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动漫电影作为一种以电影技术为基础,以动画为表现形式的全新艺术形式,凭借其特殊的视觉和听觉效果,对我们的生活和探索人类与自然环境和谐相处产生了巨大的影响。宫崎骏作为一代动漫电影大师,其作品蕴含了浓厚的人文主义情怀,而其电影音乐更是曼妙动听、引人入胜。以下是读文网小编为大家精心准备的：宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色探讨相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要： 宫崎骏是日本著名的动漫大师，其作品是日本乃至是世界整个动漫行业发展的重要里程碑。在宫崎骏的动漫电影中，音乐扮演着重要的角色。只有了解宫崎骏动漫电影作品中的音乐特色才能深刻理解其动漫电影的主题思想。本文拟从音乐在宫崎骏动漫电影中的重要性出发，重点分析动漫作品中的音乐特色以及音乐在作品中的具体体现，旨在揭示宫崎骏动漫电影艺术中音乐的艺术魅力。
宫崎骏的动漫电影在动漫领域有着不可忽视的重要地位，在世界范围内得到了一致的好评和反响。其影像唯美浪漫、基调寂静平和，不单纯依靠跌宕起伏的故事情节来激发人们的兴趣，只是运用简单、平易近人的基调就能轻而易举地打动观众。其作品之所以取得良好的成就，不仅剧情的发展变化功不可没，同时动漫电影的配乐也是不可忽视的，音乐一直在宫崎骏动漫作品中具有重要的艺术魅力，通过音乐与剧情二者相结合，突出表现了作品的主题思想以及作者的内心世界。音乐对动漫电影有着极其重要的价值。
首先，音乐将人物角色的性格特征和气质表现的淋漓尽致，为角色的塑造增辉不少，增强了观众对角色的印象，使得观众对影片过目不忘。其次，音乐对影片场景的重要性，随着故事情节的不断深入，音乐的融入给影片注入了或悲壮、或魔幻、或单纯的情感基调，丰富了人们的视觉感受，不断给观众带来新的惊喜和感动。再次，音乐能够渲染影片的气氛，弥补语言和视觉上的不足，突出故事的情感发展。最后，音乐对剧情的发展具有重要的推动作用，不同的故事情节运用不同的音乐表达，让人沉醉于剧情的变化之中。比如《幽灵公主》开头以基调低沉的音乐为剧情的发展埋下了伏笔，给古老的森林赋予了无限的神秘感，引人入胜。
宫崎骏的动漫电影，不仅仅依靠唯美感人的故事情节吸引观众的兴趣，同时在配乐上有着其独特的艺术性和审美性，在世界范围内获得了极大的反响和评价，取得了较高的艺术成就。宫崎骏的动漫配乐，继承了日本音乐的优秀传统，将日本大和民族的音乐元素与动漫紧密结合在一起，给予作品浓厚的民族特色，一方面使得日本本国人民很容易从心里上接受其作品，另一方面也使得各个国家的观众都能受到日本传统文化的熏陶，加强了对日本文化在世界范围内的传播。
比如，其著名动漫作品《幽灵公主》，围绕日本幕府时代的民间故事展开，其动漫情节和同名主题曲都带有浓厚的大和民族传统音乐元素。宫崎骏借助电影屏幕和动漫配乐，从整体上将日本幕府统治时期的市民生活场景呈现给每一位观众。《幽灵公主》故事内容不断发生变化，宫崎骏在给电影作品配乐时选择弦乐器，创造出气势磅礴的歌曲。动漫情节与音乐相互融合、相互补充，一方面有助于引起群众对影片的共鸣，另一方面也增强了动漫电影的艺术性和审美性，在很大程度上促使动漫作品格调和故事情节的升华。
《龙猫》是宫崎骏动漫电影的又一大作，其主题曲《风之甬道》已经成为人们心中的经典之作，对动漫领域影响深远，远远离不开日本大和民族音乐中的民谣色彩的作用。主题曲采用童声的方式进行表演，能够唤起观众对于小时候的回忆，增强了作品在观众心中的印象。《千与千寻》中的音乐《神明们》，单从名字就可以看出其具有鲜明的日本民族风情。其音乐旋律带有浓郁的日本民谣色彩，在乐器的演奏上选用三味弦，期间还伴有太鼓。从这些乐器的性质上看，不论是三味弦还是太鼓都是极具日本大和民族特色的乐器，给影片的传播增色不少。
久石让是日本著名的钢琴家和作曲家，他的音乐旋律优美、歌词清晰明了、质感亲切，被人们普遍称为简约主义音乐，亦名重复音乐。因此可见，重复是这种音乐风格的突出特征。1984年宫崎骏和久石让两人相识，在动漫配乐上达到了极大的默契，一直合作至今。一般而言，动漫电影的音乐主题很少，容易理解、方便记忆，不同的音乐代表着不同性格的人物，电影的配乐围绕着仅有的几段音乐主题不断重复展开的。然而作家并不是毫无规律、随意重复，而是按照动漫的故事情节的发展开展的。因此，简约主义很好地表现了动漫剧情的发展以及人物情感的变化。
比如，动漫电影《千与千寻》中的音乐《夏日的一天》的主题重复使用，不仅增强了人们对影片的记忆，也加强了人们对影片的理解。首先，选择钢琴这种乐器，以温柔的旋律进入主题，让人充分享受音乐带来的迷人气息;其次，运用弦乐器不断重复严重，加强了影片的气氛;最后，在音乐中又增加了合成器和组乐器等其他音色，不停的重复，势必会加强人们对音乐的记忆，产生一种熟悉感。
从宫崎骏的动漫电影中，可以发现其诸多作品都表现出了浓厚的人文主义气息，当今社会经济快速发展，人们虚荣心和物质欲望较强烈，过分追求经济的发展给自然带来了巨大的破坏，加大了人与自然之间的矛盾。而宫崎骏在影片中不断向人们展示灾难的发展，旨在提醒人们应该尊重自然、按照自然规律进行可持续发展，引导人们关注生命，其大部分作品的主题都与自然、人类、社会以及和谐有关，他的影片相对于其他动漫作品而言，进步性表现在他的作品中具有浓厚的人文主义色彩，能够引发人们的反思，其中蕴含了丰富的哲理和现实意义，他认为消极、颓废和悲观并不能解决已经发生的问题，强调人们要以积极乐观的心态面对世界、面对生活。
比如，动漫电影《千与千寻》在当今动漫领域依然享有较高的盛誉，吸引了大量观众的兴趣，其成就离不开音乐的运用。久石让选择独特的音符、变化多端的弦乐器将主人公千寻的内心情感表达的淋漓尽致，运用钢琴别具一格的韵律表达了千寻内心的孤独，悲观色彩十足。其插曲《夏日的一天》带有浓重的成人基调，让人联想到岁月流逝的悲观情绪。影片通过故事情节的不断变化表达了人们对失去的东西开始懂得珍惜，引发人们不断反思过去，其配乐充满了温暖，一点点抚慰人们脆弱的心灵，具有较强的人性关怀。《千与千寻》中交响乐和豁达的歌声交织在一起暗示最终归于平静、和谐的自然万物。音乐声渐渐消失象征着自然的平和与美好，自然万物恢复平静，而离别开始上演，珊珊公主和阿斯达卡决定共同享受富有温暖和人性的和谐世界，低沉的音乐基调巧妙地表现了离别带来的不舍与感伤。优美的钢琴演奏不仅让人渐渐遗憾战争带来的残酷，也使得人们善于发现人性的温暖和自然的美好。
宫崎骏的电影作品的主角大多是少男少女，因此，其典型的音乐特色就是童真与朴实并存，不断给观众创造出童年的顽皮和乐趣的回忆，加深了观众的印象。随着年纪的增长，愈发觉得童年是单纯的、美好的，而影片中的音乐则突出地表明了这样的美好感受，朴实的音乐基调给观众营造出寂静、平和的气氛。纵观宫崎骏的动漫电影，不难发现，影片的故事情节具有丰富的童真韵味，表述了诸多少男少女的普通生活，同时剧情的发展也常常以儿童的眼光和角度描述。
比如，影片《龙猫》配乐运用简单的音调，带有浓郁的童年趣事，和故事情节的发展环环相扣，给予观众暖暖的爱意。影片以搬家为背景，到达乡下时首先映入眼帘的就是寂静的风景，蔚蓝的天空，广阔的草坪，成群的鸟儿，两姐妹高兴极了，此时音乐随之而来，笑声与音乐声融合为一体，表现了满满的幸福感和平静朴实的生活环境。这样美好的开头，对下文故事情节的展开埋下了伏笔，给人无限的遐想。另外，龙猫已经成为家喻户晓的动漫形象，特别是它的顽皮、善良早已深入人心，象征着人们天真烂漫的美好童年生活。
在宫崎骏的动漫电影中亦真亦幻的音乐无处不在，一方面丰富了观众的感官享受，将观众带入到无限的梦想意境，另一方面从现实出发，增加了影片的现实意义。以其代表作《幽灵公主》为例，是梦幻与写实的最佳结合，增强了影片的艺术效果。在日本文化的熏陶下，宫崎骏将日本的生灵文化赋予到影片之中，《幽灵公主》就是以这种缘由出现的。
该影片是以处于战乱中的室町时代为背景的，讲述的是男主人公奋力抵抗外来的野猪神，结果却遭到诅咒，村民想要帮其解咒劝让远赴西方，在去西方的路途中遇到了很多的困难，最终走到了森林，并认识了幽灵公主，二者为着共同保护森林的目标不断贡献自己的力量。影片中采用了许多弦乐器的演奏，表现了气势磅礴的音乐感受，使得观众产生一种多愁善感的情感，具有强烈的真实性。另外，在动漫作品快要结束的时候，运用假声的音乐形式，将人们的视听带入到古老的神话世界中，给观众呈现出无限的想象力和梦幻情景。整部影片中的每一小段配乐都有其独特的意境和感受。
一是影片的开头，音乐有突出主题的作用，为影片后文的一系列音乐做铺垫，影像从天到地，加上雾蒙蒙的大山，给森林增添了神秘的色彩。选择大提琴这种乐器，将低音和影像紧密地结合在一起，给观众一种身临其境的感受，使得观众体验到了大自然的庄重与尊严。二是影片中经典的配乐即是男主人公远离故乡时出现的。阿斯达卡为了对抗野猪神，自己受到了诅咒，为了寻求解咒的方法远离故乡，开始了长远的西方之行。在远离故乡的路上，插入音乐伴奏，使得阿斯达卡与广阔的草原融为一体，给人们带来了强大的震撼力，交响乐与二胡相互结合，表达了阿斯达卡为了对抗恶魔远赴他乡的悲惨境地。三是男主人公与珊珊公主相遇时出现的音乐，好似两人一见钟情，又未直接表现出来，给予观众无限的想象空间。遇到男主人公时，珊珊公主穿衣风格非常异同，气质独特，眼神坚毅，颇具公主的风范;加上钢琴低音的演奏，给予影片暂时的寂静，使得两人之间的感情出现萌动。
电影音乐只有与电影的主旨思想相契合才会有力的衬托作品的气氛，强化电影的最高潮部分，从而提高观众的视觉感受，并拓展其丰富的想象空间。宫崎骏创作的电影，多数以人和自然的和谐共存为主题，为彰显出这种独特的自然意蕴，著名的音乐家久石让以音乐作为铺垫，绘制出了自然界的奇异之美，然后凭借悠扬悦耳的主题曲，将人们带入到了一个如梦如真的自然环境之中。而在表达以揭露现实社会形态为主题的影片中，又会通过紧张、节奏迅速、感官冲击力强的音乐进行演奏，进而触动观众的心弦。所以，宫崎骏的动画电影创作之所以经典，其中电影音乐的完美创作与融入在很大程度上发挥了作用，为广大观众带来了丰富的音乐感动与享受。
宫崎骏动漫电影艺术的音乐特色相关
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电影音乐是电影的重要有机组成部分,具有抒情性、戏剧性、气氛性等美学功能。优秀的电影音乐既能独立展现音乐艺术的美感,给人以艺术感染力,又能与影片有机地揉和在一起,起到渲染场景氛围、推动戏剧情节等功效。下面是读文网小编为大家整理的电影音乐赏析论文，供大家参考。
在高校中开展的欧美电影音乐赏析课程，是一种以电影为载体、音乐欣赏为主要内容的非专业音乐教学课程。通过让学生欣赏不同类型的电影音乐，掌握多元化的音乐风格以及表现手法，从而提高学生的音乐赏析能力、增强学生的人文素质。我国教育部门规定非艺术专业大学生必须至少选修一门公共艺术类课程，并取得2个学分，才能够毕业。因此，许多高校开设了欧美电影音乐赏析选修课程，借助欧美电影来了解电影音乐的风格、提升学生的人文素质，充分地发挥了音乐教学的情感性和创造性。
一、欧美电影音乐赏析教学存在的问题
当前的欧美电影音乐赏析课程实践存在着诸多问题，如教学形式单一、教学方法陈旧、教学内容更新不及时等。这些问题导致了学生在该课程的学习过程中积极性不高，与学生们在进行课程选修时呈现的热情形成了巨大反差。通过不断地分析发现，造成这样的局面主要有以下原因：第一，在开展欧美电影音乐赏析教学过程中，教学形式较为单一，教学内容也略显陈旧。这样很容易导致学生对参与欧美电影音乐赏析失去兴趣。第二，由于一部分老师在音乐教学素材的选择上没有结合学生的实际情况，导致与学生的生活学习形成了一定的差距，无法让学生通过音乐赏析来形成共鸣与关注。第三，由于欧美电影音乐赏析课是一门选修课程，一部分学生在学习的过程中，放松了自我要求，在学习时，注意力不集中，无法全身心地投入到课堂学习当中。
二、革新教学内容增强音乐教学新体验
(一)更新教学内容提高学生兴趣
在开展音乐赏析教学的过程中，老师们采用的教学形式通常以讲解为主，然后进行音乐欣赏，最后再通过老师与学生之间的讨论来完成课堂教学。在课堂教学时，老师通常会选择一些经典影片的音乐作品进行教学。这样的教学模式和教学内容，对于具有个性化要求的学生而言相对较为固定，在一定程度上会弱化了学生参与的积极性与热情，无法充分发挥音乐教学的作用。因此，我们应该选择一些具有时代气息的新影片或者能够更加贴近学生生活的影片素材来进行教学，这样可以有效地提高学生的学习兴趣，让学生在充满阳光、青春气息的影片中寻找到学习的方向。此外，在开展音乐教学时，应该打破教材的限制，不要只把重点放在好莱坞作品上。可以借助音乐赏析的教学机会，让学生能够了解到中西文化的不同之处。比如：我们在以神话主题开展音乐教学时，可以为学生播放来自不同国家的一些神话电影片段，同时也要向学生展示我国的一些神话电影来增强学生对影片的印象，有助于学生对音乐作品的理解与认识，从而感受到不同文化背景下的相同电影题材所采用的不同音乐表达方式。
(二)借助影片中的古典音乐来渲染学习氛围
在一些欧美影片中，经常会出现古典音乐，尤其是电影内容涉及到某位音乐家时，在影片中会更多地使用古典音乐作品。比如：《一曲难忘》中所刻画的主角就是肖帮与乔治，在《不朽的情人》这部影片中所讲述的就是贝多芬的情感经历等。这些影片所呈现出来的不同风格、不同时代的音乐都是在讲述每一位音乐家的成长经历，以及他们在演奏音乐时的技巧和内心变化。学生在观看这类型的电影时，会受到故事内容和音乐作品的双重感染，从而更积极地参与到音乐赏析教学活动当中，利于有效地提高教学质量。
(三)借助影片中的现代音乐来增强音乐的时代感
现代音乐在电影中的应用，不仅具有感情抒发和渲染氛围的作用，同时还能在开展音乐赏析教学时拉近与学生的距离。通过让学生观看一些具有现代音乐元素的影片，来增添课堂的活泼性，可打破传统音乐赏析教学过程中的沉闷局面。比如：让学生观看美国灾难大片《龙卷风》，在这部影片中，大量地采用了摇滚元素的音乐，让学生在听到这样的音乐时精神一振，从而活跃课堂的教学氛围。
三、个性化教学模式加深学生的艺术感受
(一)个性化教学的内涵
所谓的个性化教学指的是通过对学生进行综合的分析来判断学生的学习需求，再通过老师的精心设计为学生量身定制相应的教学目标以及教学任务。音乐这门艺术，本身就具有十足的个性化，换言之，个性就是艺术的生命。虽然在针对非艺术专业学生开展欧美音乐赏析音乐教学时，不需要以艺术专业的知识学习目标来要求学生，但是同样要在赏析过程中达到艺术教学应该具有的情感性和创造性的教学目的。
(二)个性化教学的步骤
老师在进行教学时，要以开放式的教学理念来涵养学生的艺术感情。这样的教学模式，才能够充分地体现出学生在学习中的主体地位，调动学生的主观能动性，让学生具有一定的创作热情。比如：在讲解电影音乐对影片中人物情感的表达功能时，老师可以让学生自己来为影片片断创作音乐。老师可以为学生展示一片没有配乐的影片，让学生通过观看来分析影片中主要人物的内心活动、人物当时的情绪。然后老师再分析给出多组不同情绪的音乐作品提供给学生进行选择。让学生选择其中适合于这个片断人物情绪表达的音乐类型。比如：愉快的、悲伤的、雄壮的、古典的、激动的等等。在这个音乐教学环节中，每个学生对于影片片断的理解都不尽相同，因此会有不同的创作理念，老师要针对学生所做出的选择给予一定的肯定，否则会给学生造成打击，失去音乐学习的信心。当学生选择完之后，老师把学生所选择的音乐分别加入到影片当中，让学生进行赏析。最后老师结合影片的发展以及人物情绪，针对学生所选择的音乐作品进行节奏、音乐等全方位的点评。
(三)个性化教学的效果
通过个性化教学模式，学生会了解到自己选择的音乐作品在与影片进行搭配后，有哪些不足之处，是否出现了节奏不一致的问题，画面与音乐之间是否和谐等等。让学生充分地意识到，电影音乐只能在节奏、音色、旋律等多个方面与电影画面形成统一时，才是一个非常好的电影配乐。通过这样的教学模式，学生在学习中的主体地位得到了体现，而且在很大程度中激发出了学生进行音乐创作的兴趣。有助于培养学生的审美观和艺术观，实现音乐艺术的教学目标。个性化教学，可以有效地在音乐教学的每一个环节中进行渗透。我们应该有效地把电影作为一个载体，把音乐作为一个媒介，让学生通过自身的体验来了解音乐的美，加深对音乐艺术的印象，提高对音乐艺术的理解与感悟。
四、营造教学氛围增强与学生之间的互动
现在的大学生大都是90后甚至00后，这个年龄层的学生由于时代的变化，而更加具有个性化。因此，传统的“填鸭式”教学模式，将无法让学生完全融入到教学当中。我们应该改革教学方式，为学生营造一个平等互动的教学环境，让其能够在一个和谐的学习氛围中满足自我的学习需求。要坚持以人为本的原则来进行教学方式的改革与创新，在教学过程中充分地体现出学生的主体地位。改变通常采用的老师播放、学生观赏、老师讲学生听的固定模式，要激发学生参与的热情，让其能够更好地溶入到整个音乐赏析教学氛围当中。比如：在讲解音乐节奏必须要与影片的画画节奏保持一致时，老师应该采用多媒体技术，把一段影片的片段展示给学生，然后引导学生进行节奏的打击。通过这样的教学方式，学生不仅感受到了音乐的节奏以及律动，同时还提高了学生的参与度。由于学生亲自动手来进行节奏打击，让学生更加充分地理解节奏要素对音乐表现的重要性，让学生在一个轻松愉快的氛围中进行学习，非常容易地就能够掌握音乐节奏以及节拍方面的知识点，有效地提高了音乐赏析课程的教学质量。
五、运用电影音乐审美特征提高学生的艺术审美感知力
(一)运用电影音乐来唤起学生的情感
传统的音乐创作，是创作者抒发了自己内心的思想和情绪。对于电影音乐而言，创作者需要顾及到的内容很多，这给电影音乐的创作增添了一定的难度。比如：电影音乐作品更多地还需要考虑音色、人物情绪、画面节奏、故事情节等多个方面的内容，音乐作品能否把这些因素表现得恰如其分，决定其是否能够成为优秀的电影音乐。所以说电影音乐作品不具备音乐的独立性，应该更多地考虑到与电影艺术所要传播的意图相结合。如果学生按照传统的音乐接受方式来理解电影音乐，有可能会无法真正意义上地对电影内容以及音乐作品的艺术性达到更深入地理解与感悟。因此，我们可以利用好电影音乐具有的非独立性激发学生的思维意识，让这个特征来唤起学生的情感意识，让其能够更好地对音乐艺术进行深入地探索与理解，提高学生的艺术审美感受。
(二)借助电影的音画结合特征培养学生的审美思考能力
虽然欧美音乐赏析课是一门选修课程，却具有独特的音乐教育功用。因为电影音乐的审美方式有所不同，需要更多地考虑电影中画面、人物情绪、音色等多种因素之间的相互关系，这样才能更好地体会到电影音乐所要表达出来的情绪和内容。音乐是通过声音的传递来进行形态呈现的，但是对于非艺术专业的学生而言，音乐记忆不可能在较短的时间内就完成。因此，我们借助电影的音画结合的特征，可以有效地增强学生的注意力，能够通过画面的清晰表达，把音乐所要表达的情感进行诠释，有助于加深学生对音乐的理解，并且还能有效地培养学生的音乐归纳能力以及音乐想象能力。让学生通过画面来对音乐进行联想，从而延伸到用心去体会音乐的艺术魅力，让学生的整个身心都沉浸于电影以及音乐艺术享受当中，有效地提高了音乐教学质量，增强了学生的审美意识，培养了学生的审美思考能力。
