文化发展繁荣最深厚的力量源泉。
参考资料
[1] 百度百科.微电影[EB/OL].
[2] 江冰.“80后”文学和新媒体的碰撞[J].南方文坛, 2011年第4期.
[3] 许娅.新媒体环境下的微电影[J].电影文学,2012年17期.
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电影的情感表现与欣赏者的心灵产生某种巧合,而这种 有意义的巧合所产生的共鸣就是共时性效应。下面是读文网小编为大家整理的电影鉴赏论文,供大家参考。
现实与虚幻的距离究竟有多远?或许只是一个梦的距离,可这个梦的时限又是多少呢?
克里斯托弗·诺兰用了十年的时间,搭建起了一座关于梦的心理大厦——《盗梦空间》,众家媒体盛赞它是《黑客帝国》之后最高深的电影,看起来会让人头疼。影迷们像追逐《阿凡达》一样,仅仅因为一个过重的噱头,就开始蜂拥而至,溢美之词随处可见。
可又有谁能真的理解影片呢?人云亦云的结果,使得不少类似解疑答惑式的影评不断出现,人们关注电影的兴趣点变成了猜字游戏,所有人都沉迷了进去。为了能够将电影开放式的结局搞清楚,他们从哲学、建筑学、心理学、逻辑学、数学、物理学等各项学科中开始研究,一层一层地循环往复,就像电影中的梦中梦一样,真实和虚幻没有了分明的界限,只剩下了剧中人一样的执着。
所谓“一刀未剪”,主要是针对没有电影分级制度的国内电影市场而言。没有电影分级制度,一些充满血腥、暴力、色情等不适合大范围播放的电影情节,都会在上映之前,被无情地剪辑掉。但有时候,这些情节恰恰又是推动电影剧情发展的关键因素,对于境外引进电影而言尤其重要,因此“一刀未剪”也就成了众多国内影迷,在期盼电影上映时最纠结的根源了。
《盗梦空间》为何能“一刀未剪”呢?
先将时间转回到2009年8月,随着昆汀·瓦伦蒂诺《无耻混蛋》的上映,曾因执导《蝙蝠侠:黑暗骑士》而大获成功的克里斯托弗·诺兰的新片《盗梦空间》,提前曝光了一款极简主义的先行版预告片。时长30秒的预告片充满了欲语还休的神秘感,新人Zack Hemsey操刀制作的预告片配乐,营造出了一种气势逼人的紧迫感,一层层逐渐加深,伴随着“你的大脑就是犯罪现场”的宣传语,第一主演莱昂纳多·迪卡普里奥出现......影迷们大呼过瘾,诺兰的死忠粉丝开始接力热捧,《盗梦空间》的“神作”地位初步成型。
时间转入下一个关键点——2010年7月16日,《盗梦空间》全球首映(除中国市场以外)。热情的国内影迷们唯恐当年《蝙蝠侠:黑暗骑士》不能上映的悲剧再次上演,于是纷纷热捧,将《盗梦空间》的声势推向了最高峰——“一刀未剪”版的《盗梦空间》最终定于9月1日在中国地区上映。深谙商业之道的华纳公司不费吹灰之力,就在中国市场达到了最好的前期宣传效果。
对于电影而言,“一刀未剪”在另一种程度上也说明了电影逻辑的严密性,会紧凑到让人无法下手。就像《盗梦空间》一样,该片表面上是讲述高科技犯罪,实际上却是在宣扬“回归家庭”的重要性,充满了救赎色彩。即便全片无暴力、无血腥、无色情,甚至连一个激情的吻都没有(那还有什么好剪辑的呢?)它仍然是一部非同一般的好电影。好到会让人在两个半小时的时长里,找不到可以上厕所的最佳时间。因为影片节奏的缜密,画面感的强烈,会让人产生错觉,唯恐任何一个不经意的转身,都会错过最精彩的那一部分。
看《阿凡达》的人走出影院后,通常是一个状态——“3D技术太神奇了!”而执迷于《盗梦空间》的人,则会在看的时候在死命地盯着屏幕,看完之后一部分人会疯狂地纠结起电影结局究竟是不是个梦?而另一部分人则会陷入冥想状态,明明有着千言万语,却相顾无言,最后只能留下“神作”两个字。
《阿凡达》的成功在于,它用华丽的视效奇观促进了电影在技术方面的革新。《盗梦空间》开放式的结局,固然耐人寻味,但它真正成功的地方,绝不是留下了一个可供思考的空间,一个可以制造续集的无限可能这么简单。《盗梦空间》依靠的是缜密的逻辑所搭建起来的完美结构。影片节奏的紧凑,让长达两个半小时的电影几乎没有任何可以消耗时间的过场戏出现。克里斯托弗·诺兰在编写电影剧本时,将所有可能会发生的定律全部变成了死规则,避免了形式上出现漏洞的可能;同时他还用了梦境这个类似《黑客帝国》一样的概念,将美式温情最爱提倡的家庭精神烘托到了极致,使得原本看起来并不怎么奥妙的故事,突然间变得高深莫测起来。
此外,《盗梦空间》还启用了一票非常有实力的演员,给了人们一种视觉上的全新搭配。即便《泰坦尼克号》里的帅小子已成了眉头紧皱的怪大叔,他的票房号召力依然强大,经过《血钻》《无间行者》《禁闭岛》等电影的历练后,莱昂纳多现在就差一座小金人来加冕了。与莱昂纳多颇有些夫妻相的法国影后级女演员玛丽昂·歌利亚,早在2007年时就凭借《玫瑰人生》获得了当年的奥斯卡最佳女主角,此次她出演的角色性格狠戾,极具危险性,相当有看头。日本演技派明星渡边谦饰演了观光者齐藤,在剧中掉入了梦的边缘;西里安·墨菲饰演了目标人物——冷静而又脆弱的富二代。而演员阵容中最让人惊喜的,则是两位以独立小成本电影起家的新生代演员——造梦人艾伦·佩奇和前哨者约瑟夫·高登·莱维特,两人精湛的演技为整部影片加分不少。
特别是约瑟夫·高登·莱维特在失重空间里优雅地翻转、打斗的场面,简直到了赏心悦目的地步。
结局,其实不重要,真的不重要! 对于剧中的莱昂纳多来说,这个结局无论是不是梦境,他都已经得到了他想要的——在最关键的时刻,他选择了和日思夜想的孩子们在一起。而对于看戏的人来说,只要这两个半小时没有虚度,这电影就是成功的。
我们都知道庄周梦蝶的故事。其大意是庄子一天做梦梦见自己变成了蝴蝶,梦醒之后发现自己还是庄子,于是他不知道自己到底是梦到庄子的蝴蝶呢,还是梦到蝴蝶的庄子。在这里,庄子提出一个哲学问题——人如何认识真实。如果梦足够真实,人没有任何能力知道自己是在做梦。
我曾有过这样一个想法:如果一个人犯了罪,我们不把他投入监牢,而是将他投入一场梦。这场梦也许从唐朝开始(当然视犯罪者情节轻重开始时间可以更久远),让犯罪的人在梦中经过一千年后醒来。梦中的时间有如棉花,充满了无限的缓冲,当罪犯醒来,现实也许只经过了十分钟。一切如故,只是那个醒来的人心已苍老——在看到梦中一切世间百态、体会到所有人情冷暖之后也许他已厌倦了这个现实的世界,这对他是多么大的惩罚啊。我曾经觉得这是个无比荒.唐的想法,太可笑了。
着同样奇怪的想法很多年了。这一次诺兰将这个想法展开的更加宽广,他巧妙的加进了一个陀螺,陀螺旋转与否决定着主人公们到底是在现实中还是在梦境中。当然还有孩子的脸,这个场景不止一次的在影片中出现——在梦中柯布永远看不到自己孩子的脸。我们是不是也有这样的经历呢?很多场景在梦中不止一次的出现,但我们永远也触摸不到结果。为此我无比惊叹导演的想象力,通过绝妙的叙事技巧诺兰已将他对梦的理解“植入”我们大脑中,在我们的心中产生共鸣。
在影片中导演为我们引出了一个艰深的哲学命题——我们感知到的现实世界真的存在吗?我们梦境中的事情难道全都是假的吗?这个哲学命题的起点是对人类认知能力最根本、最彻底的怀疑。笛卡尔曾这样描述自己的思维历程的开端:“一切迄今我以为最接近于‘真实’的东西都来自感觉和对感觉的传达。但是,我发现,这些东西常常欺骗我们。因此,唯一明智的是:再也不完全信眼睛所看到的东西。”
现实世界是这样的不可信赖,它对我们的认知似乎起不到任何帮助。那么,我们的主动感知活动(在辩证唯物主义那里叫做“实践”)和思维是怎样的呢?这些活动也常常出现在梦境之中,使得我们无法确切地区分“梦”与“醒”。因此,我们不得不怀疑,整个的世界是否仅仅是一个梦幻。于是在影片中出现了柯布和自己妻子共同创造的梦幻,那个梦境中的城市酷似退去浮华的纽约、巴黎、东京或是北京,这是一切我们平时所感知的细节的集合。从这一点出发我们开始怀疑这个世界。怀疑不是对某些具体事物、具体原理的怀疑,而是对人类、对世界、对上帝的绝对的怀疑。这个绝对的怀疑也是笛卡尔要引导出不容置疑的哲学的原则。正如他所说:“我愿意假定,一切真理的源泉不是仁慈的上帝,而是一个同样狡猾、同样有法力的恶魔,施尽全身的解数,要将我引上歧途。我愿假定,天空、空气、土地、形状、色彩、声音和一切外在事物都不过是那欺人的梦境的呈现,而那个恶魔就是要利用这些来换取我的轻信。我要这样来观察自己:好像我既没有双手,也没有双眼,也没有肉体,也没有血液,也没有一切的器官,而仅仅是糊涂地相信这些的存在。”
在影片中柯布不停地怀疑这一切,直到他真正看到了自己孩子转过身来的笑脸。在影片结束时我忽然想起多年前我曾读过的一本哲学启蒙书籍——《苏菲的世界》:一个叫苏菲的小女孩偶然遇到了一个人,这个人带她走进了一个梦,在梦中苏菲与古往今来各个哲学先贤相遇,并感知他们的思想。在这个梦中苏菲不断地成长,越来越理性。直到有一天苏菲走到一个荒野中的小屋前,打开门一面镜子摆在她的面前。镜子中并不是苏菲的脸,而是又一个幻境,苏菲不停的问周围的一切到底是不是真实的存在。这样的疑问一直延续到这本书的末尾,结尾处这样写道:那轰然一响,原来我们都是星辰。
电影史一门融合了文学、音乐、戏剧舞蹈、美术、摄影等艺术特长的艺术,是科技发展到一定阶段的产物。影视鉴赏作为一种大众艺术以其生动的直观性和逼近生活的真实感而易有广泛颀赏性。一部优秀的影片能使人得到美的享受和精神上的陶冶。优秀的影视文化能够促进大学生审美素质和道德素质的提高。经过了八个课时的影视鉴赏课程的学习,我了解了世界电影的发展,也懂得了如何让去评价一部电影,以及从多个角度挖掘电影给我们的深刻启示!下面我从《肖申克的救赎》的鉴赏中向佟老师展示我的课程收获:
影片《肖申克的救赎》在牢狱题材电影中突破了类型片的限制,拍出了同类作品罕见的人情味和温馨感觉,因而在公映时成为卖座鼎盛的黑马一部堪称经典的电影,带给了我们太多的思考。看过两边《肖申克的救赎》,每次观后都会有不同的感悟。
有着颗非常坚强的心的主人公ANDY,更有着坚毅的信念和永恒不变的对自由的向往追求,无论是狱中的恶劣的生活环境,孤独寂寞的精神折磨,时间的消磨都未曾让他放弃过追求自由的信念,片中典狱长曾对他说:“把你的信念交给圣经,把你的贱命交给我”而安迪一直坚信救赎之法就在其中,他把信念交给了非形式化的圣经而是其表现的一种精神上给予万物的救赎,就是靠一把别人眼里要凿600年的锤子,凿通了整堵墙面,挖出了一条隧道通向自由。但是他并没有急于逃离,相信机会有很多,但是他留了下来是为了给整个鲨堡的每个人带来一点精神上的东西,那就是希望,通过帮助别人通过考试,图书馆,等等无不看出他所做的努力。
