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戏剧影视文学专业强调理论与创作实践的结合,在教授剧作相关理论知识、分析经典作品的基础上,更应注重对学生的启发和写作基础训练,进而引导学生进行自主、积极的剧本创作和相关写作。下面是读文网小编为大家整理的戏剧影视文学毕业论文,供大家参考。
[摘要]
随着科学技术的快速发展,人们已经进入了影音世界,从最开始的“无声”电影变成了现在的“有声有色”的戏剧影视,全新地展现出了戏剧影视艺术的特色。美术艺术更是在戏剧影视创作中占据了重要的地位,有效地提升了戏剧影视中整体的美感。本文通过阐述戏剧影视的发展、美术艺术的基本元素在戏剧影视艺术中的应用,突出美术艺术在戏剧影视中的重要性。
[关键词]美术艺术 戏剧影视 应用
伴随着经济的快速发展,戏剧影视也步入到了商业化模式,戏剧影视艺术的发展和美术艺术的发展息息相关,艺术美术体现了戏剧影视意识的另外一种语言色彩。在美术艺术当中,通过美术艺术、色彩艺术、语言艺术、二维与三维的相互转换,这些都充分展现了影视艺术的特色,特别是美术艺术更给戏剧影视的创作提供了灵感,使戏剧影视更加具有艺术特色,同时展现给观众一种情感丰富的高品质的电影。
一、戏剧影视美术艺术发展的特色
戏剧影视的美术艺术是包括戏剧、戏曲、影视、舞台表演的美工设计,除了演员以外的所有造型设计。其中,美术艺术无时无刻地展现在各种艺术设计当中,包括灯光颜色的设计、灯箱样式的设计、背景图案的设计以及服饰搭配的设计等,这些都和美术设计息息相关。随着社会的进步,人们已经解决了物质需求,开始追求精神需求,精神需求不断提高,其视觉艺术需求也必将不断提高。在中国影视发展长河中,影视起源于话剧,逐渐发展到电影和电视剧,随着观众和剧本对舞台的布置要求越来越高,势必将成为我国未来戏剧影视美术的发展。戏剧影视的美术艺术是一门有别于美术学的一门学科,其中包括了美术学创意中的灵感、情感等精神方面的因素,但同时也有着自己的一套体系,其设计和时尚仅仅相连,展现出日常生活的一种艺术,更加贴近人们的生活,开启人们对美的一种追求。戏剧影视中美术艺术展现的美,其内在体现了创意,外在加入了更多的技术含量,更加直白地展现出了戏剧艺术的美感,真正地走进了千家万户。
二、美术艺术的基本元素在戏剧影视艺术中的应用
(一)美术艺术的色彩在戏剧影视艺术当中应用
戏剧电影艺术是视听艺术、时空艺术等很多审美一体的综合表现艺术。美术艺术的基本元素添加到戏剧影视当中,给很多戏剧影视艺术增添了新的活力,包括文学、音乐、诗歌、舞台剧都加入了美术艺术,美术艺术的添加使电影艺术具有时代性和创造力,融入了创作者的情感色彩。美术艺术的多种表现形式,其三维空间、质感、色彩等一系列元素都体现在影视语言的表达当中,发挥着神奇的效果。戏剧影视中加入画面、声音、空间等方面都借鉴了美术艺术的理论体系,加快了美学艺术的发展。每个戏剧应属作品都有其自己的主题和特色,有的表现出喜剧色彩,有的表现出悲剧色彩,除了拍摄手法和叙事风格上表现的有所不同之外,最突出的是色彩的表达方式。色彩的不同表达方式与变化方式成为喜剧电影无声的表演,使整部电影表达的更加细腻、烘托了不一样的氛围,更加突出了电影的风格和主旨。美术艺术中的色彩能够很好地表达创作者的感情,通过美术艺术中的色彩运用到戏剧影视创作中,使整体的电影表现的更加丰富。美术艺术在戏剧电影中人物形象的创作方面主要展现在演员的服饰和演员的化妆方面,抽象的表现了人物中性格的特色和语言的特色。通过美术艺术方面的变化,使演员所饰演的人物更加鲜明、传递着创作者的感情和作品的灵魂。美术艺术应用在戏剧影视中,这两者有效地结合,更加刺激了观众的感知能力,使观众能更好地体会当时电影人物的心理和感觉。
(二)美术艺术的造型在戏剧影视中的应用
美术中造型艺术被广泛的应用到戏剧影视中,通过静态的变化来反应创作者的情感变化和社会的意识形态。造型艺术现在已经成为戏剧影视中最基本的表现形式,展现了戏剧电影中美学的特色。戏剧电影的美术造型有几大特点:第一点,能使影片表现的更加逼真,将影片中的静止的事物非常真实地表现给观众,使观众有种身临其境的感觉;第二点,将电影塑造的场面更加具有鲜活性,当每个造型发生质的改变时,其情形和人物都发生着改变;第三点,戏剧影视的综合性,这其中不仅融入了美学艺术,还添加了很多艺术手法,使戏剧影视中细微的变化都能引起观众心理的改变,使观众和电影中人物产生共鸣。不管美术艺术通过哪种手法应用到戏剧影视当中,都让观众产生独特的感受,使整部影片更加的形象、富有特色,展现出美术艺术的独特魅力。美术艺术中色彩的元素在戏剧影视中被应用到背景设计、灯光的调试、服饰的装配、演员的妆容,这些都使作品提升了一个高度,增加了美的感觉,给观众一种的新的享受。
三、总结
随着科技的进步,戏剧影视也发生着翻天复地的改变,将美术艺术添加到戏剧影视当中,使戏剧影视的表现手法更加的有特色,大大提升了影片的整体效果,增强了影片展现出来的文化气息,给观众提供新的审美感觉。
【参考文献】
[1]田野.美术元素在影视艺术中应用与表现[M].大舞台,2013(02).
[2]谭丁凡.有关戏剧影视美术发展的探讨[M].艺术之窗,2015(05).
一.要紧扣培养目标,量身制定专业人才培养计划
教育部在《普通高等学校本科专业目录和专业介绍》明确指出戏剧影视文学专业培养目标的是:“培养具备戏剧、戏曲和影视文学基本理论及剧本创作能力,能在剧院(团)或电视台、电影厂、编辑部等部门从事文学创作、编辑和理论研究工作,以及能在国家机关、文教事业单位从事实际工作的高级专门人才。”这个专业人才培养目标有三层含义:一是该专业毕业生要具备扎实的专业理论知识,二是要有电影、电视等剧本创作的能力,三是要有文学艺术方面的基本功的复合型创新人才。根据教育部人才培养目标,新建本科院校要量身制定人才培养方案,既不与教育部戏文专业人才培养目标相违背,又要有自己的特色。制定人才培养方案时要考虑以下因素:一是要加强不同学科之间的交叉和融合,拓宽专业口径,从课程体系及课程模块上打好基础,造就“一专多能”的高素质戏剧影视文学专业人才;二是密切结合自身办学条件、办学定位和办学特色,确定一个专业人才培养的主攻方向,有别于其他院校,进而来凝练专业特色;三是戏文专业生源均为艺术生,文化课成绩较差,基础薄弱。而本专业的研究对象是戏剧、戏曲和影视文化现象,如果没有深厚的综合文化素养,学生对于本专业的学习就很难深入。因此,人才培养方案中极有必要设置相关加强学生文学素养和创作基础技能的课程。
二.戏文专业创新人才培养要与课堂教学改革相结合
戏文专业属于艺术类专业,学生思维非常活跃,文化课基础薄弱,对理论学习具有畏难情绪。专业基础理论课的教学主要是为学生打下坚实的专业基础,培养学生的专业素质。但专业理论课教学又往往比较枯燥单调,因而,传统的理论课讲解并不能充分调动戏文专业学生学习的积极性,很有必要进行课堂教学改革,活跃课堂气氛。教师应从以下几个方面着手进行教学改革:一是除了对基本概念理论、重要知识点讲解要详细、深入浅出适当拓展外,还要适时采取案例教学法。比如讲授长镜头的概念时,将当下比较流行的电影中的长镜头作为案例给大家讲解,通俗明了;比如讲授《中国戏曲史》时,由于学生对昆曲的曲牌、宫调等戏曲专业知识并不是很了解,可以结合戏曲界比较关注的青春版《牡丹亭》中的几出,用抢答的方式数某一曲牌出现的次数,不同宫调和不同曲牌之间的区别,既调动了学生的积极性,也使学生对所学知识有了更深刻的了解。二是要充分利用多媒体技术开展教学,改变传统的课堂教学“一张嘴、一支粉笔讲到底”的填鸭式教学模式。采用多媒体课件教学课堂容量大,内容丰富,以声音、色彩、画面等相互配合,可以给学生留下深刻的印象,对于激发学生学习的浓厚兴趣具有重要作用。三是要给学生预留充分的创新思考的空间,理论课教学时可以留一些悬念,引导学生就某一个问题进行课堂讨论和小组专题发言,营造自主学习课堂氛围,培学生的创新思维和创新意识。四是由课堂讲授延伸到课外研究。在日常的教学过程中,教师要求学生在掌握基础知识的同时,还要列出较为丰富的课外参考书目和参考论文,引导学有余力的学生对某一问题进行深入研究,进而将教学由课堂延伸到课外研究,初步培养他们的学术能力。
三.戏文专业创新人才培养要与考试改革相结合
考试是对教师教学效果和学生知识掌握程度的检验。传统的考试方式是一张试卷定成绩,学生在考前临阵磨枪,一番紧张的突击后获得一个好成绩。这种考试方式对于实践性教学较强的戏文专业来讲,并不能真正检验出学生的知识掌握程度,不利于学生创新思维的发挥,更不利于创新人才的培养。例如,《剧本创作与实践》是戏文专业的核心课程,以影视剧写作技巧与实践训练为主要的教学目标。在教学中,该课程重点在于对学生剧本格式的讲授与剧本各个元素、写作技巧等写作实践的训练。这门课程如果采取传统的一张试卷考试方式来进行理论检验,就无法突出本门课程以剧本写作为核心的检验目标,使得平时授课的讲练环节与现有的考试环节严重脱节,势必影响学生学习的积极性与教师授课的有效性。因此,基于这门课程的特殊性,为了更好地检验学生的学习效果,必须对传统的考试方式进行考试。比如,采取“自创剧本考试”的方式或者“平时成绩+剧本创作成绩”的考试方式,既让学生的创新思维得以自由发挥,又让他们在舞文弄墨之中感觉到学有用武之地。此外,戏文专业的其他核心课程,例如《表导演基础与实践》、《视听语言》、《摄影摄像技术》等都绝非简单的通过一张试卷考试的形式,就能够来检验出教师教的效果和学生学的质量。因而,戏文专业创新人才培养要与考试改革相结合,采取灵活多样的考试方式来检验学生的成绩。
四.戏文专业创新人才培养要与实践教学相结合
由于戏文专特别注重实践,无论是实践课教学还是在基础理论课的教学过程中,特别注重学生所学知识的灵活运用。如果培养出的学生能够单纯的掌握理论知识而不具备动手能力和创新能力,那么,人才的培养是失败的。因而,戏文专业创新人才培养要努力改变传统的大文科重理论轻实践的教学模式,将理论教学与实践能力的培养紧密结合。例如,该专业核心课程《表导演基础与实践》的教学,就不能拘泥于理论讲解,要将学生的实践教学搬到课堂,理论与实践同步进行,既充分调动了学生的学习积极性和主动性,又体现出课堂教学以学生为主体的教学理念。教师可以精心挑选学生自创的剧本,让学生自编、自导、自演,将之排演成DV短剧。这种教学实践活动不仅培养学生的创新意识和创新思维,还锻炼学生的编剧能力、导演能力、表演能力、综合协调能力,充分调动学生的学习积极性,使学习和兴趣融为一体,让学生充分体会到学习和创造的快乐,也培养了他们的创新情感。
五.戏文专业创新人才培养要与隐性课堂相结合
如果说课堂教学是显性课堂的话,那么课外活动则可以称之为隐性课堂。学生在显性课堂教学中更主要的是学习基础理论知识,隐性课堂则是充分让学生学会如何将理论知识内化并运用于实践、锻炼学生理论解决实际问题的能力的场所。因而,创新型人才培养必须与隐性课堂教学相结合,充分利用学生课堂以外的时间,对学生的创新思维、创新意识和实践能力进行培养。新建本科院校要结合戏剧影视文学专业特点,给学生提供给你充分的隐性课堂活动空间,让他们有展示自我、进行创新活动的空间。例如,可以成立学生摄影协会、DV空间、剧社等各类学生活动社团,定期举办摄影大赛、DV作品大赛、剧本创作大赛、话剧大赛。让戏文专业的学生能够将自己所学的专业知识充分运用到日常生活中去,不仅使学生加深对专业知识的理解和感悟,同时也培养学生的实践能力、创新能力。如果说教育是国家创新体系的支柱,那么大学教育则是培养创新人才的基础。新建本科院校只有根据实际情况、专业特点和学生特点,正确分析自己的优势和劣势,走教学改革之路,才能探索一条适合自己校情的创新人才培养之路。
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戏剧是综合艺术,它综合了文学、音乐、美术与舞蹈等艺术成分。现代戏剧中的舞台美术又是一个综合体,它包括舞台美术设计、灯光、音响、服装、道具、化妆、美工、装置、特技及舞台技术管理等。这些艺术成分在戏剧中不是简单地组合,而是在戏剧的一度创作、二度创作、三度创作中的有机融合。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析舞台美术设计与戏剧的调和相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:文章简要介绍了什么是舞台美术设计,以及进行舞台美术设计的目的。舞台美术设计只有与戏剧的完美调和才能体现出舞台美术设计的合理性和戏剧的精彩之处。二者相辅相成,在一次表演中互相影响、互相衬托才能把这次表演的精髓诠释得恰到好处。分别就舞台美术设计的装饰方面、灯光方面、造型方面和戏剧的调和问题的要点进行了简单的分析。
1.什么是舞台美术设计。
舞台美术设计是戏剧和其他舞台演出形式的一个重要组成部分。现代戏剧中的舞台美术设计是一个综合体,它包括灯光、音响、装饰、服装、道具、化妆、特技及舞台技术管理等诸多艺术成分。这些艺术成分在舞台美术设计中并不是简单地组合, 而是与戏剧的一度创作、二度创作、三度创作进行有机的融合。运用舞台美术设计的各个部分的设计的共同主题来展现整个舞台的设计主题。舞台美术设计并不是起源于我国。西方国家的艺术家们对舞台美术设计的起源和发展起到了至关重要的作用。我国舞台美术设计虽然起步较晚,但是在西方文化的传播和我国本土艺术家伟大智慧结晶的共同作用下,我国的舞台美术设计也形成了如今较成熟的体系,具有我国文化特色的舞台美术设计。
2.舞台美术设计的目的。
舞台美术设计本身并不是戏剧表演中的一部分,但是在戏剧表演中却是不可或缺的。戏剧本身展现给观众的是制作者、编排者想要表现给人们观看的舞蹈、剧情内容、启迪和想要给观众欣赏的或对所展现的内容有积极作用的音乐等,舞台美术设计的作用就是帮助这些想要被观众感受的东西能更容易被体会或是体会的更深刻。如果说戏剧本身是一幅精美的画作,那么舞台美术设计就是这副画作上鲜亮的色彩。鲜亮的色彩能帮助这幅画作瞬间吸引到观赏者的目光,使画作的轮廓、布局、所画事物给人更清晰的、直观的感受。二者的互相作用,便能产生更强烈的视觉效果,给欣赏者美的享受,使作品达到一个更高更深远的层次。
1.装饰方面。
装饰是舞台美术设计最为直观的一部分,舞台美术设计中最主要的装饰就是整个舞台的背景,地面、投影、大屏幕等共同构成了一场表演的背景装饰。背景装饰最重要的就是主题风格应和整场戏剧的主题内容相贴合,装饰对空间的掌控上也要合理,既不能大面积的占用舞台空间,又不能使舞台空间显得没有层次感。装饰材料的选择也是有讲究的,随着经济和科技的飞速发展,新型材料也在不断地涌现,如何在多种多样的装饰材料中选取合适的材料,怎样合理的利用各种类型的装饰材料也是舞台美术设计和中戏剧调和中至关重要的问题。
2.灯光方面。
灯光设计是一种非常重要的舞台美术设计手段,它在一场表演中占有非常重要的地位。上文提到的舞台美术设计的装饰设计方面的设计间接地决定了灯光设计的主要方向。灯光的基础功能是照明功能,但是当把其运用到灯光设计中时,使用的就不仅仅是它的基础功能了。当代舞台灯光是在照明的基础上以造型为主,同时还具有烘托气氛的功能,它具有光强、光色、光位、光区、光影、光束、光质、和光的运动等灯光造型要素。不同种类的灯具能照射出不同种类的灯光,不同种类的灯光在舞台表中上又能起到不同的作用。所以,根据不同的剧情内容、不同的表演目的选择不同的灯光也是舞台美术设计与戏剧的调和的重要一方面。
3.造型方面。
戏剧表演的成功与否最直观的体现就是能否抓住观众的注意力。吸引注意力主最主要的部分是该戏剧表演的表演内容,但是,能否吸引观众的注意力在一定程度上也取决于表演整体的造型设计是否新颖,是否足够吸引人。造型设计包括表演者的造型和表演时的整体造型,表演者的造型在表演特定的内容时是有固定的形式的,例如,每个时期的人都是有符合当时大时代的穿着打扮,不同身份背景的人物也都有不同的造型风格。但是有些方面表演者的造型设计也是可以根据剧情和想表演出的内容来进行相应的设计,以突出鲜明的人物特征,对表演者的表演具有积极地作用。整体表演的造型设计就相对表演者的造型设计繁琐许多,设计者在根据表演整体内容考虑整体造型设计的问题时,还要考虑整体造型设计中很多的细节,这些细节怎样设计才能更准确的体现表演的主题,起到一个画龙点睛的作用,在细节里凸显主题。所以,造型设计与戏剧的调和对戏剧的整体的艺术效果起到很大的影响。
时代在进步,舞台美术设计也在不断地发展。如今的舞台美术设计早已不是当初单一的模式,现在的舞台美术设计包括灯光设计、装饰设计、造型设计等诸多方面。并且每一方面的舞台美术设计也在不断地成长,专业人才越来越多,包含的元素也不断增加。就历届春节联欢晚会来说,大家都能很明显的感受到舞台的变化,3D投影、多舞台表演、表演者越来越精致的妆容道具,视觉、听觉的强烈冲击带给大家最新鲜的感受。这就是舞台美术设计与戏剧调和的重要性。
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影视动画,顾名思义就是动画电影。随着计算机在影视领域的延伸和制作软件的增加,三维数字影像技术扩展了影视拍摄的局限性,在视觉效果上弥补了拍摄的不足,在一定程度上电脑制作的费用远比实拍所产生的费用要低的多,同时为剧组因预算费用、外景地天气、季节变化而节省时间。制作影视特效动画的计算机设备硬件均为3D数字工作站。制作人员专业有计算机、影视、美术、电影、音乐等。影视三维动画从简单的影视特效到复杂的影视三维场景都能表现的淋漓尽致。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:论科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观,而动画正是营造出奇观的最佳手段。幻想是科幻题材动画的基础,科学是科幻题材动画的支柱,这两点是科学幻想题材动画的基本元素,缺一不可。通过对比国内外的科幻题材动画的内容与种类,探讨这一题材动画的作用和意义。分析目前中国的科幻题材动画现状,提出一些存在的问题,并且阐述了如何在创作过程中解决这些问题的方法。最后,为科幻题材动画的发展空间、发展前景做了进一步的设想,展望了其未来发展的可能性。
关键词:科幻题材动画;科学;幻想;科普;科幻剧作
电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观,而动画正是营造出奇观的最佳手段。科幻这一题材最大的亮点就是其体现的正是超乎现实的存在。所以说,动画是科幻题材的最有利的表达载体,同时科幻题材又使动画这一创作手段所特有的魅力能够得到充分展现。因为动画的超现实表达手段和科幻题材的超现实内容,决定了科幻题材和动画存在一种天然的联系。在目前的动画市场中,科幻题材动画有广大的受众,特别是在日本和欧美等国家。但是在目前的中国动画市场上却少有这个题材的佳作。本文将通过对比和分析国内外科幻题材动画现状,归纳和总结科幻题材动画的艺术特征,探讨其未来发展方向。
谈到什么是科幻题材动画,首先要从什么是科幻谈起。科幻是科学和幻想的结合,它并不等同于科普,也不等同于奇幻。被称为当今世界上最杰出的科普科幻作家的阿瑟?克拉克提到过一种被广大科幻迷认同的论点:当技术发展到具有神性时,科幻也就变成了现代奇幻。在现代艺术作品中,科幻和奇幻这两个文学界泾渭分明的国度正在融合。幻想是科幻动画的基础,科学是科幻动画的支柱。这两点是科学幻想题材动画的基本元素,缺一不可。
在世界电影发展历史上,科幻电影几乎和普通娱乐电影发展同步。第一部具有科幻色彩的影片是1895年上映的《机器屠夫》。这部仅长一分钟的电影讲述的是,活生生的猪从机器的一端进去,随后在机器的另外一端就出来了火腿、香肠、排骨等食品。该影片预示了未来的自动化工厂,讽刺大规模、标准化的机器生产。科幻电影的创立者,法国电影制片商梅里斯在1897年拍摄了世界第一部关于X光的电影。在影片中,梅里斯扮演一位医生,他给病人照X光,X光仪器一打开,病人的骨骼便立刻显现,接着,居然从肉体中走了出来,而肉体则失去了支撑倒在地板上。随后,手术台被掀翻,X光管爆炸将教授炸得粉碎。影片采用了两种特技:一是双重暴露,即骨骼与肉体分离显现。二是定格摄影,将教授分离出来,炸成碎片。科幻题材影片在诞生最初就和电影特效紧密联系。其中那种超现实的表达方式和动画特有的表达方式有着异曲同工之妙。
(1)科幻题材动画的内容构成。
科学和幻想是科幻题材动画的内容组成的基本元素。这也决定了科学幻想题材动画中的科学性和幻想性是同等重要的。其中,科学性主要体现为假定的科学世界观的构架。往往在影视作品中更突出的是画面的因素,所以不可能像文学作品那样用大段理论的说明和添加过的注释。这就要求这个假定的科学设定既要有新意的同时又要符合逻辑便于理解。幻想性也是科幻题材动画的一个重要组成。如果没有幻想的成分,动画也就减弱了其原有的魅力。在《星际宝贝》中,其幻想性的元素是外星人,其现实性元素是真实的家庭生活中的种种情感。如果去掉这一幻想性元素,把里面的星际宝贝这个角色用一只小狗来替代,也许同样能讲通顺这个故事。但是这样的故事远不如之前的设定令人激动,失去了动画特有的魅力。所以说,科幻题材动画内容的决定性因素即是科学和幻想,这两者分别是科幻题材动画的内在逻辑和外在表现。
(2)科幻题材动画的分类。
科学幻想题材种类的划分,可以从剧本的角度来说。一类是关于站在当前的立场,对于未来的思索,这其中包括基因科学、时光穿梭、宇宙探索、星际接触等类别。作品中体现的是对未来的预测或者遐想。例如,大友克洋的《阿基拉》,其故事年代发生在未来的2019年,第三次世界大战后的日本。该片表达了一种对于未来的危机感;另一类是对过去历史的一种假定性思索,在科幻领域中被称为“蒸汽朋克”。
在这类科幻作品展现是过去(大多是18世纪末和19世纪上半叶)的某个历史时期,或者是过去的人想象中的现在或者未来。“蒸汽朋克”影视作品中最明显的一个特点就是往往其中的主要科技代表元素是机械而不是电气,其代表动画作品,如大友克洋的《蒸汽男孩》。还有一类就是以某种科学理念为依据,构建一个虚拟的时空,这个时空间既不是过去也不是现在或者未来,而更是一种结合了科技的超越现实的童话。例如,宫崎骏的《天空之城》,其年代是虚构的,天空之城的诞生年代既不是未来也不是过去,是一个我们不了解的时代。该片以科幻元素作为载体,来讲叙一个充满环保主义色彩的故事。
