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论文关键词:自然诗人传统创新简约深邃
论文摘要:罗伯特·弗罗斯特(1874—1963)是美国20世纪著名的自然诗人?也是美国人民最喜爱并引以为自豪的少数几位美国诗人之一。他的诗歌具有独特的艺术魅力?被誉为“以快乐开始?以智慧结束。”从传统中创新?运用简单的语言表达深意是其诗歌最大的艺术特色。
罗伯特·弗罗斯特是20世纪美国文坛最杰出的诗人之一?被誉为自然诗人。他曾四次获得普利策奖?1924年的《新罕布什尔》、1931年的《诗歌选集》、1937年的《又一片牧场》和1943年的《一棵作证的树》。他多次被美国的大学和学院授予荣誉学衔?获美国政府授予的荣誉勋章?并应邀在肯尼迪总统就职仪式上朗诵自己的诗作。他是美国历史上唯一受此殊荣的诗人。他能享有如此盛誉的原因是多方面的。首先?历经两次世界大战的洗礼?美国人对战争生活已经深恶痛绝。他的诗往往以描写新英格兰的自然景色为题材?森林、树木、河流都是他诗歌中常出现的原型?这种宁静、惬意的生活正是每个美国人所向往的。其次?他的诗歌使用大量的口语化语言?甚至连小学生都可以诵读。他的诗歌通过简单的文字来表达深邃的道理?使人们读完深受启迪。所以?弗罗斯特的诗歌被誉为是“以快乐开始?以智慧结束。,,Ell他一生创作了许多著名诗篇?《雪夜林边驻足》《修墙》《没有选择的路》等。他的诗歌以其独特的艺术风格而得以广为传诵、经久不衰。从传统中创新?运用简单的语言表达深邃的含义?是其诗歌的最大的艺术特色?。
1传统中创新
弗罗斯特一生创作了大量的诗篇?在传统中创新是弗罗斯特诗歌艺术的一个最重要的特色。弗罗斯特常常被人称为过渡性的诗人?这是由于他处于“传统”和“现代”的边沿之间。在诗歌的韵律和形式上?他没有标新立异?而是采用传统的四行诗体的各种变体及无韵体。但他在传统中超越了传统?确立了自己的语言风格——朴实无华、含蓄隽永?把朴素随和、鲜活自然又具有地域特色的新英格兰口语融入到传统的扬抑格律之中?完美地运用了戏剧独白和对话。就其内容而言?弗罗斯特的诗歌同样充满新意?他全心致力于描写新英格兰的自然景色?以乡土气息表现普遍的社会现象。
弗罗斯特曾经对采访他的记者卡尔·威尔莫尔说?“我听到我所写的所有东西。对我来说?所有的诗歌首先是种声音。”12o在诗歌的创作过程中?他强调音与义的和谐统一?并创造性地提出了“有意义的声音”(Soundofsense)这一概念?构成他的诗歌美学核心。弗罗斯特十分注重语言的自然节奏和诗句的音乐效果以及音与义之问的联系。在这方面《雪夜林边驻足》尤值一提。
《雪夜林边驻足》讲述了诗人被美景陶醉?而想放弃人生的旅程。然而?出于对生活不可推卸的责任?诗人继续前行。诗歌中的sleep有着不同的含义?第一个表示人生的旅途中短暂的休息?最后一个则表示死亡。大量使用辅音<p>也是作者特意安排的?为了给人一种放松的快感。“sweep”一词既有声音的意象也有听觉的意象。当读到“theotheronlysound’sthesweepofeasywindanddownyflake”两行时?读者的耳朵似乎听到北风的呼啸声?眼前也仿佛看见雪花飞扬的景象。“easy”给人以轻柔的感觉。
2简约中见深意
弗罗斯特诗歌的语言可谓平淡无奇?即使是未受过多少教育的人也能读懂。然而?他的诗歌却蕴涵着深刻的道理。这与他大量运用比喻和象征手法是分不开的。他诗歌中运用的比喻和象征与美国新英格兰这一特定的地理环境息息相关。他是想处在一个远离尘嚣的地方?更加冷静、更加清楚地观察光怪陆离的美国社会。所以?弗罗斯特的诗是颇有深度的。他不仅了解自然?也了解社会?只不过是用极为朴实、明白的语言和比喻与象征等手法?把对于社会、人生的见解溶于其所写的自然景物中。也正是因为他诗歌中那种朴实、明白的语言和比喻与象征等艺术手法?掩藏了复杂的思想和赋予诗歌的广博的内涵与深刻的哲理。例如?在表现人生的两难境地方面?《没有选择的路》这首诗的主题就更加明确?寓意更为深刻。在此诗中?诗人一开始便遇到了难题?两条路摆在面前?到底该走哪一条呢?他站在路口思考良久?最后踏上了那条“绿草如茵?鲜见足迹的路?还企望来日在走另一条。”_3o这首诗歌表面上看来是诗人选择前行的道路?实际上却是指人生之路。在人生漫漫的旅途中每个人都会遇到这种难题——在选择另一条道路时就必须牺牲这一条?而这个选择将会影响你一生。
象征手法的运用在弗罗斯特的诗歌中比比皆是。在《雪夜林边驻》一诗中?树林象征着整个自然界?树林的主人和村庄则代表着人类的社会和生活。小马表面上代表着动物界?实际则象征着一种生活?一种不能理解人类对于美的追求的生活。因此?诗中个人的矛盾便具有普遍的意义了。
读弗罗斯特的诗可谓是一种享受?那是因为他的诗歌遵循着“开始于快乐?结束于智慧”的美学原则。《修墙》正是这样的典型。这里的墙并不是人们日常生活中所见的具体的墙?而是存在于人们的精神世界里。那堵“墙”象征阻断人类沟通和理解的障碍?“墙”亦可象征人与人之问互相猜疑、冷漠甚至敌意?又可象征人与自然的关系。这首诗表面写的是“修墙”?但实际上却是关于“拆墙”的。在诗歌的一开始作者并没有直接提倡应该拆墙?而是用It来做形式主语?说它不喜欢墙?这是一种自然界不可抗拒的力量。“HeisallpineandIat-nappleorchard”再一次表明了作者劝邻居没有必要再一次修墙?因为他们之间的这道墙是完全没有必要的。在这里作者代表了“apple”?苹果在圣经中是智慧的象征?而邻居则代表“pine”。这两个词放在一起也有融合的意思?进一步说明了人们之间的融合是历史的必然。诗的主题是人与人之间不应有一道“墙”?无论是有形的还是无形的。如果人与人之间坦诚相见?国与国之?间和睦相处?平等互惠?那么“墙”则是多余的。由此?整首诗则寓意深刻?人与人、国与国应相互尊重?和睦共处?诗人对未来的希冀?人间友谊之花常开不谢。
弗洛斯特把生活和诗歌紧密结合?以自然主义视角反映的凡人小事?既有地方特色?又折射出普遍真理的光芒。寓意丰富、深邃?超越了时空界限?赋予有限的空间以永恒的魅力?从而引发对人生价值的诠释和思索。弗罗斯特一生创作了大量的诗篇?其中数十首已成为美国现代诗歌的经典之作。在传统中创新、简单中见深刻正是弗罗斯特诗歌艺术的一个基本特色。他始终追求一种“开始于快乐?结束于智慧”的美学原则?寓深刻的哲理于平淡无奇的日常生活之中?留给读者丰富的想象空间?通过象征和隐喻的手法来表现其主题——人类的孤独、恐惧和渺小?进而揭示人与人、人与自然、人与动物之间的矛盾关系。
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中国的大众文化崛起于20世纪后半叶。它伴随着改革开放春风的吹拂而觉醒,植根于市场经济的沃土而成长,在短短的不到20年的时间里,便迅速壮大为与来自官方的主流文化、来自学界的精英文化并驾齐驱、三足鼎立的社会主干性文化形态。它的发展壮大从根本上改变了中国文化的传统格局,积极影响了国民人格塑造和社会发展面貌,但也引发了多重社会效应和多种不同的评价和议论,这促使人们不得不去思考它的价值、效应及其发展控制问题。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析中国当代大众文化与艺术化教育相关论文。内容仅供参考阅读,希望能对大家有所帮助!
浅析中国当代大众文化与艺术化教育全文如下:
摘要:家织锦是土家族特有的织造工艺,其纹饰和色彩瑰丽,制作繁复而精细。试图从新的观念:符号学、图像学等方面研究土家族织锦这一民间文化现象,并指出作为文化承载物的土家织锦在社会教化、民族历史、色彩心理、纹饰形成等诸多深层次的作用。
关键词:大众文化 消费 现代社会 艺术化教育
土家族是一个有语言而没有文字的民族,居住在湘鄂川黔四省交界的边地大山中,在土家族聚居的地区广泛流传着一种特有的织造工艺—土家织锦。土家人善织布,早在汉代以前土家先民所织賨布就作为贡品进献朝廷。其“文如绫锦”,十分精美。唐代,土家人所织“溪峒布”,“溪布”,在朱辅的《溪蛮丛笑》中有记载:“绩五色线为主,文彩斑斓可观。俗用以被或衣裙、或作巾,故又称峒布。”随着经济的发展,土家地区开始种棉,织布技艺也进一步提高,乾隆年间修的《永顺府志》记载:“土妇颇善织,布用麻,工与汉人等。土锦或丝经棉纬,一手织纬,一手挑花,遂成五色。其挑花用细牛角。”从上述记载与现存实物相印证,可以发现:一是土家织锦的起源较早;二是织锦所用材料,曾用麻,后又使用丝棉纤维。
长期以来,许多学者研究土家织锦都是将其作为艺术品来研究,重点在纹饰,色彩的艺术性上着眼。笔者以为,由于土家族是一个没有文字只有语言的民族,大量的民族文化,行为规范,民族历史记忆都是依靠非文本的形式代代相传。这种传承有两个途径,一是口传文化,即民歌、神话、谚语等等,另一个就是非文字的图像。土家织锦在这种传承中是极重要的一环。大量、古老的民族文化信息物化于土家织锦的图像符号中。来维系一个民族的精神。因此,土家织锦并不像有的学者认为的“是生活的反映和再现”,而是一个具有深厚积淀的民族文化现象,里面有着大量的历史文化信息。
在土家织锦的织造中,是以妇女为主体。这一点与鲁西南的情况略有不同,那里有专门的走村串户的男性织布匠,不过供奉的祖师依然是女性织布娘娘。土家族的女孩从7~8岁开始就随着家中的女性长辈学习织锦工艺,繁复的工艺磨练着女子的性情,在自家所织造的最得意的作品,将在她出嫁那天向世人展示出来,而新娘在婆家的地位也会与织锦的多少、好坏有关系。民谚云:“养女不织花,不如不养她。”所以说,土家织锦不仅是生活用品,还负担着对土家女性教化的社会意义,围绕织锦所形成了土家女子的行为规范和价值观念,例如传说中的西兰姑娘因织造白果花,被其父(一说兄)误杀;而旧时,婆家在挑选儿媳时,首先要考查的就是女子亲手织的织锦,心灵手巧,会织锦,会持家是旧时乡间好女子的最高评价,而社会评价最高的女子也就有较大的机会嫁一个如意郎君,这也就推动了土家织锦的发展。现在许多土家织锦艺人,大多有一种温和而坚韧的性格,对于一个在封闭的、资源贫乏的大山中求生存的民族,也就需要女性这种品格才能承担起支撑家庭的重担。
土家织锦由于工艺本身的限制,不能如丝绸、刺绣、印染那样随心所欲的安排图像,对物象做精细的、自然主义的描绘,因此,其纹样多简洁大方,只保留或采用其最强的特征,犹如“戴着镣铐的舞蹈”,在工艺条件的限制中,将土家织锦的美学特征发挥到极致。但是这种极度简化,意象变形的图像,也为我们研究其纹饰带来了困难。
比如说:台台花的纹样。这是一个由水波纹、船花、虎头纹(一说人面纹)所组成的纹样,按特定格式组合成二方连续,宽10~13cm,长约40cm,镶饰于小孩摇篮盖帷边上,以大红、桃红、浅黄、浅绿等粉嫩色为主色,间以少量黑色。长期以来,学术界有两种争论,一种认为是人面纹,描绘的是土家始祖神,另一种则认为是虎头纹,代表的是土家族的白虎图腾崇拜。由于织锦的纹饰形象极度简化,要从其表面看,确实难以区分,但只要与其用途相映证,就不难发现其有图腾保护的意味,民间艺术最大特点就是趋利弊害。在这里即是如此,还有另一种纹样:勾纹,现在的争议也较大。勾纹有多种,单勾纹、双勾纹、12勾、24勾、48勾等,纹样通常一反一正、一阴一阳成对出现。织造者的解释说法较多:一说是描摹春天里的腾勾、新芽;一说是蜘蛛脚。
根据笔者的比较、观察,每种勾纹的中心都是一个万字纹,一层层的纹勾围绕着层叠盘旋,在这里,万字纹是一个太阳符号,这个符号不仅在织锦上,还出现在新石器时代的彩陶上,这个观点详见何新先生的《诸神的起源》,笔者不再多论。一层层的勾纹所表现的是太阳向外辐射的光芒。土家神话中很早就有对此的认识,称太阳妹妹怕羞而撒下了金针。笔者设想,这个纹样可能经过两个时期,前期纹饰中的万字纹为主体,勾纹只是其附属装饰;后期产生变化,万字纹不断缩小,而勾纹一层层逐渐扩大,并在配色中追求一种色彩的对比,朱红与草绿,橘黄与深蓝,黑色与淡黄,以色相、明度、纯度的对比加强勾纹的虚实相生、阴阳对比的艺术效果,而作为民族记忆的太阳神崇拜被逐渐淡化,至于土家人所解释的:春天的腾勾新丫、蜘蛛脚或是民族歌中唱的“48勾勾小姑,土家被盖巧功夫。郎若看着新式样,陪装嫁奁中意不?”都只是因形释义,是在发展流变中的符号信息内涵的转换,所以研究土家织锦纹饰一定要注意这种转换与丢失。
笔者将土家织锦纹饰形象与名称相比较发现:以花作为形象主体的极多,绝大部分学者认为,这是土家人在劳动生活中之所见而又将其搬上织锦,对某些花样可以这样解释,而在某些传统古老式样中,所反映的却是采集经济下诞生的花树崇拜:梭罗树、梭罗桠、六乔花、玉簪盖等等。《太平广记》中记载:战国之时,“李正,学道……正身死,家人埋之于武陵,坟上生花树,高七尺,有人遇此花树,皆聪明,文章盛。”在现在的黔东南苗族中,依然有这种祭花树的盛大节日。可以设想,在几千年前,织锦女在创造纹饰时,一定是选择她观察最仔细的印象最深刻的物象。这就是韦雷泽爵士在《金枝》中 所描述的:狩猎部族不会用随手可得的鲜花,绿叶而是用兽牙,兽骨,兽皮等东西来装饰自身。只是纹饰发展到后期即以农业为主的时期,织锦者才会发现自然界中植物、花卉的美,从而将其搬上织锦。体现在纹饰中,不仅有对生活的观察,还有民族历史的记忆。一直以来,人们都以白虎为土家族的图腾,但是人们忽略了一个崇拜蛇的部族也曾是土家人的先祖。
织锦纹饰中与蛇有关的特别多:大蛇花、小蛇花、蛇皮花、小龙花等等,在恩施,称蛇为小龙,民间故事中有《黑蛇大哥》,《向王与青龙》等,古籍有所载的、巴蛇吞象之说,现在民间还有禁忌:家里来蛇,谓之家神,焚香送之;女子梦蛇为身有喜之兆等等,可见作为土家祖先之一的蛇部族虽然被人们所淡忘,却忠实的保存在织锦纹饰中。
作为土家织锦的纹饰中所蕴涵的信息极多,是土家族口传,非文本文传的物态化形式,而与纹饰紧密结合的色彩,则从另一方面反映出外来文化对土著文化的强烈影响。土家族神话中虽然没有产生如藏族、蒙古族、纳西族那样明确,强烈的色彩观和神话中的神灵色彩系统,但是在土家织锦中却反映出强烈的色彩现象,呈现出较成熟的民间色彩体系。这种色彩体系独立于汉文化圈主流色彩体系之后,但又与南方楚文化的风格极相似,特别是战国,汉代的漆器更是惊人的相似。
湖北随县曾侯乙墓中的鹿角立鹤,通体饰错金纹饰,背部、翅膀、腹、尾的边缘镶一周绿松石;湖北云梦大坟头1号汉墓中的漆器:《云豹纹漆扁壶纹饰》、《凤纹漆盒盖部纹饰》、《凤纹漆耳环纹饰》均以大面积黑色为底色,绘以朱红、金、蓝、银、黄等色,图象随器形变化,多曲线,圆弧线,物象所作c形。而土家织锦中也是这种强烈的色彩对比:其色彩浓艳、富丽,忌用大面积白色,以黑为底色,以黑、白线条分割图案,用色呈秩序排列,使对比色调调和,同时,在连续的图案中,寻求不同的色彩变化,一首配色三字经式的歌诀道:“黑配白,哪里得;红配绿,选不出;蓝配黄,放光芒。”这里已有意识的运用了互补色的原理来配色。鲜明热烈的色彩与丰富饱满的图案互为作用,色彩的冷暖与图案的分割相互依存,组成一个整体。土家织锦中虽然没有如刺绣般清晰的图象,却是以色彩统率整体,而形成强烈的视觉感受。当然,在强调楚文化影响的同时,所不应忽视的,还有土家织锦本身所产生环境的影响,这种影响是使楚文化与土著文化结合与产生流变的重要原因。
土家人世代生活在大山之中,青山绿水,气候宜人,即使在冬季,也是满目绿色,所居的杆栏式建筑以木为材料,木料经多年烟熏火燎(因土家人的火塘就在堂屋内),无论是建筑外壁、内墙都呈现出一种古旧的颜色,在这种色彩环境中,作为嫁奁的土家织锦所追求的必然是一种鲜亮的,能在大面积的冷、灰色调中跳跃而出的喜庆的色彩,通过视觉给人们带来心理上的慰籍。其次,还有工艺的问题,由于织锦材料多是自纺、自染,染料多是植物、矿物类,在长期使用后,易产生褪色,因此,加强其色调、色相、纯度的对比,使其长期使用后,依然鲜艳、富丽。
所以说,土家织锦的色彩又与楚汉漆器纹饰色彩有所不同,后者强调的是大面积的黑色底上强烈的朱红、蓝、黄,展现在人们眼前的是另一个世界的神秘与浪漫,而前者是以红色为主调,以黑为底色,以黑、白线分割图案,努力营造一种温暖、喜庆、热烈的色彩感受。因此,笔者认为,楚文化在早期对土家织锦产生过强烈影响,但是土家人在此基础上又进行了革新和创造,从而发展出一种与自身的生活环境和生活需求相一致的色彩系统,虽然没有如藏族、纳西族那样在口传文化中清晰的表露出来,但是却以一种物态化的存在在土家织锦中世代传承。
土家织锦作为一个活态的文化现象,曾在土家族日常生活和婚俗中扮演过重要角色,但是随着工业化的冲击,土家织锦赖以生存的环境发生了大的变化,使其陷入了困境。与之相比较的鲁西南的家织花格布,通州的家做千层底布鞋却走出了另一条路。花格布是鲁西南家织土布中最重要的品种,纹饰多以条带状图案,分割、调节、过渡、统一,强化大面积视觉分割的功能,图案有:斗纹、骨头节、错节、山芋花、砖纹等,若以纹饰与色彩而论,花格布远没有土家织锦繁复、精美、富丽、浓郁,但却已形成了产业化。
从纺、经到织成成布再到进入市场已形成一条产业链。通州千层底步鞋也已经进入市场。土家织锦曾在20世纪80年代红火过,但是随产品质量的下降,用途的单一,民间生产逐渐萎缩。虽然现在研究土家织锦的人很多,但很少有人在做产业与保护兼顾的工作。2002年,武汉纺织学院曾推出过一系列的土家织锦为设计原素的服装设计作品,但由于其着眼总仍是在民族服饰上,影响虽大,却不可能进入市场。对于土家织锦来说,保护与发展都需要现代设计和市场的介入,而怎样将古老的民间艺术传统与现代设计理念相结合,是研究者们思考的问题。
1 辛艺华,罗彬.土家族民间美术〔M〕. 武汉:湖北美术出版社,2004
2 钟茂兰,范朴.中国民间美术〔M〕. 湖南:湖南美术出版社,2003
3 汪为文.湖南织锦〔M〕. 湖南: 湖南美术出出版社,1994
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“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术,在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。之所以现在的展览普遍用“当代艺术”的提法,是因为用“现代艺术”的名词容易与已有过的“现代派艺术”混淆,同时,“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”,还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”,艺术家置身的是今天的文化环境,面对的是今天的现实,他们的作品就必然反映出今天的时代特征。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:中西方当代艺术对人们现实生活的影响探究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
艺术,作为反映现实生活的形式,改变着人们的思考方式,改变着人们的生活。当代艺术更是紧贴人们的现实生活,展露出艺术家对当今现实生活的感受、思考。中西方当代艺术都对人们的现实生活有着不同程度的影响。西方人更加重视对自己艺术细胞的培养,他们更加注重精神世界的丰满,不断学习,充实自己的头脑,让艺术引导自己的现实生活。中国的当代艺术发展要学习西方的优点,创作出贴近人们大众生活的,能够启发人们对生活的思考的优秀艺术作品。