六、结语
综上所述，电影音乐赏析具有独特的音乐教育功用，借助电影的音画融合特点，能够让学生很轻松地获取审美愉悦心理，有助于学生健全人格的培养。欧美电影音乐赏析作为非艺术专业学生的选修课程，运用视听合一的音乐教学形式进行艺术教育，可以起到事半功倍的效果。
一、革新欧美电影音乐赏析教学内容
欧美电影音乐赏析课程在教学内容上一直采取“讲-赏-析”三部曲的模式，即按照教师讲解-学生欣赏-师生讨论的步骤进行。课堂上放映的影片大多是获得各种电影奖项，或者即便没有获奖，也是被公认为“经典”的影片。教学模式和内容的相对固定，在一定程度上削弱了学生上课的积极性，也不能满足学生的观影需要。鉴于此，笔者欲从一下三个方面对教学内容进行调整。
(一)打破经典一统天下的局面
在以往的欧美电影音乐赏析课中，教师主要选择获得奥斯卡最佳配乐奖或其他奖项的获奖影片来进行赏析。经典影片固然有其闪光之处，但某些影片年代久远，在大学生中缺乏共鸣点，加之影片资源相对固定，很难提高学生的学习热情和兴趣。改革后的教学中，会适当增加一些深受大学生欢迎的，颇具青春时尚气息，贴近其生活的影片，例如歌舞青春，重回17岁，地心游记等。
(二)打破“西片”一统天下的局面
由于课程名称的限制，教师在选择影片时，往往会把目光瞄向好莱坞的作品。其实，在浩瀚的电影资源中遨游不难发现，中西文化差异在同题材电影中有着淋漓尽致的体现，这也是带领学生足不出户领略中西文化的绝佳机会。所以，改革后的教学中，会对比放映同题材的东西方电影作品，例如都是以神话为题材的，西方有雷神托尔，诸神之战，中国有白蛇传说，倩女幽魂。
(三)增设专题讲座
电影是一个国家文化的载体，好莱坞在向全世界输出它的电影产品的同时，也在向全世界输出美国的文化。因此，我们在看电影，听音乐的同时，应了解其文化涵义。改革后的教学中，会增设一些专题讲座，诸如好莱坞电影中的个人英雄主义，电影中的暴力美等。通过类似的专题讲座，拓宽学生的观影视野，激发学生对某一领域探索的欲望。
二、革新欧美电影音乐赏析教学方式
教学中改进教学方式，创设平等互动的教学环境和和谐融洽的教学氛围，寓教以情，以情感人，使学生以热情的心态来进入学习。改变以往老师讲，学生听的模式，使学生真正成为教学的主体，教师为主导。将生动活泼的课堂讨论增添为重要的教学环节。以往的授课模式是教师播放-学生欣赏，教师讲-学生听，即信息流动方向为教师到学生的单一方向进行，缺少了学生的反馈与参与。改革后的课程设计中会大大增加学生参与的环节。例如，讲到电影音乐的节奏要与电影画面的节奏保持一致时，教师就可以一边播放电影片段，一边指导学生们打节奏。通过这样的互动教学，一方面加强了学生的课堂参与感，使得学生真切的体会到音乐的律动，从而能够更好的理解音乐的节奏与电影画面节奏的关系;另一方面也使学生在看似“玩儿”的教学过程中，掌握了一些音乐节奏节拍方面的知识。
三、结语
总之，电影音乐是音乐范畴中的一个分支，它通过音乐与画面、情节相结合使学生获得审美愉悦心理，继而获得人格的健全和培养，达到全面发展的人才的要求。电影音乐欣赏的过程是一个复杂的过程，电影音乐的效果是由剧情发展、画面渲染等条件下直接察觉并吸收的。因此，电影音乐欣赏是人们通过图像的感知、音响的体验和理解音乐艺术的最直接的手段和最直接的一项心理活动。笔者认为，电影音乐具有广泛的群众基础，独特的审美特征和多元化的发展，适于作为对大学生进行审美教育的欣赏内容。普通高校的公共艺术教育，面对的是非音乐专业的学生，使用电影这一视听合一的综合的艺术形式来面向非专业的学生进行艺术教育，势必起到事半功倍的作用。
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电影音乐是为电影而创作的音乐,是电影综合艺术中的一个重要组成部分。由于电影音乐有着 与画面结合 独立成章 的双重性,电影音乐欣赏过程是一个复杂的心理过程。下面是读文网小编为大家整理的电影音乐欣赏论文，供大家参考。
在高校中开展的欧美电影音乐赏析课程，是一种以电影为载体、音乐欣赏为主要内容的非专业音乐教学课程。通过让学生欣赏不同类型的电影音乐，掌握多元化的音乐风格以及表现手法，从而提高学生的音乐赏析能力、增强学生的人文素质。我国教育部门规定非艺术专业大学生必须至少选修一门公共艺术类课程，并取得2个学分，才能够毕业。因此，许多高校开设了欧美电影音乐赏析选修课程，借助欧美电影来了解电影音乐的风格、提升学生的人文素质，充分地发挥了音乐教学的情感性和创造性。
一、欧美电影音乐赏析教学存在的问题
当前的欧美电影音乐赏析课程实践存在着诸多问题，如教学形式单一、教学方法陈旧、教学内容更新不及时等。这些问题导致了学生在该课程的学习过程中积极性不高，与学生们在进行课程选修时呈现的热情形成了巨大反差。通过不断地分析发现，造成这样的局面主要有以下原因：第一，在开展欧美电影音乐赏析教学过程中，教学形式较为单一，教学内容也略显陈旧。这样很容易导致学生对参与欧美电影音乐赏析失去兴趣。第二，由于一部分老师在音乐教学素材的选择上没有结合学生的实际情况，导致与学生的生活学习形成了一定的差距，无法让学生通过音乐赏析来形成共鸣与关注。第三，由于欧美电影音乐赏析课是一门选修课程，一部分学生在学习的过程中，放松了自我要求，在学习时，注意力不集中，无法全身心地投入到课堂学习当中。
二、革新教学内容增强音乐教学新体验
(一)更新教学内容提高学生兴趣
在开展音乐赏析教学的过程中，老师们采用的教学形式通常以讲解为主，然后进行音乐欣赏，最后再通过老师与学生之间的讨论来完成课堂教学。在课堂教学时，老师通常会选择一些经典影片的音乐作品进行教学。这样的教学模式和教学内容，对于具有个性化要求的学生而言相对较为固定，在一定程度上会弱化了学生参与的积极性与热情，无法充分发挥音乐教学的作用。因此，我们应该选择一些具有时代气息的新影片或者能够更加贴近学生生活的影片素材来进行教学，这样可以有效地提高学生的学习兴趣，让学生在充满阳光、青春气息的影片中寻找到学习的方向。此外，在开展音乐教学时，应该打破教材的限制，不要只把重点放在好莱坞作品上。可以借助音乐赏析的教学机会，让学生能够了解到中西文化的不同之处。比如：我们在以神话主题开展音乐教学时，可以为学生播放来自不同国家的一些神话电影片段，同时也要向学生展示我国的一些神话电影来增强学生对影片的印象，有助于学生对音乐作品的理解与认识，从而感受到不同文化背景下的相同电影题材所采用的不同音乐表达方式。
(二)借助影片中的古典音乐来渲染学习氛围
在一些欧美影片中，经常会出现古典音乐，尤其是电影内容涉及到某位音乐家时，在影片中会更多地使用古典音乐作品。比如：《一曲难忘》中所刻画的主角就是肖帮与乔治，在《不朽的情人》这部影片中所讲述的就是贝多芬的情感经历等。这些影片所呈现出来的不同风格、不同时代的音乐都是在讲述每一位音乐家的成长经历，以及他们在演奏音乐时的技巧和内心变化。学生在观看这类型的电影时，会受到故事内容和音乐作品的双重感染，从而更积极地参与到音乐赏析教学活动当中，利于有效地提高教学质量。
(三)借助影片中的现代音乐来增强音乐的时代感
现代音乐在电影中的应用，不仅具有感情抒发和渲染氛围的作用，同时还能在开展音乐赏析教学时拉近与学生的距离。通过让学生观看一些具有现代音乐元素的影片，来增添课堂的活泼性，可打破传统音乐赏析教学过程中的沉闷局面。比如：让学生观看美国灾难大片《龙卷风》，在这部影片中，大量地采用了摇滚元素的音乐，让学生在听到这样的音乐时精神一振，从而活跃课堂的教学氛围。
三、个性化教学模式加深学生的艺术感受
(一)个性化教学的内涵
所谓的个性化教学指的是通过对学生进行综合的分析来判断学生的学习需求，再通过老师的精心设计为学生量身定制相应的教学目标以及教学任务。音乐这门艺术，本身就具有十足的个性化，换言之，个性就是艺术的生命。虽然在针对非艺术专业学生开展欧美音乐赏析音乐教学时，不需要以艺术专业的知识学习目标来要求学生，但是同样要在赏析过程中达到艺术教学应该具有的情感性和创造性的教学目的。
(二)个性化教学的步骤
老师在进行教学时，要以开放式的教学理念来涵养学生的艺术感情。这样的教学模式，才能够充分地体现出学生在学习中的主体地位，调动学生的主观能动性，让学生具有一定的创作热情。比如：在讲解电影音乐对影片中人物情感的表达功能时，老师可以让学生自己来为影片片断创作音乐。老师可以为学生展示一片没有配乐的影片，让学生通过观看来分析影片中主要人物的内心活动、人物当时的情绪。然后老师再分析给出多组不同情绪的音乐作品提供给学生进行选择。让学生选择其中适合于这个片断人物情绪表达的音乐类型。比如：愉快的、悲伤的、雄壮的、古典的、激动的等等。在这个音乐教学环节中，每个学生对于影片片断的理解都不尽相同，因此会有不同的创作理念，老师要针对学生所做出的选择给予一定的肯定，否则会给学生造成打击，失去音乐学习的信心。当学生选择完之后，老师把学生所选择的音乐分别加入到影片当中，让学生进行赏析。最后老师结合影片的发展以及人物情绪，针对学生所选择的音乐作品进行节奏、音乐等全方位的点评。
(三)个性化教学的效果
通过个性化教学模式，学生会了解到自己选择的音乐作品在与影片进行搭配后，有哪些不足之处，是否出现了节奏不一致的问题，画面与音乐之间是否和谐等等。让学生充分地意识到，电影音乐只能在节奏、音色、旋律等多个方面与电影画面形成统一时，才是一个非常好的电影配乐。通过这样的教学模式，学生在学习中的主体地位得到了体现，而且在很大程度中激发出了学生进行音乐创作的兴趣。有助于培养学生的审美观和艺术观，实现音乐艺术的教学目标。个性化教学，可以有效地在音乐教学的每一个环节中进行渗透。我们应该有效地把电影作为一个载体，把音乐作为一个媒介，让学生通过自身的体验来了解音乐的美，加深对音乐艺术的印象，提高对音乐艺术的理解与感悟。
四、营造教学氛围增强与学生之间的互动
现在的大学生大都是90后甚至00后，这个年龄层的学生由于时代的变化，而更加具有个性化。因此，传统的“填鸭式”教学模式，将无法让学生完全融入到教学当中。我们应该改革教学方式，为学生营造一个平等互动的教学环境，让其能够在一个和谐的学习氛围中满足自我的学习需求。要坚持以人为本的原则来进行教学方式的改革与创新，在教学过程中充分地体现出学生的主体地位。改变通常采用的老师播放、学生观赏、老师讲学生听的固定模式，要激发学生参与的热情，让其能够更好地溶入到整个音乐赏析教学氛围当中。比如：在讲解音乐节奏必须要与影片的画画节奏保持一致时，老师应该采用多媒体技术，把一段影片的片段展示给学生，然后引导学生进行节奏的打击。通过这样的教学方式，学生不仅感受到了音乐的节奏以及律动，同时还提高了学生的参与度。由于学生亲自动手来进行节奏打击，让学生更加充分地理解节奏要素对音乐表现的重要性，让学生在一个轻松愉快的氛围中进行学习，非常容易地就能够掌握音乐节奏以及节拍方面的知识点，有效地提高了音乐赏析课程的教学质量。
五、运用电影音乐审美特征提高学生的艺术审美感知力
(一)运用电影音乐来唤起学生的情感
传统的音乐创作，是创作者抒发了自己内心的思想和情绪。对于电影音乐而言，创作者需要顾及到的内容很多，这给电影音乐的创作增添了一定的难度。比如：电影音乐作品更多地还需要考虑音色、人物情绪、画面节奏、故事情节等多个方面的内容，音乐作品能否把这些因素表现得恰如其分，决定其是否能够成为优秀的电影音乐。所以说电影音乐作品不具备音乐的独立性，应该更多地考虑到与电影艺术所要传播的意图相结合。如果学生按照传统的音乐接受方式来理解电影音乐，有可能会无法真正意义上地对电影内容以及音乐作品的艺术性达到更深入地理解与感悟。因此，我们可以利用好电影音乐具有的非独立性激发学生的思维意识，让这个特征来唤起学生的情感意识，让其能够更好地对音乐艺术进行深入地探索与理解，提高学生的艺术审美感受。
(二)借助电影的音画结合特征培养学生的审美思考能力
虽然欧美音乐赏析课是一门选修课程，却具有独特的音乐教育功用。因为电影音乐的审美方式有所不同，需要更多地考虑电影中画面、人物情绪、音色等多种因素之间的相互关系，这样才能更好地体会到电影音乐所要表达出来的情绪和内容。音乐是通过声音的传递来进行形态呈现的，但是对于非艺术专业的学生而言，音乐记忆不可能在较短的时间内就完成。因此，我们借助电影的音画结合的特征，可以有效地增强学生的注意力，能够通过画面的清晰表达，把音乐所要表达的情感进行诠释，有助于加深学生对音乐的理解，并且还能有效地培养学生的音乐归纳能力以及音乐想象能力。让学生通过画面来对音乐进行联想，从而延伸到用心去体会音乐的艺术魅力，让学生的整个身心都沉浸于电影以及音乐艺术享受当中，有效地提高了音乐教学质量，增强了学生的审美意识，培养了学生的审美思考能力。
六、结语
综上所述，电影音乐赏析具有独特的音乐教育功用，借助电影的音画融合特点，能够让学生很轻松地获取审美愉悦心理，有助于学生健全人格的培养。欧美电影音乐赏析作为非艺术专业学生的选修课程，运用视听合一的音乐教学形式进行艺术教育，可以起到事半功倍的效果。
一、革新欧美电影音乐赏析教学内容
欧美电影音乐赏析课程在教学内容上一直采取“讲-赏-析”三部曲的模式，即按照教师讲解-学生欣赏-师生讨论的步骤进行。课堂上放映的影片大多是获得各种电影奖项，或者即便没有获奖，也是被公认为“经典”的影片。教学模式和内容的相对固定，在一定程度上削弱了学生上课的积极性，也不能满足学生的观影需要。鉴于此，笔者欲从一下三个方面对教学内容进行调整。
(一)打破经典一统天下的局面
在以往的欧美电影音乐赏析课中，教师主要选择获得奥斯卡最佳配乐奖或其他奖项的获奖影片来进行赏析。经典影片固然有其闪光之处，但某些影片年代久远，在大学生中缺乏共鸣点，加之影片资源相对固定，很难提高学生的学习热情和兴趣。改革后的教学中，会适当增加一些深受大学生欢迎的，颇具青春时尚气息，贴近其生活的影片，例如歌舞青春，重回17岁，地心游记等。
(二)打破“西片”一统天下的局面
由于课程名称的限制，教师在选择影片时，往往会把目光瞄向好莱坞的作品。其实，在浩瀚的电影资源中遨游不难发现，中西文化差异在同题材电影中有着淋漓尽致的体现，这也是带领学生足不出户领略中西文化的绝佳机会。所以，改革后的教学中，会对比放映同题材的东西方电影作品，例如都是以神话为题材的，西方有雷神托尔，诸神之战，中国有白蛇传说，倩女幽魂。
(三)增设专题讲座
电影是一个国家文化的载体，好莱坞在向全世界输出它的电影产品的同时，也在向全世界输出美国的文化。因此，我们在看电影，听音乐的同时，应了解其文化涵义。改革后的教学中，会增设一些专题讲座，诸如好莱坞电影中的个人英雄主义，电影中的暴力美等。通过类似的专题讲座，拓宽学生的观影视野，激发学生对某一领域探索的欲望。
二、革新欧美电影音乐赏析教学方式
教学中改进教学方式，创设平等互动的教学环境和和谐融洽的教学氛围，寓教以情，以情感人，使学生以热情的心态来进入学习。改变以往老师讲，学生听的模式，使学生真正成为教学的主体，教师为主导。将生动活泼的课堂讨论增添为重要的教学环节。以往的授课模式是教师播放-学生欣赏，教师讲-学生听，即信息流动方向为教师到学生的单一方向进行，缺少了学生的反馈与参与。改革后的课程设计中会大大增加学生参与的环节。例如，讲到电影音乐的节奏要与电影画面的节奏保持一致时，教师就可以一边播放电影片段，一边指导学生们打节奏。通过这样的互动教学，一方面加强了学生的课堂参与感，使得学生真切的体会到音乐的律动，从而能够更好的理解音乐的节奏与电影画面节奏的关系;另一方面也使学生在看似“玩儿”的教学过程中，掌握了一些音乐节奏节拍方面的知识。
三、结语
总之，电影音乐是音乐范畴中的一个分支，它通过音乐与画面、情节相结合使学生获得审美愉悦心理，继而获得人格的健全和培养，达到全面发展的人才的要求。电影音乐欣赏的过程是一个复杂的过程，电影音乐的效果是由剧情发展、画面渲染等条件下直接察觉并吸收的。因此，电影音乐欣赏是人们通过图像的感知、音响的体验和理解音乐艺术的最直接的手段和最直接的一项心理活动。笔者认为，电影音乐具有广泛的群众基础，独特的审美特征和多元化的发展，适于作为对大学生进行审美教育的欣赏内容。普通高校的公共艺术教育，面对的是非音乐专业的学生，使用电影这一视听合一的综合的艺术形式来面向非专业的学生进行艺术教育，势必起到事半功倍的作用。
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中国电影音乐发展从20世纪30年代(第一首电影歌曲《寻兄词》电影《野草闲花》的插曲)问世以来至今已经有近90年的发展历史。中国电影音乐的发展不论是在声音制作技术上,乐曲的配器使用上,以及人们的听视觉的审美观念上都在不断的进步。但是不论怎么发展变化,对于我国的电影音乐有一个灵魂主线是长久不变的,就是它的民族风格。以下是读文网小编为大家精心准备的：民族风格在21世纪以来的中国电影音乐中的构成相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：21世纪以来，中国电影市场迅猛发展，区别于改革开放到20世纪末的中国电影，不论是在量的积累还是质的提高，都显示出前所未有的发展状态，依附于中国电影的民族风格的电影音乐也区别于21世纪之前民族风格的单纯继承与纯粹阐释，将当下现代化的中国电影音乐中的民族风格体现得淋漓尽致。本文分别从电影音乐民族风格的使用素材、艺术表现立足点、发展依据等方面来说明21世纪以来中国电影音乐民族风格的构成模式。
21世纪以来，随着电影表达艺术思潮的日益充沛，电影艺术类型的不断拓展，电影音乐这门独特的视觉与听觉的艺术综合体呈现出了蓬勃的发展局面。电影音乐的发展是电影艺术全面成长的意志体现。英国文艺批评学者佩特说过，“一切艺术到精微境界都求逼近音乐”。电影音乐的风格多种多样，21世纪以来的电影中不论是民族题材电影还是武侠、科幻等电影类型，民族风格在电影音乐中的运用时常被创作者容纳，《卧虎藏龙》光从音乐本体的乐器使用上就充分的体现出中国古代武侠的侠肝义胆，琵琶、鼓这些具有鲜明中国符号的乐器所演奏出来的民族韵调，比如玉娇龙窃剑逃走的那个部分，鼓点的快慢缓和、声部的起承转合等与画面相得益彰，使每一位观众都在浓郁的中国气息中充分的感受到中国武战的紧张氛围与畅快体验。“对民族风格音乐的运用是中国电影音乐的永恒主题，很多源自百姓生活、耳熟能详、喜闻乐见的音乐是影片引起观众共鸣、激发联想的最有力保障。人们在富有民族文化特征的旋律中寻内心的希望，电影音乐也在博大精深的民族音乐沃土中汲取营养、生根、发芽、开花、结果，带给观众美得享受。”然而民族风格在电影音乐中的构成不仅仅只是依靠这些民族乐器的演奏而产生的，其中不同音乐艺术体裁和不同民族调式以及现代民族风格创造的运用，比如民歌、戏曲、民族文化元素、民族曲调的再创作、民族风格与西洋乐器的融合等也为21世纪以来的中国电影音乐民族风格奠定了丰厚的物质基础。那么，21世纪以来的中国电影音乐民族风格模式是如何构成的呢?
