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幼儿钢琴教育的第一步是识谱教育,但是钢琴的五线谱是怎么看的呢? 看懂五线谱可是学习钢琴最基础的一步哦!以下读文网小编就将教你怎么去看钢琴的五线谱!
1、认识五线谱及其口诀
2高音谱号:
下加一线你唱1,下加一间你唱2
一二三线,3 5 7,四线五线唱2 4,一二三间,4 6 1,,到了四间请唱 3
上加一二三线6 1 3,四线五线唱5 7,上加一二三间5 7 2,四间五间唱4 6
3低音谱号:
上加一线还唱1,上加一间就唱 7
一二三线,5 7 2,四线五线唱4 6,一二三间,6 1 3,四间唱5,
下加一二三线3 1 6,四线五线唱4 2,下加一二三间4 2 7,四间五间唱5 3
END
音符与钢琴琴键对应图
1
23中央C在简谱中唱1,即Do,D唱2,即re,以此类推。
4一般情况下,高音谱号的曲谱用右手弹,低音谱号的曲谱用左手弹,至于手指怎么摆放、弹奏这里就不再赘述。
END
认识音符
1通常来说,音符由符头、符干、符尾三部分组成;符头可以是空心的,也可以是实心的(详见下图),两者拍数相差一半;除了全音符之外,其它的音符都有符干,增加符干原来时值也减一半。
注:根据符头所在的线或间唱相应的音、
如上图所示,全音符唱4拍,二分音符唱两拍,四分音符唱1拍,八分音符为半拍,十六分音符唱1/4拍,三十二分音符唱1/8拍,以此类推,每增加一个符尾拍数是变成原来的1/2。
2
3符点音符是标在音符符头右边的小圆点儿,用以增加音符的拍值。若一个音符的右边带有一个符点,那么表示该音符的拍值在原来的基础上还要再增加1/2拍。
END
常用变音记号
1
2降记号(b)表示将基本音级的音高降低半音,根据该记号所在的线或间而降音。
3还原记号:表示把已经升高或降低的音还原。
4升记号(#)表示将基本音级的音高升高半音,根据该记号所在的线或间而降音。
5举例
7如上图中的记号为升fa,升do,降si
END
休止符
休止符表示不同长短音的间断符号,根据不同的拍值表示如上图所示。
延音线
上图红色框线中向上弯曲的曲线叫延音线,它可以将两个或两个以上相同音高的音符相连,在钢琴演奏时作为一个音符,它的拍值等于这些音符的拍值总和。当然延音线也可以用向下弯曲的曲线表示。
注意事项
钢琴的五线谱符号还有很多,不可能一一提及。本经验只是根据本人对五线谱的理解归纳而成,只可以起到一个基本知识的入门作用,许多专业知识还需请教专业老师。
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目前,我们使用最普遍、最熟悉的乐谱就是五线谱和简谱,二者皆为舶来品,五线谱是十九世纪西方宗教东传的伴生物,简谱则是本世纪初学堂乐歌运动者们自日本带回来的“经”品,它们的来历,习乐者不可不知。因此读文网小编就为大家整理了一些相关资料以供学习和参考。
一种简易的记谱法。有字母简谱和数字简谱两种。一般所称的科谱,系指数字简谱。数字简谱以可动唱名法为基础,用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级,读音为do、re、mi、fa、sol、la、si,休止以O表示。每一个数字的时值名相当于五线谱的4分音符。
数字简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时法国天主教方济名会教士J•J•苏艾蒂加以改进后用来教唱家教歌曲。18世纪中叶,著名的法国思想家
J•J•卢棱再加改进,大力倡导,并编入他的《音乐辞典》之中。19世纪,经过P•加兰、A•帕里斯和E•J•M•谢韦3人的继续改进和推广,才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加—帕—谢氏记谱法”。
19世纪末叶,简谱传到日本,再传入中国。1904年沈心工编著出版的《学校唱歌集》是中国最早自编的一本简谱歌集;之后逐步普及到各地的学校,30年代随着救亡歌咏运动的开展,简谱得以在群众中广泛流传。
由于简谱的记法与中国的工尺谱(流行在中国民间的一种文字谱)相当接近,在中国简谱得到了空前的发展,就世界范围而言,中国是把简谱吸收的最好、最发扬光大的国家。而五线谱,通过教育体制,以西方为中心的音乐教育,已基本流行于各个国家,在院校里也是必修项目之一,它为世界音乐统一于一谱提供了基础。
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读文网小编从小就喜欢唱歌,但唱得却不怎么样。不过小编还是为大家整理了一些识记五线谱、简谱和工尺谱的经验之谈,以供参考。
三学五线谱
不会五线谱固然是个遗憾,所以我也试着学过几次。第一次是在“”后期,看到一本《怎样识简谱》。在那精神生活贫乏的年代,我如获至宝,一口气就把它读完了,不久我就把简谱基本学会了。我正在高兴时,却听别人说,简谱是小儿科,五线谱才上档次。好在不久又看到了一本《怎样识五线谱》,马上又学了起来。可这次却是看了几遍也不得要领。比如这#(升号)和b(降号), 简谱中只是偶尔出现。它们一出现,我就经常唱不准。而它们在五线谱中往往会成堆地出现,这有必要吗?
