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在当前的教育环境下,培养真正符合时代发展和社会进步需要的教育人才,仍是师范院校美术教育专业肩负的重任。师范学院美术教育专业要重视和加强学生的师德教育工作,努力提高学生的思想政治素质、职业道德水平,让学生树立作为未来教师的职业理想,以培养“德艺双馨,全面发展”的美术教育人才。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈师范院校美术专业学生美术素养的培育相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘 要:培养美术作品欣赏能力是培养美术专业学生美术素养的重要内容,也是提学生文化艺术修养的有效途径,对培养学生的综合素质起着重要作用。实施和推进素质教育是现代社会发展、进步,人类文明升华的客观要求;也是构建社会主义和谐社会、和谐校园的内在要求;更是体现“以人为本”,培养高素质师范类美术专业人才的根本任务。
美术课程是一门艺术类教育学科,有助于培养学生的审美观念、审美能力、综合素质、道德情操,激发学生的想象力和创新创造精神,推进学生的全面发展,是其他教育形式所无法替代的。美术教育不但能培养学生的审美情趣,而且对学生的观察力、想象力、创造力的培养和发展都有非常大的作用。美术教学对于培养和发展学生的美术素养,促进学生创造性思维和创新能力的发展,培养学生个体具有独立性、创造性、新颖性、超越性。美术作品的创作与欣赏过程也能够让学生感觉到其他学科的乐趣,更好地投身于学习和生活。如果说其它教学内容和形式赋予了学生理性的知识与技能,那么美术则赋予了学生敏锐的眼睛、灵巧的双手、丰富的想象力和一颗温柔善感的心。
2.1社会价值
美术是艺术的表达方式之一,更是一种精神意识创造的产品,还是一种人类审美认识和审美创造的产物,它体现着社会的和个人的审美观念和理想。经过上千年的历史演变与文化积淀,美术已经渗透到一切精神与事物的内部,并形成了和人类社会密切的联系。美术作品与创造力是人类文明发展的重要而鲜明的标志之一。
美术的影响力非常广泛,早已融入了社会经济发展、城市建设、人民生活的方方面面、点点滴滴。也为社会精神文明生活与物质文明生活添砖加瓦,增添了不少内容与色彩。例如:观赏性艺术、实用性艺术、绘画艺术、雕塑、工艺美术、建筑艺术、工艺美术、商业美术等,早已成为人类文明与智慧的重要体现,城市建设的重要组成部分、城市形象的重要象征。如詹建俊的《狼牙山五壮士》形象地再现了抗日战士英勇战斗、宁死不屈的革命英雄主义气概,不仅体现了中国的传统审美价值观与精神价值观,也激发了更多国人的爱国主义精神和爱国热情。美术在现实社会中不仅起着教育功,丰富和改善人们的精神世界与物质生活,也提升了人们的认知与认识水平。
2.2校园文化价值
校园文化可以说是学生参与完成学习、校园生活、实践活动的重要生存环境。校园文化主要由文化生活与精神生活等元素共同构成。校园文化在教育过程中对学生起着潜移默化的熏陶作用,而美术素养则是以自身独特的教育功能与影响力,丰富和充盈着校园文化的内容与形式。美术素养促使学生从视觉的认知体验、参与过程体验、超越自我、实现自我价值的体验等,培育和提高校园文化的美育、德育、实用、认识和传播交流等功能,能够推动校园文化的发展。
2.3学生个体成长培育价值
美术教学所体现的教育功能符合美术专业学生的身心发展规律,是实施素质教育很有效的手段。作为素质教育重要内容之一的美术教育,美术独特的个性、创造性、主体性在师范院校的素质教育教学体系中发挥着不可替代的作用。列夫?托尔斯泰指出:“人们用语言互相传达自己的思想,而人们用艺术互相传达知己的感情。”美术教育不仅是一种情感的交流,更是一种深层次情感的碰撞,对塑造人的完美个性、陶冶学生美的心灵与品格、养成良好行为习惯、树立正确的人生观价值观、建立和谐的内在品质,都具有积极意义。美术作品欣赏是美术教学中的重要组成部分,也是培养和提高学生文化艺术修养的有效途经之一,对培养学生的美术素养有着特殊的作用。
可以说美术欣赏在艺术领域、在当前素质教育中扮演着重要的角色:
(1)培养学生的观察能力和审美能力;(2)培养学生的独立思维和创新意识;(3)提升学生形态与审美意识;(4)培养学生自我超越与创新能力;(5)培养学生健全的感觉、知觉、情感、想象、理解等心理能力;(6)培养学生敏锐的审美、欣赏与创造能力;(7)促进学生文化知识层面的不断丰富;(8)有助培养学生健康的价值观、人生观、世界观;(9)让学生学会识辩社会真、善、美与伪、恶、丑,净化学生的情感和心灵,培养高尚的情操,提高人的精神境界。
(1)让学生更好的融入美术中去,让美术更好地融入学生的内心世界。实现“美术牵动学生,学生带动美术”;
(2)改善美术课堂教学场景与氛围,全面提高学生美术综合素质;
(3)加强学校美术和民间美术的有机融合,推进美术文化的传承与发扬;
(4)使学生更多的参与美术作品的创作与欣赏,提高学生学习美术的积极性;
(5)加强美术专业师资队伍建设,强化对学生的引导和教育;
(6)挖掘美术资源,加强德育教育,构筑“人格长城”――美术教学中渗透德育教育的一点尝试。
浅谈师范院校美术专业学生美术素养的培育相关
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近年来,网络信息技术取得了长足的发展,电子信息工程愈来愈受到社会各界的高度重视。电子信息工程给国民经济、生活带来了强大的冲击力,人们对电子信息工程的需求日趋增长。下面是读文网小编为大家整理的电子信息工程专业,供大家参考。
一、如何建立合同架构
(一)建设施工之前
我们必须要考虑清楚是进行总包还是分包,这取决于施工项目的复杂程度。一个施工项目包括和涉及的内容很多,比如玻璃安装、电梯安装、幕墙地板和一些需要有专业技术的工程,如安装电子监控等,这就是说,针对不同类型具体情况,我们可以采用总包加平行分包相结合的方法,对于专业性强的工程,可以专门寻找这方面的专业公司进行承担。这样一来,这个工程的施工变得有秩序,而且整体的运行效率也会有所提高。专业化和分工化,有利于保证施工的质量,就算出了问题,到时处理的时候也很方便。至于管理,可以由业务主直接管理,也可以委托总包商进行管理,到时完工后,业务主亲自检测验收。
(二)深化设计图纸
充分理解设计内容,对各专业的内容进行梳理,主要理清三方面内容,一是专业承包工程的内容和划分,二是关键设备及成套设备的类型和数量,三是专业系统工程的划分。
(三)确定对于设备、材料、系统工程的合同管理
可分为三类:
1、甲供设备:业主直接采购,主要是影响工艺生产的关键成套设备及高附加值设备。
2、甲指乙供设备:业主指定几家品牌,施工单位负责购买采购。业主参与品牌考察及价格谈判。
3、乙供设备:施工单位自行采购,只需向业主报备即可。
(四)合同构架完成后就是进行分包
但我们看到,项目内容大小不一,工作量也不尽相同,这就使一些分包商的分包数量不一样,合同额的控制程度也不一样。到底是分包数量多还失少,与分包项目额成正比还是反比,这都不能一概而论,需要具体情况具体解决。有时候,业主的分包数量小,工程价值不大,那么就对分包商也没什么吸引力,还有就是分包商的实力不是很雄厚,成为纯粹的劳资劳务,参与程度不高,那么这很有可能导致工程质量问题。所以,工程质量的好坏,取决于各个因素,不单单是项目量的大小,还有业主与承包商之间的协商关系,意见是否同意等,资金周转是否畅通等。这里边的学问可谓是无所不包,需要在实践中不断慢慢磨练和摸索。
二、建立合同架构后的主要管理工作
合同构架建立后,就要进行投标和其他一些工作,比如,项目需要多少投资、多长进度;采用什么模式,需要什么样的人才,何时进行采购等一系列问题,另外一点就是质量把关检测,这一点在工程实施前合适时候都占有一定比重,所以要格外操心。文件数据的整理,能很好的系统化整个工程的项目数据,方便查找和解决漏洞,需要的方法就是分类整理,建立条理化的系统就够框架。以上这些,对于整个工程看似不怎么起眼,却是前期准备的关键细节,俗话说,细节决定成败。只有做好这些,才能保证下一步的顺利进行。
三、结语
电子工程除了复杂之外,它的专业技能也要求相当高,所以,免不了中间会出现什么误差,所以,合同架构很是重要,在维护双方权益,彼此按照合同履行各自义务方面,确保了施工的正常进行。只有将合同管理落实到实处,而不只是一纸空文,业务主还是承包商都要具备高素质的道德品质和职业操守,认真负责,用心去做。电子工程在今后的作为大有发展潜力,只有合同才是一种法律保障,可见它的重要性是建立在法律的基础之上的,这才是电子工程进展顺利的护身符。
1 概述
伴随计算机技术的迅速发展,计算机在众多行业领域都得到了广泛应用,然而其也受到了体积方面限制,计算机技术在工业控制方面经常无法运用,所以计算机微型化是计算机技术重要发展方向,自集成电路至超集成电路,自电子管至晶体管,计算机体积在渐渐变小,一直到限制的 ARM 及单片机微型计算机,促进了计算机技术的应用和发展。很多专家与学者为研究计算机在单片机里的应用,进行了大量实践,希望发现提升单片机效率的最佳使用方式,单片机是电子行业重要部件,它在电子行业中的位置无可取代,尤其是对工业控制领域来说,一旦单片机出现问题,所有控制系统都不能正常运行工作。
2 电子工程的内涵
伴随互联网与电子计算机的不断发展,网络技术渐渐进入黄金发展阶段,这对电子技术的深入发展起了巨大推动作用。伴随互联网对社会发展及经济发展的推动越来越明显,电子工程的重要性渐渐突显出来,要更好的发展电子工程技术,提高我国的综合国力,一定要不断创新和探索电子工程技术,以促进电子工程技术获得新的发展,电子工程技术以网络技术和计算机作为基本的载体,系统性地处理与控制电子信息。依据目前电子工程技术发展情况来看,它作为系统的技术渐渐发生产业链分化,很多领域行业相互交叉的信息技术渐渐出现,这促进了很多新兴产业发展。
3 单片机的使用概况
3.1 单片机使用发展历史
在计算机刚刚出现时期,因为受性能与体积的影响,计算机还没有得到实际运用,仅仅在实验室科研室里有一些应用,用来进行简单的数学方面计算,某种程度上讲,单片机某一时期的使用还没有电子计算器受到欢迎,因为它可以自行运算,所以,人们一直很期待和重视计算机的发展,伴随电子技术不断进步和发展,计算机性能有了很大提高,体积也有了很大程度的控制。信息技术的快速发展使笔记本电脑开始出现,笔记本电脑又把计算机带入了新的发展时期,当计算机被用于工业控制领域时,它的体积仍然较大,这时人们按照实际运用需要,开始研发了以计算机架构为基础的单片机,利用了储存器、控制器工作方式,除掉人机的相互交换界面,如果要让单片机完成特定工作任务,一定要把任务写进对应控制程序内,因为无人机相互交换的界面,所以,一定要利用特殊装置完成程序输入。当命令程序被输入单片机后,还要结合对应控制系统来应用,一般情况下,单片机都要直接插进面板里,因为单片机插脚寿命有限,应用次数不能太多,不可以频繁拆卸控制程序,要解决这一矛盾问题,所以出现的单片机均支持在线输入程序。网络技术是现代化信息的基础,它对社会的发展具有重要作用,网络技术在人们生活中日渐普及,并影响着人们的需求,电子工程技术随着获得了长足发展,尤其是在医学领域方面获得了突破性进展,它推动了医学信息化的发展。
3.2 目前单片机的应用现状
因为历史原因,我国科技发展与经济发展都比较晚,和西方一些发达国家相比,单片机拥有技术水平很低,特别是单片机生产与设计工作,单片机的核心制造技术都在发达国家手里,我国所运用的单片机有很多都来自发达国家工厂。近几年 51 系列的单片机受到人们认可和广泛应用,但 51 系列单片机多数是由 ATMEL 与英特尔公司所生产,同时,对于单片机的生产设计技术,发达国家对我们一直处于封锁状态,并且限制不发达国家进口其单片机。我国要想从根本上解决单片机这些问题,必须重视单片机技术的研究与发展工作,高度重视单片机技术,为应对发达国家的封锁,我国一直在加大力量研究单片机技术,提升相关技术研发工作人员待遇,政府公布许多有关单片机的法规政策,鼓励和支持单片机的发展,加大力度保护我国单片机科技公司,所以,最近几年我国的电子业获得重大发展,我国的电子科技公司已经制造了有其产权的中央处理器,尽管这些处理器与发达国家中央处理器的性能还相差较大,处理器加工工艺也不够完善,但可以设计制造中央处理器就表明我们已经取得进步,未来也一定会自主研究和开发出众多单片机微型计算机。
4 单子工程技术特征
电子工程技术是伴随电子行业发展而形成的一门新兴学科。当今时代是信息技术高速发展的时代,要实现信息化,发展电子行业是前提与基础,通过电子工程技术可以看出一个国家的信息化水平的高低。所以,每个国家都必须高度重视电子工程技术,也因此,很多高等院校都安装信息化发展情况增设电子工程技术课程和专业。高等院校的电子工程专业学生只有完成有关电子工程技术的学习,才可以在毕业后进入电子工程有关企业从事电子工程技术方面的设计或制造工作,才能给我国的电子工程技术发展贡献一份力量。大量的调查结果和实践证明充分显示,现阶段我国的电子工程技术水平依然很低,要迅速发展电子行业,必须借鉴其他发达国家的成功经验,因为西方国家在单片机技术方面的封锁,使我国可借鉴的经验较少,我国必须渐渐探索才能发展电子工程技术。
5 电子工程技术在单片机技术里的运用
单片机属于微型计算机,目前,单片机在工业控制系统得到了广泛应用,并且经过多年发展,有关单片机技术已经日益成熟,并且逐步形成了较为完善的运用体系。正常情况下,单片机运用有两个重要部分组成,即软件部分与硬件部分。软件主要指各个控制程序,硬件主要是指各类型的电子元器件,要有效控制系统,一定要运用电子元器件来共同组建控制系统,再根据具体控制要求,有目的性的编制和设定对应控制程序,当控制程序被输入单片机后就能够实现任务控制,所以电子工程技术对单片机运用来说,在软件方面及硬件方面都有着十分重要的意义。电子工程技术的进步与发展使得电子元器件开始出现,人们普遍认为第三次科技革命的开始就是计算机的出现,同时,计算机的出现与发展又是建立在电子工程技术前提下的。大量的实践表明现阶段我国的许多电子元器件工厂的工程都属于其他国家公司,我国很少有自己本土电子工程技术型企业。伴随单片机被人们广泛用于工业控制方面,电子工程技术变得越来越重要。
6 结束语
电子工程技术对我国机械化制造能力的提升与工业现代化水平的提高具有重要作用。所以,每个国家都必须高度重视电子工程技术,大力发展电子工程技术,制定相关政策扶持电子工程技术发展。就目前来看,单片机是有效控制工业领域的核心,单片机对工业自动化能力的提升有着重要作用。我国的单片机技术经历了多年的研究与发展,有关技术已渐渐完善,并满足了人民的实际生产制造需要。然而电子行业的技术更新速度非常快,我国电子工程技术的水平一直处于较低状态,所以,我们要加大力度研究和探索电子工程技术,特别是其对单片机方面的运用,因为电子工程技术对我国信息化水平的提高具有重要意义。
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学习美术理论、理解美术的一般规律及其相关常识,对我们学习专业知识和进行专业创作,都会起到很好的指导作用。下面是读文网小编为大家整理的对美术概论的认识和思考,供大家参考。
“美术”指运用一定的物质材料,通过构图、透视、用光等艺术手段,在一定的空间中塑造直接可视的平面形象或立体形象的艺术。它是反映社会生活和表达艺术家思想感情的一种艺术形式。由于它塑造和描绘的是具体的、人们借助视觉可以感觉到的实际物象的形状外貌,这样对象的外形便是美术的基础,造形是美术的特殊功能,所以我们现仍称它为造型艺术;还由于美术形象是在空间二维或三维中展开,所以人们也称它为空间艺术;又由于美术所塑造的艺术形象是客观事物视觉形象的构成因素,人们欣赏时也是通过视觉感官感受到它的形象的,所以,美术又称视觉艺术;从它存在的方式看,它是静态艺术。这些说法均是分别从不同角度对美术进行形态上的把握,没有绝对的区分。
美术这个词,在历史上曾经有过一个演变的过程。开始,人们把美化生活的一切技艺都称之为美术,如美化生活用品生活环境、首饰服装,以及反映和表现生活诸种表象的技术,都称之为美术。总而言之,一切表现美的技术都是美术,这时主要突出的是一个作为动词的“术”字,即美之术。后来,美术一词逐渐用来专指绘画、雕塑、文学、音乐,此时美术一词虽然从动词转变为名词,但和艺术一词还没有明确地区别开来。历史进入现代,美术一词逐渐从艺术一词中分离出来,逐渐固定为一种独立的艺术门类的称谓,专指静态造型艺术,把绘画、雕塑、建筑和工艺美术等静态造型艺术统称为美术。这就是我们今天对于什么是美术的基本所指对象的界定。
造型艺术(美术)作为四大艺术形态之一,与语言艺术、音响艺术、表演艺术一样,都属于社会意识形态的艺术。它既具有社会意识形态的一般规律和艺术的一般规律,又具有自身造型艺术的特殊规律。美术的特殊性,就在于它是人工塑造的静态视觉艺术,它是美术家用一定的物质材料和工具,塑造可视的平面和立体的形象来反映生活和理想的艺术。
下大熟悉艺术理论的人,总是把美术理解为绘画。绘画确实是美术的主要品种,但不是唯一的,因为美术还包括雕塑、建筑、工艺美术等。不过,绘画是美术诸品种的基础性品种。为什么绘画是美术中最重要的一个品种?
