为您找到与怎样学唱音阶相关的共15个结果:
唱歌不是一天两天就可以练得非常好,要不断积累。刚入门需要学习不少唱歌知识才能为后面的学习打基础。那么唱歌入门需要那么技巧呢?下面读文网小编整理了学唱歌入门教程,希望可以带你进唱歌这个领域。
1、叹一口气,用叹气的声音方式唱歌。
2、吸一口气,用嘴巴慢慢放气,用这种方式唱歌。不可把气一次过放完,要慢慢放气。
3、唱高音时,注意把眉毛抬高,拉不起也不可把头抬高。冥想声音从头顶发出。
4、唱低音时,廷起胸,低不起不可把头低下来。冥想声音从胸腔发出。
5、嘴巴放轻松,用腹部的力气唱歌,唱越轻越好。
6、嘴巴尽量唱圆音,不可用喉咙硬硬唱。可以摸摸喉咙是不是变硬。
7、嘴巴唱歌时尽量开大,换气时用嘴巴吸气,不要用鼻子吸气。
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音阶就是以全音、半音以及其他音程顺次排列的一串音。而在学习乐理的过程中,难免会遇到自然音阶。那么什么是自然音阶?下面由小编带你走进自然音阶的“世界”。
自然音阶及其关系图:
不难发现他们的排列规律为:1、2、3、4、5、6、7。音高依次往上升高。
同时又会发现会有1上面加了一点;其实这就是高音的1,下面加一点则为低音的1,没有加点的则为中音。
再看看相邻两个音之间的关系。除了“3”-“4”;“7”-“1”这两个之间的关系为半音,其余的都为全音。(务必稍稍记一下每相邻两个音之间的关系。)
这个时候很多人会有疑问,什么是半音,什么是全音?
不妨你回忆一下我们之前所提到的音阶练习。
低音3为6弦0品;那么低音4则为6弦1品;低音5位5弦3品。
3-4是紧挨的,但是4-5中间留下了一个6弦2品。
其实这个6弦2品也有音,这个音就是“升4或降5”。(升4=降5;音高相等,记法不一样)
升号:“#”; 降号:“b”
PS:升降号出现在唱名的左上角。
1-2之间:升1或者降2; 2-3之间:升2或者降3;
4-5之间:升4或者降5; 5-6之间:升5或者降6;
6-7之间:升6或者降7。
其实我们吉他上的每相邻的两个品就为一对半音,相隔一品则为一对全音。(不妨试试只用一根弦推出自然音阶)
自然音阶是最为初级的一个音阶形式,也是比较常用的一个音阶形式,不会出现任何升降音,务必记牢咯!
记住“全 - 全 - 半 - 全 - 全 - 全 - 半”这样一个关系,有助于我们接下来的音程以及和弦的学习。
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中国传统乐学理论对“音阶”这个现代概念,常分别从“音”、“律”、“声”等不同角度揭示其内涵。五声音阶,古代文献通常称为i“五声”、“五音”等。简单地说,五声音阶的意思就是按五度的相生顺序,从宫音开始到角音,依次为:宫--商--角--徵--羽;如按音高顺序排列,即为:1 2 3 5 6宫 商 角 徵(zhǐ) 羽
我们都知道,音乐的基本元素是七个音符。按音乐人说是“CDEFGAB”,在简谱中记为“1 2 3 4 5 6 7”,用唱名则说成是“do re mi fa sol la si”。这七个音中mi和fa之间、si和高音do之间仅差半个音程,而其他任何两个相邻的音符之间则差1个音程。fa与mi、高音do与si的频率比为,;而其他任两相邻音符之间的频率比为。听觉正常的人,分辨半音是没有问题的。所以在do与re、re与mi、fa与sol、sol与la、la与si之间均可加半音,分别记为#1(b2)、#2(b3)、#4(b5)、#5(b6)、#6(b7)。这样一来,音阶就变为十二个。因此在钢琴上,总是每12个键(7个白键、5个黑键)组成相对独立的一组。
有趣的是,我国的很多民歌不但不用12个音符,连7个都嫌多,只用“12356”就行了,这被称为五声音阶。据说,在世界上除了我国,只有苏格兰的民歌也是五声音阶的,还是相当稀有的呢。
虽然只用了五个音符,但我国的民歌自有它的魅力。例如江苏的民歌《茉莉花》还“出口”到了歌剧王国意大利,被作曲家普契尼用在《图兰多公主》中,作为这部中国背景歌剧的象征元素。而也正因为它的中国特色,被张艺谋用作申奥、申博的主题音乐。
在各国民歌中,情歌占了很大的比重,而且广为人们传唱。例如意大利民歌《重归苏莲托》非常有名,在许多电影中,往往以它的旋律来象征意大利,就我所知有一部国产电影、一部美国电影和一部阿尔巴尼亚电影中都这样用过。再如上世纪五六十年代人们耳熟能详的俄罗斯民歌《三套车》实际上也是一首情歌,只是由于翻译的失误,这首思念心爱姑娘的情歌被唱为马车夫对老马的怀念,虽经专家多次著文纠正,但收效甚微,演唱者都还在为这匹老马而忧伤。这两首民歌,不但用足了7个音符,还用上了升降半音,甚至还在曲中转变了调性听起来十分动人。与之相比,著名的四川民歌《康定情歌》也即《跑马溜溜的山上》虽使用五声音阶,但作为情歌,同样韵味悠远、魅力十足,比起包括上述两首情歌的其他任何情歌都毫不逊色。
正因为五声音阶已成为我国民歌的特色,所以许多著名的作曲家以五声音阶谱曲。早期的如贺绿汀为电影《马路天使》谱写的《四季歌》等插曲,解放前后的许多创作歌曲如《团结就是力量》、《中国人民志愿军战歌》、《社会主义好》、《草原上升起不落的红太阳》和《学习雷锋好榜样》等等,不胜枚举。就是我国的国歌,全曲只用了一个”si”,即在第一句“起来,不愿做奴隶的人们”中的“的”,可以说基本上是五声音阶歌曲。这可能与作曲家聂耳从小在五声音阶的云南民歌声中长大有关,我们知道,云南民歌中最广为流传的《小河淌水》就是五声音阶的。同时期的另一位革命音乐家冼星海就有所不同,他是在法国接受音乐教育的,他创作的如《在太行山上》等就不是五声音阶的。而当他奔赴延安革命根据地后,受到民歌的影响,创作的如《黄河大合唱》中的《黄水谣》、《黄河颂》等虽然还带有西洋音乐的所谓学院派的影响,但五声音阶的曲谱显现了强烈的民族特色。