象征着中国音乐符号的乐器以及曲调有很多，比如：弹拨类的古筝、吹奏类的竹笛、拉弦类的二胡、打击类的锣、梆子、鼓，民歌的曲调、戏曲的曲调等等，这都在影片整个观赏中加入了深深的中国符号烙印。21世纪的民族风格模式构成不仅仅像是在80、90年代那样纯粹的使用以上元素，随着音乐创作视野的拓展，吸收国际电影音乐制作的先进技术，“洋为中用”的思潮基于中国元素的基础上被良好的运用在我国国产电影音乐的创作中。
比如在影片《英雄》中，传统的中国武侠一对一对决模式，长空与无名的决斗上，电影音乐创作为了模拟再现强烈的民族侠气风格，在乐器本体上选择了传统文化浓厚韵味的古琴以及西洋小提琴作为“对决”乐器，其配乐曲《棋馆古琴》，“以东西方不同的浪漫表现手法，获得了传说中的‘秦弦子’那如同马头琴、二胡、三弦结合的美妙音色。抑扬顿挫的弦音展现出高手过招如同于大音希声，有型似无形的神韵，达到了听觉与视觉画面的完美结合。”另外一部电影《卧虎藏龙》主题曲运用在影片的开始部分，当人们被中国风格的“马头琴”音色带入哀怨怅惋、神秘东方的民族情景中来的时候，可能大家都被这个乐器的音色所“欺骗”，这其实是由著名大提琴家马友友用大提琴演奏的散板旋律片段，如谱例1：
谱例1：《卧虎藏龙》电影音乐片段
在这里，大提琴完全失去了西方的古典时期音色特征，取而代之的是中国马头琴的苍凉悠长音调，表现出浓郁的中国韵味。民族的曲调特征与西方的乐器音色特征合二为一，在西洋乐器的音色中充分感受民族曲调的清新之风。《卧虎藏龙》可以说是21世纪以来中国电影音乐中“中西合璧”的代表性作品。该“音乐以西洋乐器大提琴等为主奏乐器，配器中以西洋管弦乐队做衬底，用中国有特色的民族乐器：葫芦丝、热瓦甫、琵琶、板鼓、中国鼓、竹笛、二胡等作为色彩乐器，在旋法上采用民族特色鲜明的民歌及戏曲旋律、节奏素材，尤其是中国民族打击乐的运用等手法，使整部电影音乐得以完美的诠释”。
电影音乐是电影艺术的综合有机组成部分，其音乐的创作和发展都要随着电影主题的发展而变化，电影音乐收益效果的接受者是听众，而听众同时也是观众，视觉传导在前，听觉感知在后，电影音乐要服务于电影本身。所以，电影音乐中的民族风格构成的生命体在于自身的电影主题表现，音乐会随着影像而体现出相应的时代特征，从而在影像的基础上继承和发展音乐的文化风貌。
电影《一九四二》故事发生在河南，影片中浓郁的河南口音已经深深的烙上一种民族风格文化在其中，电影音乐在河南人、河南事、河南灾的故事基础上，作曲家赵季平运用河南当地的音乐元素和乐器为整部电影进行配乐，从听觉的效果上已经先入为主的阐释了这是发生在河南的历史性灾难，具有鲜明的地域性、时代性。而基于民族素材基础上的电影音乐民族风格同时也具有电影音乐传导和渲染的一般共性，会让观众充分的感受到电影中无形的民族气息，加深观众的审美感受力。
2010年由徐克导演的《龙门飞甲》(又称《新龙门客栈》续集)中中国传统武侠英雄代表人赵怀安狭义非凡，与明朝恶势力抗争的狭义壮举等这些电影民族元素，都被相对应的民族乐器竹笛、琵琶等进行了详实的描述，身揣宝剑，牵马阔步行走在无际沙漠之中，表现出中国古代武侠的高深义气，唯有竹笛、琵琶等民族乐器将其描述尽致。类似于这样的影片还有《十面埋伏》、《大兵小将》、《大闹天空》等。这些都是在已有的民族素材基础上进行再加工的艺术听觉表现，如果自身电影中的民族素材表现不强烈的话，比如在纽约的大都市画面中吹奏起国乐《百鸟朝凤》，那么民族风格在电影音乐中也就无法立足。
反之，在民族元素的基础上进行电影音乐的民族风格渲染，那么就会加强电影自身的艺术表现力，也会促进观众对于电影音乐审美的自身需要。由此可见，“音乐的民族风格不是一成不变的，它既是由一个民族长期的风俗习惯、精神气质、语言体系、审美趣味、哲学思想形成的，有一定的凝聚性，又随着历史的前进，各国人民之间的友好往来和文化交流在不断地丰富和发展，它表现着不同时代的民族的不同的人物和环境”。
21世纪随着电影视觉3D艺术效果的出现和发展，听觉艺术如果还只是停留在80、90年代的单纯叙事、抒情表达的话，那么科技和创作者的想象所带来的艺术冲击力会将电影音乐摒弃在后，会使得观众感觉审美体验的不统一性，从而影响到电影艺术的整体性发展。那么民族风格的现代化体现在哪些方面呢?首先，音响效果的现代技术制作。电影音乐中的民族风格比如民歌或者戏曲被单纯的全套的搬到荧幕中来会因强大的艺术本体审美而宣兵夺主，也会因为观众现代化的审美眼光在科技含量较高的电影中而显得格格不入。
所以，在电影音乐民族风格的创作中要善于运用现代化的技术手段，比如电影《智取威虎山》中，传统的京剧版本没有在电影中完全照搬，而是将戏曲主题进行了配器和旋律上的重新改编，其中电子效果器的运用使得3D效果的杨子荣与座山雕斗智斗勇显得更加惟妙惟肖，主题片段时而出现在斗志昂扬的情绪渲染处，当人们听到熟悉的电声效果圆号独奏时，既有过去经典京剧版本留下的故事印记，也有现代跟得上3D效果版本的时代步伐，让观众从听视觉感官上享受电影艺术的魅力。其次，民族风格歌曲的深刻的艺术再创作。中国电影音乐民族风格的体现要素一个是民族音乐实物比如民族乐器、民族歌谱、民族演唱等，另一个是隐形的民族要素体现，比如曲调风格、歌词抒写、乐器配置等。当下的电影音乐民族风格的构成一方面是基于原歌曲要素素材上的再创造，另一个方面是基于民族要素基础上的再创造。不断的随着时代观众审美方式的变革而改变，才适应电影艺术的整体性发展。
比如《满城尽带黄金甲》电影中，为了使观众具有现代眼光来看待爱恨情仇、权力争夺的情感表现，由周杰伦创作的具有浓厚中国民族风格的《菊花台》便孕育而生，不论是歌词的抒发，还是旋律的哼唱，曲风的表述以及配器的使用等都充分的体现出民族风格的现代化特征。最后，民族音乐风格的世界性传播。有句话说的好，“只有民族的才是世界的”，当下中国电影音乐能在国际上立足，被世界电影音乐所熟知，只有民族风格的体现才能使得这一切成为可能。电影《冰雪奇缘》中主题曲《let it go》被世纪各国译为了多个版本进行演唱体验，而我国《卧虎藏龙》、《英雄》、《十面埋伏》等电影的成功也让世界各国听到了属于东方人的曲调风格、器乐属性、音乐特质等，从而了解到中国的传统艺术文化。
中国电影音乐的艺术根基在于民族风格的充分体现，21世纪的民族风格的模式构成除了“中西合璧、民族素材、现代化体现”之外，既需要有传统乐器的引入，也需根据电影表达效果有现代电声技术音色的融入，既需要有传统民族曲调的抒写，也需要有根据现代艺术审美改变的曲调编配，即需要有传统演唱技法的基调渲染，也需要有现代流行唱法的独特体现。总之，民族风格的构成模式基于民族文化基础、观众审美体验、科技发展进步等要素将会跟随时代前进步伐而不断发展变化。
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华裔导演李安执导的电影《卧虎藏龙》是当代华语电影的经典之作,尤其是影片中的音乐创作巧妙地融入了中国民族音乐素材,不仅使整部影片摆脱了传统的武打电影模式,而且还形成了一种唯美品质和东方电影的美感。以下是读文网小编为大家精心准备的：论民族音乐在电影《卧虎藏龙》中的运用相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要： 李安执导的电影《卧虎藏龙》在2000年获得了多个奥斯卡奖项的提名，在当时的国际影坛引起了较大轰动。除了唯美的电影画面、较高的艺术美学价值，电影中的配乐也为人称颂。影片里一段又一段的音乐把独特的东方美和西方乐曲相结合，呈现出了中国民族音乐的独特魅力和艺术精髓。本文主要从电影中的民族乐器、民族音乐、多元音乐的结合等多方面来简单分析《卧虎藏龙》中的民族音乐的运用。
我国的民族音乐发展历史非常悠久，是中华音乐艺术文化的主要构成部分，其充分展现出了中华儿女的坚强意志、丰富情感、生机活力以及对美好的追求等等。中国的民族音乐深深地根植于传统中国文化之中，上下五千年的中华文化孕育出了丰富且内涵深刻的民族音乐，而民族音乐作为我国电影音乐的一个重要组成元素，对我国的电影音乐发展起到了关键的推动作用。尤其是新中国成立以来，民族化的电影音乐持续发展与进步，致使民族音乐在电影音乐中的地位越来越重要。
近些年来，伴随着我国部分经典影片屡获国际大奖，有着明显中国特色的民族电影音乐增强了世界各地观众对中国的了解、认知与印象。同时，各个民族、各个地区、各个方言以及各个乐器等多方面的音乐资源都是我国电影音乐的重要财富，更是扩大我国电影创作以及电影音乐影响力的关键因素。本文以荣获第73届最佳外语影片奥斯卡奖的《卧虎藏龙》为例，深入分析研究民族音乐在这部电影中的具体运用，以此探讨民族音乐在电影中的重要作用。
音乐是电影艺术表达的一个重要手段，是电影艺术形式的重要组成部分，它对电影的叙事、氛围都起到很多的积极作用。有这么一句话“民族的才是世界的”，导演李安、电影的配乐制作人谭盾大师以及著名的大提琴演奏家马友友就将“民族的”带到了世界电影的舞台上。《卧虎藏龙》中的电影音乐在很大程度上增强了影片的艺术效果，提高了影片的精神内涵。影片中的音乐与画面完美地结合在一起，很大程度上催化了观众的情绪、烘托了电影的氛围、也推动了电影的叙事和表达。
1 突出电影主题
影片《卧虎藏龙》叙述了这样一个故事，一把青冥剑的失窃引发了一系列的江湖恩怨，但在实质上是关于俞秀莲和李慕白、玉娇龙和罗小虎四个人的爱恨纠葛。这两段爱情都是悲剧性质的，因而对音乐情感的要求是悲凉凄婉的，除了表现爱情的悲剧，还要展现出江湖侠士之间的恩怨厮杀。因此，李安用《月光爱人》作为电影的主题曲，从始至终贯彻在电影的叙事之中，音乐在柔美的夜景中娓娓道来，凄凉但绝美的月光之下，江湖的爱恨情仇和两对男女的悲剧爱情伴随着这首凄凉的曲子徐徐展开。歌曲还有一个悲伤的英文名称 A love before time，既夹杂了一丝悲凉，也暗示了电影中的两段爱情如时光一般转眼即逝，还暗示了江湖之中脆弱的爱情和命运。
2 渲染电影气氛
优美的音乐就像是魔术师，把人们带入一个似梦似幻的境地，渲染出电影的神秘气氛。音乐的节奏快慢、旋律张弛、音调高低起伏，都给观众带来不同的感受和情绪。例如《卧虎藏龙》中，罗小虎出现在大漠中时，李安导演采用了马头琴和二胡等乐器，渲染了大漠中的悲壮苍凉之景。与此同时，他采用了《阿瓦尔古丽》这一维吾尔族的民歌，表现出了罗小虎的不羁和浪子形象，也表现了他对爱情的忠贞不渝。在这样的音乐中，人物、场景和情感得到了完美的融合，观众在这音乐中又加深了对电影语言的理解和感受。
3 刻画人物心理
音乐自古以来都是表达情感和情绪的最有效方式之一，在电影中的运用也十分常见，音乐常常可以表达在画面中无法直接传达的气氛、情绪或者感觉，最主要的，它还可以表现人物复杂的心理活动，加深观众对影片内涵的理解。例如在电影中，玉娇龙盗来青冥剑之后准备闯荡江湖之时，为了表现她的愉悦，采用了云南的民歌《小河淌水》与特色乐器加以配合，优美婉转，把玉娇龙逃离禁锢，投身于自由的江湖的自然轻松和愉快表现得淋漓尽致，同时也用清新自然的音调表现了玉娇龙涉世未深，不知世间险恶的单纯心理，为接下来情节的发展变化埋下伏笔。
4 深化观众印象
音乐在电影中的完美运用，可以带动观众的情感和情绪，可以给观众留下想象空间并且激发其想象力。一首独特的、优美的音乐可以给人留下非常深刻的印象，即使是许多年后，当同样的旋律响起，观众依然能回忆起电影中的这段画面。例如在影片中，玉娇龙和李慕白在竹林中比剑的场景，导演采用了箫这一民族乐器，苍凉凄婉的箫声和二人轻盈的姿态、打斗的动作、竹林的随风摆动相结合，形成了完美的视听感受，使观众完全进入电影的情景之中。
这部在世界上赢得广泛赞誉的中国式武侠电影中，有着大量的中国元素，乐器的使用更是带有明显的中国化特征。无论是侠士时常吹奏的箫和笛子，带有悲凉音色的二胡，展现豪迈大漠景象的悠扬的马头琴，还是磅礴壮烈的鼓，都在电影中与情节和场面调度相互辉映，给世界观众呈现了有中国特色的壮美画卷。在《卧虎藏龙》这部电影中，我们可以感受苍凉的二胡、悠扬的箫和笛子、清丽的葫芦丝以及干脆利落的鼓乐，这些乐器不仅带有明显的中国传统民族特色，还给观众带来一次次视听享受。
1 婉转空灵的笛乐
在电影中“南行”这一片段里，采用了古代侠士常用的竹笛。在玉娇龙和李慕白在竹林打斗的时候，导演并没有采用竹笛，而是将其运用在玉娇龙逃婚南行的途中。竹笛的悠扬柔美加上具有云南特色的《小河淌水》，再配合以边疆特有的鼓乐之声，空灵而又活泼，将玉娇龙逃婚后的心情完整地通过这音乐传达出来。而在她与武林中人在茶馆打斗之时，音乐又急速变化，不仅表现了当时情况的紧急，也传达了玉娇龙此刻的情绪。与此同时，在这一段的打斗中，玉娇龙的武功招数和打斗力度的变化，也配以节奏、速度不同的音乐，表现了打斗的畅快淋漓，也展现了她的爽朗自由的性格和江湖人的洒脱。
2 独特凄凉的箫乐
箫声因其悲凉的特点一直是古代侠士的手中挚爱。在电影中“穿越竹林”的片段里，李慕白和玉娇龙穿越竹海的时候，苍凉的箫声在节奏上的变化十分强烈，营造了一种江湖特有的神秘感。在广阔的竹海之中，身着白衣的二人显得空灵脱俗，打斗造成竹林的晃动，这场景和凄凉又节奏感分明的箫声结合起来，给观众带来一种画面和声音的双重享受。
3 古风古韵的古筝乐
在玉娇龙和俞秀莲的“交锋”这一段中，导演采用了一段类似《十面埋伏》的古筝演奏。二人打斗过程中的金属武器声和带有金属特色的古筝乐声相结合，给观众以强烈的冲击感。当玉娇龙手持盗来的青冥剑一一砍断俞秀莲手中的武器时，武器之间的碰撞声和音乐相互融合，不仅表现了青冥剑的强大，也凸显了二人打斗过程的激烈。
4 悠扬沉着的葫芦丝乐
在著名的“夜斗”和“丝绸之路”两个段落中，就采用了悠远的葫芦丝对情景和气氛进行表现。在“丝绸之路”这一段落中，葫芦丝演绎了一段细腻悠扬的颤音，把云南民族乐器的独特魅力完美地表现了出来。在苍凉的月光下，大漠的黄沙悠悠地飘着，葫芦丝的声音就像从大漠深处传来，述说着这个沉着辽阔的大漠的故事。
5 带有维吾尔特色的热瓦普乐
热瓦普是新疆特有的弹拨乐器，当玉娇龙回忆起与罗小虎相识的场景，热瓦普的声音响起，在广阔的沙漠中，一位少女击杀着一群强盗，在这一打斗场景中，热瓦普的古老和娓娓道来和激烈的打斗相得益彰，在冲突中给观众以新鲜感，并且增强了影片的艺术效果。
6 神秘而有力的鼓乐
《卧虎藏龙》中鼓乐的运用十分纯熟，几乎所有的打斗场面中都有鼓乐的伴奏。最精彩的一段就是玉娇龙盗得青冥剑又被追逐的场景。在两声古琴之后响起了清脆的鼓音，随着打斗的激烈程度逐渐增加，鼓声也越来越密集，向人心头压来。鼓声的优点之一就是节奏的变化，张弛之间鼓声的节奏也带动着电影的节奏，扣人心弦而又精彩绝伦。
在电影中采用的主要乐器是鼓、大提琴和笛子，而其中又以大提琴为主，当西方的古典乐器演奏起东方的民族音乐时，带来了一种独特的风情。在《卧虎藏龙》中，虽然大量地使用了大提琴这一西洋乐器，但作为一部东方的武侠电影，大提琴在其中的表现是极具东方神韵的。电影一开始，就传来了低沉缓慢的大提琴声。马友友演奏的大提琴曲给观众带来了具有东方美学特征的艺术享受。
在这样的配乐中，影片水墨画般的色调和气氛缓缓叙述着爱情故事。琴声虽然悠扬缓慢，但也夹杂着江湖的凶险，在俞秀莲护送青冥剑进京的过程中，配乐时急时缓、张弛有度，在她到达京城的时候，影片在大提琴和京城的热闹声中正式开始。而后，玉娇龙还剑时和李慕白二人的会面之后，也随着大提琴的缓慢低沉的声音在苍凉的月光下展开较量，两位江湖侠士的英气和侠气在大提琴声中充满了东方神韵。中国的各民族有其独特的音乐形式和特征。在电影《卧虎藏龙》里，就有着韵味十足的边疆风情。在罗小虎和玉娇龙的回忆段落中，小虎唱着《阿瓦尔古丽》，悠扬而深情的旋律和极具民族韵味的声音相互配合，把罗小虎的性格特征表现得淋漓尽致。
电影《卧虎藏龙》在对李慕白和俞秀莲二人被压抑的悲剧性爱情的刻画描写，表现了中国传统文化对人性的压抑和约束，从某种意义上来说，它是一个爱情悲剧。电影中贯穿始终的主题音乐《卧虎藏龙》，在马友友深沉缓慢而忧伤沉着的大提琴演奏中，把这个故事向我们缓缓描述着。当李慕白倒在痛哭着的俞秀莲怀中，即将死去时，这样的寂静和悲哀都到了一个顶峰和高潮。
伴随着缓慢的大提琴的声音，英雄侠士的爱情故事向我们娓娓道来，音乐和情节的配合完美无瑕，表达了导演对中国传统文化的思考和对江湖情结的追求。电影《卧虎藏龙》中的民族音乐具有极高的艺术美学价值，其中的乐器主要为西洋乐器大提琴，也采用多种中国的民族乐器，配乐有着浓厚的民族特色，在难以调和的悲壮气氛下表现了创作者面对爱情悲剧的无奈和怆然。电影中的西洋乐器和民族音乐的结合营造了厚重低沉的气氛和空灵神秘的画面感，二者相互融合，给观众带来一场视听盛宴。
论民族音乐在电影《卧虎藏龙》中的运用相关
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电影自诞生以来经过100多年的发展，现已经成为一种“高大上”的艺术种类，但艺术来源于生活，大多数电影讲述的故事都是经过导演和编剧进行艺术加工后的现实生活。而北野武因为自身特殊的经历，他的电影中都蕴含着独特的人文特点。今天读文网小编要与大家分享的是：北野武电影特点研究-―以《花火》为例 相关论文。具体内容如下，欢迎参考：
北野武电影特点研究-―以《花火》为例
北野武是日本知名电影导演，日本新电影教父级人物，有着“日本电影新天皇”之称，也是日本导演中坚力量和电影复兴的旗手。北野武所拍摄的电影种类纷繁，内容涉及动作片、黑帮片、喜剧等等，他的代表作品《花火》斩获获威尼斯影展金狮奖并让北野武荣膺蒙特利尔影展最佳导演奖，世界影坛认为北野武将会是超越黑泽明的日本让你新一代导演。
视听语言作为呈现电影美学、突出叙事特点、强调隐藏含义的一个重要手段，一直被电影导演们视为升华电影主题的“神兵利器”。例如张艺谋导演在《大红灯笼高高挂》和《红灯笼》中对于红色的频繁使用，让整部影片在人物性格塑造、整体环境刻画以及攫取故事重点等方面有着一个巧妙的提升，并绝佳的展示了导演的个人特点。可以说视听语言运用的好坏是一部电影能否成功的重要标志。
在视听语言中，彩色电影画面总的色彩组织和配置被称为是色调。色调一般来说是以一种颜色为主题，几种或多种色调作为附庸，让整个影片的画面呈现出一定的色彩倾向。不过在某些特定的时候，色调出现在影片中时则是一种色凋贯穿整部影片，有时候则是一个段落、一个场景或者是一个镜头只呈现一种色调。色调的出现使导演更容易在影片中体现导演自身的情绪、情感和提炼导演心中的诗意美学，并可以让影片形成一种独特、俊秀的意味和风格。所以对北野武电影特点的分析，首先要提及的便是他那享誉世界的“北野蓝”。
北野武在他的影片中对蓝色调有着大量的运用。可以说，蓝色是北野武影片中最核心感官表达和情绪体现，而他也正是凭借这“北野蓝”而闻名于国际影坛。具体到《花火》这部影片的视觉传达中，蓝这个色调伴随着主人公生命历程和个人经历的不断改变而具备了不同的解读意义。在《花火》的前半部分中，由于山田的生活遭受着各种挫折和极度的压抑，蓝色在这里其实暗含着一种困厄、忧愁的情绪：从医院浅蓝色的墙壁，再到洗车工蓝色的工作服，再到泛着一层蓝色的街道和汽车，无时不刻不在向人们诉说一种人生遭遇创伤的凄凉与无助。而在影片的后半部分伴随山田对曲折的人生命运进行控诉和反抗的时候，此时蓝色被赋予了一种晶莹剔透、不被玷污的纯洁表现，进而传递出了一种生命不屈的精神和崛起的可能。
