随着中国民族声乐的发展，相关的理论研究成果也日益增多，其研究也在不断拓展、深化和创新的过程中更显其丰富性。下面是读文网小编为大家推荐的声乐论文，供大家参考。

声乐论文范文一：音乐论文发表-平湖派

摘 要：在中国琵琶艺术众多的传统流派之中，平湖派陶染着中国传统音乐的典雅风韵，以较强的艺术生命力世代流传，极具研究价值。但在当下，其传承现状并不乐观，流派概念日渐淡化、承人的稀缺以及传谱的缺失等原因致使其艺术影响力甚微。本文基于田野调查，试图从平湖派琵琶艺术的历史起源、历代传人、发展过程、演奏风格和美学特点等方面入手，探究其传承现状并分析该流派的发展前景，进一步把握平湖派琵琶的艺术价值。

关键词：平湖派;琵琶;传承

在中国传统民族乐器中，弹拨乐器琵琶具有极为悠久的历史，因其所代表的文化内涵典雅深厚、演奏技法独特多元、艺术作品华美丰富而长久流传于世。自魏、晋时期，琵琶首次传入中国以后，乐器本身所具有的西域色彩与东方文化特点，交融凝结为现今中国民乐中不可或缺的一个“角色”。在琵琶艺术不断发展的历史进程中，各大传统流派的产生与演进可谓是异彩纷呈。

在琵琶艺术众多的传统流派中，平湖派隶属近代琵琶四大流派、江南地区琵琶五大传派之一，与之同具艺术影响力和研究价值的琵琶流派还有无锡派、浦东派、崇明派、汪派、瀛洲派。平湖派琵琶艺术曾在我国具有极高的艺术地位，甚至曾一度名扬海外。

但近年来，平湖派琵琶艺术的传承现状并不乐观，流派本身所具有的艺术影响力日渐削弱，流派的概念也渐趋于淡化，民众普及度较低，甚至在流派的发源地平湖，也是少人问津。琵琶艺术最直观的传播方式即口传心授的教学，教学对象主要针对青少年人群，然而目前各地音乐院校或艺术教育机构所开设的琵琶课程，层次高低不等，但大多都以常规性的教学为主，根据难易程度开展教学活动，基本没有以流派为主的教学。在普通民众间，社会新兴文化日趋直上，对传统文化的承袭产生了一定的冲击，当代青少年对传统文化的关注日趋淡化，平湖派的传播途径又相对较为狭窄，在这样的社会环境下，流派的传承与发展随之遇到了较大的阻碍。从流派本身传承条件来说，传人严重稀缺，传谱在发展过程中也未得到完整的保存，一些传统独特的演奏技巧无成文记录可考，难以承袭。如此历史悠久的民间流派若最终走向陨落，将是艺术领域的一件憾事。我们有责任也有义务为平湖派琵琶艺术的承袭与发展献出自己的一份绵薄之力，将具有百年悠久而深厚积淀的平湖派琵琶文化继承下来，帮助古老的民间传统流派，拂去旧尘，重放光彩。

一、平湖派琵琶的历史脉络

明清时期，由于方兴未艾的戏曲艺术的持续发展，促使多种乐器从伴奏地位不断向独奏艺术演化。而随着市民音乐艺术的崛起，器乐独奏艺术逐渐在城市节日庙会以及各种游乐场所中迅速地兴盛了起来。民间器乐别树一帜，各领域乐者演奏技艺超凡。在此时期内迅速兴盛起来的民间器乐艺术中，琵琶演奏艺术无疑代表了这一时期器乐独奏艺术的最高成就，开创了了器乐独奏艺术发展前所未有的崭新局面。①

在这一时期，琵琶演奏领域虽是名家辈出，琴技绝伦，但是却未曾出现成文的琵琶曲谱，也未曾有古书文籍专门对特定的琵琶演奏风格进行记录与区分，因此在当时未产生清晰的各家流派。清末，琵琶演奏家李芳园(1850—约1901年)，将家中流传的所有琵琶乐曲进行系统地归纳整理，谱写成《南北十三套大曲琵琶新谱》，该曲谱的刊印，也代表着琵琶演奏流派，“平湖派”的诞生。

早在清乾隆年间，浙江平湖李氏家族就是琵琶艺术世家。自李延森起，开启了李氏家族琵琶世代相传的历史。李延森(约1771年生)为平湖琵琶有史可考的最早的起始者，他“举业之暇，性耽音乐，而尤爱琵琶，研究古曲，各极其妙”②。在此之后，李延森又传于其子李煌，李煌实则子承父业，以此而尽孝行，使双亲可听其琴音，取乐于此。在李煌之后，又传于其子李绳墉。后又传于其子李南棠，据《南北十三套大曲琵琶新谱》记载，李南棠素嗜琵琶， 同时也非常地擅长琵琶演奏。但囿于当时的文化环境，旧俗所限下，李氏前三代都仅限于家中承袭，不可外传。因此，李氏琵琶也并未扬名于社会。直到传至李南棠后，才开拓了崭新的、更为广阔的承袭局面。到了李南棠的青壮年时期(1850—1876年)，正值第二次鸦片战争(1856—1860年)，外国资本主义势力侵入中国疆土。以经商为业的李氏，经常来往平湖、上海之间。他见多识广、思想开明。愿交乐友，广师求益。1850年，李南棠与张子房、俞芝山“携谱奉访，杯酒论交”，1856年与故友郁谷园、姚飞泉、姚松斋等进行切磋。“先世遗谱相与参考，按节挥弦各有心得”。1876年，与陈子敬、周厚卿、黄梅汀、周蓉江等“见访”。③而陈子敬即当时极有名望的一位琵琶名家，颇受清光绪皇帝生父醇亲王的赏识，还曾受其“天下第一琵琶”的封号。在与众多琵琶演奏名家切磋琢磨的过程中，李氏琵琶开始摆脱原本封闭的、家族内部承袭的局面，同时，李南棠在此交流借鉴之中，也吸收了许多新的元素，更加丰富了家传演奏技法。

在李南棠之后，又传于其子李芳园(1850—约1901年)。李芳园出生于如此几代相传的琵琶艺术世家，从小积久陶养，兴致浓厚且天赋过人。他在对于李氏琵琶的承袭有着极大的贡献。他不仅自身琴技过人，而且善于博采众长，对民间各家琵琶演奏流派都有吸收借鉴，很大程度上丰富了李氏琵琶的演奏风格与曲目。对于社会文化领域风气不佳的时局，李芳园欲为琵琶艺术的发展寻求新的方向，故而整理归纳了家中流传的曲谱，并融合民间各派的演奏特点，同时吸收了一些优秀的民歌作品，将其系统地谱写，最终编撰成《南北十三套大曲琵琶新谱》。

该曲谱的刊印，也代表着中国近代琵琶四大流派，“平湖派”的正式诞生。

二、平湖派琵琶的主要传人

(一)第六代传人朱英

朱英(1889—1954年)字荇青，号杏卿，浙江省平湖市当湖镇(今当湖街道)人，据相关研究者考证，在五十年代，他曾居住于原城关镇骑塘浜十号。朱英是平湖派琵琶艺术继李芳园之后的第六代传人。朱英儿时师从平湖派琵琶第五代传人李芳园。在李芳园私塾学习期间，最初是李芳园的学生吴柏君为其授课，经过一段时间的学习，李芳园本人才开始为其授课，在此期间，朱英勤学苦练，深得李氏琵琶的精髓。1927年，朱英受到北大校长蔡元培的举荐，到成立不久的上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)任职。受时局所迫，1948年，爱国的朱英不愿为日本人演奏琵琶，毅然决定回到家乡，在平湖县(今平湖市)初级中学教授语文。朱英在其工作期间，仍坚持学习琵琶以及专业音乐理论知识，这也为原本狭窄的民间流派创造了更多对外发展的空间与可能性。

朱英先生对平湖派琵琶的演奏技巧和教学都具有自身独到的一面，他为继承和发展平湖派琵琶艺术做出了不可磨灭的贡献。他创立的许多琵琶演奏技巧至今仍为琵琶演奏家所使用。朱英首次将平湖派琵琶艺术引入高等学府的课堂，1927年，他任教于上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)民乐系，教授琵琶。第一，在这期间，朱英第一次把流传在民间的平湖派琵琶艺术引入到高等学府，在任教的十七年间，培养了一大批优秀的平湖派琵琶继承人：谭筱麟、丁善德、蒋凤之、樊伯炎、陈恭则、杨少彝、江容琛、程午嘉等。第二，朱英提倡“文武合套”的演奏理念，他在平湖派琵琶的演奏风格中提倡“文武合一”，打破了文曲、武曲的界限;第三，创新琵琶演奏技法，首创左手五指并用;第四，他继承和发展了记谱特色，在原本的李氏工尺谱中，用短线标注节奏，并标出详细的演奏标记;第五，创作了一批平湖派琵琶的演奏作品，《五卅惨案》、《难忘曲》、《秋宫怨》、《长恨曲》、《枫桥夜泊》、《海上之夜》等数首作品。④

(二)第七代传人杨少彝

朱英的学生杨少彝(1913—1974年)，我国著名的平湖派琵琶演奏家、音乐教育家。1931年开始师从朱英，学平湖派琵琶，琴技绝伦，深得老师朱英的认可，为平湖派琵琶的第七代传人。在1958年以“民间艺术家”的身份被西安音乐学院引进。

他在西安音乐学院任教期间，培养了任鸿翔、何明威、王天建等一大批优秀的琵琶演奏家。在杨少彝毕生的教学过程中，他并不墨守成规，而是勇于为传统艺术开拓发展的新局面，为古老流派的传承做出了许多努力。后为时局所害，蒙难弃世。

(三)第八代传人杨毓荪

杨少彝之子杨毓荪(1950- )，自幼师从其父，学平湖派琵琶。在父亲早逝后，更加坚定了承袭父亲夙愿的决心。此后师从中央音乐学院浦东派琵琶演奏家林石城。杨毓荪不仅精于琴艺，还坚持致力于提高平湖派琵琶艺术地位的工作，整理并出版其父杨少彝生前所留曲谱，为平湖派琵琶的研究者和学习者提供了极具参考价值的理论依据。在移民后，他也未曾停止对平湖派琵琶艺术的传播工作。

三、平湖派琵琶代表传谱

《南北十三套大曲琵琶新谱》的刊印标志着琵琶演奏流派“平湖派”的诞生，该曲谱融合了平湖派的主要代表作品、演奏技法、演奏符号等，是流派学习的重要理论依据，也是平湖派琵琶保存相对完整的传谱，由清代平湖派琵琶艺术的创始人李芳园整理编辑家传琵琶乐曲编撰而成。“窈念家君究心于此四十余年，方参透其中三味，尝因时尚艳曲淫声，风气愈趋愈下，欲著斯谱，为指南要法。自慨有志未遂，棻承先业，惟湮没是虞。于是发奋朝夕，汇集古曲十三套，按节寻声，一一参考默识”

(一)代表曲目《阳春古曲》

全曲共计十个段落，根据《南北派十三套大曲琵琶新谱》所记，十个部分分别为“春景阳和”、“锦园小憩”、“遍地花开”、“独占鳌头”、“风摆荷花”、“玉版参禅”、“道院琴声”、“一轮明月”、“东皋鸣鹤”、“铁策版声”。

(二)代表曲目《淮阴平楚》

该作品是平湖派典型武曲套曲的类型，全曲风格雄壮伟岸，大气磅礴，演奏者须表现出战争史诗般地宏伟场景。在演奏中，多使用满轮、绞弦、扫弦、轮拂、并弦、拍等技巧。⑤

(三)代表曲目《平沙落雁》

该曲由“雁阵横空”、“霜天雁叫”、“平沙扑翅”、“高翔千仞”、“衡阳万里”、“逐队分飞”、“一行归影”七部分组成。为表现文曲悠远淡泊的艺术意境，演奏中应注意运用弹挑、滚奏、双弹、轮指、扫弦以及推、拉、吟、揉的技法。

四、平湖派琵琶的演奏风格

平湖派琵琶的演奏极富地方特色，也正是因为它独具匠心、丰富多元的演奏技法，才使得它清晰地有别于其他民间流派，以较高的艺术影响力长久流传于世间。本文在此，将进行简短论述。南北派十三套大曲琵琶新谱中的手法、指法备载仿刻华君秋苹谱，惟有新增手法每曲详注逐段工尺旁。其中，右手的轮指技法是平湖派琵琶演奏特点的主要体现。轮指，是指琵琶或吉他的一种典型演奏指法。在琵琶演奏中，几乎所有的乐曲都要使用该演奏指法，由轮指汇成的指法特别繁多，例如带轮、扫轮、满轮等等，在此不一一详述。

轮指主要分为上出轮和下出轮两类。上出轮即食指、中指、无名指、小指顺时针依次弹下，后接拇指挑上;下出轮即是无名指、中指、食指顺次弹下，后接拇指挑上。在平湖派琵琶的演奏中，多用下出轮手法，偶尔根据乐曲需要兼用上出轮手法。如代表作品《满将军令》的弹奏技法为先以食、中、名、禁四指，此第弹下，然后大指挑上，其声缓且长而易圆，须要连而勿断，断不可用上出轮。⑥平湖独创的演奏技法有“蝴蝶双飞”、“抹复扫”、“七操”、“马蹄轮”、“挂线轮”，上述技法演奏难度颇大，掌握者甚少。

平湖派琵琶艺术最初起源时，属于文人音乐，供具有一定文化修养的知识阶层人士自娱自乐。“古之学问为己，今之学问为人”，也许当今社会人们习音律，一般是为学习掌握一种演奏的技巧，但对于先者来说，怡养性情、修身静心。由此可见，平湖派琵琶艺术所蕴藏的文化内涵是极为深厚的，耐人寻味的。自古文曲宜静，以平湖派代表曲目《青莲乐府》为例，此曲由“举杯邀月”、“雨打芭蕉”、“风入松”、“石上流泉”四段联缀而成，犹如以泼墨画式的笔触，描绘出古代文人墨客“起舞弄清影”一般的古朴典雅之景，给人以空灵舒畅、意境深远之感。中国古典音乐文化多倡导悠然心会，超乎功利，象征着高洁、寂寥、含蓄、典雅的君子品质。曲中始终激荡着一种至高的审美情趣，让听者在袅袅琴音中，洞悉艺术的真谛所在。

声乐论文范文二：校园音乐剧;创新实践

摘 要：社会在不断发展变迁，人们对高雅艺术展开追求同时，还希望艺术可以是通俗易懂的，音乐剧中流行音乐元素大胆实践创新，也恰好满足大众这种审美情趣，也使得一部又一部的经典作品横空出世。作为音乐剧中一类独特创作特征的流行音乐元素，也需要我们不断进行学习与研究，本文对校园音乐剧中流行音乐元素该特殊创作特征加以深入分析，希望为促进校园音乐剧向可持续的方向发展作出一份贡献。