就是现在的流行歌曲中,也还有不少是五声音阶的。比如《绿岛小夜曲》,S.H.E.演唱的《波斯猫》,网络歌曲《老鼠爱大米》等,都以简洁而不失单调的曲调赢得了广大歌迷的喜爱。
不过,话要说回来,既然自然界给了人们的耳朵和嗓子以辨别和唱准十二个音符的能力,却只用五个音符谱曲,用现在流行的话语来说,是一种资源的闲置和浪费。而且,比起十二个音符来,五个音符到底还是略显简单了一些。我们听交响乐、协奏曲,能表达人们复杂的情感,描绘大自然给人们的丰富的印象,靠五个音符看来是不够的。这正是五声音阶的局限。
就拿脍炙人口的小提琴协奏曲《梁祝》来说吧。因为它是以江浙一带的民歌民谣和越剧唱腔为素材创作的,虽然不完全是五声音阶,但还是以这五个音符为基础的,所以给人的感觉还不够丰富细腻,而且由于配器(各种乐器的组合匹配)的简单略显冗长。据该协奏曲的首演者、著名的小提琴演奏家俞丽拿女士回忆,当年周恩来聆听了她的演奏后曾对她说,是不是能改得短一些、更紧凑一些。但俞丽拿女士在与作曲者何占豪、陈刚认真商议后,觉得不能修改。后来周又听过俞丽拿演奏该曲,对于未曾修改一事,再也没有说什么。正如周当时所说的,“我只是以一个普通听众的身份说的,改不改是你们音乐家的事。”这使俞丽拿十分感动。
当然,这件事既体现了周的谦逊和伟大,也凸现了艺术家的独立和执着。但一般听众将《梁祝》与其他著名的小提琴协奏曲如门德尔松、柴可夫斯基、贝多芬的相比,由于配器的不足(因为两位作曲者当时还是学生,没有学过配器),给人感觉有些拖沓是正常的反应。我想,这里除了配器的问题外,基于五声音阶的主旋律给乐曲带来的局限可能是主要原因之一吧。
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汉语的魅力得到广泛认可的同时,也有很多外国人在学习中文歌。读文网小编为学习中文歌的外国学生整理了一些方法和建议,快来看看吧。
组织学汉语的学生唱歌可以提高他们的学习兴趣,同时有助于克服羞怯这个学习外语最大的敌人,拉近老师和学生的距离,也可以学习一些汉字和词汇。成功地组织这类活动需要注意很多方面的问题。唱歌有两种形式,一是老师选歌,让学生学唱;二是学生自己选歌(可能需要老师帮助)进行歌咏比赛。
老师选歌让学生学唱的时候要注意:老师不能以自己的喜好作为选择标准而要考虑唱什么样的歌曲容易出效果。
第一,歌曲旋律比较容易记忆,节奏比较分明,学生能唱得比较整齐。拖腔太长,拐弯太多的就会乱了。在哈佛北京书院有位老师教学生唱带戏曲色彩的《相会在北京》非常不成功。而像《对面的女孩》之类的就比较成功。
第二,音域不要太广,不要超过两个八度,否则大部分学生高音上不去,低音下不来。上述《相会在北京》之所以失败也是因为这个。
第三,歌词一定要包括一些学生已经掌握的词语,避免一些有明显的语法问题的歌曲(很多歌词有语法问题,例如“”前一首很有名的歌中有“革命人永远是年轻”这样的语法不规范的句子)和词语过于晦涩奇怪的歌曲。《月亮代表我的心》的好处就是歌词比较简单,大部分的词语学生都会。同样是邓丽君的歌,《何日君在来》的词语就太生僻,特别是第二段歌词。
第四,注意歌词内容在所在国家的“政治上的正确性”,注意避免一些过于敏感的东西。
第五,给学生提供歌曲的正谱(五线谱)会很有帮助,简谱只在极少数国家通行。有谱子会学得快学得准,但是大部分老师都采用无谱教学,效率低。至少在美国大学,学生识谱的比较多。
第六,把歌词翻译成英文或所在国文字有助于学生理解,但一定要学生看中文歌词,这样记住的汉字往往印象特别深。
第七,卡拉OK伴唱的调子往往太高,需要注意。
第八,老师不要总带领学生唱,要鼓励学生自己唱,老师即使需要和同学一起唱也要注意控制音量。
另外,小编对于外国人学唱中文歌曲的选曲也有一些建议。
第一,最多三重唱,多于三个同学一起唱总会有滥竽充数的,甚至可以只准两个人重唱。
第二,学生可以选任何歌曲,老师不要干预。我的学生不止一次唱中国的国歌。也允许学生唱自己翻译成中文的其他国家的歌曲,目的是学中文。
第三,要求学生把自己唱的歌中的没有学过的生词加拼音并翻译成英文,最好用PPT。
第四,最困难的就是动员一些不愿意唱歌的同学,鼓励他们唱一首简单的歌。我的经验是年龄越大的学生顾虑越多。
第五,如果打分,凡是唱了歌并且按照要求编写词汇表的都应该打满分,不应该根据歌唱水平打分。但作为唱歌比赛当然可以打分。
第六,别忘了照像和录像,这会成为吸引更多同学学中文的宣传品。
第七,学生会让老师唱歌,应该唱,但是要唱很短的歌,不要变成老师的演唱会,把更多的练习中文的机会交给学生。
第八,有的学生会荒腔走调,不要笑话他们而要鼓励。我的经验是这种情况很少发生,美国学生的音准一般没有问题。
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音阶就是以全音、半音以及其他音程顺次排列的一串音。今天读文网小编就为您简要介绍一下音阶吧。
基本音阶为C调大音阶,在钢琴上弹奏时全用白键。音阶分为"大音阶"和"小音阶",即"大调式"和"小调式"。大音阶由7个音组成,其中第3、4音之间和第7、8音之间是半音程,其他音之间是全音程。小音阶第2、3音之间和5、6音之间为半音程。
自然七声音阶
是应用最广的七声音阶,其音程组织是,每个八度之内有5处全音,分成两个一串和3个一串,两串之间以半音隔开,见下例1
五声音阶
详称“不带半音的五声音阶”或“全音五声音阶”。广泛流行于亚洲、非洲、中太平洋的一些群岛、匈牙利、苏格兰民间音乐以及在欧洲人到达美洲之前的美洲本土部族中。常被称为“中国音阶”。其五阶在中国传统文化中有专用的名称,分别称为:宫、商、角、徵、羽。其音程组织是每个八度之内有3处全音,分成两个一串(宫-商-角)和一个单独的(徵-羽),两段之间以□音隔开,见下例2:音阶中的每一个音都可以当主音以建立调式,可形成 5种不同的五声调式。在五声音阶基础上,每处□音的区间可以插入不同的附加音(偏音)而形成七声音阶(以五声为正声的七声音阶),附加音的插入可有 3种不同的方式,形成 3种不同的音阶形态(见宫调)。附加音的音高常可游移,游移音高有时将□音的区间划分成两个各约为四分之三音的音程。