也正是北野武在他的影片中对于蓝色调的特殊理解以及机具巧妙的运用，从而让北野武成为了知名世界的大导演，而他的“北野蓝”也被世界范围内的影评人和电影从业者津津乐道。
电影自诞生以来经过100多年的发展，现已经成为一种“高大上”的艺术种类，但艺术来源于生活，大多数电影讲述的故事都是经过导演和编剧进行艺术加工后的现实生活。而北野武因为自身特殊的经历，他的电影中都蕴含着独特的人文特点。
(一)边缘的小人物
纵观北野武从影以来执导的十余部作品，可以发现他在片中选择表现的主要对象都是既平凡又另类的：《凶暴之男》中的主角是个狂暴神经质的小刑警，《那年夏天，宁静的海》中的男女主人公都是聋哑人，《北野武狂想曲》中的主人公其貌不扬、形容猥琐，《坏孩子的天空》讲的是普通高中常见的不良学生的成长经历，《花火》里的小警探有着患白血病晚期的妻子，《菊次郎之夏》里的男主角是个混吃等死、不务正业的中年男人……这些形形色色的人物就像一颗颗打翻了瓶子的玻璃球，凌乱散布在社会的各个角落，看似毫无关联，却又有些耐人寻味的共通现象：他们大都是默默无闻、生活在社会边缘的小人物，每个人都有各自的生存压力，这些压力或来源于成长历程，或来源于家庭矛盾，或来源于工作事业，总之，他们均肩负着这样那样的难题，在人生的旅途上苦苦挣扎着。
如此打破常规的电影取材，一方面使得北野武的影片人物摆脱了符号化和公式化，渗透出其鲜明的个人执导风格，另一方面，主人公面临的种种生存压力也让观众们在这些人物身上找到些许共鸣――家家有本难念的经，虽然影片传达的死亡、枪杀等极端事例观众们不曾体会过，但是片中所表现的生存压力和各种情感矛盾在每个人的生活中都或多或少存在着。于是，影片与观众的距离被拉近，导演所期望的临场感和带入感得以实现。可见，从细微入手，来源于生活，忠实于生活，这是北野武导演一直遵循的创作理念，也是其影片能够得到观众们认可的重要因素
(二)暴力与温柔的矛盾体
暴力同死亡，生命与温情，这两种看似矛盾的特性却能在北野武的电影中和谐统一，相互融合。如果我们深入挖掘北野武的电影内涵，我们能看到各种细腻的情感都会出现在北野武的电影中，但是奇特的是无论是兄弟之间的亲情，男女之间的爱情，还是朋友之间的友情，在北野武的电影中大多数都是以血腥暴力的方式来表达的。就如同《菊与刀》的作者用菊花与武士刀来对日本人的矛盾性格进行描述“他们恰如其分的揭示了日本人的矛盾性格亦是日本文化的双重性”。
纵览日本历史，日本极端的国民性贯穿着这个日本历史，可以说日本人都是矛盾的综合体;而所谓之大师，更是如此。北野武在《花火》中用独特的电影语言和极具匠心的方式以浓厚的个人主义色彩，将生与死，这两个相互矛盾的体系柔和在一部影片之内。在那鲜血四溅的镜头中，处处透露出的对于生命的敬仰和对死亡的尊重，.山田与倔部两个人在内心世界对于生与死的终极思考，山田在残酷的现实世界里无望而茫然的生存中最后决定毅然赶赴死，而倔部则在死亡的终点线上凤凰涅?般重获新生，双线推进，更反映出生的力量和生命的顽强。
生与死，从来就不是绝对对立的.从死亡的笼罩下中我们可以重新的感受到生命的坚强，从而更加珍惜，这应该就是北野武想告诉我们的东西。北野武通过《花火》想告诉我们的绝对不仅仅是影片中单纯的对暴力表象的描绘。而是他那被暴力的表象层层包裹住的柔软的心。
(三)北野武电影的暴力美学
如果看完北野武的大部分影片很容易发现，以暴制暴是北野武电影中主人公实践爱的方式。暴力，是他电影里面最重要的表现元素。相对于其他钟爱表现暴力的吴宇森、昆汀等导演，北野武的暴力更加简单，明确。北野武的暴力是在你还不知道发生这件事情的时候就立即结束。血腥的场面和对枪杀他人毫不在意的主人公脸上轻松的神情形成强烈的对比，更容易导致心理上的不和谐感，从而带来强烈的视觉冲击，让人不寒而栗。
北野武打破了“暴力美学”的通常界定，他电影的定义通常更多的关注一个人中弹倒下，生命慢慢逝去的无助之感。在他这里暴力不再是蒙太奇式剪辑的杂耍表演，而是仿佛是在实验室中用显微镜观察真菌的方法让你将暴力看得更通透，从电影中对这个冷酷的世界有一个更深度、更细腻、更淋漓尽致的认知，为的是让人们对现实世界中暴力性质有更极端，更彻底的一个认知。
在影片《花火》中刑警山田坐在酒吧为倔部瘫痪的事情烦恼，桌上静静地摆放着酒杯和从来都没有动的筷子。长长的静默中两个黑帮分子坐到山田的左右的，他们是来讨债的。沉闷在突然之间被打破，还没看清楚筷子是怎么扎过去的左边的小喽?就已经捂着眼睛，满脸是血。而右边的小喽?还没有还手就已经哀嚎阵阵，倒地求饶。从静默到突然爆发，如同是潜在水下的鳄鱼对猎物爆发突然的袭击是北野武最得意的招数。以违反常理性的叙事和剪辑手段，舍弃重要的过程，正是北野武最钟情的电影效果。在这之外在北野武本人的暴力观中，暴力明确地指涉人格尊严的守卫、生死的选择和以暴制暴的偏执，同时也指涉日本传统文化中情义、复仇、雪恨、忠诚等价值观，透过暴力的表象以深入的人文内涵探讨人生的矛盾、发掘人生的价值。
1997年第54届威尼斯国际电影节《花火》将金狮奖收入囊中，这可以说既是对北野武的一次重大意义的肯定，也是整个东方电影所获的殊荣。北野武对于日本以至整个亚洲的青年导演们都有着启蒙作用，在日本、在中国、在韩国、在印度许许多多的青年导演们怀揣着对于电影炽热的渴望，以北野武的电影为标杆，投身到电影的创作中去，从这一点上说北野武无愧于“日本电影新天皇”之名。
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中国近现代音乐通史研究至今已逾半个多世纪。从20世纪30至40年代的萌芽,到50至60年代的初步形成,到70至90年代的恢复与发展,再到90年代末开始的学术化转型,经历了一个从政治实用化到学术化,从单一写作模式到多样化转变的过程。目前,正处于转型的关键时刻,我们应充分运用新知识和新方法,以促成学术的转型。 以下是读文网小编为大家精心准备的：探讨中国近现代音乐通史研究历程及特点相关论文，内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：从萌芽、初步形成、恢复与发展以及转型四个阶段，对中国近现代音乐通史的研究历程及不同阶段的特点进行了分析，以期为音乐文化的发展提供一定参考。
关键词：中国近现代音乐 通史研究 历程 特点
在我国，对于近现代音乐通史的研究，开始于二十世纪三四十年代。在十九世纪后半叶，伴随着西方音乐文化的传入，中国传统音乐文化开始逐渐向着近代音乐文化转变，对中国近现代音乐通史的研究历程以特点进行探讨，对于促进音乐文化的转型和发展是非常必要的。这里主要从以下四个阶段，对其进行分析和讨论。
我国对于近现代音乐通史的研究，萌芽于20世纪30-40年代，主要是针对中国近现代音乐发展历程的研究和论述。在1936年，李树化在《中国近现代艺术史》中，以19世纪欧洲“国民乐派”的兴起为参考，对西方音乐文化传入一直到20世纪30年代的音乐发展历程进行了评述，对中国音乐流布嬗变态势及发展格局等进行了分析，非常直观地体现出了作者对于中国近现代音乐与传统音乐之间差异性的认识。
之后，在延安鲁迅艺术学院，创造性地开设了“新音乐运动史”课程，从当时社会背景和教学目的出发，出现了许多以左翼和救亡音乐的成长和发展为主要脉络的《中国新音乐运动史》，其中具有典型代表性的有冼星海的《现阶段中国新音乐运动的几个问题》、陈原的《中国新音乐运动之史》等。在萌芽时期，对于近现代音乐通史的研究，体现出了鲜明的时代特点，明确了以马列主义和毛泽东思想为指导的思想基础，同时对史料进行了最大程度的汇集。但是受客观条件及思想认识局限，部分研究缺乏科学性与可靠性。
在新中国成立后，许多音乐工作者以保卫革命音乐传统为口号，开始了对五四运动以来的音乐发展历程的研究，也标志着我国真正意义上对近现代音乐通史研究工作的开始。在研究中，一方面，针对许多老一辈的音乐家、戏曲艺人等进行了采访录音，对相关素材进行了完善，同时，对中国戏曲研究院、中宣部资料室等存在的相关资料进行了收集和整理;另一方面，在通史编撰中，采用了综合史学研究方法。例如，在《中国近现代音乐史纲要》的编写中，采用了新的综合史学研究方法，将全书的内容分为了两大部分，针对音乐创作、音乐理论等方面的问题进行了深入研究和论述，同时，在编写过程中，应用了规范化的学术标准。
在““””结束后，一度被搁置的近现代音乐通史研究得到了恢复和发展。1981年10月，在当时第一届“中国近现代音乐史学术讨论会”上，《中国近现代音乐史》和《中国民主革命时期音乐简史》两部史稿的出现，标志着中国近现代音乐通史的研究进入了一个新的时期。在这样的背景下，各地的音乐院校了陆续开始了对近现代音乐通史的研究，出现了许多近现代音乐通史著作，如《中国音乐史讲义》、《中国音乐史》、《中国近现代音乐史》等，这些资料从整体框架层面上看，多是以时间分期法，实现对于章节的划分;从内容方面看，涉及了传统音乐文化和新音乐文化两个部分，包括了著名音乐家、作品、乐器等相关内容;在史料的应用方面，力求历史资料的多样性，强调文物与文献考证研究的互补结合的史学研究传统。
自二十世纪九十年代以来，为了适应教育教学工作的实际需要，教材类的通史迅速增加，为近现代音乐通史的研究提供了大量的参考依据，如1991年孙继楠主持编写的《中国音乐通史简编》、2003年陈秉义编写的《中国音乐通史概述》等，都取得了相当显著的成效。一些以多元化、边缘化研究视角编撰的音乐通史著作也随之出现，如臧一冰的《中国音乐史》、居其宏的《20世纪中国音乐》等，从多个方面对近现代音乐的发展进行了研究，颇具新意。
首先，历史观念新。在该时期，对于音乐通史的研究，着重介绍了近现代中国音乐的发展情况，同时加强了对于流行音乐历史的研究，在描述方面更加细致，富有个性;其次，研究视野新。在该时期的著作中，都体现出了实事求是的原则，坚持唯物史观与知行相统一的风格，无论是研究目的还是研究视野，都有了很大的创新，开始逐渐由单纯的课堂讲义向着全社会普及，同时推动了中国音乐与世界音乐文化的交流;然后，结构布局新。在这一时期，对于近现代音乐通史的研究，已经开始针对现有的基本章节和框架，进行相应的改进和完善，突破了传统结构和叙述方式的束缚，使得相关著作的结构更加合理，层次更加分明，条理清晰，便于研究人员的参考和应用;最后，知识内容新。从著作的内容分析，在这一时期，对于音乐通史的研究，不仅追求充分性和详实性，而且注重内容涵盖范围的广泛性，对于许多对音乐发展存在一定贡献，但是被埋没或者遗忘的音乐家进行了挖掘，拓展了研究的范围，保证了研究的全面性和可靠性。
从上述发展历程可以看出，中国近现代音乐通史的研究历程，经历了从政治化治史方式向学术化治史方式的转变，各种新知识、新观念、新方法的应用，以及西方音乐文化的引入，推动了中国近现代音乐通史学术研究的发展和转型。
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中华民族是由五十六个民族共同组建而成的,各民族的优秀文化遗产汇聚成了中国灿烂的历史文化,其中,少数民族的民歌作为传统文化艺术的一部分,是民族艺术的瑰宝。达斡尔族民歌有着自身的特点,要想将达斡尔族民歌发扬光大,彰显其所蕴含的艺术魅力,就需要掌握相应的演唱技巧。以下是读文网小编为大家精心准备的：达斡尔族民歌的音乐特点分析相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要： 每一个民族都是祖国大花园中独一无二的花朵，而达斡尔族是其中有着最为特殊色彩的花朵。达斡尔族之所以有着如此与众不同的色彩的原因，是因为他所具有的民歌。达斡尔族的民歌是达斡尔族人民自古以来音乐天赋、情感迸发的结晶，是中华民族艺术宝库中熠熠生辉的瑰宝。对达斡尔族民歌的特点进行分析，让更多的人喜欢它、爱上它，是让达斡尔民歌在新时代焕发蓬勃的生命力的重要措施。
达斡尔族是中国少数民族之一，而且现在在几个不同的地区散居，在生活习性等方面存在一些不大的差异，但是他们仍然有着很多共同点，其中口口相传的达斡尔族民歌是其中最大的共同点。达斡尔族民歌是经历了漫长的历史发展过程而累积形成的。对于达斡尔族的人们来说，达斡尔族民歌不仅仅是先辈留下来的宝物，还是连接整个民族情感的不可分割的纽带。
在许多民族的历史发展过程中，都会形成富有本民族特色的民歌。据调查表明，各民族的民歌往往是伴随着人们的劳动过程而产生的。达斡尔族民歌同样是这样产生的。
达斡尔族民歌也随着人们的生产水平的不断提高，而逐步获得新的发展。我国文化的发展是一个漫长的时期，有五千年之久。达斡尔族民歌的发展同样也经历了五千年之久。在原始社会时期，达斡尔族的人们生产水平比较低，依靠采集、狩猎为生，对于大自然心怀畏惧，因此寄托达斡尔族人们对大自然畏惧的萨满教就产生了。萨满教的产生，带动了萨满歌曲的流行。进入奴隶社会之后，达斡尔族人民的生产能力有了显著的提升，不再单纯地依靠采集和狩猎，而是能够依靠耕种来养活自己，这个时期的达斡尔族民歌就不再是萨满歌曲的天下了，而是新增了歌唱达斡尔族人民辛勤劳动的歌曲。而到了封建社会，由于受到过来自北方的敌人――沙俄的入侵，出现了保护达斡尔族人民利益的英雄，达斡尔族的民歌就多了赞美民族英雄的内容。随着新中国的建立，共产党将全国各民族人民从被压迫的命运中解放出来，达斡尔族民歌又增加了歌唱新中国、歌唱中国共产党以及反映新时期的幸福生活的歌曲，如《达族永远跟党走》、《爱祖国》、《春天来了》等等。
由于达斡尔族民歌产生较早，发展时间长达五千年，因此达斡尔族民歌所反映的内容是十分丰富的，其风格也与众不同，它的主要音乐特点有以下几个方面：
达斡尔族民歌是达斡尔族人民歌唱自己民族的传统、历史文化和发展的手段，它展示着达斡尔族与其他民族不同的特色，而达斡尔族民歌的形式是十分多样的，有着不同的划分明确的种类，例如充满对大自然的崇拜的萨满歌曲、赞美辛勤耕作的劳动歌曲、传达男女情爱的爱情歌曲，以及一系列歌颂英雄事迹的叙事歌曲。
(1)萨满歌曲
萨满歌曲是一种宗教歌曲。在原始社会时期，由于生产力低下，达斡尔族人民信奉萨满教，将对于大自然的崇敬与畏惧，融入到民歌之中，就形成了萨满歌曲。但是，随着社会的发展，萨满歌曲也不仅仅是反映人们对于自然的尊崇与畏惧，而是多了一些关于未来生活的向往以及展示达斡尔族的民族风俗、生活习性等等一些其他内容。一直到现在，每当达斡尔族内有重大事情的时候，萨满歌曲便会被全族人民共同演唱。
萨满歌曲中最多的还是关于达斡尔族人民对于其所信奉的神的歌颂。例如达斡尔族人民多信奉的祖先神是“芟昆”和“哈拉”。当达斡尔族人民遭受疾病困扰与自然灾害时，往往会向他们祈求帮助。但是，随着人们抗击自然灾害与医疗水平的提高，达斡尔族中信奉萨满教的人越来越少。但是，在新中国成立以前，达斡尔族人民中大多数甚至全部都是信奉萨满教的。尤其是在原始社会时期，由于人们对于雷电天气、或一些自然灾害没有一个正确的认识，往往会把这些现象归结为是由于自己的一些错误行为而引得神在发怒。每逢这个时候，达斡尔族全族人民，无论是在做什么，哪怕是生病卧床不起，都必须马上集合起来，共同祈求神能够原谅他们的错误行为，不再发怒，能够允许他们生存下去。到后来，人们为了能够与天上的神有更好的联系，而创造出“雅德根”这一角色。达斡尔族中的“雅德根”既能够帮助他们与天神对话，又能帮助他们与地狱神联系。
每次达斡尔族人民要与天神或地狱神联系时，如祈求地狱神能够让家中重病的人再活一段时间，就会需要“雅德根”唱着“雅德根”之歌，传达自己想要和天神或地狱神所说的话。而由“雅德根”唱的歌如果无法清楚的传达心愿，就会被达斡尔族人民排斥。因此“雅德根”为了能够满足达斡尔族人民能够让神清楚的听到自己的心愿并能够有所回应的要求，创造了两种不同的唱“雅德根”之歌的歌调。因此后来，通过“雅德根”唱歌与神取得联系的就需要有两个步骤。第一个步骤，是表达达斡尔族人民与神进行联系的目的，即祈求神能够完成自己的某个心愿。“雅德根”在唱这个部分时所用的歌调是虔诚的，节奏十分缓慢，这是为了能够让神清楚的听到自己的心愿、感受到自己对神的虔诚之心。第二个步骤，就是神对于达斡尔族人民所许下的心愿的回应。“雅德根”在唱这个部分时所用的歌调时高昂的，因为“雅德根”这个时候是代表神在讲话，而歌唱节奏忽快忽慢，显得十分的神秘。
但是，随着科技的进步，达斡尔族人民知识水平的提高，已经认识到神是不存在的这个事实，不再需要“雅德根”唱歌来与神进行联系。除非在达斡尔族重大的庆典节日，“雅德根”之歌已经不再被人们演唱。与他相同命运的是萨满歌曲也不在较高频率的出现在达斡尔族人民的生活中。
(2)山野之歌
山野之歌顾名思义即是在山上、田野上等高处或空旷处所演唱的歌曲。达斡尔族人民的山野之歌有两种类型，一种是经过打磨的有歌词类，另一种是即兴演唱的无歌词类。在这两种类型中，经过打磨的有歌词类的山野之歌，往往是押韵的，演唱方式多为抒情，传唱度比较高，有较高的艺术价值。即兴演唱的无歌词类的山野之歌却能表达演唱者当时的情感状态，感情真挚，虽然没有歌词，但是演唱者起伏的歌调却同样能够传达演唱者的演唱意图。在达斡尔族每年的山野之歌演唱大赛中，无歌词类的歌曲往往能够获得较好的名次。对于无歌词类的山野之歌，运用恰当的歌调来传达真实的情感是最为重要的。这就对于无歌词类的山野之歌的演唱者提出了两个要求：一是要有真实的情感，二是选用恰当的歌调。有真实的情感，也就是说对于那些矫揉造作、无病呻吟的虚假感情的排斥与反对。
就如同演员运用对话、肢体语言演戏，如果对话、肢体生硬，观众就会觉得很假。同样的无词之歌的演唱者如果没有真实的情感，在演唱时必然会出现歌调不自然，不同的歌调之间转换不顺畅等等一些不应该出现的状况，会让观众感受到演唱者虚假的情感，产生厌烦的心理。若想将无词之歌演唱得当，最关键的是有真情实感。只有感情真挚，才能有强大的感染力去打动观众的心。当然，真实的情感，绝对不是当要表达愤怒时就大吼一声，当要表达伤心是就泪水纷飞。毕竟有这么一句话，“艺术来源于生活，又高于生活”。演唱无词之歌时，需要取材于生活，但是不能完全像生活中一样，必须有一定的歌调转化技巧。例如，当要表达愤怒时，被信任的人欺骗的愤怒与被陌生人算计的愤怒，两者之间，必然前者的程度更加的深。前者的愤怒与后者相比多出来的是一定程度上的伤心。因此在演唱的时候必须选用恰当的歌调，才能将这种复杂的情感真实地表现出来。
(3)叙事歌
叙事歌的演唱者相对于前两种歌有一定的年龄范围，大概都是较为年长的男性。每当演唱者演唱叙事歌时，周围会有很多不同年龄阶段的人，倾听他的演唱。而演唱者并不是需要向某些人去学习演唱叙事歌的技巧。但是一般来说，演唱叙事歌的人都应该有着丰富的知识，能够进行自主的创造叙事歌，而不是依赖他人。这是因为人们对于叙事歌有着一定的要求，为了能够听起来更为舒适，歌词往往要求必须能够押韵;对于曲调也有一定的要求，演唱者往往和必须在单一的曲调的基础上，进行创造性的编制;对于演唱的内容要求能够十分广泛，能够将达斡尔族历史上的英雄事迹进行清晰地叙述，绘声绘色的演唱语言故事，甚至能够对经典名著中的情节进行演唱。这些要求对于叙事歌的演唱者就必须有较高的文学素养、音乐水平和叙事能力。一个优秀的演唱者必须经过事件的沉淀、人们的打磨，因此演唱者往往比较年长。