影片主要是围绕着“希望,信念,自由,友谊”。
首先是希望:Red 说,希望是危险的东西,是精神苦闷的根源。重重挤压之下的牢狱里呆了三十年的他的确有资格这么说。因为从进来的那一天起,狱长就说过,“把灵魂交给上帝,把身体交给我。”除了他能弄来的香烟和印着裸女的扑克牌,任何其他异动在这个黑暗的高墙之内似乎都无法生长。
第二信念:Andy能够用二十年挖开 Red 认为六百年都无法凿穿的隧洞。当他终于爬出五百码恶臭的污水管道,站在瓢泼大雨中情不自禁的时候,我们仿佛看到信念刺穿重重黑幕,在暗夜中打了一道夺目霹雳。亮光之下,我们懦弱的灵魂纷纷在 Andy 张开的双臂下现形,并且颤抖。
试着留住一些信念,在它们丧失殆尽之前。它们也许无法最终实现,也许无法让我们更有意义的活着——甚至对于我自己而言,它们只会愈加带给我来更多的虚无感。然而我知道我有多需要这样的虚伪与自欺,因为你可以说我在做梦,但我不会是仅有的一个。
其次是自由:我到今天也始终不明白,这两个意大利女人在唱什么。事实上,我也不想去明白。有些东西不说更好。我想,那是非笔墨可形容的美境。然而却令你如此心伤。
那声音飞扬,高远入云,超过任何在禁锢中的囚犯们所梦,仿佛一只美丽的小鸟,飞入这灰色的鸟笼,让那些围墙消失,令铁窗中的所有犯人,感到一刻的自由。
当 Andy 不顾一切在监狱的喇叭里放《Le Nozze di Figaro》时,镜头缓缓划过正在广场上放风的犯人们和狱警们。他们叫人感动地静立当地,抛却所有愤懑,狠毒和怨怒,沐浴着我从未觉得如此自由的阳光。莫扎特的乐声铺洒在这些人们身上,来自俗世的美妙音符似乎将他们都濯洗得纯净无比。
强者自救,圣者渡人。我这才明白 Andy 的用意。修屋顶的时候,他为大家争取来啤酒,事实上是为大家争取到那种像在修缮自家的屋顶一般自在的感觉,所以他不喝酒,微笑却带着巨大的幸福;放费加罗的婚礼,也是要唤醒他们已快丧失的自由感。
然而强者终究是少数。自由面前,更多的人们纷纷选择禁锢。在监狱图书馆呆了五十年的 Brooks,为了不被假释,竟然想通过伤害狱友来达到留在监狱的目的。很奇怪吗?自由、平等、博爱,本来应该是人们向往和追求的理想。可是 Brooks 们却早已经被监狱的规则之下规则了自己,他们需要规则,需要秩序,如果没有它们,甚至无法生存。
最后是友谊:此片无关爱情,除了背叛。有的只是监狱中的男人间的友谊。Red 和 Andy 的那种友谊置放在高墙之下,似乎比我们纷繁俗世中的友情来得更加纯粹和干净。他们都是内敛的人,然而洞悉一切,心意契合。我喜欢这种纯洁的友谊。
此片有很多我非常喜欢的布局,它的精密,它的智慧。由于我看柯南的习惯,我也很喜欢从各种角度去思考这部影片的某些细节,透过一些表面现象的本质。或许这些不是影片所要展现的,因为影片想要表达的在前面我已经一一列举了。
迷恋故事的情节,虽然第一次看的时候是直到最后才真的明白整个故事构思,但后两次我都很注意,导演从一开始就留下的微细线索,了解到了,Andy那个令人惊叹的计划,其实从一开始就有所预示的,而入狱后,他所做的一切,貌似跟他的计划不相关,但事实上都是为他的计划做铺垫。
在挖通地道的十九年里,安迪始终有信心不被发现吗?他始终有信心自己能够成功逃脱吗?事实上未必,他只是努力行事使之成为人生的一个选项而已。所以他为囚徒们争取啤酒、放唱片、办图书馆、考取文凭,这些都是人生的选项,不单纯是为了人性的光辉照耀肖申克,亦是使自己的人生沿途增加更多的风景,这样活着,即使最后不能越狱,生命也不至于太过荒凉。
佩服Andy的智慧,从Andy身上,我最大的感触是,作为一个想要追逐梦想与希望的人,拥有非凡的才华是必须的。从他入狱开始,就已经给了自己一个伟大的计划,或许在别人看来就是妄想,但是为何他却从不理会,因为他懂地质,懂气象,懂得如何利用即使是在监狱里所能运用的任何可以利用的资源,以及善于把握任何一次对自己的计划有利的机遇,如在房顶做清洁时,表面上看是为了给大伙争取到一箱的啤酒,但事实上是为了更有利于自己伟大的计划进行。偶然听到狱卒间的对话,或许在他人看来这是冒着被揍的风险去与狱头理论,但那是他对自己能力的自信表现,从此开始在狱里的经济性质的白领工作,这也为他能凭空创造一个出狱后的他自己的另一个身份提供了前提保障。
影片总结:《肖申克的救赎》不仅仅让我认识到了什么是信念,自由,什么是希望、友谊。更让我明白了,有了信念,那么就必须坚持,坚持了才会有希望,才会有你所向往的“自由”。而这一切,还得建立在你的“才华”上,要让自己成为一个优秀的人,无论何时,无论身处哪里。所以,作为学生的我们,就必须好好学习,不断完善自身,那样你才能像ANDY那样有追逐“自由”的资本,才有机会创造奇迹,属于你自己的奇迹。
好莱坞是一个产业化的电影帝国,其商业气息十分浓厚,能在好莱坞立足的导演都是具有一定票房号召力的。但是,这通常需要导演向商业做出妥协,向市场做出妥协,毕竟好莱坞电影讲求“大众化”,因此导演的电影艺术理想在好莱坞的体制面前时常不得不退居二线。但蒂姆伯顿却是好莱坞的“另类”,因为他是为数不多的既具有商业号召力,又能一直坚持自己的电影艺术追求的鬼才导演,其作品中的哥特风格可谓是他成功的最大法宝。
一、蒂姆伯顿的人生经历
蒂姆伯顿小时候性格十分孤僻,是一个孤独、不合群的叛逆少年,他时常呆在家里幻想自己的神奇世界,并用绘画的方式将他们记录下来。除了画画以外,蒂姆伯顿还十分喜欢看老电影,特别是那些B级恐怖电影,这也深刻影响了伯顿后来的电影风格。伯顿于青年时期开始在加州艺术学院学习绘画,并借助迪斯尼赞助年轻动画人的奖学金开启了自己的电影之门,其早期作品如《大冒险》等等都获得了不错的票房成绩,也使得他受到了更多的关注和期待。后来蒂姆伯顿导演了一部向恐怖电影演员文森特致敬的恐怖动画片短片《文森特》,虽然这部动画因为不适合儿童观看而被永久禁放,但是伯顿所擅长的黑暗阴冷的哥特风格却在这部短片中得到了集中的体现,这一风格也被延续到了其今后的许多电影作品当中。
二、蒂姆伯顿哥特式电影的风格元素
蒂姆伯顿的哥特式电影中的场景多为墓地、城堡、静谧小镇等等;其主要人物多为阴郁、孤僻、怪诞,但内心纯净善良的吸血鬼或者体弱青年;而故事情节多描写黑暗、空虚、孤寂等故事;手法则以对比最为见长。
(一)蒂姆伯顿哥特式风格电影的场景元素
蒂姆伯顿的电影中充斥着哥特式电影特有的故事场景,无不体现出阴暗、诡秘、奇幻的色彩,比如《剪刀手爱德华》中爱德华所生活的古堡,杂草丛生,阴云密布,整个古堡都满是灰尘,门窗也十分破败,主人公爱德华在这样的环境中却依然保持着一颗纯洁的心灵,这种阴森与美善相结合的形式给人耳目一新的感觉。又比如《黑影》中的科林斯所生活的古堡,由于家族的破败也变成了一座满目疮痍,十分荒凉的不毛之地,影片前半部分的这种场景选择和设计对于烘托哥特式的恐怖神秘的氛围很有助力,科林斯的后族在这样一座古堡中过着现代人的生活,家人之间的性格不同,对话的氛围也很诡异,这些细节都仿佛在预示着一场争斗蓄势待发,这是蒂姆伯顿常用的表现手法。
(二)蒂姆伯顿哥特式风格电影的人物元素
哥特式电影的主人公常是披着斗篷的吸血鬼或者是性格孤僻,面色惨白的体弱青年,因此蒂姆伯顿的电影中也常以这两种人为主角。提到这里就不得不说到一位深受影迷喜爱的演员了,他是蒂姆伯顿的御用演员,他的外貌和表演风格每每都能将伯顿镜头中的角色诠释得淋漓尽致。他就是曾出演过《加勒比海盗》、《剪刀手爱德华》、《断头谷》等一系列脍炙人口电影的男演员――约翰尼德普。约翰尼德普白皙的脸庞和忧郁的面容以及表情,加上超群的演技,总是将伯顿镜头中的主人公展现得栩栩如生,比如《剪刀手爱德华》中的爱德华,脸庞瘦削,头发凌乱,虽然语言并不多,但是眼神中却传达出许多的情感信息。
《黑影》中的科林斯也是一位面色惨白的吸血鬼,但是不同于爱德华,科林斯在高贵中透露着可爱,但却依旧孤独无助。约翰尼德普用一个个肢体动作和精准的表情将人物性格特点展现得十分到位。再如《科学怪狗》和《僵尸新娘》中的男主人公维克多,虽然这是两部不同的动画电影,前后放映也相隔了7年,但片中的主角不管是在造型还是在性格上都如出一辙,连名字都一模一样,因为他们其实都是约翰尼德普的人偶版,维克多性格孤僻,不爱与人交流,外形瘦削并且体弱多病,这些特点与蒂姆伯顿的童年经历存在着千丝万缕的联系,因此伯顿才形成这样的角色设定,对约翰尼德普更是亲睐有加。
(三)蒂姆伯顿哥特式风格电影的情节设置
一般来说,“哥特式风格多描写满足个人情欲或者争夺财产而引起的迫害、谋杀等不寻常故事”①,在蒂姆伯顿的电影中我们也常常能看到这样故事情节。例如《剪刀手爱德华》中的女主角金,她在见识到了自己男友的丑恶嘴脸之后,开始喜欢上了单纯善良的爱德华,可是金的男朋友却不肯放过他俩,来到古堡与爱德华发生了打斗并最终被爱德华所杀;还有《黑影》中的女巫安娜,她深深地爱着科林斯,但是科林斯却拒绝了她,因此因爱生恨的安娜诅咒了科林斯家族,杀死了科林斯的父母和最心爱的女子,最终也因爱死于科林斯之手,其实安娜是可怜的,她聪明、美丽,但因为爱得太深而丧失了理智,这是“情欲”所引起的谋杀;《僵尸新娘》中的谋杀情节则是因争夺财产而起,艾米丽在人世被谋财害命,最终冤死成为了僵尸;《断头谷》也是因为一场遗产继承风波发引发了一连串的神秘谋杀案。
(四)蒂姆伯顿哥特式风格电影的对比手法
蒂姆伯顿的电影中经常会利用对比手法营造出强烈的发差,从而使人物的性格特点被凸显和放大,让人印象更深刻。最好的例证莫过于《剪刀手爱德华》,爱德华生活在恐怖阴森的古堡里,可他自己却是一个内心细腻,心地善良的“人”,这与他居住的环境形成了对比;古堡阴森恐怖,但古堡不远处的小镇却是阳光明媚,小镇中奇形怪状的植物雕塑和色彩艳丽的别墅都与古堡的风格形成强烈对比;