关键词：流行音乐元素;校园音乐剧;创新实践

音乐剧对流行音乐元素作用是深远的，本文主要围绕校园音乐剧和流行音乐元素关系展开，而流行音乐是当前覆盖面最广，比较流行歌曲表达形式，容易获得大众接受通俗演唱方法，同音乐剧两者有机融合，促使音乐剧与流行音乐两者都获得了源源不断的生机与活力。特别当今科技突飞猛进发展，新兴事物逐渐涌现出来新时期，人类各方面均已取得质的飞跃，时代发展同大家坚持不懈努力存在密切关系，科技发展与艺术创新二者互相影响、互相促进，也更带有新时代的气息。

一、校园音乐剧概述

校园音乐剧为一类小型音乐剧，音乐剧是一种有机融合了歌唱、舞蹈和戏剧表演的综合性表演。历经一个世纪发展阶段，音乐剧在发达国家备受追捧，让人感到满意却又不置可否缔造艺术和商业间统筹兼顾的双重利益，但是在我国存在的历史并不是很久。顾名思义，音乐剧表演应该具有的特征是戏剧性、整合性、风格化差异化和三项全能特征。正是这些特征使音乐剧从诸多表演艺术门类中脱颖而出，成为当代舞台剧美学综合性的最高标准。相对来讲，音乐剧这一名词还比较新鲜时髦。最近几年，伴随音乐剧持续升温，国内音乐剧相关文字，乐谱还有音像材料等量日益增加，而且我国诸多校园也开始让师生尝试音乐剧编排与创作。音乐剧一大特征便是通俗性，这也是它同歌剧间最大差异①。绝大部分歌剧对于受众审美水平有极高要求，但音乐剧则恰好相反，其大众性特征异常鲜明，掌握起来也更为容易，从多角度考虑，音乐剧较歌剧都更容易让学生接受，学生学习热情也会更高。另外，艺术与娱乐两点音乐剧中均具备，所以对学生课余生活也起到很好丰富作用。特别是当今，综合素质教育在我国大行其道，众多中小学也陆续开展艺术综合教学，音乐剧这一良好载体备受瞩目，对音乐剧中流行音乐元素这一独特创作特征加以研究，对我国全面开展综合素质教育意义重大。

二、流行音乐元素在校园音乐剧中的创新与实践

首先，震撼人心视听效果。很多音乐剧成功之处便在于在音乐剧作品中不单融入法国大型歌剧，浪漫主义还有英国民谣等古典音乐元素，还融入大量流行音乐元素，这些音乐节奏平稳、旋律简单。配合旋律特征方面，作曲家偏向流行歌曲创作风格特点，促使受众可以单纯由音乐当中体会音乐真谛;配器特征方面，把流行爵士音乐、电声等元素融入管弦乐中，制作出使人眼前一亮音色效果。各类形式流行元素有机融合，创作出无与伦比动人曲调，让观众享受一场别开生面视听大餐②。其次，寓教于乐大众情趣。将流行音乐元素融于音乐剧中，对所有学生受众都具有不可替代重要作用。音乐剧中侧重流行风格作品，因其优美动人，朗朗入口特征变成学生生活娱乐重要组成，也成为其情感寄托与生活写照，让广大师生学习生活变得多姿多彩，为一种不可多得的调味剂。该类音乐对压力较大及学业繁重学生来讲，也不失为一类娱乐消遣好办法;音乐剧中各类西洋乐器伴奏，促使音乐渲染力加强，对学生陶冶情操及拓宽视野非常有利;另外音乐剧中多一些比较夸张的呐喊、尖叫等声音异化处理，充分调动其学生们的好奇心，让他们由精神与心理双方面得到刺激快感。再次，雅俗共赏审美品质。校园音乐剧会沿用很多古典歌剧段落，采取宣叙调、咏叹调或古典音乐背景，也说明其在追求通俗性和娱乐性同时，仍然要维系其自身高洁品质。优秀音乐剧作品需要充分打破雅俗对立状态，拉近雅俗间距离，达到雅俗共赏交融情境③。相比其它古典音乐剧来讲，校园音乐剧桥段融入更多流行音乐元素，这不仅是为了让学生感到更亲切，更容易接受，另外学生审美水平与音乐素养也会在不知不觉中，或在音乐剧享受过程中不断得到培养。

三、 结语

假使说八二年由中央歌剧院《我们现在的年轻人》视作富有我国特色音乐剧，定义成我国当代自创音乐剧，则中国音乐剧也不过短短二十来年时间。但通过国人不断摸索，我国文艺与教育工作者的持之以恒，近年来我国自创剧目越发增多，经验积累也越发丰富。无论歌剧话剧，舞蹈影视，亦或是戏曲艺术，都有对音乐剧的不断考量，音乐剧越发让人欲罢不能，尤其年轻受众，尤其是近些年开展的如火如荼的校园音乐剧，更是让青少年在欣赏音乐的同时不断成长，让流行音乐元素融入于校园音乐剧当中，并不断加以创新与实践，这势必会让我国校园音乐剧未来呈现出一幅更加美好的画卷。

声乐是音乐专业学生的一门选修课，学好声乐有很大的作用。下面是读文网小编为大家推荐的声乐毕业论文，供大家参考。

声乐毕业论文范文篇一：《民间音发展趋势》

摘 要：民间音乐一直是传统音乐中的重要组成部分，而当今许多的民间音乐被列为世界非物质文化遗产，这不禁引起了人们对它的关注，同时它的传承与保护也变的尤为重要。通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。

关键词：民间音乐;传统音乐;发展趋势

中华民族有着广阔的疆域，众多的民族，丰厚的文化底蕴，传统音乐这种世代相传、具有民族特色的本土音乐也是我国悠久历史文化的一部分。民间音乐是传统音乐中不可缺少的的部分，民间音乐是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分。

一、中国传统音乐与民间音乐

中国传统音乐指的是中国人运用本民族固有的方法，采取本民族固有形式创造的，具有本民族形态特征的音乐，其中不仅包括在历史上产生的、历代相传至今的古代作品，也包括当代中国人用本民族固有形式创作的，具有本民族固有形态特征的的音乐作品。民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。伍国栋老师对其作如下界定“民间音乐是当今世界各国、各民族传统音乐文化中存见的一部分既古老又现代的音乐文化类型，是创造于人民大众又供人民大众在日常生活中通过口传心承方式来共同操纵、共同享用、共同演绎和共同传承的一种非专业的社会音乐文化产品。”①如此一来更有效地认证了民间音乐的地位。

二、民间音乐的独特价值

民间音乐是人类音乐中最丰富的宝藏，也是世界非物质文化遗产的重要成员，它随着历史进程的发展，是人类历史的见证，具有独特的价值，如人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值。(1)人文价值，是指民间音乐反映的历代各族人民的社会生活、历史事件、生活习俗等人文资料。如在编写地方志时，民间音乐是不可或缺的部分。(2)学术研究价值是指民间音乐自身的发生、发展、演变及其规律，如五声性调式的特点、多声部民歌的研究等都可作为世界上的中国音乐文化符号。(3)审美价值则体现在民间音乐积累了优秀的曲目，它们是以中国人民的审美和要求而流传下来，在流传中千锤百炼、凝聚成为高度艺术感染力的音乐形象，有的催人泪下，有的令人心旷神怡，具有高度审美价值和欣赏价值，是人们精神生活中不可多得的艺术。(4)民间音乐具有音乐创作的素材价值，民间音乐作为民族音乐的基础，曾哺育了历代的文人音乐家和宫廷音乐家;同样也启发了中国新音乐的专业创作和通俗音乐创作。

三、民间音乐的发展趋势及思考

1.民间音乐的传承与保护。“民族音乐文化是民族本质最完美的音乐表现”②。民间音乐不仅是中国传统音乐的瑰宝，更是世界民族文化的骄子，因为它不仅代表着一种艺术，更诠释着一个民族的本质，也是人类精神文化交流的一种媒介。于此，保护和传承民间音乐是我国经济环境下的一项重要的文化策略，而人民也应根据各民族音乐的特点做出适当的保护措施，以便更完整的保留住它的本质。然而民间音乐内容形式的多样化使得保护工作变得困难，它不仅是一种文字或影像上的保护，更是一种无形的深入人们内心的认可与保护。于此，音乐工作者应该注重民间音乐的传承和发展，做好这项艰巨的任务。深入民族地区进行田野考察，立足于国际，各地区各民族等全方位，多角度的学术视角，采取科学的研究和论证。在尊重民族、尊重传统的基础上对民间音乐文化进行传承与发展，是我国更多的民间音乐走向国际化的舞台。

2.民间音乐的传承与发展。民间音乐是中国传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有活力的部分，它在在历史的长河中紧随着人民生活，既延续又演变的流动着。世界上每个国家都有自己的民族和他们独特的音乐文化，也是这种音乐文化代表着当地人们的一种生活环境和精神上的审美。也正因为如此，世界才呈现出多元化，而随着社会全方位的发展，各个国家对自己音乐文化的保护也上升到一个重要的阶段。中国作为一个多民族的国家，有着有着辉煌灿烂的民族文化，民间音乐作为一种丰富多彩的文化，对中国音乐的发展起着极其重要的作用。同时，在国际音乐中，他们也渐渐代表着一种中国独特的音乐形象。“传承发展是延续传统的动力，是传统音乐的生命力。只有建立传承人保护机制和抓好传承措施，中国民族民间音乐作为一种非物质文化遗产，才能随着物质文明和精神文明的不断传承发展而日益繁荣。”③

四、结语

民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。民间音乐具有独特的人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值，通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。

注释：

①伍国栋.中国民间音乐[M].杭州：浙江教育出版社，1995.

②杨立梅.柯达伊教育体系中传统音乐传统的继承与发展[J].中国音乐，2000(01).

③冯光钰.传承发展是对非物质文化遗产———中国传统音乐的最好保护[J].音乐研究.2006(01).

声乐毕业论文范文篇二：《音乐论文发表-音乐游戏》

摘 要：在音乐游戏教学中教学生听辨音乐的音高、节奏、强弱、节拍、速度、情绪等基本要素，并在训练听觉的同时引导他们用身体动作来表现这些要素。使自己的身体与音乐默契配合成为一个整体。

关键词：音乐游戏;音乐教育

一、游戏的定义

拉夫·科斯特：(索尼在线娱乐首席创意官)游戏就是在快乐中学会某种本领的活动。辞海这样描述游戏：以直接获得快感为目的，且必须有主体参与互动的活动。这两个定义说明了游戏的两个最基本特征：(1)以直接获得快感(包括生理和心理的愉悦)为主要目的。(2)主体参与互动。主体参与互动是指主体动作、语言表情等变化与获得快感的刺激方式刺激程度有直接关系。

二、音乐游戏的概述

首先是由音乐作为主导的游戏活动，音乐是一门培养儿童创造能力的重要学科，在教学中教师要善于运用各种直观的教学方法，如生动有趣的唱歌游戏，律动自编舞蹈表演，加入伴奏乐器等，这些方法的灵活运用是音乐教学当中是直接有效吸引小朋友的办法，让他们在一节课四十分钟内感兴趣，专注聆听和学习的动力。针对小学生儿童的生理特点心理特点，应特别重视设计音乐游戏活动，对发展儿童的音乐想象力，引导有意识的进行创新。儿童往往年龄小，好动的本性比较强，对于音乐学习来说，知识也好，技能也好，整体音乐素质也好，均离不开音乐兴趣与爱好这个根本源泉。美国著名音乐教育家穆塞尔和格连在其《学校教学心理学》中写道：“假如我们能在一个孩子身上唤起对音乐的一种强烈的热情，假如我们能把这种兴趣延长若干年并且缓步地把它提到更高水平的话，那么，即使他永远成不了一个技艺名家，他也将通过音乐找到他的个人幸福…….这是音乐教育的主要任务。”

三、奥尔夫音乐教育的特点

1.以人为本，突出音乐教育人性化。奥尔夫的音乐教育是以学生为中心、一学生的发展为本的，可以这样说，在奥尔夫音乐课堂上，学生在真正意义上“走进了音乐”。这种音乐与他们的生活息息相关，并能充分表达自我的情绪情感，体现出人文关爱。

2.在“做”中学，突出音乐教育游戏化。教育学家罗杰斯提出了活动学习理论，即有意义的学习都是在“做”中进行的，在做的过程中，新旧知识逐渐形成了自然地本质联系。对于年级较小的学生更是如此，以他们理解，“做”就是玩，就是游戏。高尔基说“儿童通过游戏，非常简单，非常容易的去认识周围的世界”。儿童他们的兴趣还不稳定，因此当他们从事某一项活动时，一遇到外界的一些干扰，就容易发声兴趣转移，但是，他们为不会变的兴趣是游戏。只要我们在音乐环节中加入游戏，加入合理儿童感兴趣的活动，他们就会专注，有兴趣去了解音乐带给他们的欢乐。德国音乐教育家奥尔夫主张，儿童音乐教育应该从孩子的生活天地里取材，让孩子在玩乐中学习音乐。音乐游戏具备了将音乐听觉表象体现在行动之中的功能。让儿童从音乐中来——感受音乐(听音乐)：到音乐中去(音乐游戏)：再回到音乐中去——达到音乐教学的目的(掌握音乐)。

四、游戏在儿童课堂中的实践

1.音乐游戏在音乐教育中具有承上启下的作用。课堂中的每一段引言、每一项教学活动，每一个音乐游戏都要有连贯性。有些课例我们可以通过这样去做的：通过用身体姿势创造形成各种图形，培养群体协作能力。

老师：我今天给大家出一道难题，你们会写阿拉伯数字吗?

学生：当然我们上幼儿园时就会写了。

老师：那你们会用身体写吗?