达斡尔族的民歌内容有着丰富的题材，基本上包括了达斡尔族人民生活的各个方面，如一切生产生活、英雄传说、恋爱故事、家庭生活等等。达斡尔族的民歌就是达斡尔族人民用自己的生活经历所描绘出的一幅漫长的画卷，反映该民族在历史中的任何一个发展阶段。在新中国成立之前，人民曾经饱受来自外敌的侵略、阶级的压迫，却无力反抗，只能创作出诸如《大葱的辣》这类反映内心中对于当前状况的不满的歌曲;后来当出现一个人能够带领达斡尔整个民族去进行反抗时，他们内心的激荡又是无法用语言具体的表达出来的，同样创作了一曲《小郎与岱夫》，来赞扬英雄的大无畏精神，表达人们对英雄的无限敬仰之情;达斡尔族的人民始终依靠大自然的眷顾生存，因此他们对于大自然有着十分热烈的情感，在春天时，看着充满生机与活力的大自然，置身于大自然中，会让达斡尔族的人民从心底感受到轻松和喜悦，创作了诸如《春天的歌》这类赞美自然的歌曲;当然，达斡尔族民歌中必然也少不了关于爱情的歌曲，如《想情人》表现出了对于情人的想念，表现出了其中缠绵的情感。
每一种民歌都有自己独特的演唱风格。例如陕北民歌――信天游，就以高亢的演唱风格而被人们熟知;云南民歌中由少数民族演唱的，以余韵绵长而被人们熟知;闽南地区的民歌小调，多用方言演唱，以婉转多情的而被人们熟知。但是，若想让人们说出达斡尔民歌的演唱风格特点，恐怕没有人能够具体的说出达斡尔民歌的某一种特点。这是因为达斡尔民歌的演唱风格是复杂多样的。而这是源于它有多种民歌种类，在每个民歌种类中，还又包含着很多种不的题材。种类的多样性、与题材的多样化，让达斡尔民歌的演唱风格是必须与之相符。这就使得达斡尔民歌的演唱风格是十分复杂的，既有粗犷的嘶吼，又有相思的婉转小调，还有神秘莫测的祈神之歌等等近十种。而这种复杂的演唱风格，一方面可以表明达斡尔族人民的音乐文化的高超，另一方面又可以展现出达斡尔民族人民的音乐智慧。
音乐是没有国界、没有民族、没有地区之分的。无论是哪一个民族的音乐，都是由她的民族文化经过时间的考验，沉淀而成的精华。达斡尔族的民歌不仅能够让达斡尔本民族的人民得到精神上的鼓励，还能让我们的到美的享受。因此，我们要进我们最大的努力将达斡尔族民歌传承下来、传播开去，让更多的人能够了解达斡尔族民歌，让更多的人能够感受到她的无尽魅力。
注：本文系齐齐哈大学哲学社会科学理论研究专项项目，项目编号：2012zsy0010。
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民族歌剧《运河谣》以中国古代劳动人民所创造的京杭大运河为背景，讲述了一段感人的爱情故事。以下是读文网小编为大家精心准备的：歌剧《运河谣》的音乐特点分析相关论文，内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：歌剧《运河谣》以有两千五百多年历史的京杭大运河为故事背景，通过对社会底层人物的生活境遇、情感经历等描写，反映历史、观照现实。这部作品将交响乐团与合唱团巧妙结合，通过独唱、重唱、合唱等多元艺术形式表达出来，并吸纳融汇了西洋歌剧、民间歌曲、戏曲等元素，通过具有汉语四声和民族唱法的特点来演绎故事情节，使作品更加通俗易懂、真实生动。
《运河谣》由我国著名作曲家印青作曲，黄维尼、董妮编剧，廖向红导演，雷佳、王宏伟、王?础⑼趵龃铩⑼趵虻裙?内最具实力的歌唱家主演。全剧分为六场，剧情内容丰富、层次分明、环环相扣，作品以京杭大运河为背景贯穿始终，故事发生在明朝万历年间，以书生秦啸生、流浪艺人水红莲的爱情为主线，以被抛弃的盲女关砚砚和恶霸船主张水鹞为矛盾冲突点加以推动，展开一系列错综复杂的悲壮、凄美的爱情故事。通过对运河人生活、爱情的描写，反映出人们在艰难的环境中的生存状况。通过男女主人公的相互帮助，让观众相信：只要心存善良、对人真诚，就能给世界带来光明。歌颂了善良的劳动人民和纯真的爱情，揭露了压迫阶级的丑恶面目。本文从以下几个方面来分析它的音乐特点：
《运河谣》的序曲音乐以优美抒情的弦乐开始，好似波光粼粼的大运河静静流淌，单簧管奏响仿佛平静的水面上荡起了涟漪，接下来出现弦乐的跳弓，使音乐色彩紧张化，为后面的故事情节做了铺垫，这时音乐主题曲《我们是运河的流水》响起，把观众的目光吸引到这条美丽繁荣的运河上。编剧将大运河拟人化，以青衣歌女的形象展现出来，仿佛在运河岸边一字排开，唱着主题歌“我们是运河的流水，流过一年又一年，见过沧海、见过桑田、见过离合悲欢;我们是运河的流水，流过一年又一年，见过生死、见过善恶、见过义薄云天……”
第一场，带有强烈戏剧性的龙船歌舞开场，采用了杭州采茶调的音乐元素，映衬出古代京杭大运河边的繁荣景象，表现了江浙一带的风情。剧中典型的民间音乐旋律配合打击乐响起，好一片热闹欢腾。弦乐紧张的节奏、低音贝斯的烘托，音乐色彩即刻发生变化，引出下面的故事情节。
第二场，青衣歌女列队站在了运河边，又唱响了“我们是运河的流水……”这个主题，并将第一场及接下来要发生的故事情节唱出，使观众容易理解，起到了承上启下的作用。音色清脆优美的竖琴贯穿女主人公水红莲的唱段始终，音乐极具江南色彩，悠扬婉转，让观众们感受到了运河水的绵绵流长，同时这样细腻的音乐也为男女主人公的爱情故事埋下了伏笔。弦乐的跳弓与管乐的断奏，使音乐色彩变得轻快明朗，突出水红莲俏皮开朗、爽利大方的性格特点。
第三场，竖琴出现，音色模仿民族乐器琵琶，更加符合民族歌剧的音乐特色。开场水红莲的一段咏叹调，唱出她的有苦难言。接下来是秦啸生的咏叹调，表达他内心的情感纠结，心急如火。仿佛琵琶的轮指引出关砚砚的演唱，并且在背景音乐中出现了竖琴的低音声部，空灵凄凉、恰好与关砚砚的凄惨遭遇遥相呼应。到了第三场的尾声，合唱歌声和交响乐队紧随戏剧情节而起落变化，使观众在欣赏故事的同时又能充分感受歌剧的音乐魅力，当合唱队唱出“哪里流的是运河水，分明流的是血和汗”将本场情感推到高点。
第四场，竖琴拨出优美的音符如运河的流水缓缓流淌，青衣歌女从始至终贯穿着整场歌剧，起到旁白的作用，交响乐队共同奏响主题歌“我们是运河的流水，流过一年又一年”，这一场是整部歌剧的经典，出现了很多华彩的唱段，充分的展现了三个人在这场感情中的痛苦纠缠、情义两难全。
第五场，以打击乐开场，给人以紧张的气氛，为接下来的故事情节制造了悬念。当官兵从大路赶来时，剧中背景音乐出现了打击乐马林巴，音乐色彩很是诙谐有趣，从而可以感受到古时官场上的懒散污浊之气，可见曲作者印青的细腻之处。红莲为救秦啸生，甘愿牺牲自己，她把最纯真的爱留给了秦啸生，把同情留给了关砚砚，她的爱情是超越了小儿女之爱的人间大爱，使得秦啸生和关砚砚找到了漂泊者心灵的家园。红莲的一首《来生来世把你爱》将整个歌剧推向高潮，故事情节的戏剧性与音乐的张力交织，震撼全场。
第六场，秦啸生和关砚砚来到北京，决定告发贪官。北京城一片繁荣景象，百姓安居乐业，男女声合唱《大豆白米花生》朴实无华，京味十足，运用了京韵大鼓的音乐元素，与之前江南风格的音乐形成鲜明对比。尾声的时候红莲演唱的咏叹调《运河谣》再次响起：“一条运河千里长，运河两岸是故乡”表达对红莲的思念之情，虽然她走了，但是她的歌和情还在。全体大合唱主题曲“我们是运河的流水，流过一年又一年”首尾呼应，使整首歌剧完整贯通。
(一)合唱的运用
合唱团在歌剧中的作用主要表现在：营造环境氛围;表达情感，描绘人物，参与戏剧性的冲突，甚至可以直接揭示歌剧的主题。不仅从正面积极推动情节发展，还协助其他歌剧形式从侧面推动剧情的发展。以群体的力量渲染气氛达到高潮效应是其他艺术形式不能比拟的。
歌剧《运河谣》中成功的运用了女声合唱、男声合唱、混声合唱等艺术表现形式。在序曲刚开始，随着音乐的推进，舞台灯光稍稍亮起，荧幕缓缓拉开，青衣歌女合唱《我们是运河的流水》，用饱满圆润的音色，展现了运河的波光粼粼、风平浪静，
到了第二场的时候，曲作者运用了劳动号子的元素，创作了一段纤夫合唱，歌词的填写更是恰到好处：“嘿呦嗬 嘿 嘿呦嗬 脸朝石板背朝天，一步一爬汗涟涟”其中运用了男声合唱与“一领众和”交融的形式，合唱音色暗淡、低沉消极，表现纤夫的辛苦劳累以及无奈麻木，充分反映了社会的阶级性，感受到这些备受压迫而无法反抗的贫苦大众的痛苦和无奈。在第三场中，张水鹞想让秦啸生命丧黄泉这段情景中，青衣歌女与纤夫合唱，形成男女混声合唱，将水火无情，命悬一线的紧张气氛烘托到了极点。
第六场中混声大合唱《大豆白米花生》带有浓浓的京味，还富有京韵大鼓和大碗茶的韵味。最后以热闹祥和的场景收场，也映射出一个道理，在面对黑暗，面对恶势力的时候不要退缩，要永远坚信人间正道是沧桑! (二)重唱的运用
重唱在歌剧中是不可或缺的艺术形式之一，在歌剧世界历史中，是古典主义时期作曲家莫扎特将其作为戏剧表现的重要手段，成为领军人物。重唱在歌剧中不仅体现宣叙调和咏叹调抒发情感、推动剧情的作用，而且不同音色、不同声部对应着和声技巧，产生戏剧性和立体化的效果。
男女声二重唱可以自由的编排于各种不同关系的男人和女人之间，根据剧情的需要，可以表现出各种不同人物关系之间激烈的矛盾冲突和复杂的内心情感。
这部歌剧运用了很多重唱的形式，有男女声二重唱、三重唱、四重唱。第二场中水红莲和秦啸生的混声二重唱，其中还运用了齐唱和轮唱元素，表现了两人情投意合。爱情二重唱是最重要的重唱形式。它永远是歌剧作曲家刻意展示的重要段落，在任何一部歌剧中都不能没有缠绵感人的爱情二重唱，它们缠绵悱恻，低?h婉转，打动了无数观众的心。男女主人公深情的二重唱是歌剧中表现坚贞美好爱情的最好方式。第三场和第五场中主要运用了三重唱，展现三个人的情感纠葛，歌词“我是一叶浮萍啊，我是一片落英”引领这个唱段，其中还运用了轮唱的手法，同样的唱词，不同的曲调和节奏，分别表现三个人不同的心境。曲作者这样的安排使故事内容、人物性格更淋漓尽致的表现出来，感情色彩更加饱满。
第四场中运用了女声二重唱的形式，表达了两位女主人公的细心、善良。在张水鹞发现秦啸生不是李小管的时候，出现了混声四重唱，更加充分表现了张水鹞的阴险毒辣、秦啸生的走投无路，为最后红莲的舍己救人做了铺垫。曲作者在创作重唱的过程中既运用了汉语四声的民族唱法又结合了西方的宣叙调的手法，既不脱离大众审美，又充分的展示了中国民族原创歌剧的魅力。
(一)民族唱法的参演方式
中国民族歌剧要求具有鲜明的民族特色，国家大剧院原创歌剧《西施》《山村女教师》《赵氏孤儿》等都是非常出色的民族歌剧，但是《运河谣》无论从选题、编排、作曲、演员等方面都是最为出色的，可称是国家大剧院原创歌剧的经典之作。《运河谣》与其他歌剧最为明显的不同是，整场歌剧演出突出运用民族唱法去演绎。
女A角水红莲的饰演者雷佳;男A角秦啸生的饰演者王宏伟，都是我国民族唱法的歌唱家。歌剧的演唱从古至今都是用美声方法在演唱：美声唱法音色浑厚、圆润饱满，要求头、口、胸、腹腔都有共鸣，所以声音传递的很远。但是用于民族唱法去演绎歌剧则有所不同，民族唱法音色甜美、委婉清亮，要求头、口、胸腔的共鸣，较美声唱法的共鸣稍小，所以声音的传递会有局限性。在交响乐为背景的烘托下，往往会压过演唱者的音量，导致演员听不见自己的声音，结果更加用力演唱，从而导致声音疲劳很难完成演出。所以说这对于演唱者的要求很高，对于这两位歌唱家来说这也是一个相当大的挑战，歌剧上演后得到广大观众的好评，是这些青年歌唱家表明，不是只有美声唱法才能出演歌剧，民族唱法一样可以，而且更具民族特色、更符合民族审美特征。
(二)交响音乐的民族化处理
作曲家在写作时常用的手法是运用一些故事发生地(苏杭、北京)民族民间的音调素材加以展开，这样就使得作品所表现的戏剧形象更具有民族性。由于作品表现的是一条从杭州开往北京的行船上的故事，作曲家在《运河谣》中不仅加入了江南风格的音乐元素，还加入了京韵大鼓的音乐特征，在创作手法上主要运用歌谣体连缀，并根据汉语四声结合民族唱法，把唱词运用的恰到好处。曲式上没有照搬西洋歌剧的样式，也没有拘泥于起承转合等中国民歌的作曲技巧，而是做了许多突破和创新。
交响音乐这种艺术来源于西方。它的音乐思维、结构，尤其是它的旋律感觉，与中国的民族音乐有着很大的区别，所以中国人对交响音乐多抱“听不懂”的态度。为了使交响音乐能够走进广大群众的文化生活。《运河谣》的创作者在交响音乐民族化与西洋歌剧形式民族化的道路上迈出了探索的步伐。
作者在这部歌剧的音乐思维上没有过分强调西洋音乐的纵向和声思维，因为中国大众对音乐的审美习惯是横向的旋律思维。这恰恰是中国的民族音乐的特点，所以作曲家努力借鉴民族音乐的创作手法，将交响乐的和声巧妙的旋律化，这样才会更加符合中国观众的审美习惯。
《运河谣》这部歌剧的成功不仅仅体现在音乐创作和舞美设计上，更重要的是优秀的演员与交响乐团的配合。故事以明代大运河的百姓生活为内容，以牺牲自我成就他人的精神征服观众。曲作者在2010年就开始构思这部作品，历经十余次修改，可见对这部作品的重视。与近十多年来的中国民族歌剧相比，《运河谣》的戏剧性更突出，音乐创作、舞台表演的整体水平都很高，《运河谣》不仅是中国民族歌剧与中国传统文化的结合，它还通过民族人物、民族旋律展现了中华民族的舍己为人，为爱牺牲的精神，弘扬以人性大爱为美，深切感受中华民族的真善美。由此可见，我国在民族歌剧创作方面已经找到了适合自己道路，我们必将勇往直行，让我国民族歌剧的发展前景更加辉煌灿烂。
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普契尼是19世纪末至20世纪初意大利真实主义歌剧作家的杰出代表,他的歌剧在继承意大利传统歌剧重视人声与音乐优美流畅性的同时,也具有很多自身的特点。以下是读文网小编为大家精心准备的：普契尼歌剧的创作风格及音乐特点探究相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：吉亚卡摩·普契尼是十九世纪最杰出、最著名的意大利歌剧作曲家，真实主义歌剧流派的代表人物之一，他的歌剧在继承意大利传统歌剧重视人声与音乐优美流畅性的同时，也具有很多自身的特征。本文将简要分析普契尼歌剧的音乐特点，从而加深我们对普契尼的歌剧艺术有一个更加全面而深刻的欣赏与理解。
关键词：普契尼 歌剧 音乐特点 创作风格
19世纪50年代，意大利作曲家吉亚卡摩?普契尼成为了引领意大利歌剧继续前进的力量。意大利后期歌剧作曲家中数一数二的人物便是普契尼，在其受到威尔第歌剧的影响后，普契尼一生的歌剧创作，在歌剧人物塑造、音乐配器上、歌曲的处理和情感技巧方面都展示出了他独特的见地和才能，尤其是其代表作《蝴蝶夫人》、《艺术家的生涯》、《托斯卡》、《图兰朵》等使他在歌剧发展史上有着不可磨灭的地位。乃至今日，普契尼的著名的代表作被世人传唱，其他作品也受到大众的热爱。
普契尼的歌剧之所以如此成功，不仅因为他继承了意大利歌剧的现实主义传统，他创作的独特风格也是最重要的原因之一。在普契尼创作歌剧的风格上看来，笔者认为：第一，真实主义色彩特点浓厚;第二，独具特色的异国情调。
(一)真实主义色彩特点浓厚
真实主义是在真实主义文学的影响下，于19世纪晚期在意大利产生的一种形式。其歌剧描写的主要围绕社会底层小人物的贫苦生活揭露社会的阴暗面为主，它反映现实社会、贴近现实生活，真实地表达社会生活，以现实生活中的真实故事为主打路线。下面笔者便从普契尼的《托斯卡》这部歌剧来分析其特点。
《托斯卡》是根据法国剧作家萨尔杜的同名戏剧改编创作而成的一部三幕歌剧，歌剧讲述了1800年发生在罗马的一个动人的爱情悲剧故事。剧中紧凑而扣人心弦的情节以及生动真实的女主人公形象都揭示了这部歌剧的真实主义特色。不难看出，《托斯卡》中热情的主题，剧中的矛盾冲突，包括出现的很多激烈性的场景，真实地表现了人作为生物体中应有的七情六欲。在歌剧中的步步惊心，情节紧张到最后的人物反击，都变相的烘托给人以强烈的情感冲击。这些场面以其激情和动人心魄的强烈戏剧效果使剧更接近真实主义者们的歌剧作品。
(二)异国情调色彩氛围较强
普契尼新奇的音乐造就了一种异国情调的特点。他挑选出7首日本歌曲作为剧中段落的基础，具有民间气息旋律的一些小曲调，如《蝴蝶夫人》以及《图兰朵》都是体现其异国情调，具有独特的异域风格。普契尼的高明之处还在于把中国音乐元素融合在整个音乐思维中，不仅仅只是简单地拼合，这样的歌曲不仅中国东方韵味浓厚，还不失意大利的传统。
《蝴蝶夫人》是普契尼的第一部具有异国情调的歌剧作品，也是一部伟大的抒情悲剧。歌曲呈示部由方整的二段式构成，调性为降G大调，其中还以咏叹调和宣叙调交替的旋律形态，刻画了蝴蝶夫人内心深处对幸福的向往和盼望丈夫的那种迫切有矛盾的心情，并且在剧情配乐中更是使用了原汁原味的日本音乐，采用了其特有的民间气息旋律，客观上进一步烘托了剧中的异国情调。
歌剧《图兰朵》作为普契尼最后一部也是未完成的一部歌剧，它的异国情调特点也是发挥到了极致。主人公图兰朵则是一位骄横的中国公主，普契尼为了体现《图兰朵》的异国情调，以中国茉莉花的音调作为图兰朵公主内心世界主导动机贯穿全剧，取得很好的艺术效果。像《图兰朵》这样的歌剧充满了浓郁的中国氛围，那么异国情调特点也就非常明显了。
普契尼的歌剧创作多以抒情风格为主，歌剧中的一切都是为了着力于主人公复杂心理的刻画，包括灯光、印象、舞台、声音等等，并且他十分重视发挥歌唱家的自身优势和特点，尽可能地使歌唱旋律流畅优美。所以，不难理解，普契尼注重音乐与戏剧的结合，尤其擅长对那些温柔妩媚，一往情深，凄楚的女性人物的心理形象进行塑造，像托斯卡的咏叹调《为艺术为爱情》、《图兰朵》中卡拉弗的咏叹调《晴朗的一天》以及《今夜无人入睡》都很好地呈现了。
(一)不同的音乐表现：“音乐的抒情美感”与“独特的咏叙风格”
普契尼本人力争做到的是可以创作出优美抒情的旋律和动人的歌剧，让人们都了解和传颂，他希望的可以看出事实上他的确做到了，他创作出来的很多音乐旋律易于上口、很好表现情绪，他歌剧中的很多唱段至今都为音乐爱好者喜爱、经久不衰。比如，咏叹调《人们叫我咪咪》、《多么冰凉的小手》、《蝴蝶夫人》、《托斯卡》、《今夜无人入睡》。
综上所述，普契尼继承了意大利歌剧的现实主义传统和人道主义精神，他的创作实践对20世纪的歌剧发展有巨大影响。所以普契尼的歌曲之所以到现在还在世界各地广为流传，不仅仅是因为歌曲优美，旋律动人，更多的是它想要通过歌曲表达的情感内涵以及反映当时社会下，人们的生活现状才是最能打动人心的，所以普契尼歌剧艺术特点的研究，让人们可以更好地学习他音乐中的精华，感受他音乐中的美，让我们可以发掘更多有意义的深层次并且有价值的东西，在学习普契尼音乐的道路上可以更加顺利圆满。
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阿甘正传》是一部讽喻美国社会的有影响力的作品。这部电影通过塑造了弗雷斯·甘这个智障者的人生,以此表达各种多元化的主题。本文试着从《阿甘正传》这部电影的音乐入手,对这部电影里的音乐叙事手法进行探究。《阿甘正传》这部电影引入了大量的配乐,而这些配乐都和阿甘的人生密切联系在一起,成为整部电影叙事不可分割的元素。以下是读文网小编为大家精心准备的：论电影《阿甘正传》的音乐叙事艺术相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
论电影《阿甘正传》的音乐叙事艺术全文如下：