当代艺术与人们现实生活息息相关的特质,在现代的社会境遇中早已展露出来。随着大众文化的不断流行以及雅俗界限地不断消失,艺术家不再把艺术放置于高高在上的远离群众和生活的地方,而是更加强调当代艺术与人们日常生活的融合。艺术不仅仅是艺术家可以欣赏的事物,它开始一天天地贴近大众,走进平凡人们的生活,带来自然感受,带来社会思考,带来人们心灵上的启迪。
(1)绘画等平面展现方式。当代艺术可以通过平面绘画的方式展现。例如,当代艺术家莫奈、梵高等画家的作品,都是以这种方式,表现出艺术家对周围环境的思考、对日常生活的一种表达。
(2)装置、雕塑等立体展现方式。当代艺术的另一主要展现方式就是通过装置来展现,这是现在流行的一种展现方式。装置艺术是艺术家们通过利用一些各式材料,通过艺术家的艺术再现,利用其巧妙地展现其艺术思想。例如,2013年在上海举办的草间弥生个展《我有一个梦》中的装置艺术合理展现了其艺术思想。
(3)博物馆、艺术中心等展览展现方式。艺术展览往往最能体现艺术发展的最新动向,国际上流行的大型艺术展览主要是以双年展和三年展的形式出现。例如,威尼斯双年展、美国惠特尼双年展、中国台北双年展等等,又如澳大利亚布里斯班亚太当代艺术三年展、日本横滨三年展等展览。双年展是国际当代视觉艺术最高级别的展示活动,其重要性相当于体育界的奥林匹克又或电影界的奥斯卡。近年来,艺术中心这种展现方式深深影响着大众的生活与审美。例如,北京的798艺术中心、上海的M50创意园区,上海的K11商业艺术中心等等,都受到人们的广泛欢迎,融入了人们的现实生活中。
(1)西方人民群众如何对待当代艺术。
在西方,艺术是与人们的日常生活紧密相连的。对于西方人来讲,艺术是难以下定义的,其范畴最难以定义。能够有趣、合理地反映人们生活,带给人们一定程度的思考、具有一定深度的作品,就可以被看作是一件优秀的艺术品。西方人认为艺术家和大众之间的连接状态是不可割裂的,所以西方艺术家们往往真实地表达着生活,强调其自我精神的展露,提倡独立的、充分表达内心世界的方式。日本村上隆在谈到其2006年被拍卖到1亿日元的作品时指出:要理解一件作品1亿日元的价格,需了解欧美人对艺术的态度。“在欧美制作艺术品有一个不成文的定律,那就是通过艺术作品,创造出世界艺术史上的脉络。”在现代生活中,人们频繁模仿小说或者电视电影艺术中的主人公的言谈举止的生活方式。这是因为当代艺术真正对人们的生活起到了影响,艺术真正地融入了人们的生活中。
(2)西方当代艺术现状。
西方当代艺术可以分为两个大的发展阶段:一是现代主义时期,它是指自1870年以后的后印象主义开始――抽象表现主义,前后经历了半个多世纪。二是当代艺术时期,从20世纪60年代至目前,又称为后现代主义时期。约翰?艾亨和里戈尔伯托?托尔斯是两位活跃在纽约贫民窟街头的艺术家,他们在大街上为普通人制作雕像,并在街头展出。他们走上街头同普通路人们聊天。艺术家以这种方式,改变着人们的思考回路,引起人们对现代生活的反思。又如,画家米勒的著名画作《拾穗者》。
该画作描绘了夕阳西下时的贫苦农民的缩影,表达着“贫穷”这一主题,反映了社会下层人们的思想。而如今越南艺术家查理德?史特莱德麦特?陈的《拾穗者》的当代艺术作品则模仿了与米勒画作里的人物的打扮与动作,却将人物放在了不同的时代。摄影背景是某个“财阀”即将完工的大厦,而前面的贫困者们则与之对比强烈。这幅作品说明了即使时代变换、人们的科技与经济水平提高了很多个世纪,但是人们的生活贫富差距还是很大。艺术家以这种表现人们现实生活的方式,将作品创作了出来。真实不虚假,表达着自己对生活、社会的反思。
(3)中国人民群众如何对待当代艺术。
在中国,当代艺术不是社会文化的主流,作为发展中国家,大部分中国人民群众生活的重心放在了经济发展上。那些具有一定程度艺术审美的人们,还是会在闲暇时刻去欣赏当代艺术,放松心情。可对中国的大部分人而言,“当代艺术”这个名词可能都不曾听说过,大部分人随波逐流,对这个社会、对自己的生活缺少独立的思考,欣赏艺术的眼界不高。
(4)中国当代艺术现状。
20世纪初,西方现代艺术如潮水涌入中国,各流派在同一时期百花齐放,当时的中国美术界呈现出绚烂的局面。但是中国的当代艺术却开始形成了一种简单地对西方当代艺术的模仿、借鉴、移植、嫁接等。但也有非常优秀的作品,在国际上获得了良好的口碑。例如,国内著名当代艺术家曾梵志的作品。其与艺术大师达?芬奇作品的同名作品《最后的晚餐》,作品把所有宗教人物换上了戴上面具的少先队成员,胸前系着红领巾在桌前吃着西瓜。画作是对经济日益发达的中国的一种隐喻。
红领巾代表共产主义理想,原作中的犹大,由一个戴着金黄色西式领带的人物饰演。这样的艺术作品,其实是脱离现代中国人民群众普通的日常生活的。我们再看中国馆的《清明上河图》这部易被普通大众接受的作品。会“动”的《清明上河图》是世博会中国馆展区的一大看点。我们可以一窥北宋时期繁华的城市风貌,看成群结伴去进行踏青的人们,以及各色各样的人物,令人眼花缭乱,目不暇接。这样的艺术创作符合大众文化发展的主旋律,很容易就被人民大众接受和理解。
艺术自诞生以来,就与生活密切相关。优秀的作品以鲜明生动的艺术形象,有趣的方式,反映着一定时期的社会风貌。西方人似乎更加重视对自己的艺术细胞的培养,更加注重精神世界的丰满,让艺术引导现实生活。中国的当代艺术也要从传统出发,创作出真正的有国际影响力的本土性的当代艺术,创作与现实生活的关系愈益密切的艺术。让我们继续研究中西方当代艺术对人们现实生活的影响,在现实生活中创造优秀的艺术作品,再用优秀的当代艺术作品,来指引人民群众在现实生活中正确地前行。让我们将中西方的优秀处结合起来,互相学习和借鉴,共同进步!
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综合材料绘画,是用于界定现代绘画中那些非传统材料的绘画作品的。比如画面上粘贴报纸、麻袋、金属,然后再用颜料作画的,还有一些绘画技术和装置技术结合但是偏静态绘画的,不一而足,难以一概而论。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅析综合材料在当代陶瓷艺术创作中的应用相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
21世纪是一个快速发展的时代,在这样的一个时代中最显著的特征就是各个学科互相渗透从而衍生出新的“学科”与空间,在这个衍生的空间里,我们可以发展新的事物与产品。这些就是时代发展的特征,它们深深地影响着我们生活的方式。
在这个社会中,所有的事物已经不再单一,它们都是各种各样的东西组合而成。比如说,水果的嫁接,现在很多水果产品都是通过不同的植物进行嫁接而成;将人们日常生活的产品与电结合起来,从而形成各种各样的电器产品,如电被褥、电饭煲。学科的结合也很常见,心理学与消费学结合起来就是消费心理学,心理学与色彩学的结合被称为色彩心理学,最为常见的一种综合产品当属计算机,计算机本身就是由各个学科知识综合出来的产品。
由此可见,科学的发展离不开综合性,同样,艺术的发展也需要综合性。常言道:“社会的发展离不开创造。”而我们的创造,其实就是材料的综合,它可以判断一个整体构成因素的比例,最大程度发挥有效构成因素的作用。想要产生一个新的事物,一个新的产品,最好的方式就是将构成材料进行很好的综合,这是最有效的办法,同时也是人类智慧的表现。
(1)陶瓷材料应用各个材料的必然性。
随着社会的发展以及科技革命的改革,陶瓷艺术也跟着不断发展,与传统的技术相比,现在的陶瓷技术已经可以很好地突破空间与地域的限制,开始朝向多元化发展。传统的陶瓷艺术使用的材料比较单一,只有泥土一种材料,而现在的陶艺家们选择原材料的种类开始逐渐增多,他们不单单采用泥土这种单一的材料,开始发掘其他材料与陶瓷组合,比如说,金、木、石、铜、钢、铁、银等,这种组合材料制作的陶瓷具备更好的表现力。每一种材料在陶瓷艺术中所起的作用都不相同,陶艺家们能够认识到各个材料的作用并将其添加到陶瓷艺术中,足以说明他们开始认识到各种材料在陶艺中的重要性,了解想要转换陶瓷的形象还可以通过改变材料进行。陶艺家们这种想法的转变大大激发了其审美的心理,同时还体现了工业文明的发展,为综合材料与陶瓷艺术结合起来提供充分的条件。
(2)在创作过程中综合材料的突破。
材料,对于一个陶艺家来说就是制作一个产品的基本因素,它承接陶艺家的意念。陶瓷产品在制作过程中加入了陶艺家的意念。因此,陶瓷产品的原材料不论是人工的还是天然的,都已经失去了其自身的意义,所成型的陶瓷产品已经具备新的意义。美国有一位大师,他的一生都奉献给艺术的创新,他放弃了单纯使用一种材料的方法,将多种材料结合起来,或刷,或贴,或拼,或印,从而创造出不同于其他人的艺术作品,他的每一个作品都具备独特的风格,他就是美国知名艺术大师劳森伯格。艺术的创造,可以从改变材料做起。以前,人们认为陶瓷原材料只有一种,那就是泥土。
因此,无论陶艺家们如何改进陶瓷技术都无法更进一步。现在,陶艺家们意识到,陶瓷制作改进不应该只从技术上更新,还可以创新陶瓷材料,认识到这一点之后,陶艺家们开始注重材料的运用,他们不再单一地使用泥土,开始在泥土中加入塑料、石材、金属、木材、玻璃、水泥、纤维等,将这些材料综合运用起来,从而为整个陶瓷市场带来一个新的面貌。以前,陶艺家们不重视的黄泥巴、三合土、匣钵土也可以广泛用于陶瓷制作中,并逐渐成为制作陶瓷的好材料。综合材料的出现,为陶瓷创作带来了一个全新的面貌。
(3)综合材料在当代陶瓷艺术创作中的具体应用。
综合材料,顾名思义就是将各个不同语言的材料综合起来。因此,不同的综合材料都具备其自身特有的肌理、色彩、质感。材料的不同组合方法决定了最终形成的陶瓷产品具备不同的视觉效应。因此,我们在制作陶瓷产品过程中可以寻找不同的综合材料,使综合材料可以和现代陶瓷艺术创作有机地融合到一起。艺术品的构成元素不应该单一,我们可以在其中加入坚硬的铁元素,温暖的木质元素,透明的玻璃元素,哪怕我们仅仅加入木质元素这一种,木质品种的不同,所构成的艺术品也不相同。然而,在陶瓷艺术创作过程中加入综合材料并不是说可以任意添加材料,我们选择材料的时候一定注意其中的关联性。
比如说,我们可以在陶瓷产品中加入木质品,但是此结合过程不可以随机选择,为了更好地体现二者的对比性,我们可以将木质品通过合适手法加工后再融合到陶瓷品中。不同的综合材料,加入到陶瓷创作中的效果也不相同。因此,在陶瓷创作中加入综合材料可以在很大程度上突破传统创作中的局限性,扩大陶艺家的思维,丰富陶艺家的想象力,从而创作出具备不同特征的产品。当然,陶艺家们在创作过程中并不是盲目地去选择材料,他们对综合材料的运用具有一定的特征。具体运用表现为以下几方面:
第一,天然材质的运用。各种不同的物质组成了我们生活的世界,因此我们的世界是一个物质的世界,这里的物质很明显是天然形成的。天然岩石经过风沙侵蚀以及地壳运动之后在自身内部结构不变的同时,外形部分有所变化。经过长时间的风沙洗礼,它们会形成更适应自然的特征。如何使这种天然材料与陶瓷艺术创作结合起来是我们急需解决的问题,天然材料经过环境琢磨已经具备一定意义,在与陶瓷品结合时需要从不同的肌理、质感、色泽中找到切合点。在选择材料的时候需要找到其关联性,比如说木质的选择,木质与陶瓷结合的时候可以进行一定的雕琢,表现出木质肌理与陶瓷质感的对比性,从而让作品具备更强的深度。
第二,人工材质的运用。在天然材质的基础上对其进行一定的加工,从而生产出另一种不同的物质就是人工材质,比如说我们可以通过一定技术从矿石中提炼出金属,对提炼出的金属进行一定的化学、物理加工,或者是对其施加复合材料,从而使其具备双重性质。所形成的物质有其天然的一面,也有人工的一面,正因如此,人们才能更好地发挥想象力,从中感悟到自然与现实的双重力量。总而言之,如何在陶瓷创作中加入综合材料源于陶艺家的构思,不同的构思,不同的材质,不同的工艺,最终形成的陶瓷产品也将大不相同,在陶瓷创作中,综合材料的应用有着不容小觑的作用。
在陶艺创作中加入综合材料已经是大势所趋,虽然每个陶艺作品对于综合材料的运用手法都大不相同,但是这并不能阻止综合材料与陶瓷艺术的融合,通过研究综合材料在当代陶瓷艺术创作中的应用,使陶艺家们可以在未知的领域积极探索,寻找更好的方式方法,打造更完美的作品。
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煤雕是中国汉族传统的雕刻技术之一,有悠久的历史。中国第一部神话、地理专著《山海经》把煤雕原料称为“涅石”。作为中国独一无二的工艺美术品,产于大同。其原料是来自大同煤矿的煤矸石。它创造于1998年,是一项新型的工艺品。其图案均以地方文化为题材,雕有云冈大佛、飞天、菩萨、等人物形象及悬空寺、应县木塔、九龙壁等造型。煤雕是极具地方特色的馈赠亲朋的艺术品。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅析煤雕艺术的当代启示相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
[摘 要]说起煤雕,大多数人并不陌生,从一块块被丢弃的煤矸石,经山西大同民间艺人精雕细刻后,成了栩栩如生的艺术品。现如今,人们对煤雕在现代交际中的文化寓意由各种渠道耳濡目染,但大部分购买煤雕的消费者并不知道,煤雕本身的艺术价值决定了它投资升值的价值,只要买对一块艺术内涵深厚的煤雕,也能做到休闲中理财,本文就煤雕在当代交际中的文化内涵及发展趋势试做研究,供同行参考。
煤雕最早是由大同市的民间艺人发明的。煤雕艺人施玉平告诉记者,煤雕艺术与乌木艺术有异曲同工之处,尽管质地不同,但是都具有很高的艺术价值,体现了大同作为“中国煤都”的煤炭文化。云冈大佛、伟人、妈祖,一件件影雕作品,同黑白摄影作品一样逼真,令游客爱不释手,成为中外游客赠送亲友和收藏的精品。江对煤雕赞不绝口,并欣笔提词石中有佛,佛中有石。煤雕用料:为大同特有的煤矸石,它为煤层深处的植物化石现已经极为稀少。
煤雕艺术是矿区独具特色的传统美术工艺业。煤雕是19世纪末法属时期问世的传统行业,与矿区的历史和煤炭工人的生活紧密相连。这种艺术类型也许起源于心灵手巧的矿工们闲遐时将粗糙黑亮的煤块雕成不同形状的东西,渐渐成为了一种艺术潮流。煤雕工艺品题材越来越广泛,内容越来越丰富,从象征勇猛的水牛、狮子到米罗的维纳斯像,人像等高艺术作品。
上世纪八十年代,从事煤雕业的煤精工艺品协会原副主席阮文伦透露:“为生活增添色彩的煤雕业具有高文化价值,与矿区历史和煤炭工人的生活紧密相连。因此,煤雕工艺品是游客来到世界大自然奇观下龙湾时选购的富有意义的纪念品”,并逐渐走入人们的视野当中。
通常来说,煤雕分为两种:一种是先将煤矸石加工成石板,然后进行抛光处理,再在上面用细钢钉和铁锤轻轻凿刻出精美的图案,其手法类似于中国传统的刻瓷;另外一种是将煤矸石直接雕刻成各种造型,然后再进行抛光处理。凿刻过程要十分仔细,力道和凿刻点要均匀,否则就会导致雕刻失败。成品的“煤雕”作品乌黑发亮,细腻精美,显示出有别于传统雕刻艺术的独特魅力,具有很高的观赏性,多次在全国工艺品博览会上获奖。
如今,大同煤雕每年的销量已经超过20000件,并被美国、英国、日本、新加坡等十几个国家的爱好者收藏。此外,“煤雕”艺术还成功与云冈的艺术文化相结合,一个个云冈石窟的艺术形象在“煤雕”艺人的刻刀下变得栩栩如生,展示着环保理念并弘扬传统文化。煤雕艺人张磊说:“煤雕不仅是一个产业,更是一个文化符号,我们希望通过这种独特的煤炭艺术,让人们更加了解大同的历史和文化。”
煤雕是中国一种非常古老的艺术,在西周时期就将其做为一种陪葬品使用,煤雕的颜色为黑色。因为它是煤矸石的本色,但不会掉色。也不用担心摸他的时候会把手弄脏。古代地理学家郦道元这样描述它:凿石开山,因岩结构,真容巨壮,世法所稀,山堂水殿,烟寺相望。这是当时石窟盛景的真实写照。云冈石窟雕刻在吸收和借鉴印度犍陀罗佛教艺术的同时,有机地融合了中国传统艺术风格,在世界雕塑艺术史上有十分重要的地位。今天,它已成为中外游人倾慕和向往的旅游胜地。云冈石窟是中国三大石窟群之一,也是世界闻名的艺术宝库。
众所周知宝石的等级分类主要是:晶体纯净度,颗粒大小及切割好坏。煤雕不仅仅需要这些,还要加上意境度和稀少度。这里着重说一下意境度,首先什么叫做意境?煤雕的意境就是宝贝你看一眼就会有一种遐想,可能会把你带到另一种境界:或山川,或海洋,或深林,或雪地,或宇宙,或者你可以通过观察煤雕看到一个人或者一种动物,这就是意境美。它可以给人无限的触动和震撼。有些煤雕的色彩堪称“彩色钻石”,可增强亲和力磁场,助人缘,显高贵。有助畅通人体经络,促进气血循环,延缓衰老。
由于意境美本身就是无价的,所以选择煤雕艺术品第一就要看意境,然后再看其他方面。由于煤雕矸石的局限性,很多优美的煤雕艺术品很难达到完美。就像很多的高价幽灵也不是全包裹,很多的高档次钛晶也会漏有发根或小矿缺,这就是因为煤雕矸石越丰富越难达到完美。相反,内容不好的异象煤雕就是再好,再完美也不会有这么高的价值。中国古人有句老话“龙飞于天,虎行于地”,能给人以鼓舞和力量。虎乃百兽之王,猛虎下山蕴含着勇武强健,刚猛不折的含义。虎行于地,给人以鼓舞和力量注意:老虎不可以放在卧室里,容易造成夫妻相互吵架,有些朋友喜老虎形象的图画,要知道这是不能随意挂的,要挂也要挂上山虎,师傅说老虎是不轻易下山的,如果下山就会害人,最直接的表现在夫妻容易不间歇的双双生病。大同特有的煤矸石,它为煤层深处的植物化石现已经极为稀少。
煤雕还有一种兼容美也很重要。比如两块组合在一起的煤矸石,这样价值就会提升很多。再比如水胆煤雕,本身就兼容了双重欣赏价值。还有流沙水胆也兼容了气泡与固体物的流动之美。这总兼容价值可能是数倍或者数十倍的提升。比如俗称为“财富之石”的黄煤雕,主财富,增加横财运,是招财类的煤雕,股民、生意人的佳选,亦可开发太阳轮,对肠胃消化系统有调节作用;而泛有金钛色的煤雕艺术品主财富亨通,能量特强,是金钱和权力的象征,加强人的自信心和领导能力,可当护身符,辟邪化煞。
目前市场上的煤雕主要分为外进口煤雕和国产煤雕国。国外主要有马达加斯加岛、巴西、奥地利和捷克等国,而国内产煤雕的地方主要有广西、湖南、江苏、山东、河南、云南和新疆等省份。其中,江苏的东海县既是国内重要的煤雕产地,又是首屈一指的煤雕集散地。
尽管与钻石、红蓝宝石相比,煤雕的市场价值和社会所赋予的意义显得相对平民化,但这并不意味着走惯了“亲民”路线的煤雕没有升值的空间。煤雕的投资与其他古玩不同,不需要考虑年份以及历史,辨别也相对容易,但是买到一块好煤雕并不容易,简单来说,好煤雕的品种讲究天生天成。如果一块天然的煤雕有大致的象形形状或是有天然的“美景”,那么就是好煤雕。这样的煤雕比起一般的煤雕,不仅价格高出一部分,日后的升值潜力也更大。另外类似巴西绿幽灵、绿发晶等一些有限资源的煤雕矿石,由于赋予了一定的意义,也具有一定的保值升值潜力。
煤雕可以定位于礼品市场和个人市场两个方面,然后针对两个不同的市场确定不同的营销策略,分析两个市场就必须要针对送礼和个人自购收藏和摆设这两类的消费人群进行分析。他们在购买煤雕的时候分别都有其重点关注的一些方面,而且会有一定的区别。然后再将送礼市场和个人市场进行细分,例如送礼市场可以分为情人礼物、生日礼物、朋友之间的送礼、亲人之间的送礼、高端送礼、中低端送礼等等,而个人市场就可以分为自购用作家具摆设和自购收藏等等,然后你在给不同的市场分出不同的产品类型或者组合做推荐,针对不一样的细分市场给出不同的定价方式和促销方法。从而吸引更多的人来购买!