学生：………

老师：你们现在笔直的站起来，就是一个“1”字，你们还可以躺在地上用身体摆出阿拉伯数字1—9来。现在你们讨论一下，看看怎么摆又准确又有创意。当学生遇到困难时，比如摆不出“2”的造型时，教师应该给与必要的提示，可以两三个同学合作完成这个造型。

让学生一同商议如何合作摆出图形，其他组可以评价哪些地方有创造性，哪些地方还不够准确，应如何改进。如果学生顺利完成任务，教师可以进一步加大游戏难度，在黑板上画出各种教学需要的图形，用打击乐器进行声音造型。当学生掌握声音造型的基本方法后，启发学生以组为单位，从生活中提炼可以用声音表达的图形。先将图形画出来，再用各种方法创造声音造型。

2.教师在音乐游戏中起贯穿作用。教师在运用游戏激趣法时必须注意四点：第一、游戏目的要明确。第二、游戏的规则要叙述清楚。第三、游戏纪律要张弛得当。第四、游戏道具提前准备，这样才能让游戏真正成为课堂中的“闪亮点”和“兴奋点”。点燃学生心中的音乐火花。另外，在运用游戏时除了向学生讲清楚游戏的规则和注意事项外，还要求儿童必须遵守规则，服从教师的指挥，掌握游戏的步骤和方法，如有歌曲的游戏一定要唱好歌曲，训练音准的游戏一定认真聆听琴声等，否则就会妨碍游戏的进行。

总之音乐游戏是一项很好的音乐实践活动。希望大家重视它的价值，走出自己教学中的一些教学误区，充分发挥音乐游戏教学的巨大作用。不仅要挖掘音乐教材中美的各种因素，而且还要善于启发诱导学生以美执行，使他们在学校美育教育活动的实践中，自己去认识美，体验美，掌握美、表现美、创造美。

声乐毕业论文范文篇三：《高校声乐教师如何提高声乐教学效率》

摘要：声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，教师要掌握科学的发声方法、全面的文学以及音乐素养，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。

关键词：声乐 高校声乐教师 教学效率

“音乐是人生最大的快乐，音乐是生活中的一股清泉，音乐是陶冶性情的熔炉。”这是我国著名的音乐家冼星海的名言。音乐是一种情感的艺术，而在音乐艺术中，最古老而又最受欢迎的音乐形式当属声乐，它能够具体的表达出演唱者的感情，引起欣赏者的共鸣，是一门传情的艺术。声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，需要长期的训练、实践才能看到效果，不是一蹶而就的课程。更不是一门简单的学科，需要在长期的训练中，掌握其中的方法，并且坚持进行反复的练习、深入的研究，才能够逐渐熟练地掌握演唱的方法及规律，达到较为理想的演唱效果。当前高校声乐教师肩负着提高声乐教学效率的重担，因此仅仅是掌握科学的发声方法、全面的文学以及音乐素养是不够的，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。

高校现行声乐教学中有存在着不少问题，如教学效率低、学生成才速度慢、学生声乐水平停滞不前以及学生声乐水平倒退甚至会有导致学生坏嗓的教学失误。而导致这些教学失误的原因主要有：部分高校声乐教师不能真正掌握歌唱艺术真谛、缺乏正确的歌唱艺术观念，无法正确引导学生进行声乐学习;很多高校声乐教师不懂得遵循声乐教学心理，没有很好的行之有效的教学方法及训练手段;学习声乐要有好的嗓音条件以及较强的乐感和良好的心理品质，而部分学生并不具备这些条件。因此，要正视现状并且结合高校学生的年龄特点，着重研究和提高声乐教学的方法及效率，提高高校声乐教学效果。

1.高校声乐教师要不断提高自身素质

一名专业的高校声乐教师应具备较强的专业技能水平，使学生信服于自己的专业素质，充分调动起学生学习声乐的兴趣。因此在声乐教学的过程中，就要求声乐教师要不断地提高自身素质，并且不断更新教学观念、改革教学方法，提升教学魅力，做一名德才兼备、“技”“艺”兼通、教研相融的声乐教师。

2.高校声乐教师应具备良好的乐感与文化艺术修养

要增加自己歌唱的自信、放飞自己的歌声，更好地表达歌曲的内涵就要有良好的音乐感觉。好的演唱是建立在科学的发声技巧、丰富的情感体验以及浓厚的文化底蕴的基础上的。作为高校声乐教师只有具备了良好的乐感以及全面的文化艺术修养，才能使技艺完美结合，更好地表达优秀的声乐艺术作品，才能够为祖国培养出更多优秀的声乐演唱艺术人才。

3.高校声乐教师应具备较强的声乐演唱能力和范唱能力

教学注重言传身教，而声乐教学尤其如此。只有具有较高声乐演唱水平及较好的范唱能力的教师才能在声乐教学中起到很好的言传身教的作用。声乐教学中最为直观的教学方式方法就是范唱，它可以通过直接的耳濡目染激发学生的学习兴趣，提高学生对歌曲的理解以及艺术表现能力，通过聆听教师的范唱学生还可以直接模仿教师的歌唱方法。而不具备良好舞台演唱及范唱能力的声乐教师，只是讲解理论，不管讲得多好，但是如果缺乏技能的实践操作，还是不能够使学生很好的理解，这样的教学就不能够起到应有的作用，可以说是失败的教学。声乐是一门复杂的技巧技能课程，不具备范唱能力的声乐教师会使学生学习起来感觉到迷茫，而一些教师的错误的范唱，就是误人子弟了。

4.高校声乐教学应遵循教学规律

高校声乐教师应遵循循序渐进得教学规律来进行教学活动。有浅入深、由易到难、由简到繁地进行教学，是学生循序渐进地掌握所学到的知识与技能。声乐教师在教学过程中要目的明确，每一堂课都必须做到能承上启下和前后呼应：当天所教授的内容与要求，应作为第二天所讲授内容的基础;而第二天的教学内容与要求，又是当天所教授内容的延伸与发展。

5.高校声乐教师要科学的组织课堂教学

水平不同的声乐教师就会带来不同的课堂效果。教师要科学有效地组织课堂教学：首先要熟悉教学大纲和教材并且掌握每一节课的训练意义及方法，对每一节课的每一个环节，例如练声、歌曲、节奏、停顿、高潮等做好周密的考虑和设计;其次要明确每一节课的训练目的和意义，确定达到这一目的的手段。

① 教学过程要彰显民族化及个性化

声乐教师应不能用高高在上的威严姿态来面对学生，而应以民主平等的态度来跟学生进行心理上的交流，建立起民主的师生关系;以平等的、合作者的态度来创造课堂上轻松和谐的教学氛围，建立起课堂上的民主气氛。只有这样才能培养学生良好的歌唱情绪，在轻松的心理状态下歌唱。歌唱是一种二度创作的过程，学生的性格、文化素养以及理解能力和嗓音条件不同，就会有不同的演唱个性以及审美个性，声乐教师应充分尊重学生的审美个性，维护学生的主体地位，鼓励学生个性化处理。

② 运用现代化的教学

传统的声乐教学几乎是凭借教师个人经验和感觉，教学效果不是很理想。现在可以引进现代化的科学技术，尽量减少主观因素，使教学更加直观。使用多媒体电脑和数字音频卡(或者能够录音的声卡)及音频软件，在声乐教学中利用数字化技术对声音的波形进行分析，使声音能够看得见，使声乐教学直观化。学生还可以在老师的指导下，以自己的声音为参照切实感受声乐学习中的点滴，比如声音的位置、咬字及音准等。教师还可以把上课的情况进行录音录像，让学生在课后观看练习，使课堂教学延伸到课外，提高学生的自主学习能力，从而提高声乐课的教学效率。

参考文献：

[1]王岱超，胡郁青.如何提高高师声乐集体课的教学效果.西华师范大学学报(哲学社会科学版)，2005年.第4期.

[2]蒋娟全.高师声乐集体课教学探讨.湖南科技学院学报，2008年.第10期.

[3]陈晓鹏.浅谈高校声乐课的有效教学.佳木斯大学社会科学学报，2000年.第4期.

民族民间声乐包括的面很广,种类繁多,在高校的声乐教学研究中对民族民间声乐演唱风格的研究是当前的一个热门话题,对其挖掘整理研究的潜质和空间较大。下面是读文网小编为大家推荐的声乐论文，供大家参考。

声乐论文范文一：音乐论文

【摘要】民族音乐作为一门独特的艺术，本身不仅蕴含着极高的艺术价值，还能够很好地表达思想情感，时而低沉缓慢、时而慷慨激昂的民族音乐，可以将思想情感表现得淋漓尽致。本文简要论述了中国民族音乐中所蕴含的艺术价值与情感元素。

【关键词】民族音乐;艺术价值;情感元素

一、中国民族音乐中所蕴含的艺术价值

中国民族音乐历史悠久，可追溯至7000多年前。在几千年的历史长河中，各民族民间音乐不断发展传承，流传至今的许多民族民间音乐都具有极高的艺术价值。一是中国民族民间音乐，具有极高的美学价值。中国民族民间音乐美也表现在许多方面，有些少数民族音乐给人一种赏心悦目的优美、壮美之感;有些少数民族音乐蕴含着一种悲剧美、喜剧美等。静心听一曲蒙古族歌曲，亦如站在苍茫草原上，感受着美丽大自然的壮美，如倾听“呼麦”，有一种亲临高山之感。我国疆域辽阔，少数民族众多，每个民族由于历史和文化环境不同，都会产生出不同的民族音乐，具有不同的艺术价值，正是因为文化氛围不一样，音乐审美的内涵才更加丰富。二是中国民族民间音乐，具有极高的史学价值。各民族文化不同，其民族音乐也可以反映不同的民族文化，以现存的少数民族音乐为基础，不仅可以追溯考证其民族音乐历史，还可以追溯考证其民族发展史，民族音乐的考证价值是其他史料无可替代的。如魏晋南北朝时期，民族融合不断加强，这一时期流行的音乐具有各民族文化特色，如高昌乐、西凉乐、鲜卑乐、龟兹乐等，都有着明显的民族融合的痕迹，中华文明史上的优秀作品《救勒歌》，更是这一时期具有代表性的民歌。隋唐时期，封建社会音乐文化获得了很大的发展，宫廷音乐中有很多少数民族音乐。因此，通过对某民族音乐的研究，可以了解更多民族间分化、融合的历史，研究少数民族音乐音乐史，可以进一步明确民族的族源关系，可以说，民族音乐可以作为历史考察的另一面镜子。三是中国民族民间音乐，具有极高的哲学价值。许多少数民族的原始歌谣，反映了一定的哲学思想，各民族的先民们通过歌谣表达情感，表达对自然万物的崇拜，寄托自己的愿望。元代蒙古族的宴歌《茫茫大海》，就是具有代表性的表达哲学思想的歌谣，这首歌不仅劝诫人们要遵循宇宙变化规律，还从另一个侧面告诫人们要“齐心团结紧密合作”，如果“听信谗言和相互猜忌”，最终必然会走向灭亡，从哲学的角度表达了辨证和唯物主义宇宙观。

二、中国民族音乐所蕴含的情感元素

(一)民歌音乐中的爱国之情与思乡之情

中国民族音乐不仅蕴含着极高的艺术价值，还蕴含着丰富的情感元素。作为古老的世界文明古国，许多民族音乐都饱含着浓浓的爱国之情，抒发人们对于祖国的热爱，对于故乡土地的眷顾和留念之情，如：《歌唱祖国》《多情的土地》《义勇军进行曲》等。尤其是上个世纪，涌现出了许多热爱祖国、热爱民族的民歌。《义勇军进行曲》是在民族危亡时刻涌现出来的民族歌曲，充满激昂的旋律，震撼的音乐效果，饱含着丰富的感情色彩。新祖国成立后，民族歌曲获得了蓬勃发展，涌现出许多歌颂祖国新环境、新气象的歌曲，如《歌唱祖国》等，解放后，将人们当家做主的喜悦之情淋漓尽致地表达出来。对于故乡的情感，中国人有着特别的理解，在人们的心中，故乡永远是美好的，故乡的山，故乡的水，故乡的人，给我们的一生留下不可磨灭的印记。即使在外漂泊，游子的内心也深深眷恋着故乡。为了表达对故乡的情感，许多人都喜欢通过歌曲来倾诉衷肠，如《孔雀东南飞》《嘎达梅林》《谁不说俺家乡好》《歌唱美丽的家乡》等，在展现故乡情方面，民族歌曲可以展现出独特的功效，在华夏这片领土中，“乡情”有着不可替代的地位，思乡之情，恋乡之情，体现这一情感的歌曲给人一种身临其境的恬静之美。

(二)民歌音乐中的亲情、友情、爱情

家庭给人带来的温暖，在外流浪时，家是一种幸福的期盼，亲情可以给人们以心理上的慰藉。民族歌曲赞美亲情，就是用爱来感化每一个人，从小家到大家，我们生活在中华民族这个大家庭中，就要热爱我们的祖国，热爱我们身边的每一个人。在表现亲情方面，民族歌曲有两种，一种是狭义的，一种是广义的，比较广义的亲情歌颂更容易获得人们的理解，使人们产生共鸣，感受到亲情的伟大、亲情的亲切。“在家靠亲人，出门靠朋友”，友情与亲情一样，都是人生必不可少的内容。歌颂友情的民族音乐，乐曲一般比较平稳、流畅，不像表现爱国之情那样豪迈，像《朋友》《朋友的酒》等歌曲，让我们在欣赏之余可以感受浓浓的情谊。爱情是个不朽的话题，在民族歌曲中，表现爱情主题的歌曲也非常多，这类歌曲相对欢快、乐曲悠扬，给人一种美的感觉。如《康定情歌》《绣荷包》等表现青年男女间爱情的民族小调，蕴涵的美感深刻地影响着许多年轻人的精神世界。

参考文献：

[1]王超慧.从我国少数民族音乐传承现象中引发的思考——当代科学视野中的音乐传承现象研究[J].黑龙江民族丛刊，2013(06).

声乐论文范文二：音乐论文发表

[摘要]音乐作品在一定程度上反应了历史地理、人文风俗、思维方式、价值观念等方面的信息，时下广为流传、深受欢迎的英文歌曲承载了较多的英文语言语法知识，包含了丰富的文化背景内容，渗透着浓郁的生活气息;将音乐歌曲引入大学英语教学，可以有效地改善传统的大学英语教学方法，激发学生学习的积极性和主动性，提高学习效率。

[关键词]音乐;英文歌曲;英语教学

英语语言学习主要包括两个方面，一是语音、词汇、语法等语言结构的学习，另外就是语言使用规则的学习，即语言使用是否得体等诸多因素的学习。传统英语教学多偏重于语言结构学习，且教学方法枯燥，学习内容单一，学生学习兴趣不高，学习效率低下，对英语语言学习产生了极为不利的影响;而歌曲，作为一种旋律优美的聆听式语言，为大众广泛接受和喜爱，且歌曲在语言结构和语言使用规则等诸多方面与英语语言学习密切相关。因此，将英语歌曲引入大学英语教学，能够从根本上解决英语学习者对语言的惧怕心理，调节学习情绪，激发学习兴趣，同时改变了枯燥的教学方式，促进学生对所学知识的内化和吸收。

一、当前大学英语教学现状分析

(一)传统教学模式和应试教育的影响

长期以来，我国英语课程以讲授法为主，侧重教师的地位和作用。同时，80年代广为外语学习者接受的二语习得理论，尤其是语言“输入”“输出”理论对英语教学产生了更为深刻的影响，教师与学生之间的关系机械化为知识的传授者和接受者，“填鸭式”教学方法风靡英语课堂，并广为学生接受。经过高中阶段的学习，“教”与“学”的教学模式已经内化为学生习惯的学习方法，学生在学习过程中逐渐丧失主体地位，对教师的依赖程度较强，缺乏自主学习和自我约束能力，不愿主动地探索教学内容，所以一旦进入大学，缺少了“高考”这根指挥棒的影响，学生容易缺乏清晰的学习目标，也无法掌握相应的学习策略，学习兴趣低下。

(二)大学阶段英语的课程设置的局限性

早在2007年，教育部高教司就已经颁布了《大学英语课程教学要求》，成为指导大学英语课程教学的重要文件。它承认教学过程中个体存在的差异性，并且根据对英语应用能力掌握情况的不同，将教学要求分为一般要求、较高要求和更高要求三个层次。《课程要求》指出“各高等学校应根据实际情况，按照《课程要求》和本校大学英语教学目标设计出各自的大学英语课程体系。”这一方面赋予学校较大的课程设置自主权，使学校可以很据自身特点灵活调整课程，确保不同层次的学生在英语应用方面的能力得以训练和提高。但是，虽然多年来很多院校致力于课程改革，但是仍然很难充分考虑到不同层次学生的需求，目前本科院校非英语专业的大学英语教学仍然存在教材陈旧，教法单一等一系列问题，不能因材施地满足学生的求知欲，学生普遍存在学习倦怠和兴趣不浓现象。更严重的问题是大学英语课程设置导致了程度较高的学生无法满足，程度较差的学生无法完成课程要求，出现了两种极端，教师也因此陷入一个两难的境地。各学校有必要根据自身特点，设计出一套较为合理的课程教学方法，满足不同学生的学习需求，真正做到因材施教，调动尽量多的学生的学习积极性。

