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今天读文网小编为大家整理了流行歌曲演唱的风格及其技巧,欢迎阅读。
流行歌曲的演唱讲求个性,歌星们在声音上的差异之大,演唱风格之多样,使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部(男高音、女中音等),即便是用“声线”这个时下非常流行,却又是莫名其妙的万能术语,也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。
“低吟唱法”(Crooning),形成于30年代。那个时候,许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备,歌手们开始对着“麦克风”(话筒)唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用,歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼,也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊,他们只须用说话般的音量轻轻哼唱,众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式,如一声轻微的叹息、一个小小的停顿,都能被纤毫毕现地展示出来。
早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后,随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴,流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。
但是“低吟唱法”并没有就此消亡,作为一种演唱方法,“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用,声音的控制,旋律线条的连贯圆滑,歌词语气的表现,微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。
民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱,与“低吟”相比,这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣,音色扁平、自然,强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病,然而许多民谣歌手(如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦)却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式,这种鼻音具有独特的抒情色彩,尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时,会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式,主旋律往往放在中低音声部,而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱,因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。
民谣唱法不仅限于民谣歌手,也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。
民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面,而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。
美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子,此后又陆续出现了灵歌(Spiritual)、福音歌(Gospel)、布鲁斯、索尔(Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式,领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧,常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句,产生出动人心魄的艺术效果。
富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手(尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手)的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面,而缺乏那种细腻的装饰技巧。
爵士乐出现后,美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中,他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型(称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响(称为Vocalese)。
80年代兴起的饶舌乐(Rap)以急速的节奏念出歌词)在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。
以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上,绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”,而往往是在这几种基本演唱风格的基础上,根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要,加以变化融和,从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。
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创作歌曲,都会有一些方法技巧,通过学习,才能作出更好的曲子。下面是读文网小编为大家讲解一下歌曲作曲的方法技巧,仅供参考。
要热爱生活,体验生活,善于观察生活
平时,在生活中要多看、多听、多分析、扩大视野,增加生活积累。不但要对各种人、各种事善于体察、分析,还应对美好的大自然——山川、田野、大海、江河、风、花、雪、月 等等有更深的了解。只有这样,当你想写有关题材的歌曲时,才不至于脑子空空,毫无联想 。试想,如果一个作曲者连山都没有见过,怎能写好一首登山的歌曲呢?最多只能借助于影 视或书本的间接介绍,但他决不能体会到登山时步履的节奏韵律,及攀登山顶后胸怀欢畅的 心情。
要有一定的乐理知识
歌曲是通过音乐来表现的,而音乐则需用乐谱记录下来的。因 此,歌曲作者必须具备相当的乐理知识,青少年朋友应在这方面先打下良好的基础。试想, 一首好的歌词打动了你,你很想把它谱成曲,然而,头脑中浮现的歌声,却不知如何用音 乐符号来表达;或者虽然用音乐符号记述下来了,但不确切、不完整,甚至与自已的本意相距很远,这样是写不好歌曲的。3要善于学习各种音乐语言 歌曲是通过音乐语言来表情达意的,所以要想写好歌曲, 首先要学会积累丰富的音乐语言。日常生活中,一个人的口才好,人们夸奖他“出口成章”,这并不是天生的,而是语言的不断积累和反复锻炼的结果。同样,你若想写好歌曲,也应不断积累起丰富的音乐语言,供自已在创作实践中运用。或许有些朋友会问,从哪里去找音乐语言?怎样积累?途径是很多的,如我国各民族、戏曲、曲艺和传统乐曲,聂耳、冼星海、萧友梅、黄自等老一辈作曲家的优秀作品,目前流传很广的一些优秀的艺术歌曲、群众歌曲、通俗歌曲、新歌剧及影视音乐,以及外国古典及现代的优秀音乐作品,我们都应该熟悉和认真借鉴。就像海绵吸水那样,吸收越多,储备充足,到需要参考借鉴的时候,就能得心应手地为你所用。学习前人的创作经验是文艺创作的必由之路,歌曲创作也不例外。如果掌握的曲调很少那么你的音乐语言就不会很丰富,有时显得苍白、单调。当代著名作曲家如贺绿汀、李焕之、刘炽、瞿希贤、王洛滨、施光南等的作品,都与民间音乐有着“不解之缘”,并从古今中外的优秀音乐作品中,吸取了丰富的音乐养料,所以他们的作口才能受群众的喜爱。对于前人的作品还应善于学习,要分析他们的得失成败,而不是盲目照搬,因为生活本般是丰富多彩的,而且每时每刻都在变化发展着的。还要学会分析自已的歌曲,经常给自己当老师,不断总结经验都训,本着精益求精的态度,才能迅速提高。此外,有条件的朋友,还应多掌握些音乐知识及作曲技巧,比如与歌曲创作直接有关的和声、复调及作品分析等知识。它们能帮助我们学会透彻地分析歌曲,提高创作技巧,更快地掌握作曲本领。
要有相当的文学基础 歌曲是音乐与歌词的结合
因此,歌曲作者的文学水平将直接关系到歌曲的创作质量。要热爱文学,关心文学,并不断提高自已文学水准。对于小说、报告文学,并不断提高自已文学水准。对于小说、报告文学、散文,尢其是诗词应给予很大的关注。歌曲作者必须具备一定的文学修养,比如对各种诗词的了解,包括流派、创作及声韵特点等。希望朋友们不断提高自已的文学修养,以适应歌曲创作向我们提出的日新月异的要求。有了生活体验,又常握了一定的写作技巧,就应“勤写多练“了。学到的知识如果只停留大书本概念上,不去实践,不经常磨练,是写不出好的曲调来的,所谓“熟能生巧”就是这个道理。但是,我们说的勤写,是要动脑筋有意图地写,而不是无目的地瞎写。比如,可以根据合适的歌词写一首完整的歌曲,也可以根据自已的能力,按特定的情绪要求写一段曲调,甚至只求写好一个或几个不同的乐句,从中得到锻炼和提高。循序渐进的规律,对于学习作曲同样是适用的!