(1)面对成年人方向。动画往往被定义为给小孩子看的。然而事实上,中国看日本动漫成长起来的一拨人,年龄已经将近而立,这部分人已经有了一定的理解能力和生活阅历,仅仅是目前的少儿动画无法满足他们的需求,他们需要的是更有深度的故事。科幻类作品的成功,在很大程度上取决于其幻想的奇丽与震撼的程度,这也是观众们主要寻找的东西。对于科学之美,任何一个受过教育或者是尊重文化的人都会被其震撼和吸引,而科幻作品,正是通向科学之美的一座桥梁,而我们所需要做的就是把这种美以艺术的形式从冰冷方程式中释放出来,展现在大众面前。
(2)面对青少年儿童方向。虽说动画片的观众不应该仅仅是儿童,但是目前中国动画的现状是依然无法满足3.6亿儿童的需求。从少儿的角度出发,动画的作用也是多方面的。特别是科幻题材动画的一个重要作用就是能够帮助孩子建立科学的价值观。著名科幻作家郑文光先生在五十年代就说过:“一个科学的大脑,一种科学的精神,一种科学的态度,是首要的。通过科普文章去宣传,不如通过艺术作品去感染,去渗透,去熏陶来的好。”动画比文学作品更容易被儿童所接受。教育不应该是限制孩子们的思维,强硬的灌输,而是应该让孩子懂得自己去理性选择。科幻题材动画的教育意义也正在此。
4 分析中国动画中的“科幻”动画
(1)中国“科幻动画”的历史。说到中国科幻动画的历史,这里的“科幻”动画是带引号的。因为事实上有很多被归为这一类别的动画片都不能被称之为科幻题材动画,其讲述的内容要更接近科普。《黑猫警长》也在一些文献中被冠以“科幻题材动画”的头衔。但是我认为,这不能算是科幻题材动画,本片虽然有科学的成分,但是并没有关于科学的幻想在里面,里面所介绍的知识是客观世界中存在的,这部动画更应该说是一部科普题材动画。
(2)中国“科幻动画”的现状。近些年来中国的科幻题材动画处于低谷,鲜少有这一题材的佳作。勉强能算得上是科幻动画的,大概就是《蓝猫淘气三千问》了。在这里要特别说明的是,我认为这部动画作品不能算是科幻题材。虽然片中有用到过一些如外星人、宇宙飞船、基因改造等科幻元素,但是事实上它是在用科幻的元素来生硬的套在故事上,其中的科学性和幻想性都不够,硬要归类的话,个人认为它更应该算是一部科普题材动画。
如果想要令科幻题材动画在中国的市场上形成一个良性的发展,首先要做的就是提高从业人员的个人综合素质,把自身对于生活和对于科学的理解溶入作品中,具体的改良方法就要从创作部分来谈起。
(1)剧本选择。
在动画制作的前期阶段,最重要的就是剧本的选择。剧本的选择方面,有两个非常值得注意的地方:
1)科幻动画剧本应具有来自现实情感的感染力。优秀的动画作品有强烈的感染力。这种感染力的来源是贴近自身情感和符合自身逻辑的剧情。是科幻题材,注重的是科学的幻想,然而所谓的幻想并不是完全天马行空。影片的概念设定可以是超越现实的,而影片中的细节和情感则要是真实的,贴近生活的。只有这样才能让观看者会觉得感同身受,真正被影片所打动。
2)科幻动画剧本应尽量避免科学上的硬伤。科幻题材的剧本创作中,还有一个非常令人头疼的问题,就是科幻作品的科学性。科幻题材作品之所以和其他幻想题材作品区分开,其中所蕴含的科学性是一个重要因素。前面也说到过,让科幻题材剧本的创造者在短时间内掌握大量的社会科学和自然科学知识是不现实的,这就造成了在剧本的编写阶段经常容易犯一些技术性错误。
事实上,有很多知名动画导演都具备丰富的学科背景。例如,日本有“动漫之父”之称的手冢治虫有医学博士的学位,再有日本动画导演大友克洋是学习建筑,日本导演宫崎骏是学习政治经济学。从他们三人的作品中,可以看出他们把自己的社会科学和自然科学知识溶入动画作品中,而这一点正是目前中国动画创作人员所欠缺的。在前期阶段,影片的编剧、美术设计,应当和相关科学领域的专业人员密切合作,推敲剧本和美术设计,尽量把硬伤出现的概率减低。
(2)美术风格设计。
美术风格的设计也是科幻题材动画的一个亮点。大友克洋曾经说过:“一部动画片中最重要的当然是美术设计。因为影片80%以上都是靠画面来传达意思的。美术是动画片基础中的基础。”超现实的影片中的美术设定也是需要从生活中吸收而不是凭空捏造。押井守在制作《攻壳机动队》时到香港采风;大友克洋在制作《蒸汽男孩》时到英国实地考察,参观当地的博物馆、纺织场、建筑等。科幻题材影片美术风格的设计,不是临摹现实,而是经过对现实吸收,然后重组设计,达到符合客观逻辑又超越现实的效果。
在当前中国市场背景下,动画所针对的群体主要是少儿。作为一个当代中国的动画行业工作者,对于传承中国历史上的五千年文明是有义务的。然而仅仅是对20世纪90年代以后出生的青少年讲述课本上的历史,是无法让他们真正体验所谓的中国文化的。科幻题材动画正是体现这种历史的灵魂、民族的精神,甚至是人类文明的一个极好的载体。通过科学幻想和人文情感打造出来的故事,可以吸引青少年的视线,同时又传播具有中国传统文化精髓的价值观。结合紧密结合自身历史和情感,充分发挥想象力,严谨对待科学知识,即是作为一名动画创作者所应该坚持的创作方向。
从近的方面来说,科幻题材动画能够进一步激活我国的动画市场,填补这一题材的空白,满足观众的需求。从远的方面说,科学本身的魅力是能给心灵带来震撼的。正是只有动画所特有的万能的表现力,可以让我们通过影像传达出这种信念,开拓人们的想象力,激发人们的探索精神。把这种心灵的震撼带给观众,这也正是动画独有的魅力的最终体现。
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电影的魅力在于展现现实世界中没有的奇观,而动画正是营造出奇观的最佳手段。幻想是科幻题材动画的基础,科学是科幻题材动画的支柱,这两点是科学幻想题材动画的基本元素,缺一不可。通过对比国内外的科幻题材动画的内容与种类,探讨这一题材动画的作用和意义。以下是读文网小编为大家精心准备的:科幻题材影视动画的艺术特征与发展前景分析相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要: 科幻题材影视动画逐渐成为我国影视文化的新宠,越来越多的人开始关注科幻题材影视动画。在西方国家,科幻题材影视动画已经成为国民经济的重要支柱。近几年,我国也开始大力发展科幻题材影视动画,希望能尽快和国际影视文化接轨。科幻题材影视动画的制作不仅仅是一个国家技术的展示,更是艺术的展示。科幻题材影视动画融合了美术和影像的特色,使用现代制作技术,从单一的艺术形式逐渐向产业化发展。
科幻题材影视动画的魅力就在于动画可以展现给人们现实中不存在的奇观。创新和灵感是科幻题材影视动画制作的基础,先进的制作手段是科幻题材影视动画的制作支柱,这两点是科幻题材影视动画形成的基本元素。目前,西方国家的科幻题材影视动画受到很多人的喜爱。但是,目前我国还缺少科幻题材的动画佳作。
1.1 科幻题材影视动画的原创性
科幻从字面上理解,就是科学加上幻想。在国际电影发展历程中可以看出,科幻题材影视动画的发展步伐几乎和其他题材电影同步。科幻题材影视动画具有很强的原创性,原创性对科幻题材影视动画的制作和发展尤为重要。科幻题材影视动画的原创性要求设计人员从动画形象到动画场景,再到动画的合成都不能存在任何抄袭的迹象。如今,随着计算机技术的快速发展,人们会对科幻题材影视动画制作形成一种认识误区,认为所有科幻题材影视动画的制作都可以使用计算机完成,不需要人为做出任何努力。事实上,这是对计算机技术和人为创造关系认识不够导致的。只有保持科幻题材影视动画的原创性,才能让科幻题材影视动画在激烈的竞争中生存发展下去。原创性的科幻题材影视动画也是时代的象征,更是国家文化的体现。
案例:《阿童木》是一部由中国,美国和日本联合投资制作的科幻题材影视动画,这部科幻题材影视动画2009年在中国和美国同时上映。故事主要内容是天马博士的儿子意外丧生,天马博士非常悲痛。为了能再次见到儿子,天马博士制作了一个和儿子长相一模一样的孩子。但是,后来天马博士发现这个机器人不是自己想要的,就把机器人卖给了马戏团。这个机器人被茶水博士收留,并给他赋予了一种神奇的力量,这个机器人就是阿童木。阿童木从此开始维护正义,保护世界和平。《阿童木》这部科幻题材影视动画从人物形象到故事情节都充分体现了设计人员的创新性。
1.2 科幻题材影视动画具有文化性
科幻题材影视动画是一种独有的文化形态。在信息化时代,科幻题材影视动画加强了国家文化的传播力度。当人们在观看科幻题材影视动画的时候,科幻题材影视动画也对人们的传统观念形成一定的冲击。目前,我国政府和相关部门非常重视科幻题材影视动画的发展。我国已经在各地区建立科幻题材影视动画制作基地,推动了科幻题材影视动画的快速发展。科幻题材影视动画充分体现了国家的新兴文化。因此,科幻题材影视动画设计人员在设计的过程中不能单纯的对动画形象进行创新,更需要通过动画制作引导人们形成良好行为习惯,进而形成健康的社会风气。
1.3 科幻题材影视动画具有技术型性
科幻题材影视动画的制作必然离不开先进的技术手段,特别是在这个信息时代,科幻题材影视动画制作对技术的依赖性非常大。计算机技术的产生和发展,改变了科幻题材影视动画传统制作方法。如今,科幻题材影视动画从数据采集到形象生成等,都可以使用计算机技术来完成。但是,设计人员和动画制作人员需要处理好计算机技术和动画艺术之间的关系,实现科幻题材影视动画的快速发展。
1.4 科幻题材影视动画具有整合性
科幻题材影视动画是一门综合性的艺术。科幻题材影视动画把美术、音乐、摄像等艺术结合在一起,最终形成了一种新的艺术形式。科幻题材影视动画的制作也需要使用多种技术手段。由此可以看出,科幻题材影视动画不仅是对艺术的整合,也是对技术手段的整合。
目前,我国已经有超过4亿的科幻题材影视动画观众,是世界上最大的科幻题材影视动画消费市场。我国科幻题材影视动画制作起步于2006年,在2008年得到快速发展。科幻题材影视动画行业在两年时间内完成了动画制作的基础性建设。在国家政策的扶持下,预计在未来五年内我国科幻题材影视动画将迎来发展得黄金时期,更多资金和技术将注入到科幻题材影视动画制作中,推动科幻题材影视动画的迅猛发展。据统计,中国科幻题材影视动画消费者对科幻题材影视动画的需求量是每年180万分钟,而实际上我国科幻题材影视动画的播放时间仅有2万分钟,根本无法满足我国科幻题材影视动画消费者的需求。从这个数据也可以看出,中国具有广阔的科幻题材影视动画消费市场。
科幻题材影视动画属于密集型产业,具有强大的产业链,在国家文化产业中有着不可替代的作用。美国是国际上科幻题材影视动画最大的出产国。在美国,科幻题材影视动画的地位仅次于国家军事。科幻题材影视动画给美国带来的经济收入已经远远超过汽车、飞机出口带来的经济收入,成为美国国民经济的重要支柱。日本是国际上仅次于美国的科幻题材影视动画出产国。在日本,科幻题材影视动画所带来的经济收入是工业出口额的四倍。除了美国和日本,世界上其他国家也在大力发展科幻题材影视动画。相比世界其他国家,我国的科幻题材影视动画制作技术相对落后,根本无法满足我国科幻题材影视动画消费者的消费需求。
在2006年之前,我国科幻题材影视动画还在使用传统的动画制作方法,设计人员也不注重制作过程的创新,导致我国科幻题材影视动画市场一直被其他国家占领。中国本土的科幻题材影视动画企业仅占中国科幻题材影视动画企业总数的10%,日本科幻题材影视动画企业占中国科幻题材影视动画企业总数的60%,欧美科幻题材影视动画企业占了中国科幻题材影视动画企业总数的30%。目前,我国也开始高度重视科幻题材影视动画的发展,财政部加大了科幻题材影视动画生产和制作方面的资金投入,推动科幻题材影视动画形成成熟的产业链。政府也为科幻题材影视动画企业提供了良好的政策环境。科幻题材影视动画必定离不开国家政策和资金的扶持,只有国家和相关部门共同努力,才能尽快打开中国科幻题材影视动画消费市场,实现科幻题材影视动画产业的快速发展。
优秀的科幻题材影视动画具有强烈的感染力,这种感染力主要来源于合理的剧情和贴近生活的情感表达。科幻题材影视动画是时代文化的体现,更是一种美好的艺术形式。科幻题材影视动画必定离不开设计人员和制作人员的原创性,原创性也是科幻题材影视动画在激烈的竞争中得以生存和发展的基础。科幻题材影视动画的制作是多种技术的融合。但是,计算机技术的使用并不能完全取代制作人员的制作理念,科幻题材影视动画制作人员需要把制作理念和先进技术相结合,共同推动科幻题材影视动画的发展。我国具有广阔的科幻题材影视动画消费市场,只有国家和相关部门共同努力,才能尽快打开我国的科幻题材影视动画消费市场,提高科幻题材影视动画产业的经济效益。
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摘 要:就像所有艺术创作一样,动画影片的创作过程中,有很多因素决定了动画片的成败。特别是包括了创意、策划、剧本、分镜剧本头等前期工作。在这些元素中,剧本创作则是重要的前期工作里尤为重要的一环。
关键词:动画;制作;剧本创作
就像所有艺术创作一样,动画影片的创作过程中,有很多因素决定了动画片的成败。特别是包括了创意、策划、剧本、分镜剧本头等前期工作。在这些元素中,剧本创作则是重要的前期工作里尤为重要的一环。
在最早时期的美国迪斯尼动画即可以看出:故事情节单调简单,镜头平实,重心偏侧于表现各种夸张变型的肢体活动。但在后来迪斯尼动画的改革当中,迪斯尼小组开始学习好莱坞的剧本写作模式,把叙述事件发展,讲究起承转合渐渐放在了第一位,而将动作动态只是放在以烘托、突出故事发展来继续描绘。
因此策划影视动画作品,在内容设置上吸引力低、情节平平、缺少悬念、虎头蛇尾、立意单一等,这样只能导致动画作品的彻底失败,这也是国内观众对于大多数国产动画片评价较低的原因之一。在此,在前期策划的过程中,剧本创作是极其重要的,是影视动画作品的创作根本。
影视动画剧本的创作则包括了:首先收集资料。任何编剧都会突然接到各种要求的剧本工作,而如果从接到工作以后才开始做准备,那就太晚了,勉强拼凑的故事也达不到引起观众共鸣的效果,所以,创作资料可以用过日常生活的积累来逐步完善。
影视动画剧本的创作,既可以改编也可以是原创。要是根据了畅销小说、报刊上的一段文章或知名戏剧所改编,一般情况下,剧本的主题和内容,以及戏剧元素中的矛盾、角色特征都是现成的。作者只用在此基础上,在不改动原来主题和意义上适当地加入夸张、冲突等戏剧元素,让文字故事具有比较强烈的画面效果,能够以画面表现出来就行了。这个问题上,美日的动画片创作值得借鉴。美日的动画一般多改编自文学或漫画作品,这样既节省了时间和创作立意的争论,还能保证剧本故事的深度与精细化,并以此确保了作品消费市场顺利接受,这样的动画剧本创作模式,也是美国与日本动漫相当稳定发展的原因。
如果是要进行文学原创,使所讲的故事真实、能引起观众普遍的共鸣,那么这样的故事一般来说在真实的现实社会才会发生,我们所需要做的就是详细耐心的记录现实生活。好的编剧要懂得笔记的选择,有所选择也可以说是最见作者功力的技巧之一,应该把最适合发展成剧本的那些故事关键字写下来,而不是死板的流水账形式。除了观察生活中的人与物,像报刊文章、小说、戏剧都能成为一个好故事的萌芽。一般常常采用间接的方法,把看到的内容用作转向另一个新故事的跳板,先研究故事发展的来龙去脉,再加以转折或引申发展,成为一个全新的原创故事。
然后,必须根据该剧本的要求,进行资料的选择,拼合写出一个故事大纲。然后不断进行修改、完善,再逐步细化,写出完整的剧本。如果不是长时间的剧场动画,而是系列片或连续剧,也就是说整个故事有一个最大的主题。
在创作剧本之前,都会最先确定故事的主题大纲。而故事大纲特点,必须以最简明扼要的语言概述整部作品的主题思想和故事内容。同时,还要表达出设置的冲突和主要角色间的内在联系,并反映出未来剧本中心事件或故事内容的大致轮廓,这些都是创作构思的基本框架。剧本的大纲首先要确定影片剧本的主人公,例如《千年女优》可以看成主角为女明星藤原千代子,以及她的影迷也是采访者身份的立花源,甚至还有不停出现的摄影师井田恭二。这时一定要保持清醒的头脑,分清每段故事的中心人物,在不同的内容中找到需重点表述的角色,再加以较多刻化、细节性描述,故事层次就要清楚多了。
主人公有了,然后需要确定故事的总体构思和主要发展方向,确定中心事件,即故事内容的大致轮廓。因此,在故事大纲中本必需确定的是:主要情节线是单一还是复杂,剧本故事整体的轮廓是怎样发展。
剧本的故事大纲,还应表现出剧本与成品影片的叙事格调,以及样式类型,比如是抒情的叙事风格、写实的叙事风格,还是戏剧式的叙事风格;是情感片、幽默片、哲理片,还是实验类动画的探索片等。风格与样式都是使剧本与影片在艺术上达成和谐统一所不可缺少的。如在剧本大纲里没有明确的标注风格与样式,只是在构思时提出了故事的趣味性,那结果就会出现问题。在以后的创作动画当中由于是大规模的分工合作,在形式不统一的情况下将会付出巨大的劳动,一次次返工修改剧本,画面也就要一次次的重新创作,其重要程度可想而知。
如果是连续剧或系列片,若情节比较复杂,那还要写分集大纲。要在每一集中落实一个重点事件或中心事件,明确该事件在总体情节中的位置、作用,并且照样要有剧本基础模式——起承转合。只有这样的剧本创作才是比较完整的。
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影视音乐是音乐和影视的结合,当音乐一旦融入影视之后,就成为影视作品中不可或缺的重要元素,并迅速发展成为一种新的音乐体裁。下面是读文网小编为大家整理的影视音乐赏析论文,供大家参考。
影视画面与影视音乐相结合,不仅可以使影视作品的画面更加有活力,而且还能将视觉的东西听觉化,让作品所要表达的感情更为深刻。比如,我们会在灯光闪耀或者是星光灿烂的时候用钢片琴表达,也可以用双簧管或者是长笛来描述生机勃勃的清晨,还可以在微风吹拂的时候加上一些小提琴的颤弓效果使这种感觉更形象化……这样的情景交融可以让观众在视觉享受的同时感受听觉上的美,视觉和听觉相结合,共同感受作品的情感。以实例来说,钢琴所抒发的感情是非常优越的,因此,在纪录片《冬猎》中,当冰雪覆盖自然的景象出现时,就会响起一阵透彻且明亮的钢琴声,为了突出树挂的特色,钢琴快递下行的琶音就能形象地将枝头挂着冰凌的景象表现出来,通过音乐使整个画面更有激情,刻画的景象更深刻。音乐既能展现画面真实的感觉,同时还能将所要展示给观众的意境传达出来,在形似的同时做到了神似,使画面极富感染力。
画面往往只能表现主人公外在的一面,而往往主人公的内心是无法形象地表现的,这时,影视音乐就能很恰当地解决这个问题,它可以通过烘托背景氛围来侧面揭示主人公的内心世界。
1.烘托环境的氛围。影视作品的环境氛围是不能通过视觉观察出来的,而影视音乐则可以通过旋律和乐器的变换来烘托背景氛围。例如,电视剧《红楼梦》,这部作品主要是通过展示林黛玉和贾宝玉的悲情爱情故事,来展现一个封建社会大家族的兴盛和衰败,以此来表达封建社会注定会终结的主题。根据这一作品,作曲家创作出了一系列以悲为美的音乐作品。使整个作品从头至尾都贯穿着悲凉的气氛,细腻地表现出了主人公的内心世界。这些音乐作品不管是歌词、旋律还是和音响,都将这种悲情的美表现得淋漓尽致,使整个作品的背景都展现出一种悲伤的氛围,让剧中主人公的情感以及命运都在悲伤的氛围中得以最自然的流露。
2.烘托时代的氛围。影视作品还能通过影视音乐来烘托时代的氛围。比如,电影《祖国的花朵》,它的一首插曲《让我们荡起双桨》曾经红遍大江南北,被许多的青少年所传唱。因为这部电影是一部有关儿童的电影,所以,这首插曲就能让人感受到浓厚的童真童趣。歌词和旋律刻画了一副孩子们在课余时间在美丽的北海公园划船游玩的景象。展现出孩子们在最纯真年代的幸福生活,将北海公园的美和孩子的欢乐描绘得出神入化,让我们每当看到这部电影或者听到这首歌曲,思想都能很自然地回到那个美好的时代。这正是影视音乐对时代烘托的最好的例子。
3.衬托地域之美。地域的美不仅从影视作品中可以感受得到,影视音乐也可以将其衬托得很完美。例如,电影《黑骏马》,这部影片揽尽了草原辽阔坦荡的风光,同时捕捉到了草原上豁达强韧的生命力,向观众呈现出一种宽阔的胸襟,而由腾格尔作曲的主题曲《天堂》更是完美地将草原的美通过音乐展现出来,每当音乐响起的时候就能让人想到辽阔的草原。
4.烘托民族的特点。音乐常常可以将一个民族的特点表现得尤为突出。例如,张艺谋导演著名的作品《十面埋伏》,这部电影的插曲《十面埋伏》运用中国的传统乐器琵琶,将十面埋伏的那种场景表现得淋漓尽致,一方面深化了电影的主题,同时也将我们的民族特点得以突出。
音乐对观众的影响往往是经过潜移默化的,它会带着观众走进影视作品中,感受主人公的内心世界,使观众可以在听到影视音乐的时候自然而然联系到影视剧中的桥段,以此来将影视作品与影视音乐联系起来。例如,曾经红遍中国的香港电影《甜蜜蜜》,其中由邓丽君演唱的主题曲《甜蜜蜜》堪称经典。影片中的两位主人公在初次相遇时,既浪漫又心动,这首歌曲用甜美的声音唱出了主人公内心的甜蜜和幸福。随着故事的发展,由于现实的压力,主人公分分合合,最终在异乡无意间听到《甜蜜蜜》时四目相对,好像经历了好几个世纪,让主人公心中的情感得以表现,因此,这首歌曲贯穿整部作品,将主人公的内心世界描绘得生动、形象、具体。
自1893年爱迪生发明了电影视镜并创建“囚车”摄影场,“电影”就轰轰烈烈地登上了历史的舞台,但随着时代的发展,人们对艺术的鉴赏能力的提高,电影制片商发现单纯的影视作品再也满足不了观众的需求,于是影视音乐登场,它在扩展电影内涵、丰富电影美感上做出不可磨灭的贡献,在当时音乐已经有了比较成熟的发展,结合影视剧情的一种新的艺术表现形式“音乐电视”也应运而生,它使音乐和影视都达到了一个新的高度,音乐更加富有内涵,而影视也更加传神。
(一)连接影视剧情
电影的艺术表现手法多种多样,太过繁复的剧情有时因为时间关系并不能细细讲述;而多个主线同时发生的时间也不能同时描绘。所以经常会出现多个片段连续剪辑的镜头,这时,单纯的画面已不能圆满地表达清楚细节,就需要利用音乐来衔接剧情,让观众更深刻地领会电影内涵。比如在《无间道2》中,随着剧情的发展,倪家为了巩固自己黑帮的地位,而决定杀害其他四位合作者,而由于倪永孝心思缜密,计划周全,鞍山行动几乎在同时进行,所以导演用了大量剪切镜头分段描述刺杀四位头目的过程,这时背景音乐开始演奏,从行动开始就弥漫着一曲凄凉的口琴演奏,舒缓、哀伤、压抑。使观众沉浸其中,大量镜头的切换也显得自然、流畅,更让观众深刻地体会到男主角倪永孝的心狠手辣,也领悟到黑社会的残酷。设计非常巧妙,背景音乐在此时承担了非常重要的衔接的作用。
(二)总结影视内容