可是小镇中的居民是伪善的、胆小的、势利的,他们会因为爱德华会理发的特长而迅速接纳他,也会因为爱德华的一次失手杀人而立马抛弃他,居民的这种性格和爱德华的性格又形成了对比,这种多重矛盾和对比的集合就制造出了冲突,也让人物性格在环境的映衬下显得更加突出;《圣诞夜惊魂》也是伯顿利用对比手法的一部电影,片中的万圣镇阴冷灰暗,了无生气,而与之相对应的却是圣诞镇灯火通明的欢乐气氛;还有《僵尸新娘》中的环境与人物对比,维克多生活的小镇白雪皑皑,色调灰沉,了无生气,街上看不见几个人,即使有走过的匆匆过客也是低着头面无表情,给人异常压抑的感觉,而鬼怪所生活的世界却是灯火酒绿,欢乐异常的,他们在酒吧里唱歌,喝酒,开玩笑,十分轻松惬意,蒂姆伯顿赋予了鬼怪门开朗、豁达、善良的性格,却将小镇居民刻画成阴险、胆小、势利的小人,这种设计颠覆了人们认知的传统,形成了强烈的对比,也让人印象十分深刻。
三、结语
蒂姆伯顿,一位年幼时性格孤僻、不合群,却在后来跻身成为好莱坞,并获得终身成就奖的鬼才导演,将影片与自身经历结合,形成蒂姆伯顿式的“哥特式”的独特风格,在“商业化”与“理想追求”之间寻求了最佳的平衡。纵观伯顿的影片,不得不说,他的确是哥特式风格的集大成者,在他众多优秀的作品中哥特式风格异常凸显,这也成为了其成功的秘诀。虽然蒂姆伯顿擅长黑暗阴冷的哥特式风格,在影片中黑暗阴冷的氛围的确让观众感受到冷意,但不能忽视的是在其作品中黑暗阴冷背后的真善美与温暖。
注解:
① 智琛 《鬼才导演蒂姆?伯顿的哥特式情节》,电影评介,2009(17)
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斯皮尔伯格是世界电影的旗帜性人物,在电影艺术的世界里取得了非凡的艺术成就。对斯皮尔伯格导演的电影进行研究是认识和分析西方电影世界的基础。中国学者和批评家对斯皮尔伯格电影艺术的研究内容深入、形式多样、学术成果显著。研究斯皮尔伯格电影的艺术构成之维、艺术生命之源、艺术创作之本、艺术影响之源,反映出斯皮尔伯格电影的独特魅力及其艺术成就,其所代表的好莱坞电影艺术给中国电影发展带来巨大挑战与机遇。以下是读文网小编为大家精心准备的:论斯皮尔伯格电影的艺术魅力相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:斯皮尔伯格的出现无疑加快了人们认识世界的步伐。作为世界电影史上传奇和标志性的大师级人物,他坚持单一的主体叙事原则,采用戏剧式的叙事结构,并制造大团圆的故事结局模式,依靠自己电影作品的艺术魅力征服了全世界范围内数以亿计的电影观众。本文结合斯皮尔伯格的电影作品,从他电影作品的艺术成就与贡献,艺术的来源,艺术创作的风格以及艺术中的文化符号四个方面分析了斯皮尔伯格艺术的独特魅力。
在电影诞生的120年里,它作为一种听觉和视觉的现代艺术形式改变了人们的娱乐方式。随着电影艺术的不断发展,电影已经深入到人类生活的各个方面,成为现代人生活中不可缺少的一部分。在电影艺术的发展中也涌现了一批具有极高艺术魅力的电影作品和电影大师。其中斯皮尔伯格凭借其影片震撼的视觉效果和深刻的内涵成为世界电影史上举足轻重的人物。本文从斯皮尔伯格的电影作品出发,来探索他电影的艺术魅力。
从《大白鲨》到《ET外星人》,从《辛德勒的名单》到《拯救大兵瑞恩》,这些电影作品无不表现着斯皮尔伯格无限的创作激情和惊人的艺术表现力。斯皮尔伯格的电影作品中综合运用了舞台艺术与现代化的媒体技术,创作出了令人叹为观止的艺术效果。斯皮尔伯格的成功还体现在他的作品始终坚持着自己的艺术追求和艺术品位,并且在作品中体现了对人类的终极关怀。正是凭借这样的艺术创作风格,也使得斯皮尔伯格成为众多影评人和媒体追逐的焦点人物。
斯皮尔伯格对艺术的贡献最突出的表现就是具有用文化形态的电影影响了社会文化,充分发挥了电影的艺术表现力,这也正是斯皮尔伯格电影的魅力之一。斯皮尔伯格在影片题材的选择上、在角色的设置和塑造上、在审美标准的确定上都更加注重对本体的真实需求和欲望的揭示。和传统文化对欲望的克制、自律和对意识的严格束缚不同,斯皮尔伯格电影作品中的人物有着各自不同的欲望和需求,有着本能的需要和对社会的要求,他在这些电影作品中用理性思维来思考着这些现实的社会心理文化的归宿,从而表现出了对人类内心的终极关怀。这种终极的人文关怀使得斯皮尔伯格的作品具有极深的思想和哲学内涵,使作品富于极高的艺术魅力。
这种独特的人文艺术魅力在斯皮尔伯格的电影作品《侏罗纪公园》中有着淋漓尽致的表现。在《侏罗纪公园》中,斯皮尔伯格选择了一种科幻的题材,独具匠心地、艺术地再现了恐龙的世界,用恐龙的生存灾难震撼观众的心灵,斯皮尔伯格将居安思危这个富于哲理的主题寄托于电影震撼的场面中,让观众在一场视听盛宴中获得永恒的启迪。
艺术内容的包罗万象和艺术形式的千差万别,并不会影响艺术家的创作灵魂。艺术作品的多样性与艺术家的艺术生命的不同息息相关。1946年斯皮尔伯格出生在俄亥俄州,父亲和母亲分别为计算机科学家和音乐演奏家。斯皮尔伯格从小就具备了喜欢冒险和思考这两项进行艺术创作的条件,也正是冒险和思考开拓了斯皮尔伯格的艺术之路。
作为一个深受犹太文化影响的人,斯皮尔伯格对于犹太人的身份有着极深的排斥和自卑感。因为在第二次世界大战期间,犹太人遭遇了法西斯疯狂的屠杀,期间出生在美国的犹太人斯皮尔伯格经常因为自己的身份遭到同学的嘲弄甚至辱骂,这让幼小的斯皮尔伯格厌恶自己的犹太人身份,也让“大屠杀”这样的词汇成为他终生不想听到的词语。这些经历使得斯皮尔伯格的电影作品中流露出对真情、平等和自由的渴望。或许是因为幼时有这样的经历,斯皮尔伯格更能够在自己的电影作品中表现出犹太人对自由和生命的渴望以及对现实的无奈。这种对死亡恐惧中渴望生存的理解,使得斯皮尔伯格的电影作品中更加突出对生命的思考。
生活中的场景永远是艺术创作中源源不断的素材。斯皮尔伯格的电影既受到生活中素材的启发,也受到好莱坞电影风格的影响。在艺术创作中,斯皮尔伯格始终坚持本体论,借此来关注人类的内心需要和追求。斯皮尔伯格所执导的好莱坞影片,具有反思精神和普遍适用性。在叙事风格上,斯皮尔伯格坚持单一的主体叙事原则,采用戏剧式的叙事结构,并制造大团圆的故事结局来满足观众对于圆满剧情的期待。这些要素的使用,促进了斯皮尔伯格电影的广泛传播。
戏剧式的叙事结构来源于舞台的表现艺术。和舞台表现艺术一样,电影的叙事结构也依靠矛盾和冲突。斯皮尔伯格将戏剧化的结构引入电影的创作之中,在其16部电影作品中,将情节的开端、发展、高潮和结局四个阶段都毫无例外地做了体现。比如《ET外星人》中,故事的开端是小男孩爱利奥特收养了一个外星人;故事的发展是小男孩和外星人建立了深厚的友谊;故事的高潮是ET和孩子们一起冲出重围;故事的结尾是ET离开地球。事实证明这种带有明显的起、承、转、合的结构更加符合电影的叙事表现风格。
斯皮尔伯格在电影的结局处理上面比较倾向于好莱坞影片的主流结局,即大团圆结局。对于故事的结局,无论是导演还是观众都有自己的心理期待,而大团圆结局是最能够满足观众心理期待的结局。在斯皮尔伯格的作品中,他总能让观众与主人公同呼吸、共命运,让观众在电影中有很强的介入感和存在感。
斯皮尔伯格凭借其电影作品的艺术魅力,成为美国最具影响力的名人之一。他的电影作品屡获殊荣,他也因此成为美国电影的符号人物之一。功成名就的斯皮尔伯格将自己对电影艺术魅力的理解和心得传授给了更多的影坛新人。罗伯特?赞米基斯、萨姆?门德斯、亚历山大?佩恩等在斯皮尔伯格的调教下成为好莱坞各个领域的新生力量,他们活跃在好莱坞的各个领域。
正是因为他的倾心传授,才有了好莱坞新生力量的蓬勃发展,这体现了斯皮尔伯格高尚的人格和强大的艺术感染力。斯皮尔伯格的电影作品正在作为一种文化的符号,凭借其独特的魅力吸引了更多的人从事电影创作,保证了美国电影业的持续繁荣。斯皮尔伯格的艺术魅力还在于他成功地模糊了电影的国界感,凭借震撼人心的视觉呈现和体现终极关怀的人文理念征服了世界各国的电影爱好者,他作品中表现出来的独特的艺术魅力也吸引着越来越多的人来关注好莱坞,关注美国电影。这对于传播美国文化,增强美国的国际影响力都有着十分重要的意义。从这个概念上来讲,斯皮尔伯格电影的艺术魅力不仅是一种文化的符号,更是一种国家艺术水平和力量的体现。
通过以上探索分析可知,斯皮尔伯格是世界电影史上的传奇和标志性人物。他坚持单一的主体叙事原则,采用戏剧式的叙事结构,并制造大团圆的故事结局,在好莱坞电影中具有代表意义。21世纪以来,随着新媒体的不断发展,中国进入了大众文化传播时代,研究斯皮尔伯格电影的艺术魅力,借此来解读好莱坞电影的叙事结构、人物设定、特效使用以及艺术表现手法,对于中国电影的发展具有重要意义。
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电影,是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续的视频画面,是一门视觉和听觉的现代艺术,也是一门可以容纳悲喜剧与文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的现代科技与艺术的综合体。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅析数字时代电影发展的技术与艺术相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
随着科学技术的发展,人们已经进入以视听享受为主的消费时代,观众在看电影的时候不仅是了解剧情,用眼睛来看,更多的观众是在感受电影,享受电影。数字时代电影技术的发展给电影带来了一系列的改变,满足了大众对电影艺术的需求,各种数字特效的运用也成为好莱坞独霸全球电影市场的一个重要原因。换言之,进入数字时代,新的电影技术的注入不断改变着人们的视听体验和观影感受。因此,数字时代,电影技术与艺术的链接更加紧密。
经过一百多年的发展,电影既承载并发扬了戏剧艺术的叙事特征,同时又发展了电影艺术本身的特点――利用电影独特的视听表达创造身临其境的感官体验。尤其在视觉表现方面,电影用于呈现视觉奇观的这一特点,随着影视制作技术和电影放映技术的数字化发展,被不断地突出、放大。
(1)对电影制作方式的革新。