当年曾有一位造反派写了一篇提倡用六线谱文章。大致是说这五线谱是资产阶级编造的,不合理,是故弄玄虚,目的是要剥夺广大工农兵掌握音乐的机会。六线谱可以把包括所有半音的十二个音阶简洁地表达出来,不再需要升降号。我在当时大有同感。现在看来,即便他没有恶意,恐怕也是一个和我类似的机械脑袋,缺少一点艺术细胞。这六线谱看似合理,却未必合情,或者说不利于感情的表达。音乐是表达情感的,一旦缺了情,还能有生命力吗?但那是我过了不惑之年才有的感受,当年才十几岁的我,还没有体会到。
我正在迷茫之中,传来了要恢复高考的消息。自知没有多少音乐细胞的我,一头钻进了数理化,把学五线谱搁置一旁了。这一搁,就是十几年。
第二次学五线谱已是到德国有些年头了。那年给孩子买了台儿童电子琴,随琴带来不少儿童歌曲的五线谱。孩子对琴并不太感兴趣,白天练一会儿,晚上就归我了。对着黑白相间的琴键,和那在十几年前让我不得要领的五线谱,我恍然大悟。原来这谱上不带升降号的,对应的是白键。而带升降号的,则是黑键。这五线谱学琴时用起来还真方便。于是赶紧到图书馆借了几本学习五线谱的书,第二次学了起来。这次倒是把五线谱从理论上基本学会了。但那年头我虽然已过了而立之年,自己觉得还没真正“立”起来。整天忙着学习,工作和家务,没能坚持跟着孩子一起学琴。所以是光学不练,远远没有达到看着五线谱就能唱歌这一步。倒是我太太通过多年来监督孩子练琴,渐渐掌握了五线谱。为她后来参加公司里的合唱团打下了基础。
第三次学五线谱和第二次又相隔了十几年,我已经有幸加入了第二个在德国的华人合唱团。团里一位年轻的80后指挥提出在排练的同时还要教会我们五线谱。这个消息使我忧喜参半。喜的是我终于又有了一次学五线谱的机会,而且这次是在老师的指导下。忧的是我已过了知天命之年。学五线谱就像学语言,要多练才能熟而生巧。而我年轻时就不喜欢要多练的东西,现在更是前练后忘。但我还是挺愿意学的,结果却出乎我的意料。
这位指挥在第一次教时先画了一个小圆圈(全音符),问我们这个音有多长。然后告诉我们这个音的长度本身不固定,具体长度由指挥来定。但它相对于其它音符(比如二分音符,四分音符等)的长度是确定的。这番话突然让我想到简谱也有比五线谱好的地方。类比起来,简谱的1的音高是不固定的。即使谱上写了1=G,指挥还是可以根据具体情况,把它适当地升高或降低一些。比如在我们高音唱不上去时把它降为1=F。但1和其它的音如2,3,4等的相对音高是固定的。如果指挥临时把1=G改为1=F,我们这些用简谱,又对音高不很敏感的人,几乎感觉不到什么变化。而用五线谱的钢琴伴奏,就会有较大的变化,因为五线谱的音符的音高是固定的。牵一发而动全身,所有的音符都要移位,升降号也要增减。这就是为什么很多没受过专业训练的钢琴伴奏,一旦遇到指挥临时变调,很容易出错的原因。
不久,这位指挥因为转学去了另一个城市。我第三次学五线谱又半途而废了。看来我这辈子五线谱是学不成啦。但受那位指挥启发而产生的这番想法,引起了我对简谱作进一步的了解及把它和五线谱作一些比较的愿望。
简谱的形成和流传
很多人以为简谱是中国的东西,其实它起源于十七世纪的法国。但直到它在二十世纪初被引入中国后,才得到广泛的应用。所以它也被德国人称作“中国数字谱”(chinesische Ziffernnotation)。这倒有点像中国的法国梧桐。 法国梧桐并非原生于法国的树种。法国人把它从国外引入后,种植在路旁作为行道树,后来又把它搬进了上海的法租界。于是中国人称它为法国梧桐。由此看来起源不怎么重要,重要的是谁把它普及推广了。
那么,究竟是什么原因使简谱墙外开花墙内香呢。不对,原句是“墙内开花墙外香”。我身在德国多年,但一说中文,总说中国是国内,而欧洲永远是国外,改不了啦。言归正传,让我们先来看一看简谱是哪些人创造的。