吉卜赛音阶
详称“带有增二度的七声音阶”。吉卜赛是10世纪时从印度西北部分离出来的游牧部落,其音阶结构形态继承了古印度音乐文化的特点,并在西亚、东欧、南欧、北非各民族的音乐中留下深远的影响。其音程组织是每个八度之内有两处增二度,每个增二度两端有半音镶边,形成一组以纯四度为框架的、“吉卜赛风”的四音音列,两组四音音列之间一处首尾交叠,一处有全音隔开,见下例3:用这种音阶,也可选其中不同的音当主音以建立不同的调式(但并非每个音都能当主音)。
阿拉伯音阶
详称“带有中立音的七声音阶”。8世纪时著名乌德演奏家扎尔扎尔创用以后,在伊斯兰文化影响所及的地区广泛流传,成为阿拉伯民族音乐的特征。其音程组织是,将一个全音与两个约为四分之三音的音程相接以形成一组以纯四度为框架的“阿拉伯风”的四音音列,每个八度内的两组四音音列之间一处首尾交叠,一处有全音隔开,见下例4,用这种音阶,也可选其中不同的音当主音以建立不同的调式(见阿拉伯音乐)。
半音五声音阶
详称“带半音的五声音阶”。盛行于古代希腊与近代日本及其他太平洋岛屿。其音程组织是,将一个大三度与一个半音相接以形成一组以纯四度为框架的、特别的三音音列,两组三音音列之间可有全音隔开。由于大三度与半音相接时其上下位置可以不同,实际上分成两种结构形态,见下例5:
平均七声音阶
流行于东南亚一带。其音程组织是将一个八度划分成大致相等的7个区间,每个区间小于全音而大于半音。
平均五声音阶
爪哇人所用,当地称之为“定形斯连德罗”。其音程组织是将一个八度划分成大致相等的5个区间,每个区间大于全音而小于□音(见印度尼西亚音乐)。
以上各类音阶都植根于民间音乐中。此外尚有不少人工音阶,是由作曲家根据某种表现意图与风格要求而设计创造的,有的仅出现于某一特定的作品中,有的为某一作曲家所喜好常用,有的产生较大影响,为某个时期某个流派的一批作曲家所用。其中主要的有:
全音音阶
由6个音级组成,也是一种平均音阶,即将一个八度划分成相等的 6个全音。这种音阶的运用滥觞于F.舒伯特、G.罗西尼、H.柏辽兹的某些作品,其完整形态出现的最早例子见于俄国作曲家M.И.格林卡的歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》,以后A.C.达尔戈梅日斯基、F.李斯特、C.德彪西、G.普契尼、R.施特劳斯等都曾用过。它成为印象派音乐风格的特征之一。
半音音阶
由12个音级组成,也是一种平均音阶,即将一个八度划分成相等的12个半音。虽然12半音的律制在中国古已有之,在欧洲也在使用键盘乐器以后定型,但将律制中的12个音不分主次而又缺一不可地一齐用来构成乐曲则是20世纪以来的现象。这种作曲技法称为十二音技法或十二音体系。
此外尚有各种包含小于半音的微小音程的音阶形态,统称“微分音音阶”。目前各种微分音音阶还仅处于实验阶段(见微分音音乐)。
音阶里也有音乐。7个音符组成了美妙的音乐。
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读文网小编今天为您整理的音阶练习的技巧的相关建议,其中一些很具体,另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。
每次练习开始时,可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如,一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时,这种方法尤其有用,因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
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声乐是音乐艺术中最容易为儿童喜爱、接受和理解的一种艺术形式,但是声乐学习的过程中又是枯燥的、艰难的,怎样能使孩子在学习声乐既轻松愉快又能收到良好的效果,是众多声乐教师所要解决的问题,也是教师们要追求的理想。接下来读文网小编就来为您讲讲如何教小孩子学唱歌。
兴趣是最好的老师,兴趣是人对事物或活动所表现出来的积极、热情和肯定态度,并由此产生参与、认识和探究的心理倾向。兴趣是引起和维持注意的重要因素,对感兴趣的事物,人们总会主动愉快地去探究它,使活动过程或认识过程不是一种负担。因此,兴趣是学习的巨大动力,是孩子主动进行学习的精神力量。爱因斯坦的“热爱,是最好的老师”既是一句至理名言,又为教师在声乐教学中指明了方向——运用趣味教学法进行教学。儿童生活中趣味性因素很多,天地间许多事物在我们看来司空见惯,但在孩子眼里会出现一大堆问号。那就要求我们会用孩子的眼光观察他们的趣味世界。充分调动和发挥孩子们丰富的想象力和表现力,才能激发那种发自内心演唱的冲动,达到情真意切。
怎样在声乐教学中进行科学的声音训练呢?让儿童从小养成合理的、科学的发声方法,就会使他们的声音变得更美妙、更动听。教师要选定母音的训练作为突破口,但母音的训练,是极其枯燥的,是孩子们最不容易集中注意力、最不愿意认真练习的部分。教师在教学中不要轻易搬出音乐专业术语,而要通过创设情境,具体生动的示范和讲解:如用优美动听的声音,形象生动的表演,丰富多彩的语言,来调动他们的积极性和热情,让他们对母音练习感兴趣,使孩子在生理上,感觉不疲劳、不紧张;精神上也相对放松,思想集中、思维活跃,真正体现“快乐中学习”。
1、小蜜蜂歌唱:“m”
教师要抓住孩子喜欢小动物的特征,邀请小蜜蜂来和我们一起演唱,小蜜蜂怎么唱歌?