在数字技术介入电影制作之前,电影从拍摄到剪辑到配光调色乃至声音制作,都是另一番工作模式,可以用线性的、难以修改的和代价高昂的来形容概括。在过去这一二十年的数字化变革之中,几乎所有电影制作环节都被数字化更新了,最为突出的就是用电脑实现特效镜头的制作。曾经,摄影机是电影获取画面的唯一方式,在很长一段时间里,即便电影中出现奇幻的视觉效果,也是通过实体模型、洗印合成、电子特技等手段来完成,能够实现的视觉效果非常有限。数字技术提供了一种可能性:传统电影特效能做到的,它可以做得更好、更完美;传统电影特效不能做到的,它更可以出色完成。计算机在这方面发挥重要作用。
计算机参与电影特效的制作表现为:
一是起控制作用,控制着用来辅助产生画面的装置,用以拍摄特殊的画面或进行合成。
二是直接参与电影特效画面的创建,主要包括数字影像处理技术、数字影像合成技术。电影特效是用来创造视觉奇观的,而数字特效则是把创作者的想象呈现至眼前的利器,现在数字特效技术已经在电影创作中被广泛使用,甚至还成为票房收入的基本保证。
(2)对现代放映技术和影院环境的革新。
数字技术在改变电影制作方式的同时,也改变着电影的放映方式。1995年美国哥伦比亚公司的电影院播放了运用数字技术制作的电子拷贝,数字影院应运而生,标志着电影已经可以不再依赖于胶片就能够和观众见面。数字影院与传统影院不同的是数字影院放映的是数字“拷贝”。与传统电影相比,数字电影最大的区别是不再以胶片为载体,以拷贝为发行方式直接传送到影院、家庭等终端客户。电影放映环节在完成数字化改造之后,也随着数字技术的发展,同步更新着自身系统,从2K到4K,不断地挑战更高的技术标准。此外,数字化改造为影院创造了一个开放化平台,使更多新的技术可以与影院嫁接,如4DX影院,利用电脑控制和电影情节同步触发影院环境特效。这些都在为观众创造着更真实的观影体验,也使电影艺术更具魅力。
(3)对电影创作思维的革新。
不论是电影的制作方式还是放映环境,数字技术都在为电影艺术发展注入新的力量,拓展了电影艺术的创作空间。电影与其他艺术形式相比,是最能给人创造壮观的时空感受的艺术门类,这也是电影艺术的一个重要特点。作为与技术手段关系最为密切的艺术形式,数字技术给电影带来了生机,为多维时空的建立提供了强大的手段。创作空间无限广阔,只有想不到,没有做不到,这场数字化变革最终就是一场创作思维的革命。
(1)营造沉浸式观影环境。
沉浸式的观影环境主要通过包裹视野的银幕、逼真立体的还音系统以及模拟真实的影院环境特效综合营造的效果。包裹视野的银幕主要包括巨幕、球幕、环幕等银幕形式,通过足够大的能够包围人眼视域的影像内容,让观众在观影时感觉像置身于影像所展示的情境之中,营造沉浸感。在传统的胶片时代,为了拍摄和放映巨大的包裹视域的影像,大多选择大画格胶片,如IMAX的70毫米15片孔胶片,用以提升超大银幕下影像的清晰度。
但这种方法只适用于单台放映机可以实现的矩形巨幕或球幕影院,若是异形巨幕、环幕等需要多台放映机组合放映来实现包裹效果时,胶片放映机就会在各自放映的画面之间留下一道尴尬的边界,因为在胶片时代,很难把多台放映机的单个画面组合成一个完整的画面。随着数字时代的到来,电影制作和放映环节的数字化改造使数字融合技术得以发挥优势,在影片放映时,那些清晰度大大超于普通商业影院标准的超大画面被同时分配给多台数字投影机同步投射在巨大的异形银幕之上,数字融合技术是保证多个画面无缝拼接到一起的关键,也成为让观众感觉置身于“真实”环境的基础。
除了包裹视域的画面,影院声音系统也为了还原真实情境的声音效果在不断地完善声音重放技术。影院重放技术经历了单声道、立体声、环绕声几个阶段,为了进一步还原出和自然界完全一致的声场环境,全景声技术开始突破原有的围绕着一个平面来进行音箱摆位,在影院观众区上方、屏幕后、观众后区分别增加了音箱,为影片的声音设计提供了更加广阔的空间,也为观众增加了声音的包围感。在声音制作时通过元数据技术记录了声音制作过程中的各种操作,声道输出方式不再局限于放置在固定的物理通道当中,利用元数据技术,全景声系统会根据重放环境音箱数量的不同自动对输出通道进行调整,从而在很好的兼容了环绕声重放系统的同时,为观众营造更逼真的声音环境。
在画面与声音之外,有些影院还专门增加了和电影故事情节同步的环境特效,来刺激观众视听觉以外的感官体验,从而增加观众的现场沉浸感。环境特效一般包括刮风、闪电、雨雪、水雾、烟雾、气味、扫腿碰触等多项特效动作。这种在传统影院基础上添加了环境特效模拟仿真技术的特效影院,通常会结合座椅的运动,所以也称为动感影院,如果再结合放映3D立体电影,就形成了4D影院、4D动感影院或5D影院。这类影院无论如何取名,都是以全面激发观众五感的方式在营造沉浸式的观影环境。
(2)创建交互式娱乐平台。
随着21世纪信息时代的来临和数字技术的成熟,文化娱乐业在近20年的不断探索中发生了巨大变化。在新形态的影院里观众不再是单向地观看电影,而是可以和电影内容产生双向互动。最早的交互式影院主要以短片游戏化方式呈现,观众可以骑在化身机械战马的动感座椅上,瞄准影片中出现的怪兽射击,最后和同场参与的小伙伴比试谁的枪法准。随着交互式影院模式的成熟,未来观众可以在互动环节通过座椅按键或其他触发装置参与到电影剧情的发展中去,电影的情节也随着观众互动的结果而改变走向,故而产生了多线程的电影情节结构,大大增强了电影的娱乐性。这种交互影院模式通过计算机程序控制实施多线程放映,颠覆了以往的电影创作和放映模式,虽然目前还没有商业故事片真正走进交互影院,但相信未来将是一个非常重要的电影技术发展方向。
(3)构筑虚拟漫游体验。虚拟现实是计算机图形技术中的一个很重要的组成部分,也是近几年兴起的一门高新技术。通过该技术的应用,用户可以通过感官、触觉与电脑建立一个虚拟的场景进行互动,通过交互装置,可以反馈给计算机进行处理,实时变化虚拟场景,让观众身临其境。该项技术广泛应用于社会各个领域,在电影制作过程中主要应用于电影特效的动作捕捉等领域。
人物头部追踪在虚拟现实中非常重要,该项技术可以根据观测者头部的位置变化角度,更多地用于渲染3D场景,是某个场景看起来就像通过观测者头部位置来控制当前的电影场景。头部追踪可以在一个屏幕或一组环绕的屏幕环境中进行,比如在一个六面体房间内进行。六面体房间的六个墙面都是限时屏幕,观测者头部戴上追踪仪器站在房间内,六面墙就会依据观测者头部位置,在六面墙上以一个正确的角度渲染虚拟世界的场景,观者可以在这里实现一次虚拟漫游,身临其境体验电影中的各个场景,打破原有的观看体验。
电影从其诞生开始,摄影机就是电影制作过程中用来捕捉影像的工具。最初,一部电影制作完成需要摄影机和录音机同步工作,真实地记录人和事物的动态发展过程。这种原始的拍摄方式,可以给观众一种真实的感受,同时也赋予了电影一个重要的属性――纪实性。在电影漫长的发展时期,电影艺术开始不满足于简单地记录真实,而是开始追求创造一些内容并且让观众相信它是真实存在的,于是一些怪诞的、奇妙的、科幻的内容开始进入电影创作者的视野,一开始,创作者们通过简单的模型、手绘的背景和胶片洗印时的合成技术来实现,慢慢地,随着数字时代的到来,这种传统的拍摄模式发生了脱胎换骨的转变。
从《侏罗纪公园》中的恐龙到《少年派奇幻漂流》中惟妙惟肖的老虎和《阿凡达》中的潘多拉星球等等,这些并非真实的角色和众多非现实的场景开始大量在电影中出现,他们不再是用传统的方式拍摄得来,而是利用计算机创作出的数字内容。电影,开始使用一种全新的创作模式。
一直以来,电影作为一种艺术形式,让无数人对他心驰神往,但是电影创作有着很高的技术门槛,高昂的制作成本和专业、贵重的设备让很多人望而却步。数字技术的到来打破了这一格局,电影不再属于高门槛的垄断行业,随之而来的大众随手拍的时代。这意味着技术不再是一道墙,而成了一阶通往电影艺术的台阶,更多的新鲜血液会进入这个领域。这也意味着传统的影视业面临着新的机遇和挑战,只要你有想法,你有电影艺术的创作能力,你就可以创作一部电影作品。随着数字电影作品的增加,电影作品交流的欲望不断增强,更多全新的影视传播方式也将破土而出。
随着数字时代的到来,电影技术的门槛被降低了,人人都可以举起数字摄影机拍摄电影作品,只要你有想法;同样,随着数字时代的到来,电影技术不断升级,突破了原有的技术表现边界,电影开始变得无所不能了,只要你有想法。所以,在这个数字时代,说起电影,技术不是问题,艺术探索永无止境。
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音乐是电影艺术至关重要的元素之一,帮助影片实现影音同步、声画结合。声乐艺术汲取了声音与音乐的精华,在电影作品中的运用极具艺术特色,使得电影主题凸显、艺术氛围浓烈。本文深入了解了电影《立春》及其声乐艺术,研究声乐艺术对电影本身的叙事作用。该部影片利用原创音乐和西洋歌剧来参与电影情节发展,通过刻画人物复杂的内心矛盾来表现现实与理想之间的强烈反差,对声乐艺术的广泛利用使得人物之间的外部冲突剧增,起到了强化电影主题、渲染人物悲剧色彩的作用。以下是读文网小编为大家精心准备的:论电影《立春》中声乐艺术的作用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要: 在电影艺术中,音乐发挥着营造场景氛围、表现人物性格、表达情感变化、升华电影主题的重要作用。电影《立春》以女主人公王彩玲的音乐理想和艺术追求为线索,展现了王彩玲在追求音乐梦想中遇到的种种挫折。在《立春》中,声乐艺术发挥着至关重要的作用,通过四首声乐作品的反复运用表现了主人公孤独、无奈的内心世界,提升了影片的艺术品位,深化了影片的思想主题,实现了电影音乐与电影画面的完美结合。
电影是一种融合了绘画、音乐、文学、舞蹈、雕塑等艺术形式的综合性视听艺术,在电影艺术中音乐发挥着营造场景氛围、表现人物性格、表达情感变化、升华电影主题的重要作用。因而,在电影创作中,应根据故事情节、思想主题、电影画面、影片风格等选择电影音乐,通过电影音乐推进剧情发展,突出电影的思想主题,表现人物的内心世界,提升影片的艺术魅力。电影《立春》以上世纪90年代的北方小城为故事背景,以女主人公王彩玲的音乐理想和艺术追求为线索,展现了女主人公王彩玲在爱情、事业、生活上所面临的种种挫折挫折,表现了王彩玲对音乐艺术的不懈追求,片中歌曲与画面浑然一体,弥漫着浓浓的艺术气息。