作曲对于我们音乐爱好者来讲,也不是可望而不可及的事。俗话说:熟读唐诗三百首,不会作诗也会吟。我们听多了别人创作的优秀作品,有时自己也能哼出几句别致的旋律,而这就是乐曲创作的火花。只是多数人都未能将其点燃成一团火,成就出一首作品就是了。
有兴趣作曲的网友,不妨学习一下简谱,先把自己哼唱的旋律记录下来,这个不难。如不会简谱就先录下音。否则你以后往往就想不起来了,”火花“熄灭,悔之晚矣。
不过往往我们自己哼唱的新旋律和我们听过的某首歌中的一段相似,这是难免的,初学嘛。也很可能记录下的旋律,经一段时间再听,感觉不咋样了,那就废掉,重找灵感。
业余作曲创作挺有趣,除上贴讲的诸条外,①要会简谱;②能记录旋律;③懂点歌曲结构,完善乐曲;4懂点复调、和声知识,丰富乐谱,等等。
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声乐基本功是工具、是基础,对演唱者来说,是非掌握不可的,而且越扎实越好,但它单独存在却没有什么意义。因为声音的美并不能代表声乐的全部艺术含义,声乐的艺术表现特点在于通过美好的声音,表达真实的情感。我们可把这个“情”理解为情感表达和声乐审美意识对声音质量的指令性要求,这就需要我们掌握全面的歌唱发声技巧,并让发声技巧服务于精神内容。下面读文网小编就为大家说说这二者之间的联系。
我国清代王德晖在《顾谈录》中指出:“口中有曲,心中有曲者纵全字正音和,终未能登峰造极”。这说明我国民族声乐早就强调歌唱技巧与情感表达的辩证与和谐关系,任何只注意“声”或“情”单方面的学习都是不完整的,它们是歌唱中血肉相连的两个部分,相辅相成,缺一不可。
我国两千多年前的音乐理论专著《礼记-乐记》开篇便指出:“凡音之起,由人心生也,人心之动,物使之然也,感于物而动,故形于声”。说的是音乐作为“情”组合而成的韵律之声,无论是通过人体器官还是通过外在乐器以及其他乐舞形式展现出来,无非都是在表达人“感于物而动”的情感或感受,这表现了一种很朴素的反映论观点。譬如在歌唱艺术表演中强调“声者发乎情”“情动而辞发”,自然是主情说的刻意引申;“转轴拔弦三两声,未成曲调先有情”,也是以情带声,以声传情的喻意;至于“歌欢则声与乐谐,歌戚则音与泣共”,说明声与情相谐和而存在。常见有些歌者,不用心思,只求以“肥声”“猛音”自赏,认为只要声音完美就没有无情之曲。他们在舞台上为声音而紧张,为高音而颤抖,他们的歌唱意识和思维高度集中于声音的圆润、气息的支持、声区的均衡、共鸣的部位等等。过度的紧张必然造成艺术表现力的苍白和肤浅,从而使演唱者的表演在观众的听觉和视觉中有形无神、有声无情。意大利声乐家兰培尔蒂说:“嗓音不等于一切,因为一个歌唱家必须表达出一个诗人和作曲家的灵感”。从这个意义上讲,“唱情”之说,可基本概括为歌唱家的二度创作,而二度创作的主要任务又是音乐形象的刻画。音乐形象所揭示的是生活在音乐形象中无尽延伸。所以,歌声必须首先“入人”,然后才能“化人”。你的歌声要“入人”,就必须与人“情通”。你的歌声要“化人”,就必须使人神往,这是歌声与听众“情通”之后达到的另一个更深刻的思想境界,也就是“同声相应,同气相求”的深刻感应。
例如女高音歌曲《我爱你中国》,它的引子部分节奏自由,气息宽广,旋律跌宕起伏,加之采用特定的三连音节奏和连音的手法,给人以辽阔舒展的感觉,把听众引入百灵鸟凌空俯瞰中国大地而引颈高歌的艺术境界。接着,间奏以抑扬格节奏乐句,用音型模进的手法把海外赤子对“祖国母亲”依恋的激动心情作了烘托并引入主部。主部一二段节奏较平稳,音程由小跳转大跳,旋律逐层上行,将祖国的春苗秋果、森林山川、田园庄稼等作了形象的描绘和细腻的刻画。语句清新秀丽,音乐委婉深沉,使“我爱你中国”这一主题不断深化。尾部旋律激越富于动力,两个衬词“啊”的抒发,引向歌曲高潮,末句“我的母亲我的祖国”,在高音区结束,抒发出海外儿女一腔真挚的爱国主义情感。歌唱者通过自己的二度创作,构筑出完整、生动的音乐形象,并注意在表达感情时如何去合理地、理智地、巧妙地运用声音的技巧,再令情动于中,情形于声。这个“情”字可以说是歌唱的灵魂,也是声乐技巧中的“内功”。
以上我们强调了情为声之本的道理,然而这个歌唱的根本因素却又不能代替声乐技巧,决不是说只要情真意切,歌声就必然优美动听。相反,如果不掌握一定的声乐技巧,多么动人的感情也无法传递给听众。
再如女高音歌曲《黄河怨》,有的人演唱起来十分投入,悲痛欲绝,特别是唱到“宝贝啊,你死得这样惨”乐句时,几乎气绝声绝,甚至掉下眼泪,尽管这样,但其声音的悲痛效果远远不及面部表情的程度,唱变成了哭,变成了讲,可对于听众来说,似乎只看到了歌者悲痛而没有听到悲痛,其关键就在于缺乏理智地运用声音效果来表现歌唱中的悲痛,使听众只有精神上的意识共鸣而没有身体上的声音共鸣。
要知道声乐中的“情”是一种艺术表现,艺术并不等于自然生活,从生活到艺术是有一个升华与飞跃过程的,而这个过程中的阶梯和桥梁就是声乐技巧,这种声乐技巧又是基于真切的感情,是情借技发出感人的歌声,技依情形成美妙的歌唱。
中国古代文学中形容歌声美妙的词句颇多,诸如“莺声燕语”“响过行云”“余音绕梁,三日不绝”“一声唱到融神处,毛骨肃然六月寒”等等。这等美妙的声音,决非凭空而来,没有高超的发声技巧和演唱经验是不可能达到这种境界的。我们在歌唱中强调情感的作用,强调二度创作,这些都必须以声乐技巧为前提。也就是说,二度创作的一切成果,主要是通过声音来表现,离开声乐技巧,歌者的二度创作便成为无的之矢。对于声乐艺术表现来说,声与情从来就不是各自单摆浮搁着的,问题是在于歌者的一切声音技巧都要有所附着,即附着于你的二度创作,运用已经掌握的发声技术,从声音的“库”中调动恰当的声音和歌唱方式,唱出歌曲内容所需要的听觉效果、贴切地表现作品内容和你自己理解的情感。真正使声乐表现达到“情为师,技为源,情深技活,字字贯连,声情并茂,动人心弦”的艺术境界。