孩子们马上听琴模仿小蜜蜂“m”的唱了起来。
2、小猪宝宝歌唱:“lu”
教师继续引导:小猪宝宝听到这里这么热闹,也高兴的唱了起来,我们和他一起唱,“lu”……还会有谁来唱歌呀?有的说青蛙“gua”,有的说小鸡“ji”……
孩子们的积极性被调动起来啦,枯燥的母音训练变成了一场有趣的“小动物演唱会”。在教学中,教师尽力寻找各种合适的契机,引导孩子展开丰富的联想,从而揭开朦胧的面纱,用各种简单的形式展现在孩子面前,播种在孩子心里,让优美的童声在音乐的海洋中自由翱翔。
儿童在声乐训练中,容易在歌唱时产生不必要的紧张,这将直接影响到正常的发挥。教师在教学过程中,不应该理性化、学术化,而应该在一定程度上生活化,教师要运用“趣味教学法”,寓教于乐,让孩子在参与丰富多彩的音乐活动中,有趣地、令人开心地掌握基本的声乐知识和技能。获得审美愉悦体验,增强进一步学习声乐的兴趣和信心。让孩子们在轻松愉快的氛围中学习,激发学习声乐的浓厚兴趣,获得美好的声音享受,从而逐步养成歌唱的良好习惯,使孩子们发出美妙动听的歌声,让一只只快乐的“百灵鸟”飞翔在艺术的天空。
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很多朋友认为自己唱歌不好,也许其实你并不是唱不好,只是不会唱,那些唱得好的也不一定就是勤学苦练的结果而只是他多做了些对的动作少做了些错的动作而已 对绝大多数朋友来说,可以按以下的顺序来进行学习:
No.1 初级发声1:发声综述
No.2 初级发声2:初学必看汽泡音之蜕变起点
No.3 初级发声3:汽泡音之练声大法
No.4初级气息1:大家来练气吧 -----我们的气息
No.5 初级气息2:练气息要用到身体的哪些地方?
No.6 初级气息3:从生活中的动作 一步步掌握 气息
No.7初级气息4:气息练习来啦 连绵不断
No.8初级气息5:气息再练习 气吞山河 气贯长虹
No.9 初级咬字1:会说不一定会唱
No.10初级咬字2:字要念清楚 才能更感人
No.11初级咬字3:口型和面部表情
No.12初级咬字4:咬字的发力 最重要也是最难做
No.1 要想唱好通俗音乐,首先歌者一定要做到声情并茂! 要想唱好通俗音乐,首先歌者一定要做到 "声情并茂"!!! 声:指的是发声的技能(也就用那些动作去唱歌) 情:演唱时所要表达的一种情绪或一种气氛(一般被视为是不是投入,是不是有歌者的气质) 就算一个发声技能高超的人,他的声音还是会有瑕疵的,因为在声乐表现中,人声始终是精益求精的,如果缺少了感情的支撑,那他充其量是一部发声机器,而且是有瑕疵的。 反之,如果凭一时之勇,一时之情去发泄的话,那就往往脱离不开K歌,叫喊等行为了。 误区:声、情两者不能良好的结合起来,盲目训练导致成为一个麻木的发声工具,而过分的热情似火又太容易染上市井演唱之气,今后就难改了!
No.2 分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律 我们下面就分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律! 当然,在字面表达以及动作训练的过程中,是以声为主,情为辅,但希望大家在运用表演的过程中反之,衡之。 提高声乐技能主要分为四大门功课:气息,发声,传声,咬字。 情:在一开始的时候,主要是要能听得出 好声音的“质”,“气”,“词”,“乐”。(在演艺,欣赏歌曲的过程中要学会从感性变为理性再回到感性) 很多人盲目的练习唱歌,但他并不知道在唱歌的过程中,声的四大部门都在工作,这才叫唱歌,练习是有效的。但同时,歌曲演唱的好坏是在欣赏一个整体,一个情绪,不是在检
验这四门功课的高低! 例1:练声练得好的人不代表唱歌唱得好。 列2:喜欢刘德华而不喜欢张学友的人,他们绝不是在比谁的演唱技能高,而是在比谁唱得好听!