主人公王彩玲是一位普通的小学音乐教师,她相貌并不出众,满脸疙瘩,一张嘴就露出几个大龅牙,走起路来有点罗圈腿,但王彩玲却有着超常的音乐天赋,能够唱出清新脱俗的天籁之音。只可惜,王彩玲生活于在偏僻、落后的县城,在这个偏僻的小城里没有人能够欣赏歌剧这种高雅艺术,许多人都认为那是一种浪费力气且毫无意义的艺术,这无疑为王彩玲的音乐追求蒙上了一层阴影。影片开头,导演将电影画面定格于文艺青年周瑜专心聆听王彩玲演唱的表情上,用音乐讲述王彩玲的音乐理想与人生故事。然后,王彩玲演唱了声乐歌曲《暮春》,《暮春》是舒伯特的音乐作品,该曲旋律优美动听,语言质朴无华,节奏自然流畅,犹如奥地利民歌般质朴自然,优美的音乐语言描绘了大自然盎然的勃勃生机,整首乐曲散发着亲切、唯美的浪漫主义气息。显然,乐曲《暮春》与王彩玲的音乐理想、人生追求完全一致,导演借这首歌曲交代了主人公王彩玲的身份、职业、特长和爱好,阐释了影片的思想主题,推动了剧情的深入发展,表达了王彩玲对美好春天的憧憬和向往。随后,在轻松欢快的音乐伴奏中,电影画面切换到了王彩玲的声乐课堂之上,头戴纱巾的王彩玲带领学生演唱歌曲《暮春》,清新、悠扬的歌声中夹杂着少许世俗气息,形象表达了王彩玲的内心喜悦和生活追求,使王彩玲深深陶醉于美妙的歌声之中。
此后,街道边的喇叭上也唱起了歌曲《暮春》,“立春一过,实际上城市里还没啥春天的迹象……”,平静安详的音乐层层铺开,优雅动听的女高音传遍整个小城,飘荡于山花烂漫、绿树成荫的春天里,犹如清晨的太阳在灰蒙蒙的小城透射出点点阳光,表达了人们对美好春天的留恋与向往。但是,王彩玲那朝气蓬勃的歌声并未掩映陈旧、保守、灰暗、萧瑟的小城,人们仍麻木、呆板地骑着自行车,毫无生机地行进于上班的路上,这种视觉与听觉的强烈反差暗示了王彩玲与固步自封的小县城格格不入,为王彩玲的悲剧生活埋下了伏笔。
电影《立春》围绕着女主角王彩玲的音乐梦想展开故事情节,表现了王彩玲在追求艺术梦想中的心酸与痛楚。片中,王彩玲是一位有梦想、有上进心的女孩,虽然在追求音乐梦想的过程中屡屡碰壁,但是这些困难和挫折并未阻挡王彩玲追求梦想的步伐,她常固执地认为,只要坚持不懈,就可以实现自己的音乐梦想,只有实现音乐梦想,才能使自己的生活更有价值和意义。但是,由于相貌丑陋、体型不佳,在实现梦想的过程中,王彩玲接二连三地遭到了面试官的拒绝,这使王彩玲的梦想变得支离破碎。特别是在北京的日子里,现实总是冷冰冰地摧毁着王彩玲的梦想,这令她非常难过,甚至可以用度日如年来形容。
片中,导演用声乐歌曲《献身艺术,献身爱情》表现了王彩玲在追求艺术梦想中的心理变化和内心痛楚。歌曲《献身艺术,献身爱情》是作曲家普契尼的代表作《托斯卡》中的一段,普契尼运用曲调悲伤缠绵的咏叹调,表现了女主人公托斯卡对爱情的执着、对艺术的追求、对命运的无奈。因而,该曲是意大利歌剧中最优秀的咏叹调。歌曲《献身艺术,献身爱情》的思想主题、音乐形象等与王彩玲的艺术梦想、进京学习却屡遭拒绝的人生经历非常相似,王彩玲有着崇高的音乐理想和不懈的艺术追求,但在现实生活中屡屡碰壁,不得不面对世人的冷漠、欺骗与讥讽。歌曲《献身艺术,献身爱情》首先出现于王彩玲教周瑜唱歌的场景中:在学校的琴房中,王彩玲深情地演唱了歌曲《献身艺术,献身爱情》,演唱中王彩玲忘记了周围的一切,将自己的生命完全融入歌声之中,将歌剧《托斯卡》的主人公托斯卡的咏叹调变成了自己的咏叹调,变成了对命运和生活的质问,让观众在音乐中走进了王彩玲孤独、伤感、无奈的内心世界。
歌曲《献身艺术,献身爱情》第二次出现于王彩玲到中央歌剧院面试时的片段,王彩玲到中央歌剧院毛遂自荐,但她的请求却屡遭拒绝,歌剧院领导拂手而去,这时王彩玲跪地唱起了《献身艺术,献身爱情》,“上帝,为何对我如此绝情与残忍”,高亢而忧伤的歌声与曲中托斯卡的悲痛欲绝的情感融于一体,也与电影画面融于一体,唱出了王彩玲的独孤、无助、绝望的心声,也将王彩玲的内心痛楚淋漓尽致地表现出来,大大深化了电影的悲剧意蕴,带给观众极大的心灵震撼。从这段声乐歌曲中,我们可以感受到这位单纯、善良的女孩内心的压抑、痛苦与不幸,感受到王彩玲坚韧不拔的意志与强大的内心世界。影片最后,王彩玲在大礼堂内演唱了歌曲《献身艺术,献身爱情》,最终圆了王彩玲的梦想,也带给人们无尽的生活遐想。
乐曲《阳关三叠》是根据王维的《送元二使安西》谱写的古典声乐歌曲,乐曲以伤感的情调表达了诗人对友人的依依不舍之情,在经过历代音乐家和文人的努力之后,该曲成了一首较为成熟的长短句多段声乐作品。在电影《立春》中,导演巧妙地运用了乐曲《阳春三叠》,生动展现了王彩玲的生活现状与内心世界,刻画了王彩玲内心的孤独、无奈与凄苦,在音乐与电影画面的完美结合中升华了影片的思想主题。以王彩玲报考中央歌剧院而言,她明知会多次碰壁,但是却抱着飞蛾扑火的决心,勇敢地走上了为艺术献身的道路,当王彩玲来到中央歌剧院之后,她在领导办公室门口唱出了“马儿将要带着你离开……我们何时能再次开怀畅饮”,这种悲伤的情感生动表现了王彩玲的无奈和凄凉。
电影《立春》成功塑造了相貌平平却拥有音乐天赋的女性形象――王彩玲,在这个人物形象塑造中音乐发挥着至关重要的作用,因为王彩玲的一生始终与音乐密切联系,音乐是王彩玲的人生梦想,也是她生活的全部,更是她的人生和命运的表达方式。影片中,导演运用了《乘着歌声的翅膀》、《月亮颂》等声乐歌曲,通过这些声乐歌曲诠释了王彩玲对命运的不甘、绝望和无奈,成功塑造了王彩玲的艺术形象。
歌曲《乘着歌声的翅膀》是作曲家门德尔松的作品,孟德尔松擅长浪漫、抒情的音乐创作,其作品多以华丽和优雅著称于世。歌曲《乘着歌声的翅膀》是孟德尔松献给未婚妻塞西尔?让勒诺的一首歌曲,该曲旋律清新优美,节奏富有动感,描绘了宁静的月夜、美丽的百花、亲爱的人们、幸福的梦想,勾勒出了舟行水上的温馨画面,展现出浓郁的浪漫主义色彩,每当听到这首歌曲时人会不自觉地哼起“乘着歌声的翅膀……憧憬幸福的梦”的浪漫诗句。
在影片《立春》中,导演巧妙运用这首浪漫的抒情歌曲,表现了世人对高雅艺术的无知和对另类生活的冷漠。比如,在县城的老式电影院门前,人们举行了一场盛大的露天文艺活动,在演出活动中,民族大秧歌获得了观众的青睐,并赢得了阵阵掌声,而舞蹈老师胡金泉的芭蕾舞蹈并未得到观众认可,换来了一片哄堂大笑。望着狼狈不堪的胡金泉,王彩玲心中满怀同情,等到王彩玲演唱声乐歌曲《乘着个歌声的翅膀》时,台下观众早已散去,只剩王彩玲站在露天舞台上唱独角戏。此时,天空中缓缓飘起了雪花,清凉的歌声与宁静的天空形成了强烈反差,巧妙的音画对比展现了王彩玲孤独、寂寥的内心世界。显然,《乘着歌声的翅膀》中饱含春天暖意与现实社会的寒冬凄凉有着巨大差异,这种差异表现了主人公另类的生存状态,揭示了人生理想与现实生活的巨大反差,表现了生活理想与社会现实之间不可调和的矛盾。
乐曲《月亮颂》是作曲家德沃夏克的歌剧《水仙女》的乐曲,作曲家以高雅的旋律、明快的节奏、纯真的情感、唯美的诗意,描写了水仙女鲁萨尔对恋人深情怀念,她恳请月亮告诉她恋人的去处,让月亮代她传言“告诉他,在梦中想念我”,“告诉他,我在这里等待他”。整首歌曲旋律悠长、低沉哀怨、如凄如诉,生动展现了鲁萨尔为爱情献身的高贵品质。在电影《立春》中,导演借用了《月亮颂》的音乐旋律、情感表达、音乐形象、思想主题等,以此表现王彩玲所面临的内心冲突。
王彩玲有着崇高的音乐理想,身上也散发着真诚与善良的艺术气息,她将“中央歌剧院”当成自己的童话世界,勇敢地追求这个不属于自己的生活梦想,但是她的理想却屡屡破灭。在王彩玲进京无望、爱情理想破灭时,王彩玲选择了到歌厅当啤酒销售员,破旧的歌厅、媚俗的音乐、暧昧的色彩、杂乱的音响与王彩玲对高雅艺术的追求形成了鲜明对比,这时《月亮颂》成了王彩玲内心情感的艺术再现,歌曲中充满乞求的音乐情感生动表现了王彩玲无助心态,凸显了王彩玲对高雅艺术的渴望。影片结尾,导演让王彩玲圆了自己的梦想,并用“立春”两字昭示了影片的深刻含义――春天的意义不仅仅在于它非常美好,还在于它带给你希望和未来。
电影《立春》中,声乐艺术发挥着塑造人物形象、推动剧情发展、深化影片主题等多重功效,四首声乐作品的反复运用表现了主人公孤独、无奈的内心世界,提升了影片的艺术品位,深化了影片的思想主题,实现了电影音乐与电影画面的完美结合,收到了良好的艺术效果。同时,导演也借助声乐歌曲表现了王彩玲在追求梦想中遇到的重重艰难险阻,展现了理想与现实之间强烈的冲突和碰撞,带给观众无尽的遐想与沉思。
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阿甘正传》是一部讽喻美国社会的有影响力的作品。这部电影通过塑造了弗雷斯·甘这个智障者的人生,以此表达各种多元化的主题。本文试着从《阿甘正传》这部电影的音乐入手,对这部电影里的音乐叙事手法进行探究。《阿甘正传》这部电影引入了大量的配乐,而这些配乐都和阿甘的人生密切联系在一起,成为整部电影叙事不可分割的元素。以下是读文网小编为大家精心准备的:论电影《阿甘正传》的音乐叙事艺术相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
论电影《阿甘正传》的音乐叙事艺术全文如下:
摘要影片《阿甘正传》是美国“反智电影”最杰出的代表之一。本文从电影《阿甘正传》的音乐入手,将整部影片分为阿甘的成长、越南战争、英雄归来等几个阶段,分别阐述了影片中匠心独运的音乐叙事艺术,旨在帮助我们更好地理解音乐在这部电影中的作用和意义。
关键词:《阿甘正传》 音乐 叙事艺术
电影是一门集中了摄影、美术、音乐、表演等多种艺术形式的综合艺术。音乐作为电影的重要组成部分,对于电影人物的塑造、特定氛围的烘托以及故事情节的推动都有着重要的作用。电影《阿甘正传》不仅凭着史诗般庞大的叙事结构和励志的故事情节打动了亿万观众,更以其成功的电影叙事艺术抵达上了电影音乐的高峰。