绘画是美术中最重要的一个品种。它是画家在纸、纺织品、木板、墙壁等平面上,以笔、刀等为工具,以颜料、墨、油、水为显示材料,以明暗的点线在和色彩的点线面为形式构成手段,来塑造具有可视的一定形感、体感、质感七量感、色感、空间感的艺术形象的艺术。这种具有丰富创仓性的描绘出来的图画,既是生活的反映,也是画家世界观和思想感情的反映,它具有认识作用、审美作用和教育作用。
从绘画的种类和形式来讲,官在整个美术门类中是最丰富多彩的。从绘画的材料上来讲,它可分为:中国画、油画、丙烯画、版画、水彩画、水粉画、镶嵌画、磨漆画、铁画、素描、速写等。从题材上可分为:人物画、动物画、风景画、静物画、历史画、宗教画、风俗画等。从画幅形式上可分为:单幅画、三连画、组画、连环画。从功用上可分为:宣传画、广告画、壁画、年画、漫画、连环画、书籍插日等。各种不同的题材、画幅形式和功用的绘画,又可以采用各种材料和工具来制作,例如,可以用油画来画人物画、静物画、历史画、宗教画、风俗画、宣传画、连环画、插图,也可以甩中国画来画这些门类的画。绘画,不仅种类和形式丰富多彩,而且由于各个国家和民族在政治经济文化传统上的差异,世界各国的绘画在艺术风格、形式手段等方面存在着明显的区别。一般认为,从古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画,与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲力中心的西方绘画,是世界上的两大绘画体系。这两大绘画体系在历史上互有影响,对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度,它既可以表现现实的空间世界,也可以表现超时空的想象世界,画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解,团为绘画是可视的静态艺术,可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验,所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。
美术的形态
古今中外,美术的种类丰富多样,千变万化,而且随着科技的发展,工业生产的影响,人类创造、欣赏水平的提高等,现代美术更是精彩纷呈,新思潮、新品种、新式样层出不穷,当代美术则以其多元化趋势形成一股不可阻挡的潮流。
世界上的美术作品,从物质材料和制作方法看,可以分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术、设计、书法、工业设计、装饰艺术等几个门类,它们还可以从不同角度进一步细分。如书法可以分篆书、隶书、草书、行书、楷书等。其中每一个小类还可以进一步划分。如篆书则还包括商代的甲骨文、周代的金文、战国篆书和秦代小篆。以上分类是广义分类,狭义分类一般只指绘画、雕塑、建筑、工艺美术等。
从用途角度看,美术还可分为纯美术和工艺美术两大系统。所谓纯美术(fine art),主要指满足精神娱乐和欣赏的需求,以审美为目的的绘画、书法、雕塑、篆刻,有时也包括音乐和诗歌。因为这些美术凝结着社会文化意识和审美意识,所以有时有人亦称之为文艺美术;所谓工艺美术,我们一般将它分实用美术、特种工艺品两大类,它们主要包括建筑、园林、工艺美术、工业设计。这些美术具有一定的功利目的,能满足人们在吃、穿、住、行等各方面的物质需要。当然,这种划分也不是绝对的。如编织工艺品、玩具、绢花等,它们介乎实用与纯欣赏之间。可见,纯美术并不排斥功利目的,工艺美术也不能完全丢弃追求美的目的。
最近读了《美术概论》这本书。艺术概论是以各门艺术的普遍规律作为自己的研究对象,具体地说,艺术理论要综合地研究、考察人类社会的一切艺术现象,探索和揭示各种艺术现象共有的普遍规律,主要是研究各种艺术现象的共性问题,艺术的基本原理和概念范畴问题。这里需要明确两点:一是艺术理论与艺术史、艺术批评的关系;二是艺术理论与部门艺术理论的关系。
我们必须理解与掌握艺术概论这门课程的学习方法:
1、学习艺术概论要掌握正确的哲学——美学思考方法。如果说,哲学代表着人类理性认识的最高形式,艺术代表着人类感性认识的最高形式,它们共同构成了人类精神王国的两座高峰。那么,架在哲学与艺术这两座精神高峰之间的桥梁便是美学。正是从这个意义上讲,德国古典主义哲学大师黑格尔干脆把美学就称之为“艺术哲学”。因此,研究方法问题对于艺术理论来说尤为重要。我们应当将马克思主义美学体系作为认识和分析艺术活动的基本方法。
2、学习艺术概论要注意结合中外艺术史和中外优秀艺术作品。不了解人类的过去,就不能够认识人类的今天和未来。当然,单就我们的课程学习来说,不可能要求学习者在有限的时间内扩展大量史学知识,只需要我们了解和熟悉教材中列举的艺术史料,熟悉和掌握教材中列举的中外优秀艺术作品,并能够结合这些史料和作品来理解有关艺术理论。
3、学习艺术概论要注意结合自己的艺术体验。当代社会生活中,几乎人人都离不开欣赏艺术。但是,对于艺术概论这门课程的学习者来说,就不能满足于单纯欣赏艺术,而是应当熟悉和掌握艺术的基本知识和基本原理,通过对优秀艺术作品的鉴赏和评价,一方面可以结合自身的艺术实践和审美体验加深对艺术理论的理解;另一方面也要自觉地在艺术理论指导下,通过对优秀艺术作品的鉴赏活动,来提高自身的审美修养和艺术鉴赏力。
艺术一词给人一种至高无尚可望而不可及的感觉。艺术是人的知识、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物,是人们现实生活和精神世界的形象表现。研究艺术的学科是艺术学。艺术学概论是一门研究艺术活动基本规律的课程。作为一名艺术专业的学生,我感到无比骄傲和自豪.在以后的学习生活中,我会认真的学习好我的专业课程.在此基础上慢慢的体会艺术的无穷力量.
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自古以来,美术在国际文化交流中扮演着重要角色,美术学也在不断的发展中。下面是读文网小编为大家推荐的美术学毕业论文,供大家参考。
引言
世界美术分东西方两大体系,两大体系又衍生出不同的美术创作,产生出美术视野的多元性,就绘画而言,东方绘画以中国为代表,我们就以东方艺术的一个代表——中国山水画,与西方文化的一个支流西方风景画进行比较,看看中西方艺术之间的差异以及各自所取得的巨大成就。首先是两个画种几乎相近的起源;其次是发展过程中不同的美学思想和审美情趣;最后我们看看中西方风景画的表现形式和表现手法的异同,以及工具材料上的区别。
正文
一、起源及发展的比较
(一)起源及发展
中国山水画的历史,源远流长。独立的山水画正式出现在魏晋南北朝之间。据有关文献记载,顾恺之当时就曾画有《雪霁望五老峰图》、《庐山图》、《望五老峰图》等山水画。另外据史料载,当时的夏侯瞻有《吴山图》,戴逵有《吴溪山邑居图》,戴勃有《九州名山图》等山水画问世,可惜都已经失传,所以我们无法具体知道当时山水画的概貌。⑵画论的出现,就证明山水画艺术即将迈上正确发展的轨道。这样一直到了隋唐时期,中国山水画才可以说是已经完全成熟了,并渐渐形成了独立的画种,出现了一大批专画山水的大师。在起源上,中西方的风景画是大致相同的。在西方的艺术史里,15世纪初期尼德兰的抄本装饰画上,已经出现了风景在画面上占很大比重的作品。这些作品中的风景和早期的中国山水画同样的命运,只是作为人物的搭配。真正没有人物登场的纯粹风景画最早是以素描等小画面形式出现的。采取直接描写自然的写生方法,收到了很好的效果。不久就影响到法国的印象主义画家。泰纳最初也受荷兰画家的影响,以后又被克洛德·洛兰的画风吸引。19世纪的画家还注意表现高山、大海及晚秋、晨雾等前人不曾描绘过的自然景象。19世纪后期,由于印象主义画家的努力,风景画获得明暗和色彩的微妙谐调,并成为绘画中的重要门类,到此完成了西方风景画的发展到完善。
(二)分类
以自然风景为主要描写对象的中国传统画科。其支科虽仅有山水与屋木(一称界画)两种,但名山大川、风景佳胜、田野村居、城市园林、楼观舟桥、历史名胜均可入山水画。中国山水画不但表现了丰富多采的自然美,更集中体现了中国人的自然观与社会审美意识,甚至从
侧面间接地反映了社会生活。山水画的分类虽亦有依题材差异者,但传统习惯多按画法风格的不同:勾勒设色、金碧辉煌、富于装饰意味者称青绿山水或金碧山水;纯以水墨描绘者称水墨山水或墨笔山水;以水墨为主的略施淡赭淡青适于表现朝晖夕阳者称浅绛山水或淡着色山水;以水墨勾皴淡色打底并施青绿等敷盖色者称小青绿山水;几无水墨纯以彩色图绘者称没骨山水。古典时期那种严谨写实的风格,推开了西方风景画发展的大门。这个时期一般都概括称之为古典时期,写实性极强。随着风景画的发展,不同的风格及表现手法逐渐涌现出来。近现代的的风景画创作往往较为随意,不象古典时期那样循规蹈矩,画法也发展为多样,所创作的作品也就更具有生命力。
二、美学思想和审美理念的比较
(一)美学基础
受中国古代儒道思想的影响,中国艺术所依存的美学基础就有了儒道思想极深的烙印。中国古代哲学对于自然的认识不同于西方哲学。中国山水画诞生的东晋,正是道家的玄学风靡四方的时候。道家的那种重“心”略“物”的思想,奠定了中国山水画甚至整个中国艺术的重表现而略再现的美学观念和基础。这不但体现在绘画上,甚至作诗为文也将天人之间的灵犀相通视为创作的最高境界。一个人修养的高低就直接决定了他艺术成就的高低。因此“因再现的艺术而追求表现,因表现的艺术而追求再现”便形成了中国画的一大特征。 西方艺术则是另一番景象,他们受____的影响,认为神圣的价值在人和世界之外存在,需要去看,去听。因此他们在古希腊文化和基督____响下形成一种以希腊与基督____为依据的美学思想。而根据基督____理解,艺术家对外在美的准确、完美的体现,是想完成对上帝的靠拢,是对上帝的一种贡献。如诗人但丁所言:“??你的艺术,距上帝只差一个等级”,上帝在他们眼里是世界及美的创造者,如此追溯一番就不难理解西方艺术的写实性。。当然,也是西方风景画的起源和发展的美学基础。这就使得西方的早期风景画家在描绘自然的时候忠实、并接近与自然。在了解了他们的美学思想之后,对于他们笔下刻绘的真实的自然,也就可以领会了。这是与中国的山水画家截然不同的两种美的认识,表现在艺术上也就呈现出不同的姿态,具有不同的美学价值。
(二)创作理念
中国画讲究天人合一、心有万象、天马行空的创作方法和心态,并视此为作画的最高境
界。“肇自然之性,成造化之功。或咫尺之图,写百里之景,东西南北,宛尔目前。春夏秋冬生于笔下。”西方风景画多强调对景写生,在现实中感觉大自然。依靠丰富的色彩,细微的光感表达一种真实存在的自然风光,以此表达自身对自然和世界的理解。西方风景画家追求的是尽最大量的再现自然,采用不同的手法描摹自然的景色。对于“神”的理解,西方风景画是逐渐认识到并发展起来的,与中国山水画的最初就追求“神”的起点不同。这主要是取决于不同的文化背景。创作的理念不同,所以体现在画面上的视觉效果也就不同,这是基于两种不同美学思想的创作态度。中国画追求的是神似,笔下的山水往往是“似曾相识”,与现实中的山水有较大差距,并不能去现实中对号入座。打个比方就是,中国山水画飘逸如“仙”,而西方风景画更象是稳坐高台的“正神”。
三、表现手法和表现形式的比较
(一)表现手法
1.造型手段 中国画的造型手段是“线”。通过在创作中积累出的各种不同的“线”,抒写自己的胸怀,抒写心中独有的山川。中国画家大都穷其一生追求富有生命力的“线”,有很多优秀的画家,就是因为他能成功的驾驭简单却含义无限的“线”,而成为大家。 西方画家在描绘眼中的事物时,是将它们当作“面”来理解的。“面”对于塑造形体要优于“线”,“线”表现的较为抽象,而“面”似乎要具象一些,表现出的东西更容易让人理解。西方风景画的湖光山色都是由一个一个的“面”组成,通过对“面”的使用增强画面的体积感和真实感,因此西方风景画仿佛比中国山水画要厚重,也就比中国山水画更接近于现实生活中的自然景观。
2.造型特点 在造型上提倡不拘于形似甚至“妙在似与不似之间”,是中国画又一突出特点。善于抓住对象本质特征以及神情的中国画家,以自己独特的艺术语言灵活的表现对象。同时也为了区别主次宾主,给人以充分的美的享受及自己情感的充分表达,他们将个性化的构图、装饰化的手法巧妙地结合在一起。所以,不拘泥于特定的时间与空间的构图布局是中国画的另一特点。 讲求笔墨是中国画的另一特点,所谓笔墨并不是用具材料上的笔墨,而是作者传情达意的的一种艺术技巧。中国画使用的最富于弹力的毛笔,对笔触水分的变化反应最为灵敏的宣纸,形成了中国画笔墨变幻无穷的特点。它的另一个作用是可以体现出每一位画家的个人风格。 同样,作为一种艺术语言,西方的油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素。油画技法就是把各项造型因素在画面上体
现出来,油画材料的性能“充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能”。油画作品既表达了艺术家的思想内容,又展示了油画语言独特的美──绘画性。 西方风景画家在作品的造型上贯彻自己的美学思想,充分利用油画的特性极力展现大自然的瑰丽。真实的再现大自然一树一草,油画的特性有利于作者反复的修改,长时间的观察,然后逐渐深入的表现自然景色。因此,西方风景画家的笔下的景物就有了具体的命名,当然这与中国画家笔下命名的山水不尽相同,他们所创作的作品更接近自然,而不是单纯为了对象的“神”,而对对象的“形”有所忽略。它的造型特点简言之就是写实性,充分表现色彩的细微变化,以及光感、质感的不同,在画面上营造一种真实如身临其境的感觉。
3.空间 在空间观念的认识上,中西方山水或风景绘画上相差迥异。在中国的传统美术理论中,对空间观念有不同的阐说,宋代郭熙所说的“山有三远:自山下而仰山巅,谓之高远;山前而窥山后,谓之深远;山而望远山,谓之平远。”这不单是单纯的物理空间观,而是置身于天地间的充满诗意的空间概念,也就是有中国画家寻求的“神游”的意境,并非现实生活的东南西北、前后左右。中国画所要求的画面意境是以有限的画面,表达无限的空间。这种审美观在19世纪末才受到西方的重视,提出在美术上打破时空界限,以开阔美术的表现作用和功能。但是在此之前的西方风景画的空间观念,却是另一番天地。西方风景画所描摹的自然就是在“二维的平面空间虚幻的追求三维空间的真实感”,所以,他们对于空间理念的认识,就是对自然实实在在存在的空间的认识,即科学的空间。画家只是在自然的空间和风景画中的空间的转化中充当了载体的作用,而不是像中国山水画家那样吞吐天地、浑然一体。他们的笔下并不像中国山水画家笔下的空间那样穷极宇宙、变幻无穷。尽管在表面上接近于自然,却在心灵上没有于自然融为一体,终究是徘徊在自然与内心之间,为自然景观所园囿。
4.色彩 重视立意构思的重要作用,提倡艺术形象是为了表达内心与外界之间的交流,“敢于使用程式化、装饰化与夸张变形的手法,为对象传神,为作者达意”;中国山水画使用的色彩是以墨为主,以色为辅的,这种化繁为简的创作方法更符合中国儒道思想所追求的那种平淡中庸、清心寡欲的境界。在墨与色的关系上,一种是以墨为主,以色为辅;另一种是墨不碍色,色不碍墨,互不侵犯相得益彰。古画论中的“随类赋彩”,并不是完全照抄自然,而是经过画家们多年的总结和经验得出的对自然物象概括的认识。并不是像印象派那样苦苦追求色彩在不同光影下的变化,中国山水画只讲究四季的区别,对自然风光的描绘讲究“点到为止”的态度,主要还须欣赏者进行“二次创作”去体味其中的“酸甜苦辣”。 油画在起源及发展的初期所处历史环境奠定了古典油画的写实倾向。起初的油画是服务于宗教的,表现的是身和仙境。后来,许多著名的画家逐渐认识到这个问题,就是单一的以____为题材的创作已
不能表达自己对外界事物的理解和认识,所以,他们逐渐开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和并直接描绘,也因此让西方风景画在色彩的表达上比中国山水画有更强的视觉冲击力。早期的作品只是对不同的物象、不同的质感、不同的色彩进行描绘。后来,随着科学技术的发展,画家们对光的认识逐渐深入,以及光与色彩关系也了解的较为深刻,因此这时候西方风景画的色彩表达更为丰富。
(二)表现形式
1.中国画中的“笔”,并非单纯指一种材料,它是中国画家对艺术表达的一种独特的认识。“笔”应用的好坏直接影响一幅作品的优劣,“用笔”便成了中国画家创作和鉴赏的一个标准。 与此不同的是,油画的笔是扁头的。这样绘制出的“宽线”(东方人是如此理解)正是西方画家以面造型的起点。和东方画家使用的工具相同的是,这种工具也是极具弹性的。在早期的的风景画中,笔触的应用并不是很明显的,也就是说在古典时期。后来,随着画家们对油画艺术的表现功能要求的提高,笔触才逐渐应用的广泛起来。
2.作画中是用墨,而且用墨也是东方艺术的一大特色。墨在宣纸纸上产生的变幻无穷的效果,也是中国画发展的生命力之所在。但一说到“用墨”,学问就深了。中国山水画的笔墨技法,比一般的人物、花鸟画还要丰富多变。笔中有墨,墨中有笔,彼此互相渗透,“极尽千变万化之能事,有效地提高了笔墨状物抒情与表达独特风格的作用”。
西方风景画的创作始终是围绕自然的色彩展开,并因此而发展。不管是浪漫主义,还是现实主义,不管是在古典,还是近代,对于大自然的变化,以及如何去理解表达这种变化和感觉,一直是西方风景画家的创作方法及目的。随着技法及理论的成熟,西方风景画家对于色彩的认识和表达逐渐全面。体现在作品中也就千姿百态。
结语
无论是中国的山水画还是西方的风景画,都以人生存其中的自然风光为描绘对象,致力于对客体的美的发现与寄托审美主体的认识、理想、情感相结合。此可谓山水画和风景画在本质上的相同之处。
参考文献
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8.《画论丛刊》书摘
前 言
经过几千年的演变, 中国画已经形成了自己独特的艺术体系。而工笔画作为中国画的重要的组成部分,长期以来一直以其独特的表现形式和审美情趣屹立于中国画坛之上。以线造型体现了工笔画的主要特点,即用线来表现物体,利用线的穿插、疏密、粗细、浓淡、虚实等关系来表现物体的质感和运动感。线在工笔画中起到了不可替代的作用,以线造型是工笔画的基本特点,它所显现的魅力的重要性是其它绘画形式都无法代替的。
一 工笔画中以线造型的因素
在中国绘画漫长的发展历程中,从最初的原始彩陶上的几何纹样到今天技法相对完备的工笔。工笔画的主要特征就是以线造型,同时在线条勾勒的基础上加以渲染。线在表现物体时不仅能够直接找到物体客观存在的形体,而且通过线条的粗细、长短、浓淡等看出画家的内心世界。在工笔画中以线造型虽然舍弃了光源、明暗和体面,但是通过线条也能够表现物体的主要特征。早在一千多年前,南齐的谢赫在他的《古画品录》中就提出了怎样品评绘画的“六法论”,而其中“骨法用笔”就是对线条的要求,根据客观物体的形象用相应的用笔方法去表现,这里所说的“骨”就是支撑表现物体的形象,使之富有灵气的线的体现。顾恺之所作的《洛神赋图》和《女史箴图》就可以代表当时人们在工笔绘画中对线条的一种追求。这体现了中华民族智慧和审美趣味。那么在中国画的艺术当中为什么要以线条来造型呢?大概可归纳为以下几方面:
(一)它与中国的思想体系有关。
中国绘画中追求的是尽善尽美,善是第一位的,这就导致中国绘画最高的审美要求是表现画家内心的物象。中国画家追求的“天人合一”也在某种程度上确定了以线造型的方式,利用外光、虚实。
(二)它与制作的工具材料有关。
由于我们所绘画的工具是毛笔、墨、宣纸和绢。毛笔富有弹性,腹部较大,可以含较多的水分,笔锋尖细,便于描绘,这些特点使毛笔的最大好处就是能够在纸上可以随意的画出各种不同粗细、长短的线条来。
(三)与书法艺术与绘画艺术的同时发展有关。
几千年来,我国书法艺术的发展取得了很高的成就,可与绘画艺术媲美。它们使用相同的工具(毛笔),在用笔的规律上有许多地方都是相通的。
(四)线条具有很强的表现力。
线在运用的时候主要要强调的是它的表现力,要利用线条的长短、粗细、转折、顿挫等变化来体现物体的艺术形态、质感和动势。使线能融于所表现的物体之中,而达到形神兼备、气韵生动的目的。这就是以线立骨最基本的体现。
二 线条在工笔画中是一种独立的艺术语言
虽然说工笔画的基础和骨架是从线条中体现出来的,但它却并不是形象的奴隶,它不只是为形象服务而存在的,它自身也有一种独特的美。工笔画的线条是对现实生活中物象的概括、提炼,并且它是一种能动的艺术语言。因此,在古代的绘画中就出现了如“吴带当风”和与之对应的“曹衣出水”这两种线描风格,吴带当风和曹衣出水,体现了不同风格的线条给人的审美感受,前者所体现的是线条的豪壮、疏朗,而后者则体现的是线条的轻柔和紧密。工笔画中的线源于对生活中的事物的加工和表现,线只有以生活中的物体为事实依据,才能在脱离概念化的同时能够注入新的生命力。在这个杂乱无章、纷繁复杂的世界中,我们在利用线条来造型的过程中,就需要画家进行一系列的整理、提炼和组织,使之合乎一定的绘画规律,使它能够更加适合表现的物体。
物体的形象因为有线条而成立,但它的神态却因物象而传神,总体来说线条为工笔画的基础。在从古至今的工笔画中,无论画面所用颜色如何精到,都无法替代线条在画面中的作用,却始终还是要受到线的制约。工笔画历来就非常强调线条的作用,线是工笔画的重中之重,同时也是画家的功力深浅的体现,历代画家把线条的表现发挥到了最大的限度,并产生出如“十八描”等多种流传和影响至今的线描艺术风格。
三 线条在工笔画中的运用
工笔画要在白描的基础上进行渲染,但在表现物体质感方面线条还是最主要的。工笔画借助生活中的物体来发挥线条的艺术趣味,线条不仅要表现花鸟草丛的外在特征,更是画家本人内在情感和性格的显现。以线来传达物体给人的不同感受。生活时代不同,生活环境不同,人生阅历不同和画家的艺术修养不同,则对同一物象的表现效果也是不尽相同的。因为每个人的认识不同,在表现的时候也就不相同。线条的种种变化可以给观者无限的想象和美的享受,因为画家在描写自然时,不是模仿自然,不是照相式的重复自然,而是对自然中美的形象的加工,提炼。在用线表现时须有节奏,有起伏。或热情奔放,或沉静端庄,或飘逸,或纤巧。只有韵律和谐,才能给人以美的享受。反之则会平淡无味。因此从线条的形式美感来说,只有以物传情、渗情达意的线条,才具有无穷的生命力和独特的审美趣味。
随着时代的进步,我们在继承前人的基础上又有所创新,线条的技法也不断得到 2
丰富,线条的表现也得到了很大的提高。从而使简单的线条,变得复杂多变。技法不可能孤立存在,技法的不断完善是画家更好的表达自己的情感。因而,在工笔画中,只有充分发挥线条的作用,运用线条对生活中不同的物体进行加工和提炼,使所描绘的物体能够在线的作用下形神兼备地体现出来,只有这样,线条才具有生命力,才能够赋予作品丰富的生命力。因此工笔画对于线条的追求是崇高的。换句话说,中国工笔画的艺术是线的艺术。
四 现代工笔画线条的形式
盛世兴工笔的今天,各国文化相互交流,工笔画用线造型的艺术形式更加复杂多变,因此对工笔画的线条产生了很大的影响。但同样出现了一些问题:比如一些画家为了更好的吸引读者的关注,一味的去强调线条在造型中的流动性和表现力,因此忽略了线条的粗细、疏密、浓淡。另外就是现在随着西方绘画技法进入中国的绘画市场,因此对中国画也产生了一定的影响。工笔画在表现技法、使用材料、色彩运用等方面发生了全方位的改变。因此,在现代工笔画中许多的工笔画家在工笔画创作中淡化了线条的运用,而是将更多的精力和技法放在块面关系和结构凹凸变化处理中,并通过丰富的层次去体现物体的体积感与空间关系,并去追求新形式的材料。现代工笔画中线条的作用与功能正在慢慢的发生着转变,尤其是在工笔重彩的画法中,线条更多的只是以一种意识的形态存在于画面之中,这与时代的发展、现代人的生活文化背景是有一定关系的。由于在现代生活中我们缺少对传统文化的认识和对传统文化的理解,并且由于西方绘画的影响,要很好的掌握理解并运用好“线”绝非是一件容易的事。再说传统中国画中的线条是建立在书法基础上的,由于现代人们对书法涉入较浅,要理解并加以运用它,无疑又增加了一定的难度。所以许多画家就避开这个弱点,另外寻找新的绘画方法以达到想要的效果。因此在现在画坛上就形成了对工笔画线条的过度重视或漠视这一局面。
五 在创作中的认识
在这次毕业创作中,我认识到工笔画创作不是对现实中的景物直接写生作画,而是要把所见的景物记于心中然后进行归纳、总结。并且还认识到工笔画的线条除了具有造型功能和表现空间感以外,还能对物体的质感进行一定的表现。例如我在创作《春晖》时我就运用了浓、淡、干、湿等线条来勾勒叶子、枝干,它们之间有的轻柔、有的刚劲,都能够充分表达我对以线造型的运用、理解和表达。画面在上颜色之前就已经充分的表现出了线条的丰富性,使画面更加的丰富多彩,同时具有更强的时代感。
六 结论
艺术的创作永远都离不开不断的探索学习和借鉴,从古代绘画到现代都是后人在古人的基础上不断的积累和创新。时代在不断的进步,面对传统和外来艺术,我们应该如何吸收里面的精华,这就是现代画家面临的最大问题。但是无论社会如何发展,中国画如何发展,线条始终都应该是工笔画的基础和骨架,我们都不应该淡化它,它是我们中华民族绘画的精髓。我们要不断的创作出丰富的艺术语言的线条来记录我们的现实生活和时代精神,要在继承传统的基础上大胆的去尝试和创新,要以鲜明的个性特征和创造性的艺术语言来体现这个时代赋予我们的伟大使命。这就需要当代艺术家用我们敏锐的视角去观察和体悟,将充满时代精神的线条展示在世人面前。让它在不断发展壮大的过程中形成新的形态,获得新的生命力,体现出更有时代绘画特点的线条。
参考文献:
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1引言
伴随着我国职业教育的不断变化发展,中职美术专业已经成为职业教育中的一大主要组成部分。而在我国经济快速发展的推动下,人们的物质生活越来越好,审美需求也越来越高,这就使得美术专业的规模开始不断壮大,也进一步促进了我国与美术专业相关产业的更新发展。然而,在我国高校招生肆意扩大的影响下,中职美术专业学生就业难的问题愈演愈烈,而想要在就业竞争中占据相对有利的地位,就必须加强培养学生的综合能力。但是目前我国中职美术专业学生综合能力培养依旧存在培养方式过于单一,课程体系设置不合理,产学结合发展不平衡等各种问题,亟待解决。
2中职美术专业学生综合能力培养存在的问题
2.1培养方式太过单一
培养学生的综合能力是为了帮助学生顺利开展职业活动,实现自身的全面发展。学生的综合能力囊括了很多方面,所涉猎的范围也很广,不仅涉及学生的思维、心理,还牵涉到学生的社会实践能力。中职学校对于学生的综合能力的整体水平难以进行客观性的评测,这使得学生对于综合能力的认识存在一定的欠缺,并且无法积极主动地进行自我综合能力培养。中职美术专业的学生必须要具备良好的专业能力和综合素质,才能适应时代和市场的人才需求,才能在就业竞争中占据优势地位,所以加强对学生的综合能力的培养非常重要。但是目前,中职美术专业的培养方式太过单一,这不仅会影响学生的积极性和主动性,还会制约学生综合能力的全面培养。
2.2课程体系过于陈旧
现阶段,我国中职学校的很多专业依旧按照传统的课程体系设置安排课程,课程体系是根据特定岗位的人才需求,以学科为核心,进行的课程安排,大体上是由文化课程、专业课程、职业规划课程等构成的。课程设置十分重视学科体系的完整性,对学科基础理论也非常关注,但是却严重忽视了对学生职业能力的培养。在课程的实施过程中,课程体系可以说是评价学科以及学校教学质量的重要标准。而职业化的教学课程模式,在很大程度上对传授学科知识具有好处,然而却忽略了各学科知识在实践运用过程中的联系,进而影响了学生对学科知识运用能力的培养,无法在工作中通过所学理论知识解决实际问题,导致理论与实践出现错位。并且在实践技能的培训上,学生没有形成相对完整的技能培训体系,动手操作的能力不强,从而不能在实践中恰当地运用理论知识,这就会造成中职美术专业学生在工作受到歧视、不受重用的不良现象,也会在一定程度上阻碍中职美术专业教育的发展。
2.3产教结合发展不平衡
所谓产教结合,也就是校企合作,已经成为了我国中职美术专业培养学生综合能力的主要策略,并且在中职院校中被广泛应用。但是由于我国地域广阔、经济发展不平衡,中职美术专业学生综合能力的培养尚且存在一定的片面性。很多学校还未认识到产教结合教学模式的必要性,因此导致产教结合实施的不平衡性。部分学校认为产教结合是为了单纯地迎合美术专业学生的实习和就业,没有过多的意义和价值,所以不积极主动地开展产教结合工作。虽然我国大部分中职学校非常注重对美术专业学生的综合能力和专业操作技能的培养,但是不少中职学校仍旧处于传统的理论教学阶段,而忽视对学生实践能力的培养,使得社会市场的人才需求得不到满足。
3中职美术专业学生综合能力培养的有效策略
3.1优化课程体系
中职学校大多数学生的美术基础相对较弱,学习能力也不够高,对此学校必须对课程体系进行优化,全面协调课程比例,实现美术教学的多样化发展,进而提升学生的专业能力和艺术修养。学校在课程安排上要注重专业课程和选修课程的合理性,既要注重学生专业能力的培养,又不能忽视对学生的创新能力和思维能力等综合能力的培养。教师在教学过程中,可以通过多媒体向学生展示一些优秀的美术作品,让学生在欣赏之后,进行讨论评价,还可以开展各式各样的专业教学活动,这样不仅能够提升学生的艺术修养,还能够有效强化学生的鉴赏能力和创新能力等综合能力,从而为社会培养出优秀的美术专业人才。
3.2创新教学方法
在中职美术专业教学过程中,具有其自身独特的艺术性。而所谓的艺术性对学生的想象力和创造力有较高的要求,因此,在中职美术专业的教学过程中,教师必须注重培养学生的艺术修养,从而才能强化学生的创造力和思维能力等综合能力。而想要实现培养学生综合能力的最终目标,多元化教学方式和创新教学方法则是最行之有效的途径。教师在教学过程中,应该积极鼓励学生发散思维,勇于创新,正确引导学生自由发挥,从而提高学生的综合能力和艺术素养。教师在教学过程中,还可以采用多媒体,使美术专业知识更加生动形象,易于学生理解,而且还能够在一定程度上激发学生的学习兴趣和积极性。总之,教师之所以不断创新教学方法,就是为了培养学生的综合能力和专业素养。
3.3更新教学观念
现代化的社会市场对人才的要求越来越高,不再只局限学生的职业能力,而是延伸到了对学生综合能力的要求。这就要求中职学校必须加强对学生综合能力的重视,积极培养学生的综合能力。中职学校应该树立以综合能力为主的教育观念,在中职美术专业的教学过程中,教师不能单纯地重视对学生的专业技能的培养,应该采取多元化的教学方法,激发学生的学习兴趣和积极性,将学会的学习潜质激发出来,进而使学生的艺术素养和综合能力得到全面提升。不仅仅是教师,学校也应该积极关注学生的综合能力的培养,全面优化美术专业教材,从根本上为学生的专业素质和综合能力的培养奠定坚实的基础。在课程安排上,要注重科学合理、灵活,从而促进中职美术专业学生的综合水平的提升,提高美术专业的教学效果,推动中职美术专业教学的良好发展。
3.4加强实践教学
中职学校的教育目标就是培养学生的就业能力,所以最注重的就是理论与实践的有机结合。因此,中职美术专业将培养学生的综合能力作为最终的教学目标,具有非常重要的意义。中职美术专业教师在教学过程中,可以适当地开展一些与美术专业相关的课外活动,举行一些有意义的美术知识竞赛和作品展示等活动,激发学生对美术的兴趣,帮助学生培养良好的艺术修养。在课下,教师还可以组织学生去野外写生,进行一些拓展训练,这样既能够激发学生的想象力和创造力,又能加强学生的专业能力和综合素养,让学生在轻松、休闲的活动中,学习专业技能,从而实现对学生综合能力的培养。
4结语
总而言之,培养中职美术专业学生的综合能力具有十分重要的现实意义,既能够促进学生的全面发展,又能够为社会市场提供更多优秀的美术专业人才。而这就要求中职学校和教师在进行美术专业课教学时,加强提升学生的理论知识和专业技能,同时培养学生的艺术素养和综合能力,全面提高学生的综合素质,从而促进中职美术专业教育的发展。
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毕业论文是考核师范生的重要环节,对于学生各方面的能力提升有很大的作用。下面是读文网小编为大家推荐的师范生论文,供大家参考。
内容提要:网络对社会的影响实在是太大了。作为未来教师的师范生上网不仅是社会的一大热点问题,而且直接关系到我们的未来。因此研究师范生上网就显得更为重要。本文从师范生上网的心理需要的角度将师范生上网分为追求时髦型、学习享受型、寻找成功型、,发泄情感型、崇拜科技型、叛逆探险型、心怀不轨型、百无聊赖型,针对这些类型,从社会、家庭、学校等方面提出措施,最终得出对师范生上网只能进行疏而不能进行堵的结论。
关键词:网络依赖、网络道德、资源共享
网络起源于1969年底美国国防部四台计算机内部联网,1983年全球因特网正式诞生,1994年4月我国获准接入互联网我国(1997年规定其标准英译名为因特网)。到2002年底,我国上网计算机数约为2083万台,上网用户人数量约为5910万人,这其中就包括为数不少的师范生。网络对师范生的影响实在是太大了,完全可以借用狄更斯《双城计》中的一句话:“这是最好的时代,这是最坏的时代。”于是乎,有人提出“灭网”,也有人提出“堵网”等等。其实,只有认真分析师范生上网的心理动机,将这些心理动机进行分类,并针对师范生上网的心理动机采取有效的行动才有可能达到事半功倍的效果。
一、师范生上网的心理类型
1、追求时髦型
一般来说,师范生精力充沛,思想活跃,好奇心强、热情,这些年龄特点决定了他们易于接受新事物;而互联网是一个宝库,学术信息、经济信息及各种各样的新闻,内容无奇不有,丰富而新鲜。这二者结合在一起就使得师范生对互联网青睐有加,纷纷“触网”,好像不上网就与时代脱节似的。他们将上网当成一种时髦、流行,如同身着名牌。于是乎,师范生就要么大大方方要么偷偷摸摸上网,在他们眼里,上网就意味着掌握了高新技术,掌握了时髦的“东东”。从心理特征上分析,这类师范生大都具有或强或弱的攀比心理,是典型的“追风少年”。
2、学习享受型
网络最大的作用是资源共享,她可以让上网者学到知识或是了解新闻等等。从理论的角度看,网络对于师范生而言,其主要功能应该是查找资料、开阔视野等层面上。随着师范生自我意识的觉醒,他们有了自我提高的愿望,那些能独立思考、独立处理事务的师范生开始把上网更多的时间用在学习上,还网络真正的面貌。他们会向往成功,积极进取,创造和挑战新生事物,以满足心理需要。这种类型的师范生从心理角度开大都比较成熟,能够辨别事情的轻重缓急,或者是已经度过了“网络烦躁期”,不再“唯网是从”、“唯网是瞻”。但是这种类型的师范生在收集资料的过程中也可能会收集网络信息成瘾??强迫性从网上下载无关紧要的或者不迫切需要的信息,并以堆积和传播这些信息为乐趣,从而产生恋网或网瘾的心理。
3、寻找成功型
不可否认,选择到师范院校学习的学生有很大一部分由于在考试中的自我感觉不理想而产生了一种不成功的感觉,这种感觉总是挥之不去,是他们“心中永远的痛”。于是他们有更强的社会需求,在社会交往主动,重视伙伴关系,希望得到社会认同。但在现实生活中他们往往被人们所忽视,这使得他们觉得活着没有尊严。为了赢得老师与家长的尊重、同学的羡慕,于是他们看破红尘,远离现实,隐居网络,上网去寻找成功感,去实现现实生活中不曾实现的梦想。在聊天室,他们可以经常攻击、报复、漫骂别人,也可以不负责任地搅动“四海云水”,笑傲江湖,个体的心声在网上纵情张扬;他们玩起网络游戏来可以几天不睡,他们或与计算机对打,或通过互联网与网友联机进行游戏对抗,靠自己的能力去过关,逐步实现由“菜鸟”到“大虾”的质变;他们会也利用自己的“独门功夫”在网上“称王称霸”,传播一些他们的杰作??小病毒、电子炸弹一类的东西,让别人认同自己。
4、发泄情感型
由于学校的、家庭的、就业的压力的存在,有些学校的课外活动不丰富,从而在师范院校出现“两点(教室、寝室)一线”的生活,许多师范生觉得生活极其枯燥乏味。为满足自身的心理和生理的需要,师范生找到了一条很好的途径,那就是上网。在网上,他们喜欢在网上找网友诉说,发泄情感,放松自己。这种类型的师范生大都是独生子女,从心理特征上讲,小时候他们缺少与人的交流,长大了不善于与人交流,尤其是与熟悉的人交流,不敢将自己的想法(尤其是青春期出现的种种变化)向父母、老师倾诉、与同学交流,加上人类所特有的保护自己的隐私的本领 ,也是上网就成了他们的必然选择中的一种。面对网络,他们可以与其中的陌生伙伴侃侃而谈,但在现实的生活中,他们更恐惧直接接触,这便导致个人心灵更加封闭,造成网络孤独症。
5、崇拜科技型
在网络世界里,衡量一个人价值的唯一标准是技术,网络本身对技术及创新能力有较高的要求,拥有高超计算机技术的人成为IT行业的宠儿,与其他行业相比较而言,这类人能力强,待遇好,很受师范生的崇拜,比尔?盖茨是这类师范生口头中常蹦出的人名之一。这类师范生对技术的追求,对“知识英雄”的崇拜,虽然有利于我国信息化技术人才的培养,但是随着他们“发烧”程度的加深,以自我为中心的心理会越来越凸显出来,影响他们真正地了解自己和展望未来的能力,从而造成对思想修养的偏废,这种过分的自信产生对权威的挑战,医学上叫“盖茨崇拜综合症”。
6、叛逆探险型
有些师范生本来对网络并不感兴趣,但在父母的千叮呤万嘱咐、老师的郑重其事的说教、有关媒体的客观或有偏向性的报道面前,具有叛逆性格的师范生们在“求知、自发的积极探索外部世界”的借口下,却“明知山有虎,偏向虎山行”。他们上网的目的主要是摸索、猎奇、探险。乐此不倦聊天、侃侃而谈的交友就成了他们的必然的选择。随着探险程度的加深,他们的兴趣产生偏离,对网络不依不舍,排斥其它事物,精力长时间过分集中在一个方面,会对其它事情了无兴趣,发展下去会影响正常人具备的思维和想像。
7、心怀不轨型
由于文化背景复杂,家庭出身不同,有些师范生为满足自己的畸形心理需求,为自己的私利所驱动,利用技术手段刺探情况,欺诈、打击报复他人。他们在网上无论做什么都是别有用心,满足感观刺激,玩弄他人,这样的事情屡见不鲜。
8、百无聊赖型
在中学,由于有升学压力的存在,学生将主要精力用在学习方面,不少学生是“两耳不闻窗外事,一心只读圣贤书”,没有过多的时间、精力、金钱花在其他方面。到了师范院校之后,自己可自由支配的时间增多了,原来很紧张的生活现在不再紧张,精神突然没了追求,生活突然没了目标,于是在师兄师姐的引导下走入网络,没想到网络不仅没有给他们带来充实的生活,反而更是他们感到无聊。