在电影剧情发展到一定阶段,各种因果尘埃落定之时,再多的镜头画面都不能更深入地表达内涵的时候,音乐的另一个作用就体现了出来,那就是总结、评价电影,给观众灵魂上以更深刻的冲击,而且如果使用得当既不会使音乐显得突兀,也不会让画面太过尴尬。比如:在电影《花木兰》中,战争开始,泥土血水漫天,战马旌旗飘扬的战场上,披坚执锐策马奔腾的花木兰出现。此时《木兰情》这首音乐开始演奏,词曲融入大量中国风,能使人产生较强的民族感,而且插曲旋律辽阔而大气,以马头琴为主、古筝为辅的演奏工具更鲜明地表现出战争场面的震撼,与影片整体以及场景非常符合,结合强势的背景音乐让观众看着在血流漂橹的战场上厮杀的花木兰,都会不禁心生感慨,为花木兰的命运多舛而感到同情,同时也为花木兰的坚强而自豪。这时的背景音乐就很完美地起到了一个点题的作用,无需再多的画面描述,花木兰那种在命运面前不轻易低头、勇于直面困境的顽强心态得以完整地呈现在了观众面前,而且以音乐的形式烘托出来更让观众有种只可意会的快感,更加强化了电影的效果。
(三)深化影视主题
一般来说成功电影的内涵并不容易让人轻易领会,但台词和音乐都会在不经意间流露导演的真实想法,这就需要观众去结合音乐细细品味,比如:在《大话西游》中,初次看这部电影,大多数人都会以为这只是单纯的一部喜剧片,但如果你细细品味就会发现其实并没有这么简单,在影片最后,孙悟空踏着七彩祥云出现,与紫霞仙子在空中纠缠时,背景音乐《天地孤影任我行》开始演奏,最后紫霞仙子为孙悟空挡住了牛魔王的一击之后说“我猜中了前头,可是我猜不着这结局”,音乐也达到了高潮,那种凄美的爱情结合苍凉雄厚、豪气悲壮的音乐顿时让人泪流满面,这时全篇主旨才慢慢浮出水面,观众才突然醒悟,这根本不是一部喜剧片,而是讲述凄美爱情的黑色幽默剧,剧情的转折固然有重要作用,但明亮庄严的音乐才让观众有了醍醐灌顶的觉悟。不得不说影视作品中音乐的作用非常重要,它可以深化影视的主题。
根据本文论述我们可以看出,背景音乐是影视艺术中一项重要的表现手法。音乐这种特定的表现手法创造了一种将人的情感超脱出画面,外化成为一种动感意向的形式,以虚幻又充满张力的声音运动帮助观众进行审美思维的塑造,最终成就了影视音乐独特的魅力。
一、影视音乐节奏与其他影视声音形成的复合的声声节奏
影视音乐作为声音要素在影视作品中与之伴随的还有人声和自然声,由于同属于声音物质,影视音乐的节奏一定会受到这两种声音要素的直接影响。在某些学者的观念里,整个影视声音就像是具体音乐,也就是其他声音就是音乐的组成部分,从而可以把整个影视声音作为特殊的音乐来认识。这里我们虽然不能完全同意这样的观点,但音乐与其他声1342013年第4期音之间的紧密关系我们不能忽略。特别值得我们注意的是在影视声音设计中,由于其他声音要素的客观性和确定性较强,而影视音乐却具有较大的主观性和随机性。作为一个独立的声音要素,它在创作中就具有非常重要的技术性和主观能动性,而其中重要的一个技术性原则就是节奏。下面,我们分别来分析音乐与人声、自然声形成的复合的声声节奏的形态特征。
(一)音乐与人声的复合节奏
在有对白的情节中,人声与音乐的的结合主要是纵向结合,它们结合形成的节奏形态可以分成主要三个类型:对应、对比和互补。在这里,我们不太可能也没有必要像多声部音乐一样去量化分析两个声音层的节奏,但我们可以用它们表现出来的节奏特征进行分析。在某些节奏点上,有时甚至可以用主观与客观结合的方法进行分析。从多声部音乐的节奏特征来看,对应性节奏基本上不改变原来的节奏特征,但可以起到丰富和加强的作用。这在影视音乐与人声的结合中是一样的,比如快速的人声对白与快速节奏的音乐的结合。在影视作品中,音乐会加强对白的节奏,同时还会加强语言的情感性。节奏的对比就是一个节奏层为快速,另一个节奏层为慢速。从理论上来说,快慢速节奏的结合就是互相综合。如慢速的人声对白与快速的音乐结合时,人声的速度感增强,同时情感性增强。而快速的人声与慢速的音乐结合时,人声的速度感减弱。这种节奏形态带来的另一种情况就是节奏对比打破了视听联觉的习惯,音乐节奏成为前景,视听感官感受削弱,思想情感增强。音乐与人声的互补就是两者的节奏在横向上都是变化的,但在纵向上结合起来就是一个复合的规律性节奏。在这里,由于音乐与人声形成的音色节奏的加入使节奏的动力性更强,如人声的节奏在横向上是快慢快的进行,同时音乐的节奏在横向上是慢快慢的节奏进行,那么人声与音乐就会在纵向上形成快慢结合,但在横向上却会保持相对稳定的声音的复合节奏。音乐与人声形成的复合节奏的节奏形态对于我们在给影片进行声音设计时,特别是为一个有对白的情节配乐时,应该特别关注其他声音在音乐节奏中的参与。比如有时为了声音节奏的表现,我们会重新设计音乐的节奏。又如音乐可以参与复合节奏,但要考虑人声的内容的表现。明显的音乐节奏会影响语言内容的表达,所以特别在语言内容非常重要的地方,我们的声音设计应该是,要么音乐在声场中置于背景,而语言为前景;要么把音乐的节奏动力弱化。
(二)音乐与自然声的复合节奏
自然声与人声一样,许多时候会受到情节内容与画面的影响,所以它的节奏非常具有客观性和确定性。由于规律性节奏对于非规律性节奏的控制作用,当它与音乐结合时,人们会不自觉的让它参与到音乐的节奏中。我们抛开自然声的写实以及表情的功能,从节奏的角度来分析它与音乐结合的复合节奏的形态以及特征。自然声与音乐的复合节奏同样存在对应、对比和互补三种形态。如快步的脚步声与快速的节奏的音乐的结合就是节奏的对应;密集的枪声的快节奏与长音旋律的慢节奏的结合就是对比;格斗中偶尔一记重拳与紧跟的音乐重音形成的一个以自然音为重音开始的音响片段就是节奏的互相补充。这里有一点特别值得我们关注,因为人声的表意性大于它的节奏性特征,所以它参与音乐的节奏的倾向性较弱,而自然声的节奏特征却比较明显,所以在与音乐的结合时与人声不一样的是它参与音乐节奏的倾向性大大增强。此时如果自然声与音乐在纵向复合节奏上不能体现节奏的一致性的话,就会形成不协和节奏,如果不协和节奏不是我们此时的表现需要的话,一般在声场上采用音乐成为背景,而让自然声成为前景的声音设计,或者让音乐的节奏动力弱化,突出自然声的节奏和自然声的写实和表情功能。
二、影视音乐节奏与画面节奏形成的复合的声画节奏
(一)影视画面节奏的理论
从文章前面的论述我们知道:在音乐的节奏理论中,发音点、时值与停顿是节奏构成的三个必不可少的要素。这可以认为是音符的一次运动或一个节奏点,而多次运动或多个节奏点就会产生节奏感。这种神经反射的时间间隔存在于听觉神经系统对声音的反应中以及其他所有的感觉系统中,如视觉对对象活动的反应所具有的时间间隔形成会构成视觉的节奏体验。用音乐的节奏观念,我们就可以来理解影视画面要素中剪辑、镜头、画内信息的节奏。在剪辑节奏的构成要素中,一个镜头的第一帧可以认为是发音点,持续时间可以认为是时值,最后一帧可以认为是停顿;镜头的节奏要素可以理解为镜头运动的开始,持续和结束,也就是从镜头的起幅到落幅的过程。而画内信息主要是人和物的运动,节奏也就是人和物的运动的开始,持续和结束。
(二)声画节奏观念
影视音乐作为一种特殊的音乐形态,它不仅受其它声音要素的影响,而且也会受到画面节奏的影响。也就是说,影视音乐可以与画面结合形成影视声画节奏。在无声电影时期,音乐被认为是电影的伴奏,它的功能更多是增加娱乐性和满足人们的视听习惯。当然后来人们努力使音乐与电影协调一致,例如在情感和节奏上,但许多时候音乐与画面在节奏上基本没有什么联系。在有声电影时期,音乐成为画面的附属,画面的运动和节奏许多时候会配上相应节奏的音乐,这种方式被称为按动作配乐,也叫米老鼠式编曲。当今时代,影视音乐成为影视艺术视听要素中重要的组成部分,音乐不是单纯的附属要素,而是有机的成分,音乐积极的参与叙事,表情以及运动。在参与运动的过程中,节奏成为重要的载体。电影中声音与画面结合所形成的声画节奏的形态特征的发展变化是一个从单一要素结合到多种要素复合的过程,也是一个从偶然、随机到主观、互动的的过程。影视作品中画面的节奏主要由剪辑、镜头运动和画内信息运动构成。在实际作品中,它们有时也有主次或前景背景之分。如某些画面节奏主要是由剪辑节奏构成,而有的画面节奏主要由镜头运动节奏构成。一般情况下谁的节奏速度快,谁就是主要节奏层次或者说是前景节奏。如剪辑节奏的速度超过镜头运动和画内信息运动时,剪辑节奏就是主要节奏层次和前景节奏。
(三)影视音乐与画面的声画复合节奏形态
与音乐、人声和自然声的节奏关系一样,影视音乐与画面的复合节奏主要有三种形态:对应、对比和互补。三种声画节奏形态体现不同的声画节奏表现特征。声画节奏对应就是音乐与相同节奏速度的画面剪辑、运动、信息节奏的结合而形成的声画复合节奏。当影视画面的节奏较快而此时音乐的节奏也属于快速的话,它们就属于对应性节奏。节奏对应时,声画节奏又可能出现两种状态,如以画面节奏为前景的声画节奏和以音乐节奏为前景的声画节奏。以画面节奏为前景时,画面内容的重要性被突出,内部节奏成为主要节奏层;音乐节奏为前景时,视听感受被突出,外部节奏成为主要节奏层。当然还有一种情况就是它们互相都不是前景和背景的关系而是音乐的节奏点与画面的节奏点形成节奏重音。由于节奏要素的增加和节奏的一致性特点,节奏重音的动力性会大大增强。对比性节奏就是音乐的节奏速度与画面节奏的速度形成对比,也就是一个节奏层次的速度快而另一个节奏层次的速度慢。它们之间会形成节奏动力互相影响的情况。如快节奏的画面节奏与慢节奏的音乐节奏结合时,由于对比节奏的出现,外部画面节奏减弱,内部心理情感节奏感增强。由于视听节奏的不一致而使人们会去主动感受外部画面节奏之外的内部情节节奏。而当画面节奏为慢速节奏而音乐为快速节奏时,由于对比节奏的出现,外部视听节奏感增强。互补性节奏实际上就是画面节奏与音乐节奏两者的节奏点互相补充。如剪辑节奏为慢速时纵向上音乐节奏为快速,横向上当音乐节奏变为快速时此时纵向上剪辑节奏则变为慢速。互补节奏只是节奏的要素发生变化而节奏的特征保持不变。互补节奏有两个方面值得我们关注,如由于要素的增加,它的声画节奏动力被加强;还有就是在情节中声音和画面互相加强而互不干扰。如在音乐与人声的互补节奏中,音乐与人声的相继出现可以使人声表达的信息内容不受到其他声音要素的干扰。
三、影视音乐与其他声音和画面形成的复合节奏
从上面的论述我们知道,影视音乐会与影视声音中的人声和自然声形成声声节奏关系,同时也会与影视画面的剪辑、镜头运动和画内信息形成声画节奏关系。人声和自然声或同时与音乐进行节奏复合,或者以某要素为前景与音乐复合。而影视画面中的剪辑、镜头和画内信息也会同时与音乐进行节奏的结合,或以其中某一个要素为前景与音乐结合。对于声音和画面两大要素来说,有时也会以声音或画面为前景与音乐结合形成节奏关系。在这些关系中有三个主要的节奏形态如对应性、对比性和互补性,而不同要素的节奏的结合形成的复合的声声或声画节奏以及不同节奏形态的艺术特征有不同的视听表现作用。影视音乐的这些节奏艺术观念对于影视音乐的创作和研究以及影视声音设计有重要的指导意义。
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近些年来,随着我国社会经济的不断发展,其美术设计行业的发展也非常迅速,并且市场需求在不断地增加。下面是读文网小编为大家整理的关于美术设计的论文,供大家参考。
一、中国动画形象设计的历史
(一)特色风土型
此类影片的设计思路较广泛,大多数是以其影片的故事内容背景为依托,进行的设计,他们大多孕育有浓厚的民族风情。例如《九色鹿》中的鹿王,落水人是取自敦煌壁画中的造型,而《阿凡提的故事》中的阿凡提、巴依老爷形象,则取自我国新疆地区的维吾尔族人。
(二)民间手艺型
此类影片,大多具有浓厚的民族手工艺文化,或以水墨,或以剪纸,或以雕塑,皮影为制作手法来进行制作的。因此在这些影片中,角色的形象设计大多以其手法为出发点,水墨风格的《小蝌蚪找妈妈》、剪纸风格的《猴子捞月》、木偶片《曹冲称象》均是如此。以上总结还只是笼统的分类,具体到某部动画片中的单个人物形象设计上,往往是多种设计形象的综合,以一种特点最为突出,之后还包含了其他多种的设计思路,可以说是我国各种文化艺术的结晶。
二、中国动画形象设计的现状
改革开放后,随着我国各个领域与国外之间交流的密切和逐步加深,动画作为文化领域一个重要的内容,也经历着改革浪潮的洗礼。近些年,当我们展望世界动画时,才发现从上世纪八十年代后开始,我们与世界动画先进国家之间的水平,被无情的拉大了。首先,面对着世界上日新月异的动画发展潮流,我们的动画脚步大有被各种国外的新浪潮所吞没的趋势。这并不是耸人听闻,现实就是如此,美日动画的疯狂涌入,令人无法招架。面对这一现象,国家仅仅是通过一些还不完善的法规来试图挽回这一局面,并不能太多的改善中国动画在世界上所处的地位。现在的动画片为什么失去传统动画的光彩了呢?动画形象上没有突出的新意也是重要原因之一。比如,国内动画界褒贬不一的《蓝猫淘气3000问》,在商业运作中是近年来国产动画的成功代表。可是究其动画本身尤其是形象设计方面很是无趣。随后“蓝猫”公司又新制作了《虹猫蓝兔七侠传》,细细分析这其中的形象设计不免感觉和《猫和老鼠》的形象设定有很大相似。其实在做形象设计时抓住动物特点的同时最好能够突出地域、文化等内涵,这样才能在根本上改变雷同的命运,这确实很难,需要设计师们不懈的努力。其次,由于中国动画有着辉煌的历史,因此对于当今动画界的从业者来说,前辈们所采用的手段,在其心中有着难以割舍的感觉。在当今的中国,动画界正经历新老交替,观念上推陈出新的变革所带来的阵痛。如今在动画的各个重要领域,作为首脑的,都是一些资历深,威望高的前辈,这本身无可厚非,他们有着他人难以比拟的经验与水平,这是优势。但是伴随着资历的加深,老前辈们思想上却极易出现禁锢,对于一些新思想,新思潮容易产生抵触情绪。故而,一些新的动画精神,很难以在大范围内贯彻,而从始至终作为思想主导的,仍然是那些曾经的经验。经常出现这种情况,广大年轻的设计者们试图将自己的设计思想加以展现的时候,却经常受到各种各样阻力的困扰,其形象设计往往会被领导或评委拿来和传统动画经典形象相比较,最终落得失望与放弃,不能将自己的想法最终表达出来而不得不参考模仿传统设计。即使有那些情况稍好的,却在最后发现自己的想法在各种条条框框下变得面目全非。因此,新老思想上的冲突,应该是主观上最为强大的对抗与阻力。然而,这一现状依然无法很好的解决。举一个简单例子,在我们对岸的日本,大洋彼岸的美国,科幻题材的影片非常丰富,机器人等类型的动画片层出不穷。他们在形象设计上,有着多种多样的风格,到现在已经发展了几大类设计思路。然而这一题材在中国,几乎无声无息,因此相关这些方面的形象设计,也就几乎停滞。与此同时,中国的动画设计制作者们,却在“执着”地进行着各朝各代历史、神话故事类型的创作,动画形象的设计更是直接的从传统的作品中扒下来。动画连续剧《西游记》、《天上掉下个猪八戒》、《哪吒传奇》,动画电影《红孩儿大话火焰山》等等,太多的题材重复、设计雷同。纵观这类古典神话题材的动画片,其形象设计大都仿照古代工笔画的形式,形象与形象之间区别很小。另外形象的设计从造型到服装设计大都取自汉唐,这就必定造成一个恶果,雷同很多,极少真正出彩的。
三、关于形象设计问题的思考
面对这样的现状,中国的动画设计者们应该暂时放下手中的笔,放眼去看,也许反而能发现很多新的天地。首先,应该开拓设计思路,不能简单讲故事背景局限在古代历史上,而应将故事设计在各种时空中,从远古到未来都应该有合适的故事背景供动画制作者们展开想象的空间。因为对于设计者来说,只要展开思路的空间,自然就会获得跟多的设计灵感,进而将动画形象的设计推到一个较全面的水平,而不是简单停留在“中国古代”这个狭小的时空内。比如,设计一些近未来甚至超未来的时空背景,里面的人物衣着尽可能的展开想象,同时又不失真实。在这一点上,设计者们应该先去学习一下国外科幻影片的经验,看看对方是如何营造一个使我们感觉真的生活在那个时代的世界。通过学习,再来创造属于我们的。其次,应该正确认识什么是“创作有中国特色”的动画这一口号。“中国特色”绝不仅仅是指“中国古代特色”,而应该是一个大的广泛的概念。但是现在大多数人在说到“中国特色”的时候,就简单定义为“中国古代”,于是绝大多数的故事就一定要发生在古代中的某个朝代,并且绝对是“汉”“唐”这两个我们民族最为强盛的时代。其实“中国特色”应该是包含有民族精神,民族气质的特色,而不是停留在服饰上的特色,是中华民族精神的体现。例如,说起美利坚民族,他们就是自由,牛仔,探索的代名词。那么说起中华民族呢,勤劳,勇敢,坚韧不屈等都应该是他的体现。那么只要动画片能够充分体现中华民族的传统美德和新时代中国奋发向上的时代精神,就会是“中国特色”的体现。最后,就是应该多给年轻人发挥的空间,真正做到让他们天马行空的创作。除去那些条条框框,其实才是真正的创作。有经验的前辈应该将创作的感受,创作的经验传授给新人,而不是将自己头脑中的固定思维禁锢在新人的手上,限制其发挥。这样的话,各种动画的创作思潮,也会像春秋战国时诸子百家一样,层出不穷的。
四、中国动画形象设计的展望与未来
关于中国动画的未来,形象设计的未来,这一切都应该由当今的决策而决定的。国家现在虽然提倡大力发展文化创意产业,特别重视扶持动漫产业,但是对于一些设计政策还是很不完善的。未来中国动画切忌在故事和形象本身并不经典,还不能禁得住市场考验的时候,就急于把战线拉长,就虚务虚,无法站稳脚跟,不能获得长远稳定的发展。中国想走自己的动画模式不是那么容易的,一定要充分利用自己的资源,集中优势,才可能发展。期待所有动画从业者、创作者、设计者们能够更加努力,加强对祖国文化内涵的修养,放眼世界,打开思路,设计出更多更好的动画形象,振兴中国的动画事业。
1美术设计专业模块教学的优势
1.1增强专业学科间的连贯性,有利于提高教学质量
美术设计模块式教学为教师提供了相对完整的教学时间,对相关或重复学科之间的课程进行有效整合,适应了美术设计专业教学连贯性的需要,提高了教学效果.美术设计模块式教学让教师有针对性备课,全力以赴进行教学设计,教师对相关知识的扩展和补充,使本专业课程从知识理论学习到实践能力训练的教学全过程一脉相承,理论与实践结合得更加紧密、一致.学生集中精力学一门课程,思维更加连贯,技能掌握得更加娴熟.在课程上进行大模块式安排,比如将设计色彩、构成、建筑绘画作为一个大模块,任课教师在教学计划中根据学生的条件和接受能力灵活安排教学.在第一学期讲授建筑美术理论时穿插色彩的实践课的练习.这样学生在听生硬的理论时可以进行有趣的色彩练习,经过一定的色彩练习然后再讲建筑美术色彩理论,学生会有更深刻的认识.第二学期有了美术基础,可以大量的对设计色彩进行实践性教学,同时开设了构成课程.三大构成的目的主要是开发学生的创造性思维,通过对美术基础和色彩设计的理论认识和掌握,构成课程中的平面构成和色彩构成便简单易懂.教师在这种连贯性的教学计划中,可以再合理安排课程内容和进度,让学生更加清楚、系统地学习到设计的基本技法和基本理论.课堂内容生动,学习主动性和积极性就高,其思维更加活跃,有利于学生对教学内容充分吸收.
1.2理论和实践相结合,有利于培养应用型人才
高职教育是以满足社会对专业技术人才需求,培养“岗位应用型人才”为目标,而模块式教学整合了基础课教学和专业课教学,很好地把理论和实践结合起来.美术设计专业模块教学更重视实践教学,培养既懂理论又掌握一定技能的人才.模块教学课程教学就是克服传统“三段式”课程模式的弊端,理论和实践充分结合,不是孤立传授知识,也不是单独传授技术,而是把基础理论和实践充分结合起来.例如在讲授平面构成理论课时,由于内容抽象给学生带来一定的难度,这时引入一些招标方案,把基础理论知识和实践设计紧密结合起来,理论理解就更容易,又让学生感觉我们学的基础理论是能用得上,从而激发了学生的学习兴趣.若根据理论知识,进行想象构思,能自己设计出模型,会增强学生成就感和满足感.讲授立体构成时,学生已经对设计有了一定的认知,具备了一定的动手能力.所以,要求学生通过设计要素、设计概念和设计方法制作出建筑外观模型、室内装饰模型和小区规划模型.大大加强了学生的动手能力、实践能力.如在CI设计课上可以把本学院的视觉形象引入课堂,上课时讲授了设计概念、设计理念、设计方法等理论问题后,要求学生根据本校教学理念、学科优势,运用设计要素、方法,做一个视觉形象设计.教师辅导学生把美术设计理论融入实际的设计过程中,大大提高了学生的动手能力、实践能力,产生了许多优秀作品.
1.3模块教学能提高学生的综合能力
模块教学中有许多设计练习,以及项目设计,要求学生不仅有基本美术学绘画技法,还应有一定的空间想象能力.根据生产和社会实践的需求,需在理论基础上进行大胆构思、创意,需要学生有教强空间想象能力、动手能力,只有计算机设计技能无法设计出企业满意的作品.美术设计课程学习不仅需要基本美术学理论和技能,需要有创意,用电脑设计出效果图,制作模型、设计投标.在美术设计实践中需学生之间团结协作,以及团队间合作,甚至还需和用户沟通,并根据客户意见进行修正方案.这样的分工不仅锻炼了学生的专业技术能力,还锻炼了学生的协调能力、沟通能力、团体合作等能力.通过模块式教学,将实际项目引入教学课堂,贯彻“以学生为主导”的教学理念和“学以致用”的教学目标,为其提供良好的学习环境和氛围,充分发挥学生的能动作用,大大调动了学生的学习积极性,促进学生自主学习,变被动学习为主动学习,提高自学能力,提高自主创作和团结协作意识.
2美术设计专业模块的建构
美术设计专业模块的建构应遵循原则科学性和实用性等原则.课程设计一定围绕社会需求来设计.首先,应该对现有的教材和教学大纲内容根据社会需求进行深度挖掘分析,对重复的课程进行压缩和删减,把关联性较强的课程整合起来,保证教学时间的连续性,保证知识的完整性.根据美术设计课程特点和内容进行模块化,对课程内容相同而表现形式不同的课程进行有效整合,把教学内容分解成多个模块,或者以工作任务为中心选择、组织教学内容.美术设计模块主要分为专业基础课、专业课程和实践课等大模块.根据具体专业特点进行课程开发和选择,平面设计课程多强调色彩和手法,而室内设计不仅要考虑美感和创意还应考虑空间结构以及实用性,所以这两个专业开设的课程侧重点应有所不同.分析专业课的教学目的与要求,让基础课与专业基础课服务于它.其次,实施模块教学,保证教学质量.教师应该学习和掌握模块教学的理念、基本思路、流程,认真了解学生的基础和需求.可以采取分层教学模式,对各模块教学目标进行认真定位,并结合学生的学习现状和就业意向,让不同层次学生都能掌握教学大纲所要求的内容.及时调控和改进教师的教学方法和手段.我们在模块教学中教师应该给学生创造良好的学习环境和氛围,调动学生学习的积极性和主动性,进行行为引导式教学.因为美术设计更强调思想的开放性,不能使学生思维模式化、流程化.为了克服教学的随意性,教师应该及时对学生独立作业及时点评,多鼓励少批评.除此之外采用“综合模块”来促进知识之间、知识与技能之间的沟通,通过模块的合理组合,提高模块教学的整体性.