在十七世纪的法国,天主教神父Souhaitty在指导信徒唱赞美诗时,感受到五线谱教学的困难,就想要创造一种更便捷的办法。于是他用阿拉伯数字1234567来表达Do Re Mi Fa So La Si ,并在1665年和1679年,分别发表了《学习音乐的新方法》及《用数字谱唱宗教歌曲的实验》两篇论文,不过当时没有受到音乐家们的重视。到了十八世纪中叶,法国启蒙运动的代表人物,哲学家,也是颇有贡献的音乐教育家卢梭(Jean-Jacques Rousseau)认识到了“全民音乐”的重要性,于一七四二年在法兰西科学院作的论文报告中,大力呼吁数字简谱的优点。但他的“业余”身份,却遭到音乐学院保守教授们的讽刺。
经过多年之后,数字简谱在数学教师P.Galin(1786─1821)和医生A.Paris(1798─1866)的整理之下,渐渐受到重视。到了十九世纪,音乐教育家E.J. Cheve(1804─1864)将简谱再加以改进,终于得到了法国政府教育机构的正式认可,被称为Galin-Paris-Cheve记谱法,简称Cheve记谱法,俗称“数字简谱”或“简谱”。这时简谱已经完备,成为当时正统的音乐工具之一。后来简谱又从欧洲传到日本。
二十世纪初,简谱通过留日学生沈心工,李叔同等传到中国。沈心工(1870-1947)是开创中国学校音乐教育先河的启蒙音乐家,由他作曲的《黄河》(杨度作词)在1992年被评选为“20世纪华人音乐经典”的第一首歌。李叔同(1880-1942),法号弘一法师,是集诗、词、书画、篆刻、音乐、戏剧、文学和佛学于一身,在多个领域弘扬中华文化艺术的大师。他是在中国传播西方音乐的先驱者,也是中国第一个开创裸体写生的教师。李叔同在准备剃度出家时创作的歌曲《送别》,将自己用古典诗词体裁写的词,填入到美国的曲调中。既是音乐与文学的完美结合,又是中西文化结合的典范。也是我在华人合唱团学会唱的最喜欢的歌曲之一。
由此可见,简谱源于法国,那些对它做出重大贡献的法国人,除了最后一个Cheve,其他都不是专业音乐工作者。Cheve的专业身份使简谱得到了政府的认可,但在西方音乐界还是没能被广泛采用。我家中有本杜登(Duden)的《音乐小百科》,居然没有对简谱作介绍。
在中国,推广简谱的沈心工,李叔同等人
,是二十世纪初“学堂乐歌”的代表人物。在学堂乐歌的兴起和发展过程中,出现了中国近现代音乐史上最早的一批音乐教育家。在他们的共同努力下,简谱在中国很快得到了广泛的应用。简谱在中国不仅被用于歌曲,而且也受到了通常保守的民族乐器薪传们的欢迎。这是因为简谱和中国传统的工尺谱有不少相似之处。
中国的工尺谱和传统音乐的特点
工尺谱是汉字文化圈特有的记谱方法,源自唐朝。在宋朝陆续传到日本,越南和朝鲜等使用汉字的地区,一时流传甚广。
工尺谱和简谱,五线谱的基本对应关系见下表:
不过,工尺谱用的不是像五线谱那样的绝对音名,而是一种类似简谱的“可移调”(英语movable do),或称为“首调唱名法”的记谱法。由于简谱的符号更简洁,它很快取代了工尺谱,成了当代记录中国传统音乐的主要工具。
表中“凡”和“乙”两个音被放在括号中,原因之一是中国传统音乐中这两个音不常用。中国古代音乐用的是五声调式,调式中五个基本音分别称为宫、商、角、徵、羽。它们对应于工尺谱中的上,尺,工,六,五,也就是简谱中的1,2,3,5,6。我们常说的五音不全,指的就是这五个音。这五个音其实也是西方音乐的主音,从而可以说是全人类共同的自然心声,既好听又好唱。但是在4和7的使用上,中西之间有较大的区别。