(三)新形式下大学英语课程存在的问题

改革开放以来，大学英语作为高校一门必修基础课程存在，课时量大，学分比重较高，广受关注。但是日前一则调查显示，大学英语与实际脱节，成为最令学生失望课程之一。新京报所做的调查还显示有52.5%的参与者认为“大学英语课没用”，受访学生表示对大学英语教学满意度较低，不少学生认为大学英语课程没有提升自己的英语水平，“教材陈旧，与实际脱节”、“教学模式过于传统”、“应试色彩重，能力培养少”是学生反应的主要问题。有学生认为大学英语学习的目的性不强，课程设置不以四六级考试为主要授课内容，又没有像专业英语那样与专业紧密相连，学生缺乏学习的动力，学习兴趣低下，教学目标难以实现。

二、音乐在大学英语教学中的作用

(一)音乐歌曲与语言学习的关系

音乐与语言相伴相生，产生于相同的现实基础，歌曲作为音乐的一种表现形式，是语言化了的音乐。乔姆斯基(Chomsky)，美国著名语言学家曾指出，音乐结构和语言结构的关系就像脚趾与手指的关系一般，有着相似的形态机制和共同的发展基础[1]。语言和音乐除了在节拍、旋律和声调的高低方面有较大的重合点外，二者在韵律、重音和曲调方面也有很多相通之处。英国语言学家帕尔默(Palmer)曾经说：“语言和音乐的节奏关系能在歌曲中得到最明显的体现”。[2]美国哈弗大学的霍华德?加德纳教授在他的著作《智能的结构：多元智能理论》一书中系统地论证了语言与音乐的密切关系，他认为，人们对音乐的感知与对语言的感知是相通的，并且人类对音乐的感知会正迁移于人类对语言的感知，音乐感知对人类的语言发展有着巨大的促进作用。另外，教育家很早就发现，早期的音乐教育有助于开发学生学习语言的潜能，同时提高语言表达能力。美国音乐学家L.Mason早在19世纪就认为小学应该开设音乐课，这一想法得到语言学习者的大力支持。大量的研究发现，语音语调把握比较准的英语学习者乐感不会差，而相反，五音不全的学习者在语言学习的过程中最容易出现语音语调等方面的问题。因此，在语言教学过程中进行音乐方面的熏陶可以起到潜移默化的作用，达到事半功倍的教学效果[3]。

(二)音乐在激发学生的学习动机，提高学习兴趣方面的积极作用

学习动机是指激励并维持学生的学习行为，并使之朝向某一目的的学习行为的动力倾向，它是成功学习一门语言的重要因素之一。只有当学生产生了强烈的学习动机，有了“我要学”的念头之后，才会发自内心的按照自身需要主动进行认知结构的调整，自发进入到语言知识结构的构建之中去，因此，学习动机是学好外语的前提。作为在大数据时代环境下成长起来的新时代的大学生，传统的课本及课堂教学逐渐失去其魅力，他们经常被新奇的事物所吸引，学习动机往往来源于有趣的教学内容和有吸引力的教学方法。英文歌曲作为现代艺术的表现形式，以其优美的旋律、明快的节奏和抒情的歌词吸引并打动学生的心弦，让一系列的英文知识以一种全新的方式进入学生的学习生活中，因此，英语歌曲教学成为了学生愉快学习的有效方式，英文歌曲通过声波刺激学生的中枢神经，激起头脑中一系列智能活动，从而产生良好的专注情绪，形成一种愉快的情感体验，使学生的认知心理和情感心理产生共鸣，激发学生的学习动机，产生强大的学习内驱力。美国现代教育学家布鲁姆说：“一个带着积极情感学习课程的学生，应该比那些缺乏热情、兴趣或乐趣的学生，或者比那些对学习材料感到焦虑和恐惧无趣的学生，学习的更加轻松，也更加迅速。”[4]因此，在英语语言教学中，教师应该积极探索新的教学方法，营造轻松的语言学习环境，提高学生的学习积极性和学习兴趣，激发学生的学习动机，并且尽量促使其在今后的学习生活中将所学到的有限的语言知识进行有效迁移，达到最佳学习效果。

(三)音乐在英语语言知识学习方面的促进作用

英语，作为一门语言课，本来应该充满联想与想象，有较灵活的授课方式，但是受应试教育机制和“科学教育”观念的影响，英语课堂成为程式化的词汇讲解、语法分析、段落划分和修辞学习的场地，学生在课堂上不能自由发挥想象，只能以死记硬背为主要任务，无法了解语言之外的内容，因而在多年的课堂学习后并不能准确地理解和恰当地使用语言。目前多数大学英语教材内容陈旧乏味，教学手段单一枯燥，教师在课堂上很难调动学生学习的积极性。事实上，语言本身不仅仅是一种交流工具，它满含情感，充满人生体验，可以陶冶学生情操，在拓展学生视野的同时磨练他们的意志，丰富其人生经历，培养他们的学习能力，提高文化素养。而英文歌曲因其自身特点很好地融合了语音语调、词汇、语法和文化知识，成为新时期学习英语的助力，且只要选择恰当，教学设计合理，可以有效增强学生学习动机，达到更好的教学效果，同时也促使教学形式多样化。歌曲作为语言的特殊形式，受到年轻人的热烈追捧，将歌曲进入大学英语教学，可以从语音语调、词汇、语法等方面提高学生的语言能力。

三、音乐在大学英语教学中的应用方法

(一)音乐以课堂导入形式进入大学英语教学

导入是教学中的一个重要环节，是一节课的“序曲”。在教学过程中，精心设计的、有针对性的导入能够引发学生的好奇心，激发学生学习兴趣，营造轻松的学习氛围，使学生很快进入教学情景，从而激起学生的求知欲，为进入课堂教学做好准备。一个成功的导入是一节课成功与否的关键，理想的课堂导入具有激发兴趣、吸引注意力、温故知新、活跃气氛、营造情景和指引教学等功能。新时代的大学生是在音乐的熏陶下成长起来的一代，他们突出的共同特点就是喜欢音乐，并对全球范围内流行起来的音乐歌曲有自己独到的见解。在课堂设计过程中，选择与教材内容紧密相关的歌曲作为导入，可以活跃课堂气氛，消除学生对英语课的厌烦心理，增加学生学习的自信心。例如在讲解新视野大学英语第二册第二单元的“LearningtheOlympicStandardforLove”时可以播放Olympicthemesong“HandinHand”，将学生快速带入到与奥林匹克运动会相关的文化背景知识范围内，使其进入良好的心理准备状态，全心贯注地开展学习。运用音乐作为导入进入大学英语课堂，不仅可以激发学生的学习动机，调剂学生学习情绪，还可以培养学生的审美观，而且对学生树立正确的人生观和价值观产生积极的作用。

(二)音乐以语篇的背景音乐形式进入大学英语教学

针对音乐与外语学习之间的关系，心理学家做过大量的研究，指出在学习外语的过程中加入经过特定技术处理的背景音乐可以加强学生的注意力，提高学习效率。和谐、悦耳的音乐既可以使人们心情舒畅，同时也使人体产生一些内在的变化，促使部分器官产生一些有益于健康的激素、酶和乙酰胆碱等物质。此类物质不仅可以使神经细胞兴奋，还能通过控制内脏功能来调节血液流量，从而增进神经系统对视觉和听觉的敏感性，使学生在轻松愉悦的环境中接受语音语法知识，增强学生的注意力和语言能力。背景音乐的作用除了提高注意力，还起到排除学习干扰的作用。学生在听课或学习的过程中较多地使用大脑的左半球，而此时右半球也在无意识地吸收一些与学习无关的信息，此时加入背景音乐，可以屏蔽这些无意识吸收的信息，使大脑两个半球都集中在有效信息的学习中，提高学习效率。目前高校大学英语课程中读写课程占较大比重，课文精读部分篇幅较多，内容繁杂，生词量大，句子结构复杂，是学生普遍厌烦的一个学习模块。为提高学生学习兴趣，改善烦闷的学习环境，可以在语篇学习过程中加入背景音乐。在选择背景音乐时应谨记音乐是为语篇学习服务的，因此应该选用总体音量较轻缓，以抒情为主的轻松的乐曲，但是可以根据具体情况略作调整。背景音乐运用得当，可以增强学生的注意力，使学生在轻松愉快的环境下接受知识，消除学习疲劳，屏蔽学习过程中的干扰信息，启发学生的发散思维能力，在提高学生学习兴趣的同时提高学习效率。

(三)音乐以赏析形式进入大学英语教学

由于经济全球化和社会生活信息化的影响，知识不断地被量化、数据化和商业化，书本知识逐渐丧失了以往的权威，传统的英语课堂已经无法满足学生的学习需求。因此，在大学英语教学过程中，可以根据课本内容，为学生选择题材相关的音乐歌曲进行赏析教学。音乐歌曲是人们生活的写照、文化的缩影，深刻反映了文化特征和价值观念，将歌曲赏析，特别是英语歌曲赏析引入大学英语课堂，可以在激发学生学习兴趣的同时培养学生的个性和自主学习能力，拓宽知识面，使有限的英语课堂发挥无限的教学功能。在英语教学过程中引入歌曲，学生的知识面也相应地从书本扩展到社会生活的各个方面，从单调刻板的语言知识学习到丰富的文化背景熏陶，提高了学生的学习兴趣，促使学生积极主动地查阅相关资料，包括与歌曲创作相关的背景、创作者的人生经历，并以此作为课外泛读的资料，在培养学生学习兴趣，提高学生阅读能力的同时也扩大了学生的文化知识面，反过来也更好促进了语言知识的学习，帮助学生打开一条通往实用英语学习的途径，加深了对语言和文化知识的学习和体会，同时了解到使用语言交流的精髓。将英文歌曲引入大学英语教学可以改变传统的教学方法，改进单一的教学手段，激发学生的学习动机，提高学生的学习兴趣。学生通过英语歌曲的学习，不仅可以增加语言与语法知识，扩充词汇量，提高口语表达能力，并且可以接触较为贴近现实的西方文化，增强学生的跨文化交流能力。语言的学习是一个潜移默化的过程，在大数据时代，一切可以提高学生跨文化交流能力的教学方法都可以应用到大学英语教学的过程中，将英文歌曲引入大学英语教学应该成为新时代大学英语教学的方法。

参考文献：

[1]王赟.提高大学英语听力的有效途径———英文歌曲的教与学[J].太原大学教育学院学报，2010(6)：101-102.

[2]霍云贞.关于开设《经典欧美英文歌曲赏析》课程的调查[J].长沙大学学报，2010(7)：154-156.

[3]孙凯元.探析英文歌曲与大学英语语法教学[J].吉林广播电视大学学报，2015(3)：68-69.

[4]周爽.从学习动机理论谈大学生外语学习兴趣的培养[J].长春工业大学学报(高校研究版)，2006(2)：88-90.

声乐学士学位论文的写作是音乐院校声乐专业本科生培养计划中的重要环节。写好学士学位论文既关系到学生毕业后能否获得学士学位,也关系到学生毕业后能不能更好地从事声乐学科研究。下面是读文网小编为大家推荐的声乐论文，供大家参考。

声乐论文范文一：浅谈中学音乐课堂实效性的策略论文

每一位学生都是一个珍贵的生命，每一位学生都是鲜活的个体，每一位学生都是一幅精彩的画卷，每一位学生都是一篇生动的乐章。音乐学习是一个“内心的旅程”，是一个非常个人化的过程，是伴随人格完善的历程，每位学生生长的环境不同、学习方式不同、感悟音乐的乐趣不同;表达音乐的方式不同，教师要把全体学生的普遍参与与发展个性的因材施教结合起来。

一、通过音乐课堂培养学生对音乐学习兴趣的策略

我国古代最伟大的音乐教育家孔子曾言：“兴于诗，立于礼，成于乐”，在孔子看来，音乐是人才培养的重要手段。古希腊先贤亚里士多德曾经说过：“既然音乐能带来快乐的享受，而地形在于快乐和爱憎分明，那么，必须阐明的是，没有比培养正确的判断能力、学习在良好的情操和高尚的行为之中求取快乐更要紧的事情了。”苏联教育家苏霍穆林斯基对这个问题阐述的更加明确：“音乐教育――不是培养音乐家，首先是培养人。”可见古今中外的音乐家们都是将音乐教育作为培养性情、陶冶情操的重要方式和方法。通过音乐带给孩子愉悦的体验和感受，让他们喜欢上音乐，爱上音乐，把音乐融入到自己的生活当中，让音乐成为调节他们生活和情绪的习惯。换句话说音乐教育的过程应该是体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程，并在这个过程中，通过符合学生天性的音乐活动，是他们得到健康的成长。

二、通过音乐课堂教学培养学生视唱能力的策略

1.先听后唱，培养视唱能力

音高、节奏是歌曲教学的重要内容，在学生学习歌曲前，首先应让学生听教师的范唱、范奏，对歌曲有所了解。在学习歌曲旋律时，让学生多听老师弹奏，注意音准及节奏，熟悉旋律，其中的难点可反复强调，让学生多加感受、亦可用心中默唱法，听析两三遍后便可以练唱了。这种以听为先，唱在其后的方法，可以使学生在学习过程中视唱能力逐步提高。

2.先说后唱，培养识谱能力

学习音乐，识谱速度的快慢十分重要。在我的教学实践中，曾有意进行这方面的探索，从七年级开始，就进行找音位的练习，我编了一个顺口溜：“五线四间的五线谱，从下往上数一数，下加一线就是do，下加一间就是re，一、二、三线mi 、sol、si;一、二、三间fa、la、do.”在学生熟记此顺口溜的基础上，我在每首歌的教学之前，都让学生先说出几个小节里各音的唱名，熟练之后，我慢速弹琴，同学轻声随琴演唱旋律，这种方法持续到一年之后，C调识谱对学生来说便轻而易举了，学生的识谱能力也自然得到提高，课堂教学也轻松了许多。

3.先读后唱，培养节奏感受能力

有些歌曲的歌词节奏性强，甚至与歌曲节奏相同，如：八年级歌曲《举杯祝福》的节奏，我让学生用先按节奏读词、再听旋律填词的方法，让学生轻松地学会歌曲，同时也培养了学生节奏感受能力。