摘要影片《阿甘正传》是美国“反智电影”最杰出的代表之一。本文从电影《阿甘正传》的音乐入手，将整部影片分为阿甘的成长、越南战争、英雄归来等几个阶段，分别阐述了影片中匠心独运的音乐叙事艺术，旨在帮助我们更好地理解音乐在这部电影中的作用和意义。
关键词：《阿甘正传》 音乐 叙事艺术
电影是一门集中了摄影、美术、音乐、表演等多种艺术形式的综合艺术。音乐作为电影的重要组成部分，对于电影人物的塑造、特定氛围的烘托以及故事情节的推动都有着重要的作用。电影《阿甘正传》不仅凭着史诗般庞大的叙事结构和励志的故事情节打动了亿万观众，更以其成功的电影叙事艺术抵达上了电影音乐的高峰。
电影《阿甘正传》改编自美国著名畅销书作家温斯顿?格罗姆的同名小说。影片以第二次世界大战后的美国为故事背景，讲述了一个智商只有75的智障患者阿甘，凭着自己的诚实、善良、坚韧和宽容，不断的成长，最终成为一名英雄的传奇经历。“生命就像一盒子装满了各种各样味道的巧克力糖，你永远不指导下一个将会拿到那个”，电影的开头，阿甘引述妈妈经常对他说的一句话，成为整个故事的总纲，预示阿甘一生的传奇经历，就像吃了各种各样味道的巧克力糖。通过阿甘的故事，史诗般的重现了二战后美国社会许多重大的政治事件，真实的再现了美国民众日常生活的方方面面，并对20世纪90年代美国社会高涨的反智情绪进行了回击和反讽，呼吁对人与人之间的互相平等和尊重，回归自然和人的本真。这部电影让很多美国人开始冷静下来重新审视国家发展的历史，反省自己的内心，引起了巨大的反响。
20世纪是美国流行音乐和摇滚乐的辉煌时期，涌现了一大批极具天赋的伟大歌手和音乐家，创作了很多脍炙人口、影响深远的音乐作品，这些歌手及其作品不仅是特定历史时期美国大众文化的代表，更是一段段美国历史的经典记忆。《阿甘正传》整部电影中共出现了31首歌曲，贯穿了整部电影始终，成为推动故事情节发展、营造特定故事氛围、塑造人物形象以及达到讽刺和幽默效果的重要工具。在这些音乐中，有的属由美国著名作曲家、被称为“重击老大”的亚伦?史维斯查亲自捉刀;有的则根据人物塑造或剧情发展选取美国著名的流行音乐或摇滚乐名曲;有的音乐是来自电影人物的直接演绎;有的则作为电影的音乐背景出现。这些音乐通过多种叙事艺术巧妙的融合在电影中，达到了音乐和电影的完美结合。
亚伦?史维斯查以交响乐和重金击打乐创作为主，但在这个阶段配乐中亚伦?史维斯查改变自己主要的创作风格，而是选择了相对非常简单、明快、单纯的曲风，这和电影主人公阿甘的性格和品质，整部电影故事发展的动向都是一致的，很自然的引出了故事的主题，也为电影故事的后续发展做好了铺垫。
电影的开头，随着一片羽毛在小镇的上空随风飞舞，时而下沉，时而旋转，飘飘荡荡，象征着人生的起伏和不定。音乐声响起，钢琴的切分与小提琴的高音融合在一起，仿佛为起伏不定羽毛轻盈的舞蹈而伴奏。曲子中钢琴的主旋律清晰、简单、纯净，如同羽毛一般圣洁无暇，象征着主人公阿甘单纯、善良的品质;这时，一阵风吹过，羽毛迎风飞舞，音乐也达到一个新的高潮，小提琴的弦乐转为主旋律，柔和中带着坚韧和不屈，简单中饱含热情和希望，也象征着主人公阿甘面对生命中接连不断的困难和挑战，永葆乐观，永怀希望;最后，羽毛飘到了阿甘的脚边，并被阿甘捡起夹到书中，音乐也重新转为钢琴轻快的旋律，并在柔和的音调中结束。这段背景音乐就是由亚伦?史维斯查亲自创作的，也是整部电影配乐中最为经典的配乐片断之一。
一个青年住在了阿甘家中，学带着脚撑的阿甘学自创的舞步，并吉他弹唱了电影中的第一首摇滚乐《猎狗》。后来，这个年轻人将阿甘创造的舞步运用到自己的演唱中，在当时的美国引起了极大的轰动，这个年轻人就是摇滚歌王“猫王”。影片中阿甘教猫王的舞步就是猫王的经典“扭胯”舞步。《猎狗》是猫王的代表作品，在当时的美国风靡一时，也广受非议，遭到很多抵制摇滚乐的人的反对。这首曲子节奏感很强，与轻快的吉他弹唱和脚撑发出的金属撞击声融合在一起，使整个曲子显得活波、有趣，增加了电影画面的幽默感。这段音乐是直接作为电影人物的演唱出现的，虽然歌词及音乐与电影发展并没有直接的联系，但是，这段经历可以说是主人公阿甘人生中的第一次传奇经历。导演巧妙地将猫王“扭胯”的来源和电影情节融合在一起，而且毫无违和感，不得不让人在一笑之余为电影创作之妙拍案叫绝。
学生向阿甘扔石头的时候，珍妮就对阿甘大声喊“跑，阿甘!快跑!”，在珍妮带给他的强大动力下，阿甘不停的奔跑，并因此甩掉了脚撑。阿甘跑的时候，背景音乐是杜安?艾迪的《反叛唤醒者》，这首曲子节奏鲜明，鼓点有力的敲击和吉他的旋律混合在一起，让人充满无尽的力量，再加上音乐节奏的回旋，带给人无惧无畏的反抗冲动。同时，曲子的旋律中又带着几分憨厚滑稽，这和电影主人公阿甘的性格非常吻合，象征着珍妮唤起了阿甘潜意识中的反抗意识，使阿甘实现了人生中的一次重要成长历程。
阿甘对珍妮萌生了单纯的爱慕之情，但他不知道怎么向心上人表达这种朦胧的情感，他能做的就是等在珍妮的宿舍门口。这时响起的背景音乐是Clarece Hery的《我不知道为什么，但我去做》，这首曲子采用钢琴伴奏，音调缓慢悠长，旋律优美，节奏轻缓，回环的音乐在黑夜中的雨声中回荡，就像情窦初开的少男少女心中那难以抑制的爱情冲动，准确的表现出阿甘当时的心情，很好的烘托了电影画面中的情感氛围。
阿甘和他的新朋友抵达越南战争前线，看到的并非战火纷飞，而是大兵们都在吃烧烤喝啤酒。这时，在直升机的轰鸣声中，响起了刚劲的电吉他伴奏下的清水合唱团的反战歌曲《幸运的儿子》。战争前线唱反战歌曲，本身就是极大的讽刺，导演在这里安排这首曲子的用意十分明显。这首歌曲就是专门为反战而创作，鲜明地表达了人们对战争的不满情绪。这首曲子的歌词中写到：“当乐队响起了《向总统致敬》，他们却把所有的大炮对准了你，天啊，那不是我，我不是参议员的儿子，我真是不幸的人。”这首曲子的一改之前配乐的风格，曲子整体都弥漫着一种伤感的氛围，管弦乐的声音沙哑低沉，伴奏的吉他和弦如泣如诉，清水合唱团更是用撕裂般的声音唱出了心底歇斯底里的抗争和投诉，直接而有力的表达了人们的对战争的强烈不满，也为电影后续广场集会的情节埋下了伏笔。
阿甘所在的部队排队走在越南的田野中，一望无际的田野尽头是云雾缭绕的山脉，电影画面展现出越南的独特风景。这时的音乐是吉米?亨德里克斯的《沿着?t望塔走》。这首歌曲的创作运用了《圣经》中《以塞亚书》的典故，意在向世人发出世界就要毁灭的信号。影片中美丽的自然画面和这首曲子结合在一起，形成了强烈的反差。这首曲子用在这里的出现主要有两方面的作用：一是讽刺美国发起的越南战争是会对世界带来的严重危害，如果美国政府不吸取教训的话，世界也将在战争中毁灭;二是预示着电影故事情节的发展方向，阿甘他们的部队将会受到毁灭性的打击，在这次战役中受到重创。
阿甘和几个战友正走在雨中的树林里，背景音乐响起了水牛春天乐队的成名曲《不论真假》，这首曲子的出现在这里主要是它的歌词和剧情发展的需要非常吻合。《不论真假》曲子的第一句歌词是“有什么事情就要发生了”，配乐诗音调低沉的鼓的敲击声，仿佛生命的警钟在不断的敲响。这时，雨突然停止，四面八方响起轰鸣的枪炮声，他们进入了敌人的埋伏圈。阿甘逃跑后又返回去找好朋友巴布，这时音乐采用了重金属的风格，强烈的鼓点敲击声和高昂的小号，仿佛在为勇敢的阿甘吹响号角，当阿甘将死去的巴布抱在怀中，曲中鼓点的敲击声戛然而止，小号和吉他的旋律也急转直下，渐渐趋于平和，最后归于舒缓。最后一句歌词是“我要回家”，表现了主人公阿甘面对好友的突然阵亡，内心所受到的极大触动。
战争结束以后，阿甘回到了美国并获得国会勋章，约翰逊总统亲自为他颁发奖章，并开玩笑的问他：能看看你的伤吗?阿甘突然脱掉裤子，让总统看自己屁股上的伤。颁奖现场的音乐背景是西蒙与加芬凯尔乐队的《罗宾逊夫人》，这首曲子热烈、欢快，表现了美国政府以越南战争的胜利为骄傲，而忽视了那些在战场伤受伤甚至失去性命的将士们。约翰逊总统是越南战争扩大升级的主要责任人，在美国人心中是一个谎话连篇的人，阿甘用屁股对着总统实在是对约翰逊政府极大的嘲讽。
阿甘去看珍妮的演出，珍妮演唱的是著名民谣歌手鲍勃?迪伦的反战歌曲《答案在风中飘荡》。电影之前的剧情中，珍妮和阿甘谈到理想是说过，她的梦想是“做像琼?贝兹一样的歌手，整个舞台只有我和吉他的声音”。 琼?贝兹是和鲍勃?迪伦齐名的民谣歌手，被称作“民谣女皇”，是当时美国无数青年男女心中的偶像，而且，琼?贝兹也曾翻唱过《答案在风中飘荡》。珍妮唱这首曲子，看似实现了自己的梦想，其实，她的生活仍在存在着很多的问题，家庭的畸形让她从小就开始一个人漂泊;长大后，不懂政治的珍妮又在别人的蛊惑下满怀激情的加入政治团体;在青春已逝，娱乐和放纵的生活已经走到尽头，她却感染了艾滋病毒。珍妮的的人生其实是当时美国社会一类青年的人生轨迹的缩影。
珍妮吸毒以后，独自站在阳台上，望着远处来来往往的车流，在毒品的作用下，她的精神略显恍惚，差点踏出人生的最后一步，顿时泪水夺眶而出。这时候，莱纳德?斯凯纳德乐队《自由鸟》的音乐声响起，曲子的开头是用吉他模仿出鸟叫的声音，这让我们不禁想起影片开始珍妮遭到父亲虐待后跪在农田里向上帝祈祷，希望自己能变成一只鸟，远离这个给她带来无尽伤痛的地方。曲子中“鸟”的意象正是珍妮梦想的象征，但是，珍妮的梦想显然没有真正的实现，留下了无尽的遗憾。《自由鸟》这首曲子选择了单纯的用钢琴来演绎。钢琴的声音柔美空灵，意蕴悠长，具有很强的画面感，配合着电影画面中从珍妮墓碑旁飞过的一群鸟，我们好像看到珍妮伴着这优美动人的音乐和那群鸟儿一起飞上了天空，获得了自己苦苦追寻的自由。
总之，电影《阿甘正传》中每一首曲子的选择都别具匠心，音乐叙事艺术的运用达到了巅峰。音乐叙事艺术升华了电影的意境和主题，简化了不必要的叙事结构，使得整部电影结构更加紧凑。通过对这部电影中音乐叙事艺术的研究，我们可以更加深刻理解这部经典电影的无限魅力，感受音乐与电影的完美结合给带给我们的美妙艺术感受。
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迪士尼动画影片,是一代人的回忆,而其中的人物造型风格,在过去的90余年中,更是将迪士尼文化传播向了全世界。迪士尼动画影片塑造的人物形象,在造型风格上,不仅有着时间的沉淀,更是一种文化交融和文化发扬的展示。迪士尼动画中人物的强烈空间感和美术风格的运用,在好莱坞电影中,散发出别样的魅力。以下是读文网小编今天为大家精心准备的：迪士尼爱情动漫电影的喜剧模式探讨相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：迪士尼爱情动漫电影大部分充满了喜剧色彩，男女主人公夸张的性格设定以及充满戏剧性冲突的剧情，让迪士尼爱情动漫电影吸引了大批的观众。本文研究了迪士尼爱情动漫电影的喜剧模式，从电影中身份的设定、性格的设定以及叙事手法三个方面分析电影喜剧表现手法，分析了电影中男女主人公身份悬殊、女强男内敛的性格以及叙事逻辑上的顺畅性等方面所产生的喜剧效果，迪士尼的动漫电影总是在欢闹中反映出深刻的社会矛盾，故事离奇但却让观众信服，对相关研究具有一定的参考价值。
迪士尼作为享誉全球的动画电影制作公司，创作了多部动漫电影作品，仔细对这些作品进行分析我们可以发现，迪士尼总是喜欢在欢笑吵闹中叙述整个故事，而正规的爱情动漫电影仅有12部，其他的均是喜剧式的爱情动漫电影。这也成了迪士尼动漫电影的一个标签，也是其爱情动漫电影大获成功的重要原因。本文分析了迪士尼爱情动漫电影中的喜剧模式，对研究相关的动漫电影具有一定的理论价值。
迪士尼爱情动漫电影往往剧情比较夸张，主人公的性格怪诞或者处事原则与平常人不同，电影中的情侣浪漫而且夸张，但是剧情并不复杂，往往与世俗的伦理有关，伴随着家庭的冲突，在主人公的嬉笑打闹中获得圆满的大结局，这种反差常常造成很大的喜剧效果，因此在美国乃至全世界都受到了广泛的欢迎。
一般来说，为获取这种喜剧效果，迪士尼爱情电影在身份的设定上，往往让两个主人公的身份并不对等，身份上有很大的落差，大多数时候地位甚至是天差地别的。这种身份上的差距让故事一开始就有了来自阶层之间的矛盾，由于生活在不同的阶层，主人公之间一开始往往会有价值观的冲突，是一对欢喜冤家。与世俗眼光相悖的爱情，让故事显得疯癫叛逆，但正是这种不符合世俗眼光的情节让整个故事充满了笑料和欢闹。这种模式的故事往往集中了处于不同阶级的人物之间的矛盾，将幽默和爱情融入生活中的反常现象，整个故事离奇甚至有可能荒诞，但是却又都在合理的尺度之内。
在迪士尼的爱情动漫电影中，富有的人往往并不像观众想象的那样过得快乐，他们精神上往往比较贫乏，让观众明白金钱并不等于快乐，有钱人同样有他们自己的烦恼和忧愁。在迪士尼的爱情动漫电影中喜欢在情感和精神方面弥补贫富差距，这种爱情模式往往会给普通观众带来心灵上的慰藉，缓和阶级之间的矛盾。因此，在很多迪士尼的动漫电影作品中，我们可以看到男女主角不处于同一个社会阶级，这种阶层之间的差距让他们的爱情有着一层天然的屏障，这种门不当户不对的爱情为男女主角之间的爱情制造了矛盾和冲突，这点在迪士尼很多动漫电影中都得到了体现，《阿拉丁》《花木兰》《公主与青蛙》《魔法奇缘》《美女与野兽》《风中奇缘》《冰雪奇缘》等电影中的男女主人公或者是所处的阶级不同，或者是所处的种族不同，这种天生的矛盾是迪士尼动漫电影的标配。
迪士尼爱情动漫电影经典《小姐与流浪汉》和《阿拉丁》中，女主角都处于上层社会，而男主角的身份则较为卑微，在经历重重艰难困苦后，男主人公抱得美人归，成就了爱情的佳话。在电影《美女与野兽》中，女主角对小镇上广受欢迎的年轻猎人的表白并不感冒，她爱上了外表丑陋但是有学识内涵的野兽，虽然这个野兽是被施了魔法的王子，迪士尼的不落俗套在于当女主角献出自己的真爱之吻后，王子的魔法并没有解除，但是她依然选择与野兽在一起。这种人兽之间的爱情本身不符合人类社会的伦理，但是男女主人公依然选择坚持，体现了迪士尼敢于打破常规的精神。在电影《风中奇缘》中，男女主角之间的结合是对西方社会种族主义的挑战，男女主人公是白人和印第安人，这种跨越肤色的爱情在传统的西方社会是会引起轩然大波的。
在电影《泰山》中，是现代社会的人与野人之间的爱情故事，这属于跨越种族的爱情，虽然野人可能勇敢善良，但是毕竟属于原始人，这是另一种身份上的差距，这种差距让故事充满冲突性。在电影《小美人鱼》中，这种身份上的差距甚至扩大到了食物链上的差距，处于食物链两端的两个主人公相爱了，在电影中人类是水族的天敌，是被鱼王所严厉禁止接触的族群，但是主人公小美人鱼却爱上了人类，这种种族上的矛盾是天然的、不可调和的，但是这种看似荒诞的角色设定，让故事充满了张力，而结局也是沿用了迪士尼喜剧电影一贯的手法，主人公跨越了种族之间的障碍，完美地结合在了一起。
迪士尼的爱情电影身份设定上喜欢门不当户不对，正是这种设定造成了故事矛盾的基础，这种不符合社会常规有时候甚至是离谱的设定，并没有让观众觉得反感，创作者总是能够巧妙地设定故事情节，表现主人公的勇敢、善良和机智，这些高尚的品格弥补了身份上的差距，因此，迪士尼的爱情动漫电影真正实现了平等，符合美国文化的兼容和开放的原则，受到广泛的欢迎。
迪士尼的爱情动漫电影的喜剧效果还体现在对主人公性格的设定上，主人公总是充满了神经质，但是这种神经质并不让观众感到反感，相反这种神经质总是充满了搞笑，与其他角色的一本正经形成强烈的对比和反差，而由于性别上天然的对立性，在迪士尼的爱情电影中女主人公的性格往往较为强势，敢于对男性进行反抗，这样的设定才能保持故事中矛盾和冲突之间的平衡感，使故事的设定不至于倾斜。因此，在迪士尼的爱情动漫电影中，女主人公的性格往往较为强势，性格与普通人不同，古灵精怪，她们往往出身高贵，但是却与上层社会的行事准则相违背，或者女主人公是叱咤风云的职场女性。在迪士尼的爱情动漫电影中，出身高贵的女主人公往往任性娇气，对于所处阶层有着强烈的不满并且勇于与所在阶级抗争，她们有些行为虽然看似较为怪诞和疯狂，但是正是这种与所处阶层不符的行为举止让角色充满了魅力。
迪士尼爱情电影的女主角大多数与世俗中的人不同，如敢于与鱼类国王所颁布的命令进行抗争的小美人鱼，与另一个种族人类的王子相爱，完全是一个现代女性的行为准则;《美女与野兽》的女主人公贝尔，喜欢读书，在小镇人的眼中显得格格不入;在《阿拉丁》中，公主的宠物是一只老虎，这让人大跌眼镜，并且公主的举止并不符合贵族规范的行为，敢于对父亲决定的婚姻说不，要自己主宰自己的命运，是一个独立自主的女性;《魔法奇缘》的公主刁蛮，敢于用一个平底锅与男性社会斗争。
迪士尼爱情动漫电影中的女主人公大多不是一个举止优雅的淑女，她们有着自己的想法，独立自主敢于与意识形态抗争，而电影中的男主人公虽然所处阶层较低，但是充满智慧和才华，不拘小节，性格内敛，在女主人公的强势下往往成为爱情的猎物。《小美人鱼》中的王子始终处于被动的位置，在小美人鱼的引诱和布局下成为爱情的猎物;《阿拉丁》中的阿拉丁看似聪明勇敢，但是还是比较自卑，需要在精灵的帮助下化身为王子;《花木兰》中的李翔在勇敢机智的花木兰的衬托下则显得十分笨拙，并且缺乏冲破世俗的勇气。迪士尼爱情喜剧电影中的另一个重要角色就是父亲，他们往往充满父爱但又有一颗童心，他们可能外表白发苍苍但是精力充沛，每天生活得都很快乐。《一夜风流》中的父亲对女儿娇生惯养，敢于鼓动女儿逃婚追求自己的幸福，并帮助女儿寻求到了真爱;《阿拉丁》中的老国王是童心未泯的老顽童，喜欢到处飞来飞去;《花木兰》一家的祖先吵吵闹闹，热闹非凡，一群老顽童的模样;《小美人鱼》中的父亲虽然有着严厉的规定，但是对女儿的行为则是持有放纵的态度，甚至为了让女儿寻求真爱，要让位给巫婆，后来在准女婿的帮助下才重得皇位。
总之，在迪士尼的爱情动漫电影中，女主角锋芒毕露，十分强势，在她们的衬托下男主人公则较为深沉内敛，在爱情方面较为迟缓，往往成为女主公的爱情猎物，而电影中往往有一位充当助攻的父亲或长者角色，他们慈爱但是又童心未泯，让故事在打打闹闹、充满搞笑甚至是荒诞的情节中推动男女主人公情感的发展，让迪士尼的爱情动漫电影充满喜剧的效果。
在叙事上，迪士尼爱情动漫电影大多数都逻辑顺畅，有着固定的叙事模式，电影中的男女主人公一开始总是因为生活的背景不同而吵吵闹闹，是一对欢喜冤家，双方在每日的吵闹中增进了互相理解并暗生情愫，最终结合在了一起。电影中男女主人公的相遇都发生在机缘巧合之下，而女主人公一般都是遇到了困难，在艰难的环境下男主角总是可以用自己的勇敢和智慧保护女主角，二人经历了重重危险和困难以后，跨越了层级之间的障碍，相爱并最终走在了一起，形成了圆满大结局。
迪士尼爱情动漫电影为了增强电影的戏剧性，通常在男女主角个性的塑造上都会采用比较夸张的手法，而在剧情设置上也比较离奇，男女主人公之间的误会或矛盾也比较戏剧性，一般来说在浪漫的外表下反映了尖锐的社会或者阶层之间的矛盾，大起大落的剧情、个性鲜明的男女主角，这就需要创作团队在男女主角爱情发展的铺设上十分自然，否则生硬的剧情转换会让观众觉得结局太过虚假。在20世纪30年代，美国社会开始重视乡村生活，审视乡村生活和城市生活之间的矛盾，批判城市的商业化行为，因此，当电影中男女主角克服了身份的差距，认识到真情远比地位和金钱重要时，符合观众的价值观和情感。迪士尼抓住了观众的这种心理，在解决男女主人公身份和地位的差异时，完全符合观众的逻辑。在电影《美女与野兽》中，野兽打退了豺狼，救了女主人公贝尔，但是野兽的无礼和强势又让贝尔难以接受，随着剧情的推进，野兽的优点逐步表露出来，二者之间的差距被爱情所填补，贝尔爱上了野兽，并通过真爱之吻让野兽变回了王子;