二、师范生的网络心理障碍及矫正。
网络是一把双刃剑,单独“禁网”不助于事情的解决。如何正确引导师范生上网是关键,但一旦出现了网络心理障碍,则必须要想办法克服。发达国家将每天上网四小时者称为染上网瘾,如果按照这个标准来衡量的话,在我国有相当一部分师范生(虽然这一部分师范生相对数量小,但绝对数量大)染上了网瘾。“有瘾必有病”,一种新的疾病??网络心理障碍??也开始频频光顾师范生的身上。这种病主要表现在孤独抑郁感、网恋、游戏成瘾、色情四个方面。要矫正触网师范生网络心理障碍,必须由师范生自身、教师、父母、学校、社会等方面综合用力,形成立体攻势,打一场漂漂亮亮的心理保卫战,从而促进师范生健康成长。
师范专业学生作为未来的人民教师,他们综合素质的提高,人文素养的发展,是师范教育光荣而艰巨的使命。作为大学专科初等教育专业重要的教育基础课程之一的美术课程,在基础教育课程改革、“2+1”课程结构模式、研究性学习的教育教学背景下,本着以培养具有“厚基础、高素质、有特长、受欢迎”的小学教师为目标,根据师范专业特点、学科特点、课时情况,以及教材提供给任课教师展示教学智慧提供的空间,在具体的教学活动中对于美术学科的课程结构应进行合理的、创造性的编排组合,科学地安排高中起点三年制大学专科初等教育专业的美术公共必修课的课程结构。
课程结构是一个系统、严密、科学的组织,明确知识目标、能力目标、了解学生是进行有效教育的前提,课程结构的安排应该从教育心理学、专业学科特点等角度考虑。素质教育的有效实施,要求课程结构、内容的设置必须着眼于学生的全面发展和终身发展,着眼于培养学生的创新意识和创新能力,注重学生的实践能力,尊重和发展学生的个性,为学生打好生存与发展的基础。我通过对本专业学生的教学实践,针对学科特点、专业特点和学生特点,对高中起点大学专科初等教育专业的美术课程结构做分析。
一、突出师范专业进行美术教育的目的性,体现以学生为本的教育理念,科学安排美术课程结构。
高中起点初等教育专业的大学生,在初高中阶段同美术学科接触的机会相对较少,美术基础普遍比较差,学生也存在美术课程对于提高师范专业学生的综合素质,完善师范教育的职业教育功能等方面认识不足的问题。针对这些问题,我认为,在这一阶段的美术教学中,如果本着突出师范专业进行美术教育的目的性,体现以学生为本的教育理念,科学地安排美术课程结构,学生就会在这一学习阶段受益匪浅。
首先,课程结构内容的设置要与有利于学生终身学习必备的基础知识和技能相互协调,强调终身学习的教育理念。在美术教学中,无论何种教学内容,自始至终都贯穿学生在学习美术知识过程中,需要自觉养成美术观察习惯,即整体观的建立。培养学生的整体观非常重要,这种观察事物、解决问题能着眼于全局的整体观能力的形成,对于满足学生美术课堂学习的需要及满足学生进一步全面发展的需要是至关重要的。简笔画、美术字、色彩知识、图案基础、板报的绘制、素描写生、中国画的学习、版画、手工制作等这些美术技能课教学内容的合理编排,对于学生整体观的培养、造型能力的提高,以及促进学生理解小学教育教学的基本规律、教师职业意识的尽早确立、完善学生掌握现代化教育教学手段应具备的造型能力等方面,发挥着重要作用。在这里需要重点强调,师范院校非美术专业的美术课时有限,不宜过多采取专业课的教学模式,在师范专业美术课程结构的前期阶段,如果过早进入很专业化的美术学习训练模式,学生就容易产生畏难情绪,很难获得良好的教学效果。在这一阶段应该充分发挥简笔画、美术字、色彩知识、图案基础、板报绘制、教学挂图、手工制作等几种美术技法、实用技能方面的学习训练在本专业、本阶段美术教学中的重要作用。
其次,以平面形的造型技能训练为主,帮助师范专业学生尽快掌握正确的观察表现方法,学会更好地处理整体与局部的关系,将此方法作为一种理念,自觉养成良好的美术观察习惯。更重要的是,通过这一阶段的学习,让师范学生了解简笔画、教学挂图、电脑课件、手工制作教具、板报这些具有描述知识深入浅出、简明扼要、形象直观、要素特征明显等特点的教育教学辅助手段,在小学教育教学活动中起着重要的作用,对于培养小学生的观察力和想象力、增强小学生的理解记忆能力、提高小学生的思维能力等方面发挥着不可替代的作用。先以平面形的造型技能训练为主,对于增强师范专业学生学好美术学科的自信心和提高学习兴趣发挥了积极作用。在此基础上,在下一步素描写生、中国画、版画(纸版画、实物版画)的学习过程中,教师在帮助学生如何解决造型艺术中各种关系的思维能力方面,如主观与客观、感性与理性、平面与立体空间的关系表现等学习内容奠定了较为扎实的学习基础,学生在这一阶段的学习相对会比较顺利。
这一阶段美术技能课的教学课程结构的科学安排,在帮助学生树立整体观,掌握观察与表现的基础造型方法,培养、提高学生动手实践能力,以及色彩艺术修养方面发挥了积极作用,使师范专业学生尽早明确,学好美术是创设良好的教学情境的重要途径之一,在未来的教育教学实践过程中,对于提高课堂教学艺术水平、用好用活课堂进而提高教育教学质量方面具有重要的指导意义。
二、陶冶学生情操,提高审美能力,引导学生参与文化艺术的传承和交流,促进学生美术素养和人文素养的整合发展,合理安排美术课程结构。
人文性是美术教育的基本性质。作为造型艺术的美术,早已成为社会思想传播的媒体和工具,甚至包括观念意识的形成和确立。陶冶学生的情操,提高审美能力,引导学生参与文化艺术的传承和交流,发展学生的感知能力,促进学生的全面发展是美术教育担当的使命。蔡元培先生对美育下的定义是:“美育者,应用美学之理论于教育,以陶养感情为目的者也。”通过了解古今中外的重要美术作品,提高学生对艺术作品的鉴赏能力,对艺术美的感受和评析能力,是师范教育专业开设美术鉴赏课的教育教学目标。由于中外美术史论、美术鉴赏等课程大部分师范专业学生在初高中阶段接触得很少,因此在高校中非艺术专业的学生开设美术鉴赏课,一直被美术教师们认为是较难讲授的一门课程。我认为,美术课堂上的技能技法训练课同美术鉴赏课相辅相成,相互配合的课程结构安排,是解决这一问题的很好途径。比如在素描写生课、色彩性能练习课期间穿插西方绘画名作鉴赏,了解西方绘画的发展及重要绘画作品的概况;在装饰色彩画、中国画的学习过程中,穿插中国绘画名作鉴赏,提高学生对民族绘画的欣赏能力;在图案基础、手工制作课的学习过程中,了解实用美术的鉴赏知识,等等。这种课程结构的安排,有利于让学生通过技法课的学习,在直观地认识和理解线条、形状、结构、色彩、明暗、工具材料等美术基本要素技巧的同时,拓宽学生的美术视野,提高学生的审美能力。
另外,教师作为学习活动的组织者、引导者,在调动学生的主观能动性,指导学生在课堂学习的基础上,可以以课题方式,增强学生课后自主学习的能力。要求学生发现提出问题、团结协作、解决问题,强调学生在自主学习的基础上进行互动探究。在教师的引导下,选择合适的课题,学生积极进行课下思考、自学、拓展,有利于培养主动思考、勇于表述的学习精神及对于古今中外美术文化的思考认识能力,从强调学生被动接受间接经验的学习转变为引导学生主动探究知识的参与学习。
师范教育专业美术鉴赏课的这种课程结构的安排,在培养学生参与文化活动的主动精神及艺术修养等方面,发挥着积极作用,也是针对师范教育专业学生对于美术鉴赏课的学习行之有效的教学方法。
三、提高学生在美术学习过程中的创新精神与解决实际问题的能力,使学生胜任今后的教育教学工作,优化美术课程结构。
国家的兴盛在教育,教育的基础在教师,注重培养、发展师范专业学生的创新意识和创新能力,对于我国教育事业的发展尤为重要。美术教育被公认为培养创造力的颇具成效的学科之一,是培养学生创造意识和创造能力的良好渠道和途径。如何优化美术课程结构,在教学过程中充分培养学生的创造力,是每一位美术教育工作者实施教育的一项具有深远意义的教育目标。我根据多年的教育教学实践,认为美术教育在技巧训练和情操陶冶的教学背景下,任课教师应在注意引导师范专业学生学以致用,强调课内外实践方面做足文章。
知识是创新的基础,创新是知识的运用。学生通过美术课上技能技巧的学习训练,明确了技能是成就一切的工具,在具备基础造型能力的前提下,教师应本着基础知识和技能只有与小学教育教学密切结合,才能转化为有效的教学手段的教学宗旨,优化美术课程结构。如结合小学教育教学应用的简笔画创编、创作及自由设色练习;在培养、提高师范专业学生的色彩艺术感知力、色彩综合应用实践能力、色彩艺术创意等方面有很大帮助的色彩教学中的发挥色彩性能练习活动;板报设计、制作的教学活动;在师范高年级阶段的手工制作课上,教师配合学生试讲、教法课的学习,指导学生创作手工教具的教学活动。在这一阶段的美术教学,教师要把学生的实践能力和创新精神的培养作为一条主线贯穿在教学的全过程之中,引导学生从不同的方面,运用不同的方法,培养、提高学生的创新思维能力和创造想象能力,挖掘学生的创造潜能。
美育本身是一种素质教育,是审美与创造美的教育。美术教育中学生的创新能力的培养具有深远的教育意义,我们相信,敢于联想、善于表现、具有一定创造性的未来教师,今后才能正确引导、启发儿童的创造性。
另外,学校可以广泛开展美术兴趣小组以补充课内美术的教学活动,培养学生的特长,提高学生的创新能力。美术兴趣小组的成员还会起到“小先生”的模范带头作用,对于班级、年级其他同学学习美术、学好美术发挥着积极作用。美术评价也是课程结构的重要组成部分,适时、定期举办学生美术作业、作品展,多给学生提供展示、交流的平台,保护学生的艺术个性,通过美术展览的艺术活动平台,对学生产生激励、鼓舞作用,进一步促进美术教育教学的和谐发展。
加强课程结构内容设置要与有利于学生终身学习必备的基础知识和技能,强调终身学习的教育理念,满足学生进一步发展的需要,让学生的身心发展更具有可持续发展性,这也是教育工作者实施教育的重要指导思想。对美术课程结构进行分析,更好地推进师范教育专业美术课程建设,在加强学生美术综合学力的培养,不断提高师范人才培养质量等方面,意义深远。
师范类院校是培养教师的重要基地。教育学是高等师范类院校开设的一门具有师范性质的课程,体现了师范院校的特殊性。教育学的教学质量直接影响到培养出来的学生的质量和规格,影响到师范生的专业素质,也就影响到未来人才的素质。因此,教育学对师范生能否在未来成为一名合格的教师有着重要作用。在当前实际教学中,学生对教育学没有多少兴趣,学习质量也不高,尤其是在教育改革下,教育学的教学改革也面临着较大挑战,这就要求广大教育学教师不断吸收新的研究成果,改进教学方法,提高教育学的教学质量。
一 师范教育学的教学现状
1.课程设置不合理,不能突出师范特色
当前,我国高等师范院校的教育类课程主要有教育学、教学法和心理学三门,而且教育类课程的课时数在整个课程体系中占的比例较小,没有突出教育学的重要性,也没有彰显师范类院校的特色。一般来说,教育学课程一般只开设一学期,一周有三到四节课,课时数过少,加上只在一学期集中讲课,因此,教师在实际教学中只能笼统介绍教育学的一般知识,没有时间进行一些必要的实际操作练习。比如,在分析教育与经济、政治和人的发展关系时,教师只能通过一些简单的社会现象来说明这一情况,学生不能深入理解这些理论,不利于培养学生的探究精神和分析、总结的思维能力。
2.课堂学生人数过多
随着高校扩招,师范类院校的学生数量近些年呈急剧增加趋势,但师资力量却相对匮乏,造成了当前高校普遍实行大班授课的方式。由于课堂人数多,课时又有限,教师的教学方法就比较单一,只能采取普通讲授的方式向学生浅浅地讲解一些基础知识,无法采用其他灵活的教学方式。在教育学的实际教学过程中教师不能有效引导学生进行深入的思考和学习。这些情况造成了学生对教育学缺少学习兴趣,也不利于培养学生学习的主动性和积极性,不能使学生主动去掌握教育学,导致教育学的教学质量严重达不到教学目标的要求。
3.教育学内容与实践活动相脱离,影响教学目标的实现
教材是教学内容的重要载体,但现行的教育学教材内容比较过时,不能有效反映最新的教育学理论及实际操作过程中的最新研究成果,使得教学内容与教学实践相脱离。在实际教学过程中,教师一般只注重实用教材等课程资源,很少有教师能根据实际教学过程中遇到的问题来开发、创新课程资源,教师的这些行为不利于开拓学生的视野和学习范围,在一定程度上影响了教学质量。
4.教学方法和教学模式比较单一
我国高等院校有重科研轻教学的风气,教师过于重视自己的科研成果,把主要精力放在发论文、创新课题上,很少注意到改进教学方法,导致许多教师对教学不够投入,课堂教学枯燥乏味,严重影响了教学质量。在教学方法上,一般还是采用填鸭式教学模式,不讲求教学艺术,仍以教科书为主,不能理论联系实际,只是干巴巴的说教,这与科技、信息迅猛发展的当下形成了强烈反差,阻碍了学生学习的积极性和主动性,学生容易养成惰性思维。
5.缺乏有效的教学评价体系
师范院校教育学课程的考核方式是通过最终的考卷来完成的,最终的考试成绩是评价学生学习成果的标准,这种考核方式严重脱离了教育实践,学生掌握的理论知识不能有效运用于实践中,致使学生缺乏教育教学的技能,毕业后走向教师岗位时在心理上存在胆怯情况。
二 改进师范教育学教学方法的策略
1.提高教师的自身素质
首先,教师要认真研究教材,开阔视野,了解与教育学有关的各种作品及最新的研究成果,将新知识合理地融入教材中。这不仅丰富了教学内容,还容易激起学生的学习兴趣。比如每次讲课前为学生介绍一些教育家的生平及其著作,分析其主要的教育思想等,让学生课下阅读一些经典教育学书籍等。这不仅激发了学生学习的兴趣,还开拓了学生的思维和视野,扩大了学生的知识面,使学生在阅读中能主动探究和解决问题,培养了学生创造性的思维能力。
其次,教师要加强学生的课下学习,充分发挥学生的主动性作用。比如可以实行小组学习的模式,每个小组利用课余时间复习、讨论课堂上的内容,长期下来不仅能培养学生的合作能力,还能有效锻炼学生的思考能力。而将讨论后解决不了的问题拿到课堂上共同学习研究,能够形成良好的课堂氛围,有利于教学质量的提高。
2.改进教学模式,提高学生的实践能力
在师范教育学的教学中,师范生的实际应用能力较差,心理素质不够好。为了改变这种状况,教育学教师要在实际教学过程中加强对学生的训练,以提高其实际教学能力。比如可以利用课前五分钟让学生走上讲台练习讲话、讲课的能力,讲话的内容可以是对上一节课进行复习回顾,也可以是对最近看过的教育学方面的书籍的评价等。经过长期锻炼,能很好地提高学生的心理素质。另外,教师还要通过各种方式锻炼学生的口头表达能力、分析教材的能力、综合教学的能力等,通过改革教学模式,将学生的课堂学习与实际教学工作联系起来,能有效培养学生对教育学的实际应用能力。
3.采用多种教学方法,活跃课堂气氛
师范教师在教学过程中灵活多样的教学方法有利于培养学生在未来教学实践中的探索和创新精神。教师要根据教育学的特点和教材内容的需要以及师范院校的教育目标,采用灵活多样的教学方法。
在实际教学中最常用的教学方法就是讲授法。这种授课方法符合课堂时间的要求,能在较短的时间内将知识系统地传授给学生,但在讲授过程中要注意启发学生,否则这一教学方法就成了填鸭式的教学模式了。比如在讲解“全面发展教育”的课堂上,可以问学生片面发展的危害性有哪些或全面发展的人应该是什么样的,学生会展开思考,争先恐后地发言;然后再提问“我国的教育方针是什么与马克思的全面发展学说有什么联系”。这一连串的问题启发了学生的思路,使学生豁然开朗。
师范生最终要走上教师的岗位,要成为一名合格的教育者,除了需要拥有过硬的专业知识外,还得提高各项素质,如心理素质、讲课技巧等。因此,在教育学课堂上,可以采用演讲的教学方法,教师规定题目让每一位学生轮流进行课前演讲,这样不仅提高了学生分析、阐述、论证问题的能力,还培养了学生缜密的思维能力,提高了学生的心理素质。另外,实际训练法是有效的教育学教学方法,只有将理论知识运用到实践中才能培养和提高教学技能。教师可以在课堂上开展模拟教学。比如可以让每个学生用自己的方式做一个开场白,看谁的方式最能引起同学们的兴趣,最能调动课堂气氛。
教育学教师还可以根据实际需求恰当运用质疑法、小组讨论法、观察演示法、调查法等多种教学方法,最大限度地提高课堂教学效率。如可以将多媒体教学运用到教育学的课堂上来,通过视频等方式向学生展示最新的教育学信息,让学生观察视频中的内容,然后回答教师的问题,有利于增进学生的记忆,提高学生的学习兴趣。通过调查法可以让师范生了解到现在中小学生的实际心理和想法,从而能够根据实际情况有针对性地加强教学。
三 结束语
总之,师范教育学的教学需要长期的探索和改进,高等师范院校要重视教育学的作用,合理改进教育学的课程安排,为教育学的教学提供一个良好的条件和环境。教育学教师要不断摸索改进教学方法,认真研究教材和最新成果,重视备课,营造良好的教学氛围。只有将知识有效传达给学生,才能提高教学质量,达到教学目标和优化教学效果,也才能有效提高师范生的教学能力和教育水平。
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中央美术学院是前身是国立北平艺术专科学校,可以追溯至1918年教育家蔡元培先生倡导成立的国立北京美术学校;1949年11月,国立北平艺术专科学校和华北大学三部美术系合并,华北大学三部美术系的前身是成立于1938年的延安鲁迅艺术学院美术系。经中央人民政府批准,成立国立美术学院,毛泽东主席题写院名。1950年1月,经中央人民政府政务院批准,正式定名为中央美术学院。今天为大家精心准备的:浅谈我对中央美术学院的潜在危机的认识相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
由于社会生活发展的速度越来越快,竞争日趋激烈,于是危机意识成为现代人把握生活的一种思维方式。当然,这不能成为人们随意议论危机的理由。危机意识的价值,在于它是客观存在的危机在人们头脑中的反映,如果它并不是客观存在的一种可能性的真实反映,那有关危机的议论,就成为唬人或杞人忧天了。
中央美术学院的“滞后与衰退”,是不是摆在我们面前的一种真实的可能性?如果是,它们表现在哪里?我想,思考这个题目对美院今后的发展不会是多余的。
可以导致一个学校“滞后与衰退”的因素很多。我认为其中比较重要的是:资金问题;教育思想和办学思路问题;全体同仁的事业心和凝聚力问题。这三个因素层次不同,但任何一个因素如果发展到某种程度,都可能引发全局性的危机。如果三方面因素结合在一起,引发危机的可能性,当然就会更大。
资金问题在这三个问题中,其层次最浅。但是不能忽视由于缺乏资金,再加上其它因素而致使美院出现“滞后与衰退”的可能性。
国家拨给美院的经费,今后不可能大幅度增加,只可能像近些年那样逐步有所增加。但是,今后美院的教学发展对经费的需求却会大幅度增加。新校舍为美院教学的发展带来巨大的可能性,为此所需的各种投入将大大超过我们现有经费的水平。仅仅是校舍自身运转所要的维持费(热力、水、电,维修和日常管理等)就是一笔可观的数目。至于我们经常议论的题目:新专业的上马与发展、改革人事分配制度、提高目前较低的工资水平、实行“重点岗位高额报酬”以便广招人才等等,如果没有钱,这些通通成为空话。