综上所述,“声”与“情”的辩证和谐关系在于二者既是相对的两种概念,又是一个完美和谐的整体,因为“声”的掌握最终目的是通过技巧和艺术来表现人的“情”。“情”是目的,“声”是手段,即“唱声”之功为“唱情”之目的而存在,但没有精湛的“唱声”之功,也就难以达到艺术上完美的“唱情”之目的。
所以,情为声之本,声为情之表。在声乐艺术表现中,应正确建立起这种目的与手段的辩证和谐观念。如果观念上有所偏差,演唱中必然会产生一种片面,无论产生哪种片面,都不能称之为完美的歌唱艺术。
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通俗歌曲在西方称为“popular song“,通俗歌曲的创作来源于生活,具有最广泛的群众基础和非常强烈的时代感。一首经典的通俗歌曲,可以成为一个时代的符号从而使人们久久不能忘怀。今天读文网小编就中国通俗歌曲及其演唱特色来和大家进行一下探讨。
通俗歌曲在大陆拉开序幕的进军声中,崔健以他的《一无所有》宜布了一个时代的来临。他的歌声代表了一代年轻人,当时的年轻人在《一无所有》中发现了自己心中的痕迹,《一无所有》震撼了他们的心灵,唱出了他们心中的呐喊,唱出了这个时代的呐喊。还有面对民族复兴,流行音乐的题材多是美好生活的向往,对青春的赞美,对祖国母亲的热爱,对台湾亲人的思念,对战友的叮嘱,对家乡故土的讴歌,对情人的爱慕,对人生哲理的思考等。
通俗歌曲中的语言,以质朴为本。它与社会生活联系紧密,许多歌曲直接反映社会生活中不同层面人物的生活、思想和感情,多以平白如话、直抒情怀的方式出现,一般不过多地修饰雕琢。近来,散文式甚至完全口语化的歌词也有出现,使得通俗歌曲的演唱艺术也增添了新的样式。但是,绝大部分歌词仍具有一定的规范性、文学性。
通俗唱法的歌手一般都比较注意外部形体的表演,除完成歌曲演唱一般要求节奏、音准及吐字清晰之外,还常运用声音或形体动作的强化来达到情感的表现。有的借助乐器自弹自唱,有的在歌唱的同时配以舞蹈动作,舞蹈动作的选取或编排都是根据歌曲的风格及情绪来设计。通俗唱法的形体动作,多是借鉴现代舞的某些步态和身段,如霹雳舞、拉丁舞、的士高及太空舞等。通俗唱法的这一艺术特征最能吸引青年人的参与,广泛使用舞蹈、舞台美术、灯光、服装、新的音响媒介等,并与其它艺术综合在一起,演员(演奏、演唱者)经常与听众交流,同歌共舞,打成一片。这种表演所造成的氛围,已不仅仅是歌唱者自己投入,而是扩展开来对周围的观众具有极强的煽动性,这也正是众多的青年人为之倾倒的缘故。
综上所述,强烈的时代感,民俗性,张扬的个性,自然的歌唱语言等是通俗歌曲的主要特征,只有不断探索、不断创新,才能推动通俗音乐的更快发展,使这朵百花园中的奇葩开得更加绚丽多彩。
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王菲天生是华语乐坛罕见的美嗓,真声亦具有美声歌手嗓音的某些特质,通透明亮,高音铿锵有力,低音自然柔美,不需要用太多的气息和共鸣即可演唱出亮丽饱满的音色,这为其采用气声和假声演唱一些高难度的歌曲获得了常人没有的先天便利,因为转换更加自如。从王菲本身的嗓音来说,最大的特点是——空灵,这也是很多人把王菲的嗓音形容为天籁之音的原因。这就像是上帝吻过她的嗓子时留下的印记一样,无论王菲演绎何种类型和风格的歌曲,都会有着与众不同的味道,因为她那空灵的音色。华语乐坛有过不少女歌手模仿王菲的唱腔,最后都不会成功,技艺上难以跟上是一个原因,天赋的嗓子那更是学不来的。今天读文网小编就为大家解析一下王菲的演唱技巧。
声音的质感是音色的主体,王菲的音色质感之美,犹如柔润透明的美玉、清澈见底的溪流,又如澄净深遂的天空,穿透感极强。加上气息的通畅,使王菲的声音天生具有特殊的美感,不需要特别地调整呼息即可发出动听的声音。这种通透的感觉让人聆听王菲的歌曲有种醍醐贯顶的快感,又如盛夏咀嚼冰片般地惬意。像《迷》、《天空》、《菲靡靡之音》这些专辑不用说了,97年以前的王菲演唱方式真声运用相对较多,高音部分也是以欢快明亮的真声直冲云宵,很多经典名曲都是体验这种快意的素材,如《梦中人》、《誓言》。97年以后的《飞》、《催眠》等也是透明音色的集中体现。
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声乐作为特定的音乐艺术形式,与人类的语言有着特殊的亲缘关系。从音乐史学的观点看,人类音乐的最初表现形式其实就是歌唱,而歌唱同时又是语言得以形成和确立的基础。这就是说,人类是在真正懂得并学会运用嗓音说出自己的思想之前,就已经学会利用嗓音表达包括喜怒哀乐等基本情绪在内的一般情感。今天读文网小编就为您介绍一下声乐演唱中的语言艺术。
歌唱语言的准确掌握运用,是歌唱技术的重要训练过程在声乐领域中,旋律和语言相结合才能准确地传达思想感情、完整地表现艺术形象。声乐是一种综合的艺术形式,也可以说声乐是用人声表现的带有语言的音乐。它通过有旋律、有节奏的声音为手段,让语言音乐化,使语言更富于音乐的节奏感和歌唱性;它以有声语言作为声音创作与表现基础,通过声音的不同组合规律与曲式手法,使歌唱性的语言展示出千变万化的声音色彩与形态,并以它特有的旋律化的声音美