No.3 什么是气息? 既然谈到四门功课,我们就来一一阐述一下: 首先,什么是气息? 唱歌必须用气,通俗音乐中的气,是由一呼一吸这两个动作交替构成的。(决不要有第三个动作产生,例如 停顿、重吸、重呼、偷气、漏气等) 就一呼一吸而言,唱歌是呼的艺术,切勿本末倒置。(现在市面上,大多的练气方法,太强调吸气,这样会大大削弱歌者的表现能力,交流能力) 练习要领,要用气,就要一呼一吸,交替工作,稳定气口,连贯动作。 练习方法: 1,弱延音练习 发“丝”的音,一口气“丝”20-30秒,5-7口气为一组,每次练3-5组 用“丝”替代歌词,完成整首曲目 要求:轻,细,连,长 3,“嘟”练习(如同小孩玩时) 嘴唇放松,颤动 一口气“嘟”20-30秒,5-7口气为一组,每次练3-5组 用“嘟”替代歌词,完成整首曲目
No.4 气息的动作 气息的动作。我们下面介绍胸腹式呼吸,首先我们来认清气息动作中的上腹部和下腹部。 下腹部:丹田(脐下三指),小腹沟(小腹的最底部及边缘构成的半圆形地带),身体两侧胯骨以上腰部以下,及背后同等位置构成的一圈。 上腹部:横膈膜及其周围一圈。包括上腹,胃,下肺叶,两肋,胸前及背后各两根肋骨。
动作: 1.深呼吸三次 保证呼 吸两个动作都要充分 并且均为5秒 找到气息的节奏
2.深呼吸三次 保证呼 吸两个动作都要充分 但呼还是5秒 吸就越短越好
3.将2的动作重复三次 只是不呼不吸 屏住一口气(此时气息不动 只有肌肉工作)
4.将2,3动作中的呼,吸肌肉动作颠倒(关键)再开始深呼吸三次 呼是10秒 吸越短越好
5.保持4的动作 将呼慢慢延长10~30秒 吸还是越短越好 并呼时推动声带发元音(a,e,i,o,u,这是拼音)
6.保持5的动作 慢慢将元音变为歌词 保持发声及气息动作位置来唱歌 练习: 1:长连音练习 快速数1,2,3......9,10 一口气数20-30遍,5-7口气为一组,每次练3-5组 要求:要讲气息,发声,咬字分开工作,力求咬字清楚,力度平均。 2:强跳音练习 仍数1到10,每个之间间隔一秒,一口气数2遍,5-7口气为一组,每次练3-5组 要求:短,快,匀,净 3:练习1和2在一口气内交替练习,如先练习2从1数到5,再练习1数5遍,如此交替 以上练习一定要注意,首先,认清气息工作的肌肉;其次,使这些肌肉正确的按照以上动作工作。 误区:练气是在练演唱时气息的工作能力,不是在比谁的气长。以多口气为一组,不要以一口气为判断依据。
No.5 什么是发声? 接下来,我们讲一讲发声。 发声是人的一种本能,但是说话,唱歌这都是后天形成的。 什么是发声? 气经过气管推动声带,使声带颤动,这个过程就叫做发声。(气息,气管,声带,肌肉群这是人类本能发声所需要的肌肉) 既然发声是这样构成的,它所需要的气息我们已经在上文中阐述,气管只要在无疾病的情况下,上体保持正直即可,在今后我们说到发声的时候,泛指声带肌肉群的工作。 我们要从本能的发声变为有目的,可控制的发声。 首先,要能感觉得到声带在工作,我们可以在放松的情况下发“汽泡音”来体会,这个声音就有点像打嗝。(我们将在音频和视频中说明) 其次,体会到“汽泡音”之后,用“气泡音”的声带工作状态以及发声位置来演唱。 练习:用“气泡音”作字头来发5个元音“a,e,i,o,u”(拼音),记得结合气息练习 误区: 1.将原始发声和后天形成的发声能力混为一谈。 2.说话时的动作和唱歌的动作太多雷同。
No.6 为何使用气泡音 为何使用气泡音:气泡音是声带积极状态的最佳起点(就像飞机的起跑) 练习声乐要讲究感受不能太相信感觉,也就是要以练习动作的感受来坚持训练。 喉下说话(放松喉咙和嘴,轻轻的发气泡音,会感觉比平时说话的喉位低) 用喉下说话的感受,位置来朗诵,然后进行演唱训练。 要求:每个字的字头都要有气泡音(声带起动感),先练慢的歌再用到不同的歌上,整体的发声既要有状态但也更要放松。
No.7 小结 练习了前几讲之后如果动作都会了接下来关键就是分开四大工作区 气息动作;发声动作;咬字动作都提到过了,剩下的就是“传声动作”了 再回头体会一下前几讲中的练习。 例如:气息练习中的气息练习那是当然的了,但请大家不要忘记只要有声音就要用“发声动作”,同样的一有字那就要再加上 “咬字动作” 了。 用这样的状态来练习唱歌就基本入门了。
No.8 咬字动作 咬字[对着镜子练] 其实之前讲的课在练习的时候最好也可以照着镜子 1.演唱时至少露出4颗以上的上前齿 当然在放松的情况下是越多越好 2.将嘴唇的外1/4处向上/斜上方扬起 (唇线的最高点,驺鼻子) 3.面部打开,惊讶的表情 4.[最重要,最难]松开牙关, 准备动作,要大牙来发力就是口腔开合的力[用最里面的槽牙] 牙关是松开不是张开[动作] 你能准确出这两个动作吗 5.嘴的上半部工作(以上下嘴唇合缝处为界)下半嘴放松用不动的物体支住下巴来练习 脖子与下巴的角度保持在90度以上120以下 6.保持嘴巴前大后小,成喇叭状
No.9 前大后小 上讲中提到的咬字动作,主要是增加了口腔前段的空间,而很多朋友在演唱时一味的追求把嘴张开,而导致口腔后端盲目扩大,整个口腔成为桶状,甚至漏斗状,这既不符合声音传递的物理性,更违背了通俗音乐亲切的特性。 所以在前大的同时,我们要保持相对的后小,使口腔成为喇叭状 大家看到这个大于号,要构成它,肯定有一个顶点及两条边,顶点就在我们积极工作的声带上,或者说气息经过声门的那个点(切记:口腔底部是在声带上,而不是在嘴的内部) 那两条边,下边,就是我们的舌头,要向左右展开,并保持平直(这个动作在许多歌手的现场演绎中都能清楚地看到) 上边,就是我们的上口盖,也要展开放松,跟舌头形成相应的前大后小的夹角。