煤雕一直以来被大多数人视为普通室内摆件,往往被忽略了其升值的空间。其实与其他的收藏品一样。煤也是不可再生资源,目前国内市场已经出现了资源供给不足的问题,煤雕的经营已经在很大的幅度上出现供给线吃紧的情况,随着煤矿不断的开采,数量会越来越少,未来价格的走势肯定会呈现趋高的现象。
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艺术,是才艺和技术的统称,词义很广,后慢慢加入各种优质思想而演化成一种对美,思想,境界的术语.艺术是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态,包括文学、书法、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅谈当代艺术理论家的几张“脸”相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
理论家是当代艺术的权威,是当代艺术的导航人,画家和观众多是在理论家的指引下,寻找着艺术的方位。不过,传统上对理论家的界定比较狭窄,鉴于当前艺术理论家队伍不断的泛化,需要做个重新界定,依据他们的生存状态,当代理论家可分为三种类型。
第一类是仕途型。仕途理论家活跃于各级权力机构,是知识型的政府官员, 也有的出任政府的高参,其观点与著述对当政者有相当大的影响。仕途型高参型的文人能在较大范围发挥作用。在中国这个权力较为集中的社会中,知识分子入仕参政不能不说是国家治理走向科学化和人文化的巨大历史进步。
但是由于历史因素与现实因素的双重催化作用,在权力内部各种复杂的从政规则和为官之道仍在隐蔽的层面上影响着行政机器的运转。当人们顺应它的力量与节奏时便如鱼得水,反之则感受到挤压和牵制。
面对如此局面,入仕文人有两种人生选择:为了保持自己的本性而拒绝应变,不得不退出仕途,或退出仕途竞争;要么适当改变自我以适应环境。这两种选择的是非得失没有明确简单的评价尺度,进与退只不过是生存的谋略,而生存的目的应该是完好地保存自己纯真的天性,并努力地去追寻真善美的境界。
第二类是书斋型。书斋型理论家大多是高校教师和专职研究人员,按照时下流行的说法,都是体制内的知识分子。他们的述说对象主要是学生与读者,对政府的影响要弱于仕途知识分子。由于不走仕途,他们的思想言行和个性更为自由,能形成一些独特的观点和进行独创的研究。
书斋型理论家由于处于权力中枢之外,故常有怀才不遇之感,在激扬文字时不免有偏激情绪;再者,书斋型文人与校园外的世俗生活相当生疏,缺乏来自生活与实践的新鲜刺激,思想的土壤不免有些贫脊,而且有沙化的危险。
第三类是所谓的体制外的理论家。他们是自由职业者,没有单位,或者虽有挂靠单位,但仅是名义上的安排。他们经常参加以民间名义组织的各种活动,他们与主流比较疏远,选择了边缘化的生存方式。由于自甘边缘,他们在思想与行动上更为率性自由,把学术生产与生存的经营放在一个更为开放,更为多元的平台上。
国际化是他们重要的谋略手段。他们在相当长的一个时期成为前卫艺术家与国际社会联系的纽带,成为前卫艺术的代言人。西方社会正是通过他们了解中国的前卫艺术状态,并且通过他们的策划在国外举办中国当代艺术展,并召开中国当代艺术研讨会。而这些理论家的言论和著作便成为西方人了解中国现代艺术的主渠道。虽然西方得到的只是想得到的信息。
为了不因边缘化而被公众冷落,理论家常求助于媒体宣传,为此他们不得不屈从于某些赞助者和投资商的逐利本能和市场化操作,按照对方的要求调整艺术理论与艺术批评的构成。如此看来,表面上的自由是要付出代价的,而且代价有时很昂贵。
社会生活正在呼唤第四类理论家,即复合型的知识分子、跨类型的理论家。他们具备前三种理论家的优势与长处,拥有适应各种社会需求的通用性。
首先,复合型理论家与主流意识和行政层面有良好的关系,观点与意见能比较顺畅地传递上去,并影响决策者。他们熟悉公共机器的操作程序与游戏规则,知道通道的卡口何在,枢纽何在,能借用行政的力量完成较大的文化工程。知识分子的个人行动汇入国家改革与建设的洪流中,将个人的能量成倍地释放出来。
例如,作家冯骥才多年前就对中国民间艺术感兴趣,并且敏锐地觉察到民间艺术濒临灭绝的巨大危险。十几年来,他利用自己的参政身份(冯是全国政协委员)与作家的名人效益,多方呼吁与周旋,终于引起有关方面的重视,把国际社会的关注转换成国内的普遍关注,使这项艰巨的事业列入政府工作,成为政府行为。冯并未在政府部门任要职,但是他的作用比官员还大,因为他有犀利的文化目光。
其次,复合型理论家对文化产业和艺术市场相当熟悉,他们善于将理论的片段嵌合到展览、交流、出版、表演与演说等公共行为中,使公共空间因高品位的理论镀金而熠熠生辉。复合型理论家谙熟如何将深奥的理论进行“营养化”分解,使之益于为大众消化与吸收。他们直接介入文化产业,担当起策划人的角色,策划是对一项活动的创意、谋划直至实施的功利性的行为。文化策划是当代文化产业的市场启动。无论是策划展览、演出、会议、访问、出版,还是策划庆典等公益活动,理论家 策划人都比较重视活动的文化品味,善于在市场化的文化活动中保持并提升精神性的追求,引领参加者高雅的旨趣。理论家策划人像保护名义一样维护自己学者的优雅形象,同时在市场化的运作中也获得广泛的社会效益与经济效益 。
近几年来,对中国前卫艺术的展览与研讨,成为全球艺术中不可或缺的风景,艺术策划当然不会忽视这一块市场蛋糕。理论家与前卫艺术家的关系越来越密切,后者的边缘化状态由于媒体的关注,由于理论家的介入与提升而越来越向公共领域的前排移动。理论家对前卫艺术的阐释为其填充了一些必不可少的支撑物。例如中国艺术的独特性,艺术的继承与创新等,淡化了艺术家的玩世不恭的反讽与戏谑,彰显作品中深藏不露的人道主义色彩。经过理论家对边缘化的无害处理,前卫艺术与社会主流生活的排异性减弱了,过去主要在体制外进行的策划与操作,现在可以在体制内进行,并且手持“国家公务护照”走出国门登上国际舞台,而不像以前只能以私人名义参加活动。
跨类理论家与各类理论家都保持良好的关系,与上层与下层都可以沟通,在体制内与体制外都吃得开,做学问和作策划都游刃有余,在文化的多元空间里扮演多元的角色,发挥多重作用,是当代社会的活跃分子。复合型理论家在目前更多是一种想象类型,是社会对理想人才的呼唤,同时我们也不能否认活跃于经济大潮的弄潮儿极易蜕变成商场的托儿,变成捧角的吆喝者。如果吆喝就是目的,托儿是手段,那么理论家也就差不多成了骗术家,他的学人生涯也就走到头了。因此,跨类理论家必须精心守护自己的文人品格和学术品味。
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罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物,在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:论舒曼钢琴音乐作品的艺术特色相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:德国作曲家舒曼――第一位真正在钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家,其钢琴音乐的艺术特点在于作品主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要艺术特点。
关键词:舒曼;钢琴音乐;隐喻性;文学性;独特性;幻想性
中图分类号:J651 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)29-0200-02
在西方钢琴艺术的发展历程中,浪漫主义时期是一个十分重要的黄金时期。一方面,由于钢琴制作工艺的成熟,使得钢琴的价格下降,同时钢琴的表现性能有了很大提高,从此,钢琴成为人们音乐生活中的一件十分重要的乐器;另一方面,由于浪漫主义时期的作曲家普遍地钟爱钢琴这件乐器,因此创造出了大量的钢琴音乐作品,其中众多的优秀作品构成了一幅五彩斑斓的瑰丽图景。浪漫主义时期的钢琴音乐大大地丰富了人们的音乐生活,从此,钢琴登上了“乐器之王”的宝座。
音乐上的浪漫主义时期大约开始于19世纪20年代并延续至20世纪初。通常人们普遍认为,奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家门德尔松是浪漫主义音乐的第一批开拓者,他们优秀的钢琴音乐作品也共同反映出了浪漫主义音乐的最主要特点――强调个人的抒情性,偏重于幻想及夸张的艺术手法。但是,由于他们与古典主义音乐不同程度的联系,使得他们的作品中还具有着比较明显的古典主义音乐气质,比如,在他们的一些作品中都明显地体现出了古典主义的形式法则,在音乐气质上,舒伯特接近于贝多芬,而门德尔松则更加靠近莫扎特。这些都说明了,在浪漫主义音乐的创作初期,古典主义的音乐因素作为一种强大的传统力量仍然在发挥着其效应。而第一位真正在其钢琴音乐创作中全面贯彻浪漫主义美学理念的音乐家就是本文将要作深入探讨的德国作曲家舒曼。
罗伯特・舒曼(Robert Schumann)于1810年生于德国,1856年去世,一生只活了短暂的46岁。但他却是第一位真正的浪漫主义作曲家。
浪漫主义思潮是19世纪初在欧洲形成的一种新的艺术潮流,代表了一种新的艺术风格。浪漫主义艺术思潮的美学追求在于打破古典主义艺术的既有形式,用艺术家个性化的语言不拘一格地表达思想感情。这其中情感的自我表达是核心,浪漫主义时期的作曲家们当时普遍的创作理念就是要做到“我曲表我心” [1],这样的话,乐曲中丰富而明显的情感性特征就成为了浪漫主义钢琴音乐的第一个明显特征。浪漫主义钢琴音乐的第二个显著特征就是音乐普遍与文学和绘画等艺术的结合。西方音乐发展到浪漫主义时期,其音乐语言已高度的发达,这使得它具备了表现文学性内容及绘画性内容的可能性。这一时期的作曲家深入地挖掘音乐的表现能力,作出了许多大胆的尝试,将音乐与文学及绘画等艺术进行了结合,这就显示出了这一时期音乐作品的独特性,此一方面的突出标志就是标题音乐作品的大量出现。
当时,德奥属于浪漫主义思潮影响的中心地带,舒曼就是在这样的文学氛围中成长起来的。由于舒曼的父亲是一个文学爱好者,在经营书店的同时也作书籍的出版工作,舒曼从小就在父亲的书店中博览群书,因而他酷爱文学。他最喜欢阅读的文学体裁是诗歌及小说,这对他日后的音乐创作活动产生了深刻的影响。少年时期对他影响最大的文学家有歌德、拜伦、让・保尔和E・T・A・霍夫曼。深厚的文学修养极大地提高了舒曼的想象力及艺术品位,他日后创造出的成功之作在很大程度上都依赖于他作品中的文学性内涵。除此之外,舒曼与克拉拉曲折的爱情也对他的创作产生了很大影响。
在西方音乐的发展历史当中,舒曼是第一个具有明确的音乐美学思想的作曲家。笔者认为,出现这样的情况有两个原因:第一,是之前作曲家社会地位的低下(通常被看作是奴仆)使其无资格去从事这些当时主要由哲学家来从事的学术研究;第二,之前作曲家相对低下的文学水平和迫于生计而必须完成的繁重的创作任务使其在主客观上都无能力去进行音乐美学问题的探讨。而在舒曼所处的浪漫主义音乐时期,以上情况都出现了改变,具有了独立社会地位及学术素质的舒曼就成了作曲家中第一位形成了较为全面的音乐美学思想的音乐评论家。
笔者在此将舒曼的音乐美学思想概括如下:
首先,他认为音乐要有高尚的思想及充沛的情感。其次,舒曼在音乐艺术中追求真、善、美的统一。再次,舒曼积极地倡导音乐的民族主义和音乐的世界性意义,这其实也就是音乐的民族性与世界性的问题。以上三点就是舒曼主要的音乐美学思想,这些思想都明确地体现在他的钢琴音乐创作中,表现出了他的钢琴音乐作品的四大特色。
第一,音乐主题的隐喻性。由于舒曼独特的个性――沉思、幻想与热情、冲动的结合,以及受到文学作品的影响,这使得他爱在自己的作品中隐藏一些个人的小秘密,这些小秘密多半都是他自己的生活经历。他的许多作品中都蕴藏着需要经过缜密的研究才能够得知的引证和隐喻,这些隐喻常常由隐喻字母所对应的音符构成,了解这些是理解他作品的第一步。比如舒曼的《阿贝格变奏曲》(ABEGG Variations)op.1,其中的ABEGG是舒曼在一次舞会上遇到的一位女士的姓,这首变奏曲的主题即采用ABEGG这五个字母作为音名。又如《狂欢节》的调性基础是bA-C-B,来自舒曼早年的一位女友居住的阿什小镇“ASCH”(德文“H”在音乐中为“B”)[2]。由以上两例可以看出,这类以猜字谜式的音乐游戏构成了舒曼的第一个钢琴音乐特色,这也是理解他钢琴音乐作品的关键。
第二,舒曼钢琴音乐的第二个鲜明特点在于其音乐内容的文学性。舒曼大部分的钢琴音乐作品都体现了这一特点。笔者认为,形成这一特点的主要原因在于舒曼自小形成的深厚文学修养,这使得他的音乐创作不断地受到来自于文学灵感的刺激与影响。另外,浪漫主义时期的美学潮流――音乐的文学化,也在一定程度上影响了舒曼的音乐创作,使得他的钢琴音乐作品具有明显的标题性。比如他的钢琴套曲《蝴蝶》(Papillons)op.2,是根据舒曼最喜欢和敬仰的德国作家让・保尔的小说《少不更事的岁月》而创作的;钢琴套曲《克莱斯勒利偶记》(Kreisleriana)op.16,是舒曼受德国浪漫主义文学家霍夫曼小说中一位怪诞而极有天赋的音乐家克莱斯勒的形象的启发而创作的。可以说舒曼是第一个将音乐与文学的结合达到水乳交融状态的浪漫主义钢琴音乐作曲家。
第三,音乐形式的独特性。舒曼的作曲学习在很大程度上是靠自学来完成的。由于较少地受到来自传统的专业作曲家技法训练的束缚,舒曼在创作形式上表现出了很大的灵活性,他的作品形式几乎完全是由表现内容来决定的。也正因此,他的钢琴音乐作品在形式上有着很大的独创性[3]。比如他的《交响练习曲》(Etudes-Symphoniques)op.13,在形式上就兼有练习曲与变奏曲的双重性质;再如他的《C大调幻想曲》(Fanlasie)op.17,在创作技法上运用了奏鸣曲的形式加上回旋曲和变奏曲的创作手法,构成了他极富独创性的自由曲式。这部作品既有令人神往的即兴幻想性,又有着严整而和协调的结构。此外,舒曼还喜欢用小型作品组成松散的套曲形式,并冠以各种富有诗意和文学性的标题,这是舒曼的一个显著的创作特点。这类作品有很多,例如:《蝴蝶》、《狂欢节》、《童年情景》、《幻想曲集》等。
第四,舒曼钢琴音乐第四个特点在于其音乐风格的幻想性。舒曼的钢琴音乐作品就像是他自身心灵历程的日记一般准确地记录了他的精神历程。由于他自身的性格特点以及文学作品的强烈影响,舒曼富于幻想,这种幻想性也自然地带到了他的音乐创作中去,他在自己的作品中幻想着理想的实现。如在《大卫同盟组曲》中幻想着“大卫同盟”对于音乐界的非利士人――庸夫俗子的斗争并胜利;他还幻想着自己的爱情如《#f小调第一钢琴奏鸣曲》表达了他对克拉拉火热的爱情;还幻想过童年,如钢琴套曲《童年情景》中对童年的情感体验,等等。凡此种种都说明了幻想性是其音乐风格的又一特点。
综上所述,舒曼钢琴音乐作品的艺术特点在于其主题的隐喻性、内容的文学性、形式的独特性以及风格的幻想性,它们共同构成了舒曼的钢琴音乐作品迥异于其他同时代作曲家的主要特点。舒曼的钢琴音乐作品充满了理想与诗意、爱情与痛苦、热情激昂的情感与梦幻沉思的风格。他一生的大部分作品都是为钢琴而作的,这些充满创造性的钢琴作品以高超的技巧与丰富的想象,为钢琴音乐文献增添了宝贵的财富。他的性格充满了矛盾,就像他受让・保尔小说的启发而构想出的佛洛列斯坦(个性张扬)和埃塞比乌斯(沉思幻想的性格)这两个人物一样,舒曼兼有这两个人物的性格特点,这也反映在他的钢琴音乐作品中。他的钢琴作品丰饶而富于诗意,情感内省同时又具有宏伟的气象,同时又充满了亲密温馨的情感。舒曼的钢琴音乐是一种飞扬的音乐,富于浪漫主义的理想,舒曼认同他的崇拜者让・保尔的一句话:“生命可以在我们身后枯萎凋谢,我们神圣的过去可以灰飞烟灭,但有一样东西是不朽的,那就是音乐。”音乐是一门神秘的艺术,是在诗的语言终止之后响起的艺术。从这个意义上说,舒曼就是文学家让・保尔在音乐中的化身。
[1] 蔡良玉.西方音乐文化[M].北京:人民音乐出版社,1999:198-199.
[2] 周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2003:120-121.
[3] 钱仁康.音乐的内容和形式.钱仁康音乐文选上册[C].上海:上海音乐出版社,1997:213.