怎么办?不少人把解决问题的希望寄托在提高学费上。由于高等院校必须和市场体制相衔接,根据有利于高等教育事业的发展这个原则和国家有关政策,美院按办学成本的一定比例收取学费是完全必要的。这样做可以一定程度上缓解我们经费不足的矛盾,对于学生的教育也有好处。但是,中央美院学费的提高是有限的。以为只要有人来考学,中央美院就可以按市场价收取学费,从而解决经费不足的问题,那就把事情看简单了。美院的任务,并不仅仅是保证自己在市场体制下能存活,而是要尽快替国家培养出高水平的人才。在中国当前条件下,学费太高,考生来源的面就会缩小,考生的整体水平就会降低(可以设想:占人口5%的先富起来的中国人有6千多万——比法国的总人口还多。为了上大学,每年交上万元的学费,对他们来说并不困难,但对90%的10多亿人来说,就难以做到了。为了高额学费撇开大多数,无论对国家还是对个人都是不划算的)。因而,对于国家办的重点大学,筛选考生的机制,只能是反映学习水平的“高分数线”,不能是反映经济能力的“高额学费”。在营造我国高校多种类型办学的结构体系时,一定要把国家办的重点学校的收费标准,和各种层次不同的学校以及民办学校的收费标准相区别,使教育事业的发展和满足社会不同层次对教育的需求统一起来。这里说这么多,只是想说明,指望美院的经费问题靠提高学费来解决,是不实际的。我们除了靠国拨经费、学费以外,目前还必需靠自己创收。而创收工作,又不可能一蹴而就。即使一切顺利,也有一个不可逾越的发育过程——各类创收要取得规模效应,都是这样。
在经费紧缺的同时,低效高耗的运行机制和已成惯性的浪费现象,还在继续吞噬大量资金。这方面的改革要取得切实的成果,也要有一个过程。因此,资金困难,将是美院今后一个时期内难以摆脱的境遇。
如果美院能有效开展创收、杜绝大量存在的浪费现象,资金问题或许不致成为美院“滞后与衰退”的决定性因素。但它作为“滞后与衰退”的因素之一,不断地困扰着美院,是可以肯定的。
教育思想和办学思路问题这是一个比资金问题深刻得多的问题。它对一个学校是否出现“滞后和衰退”具有决定性的意义。历史上不乏这样的例子,由于教育思想、办学思路对头,尽管资金不足,学校却虎虎有生气(北伐时的黄埔军校、抗战中的抗日军政大学、20年代德国的“包豪斯”等等)。同样,由于教育思想陈旧,不适应社会发展的需要,也有不少显赫的老牌大学中道衰落。
在艺术院校中,谈起教育思想、办学思路问题,总是让人想到是否坚持“二为方向”和“双百方针”等。其实,这只是这个问题的一个方面,并不是它的全部。
目前世界上,教育成为各国为应对新形势下激烈的国际竞争而必须抓紧的关键环节。其中高等教育在“出科研成果”和“出人才”这两个关系国家命运的问题上,承担着重要的任务。他们把在新的历史条件下解决教育质量与教育效率这两个问题作为当前教育思想和办学思路的重要课题加以研究。中国的高等教育、中央美术学院,当然也同样面临这样的课题。
建国后,美院综合了北平艺专以及延安鲁艺的办学经验,同时也吸收了苏联高等美术教育的经验,经过反复调整,形成了一套比较完整的教学模式。这一套教学模式在当时有广泛的影响,有重大历史功绩。其中有些东西,直到今天看来,仍然显示着其独特的价值。我们现行的教学,就是在这个教学模式的基础上进行局部的调整和改革后形成的。这些年美院虽然在专业上有所扩展,在教学管理改革方面也着手摸索,但就整体而言,美院现在还没有跳出30多年前所设定的框架。
目前,本科生按国、油、版……等专业划分来培养“专门人才”的目标设定;各系教学相互不能兼容、“大锅饭”和批量生产的教学管理体制(95年后实行的学分制并没有真正解决这个问题);人文社科类课程设置不足;教学中,留给学生自己探索的空间不多……等等问题,都和60年代我们的教育观念、艺术思想有联系。
然而,和60年代相比,社会毕竟大大向前发展了。在全世界都把眼睛盯在对付21世纪的国际竞争的时候,美院是否也需要有一个长远的考虑?是否也需要研究一下,对目前的教学体系作必要的突破?我以为,如果没有这样的突破,美院的“滞后与衰退”将是不可避免的。而这个突破,首先就是教育思想、办学思路的突破。
今年上半年,美院的“改革与发展规划小组”提出了《中央美术学院教学改革的初步设想》的讨论稿,对美院的定位、办学思想等问题提出了一些新的设想,我认为它可能是美院在教育思想、办学思路方面迈向突破的重要一步。但这还只是开始。
下面,我想就教育思想和办学思路方面的问题,再谈一些意见。
20世纪中国在美术教育上引进了西方的学院教育,对传统的美术教育进行改造,取得重大成果。中国的当代美术和美术教育,始终是互相依靠、并肩前进的。在前后近百年的探索中,中国的艺术家和艺术教育家,共同创造了20世纪中国充满活力、富有特色的美术景观。它的成就,不仅表现在产生了一大批无愧于时代的卓越的艺术品和空前数量的艺术家群体上面,更有意义的是,奠定了当代中国美术和美术教育的基础。20世纪中国的美术和美术教育,一方面大胆引进西方的思想和方法,一方面立足于经历着独特的历史境遇的这块土地,承接着五千年民族文化的滋养,形成了形态丰富、总体上又有中国特色的美术面貌。20世纪有许多经验值得我们总结。其中“积极吸纳外来文化,坚持走自己的路”是重要的一条。在“全球一体化”进程进一步加速的今天,它的意义显得更加突出。
半个多世纪的探索,当代中国高等美术教学体系,已经有一个基础,但还不完善。所谓美院的“教育思想和办学思路”问题,其核心就是“建设当代中国的美术教育体系”的问题,在这个中心点上,美院和全国兄弟院校面对的是共同的课题。而这个课题又不是光靠美术院校的运作所能完成的。它依靠国家整个造型艺术的繁荣与发展,依靠在东西方文化充分交流中出现的中国造型艺术学派的成长与成熟。这是一个艺术实践和理论实践齐头并进、相互渗透才能完成的任务,没有后者,没有若干对中国传统和现代以及对人类广泛的文艺现象进行理论概括而形成的、不同于西方的、属于当代中国的美学、美术理论体系,这个任务也是不能完成的。从这个意义上讲,对美院的教育思想、办学思路的认识,将是一个不断发展和深化的过程。
如果下世纪中国美术独特的现代化道路在世界展现出耀眼的光彩,我们不会感到诧异。因为这正是我们奋斗的目的。
这些年,我们经常听到来自以下两方面的批评:
一种意见是“你们的教学太陈旧。重手艺,轻创造,缺乏新意”;“你们把欧洲19世纪的艺术原则当圭臬,那是前工业社会的艺术,而现在已经是后工业社会、信息社会。你们的教学过时了!”……等等。
另一种意见是“你们搞美术教育,一定不能跟在西方现代主义后面跑,一定要坚持把传统继承好,把写实基础打好。这一套西方已经丢掉了”;“关注社会,关注入的生存状态的现实主义传统,是‘五四’以来我国艺术的一份优秀遗产,教学中一定要很好地继承并发展它,而不是使它在你们手中中断!”……等等。
这两种意见都有其合理的方面。在这两种意见的背后,各有不同的社会文化背景和学术体系,用其中一种去简单地否定另一种是不恰当的。一般来说,它们的区别是艺术上不同类型和学术体系的差异,而不是科学领域里的正确与错误的对立。因此,美院应包容这两种学术体系,并使它们在与中国现实的不断结合中,求得各自的健康发展。
由于中国独特的文化传统和历史境遇,中国当代这块艺术土壤,存在着孕育众多面貌迥然不同、各有其价值的艺术样式的可能性。画坛由此将出现多元竞放的壮阔场面。这是人们的精神获得解放这一重大进步在美术上的表现,也是中国当代美术发展的重要特征。美院要为促进、迎接这一局面的到来,作出自己的贡献。
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美术专业为美术史论、美术教育领域培养教学和科研,美术评论和编辑、艺术管理和博物馆等方面的高级专门人才,学生毕业后能从事美术教育、美术研究、文博艺术管理、新闻出版等方面的工作。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈高职院校美术专业的素描教学相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:高职院校的素描教学作为美术专业教学中的重要内容,对学生绘画艺术水平的提高,具有重要的基础性作用。搞好素描教学,教师要注重调动学生的素描学习兴趣,开展学习方法的指导,运用多种教学方法,达到提高素描教学效果的目的。
关键词::高职院校 美术教学 素描学习
素描教学是美术教育中的一个重要内容。但是人们往往认为素描只是一种造型训练的方法,而忽略了素描也是一种艺术形式、一个独立的画种。其实,素描本身就是造型艺术,具备一切造型艺术的共同点,也能艺术地、能动的表现自然,揭示自然的本质。因此,素描历来是被作为“造型的精髓”、“绘画的根基”。在五年制高职师专的素描教学实践中,笔者以为,搞好素描教学必须从以下四个方面进行。
兴趣是最好的老师。在素描训练过程中,构图、形体、结构、明暗、质感、空间感等是这门课的主要训练内容。素描这门课课时较长,易枯燥,需要长期的反复训练。但素描需要人真情实感的投入,只有真诚的热爱,才能触摸到艺术的灵魂进而迸发智慧的光芒。
如何调动学生学习美术的兴趣呢?首先,开展作品欣赏教学。我们组织了优秀作品欣赏,特别是西方文艺复兴以来各种优秀素描作品的赏析。在欣赏的过程中,有同学问:“为什么这些素描作品有些看起来很简单,但是却作为艺术品流传呢?”我抓住这个契机,对同学讲述自己对素描的认识:
(1)、艺术家的素描往往是为创作服务的,在生活中有了认识,随之即兴一勾,看起来虽简单,实质是灵感火花的捕捉。比如拉裴尔见到一个认为很能代表圣母形象的青年妇女,恰巧手边又没有纸,就将其画在了一块薄煎饼上。他的圣母作品之所以传神,正是对生活的真正热爱与细心观察、勤奋实践的结果。
(2)、素描艺术作为一门独立的画科,体现了画家不同的修养、气质。欣赏不同时期、不同画家的作品,没有千人一面的现象,好的素描作品都有独特的个性风格。
比如,达。芬奇的缜密细致,拉裴尔的优雅抒情,米开朗基罗的强悍以及强烈的生命张力,鲁本斯的性感,安格尔的含蓄、简洁及质感的表现,凡。高澎湃的激情,毕加索旺盛的创造性??等等。这些个性鲜明画家的素描作品,一方面体现了他们的精神风貌,另一方面也展现了素描艺术所特有的魅力。通过欣赏教学,学生产生了浓厚的兴趣,纷纷跃跃欲试。其次,进行教师即兴作品展示和示范。要使得学生产生兴趣,作为教师也要进入“状态”。这对教师提出了较高的要求:一是要对艺术具有忘我的热情和不断探索的精神,这一点特别重要。二是心中要有一个至高的标准,这标准不是限制素描纸的大小、笔的种类,而是修养出的纯正品味。教师较好的水平和能力,能在自己的作品中体现出来,也会激起学生学习素描的浓厚兴趣。
一张画是反映作者作画时思维活动的过程、心理活动的过程、道德认识的提高过程。紧扣这些过程的每个环节,是指导绘画的关键。在学生作画的训练中,常常不自觉地用自己固有的思维方法学习,错误、混乱地表现对象,并麻木地进行下去,这一恶性循环的症状在哪里呢?其根本原因,就是对对象没有整体深入的认识、理解及全面的分析与把握。没有对感受到的第一印象进行追踪和提炼。而只凭臆造,概念、机械地表现对象。
对此问题,教师不能采用单纯地纠正、修改画面的方法。而应由表及里地引导学生去正确把握自己的思维方法,达到教学目的。比如:当发现学生的形不准时,不是直接指出,而是由学生谈谈作画时怎么想、怎么看和怎么画,启发学生回顾作画过程中的每一个思维环节,针对问题出现的原因,建立起学生正确的认识方法,给予学生相应的画面方法上的微观指导,使学生学会运用的思维方式去学习并指导自己的艺术实践。这样,学生就会少犯或不犯类似的错误。
(1)素描因素分析法。首先,对学生在素描训练中遇到的各种因素如:形体、结构、透视、空间、色调、明暗等基本概念逐一进行理论的讲解,进一步使学生认识到各种因素间相互联系和所处的主次地位。如形体、结构等是物体内部最重要的方面,内在的结构形成了外在的形,形体与结构是不可分割的,是我们学习造型的关键,而色调、明暗等因素在我们观察物体时是生动的、丰富的,都是人凭直观感觉它们在光的作用下,起到增强形体感、质感和空间感的作用。让学生在思维上明确建立诸因素的基本概念,理解它们之间的相互关系,使之具备思维上的概括能力。
(2)移位、组合教学法。如改变光源的方向、物体的转向与移位、平面切割、触摸物体等,使学生对物象作全方位的观察、剖析,从中获取直观感受,以开拓原有的思维空间,达到对物象由表及里的全方位的观察和理解。物体移位、组合教学法是打破传统素描教学方法新的教学尝试。传统的方法是摆好实物的写生,有着或多或少的被动因素。教学中,我们采用随意布置的一组石膏几何模型静物,要求学生在想象中对它们进行重新移位组合,运用构图的形式规律,表达出一定的艺术情趣。在具体作画中,学生只能凭借眼前的实物获取一定的艺术信息,在沉思默想中形成有结构的意向,即创作构成有意识的主体空间。学生根据思维中形成的有结构的意象,运用具体的方法进行表现,在线条的使用和明暗色调的设计上具有鲜明的个性和强烈的情感。学生在这种具有艺术情趣的体验中,能更好地保持学习素描的兴趣。
(1)教师激励性评价。“ 与君一席话,胜读十年书”——这正是教师的真正价值,也体现出教师在素描教学中评价所起的作用。在这个意义上,作为学生也迫切需要教师艺术观点明晰、修养深厚,既有独到见解、技法高超,又含兼容气度的好教师的及时的激励性评价。
(2)学生自我评价。学生自我评价过程是认识思维提高的过程。这一个过程的客观与否,直接涉及到学生是否能够有长足的进步。同时,这也是一个学生自我“领悟”
到“艺术真谛”的过程。这种领悟多次地、不规律的到来,就会使学生对艺术本质的了解不断深化,学习效果事半功倍。“领悟”不是教师所能给予或替代的,而是学生自我努力、不断进行自我评价,艺术修养不断提高、人生境界不断升华的结果。
(3)互相评价与他人评价。通过校园系列汇展汇看制度的正常建立,定期组织班级之间、不同专业之间的汇看汇展,同学之间的互相评价,教师及时点评,既可增进浓厚的学习氛围,又可虚心听取他人的评价,进行深刻的艺术反思,从而更好地进行素描训练。
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随着物质生产的发展和社会生活的进步,烹饪越来越具有审美性质,直至发展成为实用与审美并重的各种花色造型菜点及丰盛华丽的筵席。中国烹饪艺术虽然受到烹饪原料、烹饪技术、食品实用功能等因素的制约,具有相对的局限性,但它与其他艺术种类相比较,却有自己的艺术特点,即融绘画、雕塑、装饰、园林等艺术形式于一体。以下是读文网小编为大家精心准备的:对中职烹饪专业《烹饪美术》课程开发的几点看法相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
对中职烹饪专业《烹饪美术》课程开发的几点看法全文如下:
中国烹饪技艺源远流长,有着丰富的历史文化内涵,常说的烹饪菜点的色、香、味、形、质、养,与美术有关的就占了三项。在目前各类大中专院校中,多以师带弟的形式传授烹饪技术,培养的学生仅仅满足一般的厨师要求。学生缺乏对中国传统文化艺术的认知,缺少对美术基础知识的深入学习,所学知识难以满足人们对饮食文化的审美需求,更谈不上对烹饪工艺的发扬和创新。因此,授好烹饪美术课显得尤为重要,下面试谈谈对课程开发的看法。
《烹饪美术》课程教学应占专业课总课时的25%左右,主要分为基础美术课和工艺美术课两部分。基础美术课主要是通过美术基础性练习,让学生掌握美术绘画的常识和技巧,培养事物的整体塑造力,主要有素描、色彩课等。工艺美术课学习是烹饪美术教学的核心环节,通过课堂学习实践,学生掌握烹饪工艺美术造型和烹饪作品美学知识,并将图片选择、色彩搭配应用于烹饪工艺实践中,包括烹饪美术技法、烹饪色彩搭配技艺、烹饪冷拼造型技法、菜点造型设计等。
素描课理论:素描的常识和写生步骤,在美术实体造型中的作用及常用的绘画原理。主要通过对石膏、陶罐、水果的素描写生练习,学生掌握简单的白、灰、黑的线条表现力和空间实体塑造力。
色彩课理论:色彩的形成相环、三原色、间色意义作用,色彩的调和对比,空间实体搭配的知识。主要是对色相环冷暖练习、色彩的调和、色彩的情感、作色技巧练习等。
烹饪色彩搭配技艺课:色彩在烹饪中的作用,烹饪原料色彩搭配及对饮食者的心理、生理的作用和变化等。原料在烹饪中的运用及通过烹、炸、煎、煮等工艺前后颜色的变化,烹饪技艺中的色彩调配与应用的规律和方法等。课堂练习:各种冷暖色的烹饪原料搭配练习,如大红椒、番茄、红枣等暖色原料与青蒜、西芹、黄瓜等冷色原料的比调练习。原料烹制的色彩变化对比练习,如大虾、生蟹烹前是灰色,烹后变成金红色。烹饪冷暖色调料应用,如番茄酱、辣椒红油等,冷色调料的应用,如葱、蒜、青椒的应用及无色汤料的练习。
烹饪冷拼造型技法课理论:冷拼造型图案规律,动植物、风景动态变化表现手法。冷拼图案的特性是对中国传统文化的具体表现,单一拼盘、花色拼盘是原料搭配的表现形式,如瓜果、菜叶、鱼虾、禽蛋等原料在冷、热菜肴设计中的重复排列及围边、围花的应用。课堂练习时,先从临摹再到设计的纸上练习,继而进行原料的拼摆练习,多以蔬菜、水果拼盘等实物练习。而其中的字体设计主要讲述美术字在烹饪中的作用,练习时主要应用在中餐热菜、冷拼、糕点中,如福、禄、寿喜庆吉祥等字样。
菜点造型设计课讲述了烹饪造型的美学原理、艺术表现的具体手法,在烹饪工艺中的应用,冷菜拼盘的形式,花卉、动物、风景的造型,瓜果等原料雕镂技巧和造型的综合应用等。课堂练习主要是通过教师的讲解和示范,学生加以瓜果、蔬菜雕刻的实物训练,特别是一些传统喜庆菜肴和拼盘,如花开富贵、福寿延年、荷塘秋色等作品。
《烹饪美术》是一门艺术美学、烹饪原料学、烹饪工艺技能相结合的综合性学科,其教学过程就是专业知识理实一体相结合的过程,有别于其他美术教学,强调实用性、示范性、技能性,这也是职业教育的特点,同时在课堂教学中潜移默化地培养和提高学生的审美能力,特别注重对学生进行传统美食文化艺术的熏陶。通过理论到实践,实践到理论的生动灵活教学,激发学生对美术课的学习热情。烹饪专业学生大多没有美术基础、缺乏学习美术课的兴趣,因此,对学生应因材施教、由浅入深、耐心细致地教学,发挥学生的主观能动性,提高学生的专业动手实践能力。
中职烹饪专业是一个技能实用型专业,目前大部分高职中专院校都设有此专业。大部分学校没有专职烹饪美术教师,有的只是美术专业教师兼课,美术课安排较少或不够合理,或根本没有这门课程。某些美术教师对烹饪工艺、烹饪原料的性能不够了解,没有很好地突出烹饪美术教学的特点,不能将实用美术与烹饪工艺相结合地讲授,使美术课没有发挥烹饪专业中应有的作用。烹饪美术教师除具备应有的美术专业知识外,还要掌握烹饪专业的相关知识,特别是实践技能。同时学校要为他们学习烹饪工艺知识提供条件,加强学科之间的交流,以更好地吸引一批教师从事烹饪美术教学工作。
中国是美食之乡,饮食文化与人们的生活息息相关,随着生活水平的提高,人们对衣、食、住、行有了更高的要求,只有充分发挥职业教育的优势,合理制订烹饪美术教学计划、不断探索新的教学形式,才能培养既具有美术知识,又有较高烹饪技能的新型厨师,这才是烹饪专业培养人才的方向,只有这样中国烹饪工艺才能更好地传承下去并发扬光大。
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美术,指的是艺术工作者塑造独特艺术形象,表达自己思想的一种创作形式和创作结果。以下是今天读文网小编为大家精心准备的美术类学术论文范文:俄罗斯美术再认识。内容仅供参考,欢迎阅读!