No.10 上口盖 上口盖,用舌头,舌尖舔自己的上排门牙,沿着中心线往里运动,依次会碰到牙根、突起的一 块肌肉[质点、字点所在,下文详解]、凹进去的是硬腭部分、柔软的一直到扁桃体就是软腭,在演唱中我们称其为上口盖。 因为只有它可以在嘴或者说上半嘴不动的情况下自己工作/变化,所以在传声器中,这块肌肉的动作至关重要。 跟咬字动作配合使用后,上口盖跟舌头起到了将口腔缓缓集中直至声门,这个要大家刻苦练习,通俗我们没有这个习惯! 通常我们的咽部是自然保护着我们的喉部的,而在演唱中,我们就是要做到松咽,露喉(放松我们的咽部肌肉但喉部肌肉又是要工作的),咽喉不再是一体。
No.11 矛盾的统一 前10讲基本已经谈了唱歌的四大部分,换句话说,如果你在演唱时,可以同时使这四部分在工作并使其逐渐成为习惯,那么恭喜你,你已经在真正的唱歌了。 同时,不知道大家在练习中有没有发现到,这些动作在工作时会互相影响,一松全松,一紧全紧,要解决它原则上就是要做到矛盾的统一。 几乎在演唱的所有的肌肉工作动作中,肌肉既要积极工作,又要相对自然放松,这一点希望大家多费心去体会,花些时间练习。
No.12如何解决气泡音的困惑!!! 大家练习了气泡音 使用到演唱中效果应该是明显的 但有人会问: 练的时候有改变怎么平时唱歌还跟以前一样? 答:难道你还分练习唱法跟平时唱法吗???这显然是有误区的 学了 练了 最关键的还是用 !!!! 有人会说 用了气泡音唱歌不好听? 答:那我会告诉他 是不好听 我又没说用了就好听 这是一个单纯的发声技巧基础动作 歌好不好是听者的感觉 演唱的技术是指歌者的感受! 一个拥有很多歌迷的歌唱家不一定唱的科学 明白了吗???要用气泡音来演唱 又要靠感觉把歌表达的自然 好听!! 练气泡音就能唱好歌?要练多久?? 答:世界上在任何的一条再高级的路走到底都是死路 要达目的 要的是认清方向 气泡音不是万能的 当你熟练以后 就不需再刻意单独练习 因为它的肌肉状态已经融入你的演唱中 此时你又要作新的动作了 这样你的演唱就真正的在技术上提高了 水平进步了.
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学习半音阶口琴,也是要有技巧,下面是读文网小编为你整理的半音阶口琴演奏技巧,一起来看看吧!
颤音奏法 : 颤音就是以原来的音和高一度的自然音快速交替吹奏,感觉像在跳动般。颤音 奏法的重点是原音与邻音吹奏的气量、音量、速度等都要平均,不可有长短不均的现象。
用按键来颤音 : 这是半音阶口琴最常用且简单的方法,这种方法适用于 3 及 7 的颤音,因 为#3 = 4 , #7 = 1 ;所以只要在 3 及 7 的地方使用按键颤音,即可做出 3434 及 7171 的颤音。
用移动(推移)口琴来颤音:
使用移动口琴的颤音方法是将口琴左右来回快速移动,这种方法适用于 6 处,即可做出 67 67的颤音
按键加推移,也就是用左手来颤音。
这种颤音技巧是按键及推移的综合,方法是右手的按键不动,而以左手来推移,而使按键 产生压放的动作。这种方法适用于 1 及 4 ,因为 #3 = 4 , #7 = 1 ,因此在 #3 及 #7 处作左手颤音 ,即可做出 #35#5 ( 4545 )及 #72#72 ( 1212 )的颤音。
用舌头来颤音
另外这种颤音技巧比较特殊,在使用时鼻子可以自由呼吸,完全不受颤音技巧的影响。方法是使用 ’’ ㄨ ’’ 及 ’’ ㄩ ’’ 的嘴型, 舌头在口腔内迅速的前后来回移动,空气受到舌头的鼓动,被挤出或吸入,即可做出舌颤音。这种方法适用于 1 及 5 处,即可做出 1212 及 5656 的颤音。
单孔舌断音奏法
此奏法原属于笛的奏法,吹奏时用 U 型单孔含法,将舌尖顶再上颚近上排牙齿处,然后念 Tu-
Tu-Tu ,让气间歇地打在簧片上,而产生断音。另外,若是有连续断音则可改变成 Tu-Ku-T u-
Ku ,单孔舌断音奏法的音色较为强烈嘹喨,因此较适用于节奏明显的乐曲。
多孔舌断音奏法
和多孔含法同,只不过需先将所有的孔堵住,再将舌头往左后缩,吹奏出单音后,再盖回 去 。
多孔舌断音奏法音色较为深厚且较富连贯性,适合用于较柔美的乐曲中。
喉断音奏法
喉断音奏法使用时如同咳嗽般,喉部念 ’’ 咳咳 ’’ ,但是千万不可发出咳咳的声响,喉断音奏
法较适用于乐曲中使用合声且又需要断音时。
手振音奏法
以左手的拇指与食指夹住琴身,四指并拢,右手末端指节控制按键,拇指再贴着左手拇指,另三指再与左手造出一个共鸣 室。摆动时以手脕关节靠拇指处作为支点,右手微张开摆动;另外使用左手后三指张开摆动亦有不同效果。
腹振音奏法
这种奏法与唱歌的抖音技巧雷同,及运用腹部的力量,使气流产生变化,进而达到振音的效果。
唇振音奏法
唇振音奏法所做出的音色,在半音阶的振音技巧中,最为特殊,使用时,利用双唇上下来回摆动,使嘴型忽大忽小,以改变气流行进方向,而达成音色变化的目的。