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我国思想道德素质教育的重要性不仅是大学生素质教育的根本,亦是社会发展的基石。但是对于高校艺术专业大学生来说,针对性不强。由于高校艺术专业大学生是较独特的群体,他们的思维方式,生源方式都有别于其他专业的学生,他们接受教育的过程是感性认识高于理性认识。对于艺术专业大学生来说,不仅要具备艺术素质,还要有较高的思想道德素质,这是高校进行思想道德素质教育的最终目标。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:浅议当代社会高校艺术类专业大学生思想道德素质教育工作相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】做好高校艺术类专业大学生的思想道德素质教育工作,是当代社会高校教育工作的一项重要任务,艺术类专业大学生的思想道德素质教育工作要根据艺术类专业大学生的特点出发。
【关键词】当代社会;艺术类专业大学生;思想道德素质教育
我国高等教育伴随着市场经济的不断发展,高校中的艺术教育也逐渐从精英化走向普及化、大众化,艺术人才培养模式也从单一化向多元化发展。艺术人才的培养不但需要造就高水平的艺术专业人才,而且更需要的是艺术人才具有较高的思想境界。但由于专业的特殊性,使他们的心理与其他普通人文学科的大学生相比表现为更加敏感与偏激。其中个性张扬是艺术类大学生的普遍现象,针对高校中艺术类大学生的特殊特点,准确把握艺术类大学生的心态和行为规律,有针对性地开展思想道德素质教育,已成为我们高校思想政治工作者不容忽视的一个重要问题。它是新时期思想政治教育工作方法的延伸和具体化,是进行思想政治教育的具体途径和活动形式。在新的时期下,高校艺术类大学生的思想特征有了新变化,所以思想道德素质教育工作的方式也有了新变化:
1.利用媒体网络信息进行教育的方式。随着各种高科技的发展,思想政治教育工作方式也含有了科技成分,媒体网络已经深入到当代大学生学习生活的方方面面,对他们的艺术观造成巨大冲击。因为高校中艺术类大学生们喜欢接受新鲜事物,渴望了解掌握它,这种冲击波既有积极一面,又不可避免地有消极影响。高校中艺术类大学生要成长为优秀的艺术人才,就必须有正确的艺术观。因此我们必须充分发挥互媒体网络的积极作用,引导学生、帮助学生确立正确的艺术观,使这些高校艺术类大学生能真正担负起传播和建设社会主义先进文化的重任。思想政治教育工作者要充分利用媒体网络对大学生们进行教育影响,对他们进行正确的思想引导教育。
2.组织展开座谈讨论的方式。艺术类大学生在学习上与普通大学生相比更加务实,讲求实际。他们努力在大学里、社会中完善和发展自己,同时他们的思想也更加实际,重视现实。他们更加重视人际关系,努力开拓交际范围,重视社会实践,渴望成才,所以希望自身能够在专业上有所成就。生活上他们更倾向于追求开放、自由、自立、浪漫的生活。他们几乎没有任何思想顾虑,不畏人言、敢于离经叛道。在现实生活中,他们也确实特别想得开,衣着注重性感、生活无拘无束、乐于模仿影视中的浪漫情调等。通过组织展开座谈讨论的这种方式,针对艺术类大学生们的自我意识,以及向往而言,可以说是投其所好,使大学生们相互教育。但我们选择这种思想政治教育方式时要有明确讨论的主题,抓住艺术类大学生们中带有倾向性的问题,开展热烈讨论,切记不要离题,否则不但达不到教育的目的,反而对他们影响更不好。
3.运用演讲、报告的方式。这是一种传统方式,是中国革命年代时期使用最普遍的一种方式。在当代社会这种方式仍可实行,不过已具有了新时期的气息。
鼓励动员报告。由于高校中艺术类大学生们情感丰富且不稳定,但他们有关心人民幸福、振兴中华的愿望,所以对他们进行动员报告是不可缺少的,可以加强他们的爱国主义教育和理想信念教育。如新时期抗洪救灾,无偿献血,这都需要动员报告,一个好的动员报告,能鼓舞起青年人土气,振奋青年人的精神,激发他们的热情。因而对艺术类大学生们进行思想政治教育时,动员报告是不可缺少的。
登台演讲报告。艺术类的大学生们具有开拓性和积极上进的精神,他们重视个人价值实现,追求自主独立的生活方式,思维活跃,渴望成功,善于表现,我们便可因势力导,采取一些激励式的教育手段,通过组织开展文化讲座、影视评论、文艺汇演、体育活动、社会实践等丰富多彩的活动,给艺术类大学生充分发挥和展示自己的空间,提高艺术专业学生的文化修养,让艺术类大学生们登台演讲或作报告,一则可教育引导其他青年,二则也教育了他们本人。学校或其他单位经常组织这种真挚、动情的“演讲比赛”活动,可以促使艺术类大学生们自我教育和相互教育。让他们明白自己作为一个“公众人物”的示范作用,可以加强其自我管理、自我约束能力的提高。
4.开展综合评比竞赛、奖励惩罚的方式。它是社会主义现代化建设新时期激发鼓励青年上进和推动各项工作发展的积极有效的措施。开展综合评比竞赛方式针对艺术类大学生们的自我意识和自我表现的增强以及好胜心、好学心等基本特征展开进行的。对大学生们采取综合评比竞赛的教育方式,能激发起他们的热情,达到良好的教育目的。如学校每年度在各班级评选优秀党、优秀团员、优秀班干部,就是这种典型方式的应用。同时,大学生们的经济头脑比较发达,他们往往注重经济效益。艺术类高校大学生大多在中小学时代就接受艺术教育,具有良好的艺术天赋和创作能力。其中不少学生参加过艺术比赛,获得名次,然而其往往陷入追求名利的实用主义。艺术专业大学生参加社会实践的机会相对较多,对社会现实认识较为深刻。许多学生在实习期间可以获得较高的报酬,因此更容易受到社会负面因素的影响。所以精神奖励也是必不可少的,这样既达到教育目的,又防止了他们认为金钱至上的观念的滋长。我们应适当采取一定的经济手段,配合精神奖励,来达到奖罚分明的目的。
在具体实际工作中,思想道德素质教育方法的应用,是教育者对受教育者所采取的必要手段,是为实现教育目标、传授教育内容,随着形势发展而不断变化的必要的思想工作方法的具体应用。
1.民主讨论法。针对艺术类大学生的思想实际,要采取民主的方法,讨论的方法,这也是艺术类大学生的思想特征决定的。艺术类专业大学生从小学到中学都是学校的文艺骨干,老师宠爱,同学羡慕,往往使他们自我感觉极好。可是他们进入大学后,以往的那种核心地位和优越感都不复存在,随之而来的是心里失衡、经济焦虑、学习焦虑、对艺术的理解偏颇等等。我们要把自己放在与青年人平等的位置,以同志,朋友的态度平等交流思想、交流意见、共同磋商,以换得他们的信任和理解。
2.说服教育法。通过摆事实,讲道理,以理服人的方法。艺术类大学生作为我国大学生的重要组成部分,由于专业的特殊性,使他们的心理与其他普通人文学科的大学生相比表现为更加敏感与偏激,个性张扬是艺术类大学生的普遍写照。在思想道德素质教育中,要针对艺术类大学生的思想实际,有的放矢地说服教育。要联系他们的思想情况、关心的热点,否则道理一大篇,实际不沾边,“隔靴抓痒”,可能会引起反感。针对艺术类学生的特点,准确把握艺术类学生的心态和行为规律,有针对性地开展思想政治教育工作,是摆在我们面前的一个重要课题。
3.情感感化法。工作中应晓之以理,动之以情,以情动人,情感感化法。运用尊重,理解、关心、信任等态度以情感上影响青年人,感化青年人。我们所说的“情感”,主要指具有共同目标,共同理想的,朋友同志的情感,要取得良好的效果,必须做到情真理切,情理结合,才能打动人心,达到教育效果。再结合艺术类大学生们的文艺方面的特长,使他们充分施展自己的艺术才华,通过各种健康、愉快、生动活泼、丰富多彩的业余活动,在大学学习之余,得到情趣和精神上的享受。
4.实践锻炼法。艺术类大学生们个人品德的形成,受家庭,学校和社会多方面的影响。这就必须强化实践锻炼环节。通过参观、访问、社会调查和义务劳动等社会活动对艺术类大学生进行思想道德素质教育。学校与家庭、学校与社会之间要建立有效的沟通机制,营造以学校为主体,以社会为依托,以家庭为基础的德育环境。主动走进社会、走入社区,而只有通过实践,才能理论联系实际,做到知识和行为的统一。
长期以来,我们党始终把思想政治教育工作和思想道德素质教育工作看成是自己工作的“生命线”,视为各项工作的“中心环节”,即思想政治教育工作和思想道德素质教育工作是经济工作或其他一切工作的生命线。它是我党的一大政治优势,过去它在党的事业中发挥了巨大作用,是党的传家宝,现今我们仍要发挥它的巨大作用,决不能丢弃这个传家宝,它是推动社会生产力发展的可靠保证,是进行社会主义现代化建设的需要,越是改革开放,越要加强思想政治教育工作。
这就要求我们教育工作者要充分把握当代大学生们的生理、心理、思想基本特征的新变化、新趋势、对之做恰如其分的评价,然后有针对性的选择适当正确的思想政治教育方式、方法去教育、引导他们,使他们真正成为现代化建设的骨干力量。而归根到底,振兴中华民族,创造美好未来,是要靠广大青年们继往开来、脚踏实地的艰苦努力。因此,把大学生们培养成有理想、有道德、有纪律、有文化的社会主义建设人才,是思想政治教育者肩负着的一项光荣而艰巨的任务。
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科幻大片《猩球崛起》于2011年由美国20世纪福克斯电影公司发行。影片聚焦于黑猩猩在人类的干预下进化为高级智慧生物,进而与人类之间展开一场人猿大战。该片以其惊险刺激的故事情节、震撼逼真的视觉效果以及演员精湛准确的情感表达而广受好评。以下是读文网小编为大家精心准备的:《猩球崛起》的艺术特色鉴赏相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:《猩球崛起》是好莱坞的一部艺术经典之作。影片讲述了被压迫虐待的大猩猩与人类展开了一场人猩大战并最终回到大自然的故事。该影片通过扣人心弦的故事情节和发人深省的艺术构思,揭示了一部成功的影视作品既要有深刻的故事内容又要有巧妙的艺术形式,这两者缺一不可。本文主要从艺术特色角度考察《猩球崛起》,认为该影片呈现出非凡的艺术特征,表现在互文与戏仿的穿越、科幻与现实的交融以及批判与警示的建构等方面。
《猩球崛起》是2011年10月在中国上映的好莱坞巨片,被誉为新世纪的视觉盛宴。作为世界瞩目的一部电影,《猩球崛起》确实以独特的艺术魅力和感染力给影迷带来了酣畅淋漓的视觉享受,是名副其实的好莱坞艺术典范。基于此,《猩球崛起》成为影视评论家近年来关注的焦点。截至目前,有关《猩球崛起》的国内外影评数不胜数,而且评论视角迥异,叙述方式广泛。就我国学者而言,对《猩球崛起》的研究也如火如荼:有探讨其文化内涵的,如于淮、王少康讨论影片中的自由主义信念、英雄主义情结、拜金主义思想和危机意识等文化因素;有探讨其语言的,如谢枝龙、何小霞从语言控制机制角度探讨凯撒能够开口说话的蜕变过程;有借助文学理论对影片进行解读的,如吕莹莹、徐加新、唐梅通过米歇尔?福柯的规训权利概念研究影片中的规训与惩罚主题。
有更多的中国学者则视该影片为生态电影的佳作,他们从生态视角分析该影片的内涵和外延,如赵青以及丁燕等等。但是,从艺术特色角度对《猩球崛起》进行解读的中国学者及作品还很鲜见。为此,本人试从艺术特色鉴赏视角对该影片进行研究,旨在说明一部成功的影视作品需要有巧妙的艺术形式与深刻的故事内容。这两者缺一不可。
从某种意义上说,《猩球崛起》之所以让人叹为观止,一方面在于导演具有非凡的艺术构思,另一方面在于该影片本身立意高远、发人深省,让人回味无穷。
影片讲述了一只名叫美瞳(Bright Eyes)的大猩猩,原本自由自在地生活在美丽的大森林,却被疯狂的人类捕捉,之后关进了实验室,并被强行注射了ALZ-112药物,用于验证人类正在研制开发的抑制脑神经萎缩药物的有效性。当时美瞳已有身孕,为了保护腹中的胎儿不受伤害,她本能地攻击了实验室的工作人员。其自然兽性的流露遭到人类的抵抗,最后被血腥地击毙在会议桌上。美瞳产下的小猩猩侥幸存活,被威尔博士收养并取名凯撒(Caesar)。凯撒遗传了母亲的基因,聪明过人,其智力甚至超过同龄儿童。凯撒在威尔家中度过了幸福的时光,然而内心深处,他更向往外面自由的世界。威尔的父亲查尔斯被注射ALZ-112后,老年痴呆症状有所好转,但是随着药效降低,病情则比以前更为严重。
当他病情发作犯了错误受到邻居的谩骂责难时,屋内的凯撒被彻底激怒了。他冲出房门对粗鲁的邻居进行了攻击。自此悲剧开始,凯撒被关进灵长类看守所,受尽了屈辱和折磨,在这里他也逐渐认清了人类凶残、虚伪、自私的本质,开始对人类产生仇恨。他凭借非凡的智力成为看守所里的英雄,并率领众猩猩突破人类各种关卡和封锁,穿过金门大桥,抵达他们的自由王国红木林。当威尔因为自我欲望恳请凯撒回到从前的生活时,凯撒说了句意味深长的话:“Caesar is home!”这种探讨人性与兽性、自由与反自由、自然与科学的伟大影片,对人类的启示是何等的巨大和深刻!这些无不归功于影片中所揭示的生态伦理、人生哲理已经与其艺术形式完美地融为一体。
(一)互文与戏仿的穿越
互文与戏仿是《猩球崛起》宏观意义上的一个显著艺术特色。从根本上讲,《猩球崛起》不是一个孤立的艺术文本和个体存在,它的成熟与完善是对前历史文本互文与戏仿的结果。尽管《猩球崛起》的导演很高明,他尽量淡化这种艺术手法的呈现,使互文与戏仿的手法化有形于无形,目的是让观众陶醉在他精心设计的人猿矛盾与故事情节当中,但是在《猩球崛起》的艺术呈现中,互文与戏仿的确作为一种客观存在,显示出其独特的个性特点。其实早在1968年,好莱坞就曾拍摄过电影版的《人猿星球》。
在《人猿星球》创造了一个传奇之后,好莱坞又连续拍摄了四部续集,包括1970 年的《失陷猩球》,1971 年的《逃离猩球》,1972年的《猩球征服》和1973 年的《决战猩球》。由此可见当时影迷和影视导演对其重视和欢迎的程度。2001年好莱坞著名导演蒂姆?伯顿以最新的特效技术再次翻拍《人猿星球》,结果依然是非常火爆。2011年的《猩球崛起》可以说是集中了之前所有人猿电影的艺术优势,而且纵观《猩球崛起》与《人猿星球》《失陷猩球》《逃离猩球》和《猩球征服》的主旨和内容,我们会发现《猩球崛起》与这一系列电影有着许多千丝万缕的联系。
此外,我们还发现《猩球崛起》及上述人猿影片互文与戏仿的第二层面,即这些影片的创作灵感和艺术构思都是来自法国著名作家彼埃尔?布勒(1912―1994)的《人猿星球》。据说布勒曾在20世纪60年代的某一天,在他所住城市的动物园里看到铁笼子里玩耍的猩猩充满忧郁和无奈,于是他突发奇想,要写一部“未来猿族统治人族”的科幻小说。1963年,他的愿望实现了。布勒把他的“动物园幻想”最终变成了《人猿星球》。而随着该小说的出版发行,好莱坞以人猿为主题的电影也随之接踵而至,并且从各个层面和角度展现了人类与自然的微妙关系。
(二)科幻与现实的交融
对科幻与现实关系的关注和界定是《猩球崛起》在塑造影视文本时体现出来的艺术特色,凸显出极强的艺术张力。《猩球崛起》是一部科幻大片,但又基于现实的客观事实,是科幻与现实交融的完美杰作。故事里的猩猩智力过人,富于同情心,有组织有纪律,能够联合起来与人类对抗,充满想象而又富于科幻的内容。但是该故事不是发生在遥远的将来,而是发生在现实中的美国旧金山。
这种科幻与现实的联姻让我们感觉到科幻源于现实,而现实中又充满科幻。这种艺术的错觉开启我们的想象之门,引领我们进入栩栩如生的虚拟世界,同时不忘将我们带回现实,启迪我们对现实生活进行反思。《猩球崛起》里谈到的老年痴呆症是当今世界一个重要的社会现象,如何预防老年痴呆和开发何种有效药物是科学界亟待解决的问题,这自然涉及进行科学实验的人类和在自然界自在自为的动物之间的关系问题,因为在现实生活中人类确实会把不同的动物作为科学实验的对象。于是乎,人与大猩猩的伦理关系通过科幻这种艺术手法巧妙地结合起来。影片中威尔博士的父亲查尔斯患老年痴呆是一个现实问题,借助其他动物做实验是现实问题,通过研制新药缓解老年痴呆患者的痛苦也是现实问题,但是有这样一种科学假设:如果科学家研制的新药对人类作用不大,而对实验的动物效果显著,就会产生像凯撒这样的超自然生物,在智力和能力方面远超于人类自己,那么人类不就是作茧自缚、玩火自焚吗?很明显,影片里的ALZ-112是科学的象征,ALZ-113是科学发展的象征;
而美瞳和凯撒不仅仅是猩猩的象征,他们更代表了整个自然界的生物群体。一旦科学这个“潘多拉盒子”利用不慎,就会造成人类与自然的失衡,人类与自然界各生物体的冲突和对抗。猩球真正崛起虽然是科幻,但是在人类社会里也不是没有可能。要知道以猩猩为代表的灵长类动物可是与人类关系最近的群体,如果人类不善待他们,继续对他们进行无端的惩罚、责难和迫害,总有一天他们会像凯撒一样对人类说“No”。有动物会像人类一样说话,或者有动物会像人类一样有智慧地反击,这种看似不太可能的事情其实潜伏着成为现实的巨大可能。因此,《猩球崛起》告诉我们:科幻与现实结合之后,科幻就可能会变成现实。
(三)批判与警示的建构
批判与警示是《猩球崛起》的另一个艺术特色,而且批判与警示的完美建构使《猩球崛起》富于哲学的内涵和外延。影片中,主人公威尔为了研制抑制脑神经萎缩的药物,不仅牺牲了美瞳以及与美瞳一起被捕捉来的12只猩猩,还间接地把关押在看守所里的诸多猩猩牵涉在内。虽然他收养了凯撒,但是在刚开始时也是出于一种无奈和道义;虽然他把凯撒当作自己的儿子,说自己是凯撒的爸爸,但是他的主要目的还是把凯撒当作自己的实验品,自始至终他都没有放弃研制ALZ-112和ALZ-113的决心和意图。就连他自己的亲生父亲从某种意义上都是他的实验品。不过,在他女朋友卡洛琳的启发下,威尔有所转变,但是人类的自私和潜藏的弱点在他身上还是有所体现。
他的女友曾经批判他:“You try to control something that is not meant to be controlled.”(你想控制一些你不该控制的东西。)他似乎不以为然,因为他认为自己有事实依据(如威尔的父亲注射ALZ-112后精神状态明显好转,凯撒遗传了母亲美瞳ALZ-112基因智力超群),证明自己所做的是有意义和重要的工作。威尔代表的是一批固执己见的科学家。他们将毕生的精力投入到科学研究中去,但是与此同时,他们也忘记了自己是谁,忘记自己来自何处,去往何方,忘记自己与自然的关系本来应该是和谐统一的,而人是不可以逾越在自然之上的,更不能为控制其他物种而为所欲为等这些人类最基本的生存准则,否则,就会遭受天谴和自然的惩罚。影片中,视猩猩为异类,对其进行蔑视、侮辱和残害的灵长类看守所所长的儿子,最终引起猩猩们的公愤,并在它们集体出逃时被打死;抑制脑神经萎缩药物的投资人和赞助商史蒂文,是人类金钱和物质利益狂热追求者的代表,因贪婪和残暴最终也被黑猩猩推向大海;就连威尔的助手、遵从史蒂文的命令杀死12只猩猩的富兰克林也惨遭厄运,因为科学实验出了意外而中毒死亡,同时将病毒间接传染给一位飞行员,最终将病毒带给全球,正应了“恶有恶报,善有善报”的警世恒言。威尔给父亲注射ALZ-112疗效不彻底的事实表明,科学并不是万能的。
在父亲弥留之际,威尔坐在父亲床边准备给他注射药性更强的ALZ-113,但内心却是极其地犹豫,显示了他自己作为科学家对科学应用的怀疑和不确定。在注射与不注射的抉择中,父亲像一位哲人拉了拉儿子的手,意思是不希望儿子对他的生命进行人工干预,主张一种自然的生死之道。人类与猩猩的金门大桥之战告诫人们不要低估其他生物体的智力和潜能,人类绝不可以狂妄自大,唯我独尊。相反,人类要学会善待自然、善待一切生命个体,与他们真正地和平共处,因为善待自然和其他生命个体其实就是善待我们人类自己。
《猩球崛起》是新世纪的视觉盛宴,也是好莱坞的艺术典范。导演鲁伯?华尔特在该影片中通过发人深省的故事情节和扣人心弦的艺术构思,揭示了成功的影视作品需要有巧妙的艺术形式与深刻的故事内容,这两者缺一不可。作为预言未来的科幻作品,《猩球崛起》因为非凡的艺术特色备受影迷的青睐,里面不仅有互文与戏仿的穿越、科幻与现实的交融,还有批判与警示的建构。总之,《猩球崛起》是一部体现人类与自然生物伦理道德的优秀影片,同时也彰显了极高的艺术价值,值得我们进一步地体味和思考。