中国传统音乐中,4(凡)和7(乙)这两个音用得很少。这一传统甚至延续至今。比如,2008年北京奥运会的主题歌《我和你》中,就没有4和7。4和7特殊在哪里呢?按西方的音乐术语,1和3之间是个大三度,而3和5之间是个小三度。大三度在中间加上一个音2,就被分成了两个大二度。而小三度一般只能被分成一个大二度和一个小二度。但有些学者,特别是西方学者认为,工尺谱中的“凡”这个音是在“工”和“六”的正中间,“乙”是在“五”和“上”的正中间。也就是说,“凡”和“乙”的两边各是一个既不大又不小“中”二度。如果用简谱来表示,“凡”是在4和#4的中间,“乙”是在b7和7的中间。这也是为什么在前面的对照表中“凡”和“乙”被放进括号中的原因。由于“凡”和“乙”这两个音在中国传统音乐中用得不多,过去又没有录音设备,这一说法对不对还有待考证。其实普通人要唱准一个小二度就不容易,半个小二度的区别,没受过专业训练是很难听出来的。
西方音乐中,4被放在靠3一侧,7则放在靠1一侧。因此3和4是个小二度,4和5是个大二度。但实际上4和7的位置很灵活。如果把西方音乐用简谱记下来,就会发现#,b号出现最多的是#4和b7。其它音的升降要少得多。这两个音的位置的灵活性给了音乐家们创造发挥的机会。而升降其它音则一不小心就会破坏音乐的和谐,使人觉得不好听。
4和7这两个音的高低不容易唱准是我参加了目前所在的华人合唱团后感受到的。我们的指挥是一位很有经验的专业音乐工作者。她在排练时经常会提醒我们,唱4要往3靠,唱7要往1靠。这说明,如果我们不注意,4很容易就唱成了“凡”,7则成了“乙”。咱到底是中国人,怪不得那些西方学者会认为中国人的“凡”比4高,“乙”比7低了。
说到这里有些扯远了。我想说的是,简谱适用于升降号用得不多的乐曲。由于升降号多用在4和7上,而中国传统音乐很少用4和7,用的话也没有升降的问题,所以很适合用简谱。升降号多了,简谱也就不简单了,那还不如用五线谱。
中国传统音乐还有一个特点,它不是多声音乐。前面说过,五线谱作为钢琴谱非常合适,而中国乐器中偏偏没有和钢琴相似的乐器。钢琴的一大特点是几个音可以同时弹下去,构成多声音乐,比如和弦。多声音乐用五线谱表达很方便,几个音上下叠起来就行。简谱表达多声音乐就有困难。中国乐器中没有钢琴,传统音乐中也不是多声音乐。所以很适合用简谱。
其实,简谱并不是完全不能表达多声音乐。比如和弦,因为有固定的搭配,可以用字母和符号来表示。比如由C,E,G组成的大三和弦用C表示,由D,F,A组成的小三和弦用Dm表示。前面我提到的那些把我带入五线谱大门的随电子琴带来的五线谱,右手谱是正规的五线谱,左手谱用的则是和弦符号,不用五线谱。所以,简谱加上和弦符号,就可以弥补简谱不能表达和弦的不足。合唱也是多声音乐。由于在合唱谱中每个声部的谱是分开的,几行简谱分别用于几个声部,所以用简谱作合唱谱也没有问题。
综上所述,简谱能在中国广泛流行,是和中国音乐的特点有联系的。简谱形成在法国,而且得到了政府的认可,却流行不起来。在台湾的情况则恰恰相反。1945年后,台湾学校的音乐教育一直排斥简谱。在教育部颁布的课程标准中,曾明文规定“不得使用简谱”。但到了1991年,在开放民间出版社编印的“审定本”教材时,小学音乐课本中又恢复介绍简谱了。二十世纪九十年代起,简谱在台湾又有了新的发展。一家著名的乐谱出版社甚至还研发出了“二代简谱”,并用它整理和记录了上万首中外歌曲。可见好的,适合国情的东西,政府是压制不住的。
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目前钢琴曲使用的谱子基本都是五线谱的,简谱的已经很少见了。学习钢琴,五线谱要怎么入门?关于钢琴五线谱的知识有哪些?下面就是读文网小编给大家整理的钢琴五线谱入门基础教程,希望对你有用!