来施展它的艺术魅力。歌唱语言使音乐形式所显示的声音内容以及与内容相应的全部联想领域更明确,首先,能够直接揭示歌曲的文学内容和中心意思,直接展示整首作品所表现的背景意义。其次。歌唱语言能突出作品的风格。再次,歌唱语言能直接展示歌曲的画面和意境。
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要正式地学好声乐,必须具备一定的条件,即具有良好的音乐素质、掌握相应的音乐基础知识和技能,有良好的嗓音条件。下面读文网小编就将这些所需要的基本条件列举出来,以供参考。
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钢琴伴奏是一门特殊的、独立的学科,也是一门专门的音乐表演艺术。它对于完美表达一个声乐作品的内涵起到了与作品演唱者同等重要的作用;一首成功的声乐作品背后必然有成功的钢琴伴奏,钢琴伴奏与歌曲演唱是密不可分的,它参与音乐、完美音乐和升华音乐。
要完成对作品音乐形象的正确诠释,钢琴伴奏者需要了解歌曲的出处、背景和风格。这就要求伴奏者与演唱者共同研究作品,加深对作品内容和表现手法的理解,确立它的艺术形象,从而构成一个高度的艺术化结合。要加深理解,就必须对歌曲作品的歌词、旋律、伴奏音型进行深入的 分析 ,准确把握三者结合的奥妙所在。只有这样,才能使歌唱者与伴奏者在舞台表演时,始终配合默契,相映生辉。
钢琴伴奏与歌曲演唱是一种相辅相成的关系,伴奏不仅要有很好的专业技巧,同时要有良好的艺术感知力,要准确把握作品,为演唱者提供音乐的烘托,帮助演唱者正确处理和表现声乐作品的内涵,要与演唱者默契配合,完美地表达出作品的内涵。那么应当如何完成钢琴伴奏和歌曲演唱的完美配合呢?读文网小编告诉你。
实践证明,音乐表演艺术是需要表演者高度协作的艺术形式。不论是演唱者还是演奏者都必须高度协作,密切配合。在这种配合中,每一个参与者通过艺术的桥梁相互交流,以达到感情上、心灵上的沟通。在声乐艺术实践中,因为这一类的活动,演唱者与伴奏者都是用自己的亲身体会去感受艺术的魅力,认识理解音乐。那么,我们可以通过唱与奏的协调,培养唱、奏者的合作意识,逐渐形成和加强协作的思想意识与自觉行为,以做到在声乐艺术实践中,两者丝丝入扣、相得益彰,使钢琴伴奏在与演唱者的合作过程中不断提高合作艺术,并从中真正得到美的享受。
除了上述问题外,伴奏谱所标记的力度、速度及奏法记号都应严格按照要求弹奏出来,特别是每一个音符的时值要弹得一丝不苟。同时伴奏者需要准确熟练地掌握大量曲目,要将伴奏谱视做独奏谱来研究。综上所述,一首歌曲要成为精品,靠的是演唱者与伴奏者的共同努力,默契配合。伴奏者要找准自己的位置,要有感情的投入。伴奏者不仅要衬托好演唱者,还要指导、帮助演唱者正确处理和表现声乐作品的内涵,达成默契,最后达到珠联璧合,相得益彰的境界。
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流行歌曲讲求个性,但归根结底还是可以根据其渊源以及发声特点来归纳出几种典型的唱法。读文网小编就为您来谈谈流行歌曲演唱的风格及其技巧。
所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音,这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱,而且音色有一种晶亮透明的感觉。
大部分流行歌手(无论男女)是用真声演唱的,以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手(如齐豫、黄莺莺)在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声,如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔,和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”(Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。
发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置,在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅,不能有断裂。一般说来,假声比较缺乏力度,但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。
假声还可以作为一种修饰声音的方法,将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》,前者是用纯粹的真声,而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。
童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换,朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段,都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱,然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮,及至歌曲的最高点,突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。