电影《阿甘正传》改编自美国著名畅销书作家温斯顿?格罗姆的同名小说。影片以第二次世界大战后的美国为故事背景,讲述了一个智商只有75的智障患者阿甘,凭着自己的诚实、善良、坚韧和宽容,不断的成长,最终成为一名英雄的传奇经历。“生命就像一盒子装满了各种各样味道的巧克力糖,你永远不指导下一个将会拿到那个”,电影的开头,阿甘引述妈妈经常对他说的一句话,成为整个故事的总纲,预示阿甘一生的传奇经历,就像吃了各种各样味道的巧克力糖。通过阿甘的故事,史诗般的重现了二战后美国社会许多重大的政治事件,真实的再现了美国民众日常生活的方方面面,并对20世纪90年代美国社会高涨的反智情绪进行了回击和反讽,呼吁对人与人之间的互相平等和尊重,回归自然和人的本真。这部电影让很多美国人开始冷静下来重新审视国家发展的历史,反省自己的内心,引起了巨大的反响。
20世纪是美国流行音乐和摇滚乐的辉煌时期,涌现了一大批极具天赋的伟大歌手和音乐家,创作了很多脍炙人口、影响深远的音乐作品,这些歌手及其作品不仅是特定历史时期美国大众文化的代表,更是一段段美国历史的经典记忆。《阿甘正传》整部电影中共出现了31首歌曲,贯穿了整部电影始终,成为推动故事情节发展、营造特定故事氛围、塑造人物形象以及达到讽刺和幽默效果的重要工具。在这些音乐中,有的属由美国著名作曲家、被称为“重击老大”的亚伦?史维斯查亲自捉刀;有的则根据人物塑造或剧情发展选取美国著名的流行音乐或摇滚乐名曲;有的音乐是来自电影人物的直接演绎;有的则作为电影的音乐背景出现。这些音乐通过多种叙事艺术巧妙的融合在电影中,达到了音乐和电影的完美结合。
亚伦?史维斯查以交响乐和重金击打乐创作为主,但在这个阶段配乐中亚伦?史维斯查改变自己主要的创作风格,而是选择了相对非常简单、明快、单纯的曲风,这和电影主人公阿甘的性格和品质,整部电影故事发展的动向都是一致的,很自然的引出了故事的主题,也为电影故事的后续发展做好了铺垫。
电影的开头,随着一片羽毛在小镇的上空随风飞舞,时而下沉,时而旋转,飘飘荡荡,象征着人生的起伏和不定。音乐声响起,钢琴的切分与小提琴的高音融合在一起,仿佛为起伏不定羽毛轻盈的舞蹈而伴奏。曲子中钢琴的主旋律清晰、简单、纯净,如同羽毛一般圣洁无暇,象征着主人公阿甘单纯、善良的品质;这时,一阵风吹过,羽毛迎风飞舞,音乐也达到一个新的高潮,小提琴的弦乐转为主旋律,柔和中带着坚韧和不屈,简单中饱含热情和希望,也象征着主人公阿甘面对生命中接连不断的困难和挑战,永葆乐观,永怀希望;最后,羽毛飘到了阿甘的脚边,并被阿甘捡起夹到书中,音乐也重新转为钢琴轻快的旋律,并在柔和的音调中结束。这段背景音乐就是由亚伦?史维斯查亲自创作的,也是整部电影配乐中最为经典的配乐片断之一。
一个青年住在了阿甘家中,学带着脚撑的阿甘学自创的舞步,并吉他弹唱了电影中的第一首摇滚乐《猎狗》。后来,这个年轻人将阿甘创造的舞步运用到自己的演唱中,在当时的美国引起了极大的轰动,这个年轻人就是摇滚歌王“猫王”。影片中阿甘教猫王的舞步就是猫王的经典“扭胯”舞步。《猎狗》是猫王的代表作品,在当时的美国风靡一时,也广受非议,遭到很多抵制摇滚乐的人的反对。这首曲子节奏感很强,与轻快的吉他弹唱和脚撑发出的金属撞击声融合在一起,使整个曲子显得活波、有趣,增加了电影画面的幽默感。这段音乐是直接作为电影人物的演唱出现的,虽然歌词及音乐与电影发展并没有直接的联系,但是,这段经历可以说是主人公阿甘人生中的第一次传奇经历。导演巧妙地将猫王“扭胯”的来源和电影情节融合在一起,而且毫无违和感,不得不让人在一笑之余为电影创作之妙拍案叫绝。
学生向阿甘扔石头的时候,珍妮就对阿甘大声喊“跑,阿甘!快跑!”,在珍妮带给他的强大动力下,阿甘不停的奔跑,并因此甩掉了脚撑。阿甘跑的时候,背景音乐是杜安?艾迪的《反叛唤醒者》,这首曲子节奏鲜明,鼓点有力的敲击和吉他的旋律混合在一起,让人充满无尽的力量,再加上音乐节奏的回旋,带给人无惧无畏的反抗冲动。同时,曲子的旋律中又带着几分憨厚滑稽,这和电影主人公阿甘的性格非常吻合,象征着珍妮唤起了阿甘潜意识中的反抗意识,使阿甘实现了人生中的一次重要成长历程。
阿甘对珍妮萌生了单纯的爱慕之情,但他不知道怎么向心上人表达这种朦胧的情感,他能做的就是等在珍妮的宿舍门口。这时响起的背景音乐是Clarece Hery的《我不知道为什么,但我去做》,这首曲子采用钢琴伴奏,音调缓慢悠长,旋律优美,节奏轻缓,回环的音乐在黑夜中的雨声中回荡,就像情窦初开的少男少女心中那难以抑制的爱情冲动,准确的表现出阿甘当时的心情,很好的烘托了电影画面中的情感氛围。
阿甘和他的新朋友抵达越南战争前线,看到的并非战火纷飞,而是大兵们都在吃烧烤喝啤酒。这时,在直升机的轰鸣声中,响起了刚劲的电吉他伴奏下的清水合唱团的反战歌曲《幸运的儿子》。战争前线唱反战歌曲,本身就是极大的讽刺,导演在这里安排这首曲子的用意十分明显。这首歌曲就是专门为反战而创作,鲜明地表达了人们对战争的不满情绪。这首曲子的歌词中写到:“当乐队响起了《向总统致敬》,他们却把所有的大炮对准了你,天啊,那不是我,我不是参议员的儿子,我真是不幸的人。”这首曲子的一改之前配乐的风格,曲子整体都弥漫着一种伤感的氛围,管弦乐的声音沙哑低沉,伴奏的吉他和弦如泣如诉,清水合唱团更是用撕裂般的声音唱出了心底歇斯底里的抗争和投诉,直接而有力的表达了人们的对战争的强烈不满,也为电影后续广场集会的情节埋下了伏笔。
阿甘所在的部队排队走在越南的田野中,一望无际的田野尽头是云雾缭绕的山脉,电影画面展现出越南的独特风景。这时的音乐是吉米?亨德里克斯的《沿着?t望塔走》。这首歌曲的创作运用了《圣经》中《以塞亚书》的典故,意在向世人发出世界就要毁灭的信号。影片中美丽的自然画面和这首曲子结合在一起,形成了强烈的反差。这首曲子用在这里的出现主要有两方面的作用:一是讽刺美国发起的越南战争是会对世界带来的严重危害,如果美国政府不吸取教训的话,世界也将在战争中毁灭;二是预示着电影故事情节的发展方向,阿甘他们的部队将会受到毁灭性的打击,在这次战役中受到重创。
阿甘和几个战友正走在雨中的树林里,背景音乐响起了水牛春天乐队的成名曲《不论真假》,这首曲子的出现在这里主要是它的歌词和剧情发展的需要非常吻合。《不论真假》曲子的第一句歌词是“有什么事情就要发生了”,配乐诗音调低沉的鼓的敲击声,仿佛生命的警钟在不断的敲响。这时,雨突然停止,四面八方响起轰鸣的枪炮声,他们进入了敌人的埋伏圈。阿甘逃跑后又返回去找好朋友巴布,这时音乐采用了重金属的风格,强烈的鼓点敲击声和高昂的小号,仿佛在为勇敢的阿甘吹响号角,当阿甘将死去的巴布抱在怀中,曲中鼓点的敲击声戛然而止,小号和吉他的旋律也急转直下,渐渐趋于平和,最后归于舒缓。最后一句歌词是“我要回家”,表现了主人公阿甘面对好友的突然阵亡,内心所受到的极大触动。
战争结束以后,阿甘回到了美国并获得国会勋章,约翰逊总统亲自为他颁发奖章,并开玩笑的问他:能看看你的伤吗?阿甘突然脱掉裤子,让总统看自己屁股上的伤。颁奖现场的音乐背景是西蒙与加芬凯尔乐队的《罗宾逊夫人》,这首曲子热烈、欢快,表现了美国政府以越南战争的胜利为骄傲,而忽视了那些在战场伤受伤甚至失去性命的将士们。约翰逊总统是越南战争扩大升级的主要责任人,在美国人心中是一个谎话连篇的人,阿甘用屁股对着总统实在是对约翰逊政府极大的嘲讽。
阿甘去看珍妮的演出,珍妮演唱的是著名民谣歌手鲍勃?迪伦的反战歌曲《答案在风中飘荡》。电影之前的剧情中,珍妮和阿甘谈到理想是说过,她的梦想是“做像琼?贝兹一样的歌手,整个舞台只有我和吉他的声音”。 琼?贝兹是和鲍勃?迪伦齐名的民谣歌手,被称作“民谣女皇”,是当时美国无数青年男女心中的偶像,而且,琼?贝兹也曾翻唱过《答案在风中飘荡》。珍妮唱这首曲子,看似实现了自己的梦想,其实,她的生活仍在存在着很多的问题,家庭的畸形让她从小就开始一个人漂泊;长大后,不懂政治的珍妮又在别人的蛊惑下满怀激情的加入政治团体;在青春已逝,娱乐和放纵的生活已经走到尽头,她却感染了艾滋病毒。珍妮的的人生其实是当时美国社会一类青年的人生轨迹的缩影。
珍妮吸毒以后,独自站在阳台上,望着远处来来往往的车流,在毒品的作用下,她的精神略显恍惚,差点踏出人生的最后一步,顿时泪水夺眶而出。这时候,莱纳德?斯凯纳德乐队《自由鸟》的音乐声响起,曲子的开头是用吉他模仿出鸟叫的声音,这让我们不禁想起影片开始珍妮遭到父亲虐待后跪在农田里向上帝祈祷,希望自己能变成一只鸟,远离这个给她带来无尽伤痛的地方。曲子中“鸟”的意象正是珍妮梦想的象征,但是,珍妮的梦想显然没有真正的实现,留下了无尽的遗憾。《自由鸟》这首曲子选择了单纯的用钢琴来演绎。钢琴的声音柔美空灵,意蕴悠长,具有很强的画面感,配合着电影画面中从珍妮墓碑旁飞过的一群鸟,我们好像看到珍妮伴着这优美动人的音乐和那群鸟儿一起飞上了天空,获得了自己苦苦追寻的自由。
总之,电影《阿甘正传》中每一首曲子的选择都别具匠心,音乐叙事艺术的运用达到了巅峰。音乐叙事艺术升华了电影的意境和主题,简化了不必要的叙事结构,使得整部电影结构更加紧凑。通过对这部电影中音乐叙事艺术的研究,我们可以更加深刻理解这部经典电影的无限魅力,感受音乐与电影的完美结合给带给我们的美妙艺术感受。
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动漫电影作为一种以电影技术为基础,以动画为表现形式的全新艺术形式,凭借其特殊的视觉和听觉效果,对我们的生活和探索人类与自然环境和谐相处产生了巨大的影响。宫崎骏作为一代动漫电影大师,其作品蕴含了浓厚的人文主义情怀,而其电影音乐更是曼妙动听、引人入胜。以下是读文网小编为大家精心准备的:宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要: 宫崎骏是日本著名的动漫大师,其作品是日本乃至是世界整个动漫行业发展的重要里程碑。在宫崎骏的动漫电影中,音乐扮演着重要的角色。只有了解宫崎骏动漫电影作品中的音乐特色才能深刻理解其动漫电影的主题思想。本文拟从音乐在宫崎骏动漫电影中的重要性出发,重点分析动漫作品中的音乐特色以及音乐在作品中的具体体现,旨在揭示宫崎骏动漫电影艺术中音乐的艺术魅力。
宫崎骏的动漫电影在动漫领域有着不可忽视的重要地位,在世界范围内得到了一致的好评和反响。其影像唯美浪漫、基调寂静平和,不单纯依靠跌宕起伏的故事情节来激发人们的兴趣,只是运用简单、平易近人的基调就能轻而易举地打动观众。其作品之所以取得良好的成就,不仅剧情的发展变化功不可没,同时动漫电影的配乐也是不可忽视的,音乐一直在宫崎骏动漫作品中具有重要的艺术魅力,通过音乐与剧情二者相结合,突出表现了作品的主题思想以及作者的内心世界。音乐对动漫电影有着极其重要的价值。