【内容提要】今春在上海举办的《俄罗斯现实主义新生代作品展》对于了解俄罗斯美术的现状,探讨近十年来涌现的俄罗斯“现实主义”新生代美术思潮的起源、表现、性质和命运,研究苏联解体后俄罗斯造型艺术研究的学术动态,显然是一次极好的机会。
【关 键 词】俄罗斯/美术/认识
当我审视来自远方的“俄罗斯现实主义新生代”作品时,一系列的问题油然而生:如何以一个开放式的语境去剖析俄罗斯美术?新的俄罗斯美术形式如何体现绵延至今的历史“现实主义”精神?究竟什么样的“现实主义”艺术形式才能真正切入当代?如果俄罗斯造型艺术仅以民族本土性(如俄罗斯传统中的圣经、神话内容)来应对当代社会是否具有足够的说服力?而造型艺术的形式本身与时代性之间究竟是怎么样的关系?由此引出的种种思考,将是本文论述的主旨。
另一方面的问题是,“俄罗斯现实主义新生代”作品展,对于我国美术的影响是否能达到1957年上海“中苏友好大厦”展出巡回画派巨匠们的作品所引起的轰动?我国众多艺术创作者能否从中把握俄罗斯以及世界当代艺术的脉搏并加以发挥?换句话说,俄罗斯“现实主义”新生代作品展究竟获得了多少“展览”的实质意义,这也是今天我作此阐述的动机和目的所在。
俄罗斯还在十世纪基辅公国时代,就与欧洲发达的拜占庭有着较为密切的联系。基辅公国在公元988年接受拜占庭的____为国教,通过宗教影响,拜占庭的圣像画源源不断地流入俄罗斯,这为十七世纪后肖像画发展打下了基础,画面开始重视透视和质感的表达。十八世纪彼得大帝在政治上的一系列改革措施,使俄国从封建农奴制迅速向资本主义过渡,在俄罗斯全面“欧化”过程中,肖像绘画在这一时期色彩仍然比较单调,构图也缺乏变化。至十八世纪中期后叶卡德琳娜即位,大量艺术家出国学习,国内缺乏教师,遂请来法国、意大利、英国艺术家来俄教授,这一时期的建筑装饰艺术及肖像绘画得到了很大的发展,构图开始变得宏伟,画面表现无疑也受到了当时欧洲的影响。十九世纪中期以后崇尚文学绘画的习俗颇为风行,俄罗斯艺术开始升华。文学方面,果戈里、屠格涅夫、陀思妥耶夫等大文豪降生,他们揭露丑恶的社会现象和畸型的人际关系,尖锐而敏感地揭示了生活现象的本质,是十九世纪后期批判“现实主义”文学的先驱;后又出现了涅克拉索夫、车尔尼雪夫斯基等倡导的“现代人”杂志。音乐界也出现了由穆索尔斯基等组成的为俄国民族音乐而奋斗的“强力集团”。美术界也紧跟文艺界动态和思潮,参与了当时的社会运动。六十年代具有民主主义思潮的艺术家们发展了菲多托夫的“批判现实主义”精神,在创作中记录了俄国社会的弊端,提出了一系列社会问题。这一时期俄国巡回展览画派的彼罗夫(1833-1882)的“送葬”、“复活节的宗教行列”、“沙漠中的基督”等表现出了人们应尽的社会责任和道德义务,其抒情的画面、凄凉的意境与屠格涅夫笔下的人物形象有着密切的关联。列宾(1844-1930)是巡回展览画派鼎盛时期的代表人物,他的《伏尔加河上的纤夫》、《库尔斯克省的宗教行列》描写了十九世纪后期俄国的现实生活形态。苏里柯夫(1848-1916)在历史题材的绘画领域内也做出了杰出贡献,如在《近卫军临刑的早晨》这幅名作中,他把近卫军、莫洛卓娃、米西柯夫放置在尖锐的矛盾和冲突中,以此揭示他们复杂而微妙的精神世界,使人物形象具有不同寻常的悲剧深度和力量。这一时期是俄罗斯“批判现实主义”的鼎盛时期。
十九世纪末期,巡回展览画派已失去了昔日“批判现实主义”的动力,创作上也日渐趋于保守,缺乏新意。这一时期的整个社会背景是俄罗斯处于动荡时期,艺术风格也一直受到谢洛夫等绘画的影响,巡回展览画派已不再能左右俄罗斯画坛。然而,同期欧洲的艺术运动却极为活跃,从而再一次影响了当时俄国境内的青年艺术家们,彼得堡一群青年组织了一个名为“艺术世界”的社团,亚历山大·贝诺斯开始号召当时的青年艺术家们有计划地向欧洲(特别是法国、德国)学习,“艺术世界”杂志开始传播外国艺术信息,给二十世纪初俄国的艺术思潮带来了活力。“艺术世界”在俄国的出现,对二十世纪前期俄罗斯绘画起到了冲击作用,直至对后来苏联时期的绘画也产生了相当大的影响。1917年十月革命的爆发,不仅对俄罗斯而且对整个世界都是一次大震动,它震撼了俄罗斯艺术家的心灵(也暗示着前卫艺术活动的接近终止)。他们开始在一个新的令人兴奋的意识形态领域中寻觅人民所需要的艺术样式,并创造出一批歌唱祖国、颂扬人民、保卫和平的作品:如为我国人民所熟悉的卫国战争时期的宣传画,雕塑《铸剑为犁》,油画《末日》(注:《末日》的作者名是三人的联合署名,那个时期有许多这样的创作小组,并不全是自发的,艺术创作的功用可见一斑。),莫依钦柯的《红樱桃》、《红军来了》、《通讯兵》,雅勃隆斯卡娅的《春天》等。亦有一些艺术批评家认为这一时期的苏联美术领域所显现的“实利主义”、“生产本位主义”比一般纯粹美学的探索更为重要。苏联社会主义时期的现实主义以及俄罗斯批判现实主义绘画对我国二十世纪五、六十年代乃至今日美术领域的走向有着相当的影响,这是一个不容回避的现实问题。“现实主义”创作方式仍然是目前我国美术创作的主流。同样,俄罗斯强大的“现实主义”传统也不会在“休克疗法”中瞬间消亡,基础扎实、讲究功力的学院派更是如此。如果我们把此次俄罗斯现实主义新生代作品展(注:俄罗斯现实主义新生代作品展于2002年4月4日——5月5日在上海金茂大厦展出。)和一九七七年巴黎的六十年来苏联绘画展作一系统考察,再联想到十九世纪末至二十世纪初在俄罗斯土地上所发生的文学艺术转型的中途夭折,我们是忧喜参半:令人扼腕的是今日俄罗斯艺术多样式多流派终究没能像当年那样辉煌于世,而令人欣慰的是其“现实主义”的优秀传统至今仍在这块土地上熠熠生辉!
与十月革命时期相并行的巴黎画坛则延续着艺术变革的火种,艺术展览一个接一个,出现了“蓝骑士”、“红方块牌中的仆人”、“驴尾”、“靶子”、“军人”和“维纳斯”等艺术展览与团体,风格也从“新原始主义”、“表现主义”、“野兽派”、“立体主义”、“新朴素派”、“极限主义”演变至“结构主义”,这些画派又倾向于“未来主义”,追求表现四维空间的“黑色方块”、“绘画上的零度”以及“绝对主义”理论,由此产生了“几何抽象”等理论。与此同时的康定斯基是俄罗斯该时期活跃在欧洲画坛的代表人物之一,亦是世界现代美术史记录的先驱之一。同时,俄罗斯的塔特林在1920年完成的《第三国际纪念模型》——这是一件以木质为主的螺旋形塔梯,使当时苏联的造型工艺在现代具有领先地位(指当时欧洲的现代艺术及工艺设计运动)。塔特林的各种物质材料的文化理论影响了“结构主义的诞生”。此时左倾形式主义运动也逐渐高涨。虽然俄罗斯没能继续与欧洲共同上演现代美术史上的精彩剧目,但在人类艺术追求本质的过程中,俄罗斯绘画艺术在美术史上也以它自己的方式作出了应有的贡献,从俄罗斯巡回展览画派到苏俄“现实主义”美术运动的历史功绩,都在人类艺术史上留下了足迹。那种深沉的“人道主义”情结,那种深情、挚爱,那种鞭挞丑恶、崇尚人性为本的精神力量为以后的“现实主义”打下了坚实的基础。
仅从几件作品来评定一个国家一个时代的艺术风貌往往容易流于形式与技能的审视,同时也不宜仅从某一理论或者固定的审美观来评判这一展览。尤其是因为近十年来俄罗斯政治、经济、社会处于一种极其动荡不安的状态,就更应从作品与社会现实、作品与人互动的角度来评判艺术。换句话说,评判本身即是一种文化批评、一种哲学。只有这样,才能理解俄罗斯现实主义“新生代”美术所展现的当代美术精神。
1、人文关怀。苏联解体至今已有十一个年头了,岁月的更替、生活的变迁、社会的动荡与冲击改变着人们的命运和思维模式。“俄罗斯现实主义新生代”是指沙俄时期批判现实主义至苏联现实主义传统之后近十年间的“现实主义”新生代画家们,他们自然是传统现实主义画派的延续。值得关注的是,这些现实主义新生代在主题与形式上作为一个画派的演化过程与延续,是否还具有当代“现实”意义;在技术与形态上,他们好像从未放弃自己的使命和责任,从未放弃艺术的真诚追求,但是历史、现实生活、民族的命运、人的生存状态是否依然在他们的作品里得到“人文”的关注?
从这几位画家的作品中可以看出学院派崇尚经典的始终如一的创作理念,古典的样式、前辈的表现语言在不经意中表露无疑,他们的基本功无疑是扎实的。尤里·戈留塔,笔触豪放不羁,表现出一种洒脱的情绪,具有强烈的表现意识;拉长的人体、线面相互交错的处理手法,无不流露出前辈画家巴巴(注:亚历山大·贝洛夫斯特2001年被选为俄罗斯艺术科学院院士。)、莫依钦柯的程式,他对前辈的技术传承几乎到了不折不扣的地步。但是,其众多的肖像画神情如一的漠然样子被一些评论者渲染成对人物“内心世界的刻画”,笔者对此则不敢苟同;亚历山大·巴戈香追求深度和力度感,确实凝重而厚实,其压扁的人形与布满画面的构图及简化的色彩关系似乎在述说着某种压力下的不快,其样式延续着八十年代一些作品的风貌。还有一些宗教题材类作品,画家在自己的色彩世界里诠释着古老的信念,似乎当下俄罗斯掀起的宗教热使画家找到了灵魂的归宿。亚历山大·贝洛夫斯特把历史上以神话为体裁的传统观念在历史的范围内用于重塑历史画的格局,其以圣经、神话的一贯认知为基础是符合历史的,但是否具有真实的当代“现实”内涵就不得而知了,他的作品是形式变化最多的,但在个人风格上似乎没有找到合理的承继形式,然而不可否认的是,他的把握能力堪称一流,也是笔者最为欣赏的一位。作为大师,他可以让授予他荣誉的人们感到自豪,作为一代艺术家的典范,他应在时代与艺术的坐标中找准自己的位置。总而言之,在充分领略俄当代画作赏心悦目的景象的同时,可以发现上述几位画家似乎都面临着一个共同的问题,即缺少对当下问题的“人文”关怀和社会“视角”的参与。
当然,展览是值得一看的,毕竟多少年没有一个像样的俄罗斯(包括前苏联)画展在我们这块曾经对其顶礼膜拜的土地上展出了,从某种意义上说对它们的了解也就是对我们自身的审视。
2、时代特征。俄罗斯现实主义新生代画家确实有着很大的探索勇气和创作精神,试图创作出具有时代特征的审美情趣的艺术样式,他们好似同样坚守着伟大的“现实主义”原则的底线,捍卫着伟大的“现实主义”旗帜。但是,他们所遇到的挑战是前所未有的,在他们的画中亦可以看到某些其它艺术样式的运用,这得益于八十年代开放语境的熏陶(注:80年代,戈尔巴乔夫改革开放政策,也促使了文化艺术界空前活跃。)。而在九十年代,他们眼前的种种变化与现实却只能通过传统的“现实主义”题材搪塞时代,哪有当年列宾、苏里柯夫的睿智与气慨。这种远离现实的“现实主义”不再是真正的当代意义上的“现实主义”。
然而,“现实主义”艺术仍然在那些“新生代”艺术家们的作品中得以体现,每一代“现实主义”新生代画家群体,从绘画传承角度为我们揭示了从帝俄“时代”到苏维埃时期一直到俄国“现实主义”艺术演化的历程,在秉承先辈写实主义画法的同时揉进其它的绘画样式,以求在新的视觉刺激框架中与受众共鸣,在这一点上,他们总能做到恰如其分。
当然,他们的作品虽然延续了“批判现实主义”的方法,又吸取了一些其他艺术样式成分,但他们所反映的生活视角,是假视的、游离于现实社会背景之外的——传统的永恒生活主题是否被赋予了新的精神内涵以及社会职责,宗教的宣扬是否真正缔造出了现代社会大众的意识所在,习作式的肖像是否在不经意中流露出消极的人生观,等等。在创造性语言的表达形式与技术的造型能力与形式美感上,还留有苏联时期的表面表现形式,这种“述而不作”式的传递也许正好是一种常态。然而作为“浸润于规模空前的对百年前的文化转型期精神氛围的体验与思索”(注:弗兰克:《白银时代》,中国文联出版公司1998年版。)的俄罗斯文化人,其作品理应给人以更多的对当今的理解与思考。“画展”作为“俄罗斯现实主义新生代”的典型表现是否具有代表性?在质疑的同时,我们不得不为这一“新生代”群体的回避现实与失落状态寻找一种解释:“他们尚处在苏联解体、苏联文化解构的余震之中,他们正面临着‘一切都翻了身’、‘一切尚未安顿下来’的又一次转型关口”(注:弗兰克:《白银时代》,中国文联出版公司1998年版。)。假如这一解释能够成立,那么“俄罗斯现实主义新生代”的标签将在往后的作品中,以不亚于当年巡回展览画派对世人的震撼来揭示一个艺术新时代——一个自信、开放并有民族凝聚力的、为复兴俄罗斯而创作的艺术时代。然而,从新生代的画展中人们恐怕还没有感受到这样的气息。
毋庸置疑,充当人类重新认识“真、善、美”的社会良知和灵魂仍然是当代艺术家的文化使命,就像相当多的题材是关于“环保”和“恐怖主义”等当今世界最为敏感的社会问题与政治问题一样,它们深入到了人的内心深处,刻画了人的复杂而又微妙的精神世界。而这些“新生代”艺术家身上所体现出来的,是否真正具有深厚的民族精神和人道主义审美亲切感的那种魅力呢?假如让我们再一次游历莫斯科特列采恰可夫斯基国家画廊,穿梭于七十七间硕大的展厅,崇敬之情即油然而起。那里悬挂着俄罗斯与欧洲几乎所有重要画家的作品:毕加索、梵高、康定斯基、莫奈、库尔贝、鲁本斯、苏里柯夫、列宾、赛罗夫等等等等,这样的陈列与观照绝不是一个简单的历史参照,它至少告诉我们,在宣扬民族精神的同时,俄罗斯艺术曾经与世界水乳交融、并驾齐驱。如果俄罗斯艺术曾经如此,那么俄罗斯绘画大师善于与同时代的世界沟通的高超本领,理当亦应是传统继承的重要特征,因为苏联在很长一段时间怀有较强烈的意识形态色彩的民族自豪感,这种在封闭环境中培育起来的情感往往是盲目的、偏执的。俄罗斯学者指出:“‘苏联范式’无法从民族意识中排挤出去,因此在今后的年代中,俄罗斯民族意识仍会保留‘苏联基调’,这个基调现在和将来在很大程度上决定着俄罗斯人自我认同的性质”(注:李英男:《转型时期的俄罗斯民族意识》,《俄罗斯研究》2002年第1期。),“新生代”画家的意识是否能独立其外,真正“新”起来,看来还是一个有待努力的前景。
重新回顾一下俄罗斯美术,将会使我们对我国当代美术发展态势进行新的思考与认知,同时我们也将思考如下问题,即当今俄罗斯美术的状态和发展态势是否还存有诸多问题,那个曾经辉煌于世的俄罗斯美术,还能继续保持和发展它的深厚的潜力吗?作品存在的价值自是毋庸置疑。但平心而论,若要回顾与审视当下作品的内在意蕴和成熟度,看来也有欠火候。绘画展所反映的一个明显问题是,倘若缺乏对现代艺术的深度了解,就会屈服于只是表面技法的艺术样式。至于强调现代精神、现代艺术的原则性,则理应包含对艺术本质的说明,而不能像一些俄新生代画家那样只在感性的漩涡里打转。
在经历了上个世纪五、六十年代苏联艺术对我们的重大影响,以及改革开放以来各种西方艺术思潮的冲击与洗礼,我们有充分的理由再来关注俄罗斯“现实主义”新生代画派的现状与发展趋势,以及俄罗斯后现代主义美术思潮的起源、表现、性质和命运。通过研究解体后的俄罗斯艺术动态,重新认识俄罗斯美术,不光从一个侧面透视出正在转型中的俄罗斯的精神界面,而且从中俄美术交往的相互观照中去体味我们自身的过去、现在与将来,大概这就是我从所观看的展览会中得出的一点感悟吧。尽管这可能已经超出展览举办者的初衷。
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根据学校的专业性质,将传统的美术专业与计算机相结合,这无疑为教学改革拓开了一条新路。然而,怎么样的教学才能使计算机与专业很好地结合,并且发挥其优势与作用呢? 以下是读文网小编为大家精心准备的:探讨计算机和美术专业相结合的教学相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
一、社会发展需要复合型人才
随着科技的发展,社会对计算机人才和美术人才的需求越来越大。虽然大多数高校的计算机学院里面设置了计算机专业和美术专业,但是由于计算机专业的学生没有美术基础,导致他们设计制作出来的作品缺乏美感,最终效果也大打折扣。同时,在就业方面,虽然目前各大网络公司,游戏公司有分别做编程的技术人才和做美术的设计人才,但是现实中往往由于专业的区别导致在衔接上出现一些问题。更重要的是,不管是网站还是程序设计,在功能和界面设计上需要整体的考虑,这样才能最大限度地发挥产品的作用,实现人性化的设计,这也要求从业人员成为既懂编程又懂美术的复合型人才,这也是未来的发展方向。
怎样在教学中进行合理的课程设置及内容安排才能够培养出既能够编程又能够进行美术设计的复合型人才就是我们今天要讨论的问题。
二、重视教学上PPT 的作用
为了更好地影响学生,教师的教学PPT 就要设计制作得生动形象。具体的设计制作要遵循以下原则。在确定好内容和形式之后这里主要讲PPT 的板式设计,配色,配图等问题。1. 在排版时要遵循设计四原则:对齐,对比,聚拢,统一。对齐是指段落要对齐,使得整体版面美观,大方。对比是用于突出重点。聚拢是对内容进行分类,便于识别和美观。统一是指统一的风格,统一的排版,统一的字体,统一的配色。2. 要注重细节,在制作背景时要用纯色别用黑底,别乱用图片做背景,过于花哨的图片会影响内容的展示。配色时尽量用单色,颜色越少越好驾驭,最好不要超过五种颜色。字体方面用12 号——32 号的标准字体,字体不要太小,也不要和背景颜色相近。图片方面用实拍相片比较好。3. 构图和色彩。构图是对PPT 所有元素进行整体的编排和布局,涉及到字体、字间距、行距、图片的大小和摆放位置等。色彩较之图文对人的心理影响更为直接,具有更感性的识别功能。色彩一般具有色相,明度,纯度这三个基本特性,又分为冷色调,暖色调,中性色三种色调,不同的颜色还有相应的对比色,合理及巧妙地利用不同的色彩关系能够给画面带来强烈的视觉冲击力,为PPT 页面增光添彩。
三、让美术渗透到课堂教学中
手机是现代大学生常用的通讯工具,加入手机图标设计制作练习,通过典型图标设计制作,让学生亲身感受到美术在现实运用中的重要作用。在创作过程中,首先从手稿绘制开始,通过不断的调整和完善,最终形成电子文档。手稿是一项基本步骤,因为它让你仔细思考各个创意,使大脑快速进行头脑风暴并产生新想法。当你画了一些简单的手稿,并将它们都罗列在眼前,正确的方向立刻就显现出来。手绘草稿最关键的一点,不求数量多,而是要多样化。你画了上百个相同的东西一点用也没有,如果你有三个不同概念,那就有用和深刻得多。只要保持手绘稿千变万化,就会有好结果。广泛收集灵感有助于找到合适类型的图标,并确定应该朝哪个方向前进。