国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”,而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分,关键是不能滥用。若能抓准时机,运用得当,可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》(Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈,最后用气声轻轻送出一声“I love you”,很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手,与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。
“泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》(Love is not here any more),从头至尾“泣声”不绝,但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣,然后从呜咽到放声痛哭,直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”(Tearjerker)的歌手,如美国的埃迪.费谢(Eddie Fisher)、汤姆.琼斯(Tom Jones),他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧,刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。
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歌唱音色的分析、布局和运用是声乐作品演唱艺术处理重要的表现手段之一,而声乐演唱艺术处理则是演唱者对声乐作品进行二度创作最重要的表现。我们结合中国声乐作品《满江红随想》,具体分析、探讨了歌唱音色在声乐作品艺术处理的运用问题。今天读文网小编将与您一起从歌唱音色角度探讨声乐演唱中的艺术处理。
所谓“小处着手,进行局部雕琢”,就是在对整首作品风格、情感、体裁、角色等方面的歌唱音色有了整体意象的基础上,再进行深入而细致的具体分析,对歌唱音色的变化和运用进行周密的安排,从而更完美的诠释作品。下面我们就针对这首作品,进行适当分析。
1、划分歌曲“音色段落”
所谓划分歌曲“音色段落”就是指按照音色把歌曲分成几个具体段落,对每一段落进行音色选择。歌曲《满江红随想》以其强烈的戏剧性对比,旋律线条的大起大落、跌宕有致,为男高音歌唱音色的运用提用了丰富的创作素材,同时也是男高音音区、音色特点的内在需求。笔者认为可以把《满江红随想》划分为为三个音色段落:
第一段有三句“潇潇秋雨,慢慢雄关,抬望眼,山河破碎遍地烽烟。忘不了母亲谆谆的叮咛,精忠报国牢记在心间。三十功名尘与土,驰骋疆场人不还,八千里路云和月,伴我纵马保边关。”作为一首古曲随想曲,肯定要有古曲的风格、味道。所以一开始前奏就把风烟滚滚的战场铺设在眼前,右手连续的十六分音符的节奏造成一种紧张的氛围,左手旋律线条中,透漏着古曲《满江红》的音乐素材。然后屏幕似乎被徐徐展开,在秋日潇潇细雨中,岳将军站在雄关上放眼望去,思绪万千。这时候的情感是悲痛的,这时候的嗓音应该是朦胧中带有悲戚的,音色也应是柔和、暗淡的。
紧接着歌曲进入第二部分“朔风吹霜满天,铁马冰河刀光寒。鼓角鸣巾旗乱,血染征衣未下鞍。壮士驾长车,踏破贺兰山,身披大漠风,挥剑斩楼兰。”,首先在节拍和速度上都发生了很大的变化,给人一种激动、紧张的感觉,再加上采用中国戏曲中“紧拉慢唱”的创作手法,更加深切的表现了战场上风云变化的紧张局势和心态。所以这一段要唱的紧凑、稳定、近似说唱,但又要有张力,好像一直紧绷的弓,但在不同乐句又有不同的变化和重点。“朔风吹霜满天,铁马冰河刀光寒”气息要深、长,声音可以有些微颤,有种悲叹的情绪在里面,音色也相对要暗下来;“鼓角鸣巾旗乱,血染征衣未下鞍。壮士驾长车,踏破贺兰山。身披大漠风,挥剑斩楼兰”这三句虽然也是战场实况的概述,但略有不同。第一句要唱的坚定、强烈,同时又有对战士视死如归的精神的赞叹,音色比上一句要明亮但马上又暗下来。后两句则是战争必胜决心的表达所以同样是坚定、挺拔、豪迈的,音色饱满、明亮。
最后,歌曲进入了第三部分“高歌一曲满江红,仰天长啸还我河山。”,速度逐渐回到原速,歌词也仅有一句,但却重复了三遍,每一遍都比前一便坚定、挺拔,音色饱满,明亮,再加上音域的关系,男高音在唱这段时声音更为通畅、“竖”的感觉更强,也就是“关闭”唱法的运用,头腔的成分更多一些,尤其要保持喉咙的打开与放松,声音不能僵硬,音色不是中低音区的明亮,但比中低音区更饱满、结实。
2、段落内部“音色微调”
在划分音色段落的基础上,歌唱音色的选择还要进一步细化,文章重点对歌曲《满江红随想》的第一音色段落进行分析。
“抬望眼,抬望眼,山河破碎,遍地烽烟”这句歌词是当时真是心境的写照,要唱的精致:首先两个“抬望眼”, 是一种情感的递进,更是一种论文联盟WWW.LWLM.COM整理心境的升华。后者要明显比前者强烈,但不要太逼人,因为这句的重点是后半部分“山河破碎,遍地烽烟”。“山河破碎”是总结性语言,是内心情感的迸发,所以要声音是坚定、有力、严肃的,音量是强的、具有爆发性的,音色暗淡而结实;而“遍地烽烟”是实境的陈述,内心的痛惜,所以声音要有所回收,音色依然比较暗,音量减弱但力度要强,给人一种压抑、无奈的听觉效果。而这半句的重复则更要明显,甚至可以做出一些悲戚的、装饰性的颤音,表达内心的痛苦。