三、通过音乐课堂培养提高知识能力的策略

新课标提出的是：自主、合作、探究的学习方式。那就是要求老师在确定教学目标后，在过程和方法上灵活多样，完美的完成教学目标。因此，好教师课前能认真写教案，课上能抛开教案，课后又能总结出符合学情的教案。通过多年的教学经验我发现，音乐教育中的知识技能学习，应当根据课堂教学活动的需要，在音乐课教育活动中，加入有限而却是有效的知识技能，音乐教育要求在学生主动参与、投入的艺术教育中，结合学生的生活经验与情感体验，利用学生的兴趣、爱好与探究，将知识技能有机地融入教学活动，让学生在快乐的学习过程中，学到知识技能，获得音乐方面的能力。

四、通过课堂教学的研究，提高课堂教学效率，激发学生的审美能需求，培养学生的审美能力的策略

学校是实施音乐教育的主阵地，音乐教育的重要内容是美育教育，美育教育的核心是审美教育。蔡元培先生曾说：“美育者，应用美学之理论于教育，以陶冶感情为目的者也。”这说明了音乐教育的本质在于审美教育，音乐课堂是落实审美教育的主阵地。

1.培养学生的审美感知能力：就是培养学生拥有审美发现的眼睛;艺术创作是审美感知和审美想像的外化，创作过程中的发现和反思必将进一步促进审美感知能力的发展。

2.培养学生的审美想象能力：想象是一种创造性的思维活动，是审美活动中的一种重要的心理功能。想象是人的一种重要的思维能力。生活是想象的基础，情感是想象的动力，记忆为想象提供材料。因此，教师要注意培养学生尽可能地积累生活经验，丰富学生的情感，增强记忆力，以培养和提高学生的想象力。

3.培养学生的审美表现能力：审美感知和审美想象最终要通过审美表现才能表达出来，音乐技能的训练也不容忽视，在中学生审美表现能力培养的同时审美感知和审美想象能力会得到提高。

4.培养学生的审美创造能力：审美感知是审美的初级阶段，审美想象是审美的内化阶段，审美表现是审美的外化阶段，审美创造是审美的升华阶段，中学生审美能力的培养的最终目标就是培养学生的审美创造能力。

5.通过改进教、学行为，激发学生审美热情：优秀的教学艺术能有效地调动学生学习的积极性，教学艺术与教师本身的修养程度密切相关。为此，我们不断改进自己的教学行为，努力做到以学生为主体，面向全体，崇尚个性化教学。用自己对音乐的感悟，激起学生的情感共鸣，用自己的动作和语言，传达给学生音乐的美，真正激发起学生对音乐的热爱，对审美的感悟。

五、通过音乐欣赏教学建构学生审美意识实施的策略

音乐是重要的美育活动之一，是培养学生审美能力的重要手段。音乐欣赏首先是对传统文化的学习和继承。传统的优秀音乐作品是人类艺术实践活动的结晶，是人类代代相传的艺术实践经验的积累、总结，是经历了漫长历史的沉淀，经过大浪淘沙的自然选择，浓缩着人类审美理想，承载着人类审美思想发生、发展的血脉。要提高学生的审美素养，没有什么能比学习和继承传统更好、更有效的方法了。

1.通过音乐教学让学生体验审美的过程;音乐对提高和培养学生感受美、理解美、欣赏美的能力至关重要，对优秀艺术作品的欣赏是提高学生审美能力的重要途径。首先音乐欣赏的过程是学生对作者心路的复述和体验的过程，面对一首音乐作品，我们在被其艺术表现力折服的同时，必然也会思索作者的创作心路，面对平凡的现实生活，为什么作者能发现并抓住生活中的美，能创造出高于生活的美来?音乐欣赏就是要通过这样的过程使学生的审美思想与作者同化。

2.通过音乐欣赏让学生实践审美过程;音乐欣赏是提高学生审美素质和审美能力的一个重要的实践过程。学生进行音乐欣赏的过程不是被动的观察，简单的复述过程，而是带有学生主观喜好的、批判性的审美体验过程，是带有个人价值取向的评价过程，也是不断的修正自我审美观的过程，是学生把审美教育最终转化为内在素质的过程。音乐欣赏的过程更是学生对审美的建构和实践的重要过程;在这个过程中学生的审美经验、审美体验也得到了充分的积累，审美价值取向逐渐趋于成熟，审美思想得到了建构和培养。

声乐论文范文二：从《琴声中的朝圣》看杨燕迪的音乐评论

音乐会现场评论是一种狭义的音乐批评，是以文化学、哲学、美学、社会学、历史学、工艺形态学等单纯或综合性理论的眼光,来审视音乐的现实事项与历史事项(理念、活动、听觉音响文本与视觉符号文本等),张扬主体意识的一种理性思辨活动。它介于音乐的创作、表演与欣赏三者之间不仅承载着驾驭听众与创作者、表演者互动交流间的桥梁，从更深层次来说它更是评论者在听觉感应基础上经过理性思考而创造的艺术品，是一个独立的生命有其自己标新立异特色和艺术个性。这就首先要求评论者对音乐具有杰出的理解力和判断能力;其次必须具有卓越的语言发表能力，文笔清晰、明确，富有说服力和艺术魅力;再次就是必须自觉的担任社会性的使命，并忠实于自己的信念，有炽热的创作欲望。基于以上三点要求笔者将杨燕迪先生《琴声中的朝圣之旅——记陈宏宽钢琴独奏音乐会》一文作为一个范本，试图从中寻求到音乐评论写作的一些规律。

一、缜密的逻辑展开

众所周知行文的结构处理对文章的成功与否起着重大的作用，它就好比人的骨骼结构是人体的支架一样承载着文章的框架。杨文中对行文脉络的处理可以说是恰到好处纹理清晰，让人很轻松的就可以跟进音乐会的行进现场，同时又能很有层次的深刻感受作者对音乐会的审美体验，不失是我们学习的一个范本。

1.“一吐为快”的语言陈述

杨燕迪先生的文章带有很强的“感情色彩”，充斥着一种热烈情感体验的感性，同时亦有一种理性的思考。给我印象较深的一点就是杨先生“一吐为快”的语言特点。他自己在之后发表的《音乐评论实践的方法论札记》一文中也提到说“从某种意义上而言，这种出于强烈冲动而不是由于职业任务的写作，也许是音乐评论乃至所有艺术评论的本然状态”。

读文章伊始我就被一种冲动热烈的情绪包围着，作者以一个带有很强自我体验的倒叙方式回忆了自己的创作初衷，道出了 “如鲠在喉，不吐不快”的热烈的情感体验。紧接着作者采用了正序的手法把我们的视线拉回到了音乐会的现场，比较详细的介绍分析的曲目单，这在中文世界的音乐评论中可以说是较少见到的，让人感觉很新颖。然而，作者对曲目单的介绍并不止停留在简单的曲目名称、作曲家的介绍上而是深入浅出的分析曲目的产生时期、风格特性，总结曲目的共性是这些作品均出自18世纪末至19世纪上半叶调性黄金时代的经典大作曲家之手，而且无一例外都是公认的优秀作品。进而从艺术审美的角度评价它的内在意义，最后从中得到启示把这场音乐会的性格定位为“内敛”并贯穿始终。

其后对音乐会现场感受的论述中，我们看到作者对演奏家演奏莫扎特的《 a小调回旋曲》以及舒伯特的《 c小调奏鸣曲》的表述都用了“一气呵成”一词，可以看出作者敏锐的艺术感受能力以及形象的表达。笔者认为作者语言陈述一吐为快的特点在对音乐会的下半场的描述中尤其体现的突出。总结’上半场的整体感受作者用了“放电”式的现场体验”，足以令人“昏厥”,虽然略显夸张但却足以渲染气氛，使读者有相似的感性体验。当下半场的重头戏在作者形象生动的描述中告一段落时，作者用了一句古诗“会当临绝顶，一览众山小”来总结整个音乐的过程感受，确是作者心底由衷的赞叹吧!

自始至终我都被一种热情感染着，有作者炽热的艺术激情，有一种夸张化的语言陈述，还有一种内敛与豪放的完美结合。

中国民族声乐有着数千年的历史沉淀,形成了中国独有的民族声乐特色,呈现出多彩的风貌。无论是音乐的创作、理论的研究,还是表演的经验,都有着坚实的积淀。下面是读文网小编为大家整理的声乐教学音乐毕业论文，供大家参考。

声乐教学音乐毕业论文范文一：中国民族声乐教学改革研究

摘要：民族声乐作为一种具有民族特色的音乐艺术形式，对传承和发扬传统文化、推进中国民族音乐艺术的发展具有重要意义。音乐教育工作者应关注新时期青少年学生的心理特质，结合先进的民族音乐教育理论和教学思想，探索中国民族声乐教学改革的策略。以提高教学的趣味性和愉悦性，促进学生的中国民族声乐学习，使中国民族声乐这颗现代艺术长河中的璀璨明珠更加熠熠生辉。

关键词：学生心理特质;中国民族声乐;教学改革

中国民族声乐是中华民族传统文化的丰厚积淀与艺术表达，因其节奏鲜明、音调感人、上口顺耳、讲究音韵的美学特点深受广大听(观)众的喜爱。近年来，随着市场经济蓬勃发展，文化多元化的趋势愈加明显，青少年学生的思想与情感也发生了深刻的变化，这就对中国民族声乐教学产生了诸多不利影响。为此，音乐教育工作者应立足新时期青少年学生的心理特质，在现代民族音乐教育理论和教学思想指导下，积极探索中国民族声乐教学改革的策略。以期使中国民族声乐教学更适合青少年学生的心理需要，让学生在充分的民族声乐体验中受到情感的熏陶，升华对民族声乐艺术的憧憬和向往。

一、新时期青少年学生的心理特质

伴随着社会政治、经济的发展，信息传播渠道日益拓宽，由此带来的文化、艺术的多元化对青少年学生的思想意识和艺术审美产生了深远的影响，形成了超越传统、清新迥然的心理特质。其主要表现在以下几个方面：一是自我意识逐渐增强，独立意识进一步发展，反感人云亦云，喜欢从自己的角度、用自己的眼光看待周围的事物，希望通过自己的思考和判断处理各种问题。二是求新、求变的心理强烈，不喜欢陈旧的、模式化的教学或学习方式，对新鲜事物有浓厚的好奇心，渴望对未知的社会、文化、艺术有更多的了解，喜欢在探究中破解疑问、获取新的知识和认识。三是情感和情绪尚不稳定，自我调节能力还比较差，面对各种刺激和压力，容易过度兴奋或消沉，使得得情绪忽高忽低。四是意志力还不够坚强，遇到困难和挫折容易灰心、颓丧，甚至出现理智不能驾驭感情的现象。五是在声乐艺术方面，追求流行和时髦的表现方式，对传统的、高雅的艺术形式缺乏理解和欣赏的知识基础。

二、中国民族声乐教学改革的策略

面对新时期青少年学生的心理特质，音乐教育工作者应深入学习、全面领会教育部《关于全面推进学生艺术教育的若干意见》(教体艺〔2014〕1号)，着力探索中国民族声乐教学改革的有效策略，把民族声乐教学作为挖掘学生艺术潜能、优化学生审美教育的重要途径和方法。

1.创设直观教学情境，激发学生的学习兴趣

学生的学习兴趣是学习的内在动力，激发学生的学习兴趣是民族声乐教学的首要任务。结合学生求新、求变的心理特质，教师应改变传统的教学方式和方法，将民族声乐抒发的思想和情感以直观教学情境表现出来，让学生在身临其境的状态中掌握声乐作品的思想内涵、领悟声乐作品的艺术魅力。如学习云南民歌《小河淌水》时，通过精彩的视频对应歌词“月亮出来亮汪汪，亮汪汪，想起我的阿哥在深山，哥像月亮天上走，天上走，哥啊!哥啊!哥!山下小河淌水清悠悠……”引导学生通过视频明确歌曲运用“天上”对“山下”“月亮”对“小河”的方式来拓展反差角度、拉大时空跨度;采取把哥哥比作月亮、把自己比作小河的巧妙映射含蓄地表达出哥哥与妹妹就是天生的一对，地设的一双;在深山、月亮、小河的情景交融中感受思念者充盈天地间的深情。有情境做铺垫，原本略显沉闷的民族声乐教学变得充满活力和精彩，学生的感性认识丰富，学习兴趣自然更加浓厚，主动学习的心理趋向逐渐形成。

2.优化课程设置，体现教学内容的时代特色

课程设置是教学的基础和导向。根据学生的心理特质优化课程设置，构建完善的中国民族声乐教学体系，使教学内容体现时代特色是中国民族声乐教学改革的关键性要素。第一，教师要贯彻“以学生为本”和培养“综合性人才”的教学目标，根据学生的嗓音特点和专业素质恰当选择专业教材，以帮助学生了解优秀的民族声乐曲目、建立科学的发声方法和歌唱习惯为首要教学目的，通过遴选高、中、低三个层次的不同曲目，让学生自主学习，逐步提高。第二，教学曲目要全面，尽可能多地包涵中国民族声乐的各种形式。如戏曲、地方小调、传统民歌、歌舞性歌曲等。地域范围要避免遗漏，既要有西北的新疆民歌、山西民歌，也要有东南的江苏民歌、福建民歌，既要有汉族民歌，也要有其他少数民族民歌。第三，既要积极采用经典且具特色的艺术作品作为范例，更要根据时代的发展及时更新教学内容，多选择一些具有鲜明时代特色的作品，让学生掌握民族声乐的发展动态，构建学生对民族声乐学习的新认知。

3.采取探究式教学，提高学生的学习自主性

现代声乐教学理论强化了学生学习的主体地位，把探究式教学作为提高学生学习自主性是重要途径。音乐教育工作者应在中国民族声乐教学中坚持以学生的个性发展为出发点和归宿，打破传统的“一对一”教学模式，引导学生主体参与民族声乐作品自主、互动的研讨与探究，启发学生踊跃发表自己的意见，在师生之间、生生之间的互动交流中形成正确的观点和认识，自主完成民族声乐知识的获取和民族声乐素质的提高。如学习花儿《上去高山望平川》时，针对歌词“上去高山望平川，平川里有一朵牡丹，看起是容易摘起难，摘不到手里是枉然。阿哥的白牡丹呀，摘不到我的手里是枉然。”让学生讨论：一是歌词的“双字双句尾”格式;二是以景抒情的艺术表现优势;三是望“花”兴叹的感慨心情;四是听歌曲，体会假声和真假结合的演唱方法。这样的教学方法，给学生广阔的学习空间，有效激发学生自主思考、放飞想象，增强了学习过程的和谐性。

4.优化教学评价，升华学生的学习信心

教学评价是对学生学习状态和学习效果的综合性考量，是提升中国民族声乐教学质量的重要环节。针对青少年学生视野宽广、头脑灵活、自我意识强烈的心理特质，教师的教学评价必须与时俱进，与学生的心理和情感需要相适应。第一，评价要突出激励性，以尊重、欣赏和期望为基本原则，评价语言洋溢积极的情感因素。第二，评价内容要多元化，既包括学生的平时表现、作品再创作及演唱实践，也包括学生的理解力、创造力和想象力。第三，评价要考虑学生的个体差异，用发展的眼光审视每个学生，注重对学生的纵向比较，使不同学习能力的学生都有成就感和自豪感。以教学评价的优化帮助学生逐步达到声情并茂、字正腔圆、气韵贯通、神形兼备的声乐演唱境界，升华学生的学习信心。中国民族声乐教学改革是一项长期而艰巨的系统工程。只有准确把握学生的心理特质，突出教学的针对性，才能明确教学改革的方向，探索出富有成效的教学改革策略，进而从根本上提升教学质量，为社会培养更多的中国民族声乐优秀人才。

参考文献：

[1]邓彦睿.我国民族声乐教学与实践的几点思考[J].中国民族博览，2015(05).