首先,音乐将人物角色的性格特征和气质表现的淋漓尽致,为角色的塑造增辉不少,增强了观众对角色的印象,使得观众对影片过目不忘。其次,音乐对影片场景的重要性,随着故事情节的不断深入,音乐的融入给影片注入了或悲壮、或魔幻、或单纯的情感基调,丰富了人们的视觉感受,不断给观众带来新的惊喜和感动。再次,音乐能够渲染影片的气氛,弥补语言和视觉上的不足,突出故事的情感发展。最后,音乐对剧情的发展具有重要的推动作用,不同的故事情节运用不同的音乐表达,让人沉醉于剧情的变化之中。比如《幽灵公主》开头以基调低沉的音乐为剧情的发展埋下了伏笔,给古老的森林赋予了无限的神秘感,引人入胜。
宫崎骏的动漫电影,不仅仅依靠唯美感人的故事情节吸引观众的兴趣,同时在配乐上有着其独特的艺术性和审美性,在世界范围内获得了极大的反响和评价,取得了较高的艺术成就。宫崎骏的动漫配乐,继承了日本音乐的优秀传统,将日本大和民族的音乐元素与动漫紧密结合在一起,给予作品浓厚的民族特色,一方面使得日本本国人民很容易从心里上接受其作品,另一方面也使得各个国家的观众都能受到日本传统文化的熏陶,加强了对日本文化在世界范围内的传播。
比如,其著名动漫作品《幽灵公主》,围绕日本幕府时代的民间故事展开,其动漫情节和同名主题曲都带有浓厚的大和民族传统音乐元素。宫崎骏借助电影屏幕和动漫配乐,从整体上将日本幕府统治时期的市民生活场景呈现给每一位观众。《幽灵公主》故事内容不断发生变化,宫崎骏在给电影作品配乐时选择弦乐器,创造出气势磅礴的歌曲。动漫情节与音乐相互融合、相互补充,一方面有助于引起群众对影片的共鸣,另一方面也增强了动漫电影的艺术性和审美性,在很大程度上促使动漫作品格调和故事情节的升华。
《龙猫》是宫崎骏动漫电影的又一大作,其主题曲《风之甬道》已经成为人们心中的经典之作,对动漫领域影响深远,远远离不开日本大和民族音乐中的民谣色彩的作用。主题曲采用童声的方式进行表演,能够唤起观众对于小时候的回忆,增强了作品在观众心中的印象。《千与千寻》中的音乐《神明们》,单从名字就可以看出其具有鲜明的日本民族风情。其音乐旋律带有浓郁的日本民谣色彩,在乐器的演奏上选用三味弦,期间还伴有太鼓。从这些乐器的性质上看,不论是三味弦还是太鼓都是极具日本大和民族特色的乐器,给影片的传播增色不少。
久石让是日本著名的钢琴家和作曲家,他的音乐旋律优美、歌词清晰明了、质感亲切,被人们普遍称为简约主义音乐,亦名重复音乐。因此可见,重复是这种音乐风格的突出特征。1984年宫崎骏和久石让两人相识,在动漫配乐上达到了极大的默契,一直合作至今。一般而言,动漫电影的音乐主题很少,容易理解、方便记忆,不同的音乐代表着不同性格的人物,电影的配乐围绕着仅有的几段音乐主题不断重复展开的。然而作家并不是毫无规律、随意重复,而是按照动漫的故事情节的发展开展的。因此,简约主义很好地表现了动漫剧情的发展以及人物情感的变化。
比如,动漫电影《千与千寻》中的音乐《夏日的一天》的主题重复使用,不仅增强了人们对影片的记忆,也加强了人们对影片的理解。首先,选择钢琴这种乐器,以温柔的旋律进入主题,让人充分享受音乐带来的迷人气息;其次,运用弦乐器不断重复严重,加强了影片的气氛;最后,在音乐中又增加了合成器和组乐器等其他音色,不停的重复,势必会加强人们对音乐的记忆,产生一种熟悉感。
从宫崎骏的动漫电影中,可以发现其诸多作品都表现出了浓厚的人文主义气息,当今社会经济快速发展,人们虚荣心和物质欲望较强烈,过分追求经济的发展给自然带来了巨大的破坏,加大了人与自然之间的矛盾。而宫崎骏在影片中不断向人们展示灾难的发展,旨在提醒人们应该尊重自然、按照自然规律进行可持续发展,引导人们关注生命,其大部分作品的主题都与自然、人类、社会以及和谐有关,他的影片相对于其他动漫作品而言,进步性表现在他的作品中具有浓厚的人文主义色彩,能够引发人们的反思,其中蕴含了丰富的哲理和现实意义,他认为消极、颓废和悲观并不能解决已经发生的问题,强调人们要以积极乐观的心态面对世界、面对生活。
比如,动漫电影《千与千寻》在当今动漫领域依然享有较高的盛誉,吸引了大量观众的兴趣,其成就离不开音乐的运用。久石让选择独特的音符、变化多端的弦乐器将主人公千寻的内心情感表达的淋漓尽致,运用钢琴别具一格的韵律表达了千寻内心的孤独,悲观色彩十足。其插曲《夏日的一天》带有浓重的成人基调,让人联想到岁月流逝的悲观情绪。影片通过故事情节的不断变化表达了人们对失去的东西开始懂得珍惜,引发人们不断反思过去,其配乐充满了温暖,一点点抚慰人们脆弱的心灵,具有较强的人性关怀。《千与千寻》中交响乐和豁达的歌声交织在一起暗示最终归于平静、和谐的自然万物。音乐声渐渐消失象征着自然的平和与美好,自然万物恢复平静,而离别开始上演,珊珊公主和阿斯达卡决定共同享受富有温暖和人性的和谐世界,低沉的音乐基调巧妙地表现了离别带来的不舍与感伤。优美的钢琴演奏不仅让人渐渐遗憾战争带来的残酷,也使得人们善于发现人性的温暖和自然的美好。
宫崎骏的电影作品的主角大多是少男少女,因此,其典型的音乐特色就是童真与朴实并存,不断给观众创造出童年的顽皮和乐趣的回忆,加深了观众的印象。随着年纪的增长,愈发觉得童年是单纯的、美好的,而影片中的音乐则突出地表明了这样的美好感受,朴实的音乐基调给观众营造出寂静、平和的气氛。纵观宫崎骏的动漫电影,不难发现,影片的故事情节具有丰富的童真韵味,表述了诸多少男少女的普通生活,同时剧情的发展也常常以儿童的眼光和角度描述。
比如,影片《龙猫》配乐运用简单的音调,带有浓郁的童年趣事,和故事情节的发展环环相扣,给予观众暖暖的爱意。影片以搬家为背景,到达乡下时首先映入眼帘的就是寂静的风景,蔚蓝的天空,广阔的草坪,成群的鸟儿,两姐妹高兴极了,此时音乐随之而来,笑声与音乐声融合为一体,表现了满满的幸福感和平静朴实的生活环境。这样美好的开头,对下文故事情节的展开埋下了伏笔,给人无限的遐想。另外,龙猫已经成为家喻户晓的动漫形象,特别是它的顽皮、善良早已深入人心,象征着人们天真烂漫的美好童年生活。
在宫崎骏的动漫电影中亦真亦幻的音乐无处不在,一方面丰富了观众的感官享受,将观众带入到无限的梦想意境,另一方面从现实出发,增加了影片的现实意义。以其代表作《幽灵公主》为例,是梦幻与写实的最佳结合,增强了影片的艺术效果。在日本文化的熏陶下,宫崎骏将日本的生灵文化赋予到影片之中,《幽灵公主》就是以这种缘由出现的。
该影片是以处于战乱中的室町时代为背景的,讲述的是男主人公奋力抵抗外来的野猪神,结果却遭到诅咒,村民想要帮其解咒劝让远赴西方,在去西方的路途中遇到了很多的困难,最终走到了森林,并认识了幽灵公主,二者为着共同保护森林的目标不断贡献自己的力量。影片中采用了许多弦乐器的演奏,表现了气势磅礴的音乐感受,使得观众产生一种多愁善感的情感,具有强烈的真实性。另外,在动漫作品快要结束的时候,运用假声的音乐形式,将人们的视听带入到古老的神话世界中,给观众呈现出无限的想象力和梦幻情景。整部影片中的每一小段配乐都有其独特的意境和感受。
一是影片的开头,音乐有突出主题的作用,为影片后文的一系列音乐做铺垫,影像从天到地,加上雾蒙蒙的大山,给森林增添了神秘的色彩。选择大提琴这种乐器,将低音和影像紧密地结合在一起,给观众一种身临其境的感受,使得观众体验到了大自然的庄重与尊严。二是影片中经典的配乐即是男主人公远离故乡时出现的。阿斯达卡为了对抗野猪神,自己受到了诅咒,为了寻求解咒的方法远离故乡,开始了长远的西方之行。在远离故乡的路上,插入音乐伴奏,使得阿斯达卡与广阔的草原融为一体,给人们带来了强大的震撼力,交响乐与二胡相互结合,表达了阿斯达卡为了对抗恶魔远赴他乡的悲惨境地。三是男主人公与珊珊公主相遇时出现的音乐,好似两人一见钟情,又未直接表现出来,给予观众无限的想象空间。遇到男主人公时,珊珊公主穿衣风格非常异同,气质独特,眼神坚毅,颇具公主的风范;加上钢琴低音的演奏,给予影片暂时的寂静,使得两人之间的感情出现萌动。
电影音乐只有与电影的主旨思想相契合才会有力的衬托作品的气氛,强化电影的最高潮部分,从而提高观众的视觉感受,并拓展其丰富的想象空间。宫崎骏创作的电影,多数以人和自然的和谐共存为主题,为彰显出这种独特的自然意蕴,著名的音乐家久石让以音乐作为铺垫,绘制出了自然界的奇异之美,然后凭借悠扬悦耳的主题曲,将人们带入到了一个如梦如真的自然环境之中。而在表达以揭露现实社会形态为主题的影片中,又会通过紧张、节奏迅速、感官冲击力强的音乐进行演奏,进而触动观众的心弦。所以,宫崎骏的动画电影创作之所以经典,其中电影音乐的完美创作与融入在很大程度上发挥了作用,为广大观众带来了丰富的音乐感动与享受。
宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色相关
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在电影诞生百年后的今天,数字技术以其前所未有的速度进入到电影的制作领域中,为人们创造了如痴如梦般的视听奇观。在似真似幻的银幕世界的沉醉之中,电影艺术的数字时代到来了。电影是科学技术和艺术的结晶。现代高科技的发展给电影的发展提供了无限可能拓展空间,为电影艺术的发展开拓了新思路、新手法、新样式。以下是读文网小编为大家精心准备的:数字时代的电影技术与艺术研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
数字时代的电影技术与艺术研究全文如下:
摘要:电影是一门艺术,却同科技发展密切相关,从电子设备到数据设备,每一次设备的进步都会对电影产生深远的影响。互联网的普及与信息数字技术的发展让当今时代的诸多领域处在模拟信息与数字信息并存的过渡期。对于电影来说,电影的数字化主要体现在电影制作的数字化上,无论是电影文本的编写还是镜头的拍摄、后期的编辑,都是通过数字技术来完成的。