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油画传入中国后,在百年的发展中,坚持了写实的传统,形成了写实的创作主流。而新时期下,主客观环境都有了新的变化,当代中国写实油画在生活观察、人文关怀、绘画语言等方面,都呈现出了鲜明的艺术特征。在当代多元语境下的中国写实油画并没有追随西方现代主义和当代艺术潮流,而是潜心写实语言研究,在技法、精神品格等诸多方面进行发展和突破。以下是读文网小编为大家精心准备的:关于中国当代写实油画艺术之真、善、美的探析相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘要】中国写实油画艺术发展至今时,取得了令人欣喜的成绩,与此同时,亦留有较大的提升空间。本文主要就“写实”艺术手法的运用,画面意象化的表达及写实油画的民族化体现这三个方面来探讨中国当代写实油画艺术之于真、善、美的体现。
【关键词】写实;真;善;美;精神
由于中国社会、文化的发展,历史的变革,西方艺术伴随文化知识进入中国,中国油画艺术在落地发展之初便是以“写实”的而貌呈之于众。据可查证的资料记载,游文辉作为中国较早学习欧洲油画的实践者,其画作己见写实手法。时至清朝,不少西方传教士入住中国宫廷,其中以宫廷画师郎世宁为代表,所作画作将西方写实技艺嵌入中国绘画当中,这些早期的西方写实技艺及审美的介入对中国写实油画的起步起到引领性作用。之后“洋务运动”促进西画在中国传播,为学习西方先进科技文化报孝国家,许多画家相继留学日本、欧洲学习油画技艺,带动了写实之风,推动了中国写实油画的发展。
初期中国写实油画主张以写生为主要手段,提倡以科学的态度进行艺术创作,当中以徐悲鸿的影响最为深远,其建立的艺术教育基础主张依循现实主义原则,忠于对客观的描写,强调师法造化和基础训练,培养了大量具有写实功底的美术人才,如赵峻山、金引璋的作品体现出深厚扎实的写实技艺。
抗日战争爆发后,中国油画进入曲折艰辛的发展时期,
这一时期的画家不可推卸的肩负着国家与民族命运的使命感,所作画作更具历史意义,中国油画的发展被融入重大的现实题材,增强了艺术创作的深刻现实意义。
新中国成立后,写实油画受到党中央的重视,当时的美术领导者认为油画这种绘画工具所形成的写实技巧对描绘现实生活有较强的表现力,因此写实的现实主义绘画获得了得天独厚的条件进而大力发展。之后中国写实油画直而现实,历经跌宕。有回归现实的“乡土情”,亦有对中国写实油画的反思之后的新认识及探索。
20世纪70年代末至80年代初,写实油画进入黄金发展期,涌现出大批优秀写实油画作品,其中以陈丹青的《西藏组画》、罗中立的《父亲》、何多苓的《春风已经苏醒》等作品为标志,作品流露出对民族性、时代精神及现实生活的关注之情。
改革开放以后,由于受到西方现代主义思潮的冲击,西方现代艺术的引入使得油画语言丰富起来,中国油画出现欣欣向荣的局而,同时,使得中国油画的写实主义一时间迷失了方向,相当数量的油画践行者被卷入了浮躁的西式现代运动,但同时也有许多画家潜心研究写实油画艺术,探求油画艺术的根源。
白此之后,中国写实油画艺术进入到多元化阶段,当中不乏创作出有深度,经得起推敲的艺术精品,但也出现不少的作品形式感大过于内容,认为当下的油画艺术应更具有时代感和前卫感,用背离传统的方式去创新。
中国写实油画发展至今日,其艺术技艺己然屹立于高水准行列,从初期发展的力求写实功力上的锻造与体现,到注入历史印记、人文关怀及时代精神的凸显内涵的写实油画作品,虽已是一门成熟的艺术形态,但写实油画这门厚重而经典的艺术并不意味着己走到了顶点,它仍然留有很大的空间等待去拓展。中国写实油画的呈现己不能仅仅就画而形象的逼真感,视觉感及纯粹的美感去衡量其艺术作品质量高低,它理应被注入更多的品质、更崇高的精神,这样的作品内容是真切的,是充满诚志善意的,亦是展现时代美好的,积极向上且充满现实意义的。
(一)“写实”这种艺术手法的运用
在写实油画中,“写实”作为一种艺术手法,是一种基本的绘画方式,油画中的“写实”与客观对象紧密相连,它的文化特征、艺术手法及方法都与社会生活、自然客体、精神世界息息相通,怎样写实,写实到什么样的程度,这其实就是一种再创作的过程,而非简单意义上的客观描摹,是经过主观考量过的“写实”过程,因此我们说如此笔下呈现出来的形象是真实,更是真切的,有生命力的。当然,任何形式呈现出来的艺术而貌也都被赋予一层意义,哪怕是一丝不苟的描摹。
在中国当代写实油画领域当中,有不少作品对于事物形象的处理惟妙惟肖,充满视觉感,但若细细咀嚼,却是觉着流露出造作的痕迹,为了满足视觉的强度而一味的“死磕”,形象虽逼真,却也因带来的强烈视觉撞击感而忽略掉对于内容本身意义性的体会,形象的真实感、细节感大过于内容的真切表达,这样的画而不可称之为上乘。也有的画而处理,手法过于讲究形式特点或者过于花哨,使观者的注意力始终停留在技法、手法的运用上而忽视画而内里的觉察…像这样的作品尽管炫目,却经不住仔细推敲,进而流于表象。好的写实油画作品是应该有品质,有内涵的,通过“写实”这样的艺术创作方式,不仅仅是展现出内容的真实感,细节感,更应是真切的,抱有生命力的美的体验。例如西方现实主义大家米勒的作品《晚钟》,便是用质朴的、巧妙的写实技法描绘出真挚的、感人的,充满力量感的画而,画而中的细节处理张弛有度,恰到好处。当然,也有不少的中国当代写实油画作品展现出了相当出众的艺术水准,如陈安健的《茶馆》系列,以极赋细腻感及力量感的写实手法呈现出浓郁的,真挚的,充满地域特色及时代感的画而…又如罗中立的《父亲》,以极致的细节刻画方式表达出那份可贵的伟大的情怀…在白身画而《小女孩》的实践创作中,则力图通过对于人物头部的动作及而部表情的处理来呈现出一份单纯的对于美好时代生活的期许,画而头部以较细腻的柔和的写实技巧进行描绘,刻意弱化对于服饰及背景的处理,配以强烈的色彩对比效果以达到凸显人物内心的作用,借以传递出一份积极的美好的情感…
“写实”这样的艺术创作方式,不能将其仅仅看作是体现真实及逼真效果的手段,而是要通过这样的手段,描绘出真切、美好,赋有内涵的画而。 (二)写实油画的意象化表达
在当代写实油画领域当中,许多画家为了追求画而的韵味感和柔润感,有意识的在画而艺术的处理上融入意象化的表达方式,融入浪漫,表达象征,抒发情感,使画而呈现出一种“诗意化”的情怀,这样的画而表达较之于传统的“写实”方式显得更加感性化。在中国写实油画中,亦有不少的画家在画而中去尝试这样的艺术表达方式,追求“诗意化”的画而美感。譬如詹建俊的油画作品《狼牙山五壮士》中,通过人与山的比拟造型,形成了这幅在当时艺术氛围中最有意象感和象征性的作品。又如何多苓的作品《春风已经苏醒》,年青女子伴着微风躺坐在草坪中遥望远方,作品中的形象看来真实而具体,但从形象的肢体语言到整个画而的布局,都充满了“诗意化”的情感表达,是经过有选择的概括创造而出来的形象,十分自然的流露出一份真挚的情与无限的美好。然而,亦有不少的作品,画而一味刻意追求“诗意化”的效果,在手法处理上仅仅是停留在“漂亮”与“好看”上,最终的画而效果也只是呈现出由这样一些刻意的手段营造出的虚情假意…
写实油画的意象化表达己然呈现出一种大趋势,对于画而“诗意化”的呈现也是有很多的方式,譬如常见到的融入水墨晕染的效果,画而内容象征性的表述方式,内容情节的唯美化处理…但无论是融入怎样的艺术处理手段,画而都应流露出真挚的情感,善意的,积极的,美好的思想情操,体现应有的时代精神。
(三)写实油画的民族化体现
如何将写实油画民族化,这是一个长久以来的探讨点,在西方文化孕育下而形成的油画技艺深沉而厚重,而我们要将其发扬,唯有融入我们民族的特点与精神才有着长远发展的可能性及价值意义。将油画民族化,不仅仅是从形式上或语言上找到与民族欣赏相吻合的图与像之间的关系,更重要的是对民族逻辑思维的理解。在中国写实油画这条发展道路上,一方而,西方悠久的油画传统自然有着它独特的艺术魅力,在学习过程中要不断领悟及秉承;
另一方而,不断挖掘中国深厚的传统文化,以之为依托,将油画融入中国文化的个性与气质。在这方而,不少前辈艺术家们作出了有意义性的探讨,如蔡亮的写实油画艺术便体现出如此鲜明的艺术摸索痕迹,既有反应经典革命的历史题材作品,又有踏进生活,真实描绘西北农民生活状态的画而,真挚而赋有时代意义……又如著名油画家朱乃正的油画艺术呈现了大量以人物为主体的主题性创作,无论是哪一件作品,都是产生在对当时社会环境的思考之后的创造,体现出强烈的民族情怀与关怀……
然而,在创作过程中,也常出现为了民族化而民族化的画而处理,这样只会流露出矫揉造作之感,这在当代部分写实油画艺术家的作品中有着明显的体现……中国写实油画艺术的民族化己然是发展的需要,而无论是带有怎样的目的意义,画而都应承载着真挚的情与美好,中国传统文化有太多值得艺术践行者们去探索与体悟的精髓,而艺术技艺的运用,内容的表达都应体现出当下的时代精神,融入民族内涵与气质的当代中国写实油画艺术必然能散发出大美之气……这样的艺术践行道路充满着艰辛,也带着令人憧憬的可能。
中国写实油画艺术历经百年磨砺与沉淀,无数前辈艺术家们在这条艺术道路上留下了坚实的探索痕迹,取得了令人侧目的成就,这样的成绩让人欢喜,但仍余有空间留待后继者们去实践与摸索,当代中国写实油画艺术的发展一方而要吸纳优良的传统艺术技艺与经验,将之恰当的予以应用,另一方而要紧扣时代的步伐,以中国传统文化为依托,潜心摸索与探讨,积极研讨赋有新意的艺术技艺表达方式,使之正真的融入中国民族的气质,呈现出情感真挚,充满时代气息的有内涵的美的画而。
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伴随着高新技术的不断涌现,承受多元文化洗礼的建筑设计愈加重视外观视觉形象创造,而承载了建筑形象的关键要素——建筑表皮在建筑本体结构基础上,成为建筑形式的主要表现途径。以下是读文网小编为大家精心准备的:当代建筑表皮的结构艺术表现研究相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
【摘 要】随着经济的发展,科学技术的进步,文化多元化的发展,建筑行业的发展更是给人带来了耳目一新的感觉。尤其是在文化多元的环境下,建筑设计更是空前繁荣,建筑表皮的结构艺术更是成为一种新的艺术欣赏形式,在当代的建筑设计中不断发展。关于建筑表皮结构的艺术表现形式,主要分为建筑结构形制母体、营造视觉层次以及建筑形式美感特征表现这三种。本文对当代建筑表皮结构的艺术表现做出了分析和探讨。
【关键词】建筑设计
建筑是凝固的艺术。但是在实际的建筑设计中,很多设计师不重视对建筑结构的设计,把责任推给结构工程师,这使得建筑领域存在了一个很严重的问题,即建筑结构仅仅在现代建筑建设中发挥着承重功能,空间形体美感功能并没有得到挖掘。所以,在我过的建筑设计中,往往借助其他的艺术表现形式来弥补这个问题,表达建筑的美感。但是,随着现代文化的多元化发展,建筑表皮结构的艺术表现形式也不断呈现出多样化的发展趋势,日益成为建筑设计师所不能忽略的问题。
在建筑设计领域,随着经济的发展,社会的进步,文化多元化的发展,人们对于建筑工程的建设,追求的不再仅仅是使用功能,建筑工程的空间塑造和审美功能也逐渐成为人们争相追求的对象。而对于建筑表皮来说,其在审美方面具有的重要性更不言而喻了。建筑表皮不仅仅是承受荷载,保持建筑的逻辑和理性,更重要的是其空间形象塑造的价值和作用十分巨大。
1.1 建筑物的艺术形象得以丰富
在对建筑物进行设计时,由于受到建筑功能、工程造价、施工场地等客观因素的限制,建筑形体多呈现出千篇一律的现状,使得建筑结构的艺术表现力不足。但是,通过对建筑结构艺术表现的研究,对建筑表皮进行设计,就可以促进建筑结构艺术表现力的提高。在表皮结构设计中,通过多种不同的设计实现与结构的充分互动,从而实现对建筑形体的重塑,从视觉层面上增强建筑结构的艺术表现力。在众多的建筑工程建设中,济南黄金地产大厦的设计十分典型,虽然整个建筑物的整体为方正状,但是在建筑表皮设计中,整个设计以结构构件形式为母体展开,沿构件方向进行设计,实现以线带面,立足于表皮肌理,对建筑物的形体进行了二次划分,使得建筑物的艺术表现力不断攀升,在建筑美感增加的同时工程造价基本没有发生改变。
1.2 建筑的文化内涵得以拓展
通过建筑表皮的结构设计,使得建筑结构的艺术表现形式不断呈现出多样性。在设计中,采用相应构成的方式,对建筑表皮进行重塑,增加了建筑的艺术表现力,也使得建筑形式的“能指”范围得到扩展,建筑物的文化内涵得到充分体现,建筑象征性的表现更加明显。比如济南奥体中心场馆的设计,在设计中,运用“透视”的设计手法展现给市民一个柳叶环绕的艺术形象。通过透视手法,使得“柳叶”这一特色元素在建筑结构中以若隐若现的形式被展现地淋漓尽致,给市民留下了充分的想象空间。通过建筑表皮和结构的配合,表皮形态在“叶脉”建筑结构的衬托下,顺利由“能指”转换成了“所指”,实现了对建筑文化内涵的拓展。
1.3 建筑的空间品质得以提升
专注于建筑表皮设计,不仅仅是为了达到建筑物的外观要求。但是在实际操作中,很多建筑设计者过于看重建筑外观这一评价指标,设计过程中的价值取向也受到了严重影响。在设计过程中,有些设计师片面追求建筑的外观要求,对于建筑内部功能空间的适用性有所忽略。但是基于结构艺术表现的建筑表皮设计,在一定程度上对这种现状进行了协调,使得建筑内部空间组织和外部外观形式之间的矛盾得到缓和。众所周知,建筑的结构形式深深影响着建筑内部空间组织,内部空间组织摆脱不了外部结构形式的束缚,所以在表皮设计中坚持结构表现的前提是十分理性的选择。通过对建筑表皮的结构艺术表现,使得建筑物的外观形式不断走向丰富化,也使得内部空间品质得到整体提升。
2.1 基于建筑结构形制母体的表皮艺术构成方式
理性是建筑结构设计的重要原则,在对建筑结构进行创新时,必须要本着理性、实际的态度对不同结构类型的建筑表皮进行艺术创新。以结构构件元素为母体的表皮艺术构成就是其中的重要方式。在这种设计构成中,结构构件元素的重复构成、渐变构成、特意构成是其中的重要设计手法。重复构成在表皮设计中十分常见,通过重复构成可以使建筑物的整齐度和壮观度得到提高,增加建筑结构的形式美。
通过建筑结构构件元素的渐变构成,使得建筑表皮结构的构成元素按照形状、大小、色彩等进行渐变处理,从而使整体的建筑表皮结构艺术表现力和趣味性不断增强。而特异构成就是在表皮设计中,在基本形重复和渐变的基础上对构件元素进行编排、形状和色彩的变异,从而营造不一样的整体视觉效果,增加建筑物的艺术感染力。另一方面,以结构构成形式单元为母体的表皮艺术构成也是设计中常用的表现手法。这种建筑表皮艺术形式的处理可以通过建筑结构单元块面为母体的近似构成、对比构成、立体肌理构成等方式来实现,使得建筑表皮富有情趣变化,充分增加建筑表皮的艺术表现力。
2.2 基于建筑结构形态之视觉层次营造的表皮构成方式
在当代的建筑设计实践中,经济性一直是设计工作遵循的重要原则,在建筑表皮的结构艺术表现设计中,要立足于建筑结构的形式,考虑经济合理性的原则。随着现代科技的进步,在不改变建筑结构形态的前提下,建筑表皮的视觉艺术效果也可以通过自身的构成形式变化来实现。在实践过程中,表皮肌理构成能对结构元素进行层次性修饰,通过“透视”、“底示”等方法,使表皮结构焕发生命的活力,使结构的韵律美感得到展现。另一方面,通过表皮艺术处理来营造建筑物的层次感,也是设计中常用的手段。通过材料的变化使得建筑物内部空间层次得到修饰,也使得建筑外部的结构层次更加明显。这样的设计,使得建筑结构突破了单调、单一的束缚,视觉效果十分显而易见。
2.3 基于建筑结构形式美感特征表现的表皮艺术构成方式
随着现代科技的进步,建筑工程行业的繁荣,建筑结构的艺术表现不断呈现出多样化的发展趋势,各种建筑表皮的艺术表现形式更多纷繁复杂。通过建筑物结构形式美感特征来表现建筑表皮艺术性的设计方式在建筑设计中也是一个具有代表性的方式。这种设计方式与上述两种设计方式最大的区别在于它不拘泥于建筑结构的形式,而是对建筑结构形式的美学指向回归,从而增加建筑结构与表皮的互动。用这种设计方式进行设计的建筑物,具有非常高的艺术美学价值,卢浮宫就是一个很典型的例子。虽然从视觉角度来讲,建筑结构与建筑表皮没有直接的关联性,但是却宛若一件稀世的工艺品,所传达的艺术感染力不容小觑。
随着当代经济的发展,技术的进步,建筑工程行业的设计、施工技术和工艺逐渐趋于成熟,建筑表皮的结构设计也不断在创新中获得发展,建筑物的使用功能得到保证之外,建筑的艺术表现力也不断攀升,满足了人们的审美需求。而基于建筑结构的表皮设计也使得建筑表皮的创新空间更加广泛。
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线是最古老最基本的艺术语汇,经过千百年的锤炼,线已成为造型艺术成熟高超的表现语言。尤其在中国绘画中,线不仅作为造型的基本手段而存在,而且具有丰富的内涵和独特的装饰美感。在我国,线的装饰美早在原始社会的陶器纹饰中就已初见端倪,到春秋战国时已在绘画中有所体现,后又经历代画家的不断传承和发展,最终形成了独具装饰意味的审美风格。特别是到了晚清时候的任伯年,他在继承传统的基础上继续突破创新,而且又吸收了民间以及同时代人的艺术成就,然后融会贯通,从而形成了既有时代特色,又有个人独特风貌的用线风格。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析任伯年工笔人物画线描的艺术特色相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:传统中国绘画中线条作为造型的主要手段而一直被历代画家所用。随着中国人物画的发展演变,线条本身的作用不再仅仅停留在服务绘画造型中,线条的各种表现样式逐渐上升到理论层面,形成独特的美学价值。
清末时期,海派巨擎任伯年在画坛最具影响力,他在线条方面有着突出的成就。任氏早期人物画以工笔为主,其线描样式在秩序、韵律、节奏中诠释了线条的独立审美价值,展现了线条独有的表现力。
清末时期,海派巨擎任伯年在画坛最具影响力,他在线条方面有着突出的成就。任氏早期人物画以工笔为主,其线描样式在秩序、韵律、节奏中诠释了线条的独立审美价值,展现了线条独有的表现力。任伯年不遗余力的在实践中发展与创新,向我们展现出了丰富多彩的线描形式,对现当代人物画的发展具有深远的影响。
清末时期,腐朽的社会制度在时代发展的推动下进行转变,反映社会风貌的艺术领域也在发生变化,以任伯年为代表的艺术家不仅运用新颖的艺术手法呈现出时代的新风貌,并将中国绘画的优秀传统传承下去,在传承的基础上发展创新,形成独特的绘画风格。
“学古而变,取洋而化”,恰当地说明了任伯年的学艺道路是继承优秀传统绘画,同时也吸取来自外来艺术的营养融汇贯通,终成一家。任氏最早接触人物画是受父亲任淞云的影响,其父自幼培养他背摹默写的功夫,打下了坚实的人物造型基础。1868年,任伯年到上海跟随任熊、任熏学习中国传统绘画,掌握了唐代严谨的运笔方式,也间接继承了陈洪绶的“工细双钩法”。从任伯年的资料来看,对他影响最深的就是陈老莲,如作品《摹陈老莲人物》(1867)、《法陈章侯人物图》(1881)等都说明了任伯年对陈洪绶人物画的推崇,这种推崇在他人物画作品中线条表现出的工细严谨有莫大关系。任氏早期圆转流畅的线性表现程式就是通过陈洪绶上追周?P和李公麟,受高古游丝描影响而形成的,线条修长遒劲,气势绵延。除“学古”以外,“取洋”同样也是任伯年风格形成的重要因素。任伯年的人物画受到西方写实观念的影响,塑造的人物造型准确。