3做好美术设计模块教学配套工作
3.1建立和完善教学管理制度,保证教学秩序有序进行模块式教学是个系统工程,需重新制定教学大纲,教师对教学课程重新设计.需要学校建立较多实习基地,需要更多“双师型”教师等.建立和完善教学管理制度,是实施模块化教学保障.应该借鉴先进院校的美术设计专业模块教学的先进经验,制定教学大纲,对教材内容重新整理、分析,根据企业的需要选择课程或(单元),并对教学过程进行有效的管理,才能保障教学质量.制定科学合理的考核制度,不能想讲哪模块就讲哪,容易的知识多讲,不容易少讲,应该有统一大纲、教学目标,建立科学考核制度和方法.明确责任,强化意识.可以设置模块负责人、课程负责人.许多院校还设立了教学督导组,在期初、期中、期末定期检查和听课,督促教师认真教学,督促学生努力学习,保证模块教学工作顺利开展.
3.2加快教学硬件建设,提供良好学习环境
教学场所和教学设备是教学质量的重要保证.模块式教学加大了实践教学的比重,学校应该加大对模块教学的投入,建立更多实训教室、实习基地,为模块教学提供更多教学空间.提高设计环境条件,联系建筑设计公司将实际项目纳入实践性教学中.美术设计专业需要更多计算机教室、多媒体教师,学院应加大资金支持力度,保证模块教学的需求.模块教学需学生有创意思维,有开阔视野,因此应掌握一定的建筑、摄影、广告、风俗文化.需学生有更多时间自主学习,需要大量图书和资料;教师为了了解先进理论和技能,备好课,丰富教学内容,也需要图书和期刊等信息资源.因此,学校应该加快图书馆文献资源建设,以保证教师和学生对学习资源的需求.
3.3加强双师型教师培养,提高教师素质
教师素质在一定程度上决定教学质量.若没有高素质的教师,单靠先进的教学理念和方法,根本保证不了教学质量,模块式教学对教师的要求更高.美术设计专业不仅需要教师要擅长电脑设计技术,也需要掌握一定美术基础知识,了解一定美学思想和文化,有一定的空间想象能力.如果美术设计专业只培养学生电脑技术,忽视美术学,高职院校和社会上的技能培训班没什么两样.这就需要美术设计教师不但懂美术学还应懂得用电脑把你构想东西表达出来,同时还应该符合实际需求.模块式教学的目标是把理论基础学习和实践完美的结合起来,更强调实践,把一门课程或者一个专业整合成模块,这要求教师有较高素质和水平,不但懂美术理论还应掌握一定技能,并对教材进行整合.目前,高职院校这样的人才缺乏,需要对现有教师进行技能培训,让教师走出学校,走向社会,不能闭门造车式教学.目前对许多教师来说,模块式教学是个新生事物,对教材的内容整合和重点难点的把握不准,没有标准化的教学大纲,需要教师有较强的能力,需要对现有教师的教学方式和方法进行培训,提高教师模块教学的水平.学校应通过采取“引进来,走出去”、集中培训和自学相结合的方式进行培训,提高教师模块教学水平.培训结束应进行考核,以强化教师学习效果.在学校内营造一个良好学习的氛围,鼓励更多人参与到继续教育学习中,以提高教师素质,保证模块式教学质量.
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随着素质教育的不断深入,影视文学鉴赏课程以其信息量大、形式灵活、育人功能强大等特点应该得到越来越多的重视。下面是读文网小编为大家整理的影视文学论文,供大家参考。
在影视传媒业高度发达的今天,媒体、新闻单位一方面对具有文学、影视、新闻、广告等综合素质的人才需求量日益增多,另一方面,对人才的要求也不断提高。与以往记者、编辑、摄像等岗位设置不同,现在媒体、新闻单位需要的是集访、摄、录、编为一体的专业人才,既有扎实的文学功底、较强的写作能力,又有实际操作能力的人,才能从容面对社会人才激烈的竞争。反观我们以往的戏剧影视文学专业的人才培养方案,往往偏重于理论教学,对于动手能力和实际业务能力的培养没有足够重视,从学生的角度来看,学生要成为能经得起社会检验、为社会所欢迎的人才,取决于他们是否具有为社会所需要的素质与专业本领,真正能成为专业作家、编剧的人少之又少。所以学生的知识结构,必须从适应社会人才需求的角度去考虑。我们的培养目标必须与社会对人才的需求相适应,在课程设置和培养模式上,我们需要大胆探索,主动适应社会的需求,努力改变传统的大文科“通识人才”的培养模式,将理论教学与实践能力的培养紧密结合,寻找创新型人才的培养新途径。
戏剧影视文学专业创新型人才培养模式建构
1.改正传统文科“重理论,轻实践”的培养模式,加大实践性教学环节在教学计划中的比重。江南大学戏剧影视文学专业在制定培养方案时,全面规划了学生4年的学习和实践。专业理论学习与动手实践操作,贯穿于教育的全过程,贯穿于课内、课外的活动之中,本科4年的课内外实践活动与课堂教学统筹安排,形成一个整体的教学计划。江南大学戏剧影视文学专业开设了11门学科平台课,10门专业核心课。这两大类必修课包括:中国文学史课程、外国文学史课程、中外电影史课程、影视理论课程、戏剧理论、戏剧作品分析课程、剧本创作课程等,这些课程旨在增强学生的知识储备,提高学生的理论素养,为学生以后工作、学习打下坚实的知识基础。专业选修课则多达21门,多为拓宽学生专业知识面、增强动手能力、增加就业竞争力而设。包括视频、音频编辑与合成类、广告创意类、多媒体技术类、影视拍摄类、影视批评类等。这些课程有的是专业课的扩大与延伸,有的是为了开阔学生的艺术眼界,但更多的是为了训练学生的动手能力,为学生的社会应用作准备。学生可根据自己的兴趣爱好做出选择,如喜欢拍摄的可以选择影视拍摄与制作类课程,喜欢创作的可以选择剧本创作类。
总之,围绕一个兴趣点,有大量的外围课程可供选择,这样既保证了学生的基本知识培养,又培养了学生的动手操作能力。除此之外,在集中性实践教学环节,除了常规的毕业实习和毕业设计之外,针对戏剧影视专业的特点,我们还专门设置了影像素材采集、创作实践等环节,为学生尽可能多的提供实践机会,这些课程由于多样、实用,满足了学生进一步学习的需求,深受学生的欢迎。同时,根据社会需求,学院还认真调整了课程设置,特别是不断灵活调整专业课程的设置,以增加专业的核心竞争优势。江南大学戏剧影视文学专业开办以来,对课程设置进行了两次大的修订:2006年5月,经过数年的教学实践,经全体教师研讨后,第一次对教学计划进行了修订;2011年8月,有了多届毕业生的经验之后,经过认真调研与论证,又对课程设置进行了第二次大的修订。通过这两次教学计划的修订,在专业课中减少了“史类”“理论类”课程,增加了实践性课程在教学计划中的比重,修改了一些课程的教学大纲,对专业选修课,根据社会需求做了较大调整,取掉了一些不适宜的选修课,增加了一些适用、实用的课程,使课程设置更加科学、合理。
2.整合师资力量,形成教育合力目前,在综合类大学中,戏剧影视文学专业一般被纳入文学学科,其中也有一些院校将其纳入艺术学科,但由于此专业的特殊性,综合性大学在开办戏剧影视文学专业时都面临一个师资力量难题,一些实践性强的课程如“影视拍摄与制作”“数字视音频编辑与合成”“表演”“导演”类课程缺乏专业教师,学生对某个方向感兴趣,但由于没有师资,课程无法开展。面对这种情况,我们充分考虑到江南大学各学科的分布情况,统筹学校的师资力量,如影视拍摄类课程我们得到了教育技术系老师的大力相助,数字视音频编辑类课程可以请数字媒体学院老师给予支持,表演类课程得到艺术学科老师的相助。教育合力的形成有力保障了学生的培养质量。
3.课堂教学与实践紧密结合江南大学戏剧影视文学专业要求教师在课堂教学的全过程都应有实践教学的意识,每一个教学阶段,教师对学生都有实践的具体要求,学生在学习过程中不断积累,每一学习阶段都有实践的机会。教师要研究教学方法,注意教学的生动性、启发性,开展课堂讨论、师生互动等灵活多样的教学方法。教师指导学生动手,要求学生多读书、多看影视片,在借鉴的基础上创作出有自己特色的作品。各专业课教学的全过程中,注重对学生创新精神、创造才能和实践能力的培养。
4.统筹安排课内外实践活动实践活动是实现戏剧影视文学创新型人才培养模式建构的重要途径,江南大学戏剧影视文学专业主要通过以下方式确保实践活动的实施。(1)通过定期举办的剧本创作比赛、征文比赛,培养学生的写作能力;定期举办DV大赛、心理剧大赛、戏剧小品大赛、剧风行动等培养学生创作、表导演能力。(2)寒暑假,学生可以自行选择题材拍摄短片或自行选点进行社会实践活动,在老师指导下选出学生的优秀作品,拍成影像资料。(3)在第四学期、第六学期,专门设置影像素材采集课、创作实践课,各为期3周,旨在锻炼学生的拍摄能力和剧本创作能力。(4)文科学生必须了解社会、学习社会、深入生活,这既是学生成材的需要,也是戏影专业学习的需要。我们与政府机关、电视台、报社、网络媒体、动漫公司、广告公司等机关、企事业单位建立了多个实习基地,在第七学期,学院会安排一次为期12周的专业实习,给学生提供机会,让学生全面体验自己想要从事的职业,并要求学生人人撰写、提交实习报告。(5)毕业前,统一安排实习。学生可以选择去学院安排的实习基地实习,也可以自己联系实习单位。实习结束,学生上交实习成果,包括实习报告、实习作品等,合格者给予学分。实践证明,在专业教学计划中将理论教学与实践融为一体,不仅必要,也是可行的。江南大学戏影专业在多年的教学实践中,收到了良好的效果。
结合近几年成果看培养实效
纳入教学计划的实践性课程和写作、拍摄、视频编辑、表导演等课程的结合是江南大学戏影专业的一个重要特征。在授课老师悉心指导下,学生动脑、动手能力都得到了提高,通过采访、写稿、编辑、制作、策划、写剧本、拍片子、撰写调查报告等,学到了许多书本上学不到的东西,提高了实际工作能力。在专业学习与各类课内外实践中,培养了学生良好的学习习惯。许多学生都有自觉的写作欲望,4年大学生活中,写了不少小说、散文、剧本等,将创作变成了一种内在需求。他们踊跃向省、市报刊、学报投稿,很多稿件被采用。无锡电视台的《大话阿福》节目长期与江大戏影专业学生合作,学生为其创作了大量演出剧本;06级戏影班的同学参与了52集大型动画片《天使部落》的创作。
另外,同学们创作、演出、拍摄了许多话剧、影视作品,拍摄的DV短片、影视作品有多部获奖。其中戏影同学自编自导的《大学——城》是无锡市首部校园悬疑电视连续剧,其创作模式引起了无锡多家媒体的关注和报道。《我为招聘狂》获江苏省教育厅举办的首届大学生DV大赛三等奖。学生社团“种子话剧团”创作表演的《要离》等作品获得了全国大学生戏剧节优秀奖。06级戏影同学自编自导自演的话剧作品《手机》获得江苏省教育厅举办的“大学生话剧展演暨首届江苏省戏剧节”二等奖,《机不可失》获得江苏省第二届大学生艺术展演活动二等奖。同学们重排的经典话剧《暗恋•桃花源》《恋爱的犀牛》在江南大学引起一股戏剧热潮。
从现有毕业生情况来看,戏影专业学生的专业知识面较一般的文科学生广,动手能力也较一般文科毕业生强。在毕业前的实习中,他们有的在各省、市电视台从事新闻采访、编辑与节目策划;有的在政府机关单位实习;有的在电视剧制作中心编写剧本;有的在广告公司担任文案策划;有的在动漫公司编写脚本;有的在报纸、杂志担任编辑等等。他们表现了良好的专业素质和工作能力,受到单位称赞。在激烈的就业竞争中,他们的选择机会也较专业单一的学生更广,毕业时也更有机会被被新闻媒体、政府机关、以及其他企、事业单位录用,就业率较其他文科专业高。事实证明,江南大学戏剧影视文学专业创新型人才培养,使学生德、智、体、能得到了全面发展,学生具有了良好创新精神和创造能力,这是新时代所需要的高素质、复合型的艺术文学人才。
构建戏剧影视文学专业教学实践平台的措施
天津师范大学星空校园影社是一个新兴的专业型社团,笔者将以该社团为例研究如何构建戏剧影视文学专业教学实践平台并找出针对戏剧影视文学专业学生开展专业教育、思想政治教育和人文素质教育的方法。学生社团是指由在校学生基于共同的兴趣、爱好而自愿组成的在学校登记注册,以实现成员的共同志愿为目的的,按照其章程开展活动的协会、学会、联合会及学社等学生组织。学生社团有自发性、自主性的特点,符合青年学生注重个性和个人发展的价值取向,对大学生有强大的吸引力。学生社团是开展校园文化素质教育活动的主体,规范管理、加强指导,是学生社团工作创新发展的前提和保证,而专业化社团更是社团工作趋向更加正规更加健康的表现。专业型大学生社团是以传播与专业相关的知识信息,结合有关课题、社会现实问题进行研讨、交流并深入社会实际进行实践探索为主要目标的学术活动型大学生组织,具有鲜明的与专业结合的学术研究特色。
当今高校大学生都是90后群体,对学生进行专业教育、思想政治教育和人文素质教育,应顺应时代要求,把握学生特点,贴近学生实际,更好地运用好专业型社团这一有效载体,通过在工作中与学生的接触和交流,逐渐了解到“90后”艺术类学生的性格特点和思想状况。“90后”群体在自我认定、价值观、消费观等方面均表现出其独特性,艺术类专业大学生更以其专业的特殊性和自身学科的影响力呈现出明显的性格特征和独特的心理倾向,主要表现为自我意识浓重而抗挫折能力弱及思想行为独立而缺乏与人交往能力等。
星空校园影社成立于2009年9月,隶属于天津师范大学音乐与影视学院,社团指导老师为音乐与影视学院戏剧影视文学专业教师以及学院分团委书记。它是天津师范大学为数不多的定位于戏剧、影视艺术的专业型社团,是由学院影视类专业学生特别是“90后”学生自主筹办,并得到校社联、学院社团部大力支持的影视文化专业社团。星空校园影社拥有自己的宣传口号“璀璨星空,没你不行”和精心设计的社团标志。其以“专业、交流、实践、共享”为理念,直接服务于学院乃至全校相关艺术专业的课堂教育教学活动,为社团成员提供了课堂以外的艺术学习、实践、交流机会。在影社的工作理念中,专业是第一位的,因为社团中的学生是基于对影视的爱好集结到一起进而开展各种研讨和交流活动的,专业性是保持社团活力的必要条件。为了更好地促进社团发展,为成员提供更为优越的实践、交流机会,影社创办之初就与隶属于星美传媒的天津星美国际影城等业内多家专业机构达成合作意向。星空校园影社以先进的理念、专业的精神、贴心的服务为校园中所有热爱戏剧影视艺术的同学搭建了专业交流的平台,同时也在不断超越自我、开拓创新,并以为成员提供形式多样、内涵丰富、意义深远的专业学习与艺术实践机会而努力。影社下设秘书处、活动策划部、活动执行部和摄制组四个主要部门,各部门分工细致、团结协作、责任到人,保证了影社举办的每次活动都能顺利圆满的举行。据不完全统计,影社成立三年以来累计举办各类活动多达五十余次,学生通过专业的社团活动进一步巩固和提高了自身的专业意识和人文素质。影社连续三年被评为校级五星级社团、新秀社团以及学院明星社团,有极强的活力与校园影响力。
戏剧影视文学专业的教学实践立足于星空校园影社开展的活动,活动主要分为以下几个方面:一是结合专业型社团的优势,紧扣大学生“三观”素质的培养,让学生从经典历史影片中汲取营养,在观影方面注意选择人文素养相关的片目,定期组织观影活动,如观看《建国大业》《建党伟业》《人间童话》《和祖先一起唱歌》等影片,开阔学生眼界视野,提高其欣赏水平;二是专业教师与学生结对子,教师对学生进行专业指导,共同完成电视台、电台等媒体机构的剧本创作、拍摄等实际工作,如天津电视台的《边演边看》《今日开庭》等节目脚本、剧本的创作等;三是加强学生人文情感熏陶与教育的同时,提高教学质量、提升学生素质并推进教学改革。结合专业优势,举办系列讲座与交流会,提高学生的专业热情;积极搭建学生与电影制片、导演、演员等人的交流平台,拉近师生与剧组主创的距离,提供面对面切磋的机会。如影社曾成功举办了《hello!树先生》导演交流会,青年导演卫铁和戏剧影视文学系的专业老师作为特邀主持来到现场。这部由韩杰执导、王宝强主演的电影曾在第14届上海国际电影节上一举斩获了评委会大奖、最佳导演奖等大奖。影片观看结束后,韩杰、卫铁两位导演愉快地与同学们进行了交流活动。同学们与导演就对电影的评价、今后的拍片设想等方面进行了深入的交流。导演还为同学们对做人、做电影提出了建议。此外,星空校园影社还成功举办了电影《蓝色的七星湖》众主创交流活动。《蓝色的七星湖》导演齐为民、戏剧影视文学系主任、该剧编剧杨爱君老师、主演艾力江与同学们一起交流了这部儿童电影的创作过程和这部电影中许多不为人知的细节。同学们向导演提问关于本片的艺术总监、台湾著名摄像师陈坤厚对整部影片的影响以及在编剧的过程中创作故事的启示等专业性问题。影社想学生之所想,邀请的剧组和导演都是深受青年学生喜爱的年轻群体,这样就为二者间的交流减少了障碍,丰富了交流内容;四是师生结合学校工作实际开展教学实践活动。如专业教师指导学生与学校保卫处联合拍摄制作《校园安全宣传片》,与党委宣传部联合拍摄制作《全国大学生运动会宣传片》《雷锋精神优秀践行者事迹》等;五是开展专题活动。
如DV短片大赛、天津首届青年电影节活动、天津电台观众服务月活动等,通过大型活动拓展学生专业技能。戏剧影视文学专业的教学实践活动将学生的专业学习与实践紧密地结合起来,激发了学生进行深入研究和探讨的热情,在很大程度上培养了学生的专业意识,进而提升了学生的人文素养。
构建戏剧影视文学专业教学实践平台的重要意义
(一)高校学生社团是实施人文素质教育的重要组织当前高校人才教育培养的首要任务是培养大学生的创新意识、创新能力和实践能力,提高大学生的综合素质尤其是人文素质。人文素质是大学生整体素质的基础,也是高校全面实施素质教育的切入点。2004年10月,中共中央、国务院提出了《关于进一步加强和改进大学生思想政治教育的意见》,要求“依托班级、社团等组织形式,开展大学生思想政治教育”,充分强调了以社团活动为载体,做好大学生思想政治教育的重要性。此外,2005年的《教育部、共青团中央关于加强和改进高等学校校园文化建设的意见》中指出“高等学校校园文化是社会主义先进文化的重要组成部分。加强校园文化建设对于推进高等教育的改革发展,加强和改进大学生思想政治教育,全面提高大学生综合素质,具有十分重要的意义”。在这样的环境和背景下,学生社团活动成为了实施素质教育的重要途径和服务校园文化建设的重要纽带,同时在提高学生综合素质、引导学生适应社会、促进学生成才就业等方面发挥着重要作用。
(二)高校学生社团是增强专业教学的直接力量学生社团分类众多,如体育娱乐类、学术类、文艺类等,要想使社团活动保持长久的活力,就要不断培育精品社团,打造品牌活动。社团专业化是社团工作发展进程中的重要环节,各类社团需要有效的分类指导,而专业教师担任社团指导教师有利于对学生进行直接指导,有利于保持社团活动的效果和水准。专业型社团将专业教学和社团建设结合起来,使社团服务于实践教学,又使实践教学反过来促进社团的发展,在教学实践改革和大学生人文素质教育方面都得到提升,既是教学实践的特色,又成为学生管理方面的特色。专业型社团有利于学生思想健康发展,同时有利于引导学生把精力放在专业上,是提升实践技能和提高个人素质的平台。人文素质的培养除了包含人文科学知识的培养外,还包括正确的价值观念、高尚的道德情操、积极的人生态度等。