[2]张瑞红.我国民族声乐教学改革初探[J].艺术教育，2015(12).

[3]李娜.民族声乐教学改革的创新路径探索[J].当代音乐，2015(21).

声乐教学音乐毕业论文范文二：交互式教学下学前视唱练耳与声乐教学

【摘要】在构建主义学习理论支架教学模式的影响下，形成了一种独特的教学方法———交互式教学。交互式教学以语言为教学基础，重视教师和学生之间的互动。在学前教育专业的音乐学习中，视唱练耳包括节奏、旋律和调式、和声、复调等音乐语言要素。这种关于音乐语言的学习，就是将教材不断进行整合，通过聆听、视唱、互动和想象等学习方法进行学习。交互式教学以学生为教学主体，教师居于主导地位，两者进行互动式的合作学习，学生的音乐素养将得到提高。

【关键词】交互式教学;视唱练耳;声乐教学

视唱练耳和声乐教学的主要内容包括节奏节拍和旋律以及调式等多种音乐因素，这也是学前教育专业的较为基础的音乐学科。视唱练耳可以提高学生唱和听的能力，通过具体的教学活动可以提高学生的音乐感知能力以及记忆能力，声乐教学重点是为了培养学生的演唱技巧，将其演唱能力进行提高。随着我国学前教育专业不断进行改革，视唱练耳和声乐教学二者之间的联系越来越多，使交互式教学的重视程度日益加强。

一、将视唱练耳和声乐教学不断进行结合

视唱练耳和声乐教学的训练基础是有关于音准、音高、节奏和旋律的训练，视唱练耳和声乐教学二者之间存在着密切的联系，这就需要教育专业在进行音乐学习的过程中，应该将二者不断的进行结合。学前教育专业的视唱练耳和声乐教学都是以音乐学院的教学方法为基础，实行单科集体授课教学，将学前教学专业的专业性和前瞻性充分的发挥出来，但是却没有将学生和教材之间进行有效的联系。学前教育专业的学生大都是非音乐专业的学生，对于音乐的专业掌握可以说是空白的，所以在教学过程中，对学生进行视唱练耳和声乐教学时，应该将技巧和难度降低，增加与教育专业息息相关的内容和元素，将音乐教材的专业性不断淡化，将教材的实用性和通俗性体现出来，使音乐变得简单易懂。树立学前教学专业的教学目标，不断对视唱练耳和声乐教学进行整合，使二者之间不断进行渗透，相互联系。

二、以学生为主体，教师为主导

在学前教育专业的视唱练耳和声乐教学的过程中，受到师资力量的制约，大多采取集中上大课的授课模式。这种教学模式使学生在教学过程中处于被动的地位。然而交互式教学以支架式的教学模式为主，主要以训练学生的视唱练耳和声乐为主要内容。在交互式的教学过程中包括聆听、视唱、想象和互动，通过设立具体的情境，帮助学生可以利用音乐语言来将音乐作品进行理解，可以采取师生对唱等方式来进行互动教学，帮助学生形成一定的认知结构。视唱练耳和声乐教学的基础就是聆听，在教学过程中，教师可以利用多媒体进行音乐作品的播放，让学生在一旁进行视听默唱，让学生对于音乐产生一种直观的审美，结合具体的音乐作品，将乐曲进行充分的理解。在学生聆听的过程中，教师应该注意向学生们提一些具有启发性的问题，使学生们各个不同的乐曲进行对比和分析。聆听过后，要让每个学生说出自己对于这个乐曲的见解。视唱练耳和声乐教学的关键就是演唱，这就需要教师不断将自己的教学方法进行创新，引导学生进行互动学习，既要将书本上的知识进行合理的运用，又要考虑到学生的接受程度，加入适当的想象，将视唱练耳和声乐训练进行延伸，将学生们的视野进行开阔。

三、交互合作学习，积极实践创新

合作学习就是学生以小组或者团队的形式去完成教学任务，在团队中进行明确的分工。在平日的教学过程中，教师可以引出一个音乐问题让学生们进行探讨和分析，使学生在团队里进行通力合作，可是使教师和学生之间、学生和学生之间进行相互的支持、配合，让学生之间形成一种互敬互爱的局面，在团队学习中，将每个学生内在的潜力进行挖掘。多举办一些类似合唱和重唱等活动，让学生在具体的活动中感受到和声的魅力，更加具体的了解到合作的重要性。根据每个学生不同的音乐水平进行分组，将音乐语言转化为学生的内在的情感，做到因材施教，实行分层教学。教师应该主动为学生创造实践的机会，经常给组织实践活动，类似于视唱练耳音乐会、音乐比赛、文艺演出等活动，这也是对学生学习成果的一种检验，通过这样的实践活动，可以使学生之间的活动不断加强，又可以将学生的表现欲进行满足，提高学生的自信心和创新能力。

四、结束语

交互式教学下的学前教育视唱练耳和声乐教学强调的是以学生为教学主体，教师占据的是主导地位，师生共同参加教学活动，将教师和学生的关系不断进行拉近。提倡学生之间进行合作学习，提高学生的实践能力和创新能力，将学生的音乐素养进行全面的提高。

参考文献:

[1]龙春霞.高职学前教育专业乐理视唱练耳课程教学新探———以广东女子职业技术学院为例[J].艺术教育，2010，(02).

[2]郭亚杰，于凌云.技工院校学前教育专业乐理视唱练耳课程教学中的任务驱动教学模式[J].职业，2014，(30).

[3]贾力娜.西部欠发达地区高校学前教育专业音乐教学的现状、问题和对策———以贵州省毕节学院为例[J].艺术研究，2011，(03).

[4]刘力.以课程整合为手段提高学前教育专业学生的音乐素养———五年制学前教育专科音乐课程优化整合管见[J].教育探索，2012，(04).

随着社会经济的不断发展与进步,科学技术的不断改革与创新,高校教育发展得到了质的飞跃,越来越多的高校声乐教师开始认识到传统音乐文化融入教学的重要性。下面是读文网小编为大家整理的声乐音乐论文，供大家参考。

声乐音乐论文范文一：声乐教学中情感培养的重要性

摘要：随着现代中国经济的发展,人们逐渐解决了温饱问题,向小康生活的目标发展,人们对文化的最求也越来越强烈。音乐的发展是经济发展到一定高度的必然结果，而声乐是音乐当中非常大的一个分支，所以发展声乐是不断满足人们日益增长的文化需求的重要途径，更是提高人们幸福感指数的重要方式。那么如何为人们提高高质量的声乐呢?这就需要我们在声乐教学中注重情感的培养，情感的培养在声乐教学中具有重要意义。

关键词：声乐教学;情感培养;重要性

情感是音乐中重要的灵魂，声乐教学中声乐教师对声乐学生的情感培养有利于学生对声乐作品的正确认识。不仅如此，在声乐教学中注重情感的培养更有利于声乐教师更好地进行教学，帮助学生更好的学习声乐教学内容。本文就讨论了情感培养在声乐教学中的意义。

一、情感培养在声乐教学中的必要性

声乐表演的独特魅力就在于声乐表演者将完美的声音、优美的歌词、动听的旋律及歌唱本身艺术形态组成了一个完美的声乐内容。并且，声乐表演者将作词者和作曲者紧密地结合在了一起，形成了全新的艺术表达方式。声乐表演者将情感融入声乐表演中，把听众从一个听者的外部状态带入到声乐的表演中，使听众深刻感受到歌曲的美感，激发听众及观众的热情，使表演者与听众产生共鸣，从而感染观众。

二、声乐教学=情感教育

情感培养作为声乐教学的基础，声乐教学也是一种情感教育的过程。声乐教学的基本内容为：①歌唱基础知识的讲解。②呼吸及发声的训练。③不同歌唱形式的歌曲的演唱方式。但是其本质内容和具体核心就是通过声乐演唱，使学生能够通过自己的声乐表演将歌曲的内容生动、准确地表达，从而逐步掌握和提高声乐演唱的技能和技巧。在声乐教学中，不仅仅要注重学生对歌曲情感教育的培养，更要注重声乐教师和学生之间的情感培养。只有在学生和老师之间培养起良好的情感，声乐教学才能更加顺利地进行，才能有助于学生对作品的情感培养。所以，声乐教学中，情感教育的培养迫在眉睫。

三、如何培养声乐教学中的情感

1.了解作品创作背景，分析并领悟作品内容情感

每一首作品都有其自己独特的创作背景，都是在一定的环境及特定时期创作而成。我们都知道，每一篇文章都有其中心思想和作者想要表达的情感。音乐作品也是一样的，创作者也把自己的思想情感寄托在音乐作品中，通过歌词表达出作者的情感。所以，我们要读懂音乐作品中的歌词，深刻了解歌词的中心思想，只有这样，我们才能把作者所想要表达的情感以我们个人表演的形式给观众呈现出来，那样我们的表演也会更具有感染力。

2.掌握歌曲作品的优美旋律

一首优美动听的歌曲不仅仅要有内涵深刻的作词，并且还需要优美动听的歌曲旋律。一个好的作曲者会通过自己深厚的音乐功底对内涵深刻的歌词进行具体的分析，配上合适的曲调，这样的歌曲才是完美的。我们在培养情感时，也要去领悟作曲者的用意，熟悉曲子的声调在歌词中每句话所注入的情感。歌曲中时而高亢、时而激越、时而欢快、时而低沉的旋律线条才能被我们准确地表达。

3.注重声音与情感的配合

声乐教学中“声音”是非常重要的，没有好的声音是万万不行的，美好声音也是声乐表演的入场券，只有美好的声音才会有欣赏性，才会富具美感。但是往往很多声乐表演者以自己美丽动听的声音为骄傲，而忽略了对情感的培养，所以他们始终都不会感染观众，更不会在“圈”中大红大紫。美好动听的声音需要与丰富的情感相结合，需要触景生情、寄情于景。只有这样，我们才能把最富有感染力的作品带给听众，这也是对作品的一种尊重。现实中很多这样的例子，如某个明星唱的歌把观众唱哭了，这就是歌唱者首先“声”与“情”结合，然后又把观众带到这样的一种环境中去，让观众也深刻感受到丰富的情感。所以，声乐教学中“声”和“情”缺一不可。

4.注重师生关系培养，情感教学

老师和学生之间要建立起良好友善和谐的师生关系。老师在讲解的过程中，要声情并茂的讲解，给学生讲解歌曲背后的故事，了解这首歌曲的中心思想和主要的情感旋律，让学生们充分的进入到歌曲旋律的环境中去，学生也根据自己的理解，将其情感更加丰富化。当学生有不理解的地方，老师要耐心的引导和教育。老师在讲解的时候首先要将自己进行到环境中去，让自己有种身临其境的感觉，然后将学生带入进去，老师在教学的过程中要积极主动，学生在学习时要保持学习的积极性，能够做到快乐的唱歌、有感情的歌唱。

四、结束语

我们音乐的主要的教育形式就是声乐教学。声乐教学要注重学生感情的培养，将情感给予声乐歌曲中，用声乐表达形式将情感展现出来。这样的演唱方式会更加具有强烈的感染力，才能够唱出歌曲中的经典。

参考文献：

[1]吴琼.谈音乐教学中的感情培养[J].音乐时空，201

[2]孟桐桐.论圣乐教学中情感培养的重要意义[J].参花(上)，2013

[3]曹文文，朱先华.论声乐教学中情感培养的重要性[J].齐鲁师范学院院报，2011

[4]雷蕾.浅论声乐教学中情感表达的培养[J].音乐时空，2014

[5]方园.浅析声乐教学中的情感教育[J].北方音乐，2015

声乐音乐论文范文二：新课改下声乐教学研究

摘要：在新课改的背景下，艺术系的声乐教学在内容和形式上都有了不同程度的创新，这不仅体现了音乐教学的价值定位，也深刻影响着声乐的教学目标和培养什么样的音乐人才。本文从新课改的角度来谈新时期的声乐教学改革，以期更好地适应教育教学改革。

关键词：新课改;声乐教学;研究

一、在适应新课改的形式下，声乐教学还是要稳扎稳教

音乐是一种表演艺术形式，特别是歌曲的演唱，每次的表演都融入了演唱者的个人情感和个人体验，即兴的二度创作能够更容易使学生产生更直接的情感体验。所以，在课堂上，声乐教师如果能够声情并茂地为学生演唱一遍，那么肯定比多媒体演示所达到的效果要好得多，此时对声乐教师的演唱能力要求就显得尤为重要。由于近年来高校的过度扩招，这导致教师的工作量大增，教师与课时分配不均;声乐课本身具有自身的特点，所以实行一对一的教学模式是最有效的;但是，声乐生的扩招，导致这一模式根本无法施行。面对这一情况，有关部门应该加大对声乐教学的改革力度，教育部门应该按照教师与学生的比例来安排教师，调整现有的编制制度。一方面，学校要把好教师质量这个关口;另一方面，要把好学生学习质量这一关口。各部门应在稳扎稳教中推进声乐教学建设，培养出更多、更优秀的音乐工作者。

二、以学生为中心，开展综合性的声乐教学

一些高校迫于教师资源紧缺压力，他们从音乐学院毕业的学生中挑选一些学生加入到他们的教师队伍中，这在一定程度上可以为声乐教学教师队伍注入新鲜血液，但由于这些没有经验的年轻教师很容易把他们在学校学到的专业化很强的声乐训练带到他们的课堂，导致教学效果不明显。比如，有的教师在校期间学习的是美声唱法，那么在课堂上就会过分强调美声唱法，甚至有些教师直接用美声的德语、意大利语和法语的唱法来进行声乐教学，这是完全以教师自我为中心的教学方式，完全违背了新课改要求。作为新课改背景下的教师队伍要打破这种以自我为中心的教学方式，将中心转移到学生身上，针对学生的特点，有目的、有针对性地调整学生的学习状态，以达到高效率的教学效果。另外，声乐教师也应该创新自己的授课方式，打破传统的死板的教学模式。比如，引入中国传统的戏曲唱法，如黄梅戏、京剧、豫剧等;也可以使用不同的说唱艺术形式，如大鼓书、河南坠子、苏州评弹和山东快书等。

三、有声乐专业技能训练，也要有情感的审美体验

很多学生掌握了几乎所有的唱法和技艺，但是一到演唱一首完整的曲目时，就会“面目全非”，让听者感觉干巴巴的，其中只有技巧，没有情感的融入和共鸣。这是因为这类教学，技艺、技巧教学占了课程的很大部分，而对曲目的分析、个人情感的分析处理就少了很多，缺少了对声乐作品艺术美的表现。所以声乐教学应该以审美为中心，注重学生的情感表达，教师要带学生去了解歌曲的创作背景及时代背景，作曲者的情感表达，甚至可以向学生说清楚每个旋律所要表达的情感以及这个旋律对情感表达的作用。课堂上尽量让学生用美的歌声去表达内心情感，体验音乐的美，净化自己和听众的心灵，陶冶情操。

四、以通俗歌曲为声乐教学带来新的活力

当下的年轻人都很喜欢通俗音乐，并且通俗音乐已经成为他们生活中的一部分。因为通俗音乐简单易懂，听众的范围很大，音乐的表现形式更贴近人民群众的生活和工作，表达的是老百姓生活中的酸、甜、苦、辣，因此，通俗歌曲是声乐教学中不可缺少的一部分。教师要研究出一种适合通俗歌曲演唱的发声方法和演唱技巧，让学生能够唱出自己的特色。用通俗歌曲进行声乐教学，是一种创新路子，相信这会很受学生的欢迎。新课改背景下的声乐教学，要求教学要以学生为中心，一切为了学生。因此声乐课堂教学的形式和内容都要有所调整，最重要的是注重学生情感在音乐中的表达和融合，这样才能为中国的声乐教学带来新的生机和活力。

参考文献：

[1]郭声健.当代音乐教育改革与发展的若干特征[J].人民音乐，2003，(1)：50-51.