任伯年作品中的线描样式丰富多变:婉转流畅的高古游丝描;方折顿挫的钉头鼠尾描;浑厚的铁线描;混描等线描样式都能在他的作品中一一体现。这里以游丝描和钉头鼠尾描进行描述。
“伯年本宗老莲,衣冠所自,旋师章草,笔墨化腾,变铁线为游线……”,说明了早期的任伯年在学习陈老莲的同时,以自己体会到的游丝描气质特征对铁线描进行着转化。如在作品《范湖居士四十八岁小像》中,人物面庞清瘦,手中握着长杖,衣带在风中飘举,人物衣纹就运用了游丝描进行描绘,线条紧劲连绵,面部运用细线勾勒,稍有淡墨晕染结构部分,人物表情丰富,充分地体现了人物的性格特点和精神面貌。钉头鼠尾描是任伯年线描的代表样式,体现出较高的辨识度,其特点表现为:起笔方折顿挫,行笔蜿蜒有力,转折顿笔提笔,收笔率意脱出。从任伯年的这种线描样式总结出其运笔时的“缓”和“疾”,将起笔时的缓和与行笔时的疾促二者相结合,形成粗细相间、节奏分明的钉头鼠尾。
任伯年的线条在自身形态上既呈现出传统高古的韵味,又不失清新的装饰性。任伯年的工笔人物画由长短不一的线条组成,所呈现的是不同的线描样式,展现出或豪放、或洒脱、或抒情的曲调。这些丰富的曲调来自于线条的组织性、韵律性和节奏性。
任伯年人物画中的线繁而不乱,在于其中蕴涵着的秩序感和规律性。他善于将自然界中无意识的组合转变为有意识的组织性和秩序性,在局部的繁杂中寻求整体的统一,在重复中追求变化,将繁杂的线条纳入自己独到的理解中,形成特定的表现形式。如《戏婴图》中服饰衣纹的处理方法,人物裙裾处婉转流畅的线条成平行状分布,线条的这种排叠组织安排不仅表现出人物服饰柔软下垂的质感,并且通过有规律的线形反复制造一种强烈的秩序感,使画面呈现独特的装饰效果。
线条的韵律性多体现在粗细、长短、方圆、曲直的变化中。粗线具有浑厚、淳朴、稳重的感觉,充满厚重之美,细线具有细腻、灵动、轻巧的感觉,属于轻柔之美。粗线与细线依附于不同的物象并呈现出不同的形态,《群仙祝寿图》中山石的用线相对于花草的用线较粗,体现了山石坚硬的质感。粗细的线条表现在不同人物身上,也因衣服材质的不同有所区别,女性人物的服饰多轻柔,多表现为细线,男性的服饰多厚实,故粗线居多。
线条的韵律性在书法中也构成了不同的书体形式,如方硬爽劲的甲骨文,圆转流畅的篆书,方圆结合的楷书。同样,在任伯年的笔下线条的韵律性被赋予了不同的线形特点,如用方折之笔表现英伟之人,用细圆之笔表现文人雅士、仕女,用游丝描表现学养深厚之人。如《女娲炼石图》中顿挫有力的方折线条体现出女娲欲炼石拯救苍生的气魄,《佩秋夫人小像》中纤细的线条体现出佩秋夫人温婉贤淑的气质。不同形态线条之间的对比也呈现出不同的效果。在任伯年的作品中,线条不仅承载着刻画人物结构以及衣纹的任务,同时,线形之间粗细的转化、长短的配合、方圆的结合,曲直的统一,在画家的手里被重构为新颖独特的面貌,以独立的形式美存在。
线条的节奏性体现在行笔过程中提、按、转、折的运笔节奏和运笔时中、侧、藏、露、顺、逆锋的变化,同时运笔力度和速度也是形成线条节奏性的基础,包括线条的轻重虚实、徐疾畅涩。“字有解数,大旨在逆。逆则紧,逆则劲。缩者伸之势,郁者畅之机”。这里说明了“力”不仅存在于看得见的线条中,也存在于线条之外的延伸处。在描绘一根线条时,不管是钉头状,圆头状还是柳叶细眉状,落笔之迹,笔锋提起,在空中要形成一个“逆”的蓄势,下笔之际,将所蓄力量稳重而爽利的“打出”,既而顿挫提笔,屏气凝神,将笔锋均匀的行走在纸面上。在笔锋离开纸面时,使笔势顺势接在画面之外,并非停留在画面中。如任伯年在多数工笔人物作品中用到的钉头鼠尾描,注重下笔时的顿挫,将力量蓄积在顿笔的一刹那,在行笔的过程中,渐行渐提,释放出所蓄之力,而非一笔飘过,轻浮华俏,缺乏力度感。
任伯年工笔人物画中的线描特色融合了线条组织性、韵律性、节奏性,画面中的线条将其独立的审美价值体现出来。简单的线形中蕴含着可见的、不可见的复杂涵义,从可见的形式中,得到有规律的组织性,体会到线形对比中的韵律感、感受到笔迹下提按转折的节奏感。从不可见的形式中体会“画外之音”,令人联想形象之外“意象性”的魅力。
任伯年的工笔人物画作品是对国画用线的精彩诠释。他给我们最大的启示是:既不拘泥于程式化的既定模式,又要善于吸取外来文化。通过对任伯年工笔人物画线描样式和艺术特色的研究,笔者深入了解任伯年在艺术上所取得的成就与贡献。任伯年的艺术贡献使他成为中国传统绘画的优秀代表人物,他的影响将继续流传下去。
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宁夏固原北魏漆棺画在我国魏晋南北朝漆画发展史上占有很重要的地位,是我国北魏漆画的杰出代表,具有很高的艺术价值,漆棺画中的图像不仅反映了中原文化艺术与周边少数民族文化艺术的相互交融,是多远文化艺术元素相互碰撞、相互交融的产物。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅议宁夏固原北魏漆棺画之艺术特色相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
浅议宁夏固原北魏漆棺画之艺术特色全文如下:
[摘 要]在中国的魏晋南北朝时期,漆画已经进入到了成熟发展阶段,特别是宁夏固原北魏漆棺画占有重要的地位。漆棺画的图像为中原文化艺术,所反映的是区域文化特点。对于探索当时的地区文化艺术特点具有重要的价值。本论文针对宁夏固原北魏漆棺画的艺术特色进行研究。
[关键词]宁夏;固原北魏漆棺画;艺术特色
二十世纪80年代,在宁夏固原县东郊发现了一座北魏夫妻合葬墓。墓葬包括四个部分,即封土、墓道、甬道、墓室,其中的墓室为砖砌,正方形的平面布局。90年代,宁夏固原的文物工作站在清理这座北魏墓葬的时候,发现了一具漆画棺,这是男性棺具。从棺盖上的绘画内容来分析汉魏时期的统治阶级意向,他们是希望拥有更为至高无上的社会地位。这些内容以漆画的艺术形式在棺具上表达出来,却呈现出了独特的艺术特点。
宁夏固原北魏漆棺画的人物塑造主要划分为三个部分,即人物生活场面、故事情节和人物野外活动场景。
(一)人物生活场面
在棺盖和前档部分绘制有墓主人生前生活的画面,人物除了墓主本人的生活场面之外,还有一名男子在屋宇的左侧画位置。这名男子身穿汉式长衣,头上戴着高帽,袖手盘膝而坐,身后还站立着左右各一名侍女。这位就是“东王父”。整个漆棺的棺盖从顶部向下贯通着金色的长河,呈现出“S”形。在屋宇的右侧为同样打扮的女子,应是“西王母”的形象,画面布局与左侧相同。从画面中对人物的描绘情况来看,人物图像为墓主人生前的待客宴饮图。人物所穿着的服饰,既有汉式服饰,也有鲜卑族的服饰。服饰的图案对研究鲜卑族的服饰以及生活习俗和地方文化具有重要的参考价值。
(二)故事情节
在漆棺的侧板上面描绘着二十四孝故事,其中的人物形象清晰,故事内容丰富而容易解读。以漆棺右侧棺板为例,所绘制的画面内容为孝子蔡顺的故事。蔡顺的母亲去世后,蔡顺伏在母亲的棺柩,伤心地哭着,看之则有催人泪下之感,并能够体会到蔡顺丧母之伤心欲绝。审视孝子故事,其艺术表达形式存在着独特之处。其一,整个的右侧棺板所描绘的都是孝子故事,但是并不会感到凌乱,不同部分都采用了三角状火焰纹饰,以使整个棺板的画面被划分为几个部分。其二,从故事情节上来看,左侧棺板的画面内容展开,所遵循的是郭巨和舜的故事内容发展进程,将几幅图画以连环画的方式排列下来。其中还体现出了人物行动的方向,使故事内容的情节更具有连续性。其三,在固原北魏漆棺左侧棺板上关于郭巨和舜的故事,对于舜的形象描绘为裸体形象,相貌上有些顽童。其四,从固原北魏漆棺棺板上画面的人物形象来看,属于是典型的鲜卑人形象。其五,固原北魏漆棺棺板两侧的棺板上所描绘的多为孝子故事,很显然本地区文化受到了中原汉文化的影响极深。在这个时期,被誉为史上第一女枭雄的冯太后开始推行孝悌思想,对固原北魏地区的社会文化也产生了影响。从固原北魏漆棺棺板的画面内容就可以体现出来。
(三)人物野外活动场景
固原北魏漆棺棺板的下层所绘制的是狩猎图,可以推测墓主生前经常参与狩猎活动,并将其作为主要的社交方式。狩猎的场面已经过度破损了,但是从残留的部分还可以看出画面人物形象生动,而且狩猎的各种动作逼真。甚至于仅仅从人物的图像的一个局部,就可以解读人物的动态形象,并判断这个人物在做什么。对狩猎的画面内容进行解读,画面中的人物是几名骑士,都在狩猎的过程中。一名手里握长矛的骑士,正坐在一匹奔驰的骏马上,回身准备刺杀一直野兽。面目表情专注,而且明显可以感觉到全身的力量都集中在长矛上。另一位骑士同时在坐在飞奔的骏马上狩猎,但是,其是在追射着一只狂奔的猛兽。狩猎场上当然离不开血腥的场面。在画面上,就有一名骑士头部就仅仅剩下了一小部分。这种血淋淋的场面会给人以真实感,更能联想到狩猎场上那种与野兽搏斗的生死场面。
远处有一座山,山峰之间有两只鹿正在奔逃着,其中的一只鹿被射中了头部,从箭的方向来看,应该是左侧也有一名骑射的勇士。与马蹄的方向相反方向,可以看到两只野猪正在被追赶着狂奔。从马蹄的方向向前看,有一座扇风,在峰顶上一只大鸟正骄傲地站立着,好像在俯视着狩猎场的一切。但是,仔细观察,就会发现这只大鸟有展翅欲飞的架势,而在山的另一边的画面也看不到了,出现了严重的脱落。不过,可以判断,山的另一边应该是有猛兽的,正在盯着山上站立的大鸟。有一点可以证明,那就是有一名骑士正坐在奔驰的马上,摆出翻身回射的姿势,似乎是在射杀这只野兽。就说明在这个脱落的位置为一只野兽无疑。透过狩猎图,鲜卑民族的“狩猎”的生活风俗被生动地呈现出来。
宁夏固原北魏漆棺画中所采用的为忍冬纹和联珠纹样两种图案纹饰。忍冬纹引自西方,传入到中国后,被称为“忍冬纹”。从纹饰上进行划分,分为单层和环形组合两种纹饰,在北朝和隋唐时期较为流行。联珠纹样主要是用于装饰实用品上,有波斯风格。比如在新疆吐鲁番阿斯塔纳墓地302号墓中,就有马纹丝织品采用的是联珠纹样。另外在石窟壁画中也会发现这种纹饰。在固原漆棺书侧板画面上采用联珠纹圆环,主要用于装饰对称画面。比如,人物的眼、眉、圆圆的面目等等采用联珠纹圆环设计。另外,也用于翩翩起舞的装束表现,长尾的飞禽等等,也同样采用联珠纹圆环设计,而且每两个联珠圆环之间都是中间加饰联珠纹,以圆环为连接点,给人以华丽之感。
综上所述,在宁夏固原发现的北魏漆棺画,是多种文化机会的结果。从地理位置上来看,宁夏固原不仅是丝绸之路的咽喉通道,而且是中西方交流的大通道。因此而形成的文明,从漆棺画上的胡、汉文化就可以解读。
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动漫电影作为一种以电影技术为基础,以动画为表现形式的全新艺术形式,凭借其特殊的视觉和听觉效果,对我们的生活和探索人类与自然环境和谐相处产生了巨大的影响。宫崎骏作为一代动漫电影大师,其作品蕴含了浓厚的人文主义情怀,而其电影音乐更是曼妙动听、引人入胜。以下是读文网小编为大家精心准备的:宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要: 宫崎骏是日本著名的动漫大师,其作品是日本乃至是世界整个动漫行业发展的重要里程碑。在宫崎骏的动漫电影中,音乐扮演着重要的角色。只有了解宫崎骏动漫电影作品中的音乐特色才能深刻理解其动漫电影的主题思想。本文拟从音乐在宫崎骏动漫电影中的重要性出发,重点分析动漫作品中的音乐特色以及音乐在作品中的具体体现,旨在揭示宫崎骏动漫电影艺术中音乐的艺术魅力。
宫崎骏的动漫电影在动漫领域有着不可忽视的重要地位,在世界范围内得到了一致的好评和反响。其影像唯美浪漫、基调寂静平和,不单纯依靠跌宕起伏的故事情节来激发人们的兴趣,只是运用简单、平易近人的基调就能轻而易举地打动观众。其作品之所以取得良好的成就,不仅剧情的发展变化功不可没,同时动漫电影的配乐也是不可忽视的,音乐一直在宫崎骏动漫作品中具有重要的艺术魅力,通过音乐与剧情二者相结合,突出表现了作品的主题思想以及作者的内心世界。音乐对动漫电影有着极其重要的价值。
首先,音乐将人物角色的性格特征和气质表现的淋漓尽致,为角色的塑造增辉不少,增强了观众对角色的印象,使得观众对影片过目不忘。其次,音乐对影片场景的重要性,随着故事情节的不断深入,音乐的融入给影片注入了或悲壮、或魔幻、或单纯的情感基调,丰富了人们的视觉感受,不断给观众带来新的惊喜和感动。再次,音乐能够渲染影片的气氛,弥补语言和视觉上的不足,突出故事的情感发展。最后,音乐对剧情的发展具有重要的推动作用,不同的故事情节运用不同的音乐表达,让人沉醉于剧情的变化之中。比如《幽灵公主》开头以基调低沉的音乐为剧情的发展埋下了伏笔,给古老的森林赋予了无限的神秘感,引人入胜。
宫崎骏的动漫电影,不仅仅依靠唯美感人的故事情节吸引观众的兴趣,同时在配乐上有着其独特的艺术性和审美性,在世界范围内获得了极大的反响和评价,取得了较高的艺术成就。宫崎骏的动漫配乐,继承了日本音乐的优秀传统,将日本大和民族的音乐元素与动漫紧密结合在一起,给予作品浓厚的民族特色,一方面使得日本本国人民很容易从心里上接受其作品,另一方面也使得各个国家的观众都能受到日本传统文化的熏陶,加强了对日本文化在世界范围内的传播。
比如,其著名动漫作品《幽灵公主》,围绕日本幕府时代的民间故事展开,其动漫情节和同名主题曲都带有浓厚的大和民族传统音乐元素。宫崎骏借助电影屏幕和动漫配乐,从整体上将日本幕府统治时期的市民生活场景呈现给每一位观众。《幽灵公主》故事内容不断发生变化,宫崎骏在给电影作品配乐时选择弦乐器,创造出气势磅礴的歌曲。动漫情节与音乐相互融合、相互补充,一方面有助于引起群众对影片的共鸣,另一方面也增强了动漫电影的艺术性和审美性,在很大程度上促使动漫作品格调和故事情节的升华。
《龙猫》是宫崎骏动漫电影的又一大作,其主题曲《风之甬道》已经成为人们心中的经典之作,对动漫领域影响深远,远远离不开日本大和民族音乐中的民谣色彩的作用。主题曲采用童声的方式进行表演,能够唤起观众对于小时候的回忆,增强了作品在观众心中的印象。《千与千寻》中的音乐《神明们》,单从名字就可以看出其具有鲜明的日本民族风情。其音乐旋律带有浓郁的日本民谣色彩,在乐器的演奏上选用三味弦,期间还伴有太鼓。从这些乐器的性质上看,不论是三味弦还是太鼓都是极具日本大和民族特色的乐器,给影片的传播增色不少。
久石让是日本著名的钢琴家和作曲家,他的音乐旋律优美、歌词清晰明了、质感亲切,被人们普遍称为简约主义音乐,亦名重复音乐。因此可见,重复是这种音乐风格的突出特征。1984年宫崎骏和久石让两人相识,在动漫配乐上达到了极大的默契,一直合作至今。一般而言,动漫电影的音乐主题很少,容易理解、方便记忆,不同的音乐代表着不同性格的人物,电影的配乐围绕着仅有的几段音乐主题不断重复展开的。然而作家并不是毫无规律、随意重复,而是按照动漫的故事情节的发展开展的。因此,简约主义很好地表现了动漫剧情的发展以及人物情感的变化。
比如,动漫电影《千与千寻》中的音乐《夏日的一天》的主题重复使用,不仅增强了人们对影片的记忆,也加强了人们对影片的理解。首先,选择钢琴这种乐器,以温柔的旋律进入主题,让人充分享受音乐带来的迷人气息;其次,运用弦乐器不断重复严重,加强了影片的气氛;最后,在音乐中又增加了合成器和组乐器等其他音色,不停的重复,势必会加强人们对音乐的记忆,产生一种熟悉感。
从宫崎骏的动漫电影中,可以发现其诸多作品都表现出了浓厚的人文主义气息,当今社会经济快速发展,人们虚荣心和物质欲望较强烈,过分追求经济的发展给自然带来了巨大的破坏,加大了人与自然之间的矛盾。而宫崎骏在影片中不断向人们展示灾难的发展,旨在提醒人们应该尊重自然、按照自然规律进行可持续发展,引导人们关注生命,其大部分作品的主题都与自然、人类、社会以及和谐有关,他的影片相对于其他动漫作品而言,进步性表现在他的作品中具有浓厚的人文主义色彩,能够引发人们的反思,其中蕴含了丰富的哲理和现实意义,他认为消极、颓废和悲观并不能解决已经发生的问题,强调人们要以积极乐观的心态面对世界、面对生活。
比如,动漫电影《千与千寻》在当今动漫领域依然享有较高的盛誉,吸引了大量观众的兴趣,其成就离不开音乐的运用。久石让选择独特的音符、变化多端的弦乐器将主人公千寻的内心情感表达的淋漓尽致,运用钢琴别具一格的韵律表达了千寻内心的孤独,悲观色彩十足。其插曲《夏日的一天》带有浓重的成人基调,让人联想到岁月流逝的悲观情绪。影片通过故事情节的不断变化表达了人们对失去的东西开始懂得珍惜,引发人们不断反思过去,其配乐充满了温暖,一点点抚慰人们脆弱的心灵,具有较强的人性关怀。《千与千寻》中交响乐和豁达的歌声交织在一起暗示最终归于平静、和谐的自然万物。音乐声渐渐消失象征着自然的平和与美好,自然万物恢复平静,而离别开始上演,珊珊公主和阿斯达卡决定共同享受富有温暖和人性的和谐世界,低沉的音乐基调巧妙地表现了离别带来的不舍与感伤。优美的钢琴演奏不仅让人渐渐遗憾战争带来的残酷,也使得人们善于发现人性的温暖和自然的美好。
宫崎骏的电影作品的主角大多是少男少女,因此,其典型的音乐特色就是童真与朴实并存,不断给观众创造出童年的顽皮和乐趣的回忆,加深了观众的印象。随着年纪的增长,愈发觉得童年是单纯的、美好的,而影片中的音乐则突出地表明了这样的美好感受,朴实的音乐基调给观众营造出寂静、平和的气氛。纵观宫崎骏的动漫电影,不难发现,影片的故事情节具有丰富的童真韵味,表述了诸多少男少女的普通生活,同时剧情的发展也常常以儿童的眼光和角度描述。
比如,影片《龙猫》配乐运用简单的音调,带有浓郁的童年趣事,和故事情节的发展环环相扣,给予观众暖暖的爱意。影片以搬家为背景,到达乡下时首先映入眼帘的就是寂静的风景,蔚蓝的天空,广阔的草坪,成群的鸟儿,两姐妹高兴极了,此时音乐随之而来,笑声与音乐声融合为一体,表现了满满的幸福感和平静朴实的生活环境。这样美好的开头,对下文故事情节的展开埋下了伏笔,给人无限的遐想。另外,龙猫已经成为家喻户晓的动漫形象,特别是它的顽皮、善良早已深入人心,象征着人们天真烂漫的美好童年生活。
在宫崎骏的动漫电影中亦真亦幻的音乐无处不在,一方面丰富了观众的感官享受,将观众带入到无限的梦想意境,另一方面从现实出发,增加了影片的现实意义。以其代表作《幽灵公主》为例,是梦幻与写实的最佳结合,增强了影片的艺术效果。在日本文化的熏陶下,宫崎骏将日本的生灵文化赋予到影片之中,《幽灵公主》就是以这种缘由出现的。
该影片是以处于战乱中的室町时代为背景的,讲述的是男主人公奋力抵抗外来的野猪神,结果却遭到诅咒,村民想要帮其解咒劝让远赴西方,在去西方的路途中遇到了很多的困难,最终走到了森林,并认识了幽灵公主,二者为着共同保护森林的目标不断贡献自己的力量。影片中采用了许多弦乐器的演奏,表现了气势磅礴的音乐感受,使得观众产生一种多愁善感的情感,具有强烈的真实性。另外,在动漫作品快要结束的时候,运用假声的音乐形式,将人们的视听带入到古老的神话世界中,给观众呈现出无限的想象力和梦幻情景。整部影片中的每一小段配乐都有其独特的意境和感受。
一是影片的开头,音乐有突出主题的作用,为影片后文的一系列音乐做铺垫,影像从天到地,加上雾蒙蒙的大山,给森林增添了神秘的色彩。选择大提琴这种乐器,将低音和影像紧密地结合在一起,给观众一种身临其境的感受,使得观众体验到了大自然的庄重与尊严。二是影片中经典的配乐即是男主人公远离故乡时出现的。阿斯达卡为了对抗野猪神,自己受到了诅咒,为了寻求解咒的方法远离故乡,开始了长远的西方之行。在远离故乡的路上,插入音乐伴奏,使得阿斯达卡与广阔的草原融为一体,给人们带来了强大的震撼力,交响乐与二胡相互结合,表达了阿斯达卡为了对抗恶魔远赴他乡的悲惨境地。三是男主人公与珊珊公主相遇时出现的音乐,好似两人一见钟情,又未直接表现出来,给予观众无限的想象空间。遇到男主人公时,珊珊公主穿衣风格非常异同,气质独特,眼神坚毅,颇具公主的风范;加上钢琴低音的演奏,给予影片暂时的寂静,使得两人之间的感情出现萌动。