那么如何通过构建戏剧影视文学专业教学实践平台来提升艺术类学生专业素养和人文素质呢?一要充分结合这类学生群体的特征开展社团工作和学生管理工作。要了解“90后”艺术类学生特点,加强对这一群体的指导,进一步规范管理,提高社团专业化,进而提升学生的人文素质。“90后”学生年轻,有活力,有独立思考能力,他们喜欢主题鲜明、内容丰富、形式鲜活、与日常学习紧密结合的活动,这要求我们在设计活动的过程中要充分考虑专业性特点,要贴近学生实际。二要将学生自我管理与指导教师指导相结合,坚持指导教师制度,保证社团活动的效果。三要重视对学生的组织和引导,要定期组织社团成员的交流,形成彼此间互动。四要通过社团活动引导学生把服务社会、奉献群众与自身成长成才相结合,通过定期的活动组织学生进社区、开展调查研究、提高实践能力。五要整合学生社团的有效资源,加快学生专业化社团进程之路。综上,通过专业型社团如星空校园影社的组织和建设,可以为戏剧影视文学专业教学实践平台的构建提供条件,同时可以总结出针对戏剧影视文学专业学生开展专业教育、思想政治教育和人文素质教育的方法,从而为促进社会主义文化大发展、大繁荣贡献力量。
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影视文学的历史远不及传统的诗歌、小说、散文、戏剧,然而,凭借电影、电视在当今社会生活中的巨大影响,影视文学在一个世纪以来迅猛发展,成为当代文学的一个重要分支。下面是读文网小编为大家整理的影视文学毕业论文,供大家参考。
目前的戏剧影视文学专业课堂上,学生大多都在执行一种创作模式,那就是将主人公置于一种极端的情境当中,从而使得人物动作具有强烈的目的性,人物之间产生激烈的外在冲突,人物关系在情节发展中发生重大改变……戏剧性被强调为教学重点本无异议,但是戏剧性的内涵若仅仅局限于对戏剧性人格特征的呈现、外部的浮于表象的矛盾冲突与动作的组织、对情境危机的刻意营造等层面,会导致将学生的兴趣引导到关注作品的外在戏剧性,从而忽视中外现实主义经典作品的抒情性,以及其中对人类精神世界的探索与关注,审美视野和创作范畴也会变得越来越狭小。戏剧的世界纷繁而多彩,仅仅强调外部矛盾冲突的戏剧性作品,只是戏剧世界之一隅,而非全部。在现实主义的作品队伍中,有着更多的更符合当下时代特征与心理特点的作品存在。这些作品以及其背后的创作方法,更应该在戏剧影视文学专业的教学中被重视起来。
一、现实主义创作教学方法深度探索的原因
戏剧影视文学专业现实主义创作的教学方法需要进行深度探索与革新,主要有以下几个原因:
一是时代与观众审美的诉求。当下我们的生活环境日益平稳,那些重大的社会矛盾与问题、极端的情境已经远离了人们的生活。时代与生活的变化带来了观众审美诉求的变化,随着时代的发展,人与人之间的矛盾逐渐被人自身以及人与环境之间的矛盾所取代,今天,走进剧场的观众更加渴望看到那些能够准确、深入地表达出现实日常生活中人们精神世界的优秀作品。
二是小剧场发展的要求。小剧场作为一种更加适应社会发展需要的剧场形式,自上世纪八十年代至今,在我国已经有了三十年的发展历程。经过三十年的发展,小剧场戏剧已经拥有为数众多的观众群体,成为目前我国戏剧舞台上的重要力量。小剧场戏剧无论其剧场特点、场内交流的多向度特征还是对演员的表演要求,都更适合于表现人们的当下生活与精神本质,要求剧作者从关注外部矛盾转向对人物内心世界的探索和反映。三是学生观察生活的需要。艺术来源于生活,现实主义创作方法要求学生从生活中汲取素材,今天人们的内心世界变化要远远大于外部生活。硬要学生学习那些外部矛盾冲突强烈的作品,只会导致他们脱离生活,生搬硬造,闭门造车。时代的发展以及现实主义创作原则都要求编剧能够学会从现实生活中汲取营养,创作出在日常生活中反映当代人深层精神本质的作品。因此,我们在教学实践中,应该对目前戏剧影视文学的现实主义创作教学方法进行改革。
二、现实主义创作教学方法改革的具体方法与措施
戏剧影视文学专业的现实主义创作教学方法改革,主要体现和实施于理论界定、观察生活和创作实践这三个层面。
首先,从理论上对“戏剧性”内涵予以厘定和辨析。根据《中国大百科全书•戏剧卷》的解释,“戏剧性”从根本上讲就是“戏剧的特性在作品中的具体体现”。其核心是“把人物的内心活动(思想、感情、意志及其他心理因素)通过外部动作、台词、表情等直观外现出来,直接诉诸观众的感官”。而“偶然性”、“巧合”“骤变”等,则更多借用了生活用语的含义,仅仅是戏剧性原始、外在的意义。因此,从本质上讲,戏剧艺术属于“代言体”。剧本只要将人物内在的看不到也听不到的内容,呈现为可视、可听的内容,都是“戏剧性”的处理。厘定了“戏剧性”这一大的范畴,相应地,在戏剧影视文学创作课堂上,对“戏剧动作”、“戏剧冲突”、“戏剧情境”、“戏剧情节”等剧作元素的阐释也应当相应做出进一步调整。以戏剧冲突为例,传统的以外在戏剧性为特征的戏剧作品,更多强调的是人与人之间的外在冲突。而人自身的矛盾以及人与环境之间的冲突,在今天似乎更能够反映出现代人生活的本质。因此,我们在课堂上应当鼓励学生在创作中,更多表现后两者之间的冲突。
其次,现实主义创作教学方法改革还应当体现在学生的观察生活环节。观察生活是编剧班教学的重要环节。学生需要从现实中观察生活,体验生活,积聚生活原材料,从而形成创作的“素材库”。观察生活进而从生活中获得创作的第一手资料,这对于编剧来说至关重要。对于刚刚走进大学校园的戏剧影视文学专业的学生来说,由于年龄小、阅历少,所积累的生活素材少之又少,因此,观察生活就更应该成为日常训练的一部分。传统的编剧教学思路中,学生在观察生活中更多旨在寻求那些外部冲突和戏剧性较强的内容,然而,随着时代的发展,人们的生活日趋平稳与安宁,学生带着编剧课所学的对“戏剧性”的理解,来到生活当中寻找素材,经常会一无所获。由于在生活中找寻不到素材,因此就会为了完成作业在课堂上闭门造车,仅凭想象去表现生活。现实主义创作教学方法改革体现在引导、纠正学生观察生活过程中出现了偏差的思路与方法:我们应当鼓励学生从生活中寻求素材———生活的本质恰恰隐藏于那些平静无波的表象当中。今天人们的生活虽然没有那么多外在的冲突,然而随着物质生活的日益富足、多元文化的发展、信息的高速传播……人们的内心世界可以说空前丰富与复杂。从某种意义上来讲,从前那种人与人之间外在的矛盾冲突被内化,向内转变为一种自我矛盾以及人的生存与世界的荒诞等本质意义上的冲突。随着时代与生活的变化,人的观念发生了变化,因此,现实主义创作素材就决不仅仅局限于那些偶然发生的呈现为外部冲突的事件。我们需要启发学生放弃对外化矛盾冲突的一味寻求,学会发现生活素材,并透过表象寻找到反映生活本质的内容。
最后,现实主义创作教学方法的深化改革最终应当体现到学生的创作当中。传统戏剧影视文学专业教学大纲要求学生在大四阶段进行大戏创作,学生一般会在毕业前上交一部四幕或者五幕话剧。实际上对于一个大四毕业学生来说,从技术角度可以完成一部大戏,但是从创作能力来说,要完成一部优秀的大戏作品,却是非常吃力的。根据戏剧影视文学专业毕业生的实际水平,结合我国目前话剧的主要演剧形式和话剧生存现状,我们在教学改革中,建议学生在毕业时完成一部小剧场话剧作品。相对于大剧场话剧来说,小剧场话剧的特点体现在一个“小”字:其作品情节相对简单,出场人物少,演出时间也较短。这对于本科阶段的学生来说,更加容易掌握。小剧场戏剧因为短小而易于排演,因此特别适合于及时反映当下人们的现实生活。同时由于小剧场舞台与观众席之间距离紧密的特点,适宜于演员以自然、真实、细腻的状态表现人物的内心情感。真实反映现实生活,透过生活表象展现人物内心的细腻情感,这正是我们在观察生活阶段对学生的要求。可以说,学生在观察生活阶段所积累的素材,正适合于以小剧场的形式创作完成。
本人自2008年开始进行现实主义创作方法的教学改革,鼓励学生创作反映社会现实的小剧场话剧。2010年本班学生王欣哲、盖菁莹所创作的小剧场话剧《“摩卡—Mocha”的速溶生活》和《双城记》分别发表于《戏剧丛刊》2009年第五期和2010年第三期。其中,《“摩卡—Mocha”的速溶生活》获得第24届田汉戏剧奖剧本二等奖。现实主义创作教学方法的改革,是一种贯穿于戏剧影视文学专业的整体教学的思路和方法,实现为学生从观察生活到将素材呈现于剧本并完成创作的一整套完整的教学和学习过程。对现实主义创作教学方法进行深度探索,是为了深化我们戏剧影视文学专业课的教学思路,深入对现实主义创作方法的认识,以培养更适合于时代发展要求的编剧人才为最终目的。事实证明,现实主义创作方法的教学改革,具有一定的实践意义和价值。
优秀的影视文学里包含的影视形象更能够帮助青少年增加对自身的内涵和外延的认知,而且能对社会生活、权利与义务等一些从学校和家庭中不易认识到的社会因素产生更加深刻的感悟。声情并茂、生动直观的影视文学,对青少年增加信息量,扩展视野,增加社会阅历方面都有不可比拟的作用,而这正是促进青少年社会化过程中的重要环节。
影视文学对,少年的消极影响
当今的传媒环境下,影视文学正走着商业化、庸俗化和可售化的发展道路,而这样的发展道路便直接导致当下影视文学内容的转变—人文精神的丧失、价值观念的曲化和伦理道德的失衡,这些转变能为影视作品燕得更高的收视率和票房,但其包含的各种过度炒作和浮夸的内容会对青少年的价值观和道德观产生偏离的影响,也导致了影视文学的内涵从厚重走向肤浅。
当下流行的偶像剧的基本套路都是灰姑娘邂逅白马王子,历经一些离奇曲折的情节之后幸福地生活在一起,这样的剧情在社会上泛滥之后便会引起许多青少年对于理想生活和理想爱情的过度向往,而且会让青少年过度重视穿着打扮,盲目攀比成风,对奢华生活的向往会让本该斗志昂扬的青少年失去对理想生活区奋斗的决心,妄想天上掉馅饼的不劳而获,沉浸在影视编织的世界里来填补内心的空虚,制造意想的欢偷,失去对生活应有的热情,这样的心理状态跟正常的社会生活生产秩序是格格不人的。
其次,影视文学的内容里教化的成分越来越少,娱乐取而代之。自古以来,中国的文学就有教化的功能,其方针便是“文以载道”。而当今的影视文学过度强调娱乐化的取向,各大影视作品追求娱乐化以吸引受众的做法让影视文学和影视娱乐之间的界限趋于模糊,应有的教化功能被娱乐化的浅显欢愉所取代。
最后,影视文学里的色情暴力犯罪信息对青少年的影响也是不可忽视的。青少年处于生理和心理趋于成熟的一个关键时期,对社会的未知充满了渴望和好奇。可是由于其缺乏必要的社会阅历和判断能力,追求刺激的心理也在驱使他们不可控制地关注色情暴力的镜头,而当下影视文学中对色情暴力镜头的过度使用直接影响着青少年本不成熟的心理,更有可能增加其对色情暴力和犯罪的好奇心理而导致行为上的种种错误。
正确引导影视文学发展方向的应对策略
党的十七届六中全会提出要大力发展文化事业,不断深化文化体制改革,推动社会主义文化的大发展大繁荣。综上所述,影视文学对青少年存在多方面的影响,所以我们需要培育出更多优秀的影视文学,以促进青少年思想道德向着正确方向发展,而这需要政府部门、影视出品方和社会舆论的共同力量。
影视文学作为社会主义文化的重要组成部分,需要政府部门用社会主义核心价值理念去领导和引导,以科学发展观为指南,使其遵循各项法律法规和道德规范。政府相关部门要净化电影电视屏幕上过多的娱乐化、商业化、色情暴力和犯罪等镜头和画面,对这样的影视作品加强管理和节目审查,对进口影视作品进行严格把关,为青少年欣赏到优质的影视作品,享受到高雅的影视文学创造氛围。同时,要完善关于传媒的法律法规的建设,鼓励和宣扬有助于青少年健康成长的优质影视作品,同时可以借鉴西方的做法通过法律形式明确禁止向未成年人传播色情暴力等不适宜青少年观看的作品。
与此同时,作品编剧要深人生活采集素材,从根本上杜绝抄袭和模仿等急功近利的思想,将生活中正确而深刻的见解融人到影视文学的创作中去,揭示生活的本质和规律,向青少年传达正确的生活见地。影视作品的出品方也应该转变思维方式,参照中国优秀的传统文化和正确的价值观念,让青少年能在观看影视作品的时候感受到审美愉悦的同时也能实现民族观念的文化认同。社会舆论作为一个强势载体对青少年价值观念的形成也是影响深远,所以应该树立正确的赢利观念,力争将经济效益和社会效益有机结合,更多地从精神价值、道德品味和思想内涵去对影视文学和影视作品进行宣传,注人更多的人文关怀和人文价值,在不断的扬弃中升华影视文学对青少年的正面影响,达到传媒对先进文化的促进、引导和维护的作用。
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动画设计是动画的一部分,也是文化产业上的一个链条。要培养出具有专业基本素质,能够掌握动画制作基本技法的动画设计后备人才,高校的动画设计教学显得尤为重要。下面是读文网小编为大家整理的动画论文,供大家参考。
摘要:我国的动画具有悠久的发展历史,动画艺术作品更是多种多样,动画艺术的发展主要依赖的是动画技术,随着信息技术的不断发展,我国的动画也逐渐朝着数字化、三维画的方向发展,尤其是虚拟现实技术的运用,动画的表现形式更加生动化和形象化。与虚拟现实动画相比,传统动画更显得呆板、无趣,它已经不能满足当代人类的需求了。因此,未来的动画世界将会是虚拟现实动画的世界。
关键词:虚拟现实;动画艺术创作;影响
在我国科学技术迅速发展的时代背景之下,虚拟现实技术作为一种新的技术形式应运而生了,该技术是计算机与多媒体技术的结合,目前,虚拟现实技术的应用越来越广泛,社会各界对其的关注度也逐渐上升,在动画艺术创作方面,虚拟现实技术的应用使动画的创作形式更加多样化,本文就针对虚拟现实对动画创作的影响进行了探讨与研究。
1虚拟现实技术和动画的产生及发展
1.1虚拟现实技术的产生和发展
随着社会经济的发展和人们生活水平的提高,人们对动画的视觉体验要求也越来越高,传统的动画已经不能满足当代人们的需求了,虚拟现实技术就在这时诞生了,从历史发展来看,该技术最早出现于1961年,最早运用该技术的是摩登.梅里戈,他利用仿真技术建立了一个街区的模拟环境,并让该系统具有声音、画面等真实的感觉。因此,虚拟现实技术最开始是依赖于仿真技术而产生的。直到1986年,迈克尔•麦克利威建立了一个完整的虚拟现实展示系统,这个系统才赋予了虚拟现实技术当今意义上的真实定义,它主要包括计算机处理系统、显示系统、音响系统等,在虚拟现实技术引入到动画创作领域之后,人们实现了与动画故事人物角色进行交互活动的梦想,这种新型的动画表现模式,使人们可以身临其境地区感受动画世界的一切新鲜有趣的事件,随着各方面技术的不断发展,虚拟现实技术将与更多的新技术相结合,最终在动画艺术创作的领域不断拓展,从而不断提高人们对美的定位。
1.2动画的起源和发展
我国动画的发展可分为早期动画、中期动画和现代动画三个部分,最早的动画可追溯到五千年前左右,当时的动画只是为了反映社会的生产活动过程,1906年,法国拍摄了一步叫作《幻影集》的动画影片,该影片被视为世界上第一部动画之一,第一部带有故事情节的动画片是1914年的《恐龙葛蒂》,这些都是早期动画发展的主要成就。到动画发展的中期,出现了二维动画及其商业化制作,1928年,第一部有声动画《蒸汽船威利号》诞生了,这一时期出现了大量的经典动画片,主要有《白雪公主》《花与树》《三只小猪》等,我国的动画也在这一时期获得了较大的发展,1945年,我国成立了第一个动画研究机构,新中国成立后,我国政府在上海创办了美术电影制片厂,从此,我国动画创作开始走上了民族化的道路,这一时期动画的主要特点是规模化和商业化。现代动画是运用电脑技术进行创作的一种动画形式,其色彩更加丰富,成本也更加节约,“无纸动画”也在这一时期应运而生了,其最大的优点在于能最大限度地节约制作成本。随后,计算机的应用逐渐扩展到三维动画领域,1995年的《玩具总动员》标志着人类社会开始进入三维动画创作的时代。
2虚拟现实对动画艺术创作的影响
2.1虚拟现实对动画艺术创作主体的影响
(1)有利于拓展创作主体的感觉感知。虚拟现实技术为创作主体的想象开拓了一个全新的领域,作者的感知被带到一个现实中不存在的虚拟世界之中,使创作者能够切身体验到动画片中的每一个细节,同时还能实现观众与动画的互动,虚拟现实所创造出来的世界是观念上的世界,它不同于客观存在的物质世界,它是人类意识的产物,虚拟现实最初只是一种超越现实的感知,后来逐渐发展成一种社会文化,,并反过来对人们的意识产生影响,在虚拟现实的世界中,创作者不仅能感受到非真实存在的事物,同时还能感知到其特点,并通过发挥无限的想象和创作能力,将其创造出来。
(2)加深创作主体对美的理解。创作者对美的理解对于其创作具有直接的影响,不同的动画艺术创作者对动画艺术的美具有不同的理解,动画家只有真正把握动画艺术美的内涵,才有可能创造出具有吸引力的动画艺术作品,在美的理解上,虚拟现实技术对动画创作主体的影响主要表现在对创作主体知识储备的影响和对创作主体想象、感知以及情感等方面的影响,创作主体与创作对象之间是主体与客体的关系,主体的想象、感知等是一种心理上的认识态度,通过虚拟现实技术,创作主体能从一个虚拟的世界中获得对创作对象更加深入的理解,从而改变对其的心理态度,这就有利于其创作能力的发挥,此外,虚拟现实技术对动画创作者的知识储备也具有一定的影响,创作者的知识水平的高低决定创作者对美的内涵的理解,从而影响到其动画作品质量的高低,虚拟现实技术能让创作者在一个虚拟的场景中感受到事物更多的特性,从而增加其知识储备的深度,有利于提高其动画创作的质量。
(3)提高创作主体的艺术想象力。动画创作的一个必备要素就是创作者的想象力,从动画作品的特点来看,其本身具有生动性、形象性的特征,这就对创作者的想象力提出了要求,人人都有想象力,但每个人的想象力都是不同的,例如,当我们听到某种声音时,我们就会想到这种声音发出的主体,不同的人往往会有不同的描述,这就取决于人们自身的想象力,对于动画创作来说,想象力的作用主要表现在三个方面:首先,想象可以激发创作者的潜意识,每个人的潜意识都是无限的,但并不是所有的潜意识都能被激发出来,这就取决于主体的想象力,一般来说,想象力越丰富,潜意识的激发就越充分。其次,想象力有利于促进动画创作者进入理想的创作境界,任何艺术作品的创作都需要一定的氛围,这就是我们所说的创作境界,想象力可为动画创作者提供一种有利的创作氛围。最后,想象力有利于释放创作者的思维,让创作者在虚拟的世界中感受到创作对象更多的特点,从而扩展思维,在想象的世界中自由创作。
2.2虚拟现实对动画艺术作品和群众的影响
(1)提高了动画作品的沉浸度。在虚拟现实技术的指导下,我国的动画作品具有更高的沉浸度,观众可在观看动画的过程中,身临其境地感受到动画作品所带来的体验。例如,在4D动画项目体验中,观众可通过具有震动和摇晃功能的椅子,感受到动画中的精彩片段,事实上,这种体验还不够深入,虚拟现实动画的沉浸感体验比4D电影的还要更加震撼。
(2)实现了动画作品的互动。在虚拟现实动画中,观众与动画作品之间是互动的关系,与传统的动画创作相比,虚拟现实动画作品使观众与作品之间的界限更加淡化,实现了二者的有机结合,观众不用像以前一样只是坐着默默地观看,而可以真正参与到动画作品中去,体验动画作品中的每一个具体场景,从而实现提高动画作品的交互性和趣味性的目标。
(3)满足观众独立的情感需求。在传统的动画观看模式中,观众只能在一个固定的位置观看动画,观众的主体地位并未体现出来,而在虚拟现实技术的帮助下,观众不再受到客观上的束缚,可以真正走入到自己感兴趣的动画作品中去,并根据自己的想法来控制剧情的发展,从而使观众的独立性得到最大限度的满足。
3结语
虚拟现实技术对我国的动画艺术创作具有十分深刻的影响,从现状来看,我国的虚拟现实技术水平与外国相比还有一定的差距,在动画艺术创作方面的应用也还不够广泛,需要在实践中不断改进和创新。
参考文献:
[1]陈晓群.虚拟现实技术与三维动画技术探析[J].艺术评论,2007(2):67-68.
[2]刘庆科.论虚拟现实对动画艺术创作的影响[D].河北师范大学,2013.