四、加入影视相关课程
加入影视课程,课程本身能够通过生动形象的视听语言,最大限度地激发学生的兴趣,并在课程中穿插美术和设计的元素。在摄影课程第一章中讲到摄影家的眼力,这是最重要的一个环节,要想拥有良好的眼力必须遵循三个基本原则:
1. 要有一个鲜明的主题 。2. 吸引人 。3. 画面简洁。以上这三个基本原则其实也是美术的基本原则。鲜明的主题就是我们到底要表现什么,而且要将这个主旨贯穿始终。怎样才能吸引人,这也是美术中的手法,比如利用构图、光影变化、虚实变化、肌理效果、色彩变化等等来达到突出重点,吸引人的目的。画面简洁也就是强调主次关系,画面主体要浓墨重彩,细致刻画,次要的物体就一笔带过,起个陪衬效果就行了。在影视语言中有一个章节是讲固定镜头的拍摄,固定镜头也是运用得非常多的一种镜头,它是指摄像机机位不动、镜头光轴不变、镜头焦距不变的情况下所拍摄的画面。固定镜头的表现形式就很接近于美术作品和摄影作品的形式感。这就主要强调美术中的构图的能力,良好的观察和构图能力能够有利于表现主体,同时能够使你在平凡的生活中发现不平凡的东西,让镜头变得有意思,有情趣。虽然良好的构图对于一个学美术的学生来说很容易,但对于一个编程的理工科学生来说就有些困难,这就需要多加练习。
五、设置实践课程进行系统的设计
设置具有实践性的课程,在课程中安排一些竞赛的题目或者具体的某个应用性的项目作为设计制作题目。有了具体的项目作为支撑,能够更好地激发学生的积极性,同时要求学生在实践操作中强调功能性的同时注重界面的设计,尽量使作品整体效果更好。教学上配置计算机专业教师和艺术设计教师共同授课,分别解决学生的技术问题和界面方面的问题。
六、美术生应该具备一定的编程能力
不管在3dsmax,Maya, After effects 还是Flash 中都有表达式的运用,表达式的概念大大方便了复杂效果的制作,这些就涉及到一定的编程能力。例如:Discovery 旅游生活频道制作的《travelchannel》片头利用After effects 表达式制作的贯穿整片的圆形构成就运用了表达式控制其比例大小及运动方式。如果不使用表达式控制的话,逐个调整将是非常琐碎的工作。所以,通过表达式的运用,片头的制作速度大为缩短,并且这样的效果并非手动调整能够完全达到,所以,美术生也应该具备一定的编程能力。
结论
综上所述,培养出既具有计算机技术又具有艺术表现能力的复合型人才的确重要。目前这种懂艺术的不了解计算机技术,懂技术的却往往缺乏艺术基础的人才状况一定要改变。所以在课堂教学中我们一定要有合理的课程设置,比如增加设计课程,影视课程和工程实践等相关课程。在课堂上我们也要从各个方面去影响学生,比如说制作出形象美观的教学PPT,一方面有利于教学,另一方面给学生一个好的示范。同时在工程实践课程中也要求学生制作出有一定视觉效果的答辩PPT,并要求最后的作业要兼顾程序设计和美术设计,为以后全面的发展打下基础。那么,打破文理界线,沟通科学和艺术,拥有将想象力和创造力通过坚实的数字技术表现出来的复合型人才将浮出水面。
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台湾对学生的管理称为班级经营,大陆相对应称之为“班级管理”、“班级文化”、“班主任工作”等。有台湾教育专家认为,管教学生或班级经营的能力,是教师专业知能之一。班级经营策略好坏直接影响到教学效果,教师应通过训练获得有效的班级经营技巧。台湾教育界为了适应新形势变革,将以班级经营为核心的专业知能作为师范生教师专业培养的一项重要内容,从课程设计、教学策略和实习制度等方面着重培养师范生班级经营能力。
台湾师范生在师范院校或师资培育中心学习称为师资生,到学校实习称为实习生。台湾师范生在师范院校毕业,或在一般大学毕业且修完教育学分( 或修满教育学程) 后,经过教师资格初检合格者,才能申请实习教师资格,发放实习证书,联系学校实习。台湾教师实习最初为一年,实行师资培育改革后,2002 年调整为一年或半年。实习包括四个部分: 行政实习、教学实习、导师实习和研习活动。实习期间,以教学实习( 教学效能) 及导师实习( 班级经营) 为主,行政实习及研习活动为辅。
在实习阶段,每位实习生都安排有两位指导教师,一位是实习学校的教师,另一位是师培中心指定分配的指导教师。为了培训实习生班级经营的知能,实习学校一般指派担任导师三年以上的有经验的导师指导,师生共商实习目标、重点、活动、方式和进度。实习生实际上重点跟随实习学校教师学习,尤其要随班学习指导教师的班级经营管理。通过随班观摩其指导管理学生的方式,观察指导教师的一言一行。例如观察指导教师每天去教室与学生一起用餐,观察指导导师班级经营的绝招: 包括维持中午吃饭秩序、吵架等处理方法。很多实习生回顾自己在实习阶段,得到实习辅导教师帮助很大,收获很多,尤其在班级经营方面终生受益。如认为辅导教师的班级管理应成为师资培育必修课程,教师给予学生班级经营方面的指导较多。“我觉得师院的辅导老师给师院生的指导偏重班级经营方面的指导”。“我觉得小学的指导老师在教导我们班级经营方面,则先看我们如何应付处理小朋友争吵,然后,再把他的处理方法告诉我们,然后再用自己如何安抚小朋友的方法让我们了解。”台湾实习时间较长,导师实习时间得到保证,观摩一段时间的指导教师班级经营技能后,必须亲自带班管理学生,组织一些班级活动。实习后,还要撰写报告、心得、体会、感悟、收获、反省等,强调实践反思和应用,从中吸取经验与教训,将发现的教育实际问题提炼升华,促使理论与实践呈交替前进、螺旋上升的态势,提升班级管理理论和业务水平。[论文=格式]
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社会发展需要复合型人才随着科技的发展,社会对计算机人才和美术人才的需求越来越大。虽然大多数高校的计算机学院里面设置了计算机专业和美术专业,但是由于计算机专业的学生没有美术基础,导致他们设计制作出来的作品缺乏美感,最终效果也大打折扣。同时,在就业方面,虽然目前各大网络公司,游戏公司有分别做编程的技术人才和做美术的设计人才,但是现实中往往由于专业的区别导致在衔接上出现一些问题。以下是读文网小编为大家精心准备的:计算机和美术专业相结合的教学相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
随着科技的发展,社会对计算机人才和美术人才的需求越来越大。虽然大多数高校的计算机学院里面设置了计算机专业和美术专业,但是由于计算机专业的学生没有美术基础,导致他们设计制作出来的作品缺乏美感,最终效果也大打折扣。同时,在就业方面,虽然目前各大网络公司,游戏公司有分别做编程的技术人才和做美术的设计人才,但是现实中往往由于专业的区别导致在衔接上出现一些问题。更重要的是,不管是网站还是程序设计,在功能和界面设计上需要整体的考虑,这样才能最大限度地发挥产品的作用,实现人性化的设计,这也要求从业人员成为既懂编程又懂美术的复合型人才,这也是未来的发展方向。
怎样在教学中进行合理的课程设置及内容安排才能够培养出既能够编程又能够进行美术设计的复合型人才就是我们今天要讨论的问题。
为了更好地影响学生,教师的教学PPT 就要设计制作得生动形象。具体的设计制作要遵循以下原则。在确定好内容和形式之后这里主要讲PPT 的板式设计,配色,配图等问题。
1. 在排版时要遵循设计四原则:对齐,对比,聚拢,统一。对齐是指段落要对齐,使得整体版面美观,大方。对比是用于突出重点。聚拢是对内容进行分类,便于识别和美观。统一是指统一的风格,统一的排版,统一的字体,统一的配色。
2. 要注重细节,在制作背景时要用纯色别用黑底,别乱用图片做背景,过于花哨的图片会影响内容的展示。配色时尽量用单色,颜色越少越好驾驭,最好不要超过五种颜色。字体方面用12 号——32 号的标准字体,字体不要太小,也不要和背景颜色相近。图片方面用实拍相片比较好。
3. 构图和色彩。构图是对PPT 所有元素进行整体的编排和布局,涉及到字体、字间距、行距、图片的大小和摆放位置等。色彩较之图文对人的心理影响更为直接,具有更感性的识别功能。色彩一般具有色相,明度,纯度这三个基本特性,又分为冷色调,暖色调,中性色三种色调,不同的颜色还有相应的对比色,合理及巧妙地利用不同的色彩关系能够给画面带来强烈的视觉冲击力,为PPT 页面增光添彩。
手机是现代大学生常用的通讯工具,加入手机图标设计制作练习,通过典型图标设计制作,让学生亲身感受到美术在现实运用中的重要作用。在创作过程中,首先从手稿绘制开始,通过不断的调整和完善,最终形成电子文档。手稿是一项基本步骤,因为它让你仔细思考各个创意,使大脑快速进行头脑风暴并产生新想法。当你画了一些简单的手稿,并将它们都罗列在眼前,正确的方向立刻就显现出来。手绘草稿最关键的一点,不求数量多,而是要多样化。你画了上百个相同的东西一点用也没有,如果你有三个不同概念,那就有用和深刻得多。只要保持手绘稿千变万化,就会有好结果。广泛收集灵感有助于找到合适类型的图标,并确定应该朝哪个方向前进。
加入影视课程,课程本身能够通过生动形象的视听语言,最大限度地激发学生的兴趣,并在课程中穿插美术和设计的元素。在摄影课程第一章中讲到摄影家的眼力,这是最重要的一个环节,要想拥有良好的眼力必须遵循三个基本原则:
1. 要有一个鲜明的主题 。2. 吸引人 。3. 画面简洁。以上这三个基本原则其实也是美术的基本原则。鲜明的主题就是我们到底要表现什么,而且要将这个主旨贯穿始终。怎样才能吸引人,这也是美术中的手法,比如利用构图、光影变化、虚实变化、肌理效果、色彩变化等等来达到突出重点,吸引人的目的。画面简洁也就是强调主次关系,画面主体要浓墨重彩,细致刻画,次要的物体就一笔带过,起个陪衬效果就行了。
在影视语言中有一个章节是讲固定镜头的拍摄,固定镜头也是运用得非常多的一种镜头,它是指摄像机机位不动、镜头光轴不变、镜头焦距不变的情况下所拍摄的画面。固定镜头的表现形式就很接近于美术作品和摄影作品的形式感。这就主要强调美术中的构图的能力,良好的观察和构图能力能够有利于表现主体,同时能够使你在平凡的生活中发现不平凡的东西,让镜头变得有意思,有情趣。虽然良好的构图对于一个学美术的学生来说很容易,但对于一个编程的理工科学生来说就有些困难,这就需要多加练习。
设置具有实践性的课程,在课程中安排一些竞赛的题目或者具体的某个应用性的项目作为设计制作题目。有了具体的项目作为支撑,能够更好地激发学生的积极性,同时要求学生在实践操作中强调功能性的同时注重界面的设计,尽量使作品整体效果更好。教学上配置计算机专业教师和艺术设计教师共同授课,分别解决学生的技术问题和界面方面的问题。
不管在3dsmax,Maya, After effects 还是Flash 中都有表达式的运用,表达式的概念大大方便了复杂效果的制作,这些就涉及到一定的编程能力。例如:Discovery 旅游生活频道制作的《travelchannel》片头利用After effects 表达式制作的贯穿整片的圆形构成就运用了表达式控制其比例大小及运动方式。如果不使用表达式控制的话,逐个调整将是非常琐碎的工作。所以,通过表达式的运用,片头的制作速度大为缩短,并且这样的效果并非手动调整能够完全达到,所以,美术生也应该具备一定的编程能力。
综上所述,培养出既具有计算机技术又具有艺术表现能力的复合型人才的确重要。目前这种懂艺术的不了解计算机技术,懂技术的却往往缺乏艺术基础的人才状况一定要改变。所以在课堂教学中我们一定要有合理的课程设置,比如增加设计课程,影视课程和工程实践等相关课程。在课堂上我们也要从各个方面去影响学生,比如说制作出形象美观的教学PPT,一方面有利于教学,另一方面给学生一个好的示范。同时在工程实践课程中也要求学生制作出有一定视觉效果的答辩PPT,并要求最后的作业要兼顾程序设计和美术设计,为以后全面的发展打下基础。那么,打破文理界线,沟通科学和艺术,拥有将想象力和创造力通过坚实的数字技术表现出来的复合型人才将浮出水面。
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(山西)广灵剪纸作为中国汉族民间剪纸三大流派之一,以其生动的构图、传神的表现力、细腻的刀法、考究的用料与染色、精细的包装制作工艺,独树一帜,被誉为“中华民间艺术一绝”,在中国剪纸中占有重要地位。2009年,广灵剪纸作为中国剪纸的部分申报项目,被联合国教科文组织列入 《人类非物质文化遗产代表作名录》。以下是读文网小编为大家精心准备的:从广灵剪纸谈大同地方美术特色专业建设相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
山西大同地处塞外,有着悠久的历史文化渊源,是北魏建都之地。大同地方美术领域宽广,门类众多,有著名的云冈石窟的石刻艺术,佛教明建华严寺的彩塑艺术,三教合一的悬空寺的建筑艺术,大同土著的煤雕艺术,九龙壁的琉璃浮雕艺术,广灵剪纸艺术等等。作为地方院校的大同大学的美术专业应该承担起继承和发扬地方美术的任务,同时作为特色专业进行研究与实践,使我们的专业学生和地方美术共同发展,得到双赢。这里就广灵剪纸进行研究和分析,使之成为美术专业特色课程之一。
广灵剪纸又俗称“窗花”,其历史悠久,是中国民间剪纸三大流派之一。它的艺术特色主要体现在它是一种以阴刻为主的点彩剪纸。在全国品类繁多的剪纸中,风格别致占有较高的艺术地位。这种剪纸是用薄薄的宣纸,用锋利的雕刻刀,刻下来,再点染上颜色而完成的。在农村里,把它贴在窗户上,作为逢年过节时的点缀和装饰,所以也叫窗花。在本地人眼里,剪纸和窗花是没有区别的。
因此,近年来出版的一些广灵剪纸的集子,有的题做剪纸,有的又称作窗花。剪纸和窗花,都是劳动人民所创造的,并有很高成就的民间艺术。窗花是贴在窗户上的装饰,也可以说它是一种直接从农家的窗户上成长起来的民间艺术,主要流行在农村和小镇。因此窗花的内容也就以反映农民生活为主体,首先以花卉、戏曲人物、耕种、喂猪、养鸡为窗花的基本题材;其次就是象征吉祥、颂祝福利、反映农民生活愿望的图案,把美丽的自然风物,组成吉祥图案。
从创作形式上大致可分为“单幅”(每幅画面是独立的)、“双幅”(采取对称形式的)、“多福”或成套的(如四人组成的戏剧,八幅组成的《八仙过海》,十二幅组成的《十二生肖》,二十四幅组成的《二十四孝》等)、“角花”(贴在窗户四角的四幅三角形组成的图案,或将一个整体分作四幅八幅剪开分贴)及“大幅”多是利用图案的重复与对称,在构图上多系圆形)五种。因为刻制窗花的目的是为了装饰窗格子,于是就产生了一个关键性的问题:既要把窗户装饰得美观,也不要妨碍外面光线的透入,这才能符合使用上的需要。所以在制作窗花时必须多处镂空,不能保留大片的“面”,道理便在这里。在广灵窗花剪纸中主要有单色剪纸和染色剪纸,一般单色窗花因为纸厚色度强,容易妨碍光线投射,面的部分需要改用线来表现;由于广灵剪纸主要的特色就是用宣纸来雕刻染色,纸质本身就透明,又有色彩的帮助,所以染色时,有些画面可以不镂空。透明和镂空,成了广灵窗花在形式上的一个特色。
广灵窗花艺术是以装饰为目的的平面图案与雕刻相结合的艺术,图案的意味特别强烈,图案的形式大都左右对称,上下均衡,或四面都采用均衡的形式,除了粘在窗户四角的窗花,很少用反复或对比的形式。也因此一般的窗花就不同于绘画要求线和面的丰满,要求画面的集中。人物小品、动物植物等图形,虽然不受一般窗花图案性所束缚,构图更生动自由一些,但也要具有图案的意味,线与面之间,不能距离太大,在着色上也是一样。染色窗花的着色,鲜艳固然重要,色调也常用对比色。广灵窗花大多是每两幅或四幅成一组,来求吉利,以成双成对贯穿着传统的吉祥观念,这也是广灵窗花的一个特色。
广灵地处塞外,气候比较寒冷,在农村里,为了室内能大面积采光,向阳的窗户都开得很大,宽敞得相当于大半堵墙。市井富裕的人家可以通过窗棂雕刻成复杂的花纹来美化这道大窗。而一般的农户家里的窗户就简陋了很多。窗棂只是一个方格,上面糊上一层白纸而已。所以窗花的尺寸有大型单色粗线条的剪纸图案和小型彩色细致的戏剧人物。尺寸长短也不相等,大约根据窗格来定,一般头号的高度大约有四十到五十厘米,二号约三十三厘米,三号约二十一厘米,四号约十五厘米,小号六到九厘米。每幅宽度约为长度的二分之一。
广灵窗花的制作工序,一般可分为三个部分,首先是取样。无论是业余的剪花,或是职业性的刻画,都是先绘图与熏样,就是先要完成画稿,然后把画稿放在纸上刻剪。如果不是用新画稿,就把旧样子和一张等大的宣纸叠加,平铺在小木板上,用清水喷湿,再放到油灯上熏烤。熏到全黑,再揭去原样,底纸就熏成有图案的印版。把这张阴版放在一叠白纸上面,便可以进行剪刻。第二道工序是刻剪。用剪子剪时,首先要把裁好的几张纸的四角和中间空隙处钉牢再剪,遇到对称花样,可以用对折法,折起来再剪,既省力又均匀。用刀刻时把纸放在有软皮底的长方格盒子里,并且把它固定好,使每一张纸都不能移动,然后在用刀刻。一般刻简单的窗花,用平刃刀,细致的人物用尖刃刀和小圆刀,先刻里面,再刻外面。第三道工序是染色。
广灵窗花以阴刻为主,实大于虚,面多于线,这是为了点染着色方便。在广灵又流行这样一句话“三分刀工七分染”,染色是广灵窗花的特点。广灵剪纸的染色一般用白色宣纸为原料,以白酒调品色点染,因品色用白酒调过,色彩只向下沉,不向外溢,一次可透染四十多张宣纸。一般要一色干后再染第二色,以免潮湿串色。染出的颜色都很鲜艳,但经过一定时间,色彩的火候退了,就出现一种古朴质感。那种别具一格的色彩美,又是广灵窗花情趣别致的一个重要方面。