“忘不了,母亲谆谆的叮咛。精忠报国,牢记在心间。”这两句歌词是对过去的回忆,与前几句情感和音色的运用明显不同。第一句“忘不了,母亲谆谆的叮咛”要唱的亲切、柔美,声音松弛、朴素,音色也明亮很多;而第二个乐句“精忠报国,牢记在心间”在歌曲中重复了一次,它既是战争胜利雄心的树立,也是对母音养育之恩的报答,所以要音色要坚定、饱满、挺拔、铿锵有力。
“三十功名尘与土,驰骋疆场人未还。八千里路云和月,伴我纵马保边关”这两句又与前面有所不同,每词每句都是岳飞将军戎马生涯的写照,所以要从容、镇定,感慨万千,声音要朴实、坚定、浑厚、宽广,音色又一次厚重起来。
综上所述,关于歌唱音色的运用要根据歌曲的复杂程度对其进行分析,本文是按照逐步深入的分析方式加以论述的。有些简单的作品,可能只要其中的前几项就可以,但对于像《满江红随想》这样情感复杂的作品来说,则要对其进行全面而细致的分析及音色安排。
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总有人疑惑为什么歌手总是唱歌要比一般人好很多呢?经读文网小编分析,这其中有歌手自身的天赋,还因为他们掌握了一些演唱的技巧。现在小编就将歌手的演唱技巧分享给大家。
说道这个话题,就有些茫然,因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前,练美声两年,给我的感悟很深,气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平,就用平常说话的位置(嗓子)发音,我们叫它声音发“白”,没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。
声音应该以小腹为根源,想象声音透过后脊梁,到脑后,到口腔后根,整个声音应是竖立的,向后的。请找一找这样的感觉:你大口咬一口苹果,露出上牙齿,在一口咬下去的同时,发出“嗯”的声音,感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置,这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉,小腹膨胀,稍在小腹用力一顶,在刚才的位置发声,男声喉结压下,女声多注重声音在脑后*上的位置,你会发现声音比以前要大多了。经常*墙练习有助于发声,因为*墙可以接触你的后脊梁,让你更容易找到感觉,并且胸腔的共鸣能和墙产生共振,让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米~妈”的练习开始,逐步升高,有助于练习高音气息;再从高往低练习,这样反复,总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”,经常想象自己的声音是竖立的,而不是扁平的;另外还讲究的是“共鸣”,声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后,会很圆润、饱满。要体会共鸣,你可以这样做:闭上嘴巴,发出“嗯”的音,稍带点深情的感觉,“嗯”的长一点,会感觉头和胸前在震动,如果气息好,这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话,就会知道什么叫胸腔共鸣了(外国人的胸腔结构更容易产生共鸣)。
另外我还要提到的是肺活量,歌手演唱需要较大的肺活量,比如一些很长、不换气的某句旋律,可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息,好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量,比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时,气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来,一下就把本来肺活量不足的气放跑了,如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量,演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛,尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧!这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢?当然这还需要歌手要放松,不要紧张,一紧张,心脏跳动加快,你的气息就更稳不住了。
这里我只能讲这么多,这些是要自己感悟的。不过我要提醒的是,练声是演唱流行歌曲基础,千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌,那样就过于做作,就会像阎维文唱“一无所有”。
关于流行歌曲的用嗓,我的观点是只要符合歌曲意境,要喊要破也未尝不可,但这些都是美声中绝对禁止的,所以我们要取长补短,因为我们不是为了唱美声而练美声,我们是为了唱好通俗才练美声,就像武术要练马步一样,你见过打架的时候蹲着马步打的吗?