作为一种常见的艺术形式,动画因为自身独特的虚拟现实特色与美学特点受到观众的喜爱和欢迎。经传统二维动画发展而来的三维动画艺术更能打破技术的束缚,实现人类想象力的最大再现,而同时三维动画具备的审美特征也越来越受到研究人士的重视。对三维动画艺术审美特征的研究既体现了动画研究的与时俱进,又给动画的发展提供理论支持。正是因为三维动画艺术可以打破现实场景的束缚以及实现成像效果的最大可能,因此与传统艺术相比更加注重对时空的把握。与此同时,计算机软硬件的使用和对于场景精确性的要求使得三维动画的制作过程显得较为复杂,耗费时间也更多。对场景的高度实现使得三维动画艺术对于色彩也提出了极高的要求,同时对于平面设计准则的遵循才能在最大程度上满足人们的审美习惯。三维动画艺术实现了一般艺术创作中较难甚至无法实现的镜头要求,对于这些成本高或者较为危险的镜头,三维动画的精确实现需要设计人员和技术人员具备高超的水平,在保证质量的同时达到震撼的视觉效果,也能减少设计费用的投入,从而实现较大的利润收入。设计人员和技术人员的审美水平以及制作经验,相比二维动画艺术等其他艺术形式需要更长的制作时间,加上对于计算机软硬件的专业要求,使得三维动画艺术在保证观众震撼的视听感受的同时极力满足观众的审美体验,这也是对观众观影效果的极大延伸和突破。三维动画艺术具备自身独特的艺术特点,这使得三维动画艺术得到了巨大的发展并处在不断进步中。①
(一)三维动画艺术的形式美
三维动画艺术的构成元素多种多样,绘画艺术中的素描、水彩和雕塑艺术等都可以被用来构建三维动画,这也造就了三维动画艺术表现形式上的多样化。中国动画《大闹天宫》就是运用中国传统水墨画的艺术风格,在传达故事的同时也给予观众水墨画的感官享受。另外一部中国动画《小蝌蚪找妈妈》更是将水墨画风格运用的恰到好处,在表现动画电影故事乐趣的同时还能欣赏中国传统文化的魅力,体现了艺术表现上的形式美。在国外,众多动画电影也运用雕塑等多种艺术表现形式。②在动画电影《小鸡出逃》中动画形象都是由泥偶橡皮形象地表现出来,泥偶橡皮形象引发观众的童年记忆,充满了童心童趣。短片动画《星期一闭馆》,通过动画技术使人物动作夸张化来表现醉汉的心理,这种表现形式引发观众的共鸣并得到好评。后来随着计算机软硬件技术的发展,动画电影不再是单一的动画展示,也开始与真人表演相结合,这种全新的表现形式给予观众新鲜的观影感受并受到热烈欢迎,代表作品有《谁陷害了兔子罗杰》、《疾走罗拉》、《天生杀人狂》等。正是计算机软硬件技术的迅猛发展让三维动画艺术的表现形式更加多样,以前只能通过观众想象的清洁画面,现在也能通过三维动画艺术形象展现出来,这使得观众在欣赏令人震撼的影视画面的同时审美也发生着改变。三维动画艺术多种表现形式都存在着自身独特的美感,这给设计师不同的选择适当地表现场景和画面,也使三维动画艺术更加受到观众的喜爱和欢迎。
(二)三维动画艺术的虚拟美
三维动画艺术作为一种基于计算机软硬件技术发展起来的一种艺术形式,其存在着与众不同的虚拟美。有了三维动画,人们可以将幻想变为现实,将以前不可能实现的场景变为银幕上令人震撼的画面,在虚拟的世界中重塑现实,在现实的存在中展示虚拟,虚拟和现实的交汇也给观众带来了一种全新的艺术审美样式。恐龙在很久很久之前就已经灭绝,我们无法在现实中观察到恐龙的生活习性和状态,但在著名导演斯皮尔伯格的电影《侏罗纪公园》里恐龙的形象栩栩如生、十分逼真,这给观众带来了一种新的观影感受,也使观众实现了观察已经灭绝生物的梦想。数字动画技术的发展和成熟使得虚拟和现实的距离越来越近,存在于想象的生物和画面也可以通过三维动画艺术展现出来,观众在欣赏时有着真实之感。③后来美国拍摄了众多科幻题材以及末日题材的电影,如《Alien》、《七天》、《E.T》等,这满足了人们对于不同未知事物的渴望,也带来人们全新的观影感受。近期上映的科幻大作《地心引力》更是突破了人类的想象力,全片只有一个人物角色,通过三维动画艺术表现人物在外太空的生存状态,真实展现了人物的动作表情和状态,既有传统电影的美感和细腻情节,又有让人叹为观止的动画效果,展现了人类无与伦比的想象力和对于虚拟现实的渴望。
(三)三维动画艺术的造型美
三维动画艺术对于人物形象与影视场景的刻画是逼真和精确的,加上艺术化的创作,打造了或夸张或真实、或可笑或荒诞的视觉效果,这给人们的视觉带来了极大的感官享受。早期的动画电影如《白雪公主》就运用符合儿童心理的弧线造型,让小朋友在观影的同时得到亲切温暖的感觉。动画电影之所以能够收到各个年龄段观众的喜爱,也正是动画电影展现出一种令人感受到亲切和安全感的画面。对于真实的再现已经不再是三维动画艺术表现的唯一追求,反而在设计时对造型的夸张式设计更能带给人们虚拟与现实的落差感,这对于观众是前所未有的观影感受。电影《疾走罗拉》中罗拉的主要动作就是奔跑,其奔跑之夸张、嘶吼之神经与正常人有所差别,但正是这种带有三维动画艺术的设计恰当地表现出罗拉这个人物形象的生命力,只有通过行动才能将人的生命力展现出来,这给观众带来的视觉冲击是巨大的。三维动画艺术中对于人物造型的精确刻画极具美感,新的视觉感受也给观众新的体验,这也正是三维动画艺术的造型美。
(四)三维动画艺术的技术性审美
技术性审美成为三维动画艺术的重要特征,这正是由三维动画艺术的特点决定的。随着计算机软硬件的发展,三维动画艺术能给人们带来越来越多的场景效果,创造出人们无法想象出来的“视觉盛宴”。长时间的发展使得动画艺术的表现形式得以扩展,新的制作手段更是层出不穷,三维动画艺术给予创作者更多的启发和尝试,也带来了许多无法想象的场景画面。现在的影视制作已经不再需要人工上色,也不需要一次又一次的胶片拍摄,既节省了拍摄人员的体力劳动,又减少了经费投入。从传统二维动画制作手段到先进的CG技术,三维动画艺术正处在飞速发展的阶段,丰富的表现形式和精美的场景效果使得三维动画艺术得到了观众的一致好评,这也使得众多导演和制片商对三维动画艺术倍加青睐。计算机技术在三维动画艺术中的应用效果可以说是瞩目的,众多获得巨大成功的电影如《怪物史莱克》、《玩具总动员》、《卑鄙的我》等刻画了生动真实的形象,具有强悍性能的计算机也给三维动画艺术的应用提供了技术上的支持。正是技术带来的巨大变化让三维动画艺术插上了飞行的翅膀可以翱翔在幻想的天空中。技术性审美成为三维动画艺术的审美特征,也使三维动画艺术的突出特点。
参考文献:
①陆美玲《三维动画的艺术特点与审美特征》,《大舞台》,2012年第7期。
②宋成《动画电影审美趣味与审美体验》,东北师范大学硕士论文,2009年版。
③刘娟《论三维影视动画艺术的审美特征》,《大舞台》,2010年第12期。
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动画设计是近年来才兴起的专业,由于动漫行业的发展,对动画人才的需求非常强烈,各高校也都纷纷开设动画专业。下面是读文网小编为大家整理的动画专业论文,供大家参考。
摘要:动画艺术的审美属性与艺术门类的本体属性一致。文章从动画艺术的发展入手,触及动画艺术的本体属性,着眼于动画的艺术形式,借鉴动画诞生时的艺术雏形与发展过程中所呈现出的各种艺术形态,联系科学进步、社会发展给动画形式带来的多样性和无限可能性,综合评价动画的艺术特性,并在此基础上分析动画作为一门艺术理应具备的审美特性,从而给动画创作者提供可供参考的动画创作方向。
关键词:动画艺术;审美特性;艺术本体
动画的鼻祖埃米尔•雷诺用充满探索与创新意识的科学头脑和对绘画艺术境界的执着追求创造了科学与艺术相结合的产物——动画。埃米尔•雷诺为艺术家对动画领域无止境的探索创造了可能。从动画诞生时的雏形可以得知,动画的形成离不开两个关键因素:技术发明与图形艺术。由技术发明创造得到的机械装置,为图形符号的动态变化呈现提供了可能。审美意象的呈现是所有艺术门类共有的特质。动画中图形符号的连续动态变化并不是随意的或漫无目的的,而是艺术家在理性和感性因素的双重控制下所创造的美与智慧的结晶。之所以研究动画的审美特性,是因为动画有区别于其他艺术的根本特质——图形符号以艺术家的意志为导向,通过有规则的连续运动呈现出动态画面,给欣赏者带来独特的审美意象。动画的审美意象包括两点:一是造型符号通过动态变化所产生的视觉冲击力给观众带来的心灵震颤;二是艺术家赋予这些动态画面的生命美,即内容美。
一、抽象图形符号的动态美
动画自诞生之日起便被赋予了自由性和幻想性。如果把动画片比喻成一个有血有肉的人,那么构成动画的图形符号就是躯体中活跃的细胞。动画由无数图形符号有序排列而成,这些图形符号可以是抽象的,也可以是具象的。在具有实验意义的艺术性动画短片中,艺术家往往采用抽象的图形符号,组织成具有象征意义的运动状态,以此探索动画的艺术语言。这种独特的动画艺术语言旨在追求符号与符号之间因变化而产生的碰撞,以及因符号间的碰撞而产生的独特的审美趣味。实验动画短片《节奏21》的作者汉斯•李希特(HansRichter)曾说,当他意识到画在胶片上的都是符号(画)而非实拍电影的制作规律时,他就选择了用最简单的图形表达自己的想法。如,在《节奏21》中,他采用了正方形符号元素,这些简单的正方形能够让他在创作时暂时忘掉绘画技法,转而将所有注意力集中在创造动作与时间的“交响乐”上。这部伟大的“交响乐”就是动画片中无数图形符号有规律的连续变化带给欣赏者的审美感受和感动。这些符号与符号有时相处友好,比邻前进;有时又发生激烈碰撞,似灵魂的冲突;有时碰撞后交融,似冰与火的表演。这些符号的动态变化配合着音乐旋律进行充满生命力的舞动,带给欣赏者欢乐、悲伤、沉思、幻想、自由等不同的感受。这些抽象符号运动所表现出来的特点,也正是动画这一独特艺术的审美特性所在。
二、具象图形符号的真完美
与抽象图形相对应的具象图形符号的运动、审美亦忠实于符号所代表的审美冲击和审美情感。具象符号的运动需要艺术家动用理性精神,用理性判断和直觉共同创造具有艺术真实的活动画面。这是图形符号在动画审美中的另一层意义。
具象图形符号的每一个动作都代表了一个生命在某一时刻的运动状态,每个动作都在讲故事,动作形态的美又构成了动画独特的叙事美。约翰•哈拉斯认为,动画所描述的故事是另一种对真实的反映,这种真实是来自精神层面的真实。与看起来像什么比起来,动作所传达出的意义是什么更为重要。电影不同于动画的关键因素在于,电影通过摄像机复制现实生活中的表演,通过剪辑、编排等处理再现于荧幕上。动画将现实生活中未曾见过的画面创造出来,是创造图形而非复制图形,动画诞生于艺术家的头脑中。如果说电影的工作主要是呈现物质现实,那么动画电影关心的更多的是形而上学的东西——不是它们看起来是怎样的,而是它们究竟意味着什么。电影艺术家爱森斯坦曾这样评价动画:“只要它运动了,它就是活的。”动画具有一种由内在的独立意志所推动的活力。
动画作为美的形式之一,有着与其他艺术门类类似的美学特点,即艺术美的内涵。中国古典美学强调意境美,西方美学则强调内容美或有意味的形式。动画图形运动符号的独特性在于它是由纯粹的自由意志所创造出的图形动态的生命真实,这是其他艺术门类所不具有的,也是动画艺术区别于电影艺术的根本特点之一。加拿大动画艺术家卡洛琳•丽芙(CarolineLeaf)的沙动画《街》可以对动画的这一特性作出完美诠释。
《街》改编自作家莫得盖•雷切勒的小说,导演用独特的视觉影像完美诠释了自己对这部经典小说的理解。浓郁古老的沙土色彩,生动绵延的人物动作,不规则变换的镜头,微妙的转场,真诚质朴的配音……所有这些元素均出自卡洛琳•丽芙导演的创想。由沙土与灯光的配合创造出的符号元素,被导演赋予了智慧与灵魂,一旦运动起来,就不再是简单的动作了。这些运动有着独特的意义。祖母睡着时上下起伏的被子,妈妈为姐姐梳头,妈妈扶祖母起床,爸爸站在窗前抽烟,谈话的人们……所有的动态变化都是如此耐人寻味,连续的动态变化创造了影像,真实可信的符号动态变化则构筑了短片的灵魂。动画的这种独特性从动画片的制作上亦可看出。
一部成功的商业动画需要众多动画工作者的共同努力才能顺利完成,每一个镜头的画面布置、场景设计、概念设计,每一个角色的动作、表情等,都需要动画师用绘画的方式表现出来,从而创造出一个逼真的艺术世界。在这个世界中,逼真的视觉画面与动画图形符号的运动共同创造现实感。高畑勋导演的作品《萤火虫之墓》中,妹妹在得知妈妈去世的消息时扭动着身体抽泣,哥哥奋力在双杠上翻跟头,妹妹的笑声和眼泪……具象的人物形象和逼真的动作表演赋予了角色强大的感染力。
三、图形符号运动美
科技作为手段作用于人类活动的各个角落,艺术的产生、发展与科技的发展有着密切的关系,动画也不例外。动画与科技的结合非常紧密,动画这一艺术形式自诞生之日起,就是科技的产物。
埃米尔•雷诺本着对科学技术的热爱和对艺术的无上追求,创造了动画的雏形。没有技术带来的动画机械装置的发明,就不会有动画艺术的产生。从原始社会的产物山洞壁画,到19世纪的幻盘、诡盘、活动幻境、光学影像,再到后来的摄像机、定格拍摄技术、声画合成技术、数字技术等,动画伴随着科技的发展呈现出了多样化的趋势。从某种意义上来讲,没有技术的发明,动画就不会产生。动画虽然诞生于机械装置发明的基础上,却并不完全依赖科技。科技为动画制作的方法带来了可能性,科技的进步催生了一代代新的动画艺术形式,但动画所遵循的艺术性与审美观念并不是科技所赋予的,动画的美源自艺术家对生命的深刻认识。新的技术形式带给动画新颖奇特的特点,带给观者前所未有的感受。动画传达了人们对生命的热爱,科学美、技术美、生命美三者融合在一起,共同构筑了动画艺术的审美特性。瑞士动画艺术家乔治•史威兹贝尔是这方面最具代表性的人物之一。他的主要作品有《没有影子的人》《黄鹿之年》《78转》等,其中《78转》是他的代表作。
笔者曾有幸于2012年在中国传媒大学动画与数字艺术学院见到这位大师,听了他的讲座,并在现场欣赏了他的短片《78转》。乔治•史威兹贝尔是一个崇尚科学的人,这里的科学并非指狭隘的机械技术上的进步,而是代表着永远进步。他执着于动画镜头与镜头之间衔接的艺术,探索复杂的镜头,尤其是旋转镜头、慢镜头等动画语言性处理。如,用画笔一张张绘制出优美流畅的旋转镜头,并与下一个旋转镜头巧妙地连接,最后回到原点。
这不仅仅是技巧上的探索,更是智慧的探索、科学的探索。乔治•史威兹贝尔同时具备科学、艺术等多方面的才华,他为作品赋予了庄严而伟大的思想之美。抽象图形符号的运动变化,具象图形符号的真实表现,图形符号运动的科学性探索,这些元素共同构成了动画艺术形式的审美特性。这些特性又通过艺术家对现实世界的客观理解、感知、审美、探索和不断努力得以实现。动画的自由和灵活特质赋予其形式与内容无穷无尽的可能性,伴随着科技的不断发展与进步,动画世界更广阔的天地等待人们的深入探索。
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摘要:传统皮影与动画艺术有很多共通的部分,借助现代科技来制作皮影动画,使皮影艺术和计算机动画有机的结合。为皮影艺术寻找新的表现手法,加强皮影艺术在当下多媒体时代的传播能力,另外皮影艺术也可以丰富了计算机动画的形式和内容。本文基于历史文化环境下视角在以追求传统艺术的精神下,对发展当代动画,探索当代动画与传统艺术、传统思想的传承关系发展当代皮影动画提出了新见解。
关键词:皮影;数字化;计算机动画
1皮影艺术概述
它是对皮影戏和皮影戏人物(包括场面道具、景物)制品的通用称谓。皮影戏艺术融中国传统剪纸、窗花、门画、工艺美术、雕刻等所有民间艺术制作之精美,和地方戏、相声、口技等传统表演艺术之精髓,是我国民间j工艺美术与戏曲巧妙结合而成的独特艺术品种,是中华民族艺术殿堂里的一朵奇葩。在历史的演变中,它主要体现受众广、题材广、种类广等三“广”特点。皮影艺术在传播的过程中,与不同地域区风土人情结合,形成不同的地域文化特征。
2传统皮影的传播方式的局限性
皮影传播方式主要靠实地演出。这主要受到演出场地。观众、天时、地理条件等影响使得皮影在演出和传播的过程中受到很大的限制,减缓了皮影文化的传播速度与影响,另一方面,皮影的传播需要技术精湛的皮影艺人来演的.如今皮影艺人的日益减少,加上惨淡经营的传播现状使得继承皮影这门古老的技艺的人也很难寻觅了,传统的皮影艺术受到现代娱乐的冲击,即使在皮影最早的根据地农村地区,热爱皮影的青年们越来越少,市场的萎缩同样也挤压了民间艺术的生存空间,皮影艺术在当代文化传播受到了生存的挑战。
3数字化是保护传统皮影的需要
皮影道具由于其采用的天然材质,使得其保存也同样也受到威胁,一方面,皮影用了牛皮和驴皮和羊皮的材料,在自然的保存中,容易风化。甚至发霉渐渐褪色。加上以前的皮影戏文字剧本、影卷,多数是手抄本的形式散落在民间,皮影戏的演出道具、伴奏乐器、民间舞台和历代皮影造型资料的消失使得皮影文化形势更加严峻。与皮质的皮影制品相比,纸质的皮影剧目和皮影人物画稿的保存更是难上加难。因此,皮影艺术的保存也是皮影艺术濒临消失所面临的重要问题。
4皮影艺术和计算机技术的结合研究
在科技日益强大的今天,将皮影戏用数字技术保存并发扬,并不是一个新鲜的事情了,但是至今将民艺文化遗产数字化研究与应用开发出一整套的应用,并以数字动画的形式保存,将传统艺术用现代科技结合并保护,是一个充满挑战性的课题。数字化的动画能真实地再现皮影戏的原理,同时随着软件的日趋多样化,皮影动画在制作相对容易了。并且还可以根据需要而进行随意地修改。传统已经不再是皮影戏作为艺术的沉重枷锁,在艺术的表达上可以根据需要加给它新的大量的现代流行元素。用电影拍摄中的长镜、短镜以及蒙太奇手法都可以在皮影戏数字动画制作过程借鉴。另外在制作完成后,传播时,可以通过现代的网络技术,让皮影戏流传于世界各地,让更多的人去接受并喜爱。
例如,由环球数码深圳公司推出的一部独立短片《桃花源记》在国内和国际屡次获奖。虚拟现实是通过计算机对复杂数据进行可视化操作与交互,利用计算机模拟创造出虚拟的三度空间,并能产生视觉、听觉、触觉等感官的模拟,与之进行互动追求身临其境的感受,皮影戏的虚拟技术是通过计算图形方式建立实时的三维视觉效果,首先对皮影进行建模和渲染,然后以皮影图形为基本元素建立皮影戏虚拟环境三维造型。
并根据场景的需要或者创造者的想象建立相应的虚拟场景模型。而皮影的手工技术工艺局限主要是讲皮影道具的制作,一套完整的皮影道具需要经过选皮、制皮、画稿、过稿、镂刻、敷彩、发汗熨平、缀结合成等八道工序来完成,每一道工序之间相互关联,出了问题都会使整个皮影道具制作失败,另外制作的技术还需要专业化的训练,随着老艺人的去世,熟练掌握皮影雕刻和制作艺术各个环节要求的老艺人越来越少,精美的皮影道具制作面临失传。
好在是动画技术实现皮影不需要制作者有多少的雕刻技巧、拿影、说唱的技艺,只需要有足够的熟悉电脑软件,有绘画功底。数字动画的表现手法能够赋予民间传统皮影戏新的生命及活力,这也正是要把皮影戏制作成数字动画的初衷。皮影的传播是“一口叙说千古事,双手对舞百万兵”是其文化的真实写照。皮影戏独特的道具造型,夸张,变化多端动作,乡土气息十足的背景音乐,喜闻乐见的念白唱词,瞬息变幻的光影,情节紧张的剧情不知不觉的引导着观众的感知、想象、情感。
用“随风潜入夜,润物细无声”的方式影响着观众的审美、道德判断、这将会给我国动画提供坚实的支柱。皮影中对于传统文化的理解、对于艺术的表达有着深厚的积淀。从内涵来讲,它所包含的是历经千百年沉淀下来的民族文化精华;从表现形式来说,它是华夏民族共有的审美感受。这种历史的沉积是根植于每一位中国人心中的精神家园,皮影元素能让现代动画感受到传统文化的巨大力量,使我国现代动画成功地突破古今壁垒。如何将当下的皮影文化与现代技术相结合进行艺术重塑,进而达到新时代背景下的皮影文化创新。这也是皮影艺术传承的关键所在。另外,如何借助现代的传播媒介,扩大皮影艺术的影响,使其成为一种全球性的文化传播中找到自己的位置。
5小结
数字化浪潮对设计艺术最明显的影响是设计手段的虚拟化和数字化。数字技术的应用与推广,使得设计元素如形状、构图、色彩、线条和质地等,变成了虚拟的数码编号,电脑技术的运用使动画制作效率大大提高,各种效果得以轻松实现,从而人们对它越来越依赖。尤其是在网络遍布快速传播的“图像时代”动画艺术一方面满足了人们的对于新鲜视觉的需求,但是日趋快餐式的图像却也有了程式化、空洞化、低俗化的弊端。因此,将皮影戏的元素运用于动画,可以说是给当下动画加入人文,是向艺术的回归。这使动画从单纯的技术层面追求转向美学层面,加强艺术表现形式、提高它的人文内涵,为我国动画艺术在全国乃至世界的传播打下良好的基础。2007年《快乐驿站》推出了FLASH相声系列——《剪影中国》可以说它是对皮影与动画的一次完美结合,它将著名相声大师的作品用这种时尚活力的形式表现出来,使相声不再显得单调、皮影不再显得古老,而二维动画也不再单调、呆板,这种成功的结合,使栏目受到了众多观众的喜爱与好评。设计师通过计算机对数字信息在虚拟的环境下进行随意的处理和更改。节约了资源同时提高了工作效率。非物质设计的发也是科技与艺术完美结合的体现。满足了人们对于多元化生活方式的渴望。传统皮影面临时代的要求考验,必须寻找符合时代要求的传播方式。数字技术的应用于发展正好提供了的展示平台。二者结合在保留皮影原有艺术面貌的同时创作了具有时代气息的新艺术.符合了时代的要求。
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动画产业是典型的创意产业,是文化产业中非常重要的组织部分,创意也就成了决定动画产业核心竞争力的主要要素之一。因此,中国动画产业的发展以及教育发展对策的制定,都必须遵循动画产业这一创意产业的独特属性,采用产品的非标准化策略,即差别化策略来丰富动画市场、优化产品结构,在动画人才的培养上,更是要重视人才创新意识和创新能力的培养,不能盲目的照搬照抄或模仿西方国家、日韩国家的优秀作品,要保持中国动画作品的原创性、创新性,这一才能不断增强中国动画作品的国际竞争力,为我国动画产业的发展赢得更广泛的发展空间。
一、中国动画产业的市场现状与问题
(一)质量不高,管理体制存在缺陷
对于中国当前的动画产业而言。最缺乏的是创意和营销策划能力。在动画制作过程中,一个好的创意可能会价值连城。但是动画制作的创新并不是可以直接学来或是模仿他人的,这需要自己亲手实践才能获得。创意,是目前中国动画业最薄弱的一个环节,中国动画市场上有太多的作品或多或少的带着别人作品的模样,所以中国动画产业的产出虽然相对较高,但是动画作品的质量却相对较差,与日、韩、美等国家的动画制作水平还存在的很大的差距,加上中国动画的管理体制不健全,没有为动画产业的发展营造良好的制度环境,政府一味抵制外国动画作品,以及政策性保护反而不利于中国动画产业的长远发展与核心竞争力的提升,迫切需要对中国的动画产业结构和管理体制进行完善。
(二)审核过严,很多作品缺乏深度
动画产业发展的诱人前景极大地刺激了中国动画产业的发展,但是由于传统文化管理体制中的种种弊端,中国对动画作品的审核还存在着很大的缺陷,如没有指定和推卸动画分级审核机制,对动画片的审核通常是“一刀切”,导致很多中国人对动画产业的认知严重不足,很多人还认为动画片就是给少年儿童拍的,这就导致了我国动画作品审核过严,很多作品缺乏深度。针对成年人的动画市场没有得到相应的重视,所以造成了中国动画作品的“幼稚”形象。可以说,中国动画产业分级制度的缺失,限制了很多动画投资人的投资热情,也让很多动画创作人员畏手畏脚,更是把很多的成人观众排斥在了中国动画产业之外,他们只能在网上看一些国外的优秀动画片,这其实也是中国动画产业发展的一大失误。
(三)竞争激烈,创意不足
在经济全球化背景下,中西方之间的文化交流也日益频繁,观众很容易就能通过网络渠道收看国外动画片,电视也不再是国人观看动画片的唯一渠道。我们在欣赏国外动画片的过程中,很容易发现国产动画片的不足,所以有越来越多的人倾向于看国外动画片,反而对国产动画的观赏越来越少,这无疑为中国动画产业的发展敲响了警钟。同时,随着中国动画行业内市场竞争的加剧,越来越多的动画制作企业盲目求“快”、求“量”,所以经常是模仿他人的作品,导致中国动画作品的创意性严重不足,严重脱离了中国的传统文化和审美需求,这对中国动画产业的长远发展也是非常不利的,迫切需要尽快完善动画运营模式,制定更加科学的产业发展对策。
二、中国动画产业的市场发展前景
自上世界60年代开始,我国的动画产业在很长一段时间内都停滞不前,尤其是在“”期间,甚至出现了倒退现象。但随着近年来国家对文化产业的重视,中国的动画产业迎来了良好的市场发展前景。
(一)行业前景