[2]王丽娜.扩大招生规模之后的高师音乐教育现状[J].人民音乐，2002，(10)：35-36.

音乐表演应该在具有艺术形象的基础上实现生机和气韵,用精神和灵魂来使音乐的表演更加的具有活力和灵性,这样的音乐表演才是真正具备生命的,也是音乐表演的真正意义所在。下面是读文网小编为大家整理的音乐表演声乐毕业论文，供大家参考。

音乐表演声乐毕业论文范文一：音乐表演的真实性探讨

近年来的学术实践也表明，音乐表演首先是一种体验性的艺术，实证性研究在认识论层面的价值固然令人信服，但其最终无法全面涵盖表演艺术直接触及人类情感体验的实质机制，因此，从音乐表演艺术本体论角度深入把握其可知可感的内在规律，是这一学术领域继续掘进的必然要求。

国际音乐表演理论的研究，自20世纪80年代之后，体现出“传统的历史研究逐渐与分析哲学、美学、心理学等研究方法结合，越来越体现出多样化的跨学科性质”②。尤其是非西方音乐表演理论研究的介入，使这一学科的研究视域逐步跳出欧洲经典音乐理论的框架，非西方音乐表演艺术的“作品”及其体验特质，不仅充实了传统表演艺术理论的分析素材，而且在理论视角上也进一步饱满化，于是，针对音乐表演实践的艺术真实性问题，率先成为这一领域的理论焦点。其具体表述是“相对于‘作品’，如何表演才算是真实”。按照彼得•基维的说法，所谓音乐表演的“真实性”包含四层含义:一是忠实于作曲家的表演意图;二是忠实于作曲家生活时代的表演实践;三是忠实于作曲家生活时代的表演音响;四是忠实于表演者个人原创性的而非仿效的表演方式。③基维的提法，突破了19世纪古乐复兴运动所设想的围绕作品展开的音乐存在观念，将其延伸为作品、作曲家及其所处时代的表演结构。

可以看到，国内外音乐表演理论，其出发点不同，但都有整合实证分析与主观阐释理路的趋势。如何“合理”、“正确”地演奏一支弦乐四重奏，才能符合作曲家海顿的创作意图，重现18世纪的表演技巧和音色?这已经不是一则表演者必须照搬的铁律。在特定时空中创作产生、流传的音乐，并不一定需要把在特定情形下设计出来的力度、速度、音色、语气固化下来，作为绝对精准的模本去重现;更不用说，附着于音乐背—后的表演氛围、听众期待、表演价值等历史存在物，更是难以捕捉并固化的。约翰•凯奇的《4'33″》要求钢琴家在一定时间内静坐在钢琴面前做“无声”的表演，每一场的观众听到的是不同的现场声音:呼吸声、观众席的骚动声、演奏厅中轻微的回响等等，这时候，何谓表演文本、表演符号、表演声音，乃至表演的作品?如何重现这一作品的“原貌”?这些问题顿时会导致一种理论上的虚无，也可以说，颠覆了以往文本意义上的重构作品真实性/原貌的思维动力。凯奇采用的是一种极端的做法，但他对浪漫主义时期以来围绕西方音乐作品形成的“本真表演”的实证传统提出了反思。此外，作为一种表演体裁，爵士乐的表演，也对传统意义上的“本真表演”和“作品”提出了挑战:当每一次表演时，音乐素材的呈现主要来自乐手们当下的音乐感受和表达习惯时，固化的文本和实践概念再次被消解或重构。

与西方古典(实际意指“经典”)时期以来对表演文本、实践和真实性重构的历史认识相对照，中国语境中的音乐表演，更早表现出这种独立的历史存在。对历史时期曾经存在过或流传下来的中国音乐如何看待?如何付诸实践?如何评价其实践?传统中国音乐家或者历史典籍，对这一问题基本上采取了稳定连贯的态度。即所谓“五帝殊时，不相沿乐”。数千年来形成的针对古乐的表演传统，连圣君治下的贵族音乐都要求有不断更新的解读，何况是主要以娱乐形式存在的民间世俗音乐?所以说，20世纪以前的中国音乐表演对象，“变动性”是其主流性格，定谱、定腔、定声只不过是一种时间片段存在，一旦表演功能、场合、表演者有所变化，表演文本就会合法地流动。从这个意义上看，中国20世纪以前的音乐表演传统，恰恰为西方自1800年以来确立起来的与表演有关的观念和概念，提供了极有价值的参照对象，也成为西方音乐表演理论开始反躬自省的思想资源之一。

这样的学科进路可以有多种选择，也可能会出现具体理论描述与实践上的复杂冲突。一首作于18世纪的康塔塔，能否仅仅参照艺术观念、复古乐器、声音想象等因素在21世纪的当代中国得到合理的重构?或者反过来假设，一首明代民间小曲是可以根据上述相同的因素复现于西方音乐厅?这样结果的“真实性”显然令人置疑。也就是说，产生于不同时间、不同空间的艺术“作品”中的异质性因素不是那么能够轻易重构的，其最关键的问题根本不在于上述表演诸因素的组合，而是如何把握人类音乐体验的超时空性。准乎此，则18世纪和21世纪的东西方音乐听众，是有可能在类似的作品或表演实践过程中获取相近的音乐体验的。

于是，海顿的交响乐，凯奇的先锋音乐实验，巴赫的康塔塔，明清无名氏的小曲，经过上述因素的细致考证分析，给以跨时空艺术观念的反复探究、协调，会产生对当代人真实而有意义的艺术体验。所以，文献的、思想的、乐谱符号的、情感体验等方面的分析与阐释，正是当代中西方音乐家或音乐学者需要以历史的、整体的眼光加以审视辨析的。在此，历史的视野和情感方式构成了这种当代重构活动的拓展维度。因为所有经过历史沉积下来的音乐作品/活动，不止表达了当时人的主观体验与时代风格，而且也指向了未来。这正是上述重构方式的美学原因。现在看来，以往表演语境中所谓“忠实原作”背后的推动力，正是表演美学上的“客观性”思维，①通过追寻音乐表演的“客观性”去接近历史作品的“真实性”，显然过于单薄，失去了主观体验的维度，也就等于放弃了历史表演最本质的目的。

从心理学的角度而言，无论是历史上的音乐表演，还是当代试图要重现的历史音乐作品，本身不存在绝对的实体，“即便是汉斯利克所声称的‘音乐中的唯一存在’———亦即‘乐音运动’，也只是心理学上谓之‘似动错觉’的现象而已:须知一个音是不可能‘进行’到另一个音的”②。由此可见，如果说音乐表演在器物和观念层面可以是历史的、时空属性的，那么人类的音乐体验则完全可以是超历史、超时空的。这正是当代音乐家表演历史时期音乐作品或从事历史性质的音乐实践活动时，所宜采取的学术姿态与方式。

对音乐表演真实性问题的这些认识，不只是学术性研究或严肃表演中需要认真思考，今天在当代艺术表演出现的某些混乱和矛盾的现象，究其深层原因，正是对上述问题缺乏反思所致。本文所探讨的音乐表演的真实性问题，涵盖了严肃表演和大众表演的宏阔范畴，其表面上看来是一个表演形式的问题，而实质上却又与音乐作品的历史存在、真实性、当代趣味等美学问题息息相关。鉴于此，当下的音乐表演理论研究，很有必要在这个路向上深入掘进。

音乐表演声乐毕业论文范文二：音乐表演舞台艺术关键性

音乐表演顾名思义是表演的艺术，且是有生命、有律动的艺术，其本质是音乐的二度创作，理所当然离不开舞台艺术实践，舞台艺术实践是音乐表演中摆在第一位的。学习音乐表演应该懂得如何将台下的功夫在舞台上完整地展现给观众，也就是将掌握的技巧与近乎心灵的表演协调起来，带给观众愉悦的感受。正因如此，舞台艺术实践在音乐表演艺术中也就显得尤为重要，应当引起高度重视。这多元化且复杂的艺术，在舞台艺术实践中需要注意诸多方面。

首先，现如今高校中音乐表演专业的学生平日的练习大多集中在琴房，然而琴房与舞台有着很大的不同，日积月累，逐渐形成一种固定的空间感，即空间狭小，当遇到专业考试或者演出时，登上舞台，空间增大，很多表演就变得不那么成熟、完整了，严重者甚至会流露出六神无主的状态，随之而来的还有音乐旋律的脱节、技巧的不到位等等状况。这些都是因为缺乏舞台艺术实践，舞台经验不多引起的，所以多进行舞台艺术实践是非常重要的。

其次，演出服装的问题也不容小视。经常在音乐会过后能听到表演者对演出服的抱怨，诸如服装太紧、太勒又或太松等各种各样的问题，以至于使其表演时需要过多担心服装的问题，不能专注于音乐，但这是音乐表演前就应该注意到的。

比如说演出之前的走台是很有必要的，有的演员不重视走台，这样一来，演出服是否合适也就很难在正式表演前发现。这也是舞台艺术实践中应该注意的，其直接影响到音乐表演的圆满程度。再次，与观众进行适度的感情交流也是舞台艺术实践中重要的部分。舞台经验丰富的表演艺术家都是重视与观众之间的互动的。当然在音乐表演中更多的是沉浸在音乐中，诠释好作曲家的意图，但是上、下场脚步的大小、频率，脸上是否洋溢着充满创作热情的表情等等却是音乐之外带给观众的感受，也是与观众交流的最好时机，需要良好的对待。这些都是舞台艺术实践重要的内容。

最后，表演者和伴奏之间的默契无疑也是至关重要的。不论是在琴房练习还是上本专业课时，很多高校中还未能实现同时配有专业的伴奏人员，故而更多的是对专业技术进行训练、纠正以及解决等。所以当学生上台进行艺术实践时，和伴奏之间也常常会出现不少的配合不好问题。常常有人在台下练得很好，可在台上却因与伴奏不够默契而互相牵制，导致音乐诠释不当，旋律线条中断等等。

音乐是时间的艺术，在短暂的瞬间就能绽放美好，对于学习或从事音乐表演的人来说，把握每次舞台艺术实践的机会是尤为重要的。只有重视舞台艺术实践，理解其必要性，提高自身的舞台控制力，才能在登台时不断的完善，才能真正的传达音乐、表演音乐。

随着我国经济水平的不断提升,人们对生活环境的美感追求也不断增强,将美学原理完美融合于生活各个领域,能够更好地刻画 生活之美 ,进而满足人们日益增长的精神文化追求。下面是读文网小编为大家整理的关于美学原理论文，供大家参考。

关于美学原理论文范文一：园林景观设计茶文化的美学意义

摘要：中国传统文化是园林景观设计的灵感之源，而茶文化作为中国传统文化重要的组成部分，对园林景观设计更有重要的贡献。园林景观设计要求审美价值、实用价值与人文价值的统一，而体现传统的美学意义更是园林景观设计的重要追求。本文从园林景观设计中茶文化元素的应用出发，对茶文化元素在园林景观设计中的传承、升华与融合，并进一步分析茶文化元素应用的美学意义，有望在弘扬中国传统茶文化的同时能推动园林景观设计的发展和繁荣。

关键词：园林设计;茶文化元素;美学意义

园林景观设计指的是在特定的环境或区域内，利用设计手段和艺术思维对区域环境的地形、植物、园艺、建筑等开展人工再造活动，以此赋予园林景观新的生命力，带给人们美的享受。园林景观设计活动在满足人们对园林布局、规划、空间结构等方面要求的同时，致力于增加园林崭新的艺术价值和欣赏性，同时能够保护神态环境的发展，促进生态条件的优化。园林景观设计不仅仅是一项建筑活动，更是一项社会性的活动，体现了我国经济社会的发展程度和人民的价值取向。园林景观设计的目标是实用、美观，在实用、美观的基础上追求深层次的审美价值。茶文化元素在园林景观设计中的应用是茶文化的传承、升华与融合过程，也是彰显美学意义的过程。

1园林景观设计中茶文化元素的应用

1.1茶文化元素在园林景观设计中得到传承

随着现代科技的发展及社会的进步，城市化建设如火如荼的进行，而园林景观的设计也已成为现代社会建设的重要方面之一。园林景观设计中茶文化元素的应用，促使人们重视传统文化并进一步理解传统文化的深刻内涵。现代园林景观的设计要求对茶文化元素获得较为深刻的理解，也就要求将茶文化的精华部分进行展示[1]。此外，园林景观的设计过程并不是一蹴而就的过程，需要各方的共同努力，涉及众多部门，需要经历长期的过程。因此，也就为茶文化元素传承的提供了宝贵的机会，使得文化的传承在一个较长时期中进行，更加增加了茶文化元素传承的深度和广度，进一步扩大茶文化元素的影响力。

1.2茶文化元素在园林景观设计中得到升华

城市的形成和发展经历了漫长的历史演进过程。不同的城市其经济发展、政治背景、文化底蕴及社会环境等方面，都存在着较大的差异。而城市与城市之间最大的差别在于其文化底蕴的差异，而文化底蕴的差异又是通过城市一系列的生产、生活活动来体现的。其中，园林景观设计是城市文化底蕴的重要体现，深刻的反映了一个城市特定的人文精神和社会自然环境，也是见证一个城市发展的重要标志。在园林景观设计过程中，利用茶文化元素加以设计，在彰显茶文化元素内涵的同时，也能赋予茶文化元素新的审美意义和社会价值。文化元素不仅仅是一个民族文化发展的具体表现，也是一个民族人民生产及生活方式的缩影。园林景观设计的过程同时也是茶文化元素再生产的过程，通过社会群体一系列社会实践活动的作用和催化，茶文化元素的内涵得到极大的丰富，并逐渐得到升华，使得茶文化元素的现实意义和时代意义更加鲜明。