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半音阶口琴的音阶组织一如钢琴,除普通音外,尚加入一般口琴所没有的半音阶。半音阶口琴主要分别为十孔,十二孔,十四孔,十六孔四种。以十二孔的半音阶口琴最为多用,一具十二孔的C调半音阶口琴具备有三组的八度和完全的半音,其排列是按音阶的顺序分每四个孔一组八度。以下是读文网小编收集整理了:10孔半音阶口琴,仅供大家参考学习。
半音阶口琴有的是胶制琴格,有的是木制琴格,各具特色。少数也有铝制琴格或全银制造的半音阶口琴,甚至有使用黑檀木制造琴格的口琴,黑檀木口琴音色温润柔和,共鸣效果绝佳。
标准型号
10孔40音半音阶口琴
12孔48音半音阶口琴
14孔56音半音阶口琴
16孔64音半音阶口琴
这些是标准型号的半音阶口琴,单音簧发声,琴格每一孔都同时有吹吸四个音存在,除高音部的几个音外,每个簧片都盖有一个胶膜阀门(俗称胶片)用以防止漏气。常见初学者较难吹奏其低音部。半音阶口琴的音色纯正而圆浑厚实,尤其适合吹奏古典风格和旋律优美的乐曲,亦可以吹奏流行音乐。另有某些型号特别适合演奏出爵士(jazz)风格的音乐。
24孔口琴
这是目前中国制造的特有型号,国内厂商生产半音阶口琴的初期,为了减小因胶片品质不良而引起的漏气问题,也为了节省成本,就发明了这种没有胶片的半音阶口琴,同样单音簧发声,但琴格每一孔只有吹吸两个音存在。特别要指出,这种口琴与标准的10、12、14、16孔等半音阶口琴比较起来,品质差很远,吹嘴和按键部分都是塑料制造的,音色跟一般儿童用的单音口琴差不多,漏气情况严重,但也可用作小朋友的随身玩伴。
特殊口琴
这些琴外型酷似复音口琴,有上下两排,上排比下排高半音,吹奏上排的作用等同压下普通半音阶口琴的按键,音色清亮纯正,外型美观,用作教学或自娱自乐都不错。
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口琴音乐在我国已有近百年的历史,自 五四 新文化运动后兴起并逐步传播,1949年初至 “” 前达到兴盛。改革开放以来至20世纪末,口琴音乐出现了非均衡发展的态势。以下是读文网小编收集整理了:10孔半音阶口琴的教程,仅供大家参考学习。
半音阶口琴的音阶组织一如钢琴,除普通音外,尚加入一般口琴所没有的半音阶。半音阶口琴主要分别为十孔,十二孔,十四孔,十六孔四种。以十二孔的半音阶口琴最为多用,一具十二孔的C调半音阶口琴具备有三组的八度和完全的半音,其排列是按音阶的顺序分每四个孔一组八度。
大师
半音阶口琴以其柔和明亮的音色以及其独特的表现力深深吸引着人们,它的不断发展引起了音乐界的重视,很多作曲家为它创作了新的作品,如英国作曲家瑞弗·沃汉·威廉斯(R.V.Williams)的《口琴浪漫曲》和詹姆斯·木迪(J.Moody)为口琴而作的《小组曲》、《协奏曲》等等,都是口琴音乐的优秀作品。百年来,在国际上涌现出一批口琴演奏大师,如:拉里·阿德勒(Larry Adler)、图斯·泰里曼(Toots Thielemans)、汤姆·瑞利(Tommy Reilly)和我国旅美的黄清白(Cham-Ber Huang)等,他们高超的演奏技巧和对音乐的独到处理,使口琴音乐深入人心,也影响了青年一代的演奏家.
购琴须知
购买半音阶口琴的朋友请注意口琴的调性,有C、D、E、F、G、A、B这7个常用大调和C#、D#、F#、G#、A#这5个补充调。半音阶口琴可以视为将两把相差半音的口琴做在一起,例如C大调同时具备C#调所有音阶,所以常见大部分厂家只生产C大调,其他调性如D、E、F、G、A、B等大调只有少数型号有提供。建议初学者选购一支C调半音阶口琴,只要学会移调,就可以演奏任何调性的乐曲,真正“一琴闯天下”。
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口琴是一个很好的乐器, 所以有很多的人都想要学习口琴,那你知道10孔半音阶口琴的音阶图吗?以下是读文网小编收集整理了10孔半音阶口琴的音阶图,仅供大家参考学习。
颤音奏法
颤音就是以原来的音和高一度的自然音快速交替吹奏,感觉像在跳动般。颤音奏法的重点是原音与邻音吹奏的气量、音量、速度等都要平均,不可有长短不均的现象。
用按键来颤音
这是半音阶口琴最常用且简单的方法,这种方法适用于3及7的颤音,因为#3=4,#7=1;所以只要在3及7的地方使用按键颤音,即可做出3434及7171的颤音。用移动(推移)口琴来颤音。
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口琴是世界上最小的簧片类乐器,又是世界上吹奏人数最多的乐器.它小巧轻便,被喻为“流动的音乐”、“衣兜里的钢琴”。以下是读文网小编收集整理了:10孔布鲁斯口琴音阶,仅供大家参考学习。
1:不要忽略基础的音阶练习:
一般来说,很多琴友在学习到了一定程度(比如学会压音)之后,会忽略那些基础的音阶练习,其实很多似乎很花哨的东西,也只不过是基础的东西堆砌出来的,所以基础音阶练习一定要是每天练习中必不可少的一环。
2:长音的练习能够让你的单音更好听:
很多琴友都问过绅士菌,为什么自己吹的东西不好听,其实绅士菌想说的是,好听与否一方面是看个人的审美,还有一方面就是看控制力了,能不能控制住你的琴,让它演奏出你想演奏的音色,这种练习就可以从长音开始入手。
3:节奏感的练习很重要:
节奏是乐曲的骨架,但是很多的琴友忽视了这个骨架的重要性,很多时候一首歌演奏不出原本的韵味,并不是因为技术不够,而是节奏不行,所以节奏的练习也应该是口琴练习中非常重要的一环。