由于我国动画市场的需求在急剧扩大,所以在北京、上海、深圳等地都已经建立了生产基地,国家对动画产业的发展也制定了很多政策性的扶持条件,国外动画片的放映在国内还存在一定的限制,这就为国产动画片的崛起创造了相对有利的条件和足够的发展空间。尤其是随着近年来多媒体技术的发展,我国动画教育专业的陆续开始,为中国的动画市场注入了越来越多的新鲜元素,增强了中国动画产业的可持续发展能力。
(二)商业前景
艺术和商业是动画产业的两个主要特征,动画产业在发达国家的文化体系和经济发展中有着不可替代的重要地位。在日本、韩国、美国等动画产业比较发达的国家,动画产业已经成为国民经济中的重要组成部分,并且与其他产业之间的融合趋势在不断加强,动画产业的应用领域在不断扩大,市场需求也在不断扩大,已经深入到了人们生活的方方面面,如动画产业与体育产业、旅游产业、休闲产业、教育产业的融合,都为动画产业创造出了更广阔的商业前景。随着我国文化强国战略的提出,休闲时代的到来,中国动画产业发展正迎来前所未有的发展机会,其巨大的市场发展潜力和市场效应毋庸置疑。因此,随着政府对动画产业支持力度的加强,高素质动画人才的越来越多,社会大众动画审美能力的不断提升,中国的动画产业链将会更加完整,商业发展空间也将会越来越大。
(三)教育前景
从整体上看,世界各国的动画教育发展主要都会受到两方面因素的影响,一是技术融入性推动动画教育的普及,二是受国际和国内动画产业的特点影响,只能制定适合本国的动画产业发展战略。这对于中国的动画教育而言,同样也不例外。近年来,计算机动画制作技术的快速发展,在很对程度上降低了对动画制作人员绘画技能的要求,可以让更多的人参与到动画制作活动中来,入门门槛变得更低,教育培训费用也有所下降,这就为更多的人接受动画专业教育提供了良好的便利条件。同时,中国动画产业市场需求的越来越大,现今动画制作业有了强大的发展动力,动画专业人才在我国的人力资源市场上还存在着较大的缺口,这就在一定程度上促进了中国动画教育产业的发展。
三、中国动画教育的发展对策与建议
动画产业巨大的市场潜力极大地刺激了教育界,我国动画教育以前所未有的速度在增长、在扩张,但是动画教育的现状却不容乐观。一方面,我国动画企业大声疾呼“人才缺乏”,难以找到能满足其发展所需的动画专业人才。另一方面,很多动画专业的毕业生找不到工作,经济收入偏低,这就需要我们需求更加科学、更有针对性的动画教育发展策略。
(一)人才培养应要与市场需求充分结合
“动画是一门艺术,也是一种商品”,动画人才的培养同样需要我们站在市场的角度进行人才培养的规划,这样才能实现人才培养与市场需求的充分适应,培养出更多“适销对路”的动画人才。但是,由于受传统应试教育思想的影响,或者有的教育结构盲目追求经济效益,在教学方式和教学内容上容易脱离市场需求,导致学生的创新思维相对缺失,知识应用能力相对弱化,无法阻止当前动画市场需求不断变换的实际,形成了对动画教育资源的很大浪费。对此,高校等教育部门要加强校企合作力度,加快实习基地的建设,增加动画制作实践教学的比重,增强动画专业课程教学的实用性,这样才能确保动画人才培养与市场需求的有效结合,为学生的顺利就业和良好的职业发展奠定一个良好的基础条件。
(二)改善教育环境,加强国际交流
针对我国动画产业发展和动画教育相对落后的现状,高校等教育部门应当有意识的“走出去”和“引进来”,通过自身教育环境的改善,以及优秀教育人才和教育理念的引进,提高中国动画教育的质量和水平。对此,教育部门为了提高自身的教学水平和科研实力,能够为在校学生动画专业素质的全面发展提供更多的学习条件,一方面要加大硬件投资的力度,加快学生动画制作实践平台的建设,另一方面要尽力搭建能代表动画产业技术前沿的教学平,配备能完整支撑二维动画、三维动画、无纸动画、定格动画、数字音频、影视后期制作的实践教学环节的先进设备。
(三)严格动画教育专业的审批程序,加强教育实力的评估力度
我国的动画教育起步相对较晚,与美国、日本等动画大国还存在较大的差距,虽然近年来我国的动画教育得以快速发展,但是人才培养质量却不容乐观,如很多高校对动画专业的开设是非常盲目的,可能自身还不具备较高水平的教育实力。因此,无论是学校增设动画专业,还是上级教育主管部门和审批部门,对中国动画专业的设置都要进行科学论证,加强科学发展观的指导,只有那些符合条件的院校或教育机构才能准予开设,对不具备能力设置本专业的院校应待时机成熟后再作考虑。同时,对于目前已经开设动画专业的教育机构,也应当加强对其教育实力的评估力度,包括对学科构架的评估、合格教师的评估、教材的评估、教学效果的评估和毕业生就业后的追踪评价等,对于存在较大问题的应停止其教育资格或责令他们限期改正,这样才能有效改善我国当前动画教育的各种乱象。
结语
总之,基于我国动画产业的市场发展现状,必须首先从动画管理体制和教育体制上寻求突破,只有打破体制障碍,提高动画人才的培养质量,给动画产业的发展注入源源不断的新鲜血液,中国的动画产业才能获得强有力的发展动力,创造出更多优秀的动画作品,提高中国动画产业的国际竞争力。
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动画设计元素材料,可以揭示动画中的人物性格,表现整个动画的画面主体,所以在动画设计中具有重要地位。下面是读文网小编为大家整理的动画毕业论文,供大家参考。
【文章摘要】随着时代的发展,观众得以享受到多种多样的视听盛宴,随着而来的问题是观众对于视听艺术观看性的要求在不断提高,多媒体技术的发展则提供了更多的可能性,一方面能更好实现创作者的创作理念,另一方面能满足观众日益增长的欣赏要求。
【关键词】多媒体技术;动画创作;动画
动画艺术不是一种单一媒介,是一种集合了文字、语言、图像、声音、表演等等多种媒介的艺术形式,创作奇幻、美妙、真实的动画世界,不但需要创作者自身的艺术表达与丰富的想象力,同时也需要把这一切变为现实的技术支持。多媒体技术又称为计算机多媒体技术,是计数机技术高速发展的产物,通常是指通过计算机对文字、数据、图形、图像、动画、声音等多种媒体信息进行综合处理和管理,使用户可以通过多种感官与计算机进行实时信息交互的技术。纵观动画的发展历程,多媒体技术在不同时期对于动画作品的创作都起到积极的促进作用,其中多媒体技术在图形图像、声音、特效、空间表现等等方面做出了颠覆性的贡献,大大的发展丰富了动画艺术的内容表达与艺术语言,对动画的发展起到非常巨大的推动作用,其主要表现在以下几个方面。
1丰富动画种类
动画从制作手法上可以分为传统二维动画、逐格动画、二维数字动画、三维动画。其中二维数字动画和三维动画的出现正是多媒体技术高速发展带来的成果。传统动画片是指在赛璐璐片上进行绘制,并拍摄成为连续的画面进行播放,形成看起来会动的影像,例如《白雪公主》《小鹿班比》《大闹天宫》等等,传统二维动画片有非常多的优秀作品,展现了创作者无限的艺术创作力与想象力,但绘画所带来的二维体验在某种程度上限制了创作者的表现手法与创作空间;逐格动画虽然是一种立体造型艺术,具有三维空间特点,但制造工艺、角色运动、拍摄技术等问题大大的限制了动画创作的可能性,创作者对于多维度的需求,对于影片丰富表达的需求,随着多媒体技术的发展,得以实现。人们利用计算机模拟三维空间,制作立体的场景、角色、道具,此类影片造型精良,角色动作流畅,镜头角度多样,不仅使动画作品的呈现方式丰富多样,具有更强的观赏性,同时由二维到三维的观影体验大大增加动画作品的真实度,给观众以身临浅谈多媒体技术发展对动画创作的影响叶琳刘大明辽宁师范大学其境之感觉。三维动画作品一经推出就引起了非常大的反响,皮克斯动画工厂无疑是制作这类影片的佼佼者,1987年,皮克斯制作了短片《LuxoJr.》,片中的主角是一只三维的跳跳灯,其灵活的动作,调皮的性格给观众留下了深刻的印象,影片获得奥斯卡最佳动画短片提名。1995年皮克斯的《玩具总动员》标志着动画进入三维时代,玩具成了影片的主角,酷炫的镜头语言、细致的造型、极致写实的风格、流畅有力的动作带给了观众耳目一新的观影体验。2001开始,三维动画快速发展,皮克斯和梦工厂出品了《海底总动员》、《鲨鱼黑帮》、《功夫熊猫》、《疯狂原始人》等多部优秀作品,三维动画成为了动画市场的主流产品。二维数字动画的出现,其根本原因在于动画产业的发展需要降低时间、人力、物力等制作成本,多媒体技术的发展使动画创作在保证质量的前提下,大大减少了动画制作的一系列成本,并推动动画成为一种产业。二维绘制软件的出现,大量减少了绘制的工作量,从而减少时间、人力等制作成本;通过电脑绘制和上色减少了每一帧动作和颜色的差异,使动画作品中的动作更加流畅、色彩更加稳定;动态分镜、动作检查功能可以准确的呈现动画作品的基本的视听特征,使得导演可以准确的把握作品的质量和速度,避免由于反复大量修改造成成本的消耗;非线性编辑与后期制作软件的完善可以让作品拥有更加完美的视听感受。在中国,二维数字动画的出现源于一款动画制作软件MacromediaFlash,此款在国外普通的矢量动画制作软件意外的开启了中国动画复苏的大门,1995年一批动画爱好者通过MacromediaFlash制作动画并发布在网络上供大家免费观看,他们被称为“闪客”,软件MacromediaFlash操作简单、并且拥有“库”“原件”等功能,使得这些非专业的动画人才,能快速制作出作品并得以流传,这正是多媒体技术的发展推动动画艺术进步的典型案例。
2改变受众身份
随着多媒体技术的发展,无论是创作者还是观众都希望改变已有的交流模式,创作者希望与观众有进一步的交流,观众也不在满足仅仅作为一个旁观者,于是交互式动画出现了。这类动画中审美的话语权由作者分享一部分给观众,观众由被动接受变为主动选择,这种交流模式的改变产生了创造性的改变,给观众带了全新的审美体验和更加真实的沉浸感受。广义上交互式动画分为两种,一种是真人参与到作品的表演当中,这类影片称之为合成片,例如《兔子罗杰》、《变相怪杰》等,影片是虚幻与真实的结合,给人以真实参加的代入感,在片中更多的交互体验为真人演员与动画角色的交流互动,例如蓝屏抠像等多媒体技术的发展提供了强大的技术支持,真人与动画才能进行有效的合成,最终呈现给观众一个似真似幻的审美体验。另一种交互式动画指的是观众可以通过控制动画的播放停止、选择不同的剧情走向等方式掌握审美的主动权,初级的交互式动画就是FLASH动画,观众可以控制影片的播放停止、点击不同的图像以获得相应的信息,例如交互短片《理发师》中,观众可以通过点击理发师手中的剪刀给主人公选择不同的发型。随着技术的发展,观众掌握控制权在不断变大,虚拟现实、全息影像等技术的开发,让观众可以自由的选择信息源,按照自己的意愿随时进行观看角度、角色、剧情选择的改变,体验式的审美变成了一种多角度、长时间的延续。例如《甜蜜的潜行》,观众可把该片中的所有片段选择并重新组合成一部拥有全新时空顺序的影片,2015年360全景动画《二重奏》上线,观众通过手机或VR设备实时变换观看角度,可以欣赏360度全视角内的动画,并可选择跟随不同角色进行观看,它打破了传统的“画面”“镜头”“导演”等传统概念为观众的自主意识提供了开放性空间。另外,多媒体技术的发展,让动画可以与网络紧密相关,动画借助网络平台,颠覆了传播的方式和渠道实现跨媒体播放。网络传播速度快、覆盖面积广、传播手法生动,为动画的传播与发展起到了推动作用。
3结语
动画是一种综合艺术,与其他媒介相比,动画艺术通常包含着更大的信息量,拥有更强大的力量,创作出优秀的动画作品不仅要求创作者具有优秀的艺术修养、专业思维、审美水平,同时也需要多媒体技术的强大支持,当然,如果动画创作中一味的强调技术的作用,而忽略了艺术内涵和动画思维的体现,那么这样的作品就成为了没有灵魂的躯壳,不能成为真正意义上的动画作品,只有技术与艺术二者有机的结合,相互作用才能在动画创作中创造了一个虚幻和梦境的世界,使观众相信并沉浸其中。
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摘要:房地产开发行业属于资金密集型行业,本文从国家和房地产开发企业两个角度进行措施分析,支持引进创新的融资方式,顺应国家经济发展的大趋势,在国家经济发展的环境中进行必要的改革,减少国家经济发展的阻力,实现房地产事业的良好发展。
关键词:房地产开发企业管理融资
随着我国经济的不断发展,我国对房地产市场进行了一系列的布局和调整。我国的人口众多,近年来房地产开发已经出现泡沫化问题,国家需要进一步地进行宏观调控,对我国房地产企业尤其是中小型企业进行融资方面的创新研究,改变传统的融资模式,直接将融资的规模进行改革,在过去发展模式的基础上探索适合我国房地产企业的最优模式,促进融资结构的分析和调整。
1、我国房地产开发企业融资发展的现状和存在的主要问题
随着房地产事业的不断发展,为了应对经济形势的不断变化,我国的房地产开发企业进行了融资结构的优化和升级。本文通过对我国房地产开发企业融资发展的现状和存在的主要问题进行论述,从内外大环境的发展变化中找到问题出现的原因,建立完善的房地产开发企业融资结构。
1.1我国房地产开发企业融资发展的现状
房地产开发行业属于资金密集型行业,无论是建筑施工的哪个阶段都需要大量的活动资金,因此,研究我国房地产开发企业融资的发展很重要,房地产企业如果没有合适的融资方式,无疑无法进行长久地发展,尤其处于我国现如今经济转型的时期。在不同的金融体系下,房地产企业的融资模式和渠道也存在着很多的差别,通过分析国外融资模式的不同,我们可以更加深入的分析我国房地产开发企业融资的发展现状。例如,美国和英国就坚持资本市场的作用,坚持利用股票、债券的方式进行经济形势的把握。而德国和日本则更加注重银行的主导作用,以国家为融资的主体,通过银行贷款等方式完成融资的过程。我国是社会主义社会,坚持建设中国特色的社会主义国家,我国的房地产企业融资主要通过国内的贷款、外资的投入、自有的资金或者购房者的定金或预付款等。通过对数据的分析显示,我国的房地产企业融资中,国内贷款占据着重要的地位,是资金来源的重要渠道。但是,通过初步的分析也可以看出,我国目前的房地产开发企业融资的渠道单一,对各个渠道的管理也很不到位。由于我国的经济发展深受计划经济时代的思想影响,在经济转型的时期无法做到完全进行革新,保守的经济发展思想依旧影响着整个的社会发展。在房地产企业融资的问题上,国家还无法做到适时地监控和管理,使得贷款融资的方面存在着很多的问题,极大地限制了我国经济的整体发展。在我国的银行发展中,主要的五大行都是国家控股的,银行缺乏危机意识,无法正确面对社会经济发展的现状进行合理的调配和分析,使得出现的融资产品单一,无法进行创新突破。
1.2我国房地产开发企业融资发展中存在的问题
首先,我国房地产开发企业融资的渠道主要是银行贷款,但是由于过分的依赖银行,使得房地产企业出现经济危机,出现的金融坏账无法弥补和协调。我国的房地产企业融资体系还没有完全的建设起来,面临着很多的现实问题,在起步的阶段无法面对出现的问题进行应对。房地产贷款期限过长,流动性差,使得银行的房地产贷款风险变大。在负债期限的结构上,各个部门进行着协调,一旦出现房地产泡沫破灭的现象,就会使整体的发展出现系统性问题。其次,目前我国房地产开发行业中存在着畸形发展的问题,开发商和政府以及银行之间存在着灰色关系,在招标中往往存在着不正当的交易行为,许多的开发商试图利用这层良好的关系进行操作,致使银行的后续融资很难推行下去。另一方面,我国目前的房地产销售收入定金的额度不断增加,一旦市场出现不乐观的发展,就会直接影响开发商融资的力度,使施工无法按时完成。上市公司的融资难度明显偏大,房地产开发企业难以达到标准就很难完成上市的手续。债券融资的时间又偏长,一般从申请到最后上市需要一到三年的时间。最后,我国房地产开发企业融资的结构存在着不合理的问题。在我国宏观经济的大环境下,房地产开发企业的融资情况受到国家经济计划制定的限制,企业往往无法深入的分析社会经济发展对企业的影响,而影响了融资的发展。我国的金融体制和资本市场有着很强的独特性,在市场经济体制下,房地产的融资结构理应进行合理的调整,尤其是我国的经济不发达地区,资本市场还不成熟,在融资的过程中更容易遇到难以解决的问题。
2、房地产开发企业融资创新研究
上文通过对我国房地产开发企业融资的发展现状和存在的问题进行描述,指出我国目前房地产开发企业融资中需要创新改革的地方,接下来,本文继续从创新研究入手,通过国家、企业两个角度进行策略研究。
2.1国家的角度
首先,应当建立健全我国的商业银行发展制度,使银行更好的服务国内的经济发展,打破计划经济体制下形成的体制缺陷,以市场经济为导向,实现商业化、科学化的经济发展。彻底改变银行现行的发展模式,一方面排除地方行政的干涉力量,另一方面引进西方先进的管理思想进行整合。另外,还要注重实现房地产企业的融资优化,建立专业的房地产融资中介机构,对我国的房地产发展形势进行经济方面的分析和判断,对经济的走势进行总结,积极地将经济的发展和资本市场的运作进行联系,防范金融风险。为了从根本上解决房地产融资的金融风险,国家需要从思想道德建设的角度进行深入建设,增强组织的自律意识,遵守国家的法制法规,企业实现透明化管理,深化社会责任心。其次,要加快推动我国房地产的证券化发展,加快上市速度,降低房地产开发企业上市的标准,推动房地产的证券化,使房地产投资权益证券化,使企业在上市中可以真正获得所需的资金,保证房地产行业的健康成长,降低融资过程中出现的风险。另外,我国需要从法律法规的角度进行严格的监管,规定企业应当遵守的义务和职责。
2.2房地产开发企业的角度
首先,房地产开发企业要注重对融资风险的控制,在一定的程度上减少房地产开发企业的恶性发展几率。企业要优化内部的资本结构,合理的安排融资之间的关系,选择适当的融资规模,切合实际选择资金的额度。在房地产的建设过程当中,企业需要对房地产开发建设的规模进行预估,制定适当的融资规模,如果出现过多或者过少的情况,都无法在真正意义上实现资金的灵活运转。在制定融资期限的过程中,也要进行合理的安排,对融资的成本和存在的风险进行预估和调整,综合分析可能出现的风险和存在的危机。其次,要努力拓宽融资的渠道,改变单一的融资模式,加强企业抵抗风险的能力,实现自身融资的目标,依靠合并重组的力量对企业进行整合,开辟更多的融资渠道。健全企业的治理模式,强化财务的约束,通过合理安置企业内部的融资计划,提高融资的效率。我国的房地产开发企业可以效仿国外的先进思想和融资方式,促进居民积极参与到住房储蓄的过程中,减少企业房地产建设的压力。另外,可以利用保险资金融资的方式对资金进行维护和申请。在创新型的房地产开发企业融资方面,可以利用投资信托基金,对募集的资金进行分配,有效的降低金融风险,获得较高的收益。最后,我国要加强专业房地产投资信托基金领域的人才培养。在我国目前的发展中,房地产投资信托基金属于一个新兴的投融资领域,企业如果没有完备的人才供给,就无法实现资产的评估和资金的管理。因此,要重视人才队伍的建设,健全信息披露制度,准确及时的进行风险控制。
3、总结
当前我国的房地产行业的发展迅猛,成为国民经济发展的重要产业。但是,通过本文对我国现阶段房地产开发企业融资的方式的分析,可以看出其中存在着很多的问题,需要进行进一步地革新。本文从国家和房地产开发企业两个角度进行措施分析,支持引进创新的融资方式,顺应国家经济发展的大趋势,在国家经济发展的环境中进行必要的改革,减少国家经济发展的阻力,实现房地产事业的良好发展。
参考文献
[1]张亚欧.房地产开发企业融资管理问题探讨[J].价值工程.2011(15).
[2]苏艳.房地产开发企业融资创新分析[J].上海房地.2016(2).
[3]王义莉.我国房地产开发企业融资问题研究综述[J].经贸实践.2015(9).
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电脑美术设计创作以电脑为辅助工具 ,使用数字化的语言和数字资料 ,为美术设计的快速发展提供了可能性。下面是读文网小编为大家整理的电脑美术设计论文,供大家参考。
论文关键词:计算机 美术 传统 设计
论文摘要:计算机技术的带来了一系列的变革和发展,计算机辅助设计在美术设计中的应用是计算机技术和美术设计发展的切实需要,计算机在美术设计中的应用使计算机美术与传统美术区分开来,但计算机美术设计依旧与传统美术设计表现出紧密的联系,通过对计算机美术设计优势的探索,深入分析计算机美术与传统美术的关系。
随着计算机技术的发展和互联的逐渐普及,相应的设计行业也得到了一定形式上的创新和发展。现代设计与人们的生活密切相关,适应了市场经济发展的切实需要的计算机设计。与传统的美术设计相比,计算机设计促进了视觉设计的一系列相关产业的形成和发展。计算机美术设计通过运用创新的工具为创作手段实现美术设计,在传统美术设计基础之上随着计算机技术的发展而不断完善。
一、传统美术设计的基础地位
美术设计包括美术理论、美术技能和审美等。美术理论、技能教育的任务主要侧重于美术基本知识与基本技能的训练。通过对美术史以及美术创作的学习,培养学生的审美能力。传统的美术设计能使学生具有一定的文化修养以及良好的审美能力和鉴赏能力。设计创作的主体将通过对现实生活中审美认识,经过一定的设计和物化使其形成视觉艺术的美术作品的创作过程。优秀的设计师应具有较高的艺术欣赏水平、坚实的美术功底、良好的艺术资质以及创造性的设计思维,由此,艺术修养的培养以及美术基础技能的掌握对美术设计的发展有着重要的作用。
二、计算机美术设计的特点和优势
(一)强大的设计功能
在美术设计领域,计算机是先进的设计工具,具有声图并茂、信息存储量大、 展示便捷、图像生动逼真、动感效果,传统的美术设计难以企及。同时计算机美术设计具有方便的修改功能。计算机的广泛应用改革和创新了人们的生活和工作的各方面,从而为它不仅能够是传统设计所达不到的,同时修改起来尤其方便。作为一个先进的生产工具,计算机的广泛应用在人类生产生活环节的各个领域发挥了巨大作用,有效提高了生产效率。计算机美术设计给设计师留下了更多的思考和设计时间,并且有效拓展了想象空间,由平面设计扩展到三维立体设计以及网络动画设计以及影视制作等。
(二)丰富多样的美术设计软件
计算机美术设计的多样性也在一定程度上体现在美术设计软件的丰富多样上,例如广告平面设计软件如Photoshop、CorelDraw、Google Picasa ,能实现对照片、logo 标志、广告、图片的设计等,同时还能增加图片的效果处理。建筑施工图设计如AutoCAD、3DMAX 等,室内外装饰设计效果等。发展成熟的美术设计软件为美术设计提供了完善的调整和设计方案,通过色彩、亮度、对比度等画面的调整,实现对美术作品的快速修改而不需要重新绘制着色。计算机的编辑操作模式实现了对传统美术设计的超越和发展。传统美术设计中,容易由于一点失误造成整体工作的报废,计算机的美术设计则有效避免了废稿,节约了设计者的时间和精力。三)海量存储的设计素材
计算机技术和互联网的发展和普及建立了信息资源共享的平台,计算机网络信息化以及海量存储的特点,致使美术设计者能轻松获取素材。同时也可通过计算机美术设计实现传统美术设计不可能实现的效果,将以前的创作设计应用到新的创作中去。计算机对于美术设计作品可以进行海量存储和网络信息化使作品出版、传播具有显著优势。同时计算机美术设计也推动了整个美术设计行业的快速发展,建立了美术设计者的相互交流和沟通的平台。
三、计算机美术设计和传统美术设计的关系
虽然计算机美术设计的发展给美术行业带来了巨大的变化,然而计算机美术设计的核心依旧是美术设计,美术设计的发展主要在于设计作品的功能性、艺术性以及文化品位等特
点。从而要求美术设计师具有较好的艺术审美能力和创新思维,从而能不断为美术作品的设计和发展注入文化底蕴。优秀的美术设计师除了应熟练掌握美术设计软件的操作技能外,还应具有良好的美术设计基础。仅具有计算机操作却不具备传统美术设计基础, 难以创作出具有艺术审美的美术作品。要创作出高质量的美术作品,还应有效结合计算机美术设计和传统的美术设计,实际上形成了以传统的美术设计作品为底蕴、以计算机美术设计为手段的设计模式,设计者的审美能力越强,艺术修养越高,则美术设计师设计出来的作品具有越能越高的品位,从而得到大众的认可和欢迎。
参考文献:
[1]程楠.计算机美术设计与传统美术设计[J].青年文学家,2011,(06).
[2]王闽松.美术基础与建筑设计人才培养[J].白云职业技术学院学报,2001,(02).