有朋友说这样的表述很难理解,要我说说流行歌手里谁的气息很通透,就照着感觉去学更容易领悟,这也是一个有效的方法。个人认为,女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧,她可是天生通透的气息;男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧,他可是真正*气息在唱歌的,另外,张学友的气息很好,但对于教学,满文军更适合。
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研究资料表明人在正常情况下,每分钟呼吸16—19次,每次呼吸过程约3、4秒钟,而演唱时,有时一口气要延长十几秒,甚至更长,而且吸气时间短,呼出时间长。接下来读文网小编就来告诉您唱歌时开嗓的方法。
吟诗、吟唱练习
把吟诗、吟唱放在第四阶段目的是练习和挖掘“低音宽厚,中音圆润,高音坚韧"的嗓音素质,不盲目拔高、爬高,而是巩固中音、低音,使其音色华美、音质纯正,保住一条好听好用的嗓子,同时锻炼高音的坚韧有弹性。此时的念白练唱都是无伴奏的,演唱更难,要求更高,在第三阶段练,有气、音、字垫底,是一个台阶一个台阶爬上来的,嗓音并不疲劳,练习有实效,把握性大。 ①吟诗一般选各个行当的定场诗,因为角色刚刚上场,要给观众留下第一印象,并使他们停止议论,安静下来,所以定场诗应是声调较高,不急不慢,是角色自己兴趣志向的自我剖析,韵律性极强,必须好好练,又适合于喊嗓、练声、练习。比如《击鼓骂曹》祢衡的定场诗,“口似悬河语似流,全凭舌尖压诸侯,男儿何得擎天手,自当谈笑觅封侯”;再如《挑华车》中岳飞的定场诗“明亮亮盔甲射人斗牛宫,缥缈缈旌旗遮住太阳红,虎威威排列着明辅上将,雄纠纠胯下驹战马如龙”。在万物苏醒,万象更新的清晨你可以尽情发挥练嗓。 ②吟唱:具有念白吟诵相夹,半唱半念交相辉映的特点,比吟诗更难,其情感更宜抒发,其音律更宜舒展,正好用来喊嗓发声。 半吟半唱如引子,例如,《宇宙锋》赵艳容上半吟(念)“杜鹃枝头泣,(吟唱)血泪暗悲啼。”再如阳平关》曹操(半吟念)“只手(吟唱)独擎天,奇勋已早建,(半吟念)虚名扶汉祚,(吟唱)时势魏将迁”。直接吟唱如《秦琼卖马》“好 汉英雄困天堂,不知何日回故乡”,再如《清风亭》“年纪迈,血气衰,年老无儿绝后代”,“听妈妈高声唤悲哀,想必是为姣儿失却了夫妻恩爱”。 ③京白(普通话)吟诗:为现代戏表演念词而练习,如用吟诗的旋律,念《毛主席诗词》“天高云淡,望断南飞雁,不到长城非好汉”等。再如念现代戏一些经典道白,“久旱的禾苗逢甘霖,点点记在心”,“千枝万叶一条根,都是受苦人”等,都是喊嗓练声的好素材。传统大段念白及一些贯口练习也可在这一阶段锻炼气息和发声。
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《Love Story》是Taylor Swift的成名曲目之一,听起来好听,唱起来却没有那么容易。今天读文网小编教教大家唱这首歌的技巧。
1. 找到适合自己的调。原D调我也能唱,不过C调驾驭起来更舒服,你看看你学生声线更适合哪个调吧。
2. 不一定要完完全全按照原作者的一模一样去翻唱,原作有几处地方曲调还蛮不正常的,可以带点自己的改动,随性一点,唱高兴了就好。当然,也可能是我找的吉他谱严重不好。
3. 最最重要的,这首歌的歌词有大量连读和弱读以及不正常的断句,我把这些地方全部标出来了,连字符“-”表示连读,扭扭“~”表示这个音比较长,加了下划线表示弱读"you"就是如果口齿不清的话可以直接忽略不读的⁄(⁄ ⁄•⁄ω⁄•⁄ ⁄)⁄ 歌词和谱(复制以后和弦的位置不准了……)如下:
C
We were-both young~ when i-first saw~ you
F
I close my eyes~ and the flashback starts Im
Am
standing there~
F
on a balcony in summer air
C
See the lights, See the party the ball~ gowns
F
I see you make your way through the crowd
Am
And say hello
F
Little did i know
F G
That you were romeo you were throwing pebbles
Am C
And my daddy said stay away from Juliet
F
And i was crying on the staircase
G Am
Begging you please~ don't go~ and i said
C
Romeo take me somewhere we can be alone
G
I'll be waiting all theres left to do is run
Am
You'll be the prince and i'll be the princess