乐理教程|Rhythm!神奇的节奏
4:琴的选择很重要,但不是最重要的:
绅士菌经常听到有琴友发问:“我为什么做不出XXX的技巧,是不是XXX口琴不行?”诚然,有一部分口琴在初学者手中,确实不那么好做一些技巧,但是更多的是自身水平还没有达到足够支撑技巧的程度,而非口琴本身的问题。
5:保持录音的好习惯:
关于口琴录音的问题,其实不止是口琴录音,在各种乐器的练习中,进行录音并且事后进行分析,并针对出现的问题进行调整于加强练习,这些都是很重要的,因为自己吹的时候听到的口琴声,与录音听到的口琴声并不完全相同,就好像自己说话时的声音,与录下来时再听的声音并不完全相同。
6:不要过度依赖于他人的“教”:
在“教学”这个问题上,绅士菌遇到过一些琴友,过于依赖他人的“教”,很多很基础的问题,百度搜索上面动动手指就能解决,但是却不经过思考,直接进行提问,并且在别人“教”完过后,自己并不去练习,事实上,口琴的学习过程,更重要的是自己的学习与练习的过程。
7:扒谱的练习也是很重要的:
事实上,绅士菌不应该只是说扒谱的练习,应该是说视唱练耳的练习,但是鉴于视唱练耳的练习可能很多琴友比较难坚持,那么就建议大家进行扒谱的练习,一方面能够以这种方法锻炼自己对音的直觉,另外一方面则也能够不需要做“伸手党”依旧可以学会自己想要的曲子。
8:自己的练习目标要符合自己的水平:
很多琴友在学琴的时候可能听说过,或者看一些大神表演过某些技巧,知道了比如压音,超吹,超吸的一些技巧,上来就要学这些技巧,但是事实上,在基础还不牢固的时候,学习这些技巧,一方面会学的很慢,另一方面这些技巧即便学会了,也没有那么快可以用上。
9:提高自己的欣赏水平:
说实话这一点其实是绅士菌最近才发现的一点,欣赏水平会限制一些琴友对于音乐学习的眼界与热情,事实上,当我们真正学习并了解了一种音乐之后,反而会开始慢慢接受新的,更多的音乐类型,所以多听不同风格的音乐,会对你有好处的。
10:多与他人交流:
这一点是很多人忽视的,也被很多人误解的,很多人认为,口琴这种小众乐器的学习应该是一种闭门造车的行为,然而事实上,口琴的学习过程中,有很多东西都可以与其他乐器相配合,从其他乐器那边学到东西,当你走出去与不同乐手交流的时候,你就会开始从玩口琴变成玩音乐的人了。
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你喜欢唱歌吗?工作应酬的时候不会唱歌尴尬吗?唱歌是不是五音不全,高音上不去低音下不来?是不是经常破音呢?是不是感觉气息不够用,唱歌声音不好听呢?下面是读文网小编为大家整理的关于:0基础学唱歌教程。欢迎阅读!
1、什么是唱歌
2、为什么要唱歌
3、找到自我新价值的时代已来临
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二胡音阶教学方法
学乐器必须要懂音阶,二胡因为没有指板和“品、位”,那么如何练习?接下来小编为大家介绍二胡音阶教学方法,一起来看看吧!
首先选好擦弦点(即跳点),像演奏短弓一样控制好弓子,让弓子平而直地左右运动(以肘部为支撑点,用小臂带动手腕,来回磨擦琴弦)。这时会完全是在进行短弓练习,这是第一步骤。第二步骤腕也会放松。因为自然跳弓是一种惯性运动,起跳以后,手腕应随弓子弹动的速度自然而流畅地来回牵引弓子左右运动,不要用手腕动作的速度去控制弓子弹动的速度,而是随弓子弹动的速度,手腕也左右同步运动。这时手腕松驰而自然流畅,内弦跳弓的演奏就能轻松而持久地进行下去。
自然跳弓的最大难题是换弦。因为内外弦作用力相反,弹力方向相反,跳点位置不同,所以在换弦后第一音实际上是新的起跳音,必须在新的一根弦上形成惯性,才能奏出自然跳弓。如果遇到比较频繁的换弦,从理论上讲,这种惯性运动经常受到破坏,必然使跳弓进行处于断断续续的状态,音符进行也决不会流畅。其二是内弦弓子张力大于外弦,同速度自然跳弓的跳点,内外弦不在同一个弓段位置上,演奏内弦时跳点要向弓根部位移动一公分左右,所以要解决好跳弓的换弦问题是相当困难的,根据我多年摸索和实践,认为注意以下三点能较好地解决自然跳弓换弦及应用问题。
(一)若遇内弦一大串音换至外弦一大串音,只需在换弦第一音起跳时,将弓子磨擦点向弓尖方向移动一公分左右即可。若遇外弦一大串音换至内弦一大串音,也只需在换弦第一音起跳时,将跳点向弓根方向移动一公分左右。这种方法是利用调整跳点来解决换弦。
(二)若遇到刚换弦几个音后又需要换弦,在这种情况下,用调整跳点的办法换弦就显得很吃力,发音也不好。这时可采用固定跳点,调整弓子张力的方法来解决。这种方法是以内弦跳点为准,演奏外弦时拇指向外加力顶推弓杆,同时中指向内加力压弓毛,借此来增加弓子的张力,使内外弦弓子的张力相等。在同样的演奏速度下,内外弦自然跳弓的跳点就统一在一点上了。这和方法唯一的缺点是,由于用力增加弓子的增加弓子的张力而使手腕有些紧张,但由于外弦跳弓比较容易,也不会给演奏带来太大的困难,并且这种情况(指频繁地换弦)在乐曲中并不多见,时间也短,用这种方法还是很有效的。
(三)由于换法难度大,为避免因技术上的困难影响音乐表现力,在订指法时,应尽量避免反复换弦,能在一根弦上解决就不必再换弦。宁肯增加一点左手指法上的困难,也要尽可能地把换弦次数减少到最低程度。
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