电影音乐只有与电影的主旨思想相契合才会有力的衬托作品的气氛,强化电影的最高潮部分,从而提高观众的视觉感受,并拓展其丰富的想象空间。宫崎骏创作的电影,多数以人和自然的和谐共存为主题,为彰显出这种独特的自然意蕴,著名的音乐家久石让以音乐作为铺垫,绘制出了自然界的奇异之美,然后凭借悠扬悦耳的主题曲,将人们带入到了一个如梦如真的自然环境之中。而在表达以揭露现实社会形态为主题的影片中,又会通过紧张、节奏迅速、感官冲击力强的音乐进行演奏,进而触动观众的心弦。所以,宫崎骏的动画电影创作之所以经典,其中电影音乐的完美创作与融入在很大程度上发挥了作用,为广大观众带来了丰富的音乐感动与享受。
宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色相关
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随着社会经济的发展与大众审美水平的提高,中国当代城市公共艺术呈现出多元化发展的趋势,而多元化的形式又为公共艺术的理论和实践带来更多的发展空间。建筑作为一种特殊的公共艺术,是当代公共艺术的重要组成部分,并通过自身的构造、材质、色彩等充分展示其艺术性。以下是读文网小编为大家精心准备的:议现当代城市公共艺术的审美发展趋势相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:公共艺术,作为一门包括建筑、景观、壁画、雕刻等多方面内容的综合性艺术表现形式具有非常鲜明的公共性,它较传统的艺术形式显得更为复杂。公共艺术的审美发展必须摒弃千篇一律毫无特色的艺术塑造模式,在展示其美感的同时,也要注重实际功能,不能流于形式。公共艺术是一门复杂的艺术形式,要求我们从内心深处去领会它的审美价值。
公共艺术起源于美国,指的是对公共环境从满足群众的内心所需出发进行的文化、艺术设计以及用公共设施作为主要对象,利用综合性的现代设计手段实施的创造美的方式。现阶段,公共艺术的蓬勃发展依赖于政府的促进作用以及公众对美的最求对生活质量提高的内心诉求。公共艺术在现代社会对改善环境,创造公共空间,美化日常生活起到了积极的促进作用。
广义的公共艺术,指设置在公共空间中一切艺术品和艺术美化活动,可包括影视、网络、表演、音乐、节庆活动、等等;狭义的公共艺术,指设置在公共空间中的视觉艺术。公共艺术包含艺术创作、公共空间和民众参与三项要素,是在政府及专业人员指导下开展的艺术化的社会运动。在现实中,一切位于公共环境中的永久性或临时性的艺术陈列、经过美化的公共环境和艺术活动,都可以称为公共艺术。
根据这个定义,我们可以对公共艺术的可能性形式做出描述:它可以是一个具体存在于空间的物体,如雕塑、绘画、实体造型、墙、柱等;也可以是一个活动的过程,如舞蹈、表演、装置、游行、聚会,等等。但在上述这些艺术活动中,有一些是自成体系的,所以目前我们对公共艺术的关注点也还多侧重于造型艺术领域,这个欣赏课的内容暂且也限定在视觉艺术范围内。
现代社会公共艺术在城市中起到改善环境、美化日常生活、创造公共空间的作用。也在城市的形象工程构建,以及传达历史脉络等方面发挥了巨大的作用。当今社会对公共艺术的研究旨在探索公共艺术在现代社会的大背景下,利用自己综合的艺术形式来为公众进行服务。
公共艺术这个词独立出现的时间并不长,在现代社会大部分研究起源于美国。随着人们对公共艺术加深了认识,公共艺术设计逐渐成为城市发展的重要标志,对城市的发展起到了极其重要的推动作用。对于公共艺术的研究需要建立在公共艺术为现代社会提供的帮助和服务的基础上,如果脱离了这个大的时代背景,对于公共艺术的研究也就失去了意义。
所谓审美一般指的是主体与客体之间发生的美学关系。即人作为审美的主体通过实践活动从客体上感知和发现美,在欣赏的过程中认识它的美学特征。事实上,根本不存在不同程度的美,存在的只是人们在感知美的过程中所用的不同方法,从而得到了不同层次的美学感受。公共艺术的审美是积极的永恒存在的。
公共艺术的审美包括个人审美和社会审美两个不同方面的含义。个人审美指的是单独的个体对于事物的审美体验水平和品味,社会审美指的是全体社会成员对审美的总体评委和水平。它们相互补充、相互作用。在某种意义上来讲,只有社会上的每个个体的审美能力得到了提升,整个社会的审美水平才会得到改善。反过来,如果社会总体审美水平上升,那么个人也会受到感染,从而提高自己的审美修养。公共艺术的审美研究是一个复杂的过程,旨在找到公共艺术对现实生活上实现的超越,要让公共艺术审美研究为人们日常生活提供服务。
公共艺术的审美价值主要体现在通过对公共艺术的欣赏,在让公众得到审美享受的同时,进而使公众的审美能力得到提高,陶冶公众情操,塑造审美境界,推动公众的文化心理建设。
(一)公共艺术可以给公众带来审美愉悦
公共艺术是具有开放空间、使艺术创造与所处环境相结合的艺术设计,是一种视觉艺术,给公众带来视觉上的享受,使公众在体会视觉美感的同时得到审美愉悦。
(二)公共艺术可以培养公众的审美能力
首先,公共艺术近距离的接触大宗,对公众审美敏感力的培养有着极其重要的现实 意义。公众将公共艺术作为感知、把握的情感对象,充分培养了公众感知美的能力。其次,公共艺术培养了公众的审美创造力。公共艺术近距离密切接触公众,人们在充满公共艺术的空间逐渐的被感化,形成艺术造型能力,从而从根本上提高了公众的审美创造力。
(三)公共艺术有利于公众审美境界的塑造
审美境界是通过公众对公共艺术进行情感上的自我陶冶和锻炼培养产生的自由境界。公共艺术不但可以使公众获得审美愉悦,同时也可以把感性的欲望、情绪、冲动在审美形式中体现出来。通过疏导、规范和精华,将公众引向审美境界,使公众完成审美塑造。
(一)公共艺术审美发展趋势反应了国家和民族的发展
公共艺术的审美发展,是整个国家和民族发展、繁荣、进步的标志,是社会发展进步的具体体现。公共艺术在我国出现初期是20世纪60年代,在当时的时代背景,在特定的历史时期,出现了大批量的映衬当时社会现象的作品。那时候毛主席雕像,工农兵雕像等都是具有社会意义的公共艺术作品,在特殊的历史时期,体现了那个时代的审美特征和审美趣味。随着时代的发展,在改革开放的大潮下,80年代,则出现了反应中国经济迅猛发展的特定历史时期公共艺术产物,这个时期,大多是体现改革开放、人文思想等主题的公共艺术作品,从一个侧面反应了人民生活水平的提高以及主人翁意识的提高。
(二)公共艺术的发展揭示了公众的内心情感
公共艺术审美品位在彰显时代特征的同时,也是对公众内心情感的展示。从这个角度我们可以看出,公众的审美品位是随着特定的社会、文化、历史的改变而转变的,内心感受和内心所想也随着这个时期的公共艺术作品充分的得以充分展露。
五、公共艺术审美发展中体现的问题
(一)公共艺术发展中使公众审美疲劳
近年来,很多的公共艺术作品存在着重复性和普遍性,让公众在视觉上产生了审美疲劳。审美疲劳主要反映了公共艺术作品的创作者缺乏审美品位,一味的照搬照抄,使大批量的公共艺术作品都千篇一律,致力于模仿国内外的知名艺术作品,无论从形式上还是内容上,都模仿照抄,使公共艺术作品失去了艺术美感和感染力。让人们觉得厌倦、乏味、缺乏感召力,长此以往,必定导致公众的审美能力受到影响。
(二)公共艺术发展中过于追求审美特征忽略了实用性
公共艺术设计不能只基于公众视觉上和形式上的审美体验,还应当在美的基础上体现其功能性。那种只注重审美而忽略其实用价值的公共艺术设计,只能存在于特定的历史时期,在当今社会是不可取的。单纯为了审美而产生的公共艺术设计忽略了公众的参与性和使用性,只适合封建王朝。如今,公共艺术作品更加重要的价值体现是在给予人们美的享受的同时,提供人们完善的设施,给予公众参与的机会,提高大众的审美品位的同时,为公众的生活提供便利。
(一)公共艺术应具有深刻的审美体验
公共艺术未来的发展方向是为公众提供更加有深度的审美体验。深刻的审美体验式公共艺术作品给公众带来的一种内心情感的涌动,这种情感的感召力是深层次的,使公众不仅停留在对公共艺术表层美感的观赏中。如果公众被公共艺术的颜色、材料所吸引,从中得到的审美感受是没有持续性的。这种浅表化的审美是肤浅的,这种美是千篇一律的,对公众感官的刺激也只停留在初级阶段。然而,公众只有从内心深处感受到公共艺术的审美内涵,才不会很快的失去兴趣。所以,当今社会,用用艺术的审美发展趋势是摒弃美艳的表面化审美,创作更多的富有内涵的能够冲击公众内心的公共艺术作品,创造更多公众可以亲自参与审美体验的机会,借以提高公众的审美能力。
(二)公共作品的审美需要广度
公共艺术作品需要给公众一个宽广的审美体验维度。公共艺术要像一个城市一样给公众复杂、多维的审美感受,使公众获得宽广的艺术思维体验,开启公众更加宽广的视野。公众在欣赏公共艺术的同时把公共艺术与整个环境结合起来,感受城市的历史脉络。公共艺术还可以用自身的创作激起公众的内心反思,使公众对公共艺术创作的价值得到充分的认识。公共艺术也为公众提供了生态与艺术相融合的新的审美感受。公共艺术的不同审美维度体现了公共艺术的不同艺术特质和艺术价值。
现代社会公共艺术创作很容易走进一个误区,那就是过于注重审美表现的形式,忽略了艺术的真实情感和内涵。公共艺术要求我们从内心深处去体验和领会其深层的艺术价值。所以,必须抛弃形式主义的审美体验方式。提高公共艺术的深度和广度。让公共艺术带给人们多维度的丰富体验。公共艺术的本质就是用来直观的给予公众丰富的世界体验。所有公共艺术的设计和创作都必须围绕为公众提供审美体验进行。
综合以上,随着社会的发展,人们对公共艺术的研究也不断深入,由于公共艺术自身的复杂性,在实践中还存在着许多需要改善的问题。公共艺术的审美发展必须摒弃千篇一律毫无特色的艺术塑造模式,在展示其美感的同时,也要注重实际功能,不能流于形式。公共艺术是一门复杂的艺术形式,要求我们从内心深处去领会它的审美价值。抛弃浅表化审美体验,给公众提供有深刻内涵、独有启发性的审美创作。让公共艺术作品与公众进行交流,激发人们的内心情感。只有这样,公共艺术才能得到长足的发展。
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随着社会的发展,人们对居住环境的要求越来越高,社会对环境艺术设计专业人才的需求越来越大,环境艺术设计专业教育面临着新的机遇与挑战。高职院校应分析环境艺术设计专业的特点以及教育教学中存在的问题,并采取相应的对策措施,以提高人才培养的质量,这对促进高职院校环境艺术设计专业的发展具有重要的现实意义。 以下是读文网小编为大家精心准备的:探析当代环境艺术设计人才培养对策相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:社会的不断发展,对环境艺术设计人才提出了更高的要求。为了顺应社会发展的需要,高校有责任培养出符合社会要求的人才,这就使得学校和教师肩上的责任不断加重。为了培养出这样的优秀人才,学校和教师首先要做的是仔细看清楚目前时代发展的趋势,顺应时代的发展做出相应的变革,比如教学理念和内容的革新,调整师资队伍,注重培养学生的动手能力,鼓励学生拓宽自己的视野。
环境艺术设计通过艺术的方法在物质上改造人们的生活环境,在美化物质环境的同时实现人们对生活品质更高水平的追求。随着生活水平的提高,人们并不止步于追求舒适的个人家居生活环境,而是延伸到对工作环境、娱乐环境、学习环境等各类大环境品质的追求。这一方面反映出人们物质生活水平的提高,另一方面映射出人们精神生活品质的提高。人们的生活离不开各种环境,所以对舒适、美好的生存环境的追求理所应当。环境与人们日常生活中的审美、情绪、情趣和生活质量关系密切,更是当代人对生存条件新要求的体现。因此,高品质的环境艺术设计在当代生活中具有很高的价值,而社会对杰出的环境艺术设计人才的需求也十分迫切。
改革开放以来,我国发生了翻天覆地的变化,对外开放的政策使得国外各种思想进入中国,同时也对我们传统的思想和教学理论提出了挑战。国外许多先进的理论和艺术设计的理念不断冲击着国内传统的理论基础,让国内环境艺术设计领域的专业人士认识到自身的不足,并改变以往单纯借鉴和堆砌理论的做法[1]。完成了初期在环境艺术设计道路上的探索之后,相关教育人士研究出了一条把多门学科如哲学、艺术、生物、物理、心理等融合在一起的设计理论。在这一新理论的指导下,国内的设计风格逐渐多样化,环境设计功能得到开发和创新,并将个人的情怀和情趣通过环境艺术的设计体现出来。当社会的分工越来越细时,人们不断提升在艺术上的审美要求,这便直接造成了建筑行业对环境艺术设计人才需求的增加和要求的提高,原有的优秀环境艺术设计人才出现了供不应求的情况。虽然我国在环境艺术设计上相对于国外来说起步晚、水平低,但是发展的速度并不慢,尤其是近年房地产等建筑事业的快速发展,使得环境技艺设计的发展如火如荼。
在整个环境艺术设计教育发展的历史过程中,我国的环境艺术设计教育借鉴和参考了其他国家的教育模式和理念等,经过多年在中国的补充、运用和发展,培养出的专业设计人才为人们的生活环境做了美丽的改变,而且高校教师们经过学习和吸收这些理论后,明确了目前环境艺术设计人才培养的方向,即培养出具备将我国的民族个性、民族精神和民族文化通过环境艺术设计的形式体现在建筑物上的能力的新一代专业设计人士,并且能够及时顺应时代发展,不断与时俱进革新设计形式的人才,提高我国环境艺术设计人才在国际上的竞争力。
现在,国内很多高等院校都创立了与环境艺术设计相关的专业,尤其是一些综合院校和一些理工类、建筑类、艺术类院校。随着环境艺术设计的不断升温,许多高职院校以及成人教育等也都开设了相关的专业[2]。由于教育精力和师资力量的不足,造成大量本专业毕业生专业能力不足,无法全部满足社会需求的情况,所以不管是教育者还是环境艺术设计工作者都应该对这样的问题进行思考。
众所周知,我国的教育向来以理论为主,在对理论更深入的思考和探索以及将理论和实践结合起来培养学生综合能力方面重视程度不高。这样的教育方式和教育理念既限制了学生综合能力的培养,又阻挡了环境艺术设计发展的进程。因此,教育者要注重将环境艺术设计的教育理论和实践结合起来,为培养符合社会需求的专业人才建立完善统一的教学系统。
由于我国的环境艺术设计教育起步较晚,很多教育理念并未发展成熟,所以其发展仍处于初级阶段。但是,高校并没有考虑到这方面的因素,为了顺应时代的发展,满足社会需求,这些年来很多高校持续扩大招生,盲目增加招生数量,却没有考虑到如何保证人才质量,以及满足人才培养需要投入的资源。这样一方面违背了培养高质量专业人才的初衷,另一方面阻碍了该行业未来的发展。
环境艺术设计总的来说就是艺术设计,在设计和创新思想以及实际操作的技术上要求都不低,可以说是一个双标准的专业,并且有一定的难度系数。但是,在学校进行教育工作的专业教师并没有同时具备丰富的理论知识和实践经验,而该行业杰出的专业人才也很少进入课堂参与教学活动,课堂上学习的理论知识缺乏实际的经验作为支撑,无法培养出符合社会要求的环境艺术设计人才。
要培养出合格的专业人才,首先要正确看待社会发展的趋势,清楚社会发展的背景,在这个基础上,对教学的内容和理念进行补充和发展,使之完善。这就要求高校及时调整好师资队伍的结构,将师资能力高效地运用在适当的教学活动中,加强培养学生的设计能力,为其今后的实践打下基础,把师生两方面的工作做好,将人才培养体系系统化。
(一)认清时代背景,改革教学体系
随着世界经济全球化的到来,21世纪的发展变化翻天覆地。信息发展和交流的高速性,要求教育者对环境艺术设计人才的培养必须提前做好充分的准备。这都是为了能够优化环境艺术设计人才培养的计划以及清楚认识到现在时代发展的背景,保持与国际顶端的设计教育进行切磋交流,互相学习,深入学习现代化的新技术,在课堂上向学生灌输先进的教学理念、教学方法以及教学内容。有效地将我国的传统民族文化和现代时尚因素融合在一起,使我国环境艺术设计在保持自身传统元素和精髓的同时充满时尚感和现代气息[3]。比如在对设计人员进行培养的时候,督促他们时刻关注国际设计的走向,同时还要关注并参加各种相关建筑设计的比赛,以比赛来锻炼自己,检测自身的水平并提高设计的能力。
时代在发展,世界在变化,环境艺术设计教育要想跟上科学技术的发展速度,就必须革新教学的内容和理念,以积极的态度学习国外优秀的设计理念和设计风格的走向。从他人设计的杰出作品中不断总结经验,去掉不好的部分并吸收精华的部分,来辅助设计教育工作的展开,将与设计相关的所有教学活动融入到课程中去,注重培养学生的实践能力,加强并完善教育的管理力度和制度。只有真正把教育工作实践在实际操作中,才能加快实施环境艺术设计人才的培养速度,最终用科学的方法革新专业设计的教学内容和教学理念。鼓励学生多花时间到环境艺术设计的经验交流会中去学习他人的经验,作为自己能力提升的基础或者辅助手段。教师要经常性地给学生创造实地考察的机会,让学生获取更多的实战经验,这对于学生实践能力的培养具有很大的推动作用[4]。
教育工作者应不断引导学生关注外界设计的发展和变换,拓宽学生的视野从而发散学生的思维和设计视觉。尤其是现代各种电视节目的发展也将环境设计作为节目的内容,吸引优秀的设计人才参与其中的同时,为观众普及与环境艺术设计相关的知识。更重要的是,参赛者能够在激烈紧张的比赛氛围中锻炼自己各方面的能力,特别是应急能力和实践操作的能力。
(二)完善师资队伍,提高学生能力
教师是知识传播的主体,因此师资结构的完善和健全能够极大地推动环境艺术设计人才的培养以及环境艺术设计教育的发展。师资队伍的水平和人才培养的质量以及学校的教学质量有直接的关系,所以目前最紧迫的事情就是建立符合社会发展需求的师资队伍,不断健全现有环境艺术设计教育工作者的理论知识系统和实践操作能力。学校应努力为教师创造经验交流的机会,促进知识和经验的相互交流等等,来获取更多与环境艺术设计相关的信息,以更好地培养出更多与时俱进的杰出人才[5]。除了教师间的相互交流,学校还可以邀请业内具备丰富经验的从业者来与教师们进行实际操作经验和知识的探讨,或者邀请著名的专家教授等以讲座的形式为广大教师和学生讲授相关的经验和知识,帮助教师完善自身理论知识的同时提高教师的教学水平。
根据社会的要求,环境艺术设计人才必须具备这样的特点,即拥有强烈的实际操作和动手能力以及综合能力。所以教育者在教授学生环境艺术设计知识的时候,除了要加强学生的动手能力,还要注重培养学生符合社会发展所需要的能力。也就是说,社会需要的不只是具备丰富理论知识的专业人才,还需要具备很强的实践操作能力和一定的实战经验,这就要求学生在注重理论和实践能力培养和构建的同时,还要多参加相关比赛获取实战经验。总而言之,在培养的过程中,要注意理论和实践之间的相互结合,以及实战经验的获取,对培养学生的创新思维和实际操作能力以及综合能力至关重要。
社会的不断发展,对环境艺术设计人才提出了更高的要求。为了顺应社会发展的需要,高校有责任培养出符合社会要求的人才,这就使得学校和教师肩上的责任不断加重。为了培养出这样的优秀人才,学校和教师首先要做的是仔细看清楚目前时代发展的趋势,顺应时代的发展做出相应的变革,比如教学理念和内容的革新,调整师资队伍,注重培养学生的动手能力,鼓励学生拓宽自己的视野。不断完善教育体系,不断完善学生的综合能力尤其是动手能力,以达到社会需求的标准。
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20世纪80年代中期,中国当代艺术开始出现。当代艺术以一种区别于传统艺术形态的姿态出现在人们的眼前,相比之前延续“”面貌的中国美术创作形态来说,当代艺术的创作思想内涵深刻,创作手法丰富多样。下面是读文网小编为大家整理的当代艺术本科论文,供大家参考。
摘 要
青花又称白地青花瓷器,它是用含氧化钴的钴矿为原料,在瓷器胎体上描绘纹饰,再罩上一层透明釉,经过高温还原焰一次烧成。钴料烧成后呈蓝色,具有着色力强、发色鲜艳、烧成率高、呈色稳定的特点。 关键词:青花;青花瓷板;艺术表现
1 绪论
1. 1 青花概论
1.2 青花在艺术表现中的特点