一、关于电脑美术设计专业
电脑美术设计专业是以电脑作为载体,进行平面设计的一门课程,其对学生的艺术素养、电脑应用技能皆有较高的要求。主要有四个方向培养,即平面设计、产品设计、室内设计与媒体设计。这四个方面皆与高新科技有关,符合综合大学培养复合型人才、德智体美全面发展的优秀学生的要求。
二、分析综合大学电脑美术设计专业教学中存在的一系列问题
1.实践能力与理论素养的矛盾性。很多综合类大学在进行电脑美术设计专业的课程设置时,过于重视技术性课程的教学,忽视了学生的基础能力培养,使学生只学习了应用软件的花架子而不能够进行深入性操作。同时课程设置十分简单,例如图像设计课程只是Photoshop、CAD等的初级课程,没有进行其他设计软件的教习,在进行实例讲解时也没有对学生的设计方案提出要求,导致学生的作品千篇一律,没有新意,更有甚者,只会猎取他人的风格、创意,并不能够进行自主设计、创作。
2.技术与艺术的分离。综合类大学电脑美术设计专业是一门兼具技术与艺术的课程,而这门课程刚刚处于起步阶段,还没有一个完善的理论系统,导致教师在进行课程教习时将技术与艺术分离开来,不利于学生的学习与实践。
3.思想观念问题。由于电脑美术设计专业是一个新兴专业,是美术设计专业的升华,综合类大学在进行课程设置以及师资力量的配置上均存在不足,没有一个系统的教学方案。同时一些教师在进行授课时仍然不能够改变传统授课方式的束缚,进行思想上的转变,要求学生进行手绘设计,而将电脑设计技术只是作为一种辅助教学。并且电脑美术设计课程强调学生的动手能力与理论能力的结合,而很多学生仅仅关注教师课堂上讲授的知识点,并不能够进行课后的巩固、复习,使自身技能掌握不牢固。这些都将对电脑美术设计专业的发展产生影响。
三、关于综合类大学电脑美术设计专业的教学定位
1.综合类大学电脑美术本文由论文联盟收集整理设计专业的教学定位。传统的美术设计专业学生均是进行手绘设计,随着科技的发展、教学的改革,电脑已经逐渐取代手绘设计成为美术设计专业的主导,并且使平面设计逐渐转变为三维立体设计,综合类大学实现电脑美术设计课程专业的教学实践,有利于顺应数字化科技教学的发展趋势。
2.综合大学电脑美术设计专业的技能定位。随着科技的发展,电脑的利用率越来越高,教师的授课模式已经由传统的静态型授课转为动态型授课,学生需要掌握的技能从单纯的图形设计转变为电脑设计、模板规划、声音配置等多方面的应用技能。
3.综合大学电脑美术设计专业的师资规划。综合类大学电脑美术设计专业在师资力量的配置上实现了学术型与实践型的结合。其不仅仅要求教师能够进行理论知识的传授,还要求教师具备过硬的技术水准,方便对学生进行实践指导,并且能够迅速发现学生设计方面的不足予以改进。
4.综合类大学电脑美术设计专业的人才素质培养
①工学结合式教育模式。工学结合的教育模块不仅符合高职院校的特点,也十分适应于综合大学。学生通过两年专业知识的学习与一年实际工程的培训迅速吸取电脑美术设计方面的相关经验,使其学有所用。
②复合型人才的培养方式。综合大学为培养迅速适应市场变化的人才提出了复合型人才的培养方案,其根据学生的特长、兴趣爱好对学生进行培养,使其利用自身的优势能够迅速站稳市场,拓宽就业岗位的领域。
5.综合类大学电脑美术设计专业的的课程设置
①必修课。综合类大学在开设美术设计专业课程时应该进行基础课程的设置,例如具有专业技能的计算机软件课程(3DMAX、PHOTOSHOP CS5、动静态设计与制作软件等)、设计方面的基础课程(构图、图形描绘、观摩等)、美术基础课程(基础知识、素描、油画、鉴赏等)、专业技能训练课程等。通过这些课程的设置让学生具有一定的理论基础,并且能够运用理论知识进行课程的实践。②选修课。选修课程是必修课程的辅助课程,综合类大学根据学校的特色进行课程的设置,以扩展学生的知识面,而学生则根据自身兴趣爱好进行课程的选择性学习。
6.综合大学电脑美术设计专业的行业资格认证。学生进校学习是为了以后的就业,学校教学也是为了学生以后更好的就业,而让学生所学专业达到行业资格认证就能让学生拥有行业上岗的入门钥匙,就业也就能有更高的保障。因此在很多高职院校开展了二次培训的课程设置,让学生的能力在最短的时间内达到行业资格的认证,更好的就业。
四、结语
综上所述,我们需要了解电脑美术设计专业教学中存在的不同问题,从不同的方面对综合类大学电脑美术设计专业教学进行定位,培养出具有特色的专业性人才,促进我国设计事业的发展与进步。
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影视艺术的发展作为中国文化创意产业发展的重要组成部分,担负着引领和推动中国文化创意产业发展的重要作用。下面是读文网小编为大家整理的影视艺术论文,供大家参考。
摘 要:审美情趣日趋多元化,影视文化日益成为审美文化主流;审美文化的市场化、商业化,使受制于收视率、票房率的影视文化出现类型化、单一化等倾向,抑制着影视文化的质量提升和多样化的繁荣。影视业必须重新建构自己的美学特征,特别是从文学艺术中吸取精华,才能提高艺术品味,获得艺术生命。社会的发展使当下的审美情趣日趋多元化,使影视文化日益成为审美文化主流;但审美文化的市场化、商业化发展,又使受制于收视率、票房率的影视文化出现类型化、单一化等倾向,这些倾向抑制着影视文化的质量提升和多样化繁荣。在这样的大趋势下,影视业必须重新审视自己的审美价值体系,特别是从文学艺术中吸取精华,才能提高艺术品味,获得艺术生命。
关键词:影视文化;审美品位;退化
1 引言
影视文化之所以成为当代审美文化的主流,最主要的原因是现代高科技的发展提供了影视视觉文化的广泛传播的可能,但这也与现代人的生存方式有关。城市化、都市化的扩展使现代人之间越来越隔膜、越来越陌生。这就使得人与人之间的交往、对话和沟通越来越成为一种迫切的需要;而这种交往、对话和沟通的最简便的方式便是通过直接的形象欣赏。当代审美文化也就适应人们的这一生存方式而向视觉文化转化。现在人们到处可以看到形象,感受到形象,甚至触摸到形象。有的研究者将这种形象称之为“意象形态”,作为意识形态的对举形态而出现,这深刻地概括了当代审美认知从“反映”到“反应”,从理性愉悦到感性娱悦的转变。以“意象形态”为其表征的审美文化当仁不让地在社会审美文化舞台上成为主角,那些业已成为当前人们生活方式、生存范式所必不可少的享受需要的电视、电影、卡拉0K、MTV、广告艺术、时装表演等,正是意象形态的基本承载主体。在高度紧张忙碌的现代都市生活中,快节奏、高速率改变了人们的时间概念,多数人已无暇去浅吟低唱、品尝玩味,去细细咀嚼、推敲和寻索那些潜藏在语词和概念背后的意蕴,无暇进行精细的心灵内省和思想反刍。“形象”能够消除以往人们对待外部事物的距离感和隔膜感,例如电视几乎能将整个世界的“形象”搬进人们的客厅和卧室。精采纷呈的电视图像使观众的审美需求得到很大的满足,极大地丰富了家庭生活。
审美情趣日益多元化和视觉文化成为审美文化主流的发展趋势,不断向影视业提出新的要求,也不断为影视业的发展提供了新的空间。人们审美情趣的多元化发展要求影视业提供尽可能丰富的审美文化品种,满足不同的审美文化需求。 2 当前影视文化中存在的问题
当前世界影视文化在经济全球化趋势的影响下,已经完全进入商业化运作轨道。改革开放中的中国影视文化一方面受全球影视业商业化的影响,一方面受国内改革,特别是业内改革的影响,也越来越商业化了。商业化一方面为影视业的快速发展提供了内在的不竭动力,为影视生产的多样化提供了动力资源,促进了影视产品的多元化发展;但另一方面,一切以利润为中心的影视业也出现了一些值得我们高度关注的、抑制影视文化多样化健康发展的不良倾向,即在影视审美情趣多元化的总体趋势下,也呈现出一些影视作品类型化、单一化等不良倾向,严重影响着影视审美艺术的发展,影响着影视艺术的质量提升,影响着影视文化的社会功能的健康发挥。主要表现在以下几个方面:
2.1 在商业化的影响下,影视产品越来越呈现出新的类型化 观众审美情趣的多样性决定了影视制作的多样化。这既是大众审美文化丰富性的要求,也是影视作为一种艺术审美形态的要求。艺术的审美价值首先在于鲜明生动的个性化。电影电视艺术作为一种审美形态,只有具备鲜明独特的个性特征,才能获得真正的美学价值。歌德指出,“显出特征的艺术才是唯一真实的艺术。只要它是从内在的、专注的、注重个性的、独立的感情出发,来对周围事物起作用,对不相干的东西毫不关心,甚至意识不到,那么,不管它是出于粗犷的野蛮人之手也好,还是出于有修养的敏感的人之手也好,都是完整的,有生命的” ① 。然而,影视作为大众文化传播的主要方式,其审美情趣多元化发展又在一定程度上受制于收视率、票房率等影视市场机制的影响。影视的产业化发展势头要求把收视率、票房率作为影视生产的重要导向。影视的市场实践证明,只有满足数量最大的一类观众群的需求,才能获得最大的收视率和经济效益。而类型化的电影作品可以有效地避免创新所致的商业风险,避开文化市场竞争中的不利因素。哥伦比亚广播公司节目部主任米契尔·丹曾指出,一个节目的成功与否仅仅根据其在收视率方面的竞争情况,而3/4以上的新节目注定要失败。这表明,审美品味的创新意味着要承担很大的风险,所以电影电视节目都倾向于模仿过去的成功作品,以保证收视率和经济效益。在收视率竞争日益激烈的社会氛围中,电视审美品味不迎合最大数量的观众的需求是不现实的。正如,美国电视制片人F.齐夫指出,“我们全都很了解美国公众的口味,他们需要的是消闲的娱乐品„„我们不搞高雅的东西,我们的产品要面向最大多数的观众。他们是电视机的最大买主。 他们买了电视机,啤酒商就会来找电视台了。啤酒商需要吸引的是卡车和出租车司机,普通人,他们对那些少数人喜欢的歌剧、芭蕾和交响乐不感兴趣” ② 。为此,好莱坞生产的电影几乎完全按照若干成功作品模式进行类型化制作,并扩展成一种全球性的影视生产模式。
在这种世界模式的影响下,中国影视圈也呈现出严重的类型化倾向。“戏说热”、“纪实热”、“宫廷戏热”、“武打热”等类型化现象层出不穷。近几年来,中国影视业发展迅猛,出现了一批具有较高审美品味的作品,如《牵手》、《围城》等,但是从总的方面看,审美品味高、艺术创新大的精品电视剧太少,而类型化、雷同化的电视剧居多,审美情调单一化现象严重。例如,我国影视圈曾一度兴起宫廷戏热,一打开电视机,粉墨登场的将相帝王、皇后公主、皇嫔皇妃,尽收眼底。其中一些作品审美品味低下,艺术价值不大。与此同时,青少年题材、工业题材、部队题材等反映边缘领域的电视作品则明显偏少。这表明,我国影视审美类型化问题也日益严重,亟待改善。
2.2 在商业利益的诱导下,部分影视作品过分追求感官刺激,迎合庸俗低级趣味,致使影视文化中暴力和色情泛滥
暴力对社会的危害早已成为全世界的共识,然而,它却常被影视界用作提高收视率的重要法宝。据统计,美国每10集电视剧中平均有8集包含暴力内容;每1小时的电视节目中平均出现7次暴力情境;每周电视节目中平均会出现600次暴力情境。对于发展中国家来说,影视暴力内容也非常突出。这些暴力内容虽然不会立刻对社会发生消极作用,却潜移默化地影响着社会的安定。据犯罪心理学家调查表明,大部分恶性凶杀案的制造者都热衷于观看暴力影视节目。在影视暴力现象日益严重的美国,现实社会的暴力事件也泛滥成灾。据美国司法部部长的一份声明指出,由于影视暴力的影响,抢劫、凶杀等暴力犯罪在美国青少年中呈增长趋势。为此,美国联邦电信委员会于1998年3月批准使用V型芯片技术,便于父母锁住有暴力和色情倾向的电视节目。2000年起,美国所有电视机用户都要求使用V芯片。
色情泛滥也是当今西方影视界所面临的一个严重问题。自从美国政府对影视色情的控制放松后,好莱坞电影的色情化倾向已经非常严重。与其说好莱坞电影在向全球传播美的理念,还不如说成是性的理念。正如科罗拉多丹佛大学的内尔森教授指出,“我们用我们以为的美污染了全世界 ” ③ 。目前,美国是全球色情影视作品的传播中心。自1991年以来,色情影视作品的年产量增长了5倍。色情影视节目已成为美国最重要的文化出口产品之一。造成影视色情泛滥的原因非常简单,仅仅源于审美品味低下和拜金主义。法国作家维尼在《一个诗人的日记》里指出:“灵感的狂热远远胜过在一个女人怀中的那种令人销魂的肉欲迷狂。精神上的享受是更长久的„„道德上的陶醉高于肉体上的迷恋。” ④ 影视艺术的审美情趣和艺术品格并不在于肉欲的迷恋,而在于从内心深处唤起人们对真善美的执着追求和对高尚情操的无限向往。希金森早在1867年就对人类审美文化的独立品格和理想境界作了深刻地揭示:“文化的意义在于真善美和造就完人,直到他把肉体的需求看到无足轻重,而把科学和艺术作为唯一值得追求的、有内在价值的目标。这种精神置纯艺术于功利主义的艺术之上,并为求得更为高尚的精神生活而安贫乐道。” ⑤
在我国,影视文化中的暴力和色情问题,也早已引起人们的关注。暴力和色情画面容易使人意志消沉、精神颓废、性情孤僻,对广大观众尤其是青少年观众的身心健康造成极大的危害。有识之士早已对此一再呼吁,要求减少影视作品中的暴力和色情内容,但是问题一直难以很好解决。一些影视作品为了提高收视率和票房率,肆意渲染恐怖、暴力和色情等感官刺激性强的画面内容。
2.3 在商业利益的诱导下,部分影视作品越来越脱离现实而导致人文精神的失落
在1987年9月召开的第一届中国电视艺术节中国电影学术讨论会上,法国电影学者贝热隆指出,中国电影给予西方最深刻的印象是现实性和时代感。然而近年来,受西方后现代主义文化思潮的影响,中国影视界也一度风行玩文学、玩人生的游戏哲学,从而导致影视创作中的人文精神的失落。
影视艺术世界与现实生活有着紧密的联系。影视作品往往采用象征性的手法表现社会生活的价值结构和本质联系。影视节目如果过分倾向于通过夸张离奇的审美方式去描写脱离现实社会的幻像,不仅会使作品失去反映现实、指导人生的社会教育功 能,也会误导观众尤其是青少年观众,使他们扭曲对现实生活的认识,产生错误的世界观和人生观。如日本、韩国、香港等地的电影电视节目倾向于用明星、偶像包装虚假的剧情。内容一般以高度理想化的浪漫爱情故事或轻松喜悦的情境喜剧为主,情感表现往往采用极端夸张的煽情手法,从而让部分观众沉溺于虚无缥缈的“美丽的谎言”中,消磨了学习工作的意志。这些影视作品纯粹从娱乐消遣出发,情节脱离现实生活,内容夸张离奇,格调低级庸俗,不仅不能鼓舞观众树立积极向上的人生观和正确的世界观,反而培养出一批追求享乐、唯利是图、见利忘义的小市民。
因此,影视艺术作为一种审美方式,在艺术形式上无论如何前卫、先锋,但必须始终承担起影视艺术的社会教育功能,大力弘扬影视艺术的人文精神,用正确的思想影响人,用高尚的情操鼓舞人。唯其如此,才能使影视艺术真正成为寓教于乐,真善美统一的人类灵魂的工程师。相反,如果影视艺术失去了人文精神的合理内核,必然堕落为一种肤浅的感情消费或感官刺激。
3 优化影视文化的措施
影视文化面临危机,必须从文学中吸取精华,才有可能走出窘境,重获生命。文学的繁荣,为影视业的发展提供了宝贵的资源。文学作品与影视作品作为一种叙事艺术,具有共同的规律。因此,影视业的发展离不开文学的支持。近年来,影视发展的危机,从某种意义上说,就是脱离文学的滋养所致。实践证明,优秀的文学作品,往往使影视取得加倍的成功。无论是《乱世佳人》、《王子复仇记》、《廊桥遗梦》,或是《红楼梦》、《三国演义》、《水浒传》、《西游记》,还是《大红灯笼高高挂》、《红高粱》都是以优秀的文学作品为基础的。这些作品从人物形象到审美意味,再到理性层面,都达到艺术所应有的审美标准,都反映了艺术的人文性、审美性特征。因此,很容易得到观众的认可。相反,现在很多影视作品,纯粹从迎合观众的需求出发,忽略文学性的重要意义。结果使作品空洞乏味,格调低下,缺乏艺术底蕴,从而导致影视生产出现大规模的滑坡。文学之所以对影视传播具有重要的作用,就在于文学作品的内涵和外延的丰富性。从影视剧作的角度来看,文学作品为电影和电视提供了优秀的剧本。由于文学与影视的情节建构技巧与叙事艺术规律有着异曲同工之妙。因此,优秀的文学作品本身就具备影视艺术作品的基本要素,有些文学作品甚至等同于影视剧本。另一方面,文学是以语言为载体的,具有深刻的思想性或抽象性。这种思想性或抽象性为影视作品镜头语言的自由发挥提供了巨大的空间,并成为影视艺术丰厚的艺术底蕴的关键。 文学,作为人学,注重立足思想层面和美学层面对人的生存状态进行观照。这种观照能有效地克服影视艺术商品化造成的各种弊端。以画面为基本载体的影视艺术,如果没有影视文学的支撑,很容易陷入单纯追求画面感觉刺激的误区。以文学作品为基础改编的影视作品往往能取得巨大成功的关键因素,就在于文学艺术丰厚的人文底蕴给影视艺术以思想深度和文化品位。
4 小结
综上所述,影视艺术只有以文学艺术为基础,才能获得丰富和繁荣。由于文学在形象塑造、风格建构、艺术品味、审美多样化等方面,已经探索出一条行之有效的途径,因此影视业如果从文学艺术中吸取养料,那么无异于如虎添翼,锦上添花。
参考文献
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摘要:文学是以语言为手段来塑造艺术形象,反映社会生活,表达作者的思想感情的,语言文字是文学作品进行描写叙事的媒介和基本材料。电影艺术是通过画面、声音和蒙太奇等电影语言,在银幕上创造出感性直观的形象,再现和表现生活的一门艺术。在文学作品中,描写与叙事是两种不同的表述方式,在影视世界中,两者相辅相成,这种差异造成作品形象的单一多样之分,侧重点不同,而后又导致作品的节奏快慢和表达效果的差别。
关键词:文学 影视 描写叙事
影视艺术是通过画面、声音和蒙太奇等影视语言,在银幕上创造出感性直观的形象,再现和表现生活的一门艺术,影视艺术的特性,体现在运动着的画面、声音以及完成画面、声音组合的蒙太奇之中。因此,影视艺术的描写和叙事要靠画面、声音和蒙太奇进行。而文学是以语言为手段来塑造艺术形象,反映社会生活,表达作者的思想感情的,语言文字是文学作品进行描写叙事的媒介和基本材料。 描写叙事手段的不同导致艺术形象表现出单一性和多样性。
文字语言依靠的是一整套抽象的书写符号,而影视依靠的是视听综合的形象符号体系,它是立体的、复合的、逼真的。文学形象是人的视觉、听觉和触觉不能直接感受的,它需要读者凭借自身的生活经验和文学修养,在阅读作品的过程中,通过积极活跃的联想和想象,在自己的头脑中呈现出活生生的形象画面来。正所谓“一千个读者就有一千个哈姆雷特”,每个人在阅读文学作品时,都会依据自己的理解和感受在头脑中勾勒出大致的人物形象及性格特征,绝对没有完全相同的艺术形象,这就是多样性。然而在影视作品中,每个角色都必须由特定的演员来扮演,观众对它的感受具有无接受障碍的直接性,从而不可避免地出现艺术形象的固化,人们一提到某个影视角色,头脑中马上就会出现角色扮演者的样子,尽管多数时候与文学阅读时的想象有出入甚至让人失望,但还是不可避免地被明确清晰的形象所同化,角色的性格特征也很大程度上趋于雷同,这就造成了艺术形象的固化,或者说单一性。
阅读《简爱》,虽然书中一再提及简爱是不美丽的,但我还是会描绘出一个模糊的美丽的形象,因为我固执地认为她是坚强的,有思想的,善良的,聪明的,独立的,她为什么不是美丽的?其他的读者也会各自描绘一个属于自己的简爱,然而看过电影,观众心目中的简爱便被扮演者的形象取代而千面一人,尽管从她的相貌上看不出一丝聪明。
描写叙事手段的不同导致文学与影视的侧重点不同。
一方面,文学作品重视充分发挥文字的力量,无论是叙事还是描写,都力求用最准确最简洁的文字表达最丰富的内容、感情和内涵,而影视作品更重视画面、声音、光线、构图、蒙太奇等的运用,简言之,两者都侧重各自擅长的描写叙事手段。
影视艺术运用视听语言进行描写叙事时,除了讲述故事、再现对象的直观形态之外,还具有独立的造型表意功能。随着电影观念的发展,这种视听语言不再是简单地描述对象,而是越来越带上强烈的主观表现性和曲折的暗示性。而文学语言在描写叙事时具有广泛而深入的表现能力,几乎很少受到时间和空间的限制,语言有着最大的自由和极大的容量,能够全方位多角度地展示广阔而复杂的社会生活。两者各有优势,于是,影视艺术更加注重运用光线、色彩、构图等进行细致描写,以此表达细微但细腻的感情和态度,文学作品更加注重利用文字进行表现,用细致入微的描写产生单纯利用影视的描写手段难以企及的效果,在思想性上更胜一筹。
比如说,假如在影视作品中利用语言(独白等方式)直接表现人物心理,那将是相当惨白无力的,但是有力的文字表现却能触动读者的心灵。
电影《简爱》中,在洛伍德学校,海伦做在窗前让简爱给她画肖像画,这时海伦是处于画面的中心位置,她的背景是一片亮色,因为是逆光,她的头发、身体被金灿灿的光圈包围,天使一般,导演正式通过这种细致的描写来表现对海伦的赞美的。阅读《简爱》,读者正是通过她睿智的话语发现她是一个非常聪明的人的,假如把这些对话照搬到电影中,那会是怎样的冗长与乏味!
另一方面,影视作品多侧重故事性,文学作品尤其是经典名著更侧重故事的内涵和外延,侧重作品的思想价值。因为后者是影视描写叙事手段难以深入探讨的。
故事是一切叙事艺术的第一要素。影视艺术兼有时间艺术和空间艺术之长,为讲述故事提供了一个极其优秀的载体,故事也便成为大多数影视作品的核心或主体。电影《简爱》也不例外,创作人员只是在忠于原著的基础上作了一些调整,使故事更加流畅。小说《简爱》不止是讲述一个女人的故事那么简单,它阐释的是这样一个主题:人的价值=尊严+爱。所有看似冗长的对话和心理描写全是表现这一主题的。简爱面对质疑犀利的回答,简爱内心的矛盾,简爱与深爱的罗切斯特至诚至情的交流……无不是为这一主题服务的。
不同的侧重点又使两种艺术形式叙事的节奏产生了很大差别。 文学作品为了更好地表达主题阐述思想,常常插入一些议论,或是作者将自己的思想借助书中人物之口说出来,这样一来,节奏必然放缓。放缓未必是件坏事,这可以让读者不必为情节所累而快速阅读下从而有时间细细品味思考。影视要在有一定限度的时间内讲完一个故事并且吸引观众看下去不至于中途放弃,就不得不加快节奏。电影《简爱》为此作了不少调整:去掉了一些人物和情节,比如简爱最后遇见的两个表姐妹,比如罗切斯特装扮成吉普赛人为客人算命。调整故事发生的时间,比如在原著中疯女人放火烧房屋发生在一个风雨交加的夜晚,但是电影中是在简爱离开罗切斯特的庄园的那一刻。尤其是对书中人物的对白,更是做了大量的删减。
还有另外一个原因导致了叙事节奏的差异。
在文学作品中,描写与叙事是绝然相反的两种表达方式,描写所负责的是心理活动、环境交代、气氛铺垫等必须的补充,当描写开始时,叙事就立即停止了。在影视世界中,描写与叙事是共同存在相辅相成的,它们是同时出现在屏幕之中的。显然,文学作品描写叙事的交替进行远不如影视的同时进行更加紧凑。
因为描写叙事侧重点的不同和对故事节奏的调整控制,表达效果的强弱好坏也出现了不小的差异。一般来说,文学作品能更深入地表达阐述创作者的思想、观点和看法,影视作品相对来说表达效果要差一点,它是靠对观众的感官刺激引发观众的思考来达到阐发思想表达意图的目的的,很多时候更是不可避免地流于表面的感官刺激而缺少内涵。具体到本部电影,这一点更加明显。
《简爱》原著依靠文字这一更能贴近读者心灵的描写叙事手段,对人的价值=尊严+爱这一主题作了深入细致的阐释。在寄宿学校,简爱遇到海伦,一个温顺、聪颖、无比宽容的女孩子,经过几次诚挚的心与心的交流之后,简爱开始明白以后面对种种困难都不要屈服抱怨,懂得了爱和忠诚。在罗切斯特的面前,她从不因为自己是一个地位低贱的家庭教师而感到自卑,反而认为他们是平等的。不应该因为她是仆人,而不能受到别人的尊重。也正因为她的正直、高尚、纯洁,心灵没有受到世俗社会的污染,使得罗切斯特为之震撼,一改往日的质疑与咄咄逼人,把她看做了一个可以和自己在精神上平等交谈的人,并且慢慢地深深爱上了她。他的真心让她感动,她接受了他。而结婚那一天,简爱知道了罗切斯特已有妻子的事实,她觉得自尊心受到了最爱的人的戏弄,虽然罗切斯特是出于爱情才冒险一试的,她还是坚守个人尊严,毅然放弃了美好优越的生活离开了罗切斯特。 而在电影《简爱》中,虽然情节紧凑流畅,但是其表达效果相比原著却要大打折扣。舍弃了海伦与简爱的交流,简爱那种坚韧宽容自尊自强的性格便显得毫无缘由。删减了简爱与罗切斯特的精神层面的对话,两人的相爱也显得有些唐突,缺乏根基,同时简爱自尊心之强烈也没有得到充分的表现。这样一来,构成人的价值的两大主要元素:尊严与爱都没有得到深入的阐释,因而主题的表达便被弱化。
综上所述,影视与文学描写叙事手段是有巨大差别的,这一差别使两者塑造的艺术形象出现了单一与多样之分,使作品侧重点产生了不同,而后又导致作品的节奏快慢和表达效果的差别。对于由文学作品尤其是名著改变而成的电影,既看电影又看原著,倒是很有趣的欣赏方法。
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