在电影《阿拉丁》中，公主因为抗拒宫廷的体制而偷跑出宫，因为其出于善良的本性去救助贫困者而触怒了卖食物的老板，幸亏得到了阿拉丁的相助才化险为夷。公主虽然生活优越，但是前来求婚的王子都人品平平，阿拉丁虽然处于底层，但是他勇敢、善良、喜欢拔刀相助，他敏捷地带着公主摆脱追兵，并且也有浪漫的一面，他带着公主观看美丽的夜景，最终俘获了公主的心，这是皇宫所不能带给公主的;在《花木兰》中，李翔教会花木兰武功，并帮助花木兰克服各种困难，在这个并肩作战的过程中，两人相爱了。
迪士尼的爱情动漫电影总是充满了喜剧的因素，结尾通常是大团圆，这就给动漫电影的叙事提出了很高的要求，女主人公虽然生活优越，但是精神上较为贫乏，金钱和爱情并不等同，和幸福之间也不能画上等号。在剧情设置上，两个身份地位悬殊的人可以冲破身份的障碍和世俗的目光，最终走到了一起。迪士尼的爱情动漫电影大受欢迎的重要原因是它为人们编织了一个梦想，让现实世界中难以实现的事情在电影中进行了演绎，并且在逻辑上十分顺畅，让观众相信这些故事是可以成真的，满足观众情感和心理上的需求。
迪士尼爱情动漫电影的一个重要的标签就是充满了喜剧性，满足观众对于打破阶层的限制的美好愿望。观众通过观看电影，可以实现一种心灵上的狂欢，迪士尼的爱情动漫电影给观众平淡的生活中带来一丝乐趣，顺畅的逻辑加上故事的奇思妙想，让观众可以融入电影中，感觉生活中处处充满了奇迹。迪士尼的爱情动漫电影采用夸张的手法让电影充满戏剧性，同时由于身份和性格上的差异，让故事的发展充满笑闹的情节，是对以往社会阶级观念的挑战，为观众搭建了一个新的世界，满足了观众对于生活和爱情的愿望，其追求情感至上的现代爱情观，代表了美国中产阶级的家庭爱情观，受到了人们的广泛欢迎，成为爱情动漫电影的经典。
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作为一部爱情歌舞电影,《如果爱》结合了舞蹈和音乐艺术,歌舞部分的呈现是本片最大亮点,不仅能对剧情起到较好的叙述效果,同时还能突出鲜明的人物特点、渲染整体故事气氛等。《如果爱》是陈可辛导演的一部歌舞片力作,片中对音乐的运用炉火纯青,随着同名原声大碟的上市,《如果爱》中的音乐乐曲进一步受到关注,以下是读文网小编为大家精心准备的：浅析电影《如果爱》的音乐特征相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：《如果爱》是中国首部现代的爱情歌舞电影，其音乐与舞蹈画面相结合，是本片的魅力所在，歌舞片段作为本片艺术的重要组成部分，有着不可忽视的重要地位，在剧情进行，人物刻画和气氛渲染等方面都有着十分重要的作用。本文将通过介绍导演及其创作背景，赏析其中音乐，解读音乐与舞蹈，对比以往的电影及音乐剧作品，探寻音乐电影的音乐特征。
电影诞生一百多年来，除了默片时代以外，可以说，很多的影片和音乐有着密切的联系，两者相辅相成、相得益彰。随着电影和音乐自身的发展，各自表现范围的扩大，功能张力的增强以及人们审美领域的不断拓展，诸多的原因造就了电影中音乐存在的必然性。但是以往电影当中的音乐总是作为辅料，配合着剧情的发展，而《如果爱》却是以音乐作为主要阐述方式，贯穿整个故事情节当中，使剧情内容表现得更加丰富，深入人心。
(一)导演陈可辛及创作背景
陈可辛，男，1962年出生于香港，中国著名电影导演、监制。他被誉为香港最具风格、文艺气息的导演之一，是迄今唯一包揽香港电影金像奖、台湾电影金马奖和中国电影金鸡奖最佳导演的电影人。《如果爱》是陈可辛进军内地的首部作品，但他表示他不善于拍动作片，所以选择了歌舞，因为它是包装影片的华丽外衣，也是全新的一种尝试。
(二)电影《如果爱》的时代背景
剧情基于九十年代的北京，居无定所的歌舞厅小妹孙纳，和穷困潦倒的大学生见东在破旧的面馆相识，然后开始了互相扶持鼓励的同居生活。然而，孙纳为了明星梦，离开了没有利用价值的见东。十年以后，导演聂文开拍一个叫《勿忘我》的歌舞片，力邀孙纳和林见东两大明星参演，十年前的一对怨偶再次相遇。恰巧，歌舞片里讲述的，也正是一个爱情与遗忘的故事。聂文、孙纳、林见东三人间的爱恨纠葛就此展开……
(一)影片中音乐的类型
此片当中运用了许多百老汇音乐剧表演元素。例如独唱、念白、合唱、重唱、等演唱方式及交际舞蹈、爵士舞蹈、新型舞蹈、以及马戏班舞蹈等舞蹈表现形式。作为一部歌舞电影，在影片中丰富多彩的歌舞片段给人带来的是一种全新的视听感受。
(二)影片中音乐的运用
1.歌唱音乐的运用
开场的第一首歌《人生蒙太奇》是由一人领唱“时间已经到了，场景已经搭了……”，紧接着男女声与童声的大合唱，配合着活跃欢愉的节奏，在雨中的街道上出现了一群人唱歌跳舞的场景。音乐随着场地的变化而转换调式，回到原调，节奏变快，人们又整齐地在一起欢快地唱歌跳舞，表达的是一种群人欢快的聚集在一起。
紧接着第二首《忘了我是谁》的演唱方式，是一种歌词含有叙事意义，如“你是谁，你是谁，忘了爱过我。心为你醉，心为你碎，为你执迷不悔。”与“你是谁，你是谁，那样看着我，在前世里还是梦里似曾相识的你”。男女主人公用问答的对唱方式来表现，歌曲不仅表达抒发人物情感，而且也担负起了叙述人物心理活动的作用。
第三首《美丽故事》，由一段打击乐开启，画面进入马戏团场地，由不同的女声和不同的面孔每两人说一句。这段音乐采用了一人唱多人和的演唱方式，在视听效果上推向了此片的第一个高潮。独唱、男女合唱和童声合唱之间的转换，又加入了美声哼唱和男声独白，伴奏中以弦乐、钢琴、单簧管、沉重的打击乐和轻盈的三角铁互相融合。在大合唱的最后，由男主角具有独白式的演唱结束“我曾经有一个爱情故事，我开始怀疑它是否真实”，跟往常独唱领出合唱结束的传统合唱编排完全不同。
最后一首《命运曲》的演唱方式是由两人以重唱的形式来诠释，前奏基调深沉，定音鼓重重地打击，弦乐齐鸣，双簧管绵长而婉约地流动着。两个人唱的歌词不同，字数也不相同，节奏与旋律亦然，但在和声上面却很巧妙地叠合在了一起，最后在听觉上形成了统一，如“纠缠交叠迂回曲折(忘了忘不了)，命运要你死心塌地(走了走不了)留下这个爱情故事(执着太易后悔太迟)，回头太难前进不易(忘了吧忘了吧)”。
2.舞蹈音乐的运用
《人生蒙太奇》当中的舞蹈配合着歌唱。一群人拿着色彩斑斓的雨伞旋转着，活泼跳跃的舞蹈动作，就像是经典的歌舞片《雨中曲》和《瑟堡的雨伞》的再现。这支具有典型百老汇节奏和曲调的欢快歌曲，与出现在旧上海场景中的群舞场面构成了视听风格的混搭，而这种叫人眼花缭乱却又具有时代感的风格混搭，也同时构成了这部影片的整体风格基调。随后镜头转移到马戏团中，又出现各具特色的马戏团人物和表演，这也是本片的重要布景之一。小丑，杂耍，狂欢和夸张的表情，每一个人都在投入地演绎着，而这一切，都演绎出了形形色色的人生百态。
(一)丰富中国电影的表演形式
电影《如果爱》则是运用了百老汇音乐剧的音乐元素及表演形式来表现这部影片，这在中国电影音乐史上还是头一次，它作为一部成功的华语歌舞片，其在音乐、舞蹈、剧情、人物塑造、形象设计等方面都异常出色。它的成功也许就在于整体布局的全面把握和它对细节的考究。怀旧的气息，不仅存在于歌中，还体现在现实与往事错综复杂的剧情中。歌舞在亦真亦幻的情感和记忆里来回穿梭，我们还依稀能感受到陈可辛导演的首部电影《甜蜜蜜》里那种抒情善感的风格表达。
(二)开拓中国音乐剧的多元化
电影《如果爱》与以往的《东方红》、《白毛女》相比，其处理舞蹈艺术的方式显得独具特色。以往的音乐剧善于运用音乐当作叙述的核心元素，而歌舞排场更是直接运用到情节当中，按照情节反复对歌舞场面的交替，并且根据故事发生的大致时间开展。由于音乐、舞蹈是该类型音乐剧的一种非常重要的叙述形式，因而在表演过程中有这很大的篇幅。所以，虽然歌舞场景会中断故事情节的顺利推进，但这也是彰显歌舞那种独特的艺术欣赏价值。
在艺术种类多元化的今天，单纯的音乐已经不足够表达人类复杂的思想情感了，只有音画相结的电影艺术才能将人类思想感情表达得更加具体和完整。为了使中国的音乐电影能够在电影产业中蓬发出来，我们应当学会从音乐的角度去欣赏电影，去聆听电影。当你用心去听时，你会发现，音乐才是表达电影情感的灵魂要素，也是真正升华电影艺术魅力的重要源泉。
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作为电影艺术的重要门类,我国电影音乐发展已呈现多元化局面,其中有民族、古典、流行等各种风格。因此,电影中各种风格的民族电影音乐素材的音乐或者中西结合、或者引经据典,都能够很好地反映出电影风格,深刻揭示电影主题。以下是读文网小编为大家精心准备的：电影《卧虎藏龙》中民族音乐素材的运用相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：华裔导演李安执导的电影《卧虎藏龙》是当代华语电影的经典之作，尤其是影片中的音乐创作巧妙地融入了中国民族音乐素材，不仅使整部影片摆脱了传统的武打电影模式，而且还形成了一种唯美品质和东方电影的美感。本文在分析电影音乐在电影中的作用的基础上，对影片中民族音乐素材的具体运用进行了探究，并试着从三个角度分析该电影音乐对中国民族音乐素材运用的启示。
2000年华裔导演李安执导的电影《卧虎藏龙》获得了十项奥斯卡提名，尤其是影片中的音乐创作巧妙地融入了中国民族音乐素材，不仅使整部影片摆脱了传统的武打电影模式，而且还形成了一种唯美品质和东方电影的美感。可以说，《卧虎藏龙》中的音乐是近代中国电影音乐中的巅峰之作，为中国民族音乐走向世界艺术大门带来了前所未有的机遇。
电影是一种集绘画、文学、舞蹈、音乐、建筑等于一体的综合性视听艺术，其中，民族音乐是电影艺术的重要内容，在电影艺术中发挥着突出影片主题、渲染场景氛围、刻画人物心理等作用。正如音乐家门德尔松所言，电影音乐能以独特的方式将无法用言语表达的思想传递给观众，丰富影片的精神内涵。
1 突出影片主题。在电影艺术中，音乐是突出影片思想主题、表达电影内涵的重要形式。影片《卧虎藏龙》讲述了一段情节曲折离奇的江湖恩怨，描写了李慕白与俞秀莲、罗小虎与玉娇龙的爱情悲剧电影，极富东方情调。这一电影主题要求电影音乐既要充分展现错综复杂的江湖恩怨，又要突出悲惋凄凉的爱情悲剧，导演将舒缓而优美、惆怅而悲伤的音乐作为影片的主题音乐，将之贯穿于整部影片的始终，表现了人生的矛盾、困惑和无奈，创造出强烈的、具有震撼效果的艺术效果，使影片展现出深邃的东方音乐文化气息。
2 渲染场景氛围。优秀的电影音乐不仅能营造出身临其境的场景，诱发观众的情绪体验，还能为电影场景渲染不同的色彩，提高影片的视觉效果。在影片《卧虎藏龙》中导演将电影音乐与电影场景完美的结合起来，渲染出一幅幅如诗如画的场景。比如，以手鼓、热瓦甫等乐器音响来展现了人物豪放不羁的性格，人物、场景与音乐三者相互融合，创造出立体化的艺术效果。又如，以葫芦丝、板鼓等乐器音响来烘托主人公在竹林中的比剑，不仅刻画出寂静的月夜和丝绸之路的空旷与荒凉，还成功地展现了古代江湖神秘的气息，激发了观众无尽的想象。
3 刻画人物心理。音乐作为一种抒发情怀、表达情感的艺术形式，是最能表达人物复杂心理状态和内心情感的方式，在电影艺术中常用音乐加强影片感情色彩、激发观众情感共鸣。在影片《卧虎藏龙》中，导演用音色嘹亮深远的传统民间乐器竹笛和具有边疆特色的乐器鼓乐来刻画主人公玉娇龙得到青冥剑后快乐的心情，欢快流畅、委婉动听的旋律表现了主人公不知江湖险恶、赢得自由、回归自然的欢乐心情，这与后面主人公踏入江湖后遇到的种种险恶形成鲜明的对比。
电影《卧虎藏龙》中的音乐获得了奥斯卡金像奖中的“最佳主题曲”、“最佳原创音乐”等十项提名。影片中的音乐主要包括主题歌《月光爱人》、主题曲《卧虎藏龙》以及插曲《闹婚》《夜斗》《丝绸之路》《古寺》《悲》等14个既相互独立又相互联系的段落组成。我国著名音乐家谭盾以西洋形式赋予中国民族乐曲内涵的创作手法将音乐与自然音响混为一体，创作出凝聚着中国传统文化精髓和厚重文化底蕴的音乐作品。
1 主题歌《月光爱人》。一部电影只有一首主题歌曲，优秀的主题歌不仅要与电影的整体基调保持一致，浓缩和体现着电影的精髓，而且还必须具有一定的艺术魅力和美学魅力，能够带给观众美妙的视听享受，由此可见，主题歌的魅力是电影获得成功的关键。影片《卧虎藏龙》的中文主题歌《月光爱人》由易家扬作词、谭盾作曲、李玟演唱，是一首感人肺腑、充满中国式情感的爱情诗，旋律惆怅、婉转起伏，以凄美的月光、凄凉的旋律来衬托主人公之间无比凄婉的爱情故事以及生死激烈的江湖恩怨情仇，散发着独特的东方神韵。“A love before time”暗示了爱情的脆弱和不可知，也暗喻了像时光一样转瞬即逝的爱情。
以小三度为级进的五声调式是中国传统的民族调式，与西方十二平均律有着较大区别，这种调式在民歌中有着广泛运用。影片《卧虎藏龙》的主题歌《月光爱人》除去前奏、伴唱和尾奏旋律之外，主题歌旋律共有四十一小节，运用小三度级进的则多达十余处。在配器上，该主题歌大量使用中国乐器音色：以大提琴模仿马头琴的主奏旋律贯穿影片始终，乐曲中间突然出现了中国竹笛带来的清新优雅音乐，大提琴模仿马头琴与琵琶的尾奏充满缠绵、委婉和依依不舍之情。在音乐演奏过程中，电声乐器及现代节奏型的伴奏，中国民族乐器滑奏、抹弦等手法，委婉典型的旋律歌声以及凄婉的伴唱将观众带入缠绵、深情的爱的意境之中。而李玟与现代国际接轨的唱法更是深情地展现了被命运拆散的恋人的无奈和惆怅，带给人无限的惋惜与遐想。
2 主题曲《卧虎藏龙》。主题曲《卧虎藏龙》在创作过程中运用了大量的中国民族音乐素材：以充满西洋风味的大提琴模仿北方大草原的马头琴和胡琴声音，以哀怨的情感散板进入乐曲主奏，苍凉而悠长的、充满浓郁的东方色彩的滑音使人感受到清新的民族音乐色彩;少数民族乐器葫芦丝的独奏、弹拨音色的伴奏，大提琴借鉴中国民族弦乐器揉、抹、滑等演奏技法演奏出的主题歌旋律变奏，乐曲在逐渐减弱的极具中国民族风味的琵琶音色中结束，不仅将观众带入影片画面表现的情境中，还创造出大提琴中式演奏法的里程碑。
对于电影主题来说，电影主题曲不仅承担着突出主题的重任，而且还肩负着序曲的责任，影片《卧虎藏龙》中数次出现的主题音乐不仅有着万般的诗意和如画的风景，将观众带领到纯美而缠绵悱恻的爱情故事和浩瀚如烟的大漠风光之中，而且还在徐徐展开的淡彩水墨画、宁静祥和的水乡风光中暗藏了重重杀机，将观众引领到一派龙争虎斗、错综复杂的江湖恩仇中。通过荡气回肠、震撼人心、哀婉悠长的主题旋律的呼唤，表达了主人公对爱情的追求、对幸福生活的向往。
3 插曲。影片《卧虎藏龙》中的插曲共有12段，这12段乐曲虽然风格各异，但却都以民族音乐为素材进行创作，体现了浓郁的东方音乐风格。下面以几段代表性的插曲为例，分析民族音乐元素在作品中的应用。
第一，插曲《永恒誓约》。《永恒誓约》的旋律改编自旋律优美、欢快活泼的新疆民歌《阿瓦尔古丽》，热瓦甫、新疆手鼓等乐器独特的声音、节奏、音色和演奏方式，使音乐带有独特的地域气息。主人公玉娇龙跟随父母到伊犁，影片画面虽然显示的是寂静荒凉的原野，但导演却以欢快活泼的新疆民歌来表现主人公蓬勃的生命力，艺术效果极其鲜明。后来，主人公回想起自己深入沙漠并与沙漠蛮人打斗场面时，这一旋律又再次响起，飞沙走石、人影攒动的画面中，主人公的英雄形象与沙漠中那些凶神恶煞形成了鲜明的对比。
第二，插曲《闹婚》。主人公玉娇龙出嫁途中，中国传统民间“吹打乐”形式的乐曲展现了欢快热闹的场景，而罗小虎杀出之后，音乐节奏除了管乐器齐奏之外，还加入了撕裂般吼声的铜管乐器的伴奏音型和声音极具穿透力的中国打击乐器板鼓，欢快的音乐中增加了戏剧性和紧张度;随后喧闹的场景突然变得安静，在辽阔悠扬的竹笛声、哀伤的英国管和琵琶音中，主人公玉娇龙出现在幽静的乡间。中国民族音乐与西洋音乐的对比不仅营造出热闹、静谧起伏的场面，而且还推动了故事情节的发展，给人留下惆怅之感。
第三，插曲《夜斗》。这一段音乐由极富地方色彩的民族乐器葫芦丝引入，生动地刻画出月夜的寂静、丝绸之路的空旷与荒凉。在俞秀莲与玉娇龙初次交谈后，由巴乌吹奏的旋律与低音乐器演奏下行的半音构成对位关系造成不详之感，而中国打击乐板鼓的进入不仅揭开了打斗的序幕，也预示着精彩一幕即将上演。当玉娇龙放下窗帘准备入睡时，巴乌奏乐再次响起。当俞秀莲与黑衣人打斗时，整段音乐是惟妙惟肖的打击乐合奏，随着打斗的升级，鼓乐节奏与打斗场面合为一体，不仅敲打出中国神韵，而且还形成了音效与画面的完美统一，带给人不同的美感。
纵观影片《卧虎藏龙》的音乐不难发现，影片音乐旋律有着鲜明的中国民族音乐特点：在配器上大量使用民族乐器音色，以大提琴模仿中国民族弦乐器的演奏方法来演奏主题音乐，以竹笛、二胡、鼓等极具东方音乐神韵的乐器来处理乐曲，将中国民族音乐的细腻灵动与西方音乐的宏伟高亢完美的结合在一起，使中国民族音乐以一种全新的样式出现在观众面前。
1 旋律节奏是民族音乐之魂。音乐审美观念的形成受民族生活方式、民族性格、民族文化的影响和熏陶，旋律节奏作为审美观念的表现形式，是民族内心精神生活、民族心灵的外化，也是民族情感的载体。中国传统文化深受儒家文化影响，无论是文化观念、社会制度，还是思维方式、民族心理等都体现着“天人合一”的观念，这已形成了中华民族的特性。从电影《卧虎藏龙》中的音乐创作来看，将现代元素融入到极具中国传统音乐特点的乐曲中，不仅将创新的艺术魅力发挥到了极致，而且还将东方传统音乐旋律悠远恬静的特点表现得淋漓尽致。如影片在展现打斗的血腥混乱场面时，以竹笛、葫芦丝等委婉悠长的音色与紧张激烈的场景作对比，体现了人物“生死间拈花一笑”的豁达心境。
2 器乐特点是民族音乐之本。相对于西方乐器来说，中国乐器多取自天然，其音色更接近自然，演奏技法也是多种多样，民族乐器声中包含着一种文化沉淀，因而能透过感官直达心底，更能体现东方文化的本质特征。在影片《卧虎藏龙》音乐配乐中，作曲家在准确把握民族乐器特性的基础上加入现代编曲方式，不仅使乐曲反映出极具东方音乐的特征，而且还与影片中的中国武术相得益彰、珠联璧合。
3 曲式结构是民族音乐之骨。西方音乐追求鲜明的对比性、反差性和强烈的戏剧效果，而深受中国哲学思想影响的中国民族音乐常以含蓄细腻的手法来表达人物情感，这种独特的美学思想使得中国民族音乐在表达上更倾向于曲式结构较为稳重的、无再现的单三部曲。如在影片结尾处，大提琴与二胡两种乐器采取围绕主题反复出现的形式，不仅营造了一种“天人合一”的氛围，而且还突出了影片的中国式思维模式，使影片音乐体现出浓郁的民族色彩。
在文化多元化的背景下，被国际认可的电影原声制作正在对我国电影音乐造成巨大的冲击，而中国电影无论在制作规模，还是在常规技巧和主流形态上都无法与西方发达国家电影竞争。作为艺术性与思想性兼具的国际影片，中国民族音乐元素在影片《卧虎藏龙》的运用，不仅大大提升了影片的艺术价值，而且还为中国民族音乐走向世界提供了重要启示，对中国电影音乐的发展起到了重要的推动作用。
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从当前中西方音乐的风格、背景文化和发展历史等方面看,中西方音乐的审美价值存在差异是必然的。以下是读文网小编为大家精心准备的：中西方音乐文化特点浅析相关论文，内容仅供参考，欢迎阅读!