随着科技的发展进步,数字电影技术慢慢融入电影行业,在给观众带来全新的视听体验的同时,还融入了电影的拍摄、剪辑、合成、播放等一系列制作过程,不仅极大地降低了影视工作人员的压力,更让电影制作变得简单、便捷,让后期的处理更加自由和富有想象力。在当今热播的电影中到处都能看到数字技术的影子,例如,合成特技、科幻大片等,可以说数字时代是电影的革命时代。
在电影发展初期,电影都是以胶片为载体记录影像内容,剪辑便是将胶片剪碎重新黏合的线性编辑。而电影数字化则改变这一剪辑方式,将胶片的记录影像转化为数字信息输入计算机中进行处理,在数字化的环境下完成电影的剪辑工作,最后再转化为胶片进行电影的播放。
我们可以看出电影数字化的过程中仍须利用诸多传统的制片手段,因此电影数字化实际上是对电影传统手法、技术的一种促进而非变革,真正让电影产生质的飞跃的是数字电影。
数字电影的进步便是改变胶片为载体的记录方式,不仅实现了电影前、后期制作上的数字化,也实现了电影存储、播放、传送的数字化,即数字制作、数字播放、数字传输。
数字电影实现了非线性剪辑,能够让导演得以轻松自由地处理视频信息,完成电影剪辑、制作特效、配音、合成等一系列工作。数据电影具有画质清晰、稳定性强、无放映次数限制、传播便捷、无磨损等优点,可以说数字技术让电影行业产生了质的飞跃。
电影虽然是一门艺术,却同科技发展密切相关,我们从拍摄设备上可以看出,从光学设备到化学设备,再从电子设备到数据设备,每一次设备的进步都会对电影产生深远的影响。数字技术发展到今天,已经成为电影离不开的技术,它为我们创造了无数的视觉盛宴,如展示着另类星球的《阿凡达》、远征宇宙深处的《星际穿越》,还有数不尽的科幻大片,如《云图》《盗梦空间》《加勒比海盗》,等等。
(一)数字技术丰富了电影的创作手段
电影艺术可以说是视觉艺术的延伸,无论电影想要表达什么或者传递什么,都需要通过镜头语言和视频画面。
1.从前期拍摄上说,计算机不仅能够便捷地完成电影脚本的编写,还能制作出“故事版”帮助导演、摄影师更好地完善情节,了解拍摄内容。在拍摄场地,计算机最主要的功能为控制功能。所谓控制功能,便是自由控制和调动摄像机来获取拍摄画面,控制场地的灯光布置、虚拟角色的动作采集等。这种方式能够降低拍摄中的危险系数和拍摄难度,提高了拍摄的效率。
利用计算机控制摄像机的调度,一方面能够完成传统方式及摄影师无法完成的高难度拍摄,另一方面在其自由、精准的调度下可以高效率完成复杂场景的合成。例如,电影中常用到道具模型,人工控制的老虎模型能够生动形象地模仿老虎的各种动作,然而若重复动作则很难实现,这时就需要计算机的帮助。计算机能够精确地对数据进行计算和记录。在影片《真实的谎言》中,特工驾驶战斗机前去搭救自己的女儿,导演卡梅隆为了拍摄战斗机起飞,利用计算机控制指挥战斗机模型按照拍摄意图完成各种动作,并精准地记录下来,在真正拍摄时得以准确无误地重复拍摄。
在如今热播的各大科幻电影中,有不少惊险的镜头都是通过计算机控制摄影机、道具实现的,如《星际穿越》中对宇宙飞船及摄像机的控制。数字技术为我们呈现了无数摄人心魄的画面,它让镜头不再平淡,变得更加丰富,更有想象力。
2.从后期剪辑上说,后期剪辑是数字技术在电影制作中影响最大、贡献最有意义的部分。数字技术改变了传统电影的线性剪辑方式,数字化的非线性编辑软件让视频的剪辑变得如操作文字处理软件处理文字一样简单。
数字技术不仅便捷了视频信息的拷贝储存,在编辑上取缔了手工粘贴胶片的编辑方式,利用计算机可以对视频进行重复剪辑和修改,在音频上也能够对音乐、配音进行更改。从特效特技上说,数字技术更是能进行影像的合成,将想象中的画面创造出来,增强电影画面的震撼效果。
电影可以说是纪实与再现的艺术,逼真贴切的画面能够让人们通过观影产生身临其境的效果。随着时代的发展,传统的电影拍摄技术已经无法满足想象力丰富的艺术家的需求,也无法满足观众对电影日益提高的视觉需求,而数字时代这些都不是问题。计算机的参与,无论在重复拍摄上还是在后期特效剪辑上,不仅能够模拟真实,甚至能够超越真实,给予我们前所未有的视觉体验,带我们观看恐龙遍地的《侏罗纪公园》,让我们遇见可爱的《加菲猫》,让我们欣赏一出惊心动魄的《黑客帝国》。毫无疑问,数字技术拓宽了电影艺术的表现空间。
(二)数字技术变革了电影的创作工艺
数字化在变革电影前后期制作技术的同时,也深入地影响了影视制作的其他领域。数字技术提高了电影制作的效率,数字化电影最大的特点便是非线性编辑,数字化能够使电影轻松完成任何视频的录制、剪辑、传输。早期通过大量人力来完成的电影制作演变成编辑人员坐在计算机前轻松操作鼠标键盘的创作,这一过程让电影创作的工艺发生了改变。
数字技术为电影艺术提供了新的上升空间,计算机不仅能够拍摄到摄像师无法拍摄的高难度画面,更能合成出人类无法看到的奇观,它让电影不再受拍摄画面的拘束,让导演更能自由发挥自己的想象,为观众展现各种别开生面的故事。《少年派的奇幻漂流》不会因为没有大海和老虎而放弃拍摄,《星际穿越》不会因为不能到宇宙遨游而胎死腹中。在数字时代下,计算机不仅可以完美地完成传统的拍摄需求,更能出色地完成传统拍摄无法进行的拍摄,毫不夸张地说,数字技术变革了电影的创作工艺。 (三)数字化开辟了电影业的新天地
纵观当今影视界,以2015年新出品的电影作品《澳门风云2》《复仇者联盟》《速度与激情7》《狼图腾》《灰姑娘》等为例,这些电影无一例外地采用数字技术。没有酷炫的镜头,没有惊人的画面,拿什么去吸引观众?是的,传统的电影制作方式已经很难再吸引观众的眼球了。
在电视刚刚兴起的时候,电影数字技术尚未应用,观众普遍被成本低、观影方便的电视节目吸引,为了改变这种弱势,好莱坞曾进行过多种多样的创新,如全景电影、宽银幕等,但效果并不显著。有人曾认为,在电视节目多样性的对比下,电影只剩下胶片高清晰的优势了。但随着数字技术的发展,电影的弱势得到改变。数字技术迅速地融入电影的制作行列,使电影在保持高清晰度的基础上给观众营造出无数视觉奇观。为了享受视觉盛宴,不少观众愿意买票去电影院看一场电影,这也为制造商带来了颇高的票房收入,如此也让数字技术从最初的从属地位,一下子上升为主要地位。
从电影的发展上看,20世纪90年代全球电影市场曾一度出现销量低迷的状况,而美国广泛将数字技术投入电影制作中后,却创造出无数个票房纪录,《侏罗纪公园》打破了《星球大战》持续十多年的票房纪录,而《泰坦尼克号》又打破了《侏罗纪公园》的纪录。据相关数据显示,20世纪90年代,美国超出1亿美元票房收入的电影基本都是运用数字技术制作而成。
(四)数字技术丰富了电影语言,造就了新的电影时空
任何视觉艺术都是通过对时间、空间两个领域的同时展开来为观众营造观影快感的,而在绘画、舞蹈、戏剧等无数视觉艺术中,唯有电影能够将时间与空间两者同时进行把控。电影发展至今,每一个电影导演都会思考的问题便是,电影怎样才能为观众带来更高水平的艺术享受,而数字技术便为电影的创新提供了这样的契机。
以电影《云图》为例,《云图》讲述了六个发生在不同年代的故事,然而它们并不是采用讲完一个再讲一个的方式,而是齐头并进交叉剪辑。数字技术让这种节奏紧凑、镜头细碎的剪辑成为可能。交叉剪辑方式让《云图》的六个故事紧紧相连,一个故事中主人公所说的话可以叠加上其他故事中的画面,这便扩展了电影的深度,让人通过时间线联想到前世今生。在《云图》中更是有对未来的设想,不少惊心动魄的画面都是采用计算机合成,如:宇宙飞船、复制人生产场等。
在数字技术的参与下,电脑能够按照设定好的轨迹进行无限次重复拍摄,再通过数字技术进行合成,一种新的转场方式也由此诞生。例如,电影《诺丁山》中男主角在一条街上走着,但街道却随着他的走动发生着春夏秋冬的变化,于是男主角走完这条街,一年也就过去了,其中不同季节之间主角动作的衔接都是靠数字技术实现的。这样的镜头语言远比打上一行字“一年后”更吸引人。短短十几秒却能将一年四季展现出来。
《诺丁山》的例子便向我们展现了数字技术诞生的新的转场方式,在一个连续的画面里,一个人可以穿越多个季节、多个时空,电影的奇观本性也得到了充分展现。
(一)滥用数字技术的弊端
数字技术的应用让电影摆脱了拍摄的限制,让创作者能够不受限制想象并通过计算机来完成虚拟画面的合成;数字技术丰富了电影的制作技巧,完善了电影的制作手段,便捷了电影的传播方式,在艺术上更是最大化地增强了其画面、镜头语言的感染力。《阿凡达》《星际穿越》等数字电影为我们呈现了一个又一个的旷世之作。
也因此,越来越多的人看重这一商机,投入更多的资金、精力追求电影特技,而忽略了电影讲故事的本质,这使得电影以剧情为主、技术为辅的方式,向技术为主、剧情为辅的方式演变,违背了电影的创造原则,没有内容的支持,再酷炫的画面也只是走马观花,而不能给人以艺术享受。
如今越来越多的电影采用数字技术制作,而电影界却依然很少有让人赞不绝口的佳作产生。《无极》《新白发魔女传》这些电影中运用了大量的数字特技,为何依然被人批评?过犹不及,这并不是数字技术的失败,而是由于过度炫耀数字技术而忽略内容的结果。过分地追求技术,很容易让电影创作者忘记电影的本质,没有灵魂的电影,哪怕有再华丽的外表也只是行尸走肉。因此,数字技术再好也要应用适当。
(二)如何避免数字化的误区
电影不仅是视觉的艺术,更是能上升到社会、人类、文明的艺术。一部电影若是过度依赖数字技术而忽略了对世界、人生的感悟等内容的构思,观众在观看电影时只能看到空洞的特技,而无法获取灵魂的共鸣,电影的艺术发展将会停滞在电影技术的飞速发展下。
早期电影并没有过多数字技术的运用却依然创作出许多脍炙人口的作品,如《罗生门》《茜茜公主》等。数字技术的确能够满足观众感官上的享受,而却不能让观众得到心灵的满足。因此,电影的创作依然要以内容为核心,通过内容与观众进行精神交流,通过数字技术为观众营造更符合情景的画面。
总体来说,数字技术令电影界掀起一场“工业革命”,它便捷了电影的前后期编辑和传输,它令电影不再受拍摄限制拘束而放弃许多充满想象力的题材。然而随着越来越多技术的应用,越来越多的人追求视觉大片,电影逐渐走向一个追求技术的误区。但我们相信,人类追求艺术始终是从心而起,电影的发展会越来越好。
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