F G C
Its a love story baby just say yes
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长期以来,经常唱的圣诞歌有很多,也有圣诞的歌曲,在圣诞节这一天,可以用来演唱表演。下面是小编整理的适合圣诞节演唱的歌曲大全,欢迎大家阅读分享借鉴,希望对大家有所帮助。
西方人以红、绿、白三色为圣诞色,圣诞节来临时家家户户都要用圣诞色来装饰。红色的有圣诞花和圣诞蜡烛。绿色的'是圣诞树。它是圣诞节的主要装饰品,用砍伐来的杉、柏一类呈塔形的常青树装饰而成。上面悬挂着五颜六色的彩灯、礼物和纸花,还点燃着圣诞蜡烛。
红色与白色相映成趣的是圣诞老人,他是圣诞节活动中最受欢迎的人物。西方儿童在圣诞夜临睡之前,要在壁炉前或枕头旁放上一只袜子,等候圣诞老人在他们入睡后把礼物放在袜子内。在西方,扮演圣诞老人也是一种习俗。
在西方国家里,圣诞节也是一个家庭团聚和喜庆的节日,通常会在家里陈设一棵圣诞树。在西方,不论是否,过圣诞节时都要准备一棵圣诞树,以增加节日的欢乐气氛。圣诞树一般是用杉柏之类的常绿树做成,象征生命长存。树上装饰着各种灯烛、彩花、玩具、星星,挂上各种圣诞礼物。圣诞之夜,人们围着圣诞树唱歌跳舞,尽情欢乐。
正像中国人过春节吃年饭一样,欧美人过圣诞节也很注重全家人围坐在圣诞树下,共进节日美餐。
圣诞大餐吃火鸡的习俗始于1620年。这种风俗盛于美国。英国人的圣诞大餐是烤鹅,而非火鸡。奥大利人爱在平安夜里,全家老小约上亲友成群结队地到餐馆去吃一顿圣诞大餐,其中,火鸡、腊鸡、烧牛仔肉和猪腿必不可少。
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随着互联网的普及,网络歌曲迅速蹿红并受到大众的喜爱。下面读文网小编和大家一起来分享郑源演唱的好听的歌曲,希望你喜欢!
1.为什么相爱的人不能在一起(伴奏)
2.爱过的人
3.未曾好过
4.讲不出告别
5.披着羊皮的狼
6.别说我的眼泪你无所谓
7.两只蝴蝶
8.大城小事
9.缺点
10.世上只有
11.梁祝赞歌
12.为什么相爱的人不能在一起
13.缺点(粤语)
14.变了,散了,算了
15.水果情歌
16.真的用心良苦
17.不想(Live版)
18.味道
19.我不后悔
20.别问我是谁 (Live版)
21.未曾好过(粤语)
22.不想
23.一万个理由
24.放手
25.一万个理由
26.曾经的少年
27.光临天下
28.这首歌唱给你-郑源vs王奕心
29.当爱失去了默契
30.雨后的彩虹
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以普通观众的看法,演唱会的灯光除了聚光灯之外,剩下区域都是昏暗而杂乱场面,光线很模糊,到底有没有办法照国外拍摄技巧去做呢?下面就让读文网小编带大家一起了解下吧。首先来了解一下演唱会现场,国内演唱会对于舞台灯光或音响方面的要求并不高.看看金曲奖就知道,现场的音控与灯光已经算是国内高水平,但相较格莱美或是MTV音乐大奖还是略显逊色.因为国外有精准的灯光,如果只是单纯拍摄舞台用ISO100是有可能的.
浅谈演唱会舞台灯光拍摄技巧
一 闪光灯感光度
舞台拍摄最重要的是考虑现场光线,一般的演唱会都是主角聚光灯,其他没有光,这对演唱会的摄影师来说是非常不利的.所以如果问感光度100到底能不能拍演唱会,可以,但绝对不会是国内.因为国内演唱会光线不利于拍摄,所以我们必须提高感光度,甚至要加上闪光灯.
二 自动白平衡
很多人除了光线判断外,最大问题在于白平衡控制.不少朋友问我舞台摄影的白平衡要怎么控制,我的答案是不要控制,直接使用自动白平衡.为什么会这样说,因为舞台上什么颜色的光都有,我们要用什么当基准?再来,舞台上的灯光效果几乎可以说每一秒钟都不相同,就算有快捷键或转盘也跟不上变化的速度,与其这样不如算了吧.就算偏色得很严重,那也是现场真实的光线氛围.
三 中长焦段
另外就是演唱会的焦段选择,如果你是受邀请或是承接演唱会的平面摄影,你可以使用较短焦段或是广角镜,毕竟你离舞台很近,甚至在舞台上拍摄.如果你只是一般的摄影爱好者,建议选择中长焦段来拍摄.
四 快门速度
不用闪光灯到底快门速度要如何判断?说真的,很多时候不要害怕慢门拍摄,尤其是乐团的表演,慢门可以表达台上的律动感,而较快的快门可以留住瞬间,两者都可以试试.有时慢门捕捉的残影反而会为你的照片带来律动,所以快门速度并没有一定,也不是像很多人说的最好维持在1/200s以上,多尝试就对了.
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读文网小编为您提供轻快欢乐的歌曲,节奏欢快的歌曲,好听的欢快流行歌曲,让您的心情顿感愉悦. 下面读文网小编和大家一起来分享好听的欢快中文歌曲。希望你喜欢!
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