青花作品用其简练的形象、夸张多变装饰手法以及精练概括的纹样处理,表现出了异常丰富的艺术形式,虽然没有新彩等多色表现手法的绚烂,但却用最简单的单色渲染出了画面的深浅笔触和形象, 是中国传统绘画文化最具有代表性的体现。青花瓷 追求线条流畅和笔力稳健,通过线描和染色可以把 不同的图案包括山水、花卉、人物和飞禽走兽表现得 淋漓尽致,有浓厚的民族色彩和生活气息。 粗略的点缀几笔,却能将人物的表情刻画得栩栩如 生,只在圆圈上点一点浓料就把小孩天真的头型表 现出来,整个画面色彩浓淡适宜,使这个青花瓷作品 看起来大气饱满和且具有层次感。
由于青花是在泥坯上绘制,而泥坯的吸水性较强,因此在绘画过程中要特别注意颜料的浓度是否合适。另外还要注意绘制的速度不宜忽快忽慢,太快则线条缺乏弹性且无力;太慢泥坯则会吸住笔尖上的颜料待烧制成功后形成黑点。因此,青花瓷的绘制技术含量极高,需要有一定国画绘画基础的人通过长期训练方能掌握。
2 青花在当代艺术表现中的应用
2.1 青花在当代艺术表现中的应用
传统的青花指的是用世代相传的工艺方式制作 出来的青花瓷,不论是从胎质、颜料、器皿造型和装 饰纹样上都是按历史时期的模式制作。而在当代的 青花艺术瓷和高档日用瓷等其他范围的应用中,青 花既继承了中国优秀的传统工艺,同时又根据人们 审美 观念的变化进行了变革和创新。
在使用范围中,青花渐渐从陶瓷器皿纹样中过 渡到其他行业里,最常见的当属青花瓷板画。虽然 青花瓷板画在传统的青花艺术表现中占有很大的比 重,但是经过创新和改革之后的青花瓷板画更多地 从最初的纯艺术品转变为一种引领时尚潮流的装饰 品,在其本身的存在意义上也有了质的变化。青花 瓷板画以其素雅清秀、妙趣天成的艺术魅力,一直受 到世人的推崇和喜爱。作为一种绘画艺术,青花瓷 板画也有别于其他的画种。首先青花的色调鲜明, 采用蓝色和白色互相辉映,给人以赏心悦目的视觉 效果;其次,在画面布局上,青花图案疏密相间,动静 结合,层次错落有致,纹样聚散适宜。青花作品所表 现的艺术形式有的含蓄而抒情,有的在写实中表现 奔放,在艺术表现力上真正做到了雅俗共赏。
在用笔技巧上也十分巧妙,有表现具象的工笔画,也有表 现抽象形式的写意画,当然还有表现规则形式的几 何形图案,各种不同的绘画表现形式任意组合起来, 能够产生变幻无穷的艺术效果。如今,更多的设计 师将青花瓷板画运用到室内和室外的环境设计当中 来,服务于人类的生活环境。景德镇陶瓷学院 国际陶艺中心的大厅中,由各种不同形态,摆放错落 有秩的青花瓷板画组成的陶瓷画墙,运用青花瓷和 采用陶土制作的墙面形成鲜明的对比,青花瓷的光 滑洁白、细腻优雅和陶土的粗糙大气、肌理丰富,再 加上日光灯光的照射,使整个墙面层次分明而不显 得突兀孤僻,青花瓷板画面的图案和造型衔接也十 分的合理。同样,青花瓷板画在室外的运用也十分 广泛,走进瓷都景德镇,你可以看见和以往不一样的 街道,最显眼的莫过于矗立在街道两边的青花陶瓷 灯柱,这是在世界上任何一个国家和地区都看不到的壮观景象,这些青花瓷灯柱都是工匠们通过 手工制作又经1 300多度的高温烧制后再将其一节 一节拼接起来的,每一节的长度大约1 m,几节连接 在一起形成一个灯柱。由于青花瓷日晒、雨打就生锈 或是产生斑点,反到使青花陶瓷灯柱更显得光彩鲜 亮,加之周边配以景德镇市树—樟树,给景德镇街 头抹上一道道亮丽的风景线。同时绘制着龙纹的青 花灯柱似乎也象征着这个城市的陶瓷技法是世界独 一无二的。
如今,青花再一次成为全世界焦点则是因为一 场世纪盛会—2008年北京奥运会的举行。在本次 奥运会中各个场景和角落都有青花的身影,如绘有“青花瓷”特色的出入口、青花元素的电话厅以及下面要谈到的奥运礼仪服等等,越来越多的设计正在 不断的注入青花元素,使得青花这一传统装饰手法 得到了进一步的推广。青花元素经过时代的洗礼,已 经不再是陶瓷器皿的专利,在世界的各个领域如现 代建筑和服装设计等方面的应用都展示了它独特的 艺术魅力。
北京奥运会的盛大开幕不仅成就了中国奥运健儿的光辉成就,同时也成就了中国服装图案行业新 的发展趋势。这一发展是和中华民族传统文化“青花”紧密联系在一起的。奥运颁奖礼服在造 型上秉承了传统青花瓷器器形优雅的特征,坎肩采 用瓷器瓶颈的设计,连衣裙下摆则是现代感十足的 A字裙造型,古典与现代的结合,使礼服在视觉效果 上给人以美的感受,充分展现出了东方女性的气质 和韵味。再加上青花蓝白相间的花纹图案搭配,使人 眼前一亮,礼仪小姐古典秀丽的韵味展现得淋漓尽 致。既在奥运会中展现了中国作为世界大国强国的 风采,同时也向世界宣扬了青花的千年文化底蕴。最主要的是青花元素的应用在服装行业掀起了一股“青花热”。服装图案开始采用青花元素,这一现象在时尚界风靡一时,众多娱乐界明星成为引领这一时尚的带头人,并以能够身着此类青花元素服装为荣,青花图案结合最能体现女性优雅气质的旗袍,将中 国传统文化的精髓展露无遗。青花图案布满整件服 装的表面却不显拥挤,在视觉效果上给人以丰富饱 满、高贵典雅的感官享受。相信此类青花图案服装 在不久的将来会成为服装市场的主流元素,被更多 的人们欣赏和受用。
另外,在北京奥运会中青花元素也已开始应用 在金融领域中。如今世界各大银行的ATM自动取款 机正以各式各样的造型和特色不断更新变化,在花 旗银行、中国建设银行推出了汽车造型的ATM自动 取款机以后,更多的自动取款机正以奇特的造型和 别出心裁的材质吸引着人们的眼球。例如,在2008 年北京奥运会上,数台颇具中国传统文化特色的“太 极青花瓷”ATM自动取款机正式在奥运媒体村中亮 相,这几台ATM自动取款机的主要作用是为观看奥 运会比赛的国内外观众,以及各国奥运会成员和新 闻媒体工作人员提供VISA卡的各项服务的。这一套ATM自动取款机的设计,在设计技法上结合了中国传统书画的“泼墨写意”手法,在造型创意上则打破了人们在日常生活中对ATM自动取款机呆
板的外观印象,整个作品所表现出来的氛围烘托了北京奥运会主张“人文奥运”这一主题思想。 青花蓝体现了 中国古老文化的古朴和含蓄,在视觉上带给人们简约飘逸的感官效果,与此同时,它的设计又与VISA品牌原有的蓝白色调相辅相成,在设计界是一次艺 术与技术的完美结合。
5 结论
随着社会的发展,时代的进步,“青花”艺术也在 历史发展的长河中不断传承和创新。它是中国古代 劳动人民智慧的结晶,艺术工匠们辛勤劳动的成果。 青花艺术在继承了自身艺术价值的同时,发展到当代仍然能够保持其古朴自然、奔放洒脱的本质,通过 不同创作材料、产品造型和图案装饰的创新和相互 搭配,展现出了当代青花艺术的时代特色。作为新时 代的“青花”创造者,必须要与时俱进,在创作理念和 创作技法上不断学习和更新,才能够弘扬“青花”的时代精神,才能够适应社会发展的需要,才能够将“青花”这举世闻名的艺术精髓发扬光大,才能使中 国久负盛誉的“青花”艺术这朵艺术奇芭盛开的更加 鲜艳美丽。
摘要:本文通过分析纪录片中声音的介入,声音的真实性,声音的艺术性,以及声音的真实性与艺术性的融合等几个方面,从声音的探索、声音观念的形成、声音的真实性运用、声音的真实与表现力、声音的艺术性制作、声音的艺术表现力入手,研究了我的毕业作品《个园记忆》纪录片中声音元素的表现力。从而得出了纪录片中声音元素的表现力——真实性与艺术性的融合是展现纪录片艺术魅力的很好的表现手段的结论。
关键词:纪录片 声音 真实性 艺术性
引言:真实是纪录片的生命,作为视听艺术的纪录片无论是画面语言还是声音语言都是为纪录片的真实性服务的。与此同时,艺术上的加工也是必要的环节,但艺术上的加工是要求在不脱离真实的基础上进行艺术的再现与再生。有人只重视画面语言,对于富有表现力的声音语言认为只是“配音”而已。其实声音和画面在表现力方面上有着同等重要的地位。对于声音来说,它在片中与画面一样是形神兼备的独特元素,声音在纪录片中有着它特殊的表现手段和艺术感染力。
1.纪录片中声音的介入
翻开纪录片历史的书本可以得知纪录片是随着电影的诞生而诞生的,从1895年12月28日,卢米埃尔兄弟拍摄的世界电影史上第一部影片——《工厂大门》(图1)的上映就标志着纪录电影的诞生。但是仅仅只有画面有时无法传递更多的信息,于是“讲解员”出现了。在影片放映的时候,他们会站在银幕旁对影片的内容进行介绍,而这种讲解形式就是旁白的雏形。虽然这时候的“讲解员”对画面的解说并不属于纪录片本体,但是它的出现也恰好体现了观众对电影中的有声语言的渴望。就像电影刚出现时电影虽然是无声的,但是在放映现场却存在着配合影片画面的音乐一样,以满足人们对“视听”体验的需求。
1.1 声音的探索
20世纪20年代的苏联纪录电影大师吉加.维尔托夫认为:电影声音也是电影的一种素材,它不能不加考虑地堆砌在影片中,需要导演做出取舍和加工。维尔托夫于“1916 年创办了个人音响实验室,以便进行音响和语言的蒙太奇组接实验”[1]。在他的两部纪录片《热情——顿巴斯交响曲》和《关于列宁的三支歌曲》中进行了声音创作的探索。在《关于列宁的三支歌曲》中维尔托夫对声音的探索拓展到了音乐的领域,他利用音乐风格及情绪的变化来传达影片的情绪,由音乐来控制段落之间的转换,由音乐来确定整部影片的基调,但是声音的运用是建立在影像传达的基础之上,两者相互影响和配合。这种声音创作的探索使得电影声音渐渐具有了各种艺术表现力——真实性的再现,控制节奏,表达情绪,参与叙事。
于是受维尔托夫的启发,在我的作品《个园记忆》(图2)中,我对整部影片背景音乐的选择上进行了探索。从我的主观想法和作品中的画面上出发,呈现出来的内容是富有自然 清新与古典气息的,我也想呈献给观众优雅与古典的场景,听到声音便可领会到绿竹丛丛,耳目一新的感觉。因此,我想到了古筝曲。古筝曲往往给人清新,优雅的感觉,而我希望我的纪录片正是这种基调。
1.2 声音观念的形成
说到纪录片创作不得不提的另一个重要人物就是20世纪30年代的英国著名纪录片导演约翰.格里尔逊。在纪录电影领域中,格里尔逊除了对影片内容、主题等表现领域进行了大胆的拓展,更表现在其对形式的开拓与创新。例如,“在《锡兰之歌》、《夜邮》、《彼特与鲍特》、《采煤工作面》等影片中对声音的使用都极富想象力,声音观念和实践都远远超过当时在摄影棚拍摄的影片”[2]。
格里尔逊同时又创造了纪录片的创作模式——即“画面+解说+音乐”。通过这种形式,由画面与解说以及音乐的不同组合关系, 也使得纪录片的风格产生相应的变化。但是,格里尔逊的创作观念有一定的局限性,并对后世的纪录片创作产生了极大影响。但有的时候这种模式由于常常运用权威性十足的、说教功能强大的画外解说词进行宣教,太过于明显地强调了创作者的意图和理念,使声音,尤其是解说词遮蔽了画面所要传达的信息。因此,“美国电影理论家比尔.尼柯尔斯曾经在《纪录片的人声》一文中指出这种模式的不足在于解说词与画面的脱离。所以,二战之后, 格里尔逊模式便销声匿迹了, 继之而起的是所谓‘真实电影’派。不过, 虽然‘真实电影’能够向观众提供现场实况和豪不掩饰的生活状况,但缺少对生活的思索和对背景的开掘。于是,20世纪70年代以后,很快便出现了访问谈话式和个人追述式两种新的模式”[3]。
在这个过程中, 纪录片中的声音经历了从“说给观众听”到带着大家去生活中“寻找生活的丰富性与多样性”。而不论是哪种创作模式,声音都为纪录片的真实性、艺术性的表达起到了重要的作用。在这种观念的影响下,我们国家也渐渐出现了一大批深受观众喜爱的纪录作品,比如《望长城》、《话说长江》、《沙与海》、《英与白》、《故宫》、《小人国》等作品。在了解到这一转变观念过程的我的作品中就特别注意到了这一点。不论是在影片解说词的设计上还是背景音乐的选择上,我都特别注意还原个园一个给人真实性与艺术性的特征。因此,在影片解说词的设计上我经历了呆板的描述到个人有感而发的过程,以我的亲身经历与感触写下我想要达到的声音解说词的理想效果。
2. 纪录片《个园记忆》中声音的真实性
2.1声音的真实运用
“纪录片是以现实生活的原始内容为基本素材,真实纪录人类社会生活为根本宗旨, 真实性和客观性、体验性和思考性是它吸引观众的主要原因„„”[4]在纪录片创作中,同期声的使用不仅是纪录片再现真实性的重要手段,也是表达情感、进行故事叙述的重要手段之一。虽说不用现场同期声,而用解说词的话,艺术魅力会大大的减弱,但是在我的创作作品中却弱化了同期声带来的效果,强化了解说词的魅力。因为我的主题是个园这样一个风景人文的、纪录人的观赏情感的纪录片,因此我更多的是想通过我的探索与研究以普通游人的观点真实的纪录下来,再以解说的方式让大家了解到真实的个园,这或多或少也代表着普通大众的看法,所以更能贴近观众的的内心,让大家通过我的纪录片中的解说对个园有一个更具体更清楚的认识与感受。就像前段时间热播的《舌尖上的中国》(图3)一样,不看画面先闻其声我就能真实的感受到那食物的美味。当然这与解说人也有着很大的关系,解说人情感、语调的等真实流露对整个纪录片的好坏与否都有着莫大的关联。
因此在我的作品解说人的选择过程中就出现了很大问题。一开始,我觉得用自己的声音就行,因为我自认为普通话发音什么的还是比较标准的,于是我就先录了一遍我自己的声音做解说词放在我的作品中试听了一下,没有想象中的感觉理想,可能因为是自己的声音再加上录了很多条有点听觉疲劳,感觉不出什么毛病。于是我就立马渲染出影片发给了指导老师,让指导老师给我指一指当中的毛病。果不其然,指导老师一听就发现了其中的问题,我的解说词的配音发音虽然没什么问题但解说时没有加入自己的情感,整个解说平平,无法让人有种感同身受,身临其境的感觉,声音的真实性的表现完全没有,同时老师也建议我找个男声来配可能效果会更好。
俗话说“巧妇难为无米之炊”,前期录音质量的好坏直接影响纪录片最后的表达效果。于是我重新思考了作品中声音的真实性到底该如何表现出来。这时我脑海中已经有了配音的人选,曾经和我一起参加过诗歌朗诵的我的同班同学——***,他的声音很富磁性且平时说话听起来也很温和,和我的作品所呈现出来的画面很谐调。因此我找到了他,在配音当天不像我第一次那样飞速的读完就收工,我们一起讨论着,反复推敲着,我们也一起看了《国家宝藏》、《舌尖上的中国》等电视纪录片,研究了里面声音的处理,学习并探索着录完了解说词。随后就立马配到我的纪录片当中,效果果然立竿见影。声音并没像先前那样脱离了画面与解说的真实性,反而有提高了我整个作品质量的感觉。闻声就有身临其境的感觉,也像是一个温柔的倾述者提醒着你个园的魅力所在。同时我又发了一份给指导老师,老师也很满意这样的效果。我的心里也充满了欣喜,因为我的努力没有白费,声音的真实性在我的作品中得到了充分的运用,这更加促进了我继续深究的动力。
2.2 声音的真实与表现力 纪录片最大的魅力在于真实,它以现实生活的原始内容为基本素材,真实纪录人类社会生活为根本宗旨。因而,真实性和客观性、体验性和思考性是它吸引观众的主要原因。纪录片的真实不仅在于内在的内容与逻辑真实,也和外在的画面与声音真实息息相关。那么,在纪录片创作中,声音的真实与表现力是如何展现出来的呢?下面我就做一个简单的举例分析。
随着当代纪录片创作观念的变化,使纪录片更加强调真实与表现力的作用。例如《舌尖上的中国》吃粽子的细节。粽子有清新的粽叶味道,香气扑鼻的糯米味道,但糯米黏性带来的食欲,我们不会特别注意。当粽叶与糯米分离时的那个声音,也是引起食欲的一种体现,听到粽叶与粽子分离的声音时,视觉与听觉互动,声画同步,其表现力给人最大限度的真实性感受。
对于真实性的体现,各种体现客观本质的同期声都是重要的元素——无论是被采访者的现场谈话,还是现场的各种音响。同时在创作中还会涉及一些非同期声音,包括解说词、无源音乐[2]和音响资料。再比如《舌尖上的中国》中倒绿豆的声音,用到的是鱼粮,把鱼粮倒在一个防晒服上,来模拟一捧绿豆倒在袋子里。摄制组使用的生活音效基本上都是来自于生活,用的东西也都是生活中常见的东西,比如说木桶、脸盆等。如此组合起来的声音最大限度地还原了现场。其真实的表现力也发挥的恰到好处。
那么,在我的这样一个纪录风景人文,以纪录人的观赏情感的作品中,该如何将声音的真实与表现力展现出来。在上面一个小结我提到了我尝试了弱化同期声带来的效果,增强了解说词的魅力,于是声音的真是与表现力就要在解说词中体现出来。比如在解说“个园之名甚‘个’据扬州人讲当年园主人为求园名,花了不少银子,才有了个园这个名字。清袁枚有“月映竹成千个字”,而园主又爱竹,于是乃取竹中之个且形似竹叶才有了这个名字。其实个园的用心还远不止于此。„„”这一句时,解说人的情感基调是淡淡的的讲述,但是其中又有从疑惑到明了到感慨的一个过程。细微变化中让人深深体会到个园的每一处用心。如此解说词与解说人声的结合也最大限度的还原了身临其境的感觉。这种真实与表现力也是我所想要传达出来的。
3.纪录片《个园记忆》中声音的艺术性
3.1声音的艺术性制作
纪录片音乐的选取一定要与纪录片所表现的真实主题为基础,再加上艺术性的处理从而能从一个侧面来体现纪录片的艺术风格特点。纪录片《故宫》(图4)中声音的制作是兼民族与大众、传统与现代、古典与流行于一体的艺术性创作。既带有浓郁的中华民族音乐的风格特点,又有世界性、流行性很强的音乐,能够更好地吸引不同地域、不同文化、不同层次的观众。著名作曲家苏聪、唐建平、张广天等人为《故宫》专门创作了100多分钟的各种主体的音乐片段。音乐中所描述的环境和氛围也是多种多样的,为了能更好的体现影片的内容,每段声音都带有艺术性的制作。比如朝廷的祭奠就用了凝重庄严的声音,孩子的游戏就用了欢快活泼的声音,战场的杀戮就用了激烈残酷的声音,宫廷的阴谋就用了阴暗灰蒙的声音,历史的厚重就运用了浑厚雄壮的声音„„这么多声音的完美组合,很好地表现了影片的内容,由此可见声音的艺术性制作对纪录片中声音的表现力有着极大的作用,并将声音的艺术表现力在纪录片中运用发挥的淋漓尽致。因此,在没有那么多专业人才和设备的我的个人毕业设计作品中,如何进行声音的艺术加工,又能在我的纪录片作品中很好的发挥出来成为了继解说词后又一个需要我深入研究与思考的重大任务。
首先,在声音的探索那一小结中我有提到我给我的作品的艺术风格定位是富有自然清新与古典气息的,并且要在真实的基础上进行编辑与处理。于是,我想到了古筝曲,古筝曲往往会给人一种古典、清新、优雅的感觉。又有前人留下的典范,比如纪录片《老舍先生》京味十足的单弦音乐的运用以及纪录片《龙脊》中富于民族气息的民歌《四季歌》的运用,都很好的利用了音乐来凸显的纪录片的艺术表现力。因此,更坚定了古筝曲是我的不二选择的想法。经过很多次的筛选,最终确定了《高山流水》这首古筝曲作为我的主题音乐。听到高山流水很多人会想到伯牙与钟子期的至真友情,“伯牙摔琴谢知音”不也与人与自然的和谐关系是同等道理,对于我真实的表达我作品也有着促进的作用。我的纪录片作品中展现出来的春山苍翠,夏山香浓,秋山飘丹,冬山飞霜的内容,在声音的截取与制作时我特别注意了对之进行艺术性的加工与处理。春景我截取制作运用了生机盎然、轻快明亮的音乐,夏景我截取制作运用了热情洋溢却又有点清清淡淡的音乐,秋景我截取制作运用了美好明丽的音乐,冬景我就截取制作运用了静静的又有点惆怅的音乐。完成了这一系列的声音的制作再加以艺术的整合,我觉得也能很好的表现影片的内容。经过这么长一段时间的声音的艺术性的加工与制作,使我更加深刻的意识到纪录片中的声音都不是随随便便出来的声音,都应该有他的真实意义与艺术意义的存在。声音的艺术性制作也就是这么一个神奇与巧妙的存在。
参考文献:
[1][2]单万里主编:《纪录电影文献》中国广播电视出版社,2001,第214,39页
[3][4]陈国钦主编:《纪录片解析》,复旦大学出版社,2007,第157,15页
[5]马歇尔.麦克卢汉著<加>:《通讯中的探索》,中国社会科学出版社,1996,第112页
[6]王禹偁<宋> :《官舍竹》
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