1.3茶文化元素与园林景观设计相融合

茶文化元素和园林景观设计之间并没有严格的界限，园林景观设计作为一项客观存在着的社会实践活动，同时也是一种现象[2]。从文化形成和发展的角度看，园林景观设计的过程，也是园林文化形成和发展的过程。随着园林景观设计的繁盛，社会上已形成一种特殊的园林文化，并对社会成员的审美观念和价值取向产生了重要影响。而园林文化的形成是离不开茶文化元素的熏陶的，可以说，园林文化中包含着一定的茶文化元素，而茶文化元素中也蕴含着园林文化的因素。通过一系列的社会生产、制造活动，两者不断融合，在融合中促进园林文化和茶文化的发展。园林文化作为小范围的环境文化逐渐受到大范围茶文化的影响，最终带给社会成员崭新的艺术享受和美的熏陶。

1.4园林景观设计与茶文化元素结合更有艺术感和社会价值

园林景观设计与茶文化元素都存在于人们的日常生活中，但两者都不是独立存在的，而是与社会其他元素发生着各种各样的联系。社会实践活动是文化的载体，而文化则是社会实践活动的价值体现，在园林景观设计过程中，园林景观艺术与茶文化元素的结合，使园林设计成果更加具有文化内涵和艺术魅力，而茶文化元素的现实价值和时代意义也大为增强，两者的结合是社会发展的结果，也是人们价值观念变革的结果，同时也是城市经济、政治、文化及社会其他领域共同作用的结果。通过享用园林景观和茶文化元素的结合物，人们将会感受到巨大的美学意义，并开展更富有效性的社会活动，从而为社会创造更大的价值。

2园林景观设计中茶文化应用的美学意义

2.1现代园林景观设计审美的本质———“比德”与“悦心”

现代园林景观设计不仅仅是一项社会性的生产实践活动，也是彰显文化美学意义的重要途径之一。园林景观设计作为一种较为常见的艺术形式，受到了美学思想的熏陶和影响，也是美学思想在建筑领域的生动体现。现代园林景观设计审美的本质是美善统一，同时将遵守伦理道德作为美善的行为准则和基础，倡导在艺术创造活动中感悟自然和人生的价值和意义。而茶文化元素的社会美学观点是“比德”，即将社会伦理道德、道义转移到自然景观上，自然景观则成为抽象道德的物质载体和表现形式，“比德”也是完善人格的重要途径之一[3]。植物配置是园林景观设计过程中的重要环节，而“比德”则在植物配置环节得到了生动体现，如“岁寒，然后知松柏之后凋也”、“岁不寒无以知松柏，事不难无以知君子”、“挺拔虚心有节”等古代诗词都体现了园林景观中“比德”的设计理念和美学思想。现代园林景观设计中常有的植物有“四君子”：梅、兰、竹、菊及“岁寒三友”松、竹、梅。“比德”强调的是儒家学派的社会审美观念，主张利用道德伦理对社会成员进行约束，遵循自然发展的客观规律和趋势，通过欣赏并运用自然之美，达到自然与人和谐共处的状态。虽然自然中的花鸟植物并没有思想意识，但通过人类的实践活动即园林景观设计活动，实现了自然物的社会价值，扩大了生命形式。而“悦心”则主要是针对园林景观的空间结构设计而言的，合理的空间划分及设计可以给人们带来美的享受和愉悦的精神体验，园林的功能不仅在于为人们提供休闲娱乐的场所，还是人们进行社会交往的重要媒介，也是建立社会联系、优化社会关系的重要支撑。中国园林的最大特色在于其丰富的文化内涵，而丰富的文化内涵则是情感、观念及思维方式的综合，通过欣赏园林景观的设计，满足了人们精神和物质的双向需要，产生愉悦的社会体验和身心感受。

2.2现代园林景观设计审美的形态-“乐而不淫、哀而不伤”

茶文化元素中所蕴含的“乐而不淫、哀而不伤”主要包括以下几方面内涵：第一，人与人之间相互敬重，相互秉承尊重之心，追求人与人之间距离的适当;第二，人对自然、历史、规律怀揣敬畏之心，保持中立的态度;第三，对生命个体的尊重和爱惜，追求本心的真挚和纯洁。园林景观设计中的“乐而不淫、哀而不伤”，在古代，往往以制度作为实行方式，最为典型的是古代的社会制度，即要求各个社会群体严格遵守各项社会制度和社会规范。社会地位较高的阶层更是要严格服从宗法制度的约束，而社会阶层低的人士需要掌握系统的社会礼节。“乐而不淫、哀而不伤”的美学特性在园林景观设计中则体现为景观设计的层次感较为分明、具有规则意识。园林景观设计追求的是一种普遍使用的价值准则，也就是“中庸”的思想，包含了不偏不倚、无过也无不及、调和折中，十分推崇温而不厉、威而不猛、惠而不费的处世态度，如现代园林景观设计中追求的恬淡、静美、安逸等效果也是折中思想的体现。“致中和”便是园林景观中常见的处理办法，即世间的万事万物可以通过统一的调配和导向，形成最佳存在的状态。可是社会经济总是向前发展的，人的欲望和要求也随之产生，要想达到“致中和”的状态，必须使得世间万物各得其位，在合适的时机进行社会活动，促使自然、社会、宇宙达到和谐共存。在园林景观设计过程中，注重通过对自然景观的协调，使自然景观达到和谐统一。同时，“致中和”的美学思想也大大增加了人们对园林景观设计的审美情趣。因此，现代园林景观设计应讲究寓意于物的表达方式，不断探究园林景观的美学特性，发现园林景观设计过程中的美学意义，以此带给人们丰富的美学享受和美学熏陶。通过对茶文化元素的不断发掘，逐渐增强园林景观设计活动的继承性和创新性，提高其审美价值和社会价值。

3结语

综上所述，园林景观设计过程中茶文化元素的应用是茶文化的传承、升华与融合过程，深刻体现了现代园林景观设计审美的本质-“比德”与“悦心”、现代园林景观设计审美的形态-“乐而不淫”与“哀而不伤”的美学意义。同时，随着我国园林景观设计的进一步发展，我国茶文化也逐渐得到繁盛，园林景观设计过程中茶文化元素的应用不仅仅极大推动了园林景观设计工作的开展，也为弘扬我国传统茶文化作出了贡献，同时也体现了一定的美学意义。

参考文献

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[2]刘宁.土家族文化元素在其聚集地域园林中的应用研究[D].中南林业科技大学,2014.

[3]孟姣.泉城水文化在景观艺术设计中的应用与研究[D].山东建筑大学,2014.

关于美学原理论文范文二：园林建筑艺术美学思想研究

一代美学宗师宗白华对于园林中的“窗”这样描述：“窗子在园林建筑艺术中起着很重要的作用。有了窗子，内外就发生交流。窗外的竹子或青山，经过窗子的框框望去，就是一幅画。颐和园乐寿堂差不多四边都是窗子，周围粉墙列着许多小窗，面向湖景，每个窗子都等于一幅小画。而且同一个窗子，从不同的角度看出去，景色都不相同。这样，画的境界就无限地增多了。”窗和门不同，门能够进出，而窗则是眼睛的穿越、光线的投射、风景的呈现。透过漏窗，人在墙边走，景在眼前移，虽近在咫尺，却光影迷离，隐隐约约，景致若隐若现，似隔非隔，这种暧昧的距离感是一种诱惑。说到中国园林，自然就会想到江南的园林，当然就离不开苏州园林，俗话说：“江南园林甲天下，苏州园林甲江南。”且不说苏州园林整体造物和写意的博大与精深，其中一个小小的漏窗就足以让人为之赞不绝口。据记载，我们见到窗的具体形象最早是在汉代的明器上，可以看到不同形式窗的图形。《淮南子•说山训》中就有一段形象的描述：“受光与牗，照北壁”，“十牖毕开，不若一户之明”。可知当时的窗是朝南开并且很小，从窗中射进光，能直接照到背面的墙壁上。汉代出现了直棂窗。直到魏晋时期，文人兴起建造花园，使窗置身于景观与屋墙交界处，赋予窗更多的含义，起到漏窗隔景与引景的双重作用。隋唐至宋，出版了图文并茂的《营造法式》，已对窗的构建作了具体的说明。至明清时代，建筑用窗，工艺成熟，式样繁多，且存世较多。漏窗是一种满格的装饰性透空窗，俗称为“花墙头、花墙洞、花窗”，是窗洞中装饰着各种镂空花纹，用以装饰墙面和点缀园林景色。漏窗内外相通，窗内图案疏密布局匀称。它以多变的造型、精美的纹饰，不仅使平淡的墙面产生变化，而且由于它隔了一层窗花，可使两侧相邻空间似隔非隔，景物若隐若现，富于层次，引游人兴致。而且窗饰题材丰富，熔文学、书画、雕刻、戏曲、民俗等为一炉，折射出华夏窗饰艺术博大精深的文化渊源，体现着漏窗文化的审美精神。

1空间形式自由多样

漏窗空间形式自由多样体现在其花纹图案极为丰富多样，单在苏州园林中就有数百种之多。从形式上来看，大致分为方、横长、直长、圆、六角及其他各种不规则形状。而前面三种除了做成方角以外，又有圆角与海棠纹等形式。几何形体图案多由直线、弧线、圆形等组成。全用直线的有万字、定胜、菱花、六角景、冰裂(冰纹)等，全用弧线的有鱼鳞、球纹、钱纹、如意、波纹等。用两种或两种以上线条构成的有寿字、夔纹、万字海棠、六角穿梅花和各式灯景等。还有四边为几何图案，中间加琴棋书画等物的式样。同样还表现在其内容极其多样上，漏窗的内容多为花卉、鸟兽、山水或单纯几何图形，也有以传奇小说、戏曲及佛、道故事的某些场面为题材。自然形体的图案则取材范围较广，图案题材多取象征吉祥或风雅的动植物。属于花卉题材的有松、柏、牡丹、梅、竹、兰、桃、石榴等。属于鸟兽题材的有狮、虎、云龙、蝙蝠和松鹤图、柏鹿图等。物品题材有花瓶、聚宝盆、文房四宝和博古等，还有表现戏剧人物和故事、象形文字的图案。属于人物题材的多以小说传奇、佛教和戏剧中的某些场景为题材。空间形式自由多样有其独特的优点，在构图上总的来说，以直线组成的图案较为简洁大方，曲线图案较为生动活泼。贝聿铭说过，“在西方，窗户就是窗户，它放进光线和新鲜的空气;但对中国人来说，它是一个画框，花园永远在它外头。”在现代室内设计中，漏窗的运用是一个再设计的过程，间形式自由多样亦得到较为充分的表现，图案的选择上比较简洁、多样，例如万字纹、冰裂纹、梅花图案等，如西安香格里拉的室内设计中把万字漏窗图案基本形与灯具设计的结合，这种手法在苏州古城区景观设计中也有体现。再如一特色中式餐馆，布局上采用传统庭院、中轴递进的营建法式，在空间转换、交接置景的处理上，充分利用“窗”的穿插借景手法，选用典型的漏窗图案点缀装饰，造型上将原构件重新组合出新。把门环、条儿、斗拱、门罩赋予新的用法，色彩上避开了繁杂华丽，融入民居的质朴，再加上古典家具与艺术品的陈设，营造出具有东方神韵的餐饮环境。

2与空间关系和谐

在空间理论上，宗白华说：“建筑和园林的艺术处理，是处理空间的艺术。”老子曾说：“凿户牖以为室，当其无，有室之用。”室之用是由于室中之空间。而“无”在老子又即是“道”，即是生命的节奏，形象地阐述了空间的实体与虚空，存在与使用之间辩证而统一的关系。“虚”与“实”的概念由来已久，其合理的应用可以使空间关系更加和谐。在苏州新博物馆设计中，首层展厅与天窗、廊道由墙隔断分开，人漫步廊道，展厅的构架、天花和木框使人联想到中国古建筑的语言，而廊窗外的一个个庭院，由窗取景，若隐若现。而这所有的组织，贝聿铭是以非常简明、便捷、出神入化的建筑语言来表达的。中国传统建筑艺术要求内部空间具有通透的境界，建筑物更是强调虚灵、通达、留白、轩豁。门窗喧豁、廊墙留虚，能有效打破封闭局促的格局。如留园“五峰仙馆”南北两面基本上被轩豁的门窗所包围。“鹤所”的墙壁几乎为四周的门洞、空窗或花窗所占，框景效果极佳，窗外的庭院、天井里的湖石花木都可框景收纳，有种由景入画的效果，让人回味无穷。室内设计艺术借用古代园林美学精神，通过借景、对景、隔景、合景等设计手法将室内空间化为自然和谐的空间。如设计苏州加城国际销售中心的设计师所说：“‘园林’自然地成为室内空间处理的基础。”正是在空间中强调了园林景深的做法，通过半通透的木格、朦胧的纱幔、层层的圆窗，使得各空间自然浸透，在面积不大的室内巧妙地表现出优雅的节奏、韵律强烈的空间景深。达到以小见大、步换景移的空间效果和心幽境醇的意境追求。再如上海锦沧文华大酒店套房设计，在入口处设置屏障，并将园林元素抽象化，融入室内空间，营造出“犹抱琵琶半遮面”的空间含蓄美，赋予空间既传统又时尚的美感，将意境升华。

3与光的合理应用

“让光线来做设计”是贝氏的名言。贝聿铭借鉴了中国传统建筑中老虎天窗的做法，将天窗开在屋顶的中间部位，自然光线透过木贴面的金属遮光条交织的光影，进入到博物馆的活动区域，使光线柔和，便于调控，以适宜博物馆列展示。光线经过色调柔和的遮光条的调节和过滤所产生的层次变化，以及不同空间光线的明暗对比，仿佛能让周围的线条流动起來，令人入诗入画，妙不可言。这一设计不仅丰富和发展了中国建筑的屋面造型样式，而且解决了传统建筑在采光方面的实用型难题。在苏州博物馆新馆的设计中建筑构造采用玻璃、开放式钢结构，特别是屋顶的立体几何形天窗，突破了中国传统建筑“大屋顶”在采光方面的束缚。新馆屋顶之上，立体几何形框体内的金字塔形玻璃天窗的设计，充满了智慧、情趣与匠心。在现代室内设计中，漏窗本身的花纹图案在各种角度光线照射下会产生各种变化的光影，使光线在空间中产生和谐的虚实关系，营造氛围，使传统情感得以延续。如河南天地粤海酒店的餐厅入口大门以及入口处的隔断的设计，就是体现了漏窗的魅力和韵味，它的图案形式仿照园林中的漏窗，设计很有光线感,镂空的造型使光影隐约、柔和，对空间进行分割，同时又富有浓厚的装饰意味。“山不在高，贵有层次;水不在深，妙手曲折”。园林中漏窗的运用使园林内外、远近不同层次的映衬汇集,使人在信步漫游中不断感受景致的无限丰富和空间的无限广大，看似是窗，却犹如景又犹如画一般，正所谓“瓮牖与窗棂，到眼皆图画”，达到“实中见虚，虚中见实”的审美意境，值得我们在现代环境艺术设计中去借鉴和运用。

参考文献

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[4]胡秀娟,阮超毅.品鉴苏州古典园林建筑的漏窗之美[J].福建建筑,2009,(2).

[5]董振怀,刘春龙.苏州园林艺术漏窗的特色[J].沧州师范专科学校学报,2002,(4).