摘要：《c小调革命练习曲》和《松花江上》是两首以战争为背景的音乐作品。两首曲目虽创作于同样的社会背景下，各自抒发了作曲家的爱国情怀，但其音乐元素的表现形式截然不同，在一定程度上反映了西方文化追求独立、自主、平等的精神，以及中国传统文化的包容、含蓄之美。在新文化运动后，西方先进文化传入中国，中西方音乐文化产生碰撞，形成了新的音乐的“中西合璧”之美。
音乐是人类的语言，是文化的产物。不同国家、不同种族、不同语言的人都可以通过音乐交流情感，因为在音乐中可以听到快乐和欢喜，可以读出忧愁和伤悲。在同样的战争年代，同样的烽火连天的岁月里，中西方两位作曲家都将自己的思绪寄予自己作品之中，创作出了感人的旋律，流传至今。笔者将以《c小调革命练习曲》和《松花江上》这两首战争中诞生的佳作为例，带领读者走进作曲家的内心，去领会这背后的文化之美。
弗雷德里克?弗朗西斯克?肖邦(Fryderyk Fanciszek Chopin， 1810―1849)是波兰伟大的音乐家。《c小调革命练习曲》写于1831年9月，华沙起义失败后，是肖邦27首钢琴练习曲中以革命战争为创作背景的曲目。波兰沦陷，被称为“钢琴诗人”的肖邦在精神上受到巨大的打击，他怀念祖国，心中的痛便借由钢琴抒发，于是创作了这首充满强烈的悲剧性色彩的练习曲。整首曲目由低声部快速的回旋式旋律以十六分音符急速下行，以及高声部坚定有力的和声进行来表现作者激动、悲愤的情绪。
谱例1：
此曲为复三部曲式。第一部分，高声部不稳定的和弦以强劲的力度开启每一次动机，好似战场上的战士们发动进攻的呐喊声。而低声部由高音区翻滚着、咆哮着的十六分音符急速下行至低音区，再低音区跳回高音区重复着这种波澜，形象的描绘了战火交融的场面。第二部分，音乐在高声部上出现了歌唱性的旋律，低声部依然为十六分音符的急速跑动。在声音效果上体现了作曲家沉痛的心情，和为战争带给人类的悲伤和愤怒感。曲式一再转调，描绘了作曲家激动的心情和在悲痛中痛定思痛的心绪。第三部分再现第一部分战场上的画面，左手在低高音区间不断的以十六分音符快速翻滚着好似海面层层波浪，席卷着、涌动着，描绘了连绵不断的战争烟火。曲终，在悲愤中，在哀痛中，双手旋律由弱突然到强同样由高音区以十六分音符急速翻滚跑向低音区后在四个强劲的和弦声中结束，表现了作曲家激动的心情和对理想的坚定信念。
《c小调革命练习曲》全曲壮阔激扬，从开始到结束始终可以嗅到作曲家激动的情绪。肖邦借助这首曲目毫无保留的释放着他的爱国情怀。他激动、沉痛、愤怒的心情在曲目中通过一个个强有力的和弦和一叠叠汹涌澎湃的浪潮抒发着，无尽无余的展现着他的爱国精神，以及对民族独立的信心和平等、自由的憧憬。
歌曲《松花江上》由张寒晖作于1936年11月，后由崔世光于改变为钢琴独奏曲。这是一首脍炙人口的抒情歌曲，描绘的是九一八事变后东北三省沦陷，人民的苦难日子和对收复失地、抗战胜利的殷切盼望。整首曲调如泣如诉，唱出了战争下人们悲愤交加的声音，旋律凝聚着中华儿女的爱国情怀。歌曲的结构为二部曲式，歌词内容真切感人，第一部分抒情的叙事着家乡东北的丰富物产和爹娘亲人。第二部分抒发着沉重的悲痛之情，和盼望收复失地和亲人团聚的憧憬，旋律萦绕回肠，却蕴藏的抗争的力量。表现了中国人民自古以来的民族凝聚力量，众志成城，保卫国家的气魄。
歌词内容：我的家在东北松花江上，那里有森林煤矿，还有那满山遍野的大豆高粱。我的家在东北松花江上，那里有我的同胞，还有那衰老的爹娘。九一八，九一八，从那个悲惨的时候，脱离了我的家乡，抛弃那无尽的宝藏。流浪!流浪!整日价在关内流浪!哪年，哪月，才能够回到我那可爱的故乡?哪年，哪月，才能够收回那无尽的宝藏?爹娘啊，爹娘啊，什么时候，才能欢聚一堂?
钢琴独奏改编版谱例：
旋律一开始由引子进入，然后高声部清晰地奏响主旋律，与歌曲的第一部分主旋律相同，以慢板的速度描绘着东北家乡安定祥和的画面，那是多么美的景色，在富饶的土地上人们过着幸福的生活。然而，这片净土被日本人夺去，我们失去了自己的家，父母亲人流离失所，愤怒着，怒吼着，旋律进入第二部分，九一八!九一八!高声部强劲的和弦在挣扎着，低声部的八度音程和十六分音符交替着，犹如一个一个晴天霹雳雷轰鸣着劈在平静的海面上，海面顺势卷起层层巨浪，一波波袭来，人们在沉痛的叹息着流浪!流浪!哪年!哪月!爹娘啊!爹娘啊!通过第一部分含蓄的诉请与第二部分愤怒的痛斥，全曲抒情的悄声结束，传递出了声断情不断的意境。
由《c小调革命练习曲》和《松花江上》分析可见，在同样社会背景下，当作曲家面临同样灰暗的世界，战争年代，国土沦陷，家乡的人民流离失所，内心的苦痛，强烈的爱国情怀都借于作品爆发。然而由于传统文化差异，在作品的表现形式上也大相径庭，或喜或悲，表现手法可以豪迈壮阔，也可以温婉含蓄。
在音乐文化中，西方音乐艺术受中世纪教会影响，形成了完整的调性体系。教会占有当时的统治地位，其思想对音乐的发展起到了一定的推动作用，如格里高利盛咏的产生。而宗教改革打破了传统的权威，文艺复兴时期相对自由、自愿的创作环境使西方音乐越来越世俗化，提倡个性反对宗教，使理性因素越来越突出。到了巴洛克时期，主复调体系越来越完善，使西方的调性体系丰富多彩。而人道主义、自由、平等、博爱的理念在十八世纪古典主义时期又一次推动着人类思想的解放。从肖邦的音乐构思中可以感受到强烈的个人主义、个人自尊等理性因素。
中国民族音乐始于华夏文明的新石器时代，远古的音乐文化注重歌、舞、乐三者的结合，歌咏的内容多与日常生活有关。从西周起，开始建立礼乐制度，后广泛采集民风，收录三百多首民歌于《诗经》。礼乐与俗乐开始并行，贯穿于中国古代的传统社会中。礼乐为国家礼制仪式所用的规定性音乐，而俗乐是为了满足人类自身需求或娱乐的结合各民族风俗的音乐。乐律上，周代的十二音理论已经成熟，确立了宫、商、角、徵、羽五声调式。传统的中国音乐用民族调式表现着东方的委婉、含蓄之美。
20世纪初，中国社会迎来了前所未有的新文化运动，这是西方先进文化与中国传统文化的碰撞，中国社会意识到一场前所未有的文化革命，摒弃旧的落后的思想，迎接新的先进的理念。在音乐领域中同样是一场颠覆性的文化运动。学堂乐歌的兴起是中国近代新音乐发展的开端，西方音乐快速影响着中国，全国各地的学堂开始开设乐歌课程，通过课程传播先进的文化思想，弘扬爱国精神。学堂乐歌的词曲呼应的形式也打破了传统中国音乐的模糊性、多义性的旧俗，依曲填词，在词曲创作上融合中西方文化，既有中国古典音乐文化旋律的柔美也有西方追求理性的音乐立体感。
清末年间，随着钢琴传入中国，我们对西方乐器开始逐步深入了解。在一批先进的作曲家笔下诞生了一系列优秀的钢琴作品，如贺绿汀的《牧童短笛》，以及钢琴改编器乐、声乐作品，如《松花江上》。在《在松花江上》这部作品中我们不难发现，作曲家借用西方大小调体系，配以中国民族性旋律，使作品给人耳目一新的感觉。这种融合正是受文化的影响，是在传承中国文化的基础上加入西方文化元素，使作品“中西合璧”。
在中西音乐文化的碰撞中，学习西方先进思想的科学性的同时，也继续传承中国传统思想，在实践中不断的摸索创造，如雨后春笋般涌现了许多新的音乐体裁和大量的优秀作品，学习西方乐器的同时也使中国民族乐器得到发展，使音乐文化得到多元化发展。在现代中国钢琴作品中，越来越多的听到中西合璧的音乐元素，既有西方系统的大小调体系的骨架，又有中国民族传统五声调式的影子，使西方音乐影响中国，也使中国音乐走向世界。
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宫崎骏一贯追求画面的纯洁、美好，色调上的淡雅、清新。除了和要表达的主题相扣合之外，也受到日本民族色彩观的影响。
今天读文网小编要与大家分享的是：宫崎骏经典动画电影中的少女形象研究相关论文。具体内容如下，欢迎参考：
宫崎骏经典动画电影中的少女形象研究
1922年法国影评家艾利?福尔预言说：“终有一天动画片会具有纵深感、造型高超、色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、哥呀的激情、米开朗琪罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声的交响乐更为令人激动。”在当下，最能够实现其预言的动画大师莫过于日本的宫崎骏。
而宫崎骏的经典动画作品中又以其塑造的少女形象最具代表性，故本文将以宫崎骏的经典动画作品《猫的报恩》和《魔女宅急便》中的少女形象为例，与同时代著名动画作品中的少女形象进行比较。
在宫崎骏的动画作品之前，日本动画电影中的少女形象大多是将少女的体态朝成年人方向靠拢，所谓的典型的“美少女”，年龄在12岁上下，但身材却已然发育成熟，丰乳肥臀、性感妩媚。拥有这样的身材既是女性对自己的幻想也是男性对异性的幻想，不论男女都得到了感官上的刺激从而浮想联翩。而“宫式少女”却绝非如此，她们身体看似单薄但很健康，单纯朴素绝不妖艳，没有性感火辣的身材和光鲜时髦的打扮，在《猫的报恩》中，小春就是这样一个简单、普通的扎着两个辫子的少女，就是一个稀疏平常的邻家女孩，常见的马尾辫、普通的T恤短裤，也没有华丽的高跟鞋和大得出奇的眉眼，一如所有12岁的女孩子，是不会使观众产生性幻想的，这与很多流行的“新日本动画”中的女孩形象截然不同。《魔女宅急便》中的魔女琪琪也是如此，她的造型甚至是更简单的戴发箍的短发造型，但是由于“职业”的特殊性，多了一把扫帚和魔女袍。
这样干净的女性动画形象的确给人一种耳目一新的感觉，但这难道就能说明宫崎骏是一名女性主义者吗?答案是否定的。正如天天大鱼大肉难免会觉得荤腻，如果能够吃些清爽的素菜，自然会让食客们感觉精神振奋。从调节视觉疲劳的角度出发，“宫式少女”起到了素菜的效果。如拉康的“镜像理论”所展现的那样，小春、琪琪这种普通的少女形象更容易引起普通观众们的共鸣，人们会很期待这样看似单纯、普通的小女孩最终会怎样，期待着自己能够跟这样其貌不扬的女孩一样成功。由此，也就渐渐地塑造了一系列有宫崎骏风格的“梦幻少女”造型。
在宫崎骏之前的日本动画电影中，若是以少女为主角，那其形象大多是有特异功能或使命的，而且大多有“奇遇”，比如说《美少女战士》、《魔卡少女樱》等。而宫崎骏的动画电影却与此不同，就算是同样有魔女身份的琪琪，也没有过分强调其特异功能和使命，而是更加侧重和突出其自身的成长历程，这与之前的少女成长历程有很大的不同。
《猫的报恩》中的小春通过经历自我日常生活中的困难，从而或者克服自身存在的一些弱点，或者消除自身当下的迷惘状态，从而达成个人的成长。相对于生理上的成长而言，这里的成长更偏向于女主角在心理方面的成长：认识自我，坚持自我是这一类型女主角自我成长的核心。小春起初是一个没有自我的女孩子，她生活慵懒，经常上课迟到，被同学笑话;她过着糊涂、浑浑噩噩的日子，倒垃圾的时候因为看暗恋的男生而摔到垃圾堆里;她甚至不知道“自己还有什么用”。
在偶然的情况下，小春救了猫王国的月牙王子，为此，猫国王一定要报答小春，直至要娶小春做猫王妃。猫王国生活着的都是“没有自我”的人，正是小春失去自我的个性给了猫国王以可乘之机。因此，当小春来猫咪事务所寻求猫男爵的帮助时，猫男爵给她的忠告是“做你自己”。在被带到猫王国之后，小春一旦萌生“做猫也不错”的想法，她变成猫的程度就会加深一步。
后来，在猫男爵、小雪、胖胖等的帮助下，小春终于找到了自我。经历猫王国的遭遇、重新回到生活中的小春变得守时、懂事、坚定、成熟、有自己的主见，显然，她已经找到了自我。虽然有评论者批评这部影片的前半部分过于拖沓，而结尾又显得过于仓促，但是，影片中小春的个人成长还是观众有目共睹的。
《魔女宅急便》中的琪琪在13岁时离开家，去找寻一座可以独立生活的城市以完成魔女的修行。但是她到达的海边城市却并不像她想象的那样热情，琪琪遇到了一系列的不顺。不过，面对不顺，琪琪选择的是坚持。在面包店老板娘的帮助下，奇奇寻得了住处，并得以开始进行快递工作。她通过自己的努力逐渐为人们所接受。作为一个魔女，琪琪从没有想过自己为什么能骑着扫帚飞行，她一直觉得这是天生的，可是可怕的事情却发生了，她突然不能飞了。
在森林女孩的安慰下，琪琪在救好朋友蜻蜓时终于又飞了起来。在这一“不知道为什么可以飞行─失去飞行能力─知道为什么可以飞行，并重新拥有飞行能力”的过程中，琪琪实现了自我的成长。在琪琪的成长过程中，我们可以很清楚地看到她的坚强和勇敢，她就是闪光的天使。有人说，宫崎骏有女孩情结，这话不假，他的每一部片子几乎都是女孩为主角，从《风之谷》到前几年的《哈尔的移动城堡》，每个故事都是有关女孩的。而这一部是同样的，以纯真无邪的女孩为主角，唱出了一首“关于飞行的挽歌”(科幻世界画刊语)。这篇故事以后的女孩都不再能飞行，是他那童话般天真快乐无忧无虑的女孩们的终结。
宫崎骏一贯追求画面的纯洁、美好，色调上的淡雅、清新。除了和要表达的主题相扣合之外，也受到日本民族色彩观的影响。受到这一色彩观的影响，宫崎骏崇尚自然事物和植物生命的原色，崇尚水的清纯无色，画面呈现上以青色为主色调，这直接成就了其动画作品的淡雅、朴素之美。除了色彩上的淡雅朴素，宫崎骏动画的线条也是简单的，无论是其人物角色，还是背景环境，都是用很简练的笔划勾勒出来;单看构成，宫崎骏作品中画面的线条简单。
因此，宫崎骏动画电影中的少女形象也符合清新自然的美学风格。不仅造型简单、淳朴，就连身上穿的衣服和戴的首饰也是一如邻家女孩般的普通，给人以亲近的感觉，而且宫崎骏动画电影中的少女身上不会出现过于复杂、过于艳俗的色彩，她们身上的色彩往往是明朗、简单的，与构成画面的其他要素是和谐、统一的，符合其清新自然的美学风格。受日本传统文化深刻影响的宫崎骏绘画手法上的简约无疑是受到了日本传统绘画的影响，“日本传统绘画讲究用极其简练的一条线、一抹影、一块墨表现景物的生命感获和大自然的神气，其特点就是以简约的笔墨和简明的构图表现物象的神韵。这也是常常说到的‘不全之全’的表现手法，即以‘不全表现’‘全’”，宫崎骏以简约的画面特色造就了独特的清新自然的美学风格。
宫崎骏经典动画电影中的突出的少女形象有很多，而且可以分为不同的类型，本文仅选择其作品中较为典型的成长型少女形象《猫的报恩》中的小春和《魔女宅急便》中的琪琪为例，与其同时代的动画电影中的少女形象做简要的比较，以期探究出宫崎骏经典动画作品中少女形象的特质。
从比较中可以看出宫崎骏动画电影中的少女形象在造型上打破了“丰乳肥臀”、成熟的“美少女”造型。在成长历程上也有其独特性，没有过多的特异功能效果的突出，而是强调少女自我成长的过程。在美学风格上，也有一定的突破，没有日本动画电影寻常的华丽风格，而是突出清新自然的美学风格，没有过分的跳出生活，显得更为自然，更易为人们所接纳、认同。宫崎骏经典动画作品中的少女形象还有很多可以进行研究，本文仅简要地就以上三点做了比较研究，以期探究出宫崎骏经典动画作品中少女形象的一些特质，以待更深入的研究。
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