广灵窗花在艺术上的成就,完全取决于剪法与刻法技艺的高低。画稿无论咋样精美,如果剪手或刻手不好,往往就会弄得很拙劣。相反,画稿并不好,只要遇到剪刻高手,也可能剪切得很精致。所以,产生一副精美的窗花,不仅依靠优秀的画稿,更依靠剪刻的高手,在点染上面,还要依靠高明的着色。
总之,广灵剪纸(窗花)艺术,因为发生成长都在民间,所以在内容形式上基本是朴素健康的,反映了农民的直觉印象、淳朴的情感,在艺术的趣味上,洋溢着劳动人民的生活气息。设色鲜艳明快、和谐统一,也充满着田园风味。而广灵窗花在形式上的特点,经过几辈人的不断创作和改进,形成了浓厚的地方色彩,获得了国家非物质文化遗产名录的艺术成就。近年来,随着国家改革开放全面开展,社会文化环境日趋成熟,艺术市场日渐活跃,民间剪纸艺术也在不同领域有所发展。尤其是随着旅游产业的壮大,剪纸艺术市场也在大步向前推进。剪纸艺术研究所的成立、小型剪纸企业的创建等,都促进了剪纸艺术的不断发展。
作为大同地方美术的广灵剪纸,在以自身规律发展的同时,也应该和美术专业教学进行结合,注重内涵发展。目前,高校都在做特色专业的建设与规划,注重应用性,突出地方特点。大同大学是一所多学科地方院校,办学立足山西北部,培养学生以服务地方经济发展为目标,重视地方文化的传承和发展,积极配合当地企业和文化产业的需求,进行校企合作,以求共同发展。大同大学美术学院是大同市内唯一的专业院系,也有义务承担起宣传和发展地方美术的责任。
目前已经把石刻和小型旅游纪念品的开发作为大同美术特色专业课程进行研究和建设,介于广灵剪纸的艺术特点和地域性,我们应该先了解广灵剪纸的发展历史、艺术特征、制作流程等理论知识,把它纳入大同美术的特色课程范围内,然后和广灵剪纸研究所联系,进行校企合作,进行研究开发,安排专业的剪纸艺术家来我校进行教学,作为特色专业进行研究和实践,这样会更好地宣传和发展广灵剪纸,同时把剪纸艺术和美术专业结合起来会对传统剪纸有一个突破性的发展,会给广灵剪纸带来更美好的发展前景,也能使我们美术专业的学生真正掌握一门传统的地方美术,同时为地方产业和地方经济的发展做好相应的工作。
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中国民间美术是由中国人民群众创作的,以美化环境、丰富民间风俗活动为目的,在日常生活中应用、流行的美术。它表达了人民群众的心理、愿望、信仰和道德观念,世代相沿且又不断创新、发展,成为富于民族乡土特色的优美艺术形式。以下是读文网小编为大家精心准备的:对当代中国民间美术的认识和思考相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
民间美术是中华民族的瑰宝,有着悠久的历史。在当代,科技的不断进步以及现代化设计形式的出现,对中国民间美术产生了深远影响,使其面临新的挑战,加强中国民间美术的研究是非常必要的。
现代艺术设计兴起于20世纪20年代初的欧洲,在美国发扬光大。20世纪80年代后期,随着中国改革开放的步伐加快,以及经济的发展,人们逐渐认识到现代艺术设计的重要性,艺术设计这一概念开始被我国人民接受。90年代,伴随着“工业设计热”“CI热”“室内装修热”,一大批专业设计公司应运而生,专业设计机构和设计师不断增加,极大地促进了现代艺术设计的发展。
但在我国,由于经济全球化,使得设计出现趋于同化的趋势。随着国内经济的发展,我们的生活环境不断改善,生活质量有非常大的提高,大量的西方现代工业产品设计、时装设计、建筑设计等进入我们的生活。它们让我们看到了另外一种美,外国文化对我国设计的影响日趋显现。很多时候设计师将西方现代艺术设计思想不断引入,并且片面追求所谓的国际设计,但在参照国际标准的同时,却逐渐失去了自己的民族文化内涵,失去了自己的民族性格。
另一方面,随着现代艺术设计工具的发展,不断出现新的计算机设计软件技术,人们对计算机产生太多的依赖。很多人认为,有几个设计软件就可以做设计,这种想法是非常可笑的。有些人在做设计时,有去网上寻找信息的习惯,然后用程式化的设计方法,在计算机上拼凑了事。这些人仅仅是熟练的“工人”,将充满创意的设计变成一件乏味的事情。形式美和文化内涵的缺失,使这样设计苍白而平淡,缺乏生命力。
虽然现代艺术设计已经离不开计算机软件以及摄影和数字技术的支持,但这一切只是一个设计师在进行设计表达艺术时所使用的工具。意境的表达是没办法用软件来说明的。同时,设计者不仅要有文化内涵,还要知道如何利用现代技术表现自己的创造力。
当今社会,民间美术的转型必须符合社会需求。伴随着工业的发展,传统民间美术生存的土壤――那种乡土生活已经不能在现代中国社会广泛流行。也就是说民间美术要发展,就要遵循现代空间模式下的规律发展。完整的民间美术的变革要以适应社会发展需求的外在形态的适应性为主要目的。
民间美术的发展,民间美术中的经典元素,和激活应用程序,都是民间美术转型的重中之重。任何一种艺术形式的继承和发展,没有形成之后就可以一劳永逸的。民间美术的发展并非孤立前行,其要与现代社会相结合,同时必须坚持 “民间”的性质,这是民间美术发展的基本原则。
述及民间美术的发展问题,要考虑我国文化的价值与意义。可以说,民间美术以我们意料之中和意料之外的各种方式不断发展,并给人们带来了效益。中国这个民族的不朽,中国民间美术也不会真的死了。死亡是一种外在的形式,不是民间美术的文化因素。民间美术现在所处的局面,是受社会多元化的影响而成。现代文化渗透到各级民间社会中,思维方式已经从传统走向现代。所以,我们只要认清这些问题,民间美术的发展就会充满希望。
如何保护这一珍贵的文化遗产,如何引导它渡过危机,走出低谷,成为我国民间美术工作者一项艰巨的工作。
民间美术也面临后继无人的现状。我们可以清楚地看到,民间美术的危机,很大一部分来自于手工技能的传承的消失。民间美术若要不断延伸和发展,一是要改变原有的传播方式,变个人和家庭的传承方式为面向所有人的社会遗产。中国著名的文艺理论家张道一探讨民间美术时说:“对于一个伟大的民族来说,传统文化的厚积是好事而不是坏事,应该继续发展,使其延续下去。最低限度是保住传统文化的“火种”,不至于熄灭和中断。
因为在传统文化中保存着高贵的精神品质和优秀基因,一旦发挥出来,将会形成无穷的力量,其意义是深远的、无可估量的。”在现代社会中,当处于狭小封闭世界的民间艺术改变个人传承的,顺应整个国家的发展,那么对于这一优秀文化遗产――民间美术来说,其终会寻觅到令其生生不息、充满活力的艺术土壤。同时,我国还应大力拓展国家艺术教育资源,将民间美术纳入教学内容体系,使民间美术不断发展,并且可持续发展。
加强对中国传统民间美术的学习及研究,有利于该部分文化的传承以及发展,将更加完善我国的社会主义文化建设,是非常有现实意义的。
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美术技能指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪,也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译,五四运动前后传入中国,开始普遍应用。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类,即:纯美术和工艺美术两类。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈师范生美术技能中黑板报的设计与编排相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
浅谈师范生美术技能中黑板报的设计与编排全文如下:
黑板报所占的面积并不大,但却完美的浓缩了一个班级或者学校的文化内涵与艺术气息,是一种最常用、最简单和最受欢迎的展示形式,具有简便快捷和灵活直观的特点。经过精心设计和编排的黑板报,能够让人有一种美的体验和感受,可以营造出良好的精神风貌和艺术氛围,对学生也有直观的教育效果。黑板报文化对于学生不仅有陶冶情操的作用,还能够影响他们的生活、学习、价值观和人生观。
在设计黑板报内容的时候,要有明确的主题,要有明确的引导性、深厚的知识性和浓厚的趣味性。黑板报主要包括空隙、插图、标题、报头和文字等内容。在进行黑板报的主体版面设计的时候,要对版面的整体内容有个全面、细致的了解,例如,版面一共设计几篇文章,每一篇文章设计多少字符,每篇文章又要占据多大版面等。在对基本内容有了整体的了解后,对于内容编排进行整体规划,这样能够合理的设置黑板报的位置和布局关系。在对于文章进行编排和设计的时候,要有主次之分,重点文章,要放在最突出和最醒目的位置,对于附属文章可以进行简单的穿插排版。设计排版要根据人们的心理习惯和视觉习惯,对于重要内容的文章进行横排版,对于占据版面小的内容进行竖排版。例如,在进行内容设计时,可以将重要的能代表班级文化内涵的文章放置在黑板报的正中间,对于一些简单的内容可以放在两边或者下面。
对于师范生来说,掌握黑板报编排和设计的美术技能非常重要。师范生在未来的工作中,会经常用到黑板报技能。如何设计出内容丰富、底蕴浓厚、外观精美的黑板报,对于师范生的教育工作有着重要的影响。例如,在一个班级内,设计出能充分展现班级文化的黑板报,不仅对外代表着良好的班级形象,对内也能营造出良好的学习氛围,对学生有一定的教育意义。
对于黑板报的内容,要以传播正能量,构建和谐社会为主,在版面内容设计时,要加入一些能够鼓舞人心,满怀爱心的时事热点,同时也要安排一些班级学生原创的散文、诗歌等。例如,可以在黑板报上刊载一些社会上见义勇为,献爱心的事迹。这样对于学生身心健康发展也有着积极的促进作用和潜移默化的影响。
在设计黑板报的时候,不仅要有妥帖的形式和丰富的内容,版面制作和设计是否美观,对于整个黑板报也有着一定的影响。例如,一个黑板报就算都是精美的文章,但是如果字迹难看,版面乱七八糟,那就不能体现出美感,也就不是一幅成功的黑板报。所以,师范生在设计黑板报的时候,一定要注意文章的穿插是否得当,不仅要整齐,还要体现出艺术美感。要通过合理的版面设计,既要突出表达主题,还要带有艺术的美感。在设计版面的时候,主要有均衡和对称两种表现形式,相关的美术教师,在课堂上可以通过实例和课件让学生清楚的了解这两种布局的基本特点,明白两种布局的异同点,从而提高学生的概括能力和观察能力。
在书写文字时,要充分利用美术知识,对于庄重类型的标题,应该使用宋体字或者黑体字来书写;对于灵活活泼的标题,应该用变体的美术字来书写,这样就能够通过字体的不同来表现出不同的文章标题,这样就使得版面既庄重又不失生气。对于各个版块内的内容也需要用不同的书写形式,例如,对于稳重严肃的文章,就应该用楷体加粗的字体来书写,对于其它类型的文章,可以使用斜体字或者POP字体来书写。举例来说,对于体育、军事类的文章,就应该使用刚劲的黑体字;对于叙述女性和节日的文字,可以用圆体琥珀体。假若是与学习或者儿童文学有关的内容,就可以使用花瓣体等比较活泼自然的字体。
师范生的黑白报编排和设计,是一门美术课程,需要手、眼、脑,三者的紧密结合。课程的内容应该与学生的年龄特点相适合。形式上追求不拘一格、新颖别致。在训练过程中,应该让学生放心大胆的去尝试,要遵循基本的设计原则,鼓励学生大胆创新,有所突破。例如,可以定期举办黑板报编排和设计的展览和比赛,使得学生有竞争意识,相互学习,相互促进。还可以定期带领学生参观一些优秀的作品,从而开拓视野,提升艺术素养。提高师范生的学习主动性和积极性,让学生有主动创新、主动做和主动学的动力,使得学生逐渐的喜欢上黑板报的编排和设计。美术教师也可以带领学生去临近的中学、小学参观,让学生自己去观察,主动的发现问题,然后讨论解决问题。教师要积极的引导,使得学生不仅掌握了丰富的专业知识,还具有实际的动手能力。
另外,美术教师可以采取小组的形式,培养学生的能力。例如,可以成立若干个小组,每个小组有三至五名的成员,由学生自由选题,进行黑板报的创作,然后在规定时间完成后,进行小组之间的对比,评选出最优的作品,和相对不够理想的作品,并有一定的奖励。这样可以最大限度的提升学生的积极性和参与热情。
总而言之,师范生在进行黑板报的编排和设计的时候,需要从内容、版面等多个方面综合考虑,灵活运用设计形式,在思路上进行大胆的创新,不断的练习,从而提高自身的黑板报编排和设计能力。
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美术作为一门视觉艺术,美术的范围非常广泛,大体可以分成观赏性艺术和实用性艺术两种类型。下面是读文网小编带来的关于美术毕业论文的内容,欢迎阅读参考!
民间美术作为一种反映我们民族风貌和民族气质的艺术形式,生存空间日渐狭窄,有的已经濒临失传。甚至上世纪80年代依然活跃的很多民间美术,现在也消失了。如曾经大名鼎鼎白沟玩具等等。这些珍贵的民间美术形式一旦失传就最多是非物质文化遗产了。保护民间美术成了我们这一代人的一个重要使命,不能让民间美术技艺失传。
一、民间美术的传承方式
(一)现有民间美术形式的保护
通过文字、摄影、录音录像等记录手段,将现有的民间美术形式保留下来,在此基础上进行存录、立档、建立数据库。现在正在开展的民间美术方面的项目有木版年画、剪纸、泥彩塑、唐卡、壁画等,以及以省为单位民间美术品中的全面普查。对每一立项的民间美术的作品遗存、应用民俗、分类方式、工具材料、工艺特点、传承谱系、传播区域,以及相关的村落、生活、习俗、地理、气候、物产和民间传说和口述记忆,都要进行分门别类的调查,并建立系统而完备的资料。这种传播形式有利于普及和传播。
(二)传承人的确定
言传身教是中国民众做人和育人的宗旨和手段,民间美术同其它民间文化一样也没有脱离这一传统。如果一种民间美术无人传承,它立即中断。遗产中非物质性的、活态的部分立即消失,只剩下物质性的部分。确定传承人是至关重要和严肃的。比如泥人张彩塑的传统代表作《渔家女》、《钟馗嫁妹》及制作技艺,必须得到完整的保留,永久性的传承下去。就像梅派、荀派的传统剧目,必须有一代代梅派和荀派的传人还能够原汁原味地演唱。
(三)商品化传播
在当今商品经济的社会里,艺术品走向市场是自然而又合乎规律的。民间美术品作为一种具有地方特色的商品进入市场也是一种趋势。发展经济的目标,促进了市场,促进了旅游业,民间美术也以神奇与绝妙为旅游者所关注,通过这些艺术品的购买者而将民间美术的技艺带到四面八方。如今我国已经有一些地方的乡土美术成为当地著名的旅游纪念品,十分受欢迎。比如陕西陇东的布艺、南阳的泥泥狗、武强年画、苏州刺绣等等。这种参与商品交换,又不局限于行业内部的传播方式,使民间美术的传播方式更加广泛,其社会功能也随之增强了。这就刺激了民间美术由过去民间艺人为自身创作转而为商品的生产而流向市场。
二、中国民间美术发展现状
民间美术的发展与民众生产、生活方式密切相关。随着社会进入现代化, 传统民间美术赖以生存的自然经济被瓦解,人们的生活方式和价值观也发生了巨大变化。机械化、自动化的工业生产方式,已逐步取代手工劳动,在这种状况下,许多民间老艺人的民俗技能随着他们年届高龄,后继乏人,大批民间美术遗产在乡村都市化、城市现代化的进程中迅速毁灭,农民画、皮影等中国民间美术由于民间文化生存土壤遭到破坏而日渐消失。同时, 当代民间美术的发展面临着一个尴尬境地,许多民间美术保护者和美术理论家多是将民间美术作为一个古代生活形态的活化石来进行研究和保护,对它的喜欢只是出于对一个逝去年代的怀念,民间美术和当代社会的经济基础与文化状态存在着巨大的鸿沟。
值得注意的是,近几年,社会上一股”返朴归真”之风悄然兴起,许多广泛吸取民间艺术养料的作品, 堂而皇之地登上了大雅之堂:民间染织、刺绣受到越来越多的人的喜爱,马甲、旗袍登上了多彩的舞台,成为表演女性的着装,最富民间特色的花窗和雕花板用于装饰现代家庭居室。民间美术赢来了新的历史发展机遇。
三、民间美术发展的方向
在现代社会,传统手工艺面临工业社会冲击。我们既不能放弃民间艺术形式,也不能违背社会规律,以民间美术来简单代替大工业时代的产品,也不能单纯的收藏、封存,而要充分解放思想,开拓思路,发展创新,合理利用,使其更好的为时代服务,为现代化建设服务。
(一)创造民间艺术的生存环境
发展民间美术,需要一批懂得欣赏民间美术的群众。创造好的生存环境,要在小学、中学的美术课中增加民间美术内容,使中小学生从小就接受熏陶。在高等学校增加民间美术的鉴赏课及组织民间艺术活动社团等,让民间美术成为青少年民族传统文化教育和艺术学教育的一部分。支持创新民间艺术活动载体,开展群众参与面广、影响深刻的民间艺术等活动,既满足群众“求美、求乐”的需求,又为民间艺术的发展创造良好的环境。 如中央美院的“请民间美术大师进课堂”,举办全国青少年剪纸大奖赛等。
(二) 发展民间美术的产业链条
民间美术既是一张地方形象独具魅力的名片,又是一种地方软实力竞争资源。把民间艺术发展为文化产业链,如建立“民艺一条街”或民艺精品市场,也可与旅游文化结合起来,在法国巴黎附近的奥维和梵高故居,旅游的人都可买到一种特别的干花――梵高爱画的向日葵,那么,民间美术也可作为旅游纪念品――这是由民间美术的地域性所决定的,如今,我国已经有一些地方的乡土美术成为当地著名的旅游纪念品,十分受欢迎。比如蔚县的剪纸、陇东的香包、南阳的泥狗、武强年画、苏州刺绣等等。只有保持了本民族的独特艺术特色,才能在世界艺术史上占有重要的历史地位。民间美术作为具有原发性与地域性的美术形态,是我国本民族艺术的最佳代言人。
如今,民间美术包含的审美形态与人文精神,与工业文明相融,工业文明以其时代感引导着民间美术的发展。两者互补有利于社会向着一个更加健全、完美的方向延续。
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