(一)你用的键盘乐器
无论你是拥有一个真正的钢琴,还是一个电钢琴、电子琴或风琴,这里的教程都会教你认识键盘,弹奏五线谱曲子,并学习基本的五线谱知识。
简单说来,钢琴的学习包括认识键盘,将手放到合适的位置,如何控制运用你的手指,如何用双手而不是单单右手来共同弹奏,当然还有如何看懂五线谱钢琴曲谱。
你是用哪种键盘乐器来学习的呢?一共有多少个键盘? 我建议你最好使用有61个键盘的那种。如果你的键盘有重力感觉(垂重感键盘)的就更好了,就更接近真实钢琴的机械装置和触感。一般来说简易低档的电子琴的键盘没有重力感设计,键盘的按下时没有什么阻力(比较真实的钢琴键盘就会知道)。
(二) 白键盘 黑键盘 从哪里开始呢?
看到键盘可能一开始会迷惑:这么多的键盘---88个键我如何能记住呢?
不过你很快就可以总结出黑键的分布规律:即三个黑键和两个黑键规律性的排列,而且间隔是完全一样的。
你还会发现上图的白键上有规律的标出绿色的字母C,这个C是出现在两个黑键左面的白键上的。至于这个为何叫C以后会详细介绍。另一个你要注意记忆的是键盘中央的C位置,既所谓的中央C。这是一个需要牢记的位置,你以后会发现这个标志性的C的很多意义。而下面的中央C位置是真实钢琴的键盘位置。
(三)钢琴键盘的分组 五线谱基本要素
上图最上面的就是你经常看到的钢琴的五线谱,中间那个空心圆在短横线的位置---线间就是中央C。这个中央C位置是你弹奏任何一个钢琴曲子都要参考的键盘。
五线谱是记录音乐的一种语言,就象英语、汉语一样,它同样有自己的规则,告诉你弹什么和如何弹奏。最明显的特征就是左端的谱号形式-----高音谱号和低音谱号一起成联合谱表,这是一个标准的钢琴五线谱形式。音符(后面还要讲)在线间或线上。
将中央C的一组白色键盘灰颜色填充,你会发现以C为一个组,七个白色琴键加上五个黑色键盘(两个黑色和三个黑色的)构成一12个键盘组,而且这个C组不断重复。随便用左手或右手弹奏这些不同的组会发现越往右侧的声音越高,越往左声音越低。
(四)C 和八度
上面的图示显示出在中央C右面 和左面的其他的C在五线谱上面的位置。从中可以看出,在键盘上有规律的C的位置排列到了五线谱上面就没有什么规律可循。换句话说,不同C组的键盘位置在五线谱位置上没有什么联系,你只能通过大量的练习和不断的记忆来逐渐掌握。
线上音符
上次说过,五线谱的音符要么在线上,要么在线间,我们先从线上认识其他的音符。上面的五线谱从中央C上出现的线上的另外三个音符是E G B ,下图是键盘上对应的E G B位置。
线间音符
现在我们来看在线间位置出现的音符。上图中央C是作为参考位置,当然C不是在线间的音符。上图标出了线间上D F A的位置以及键盘对应的音符位置。
白键音符
现在你应该已经将白键的音符掌握了。上图就是 C D E F G A B在白键盘上的7个音符的五线谱位置和键盘实际对应位置。这7个音符应该是你很熟悉的,对应的简谱就是1 2 3 4 5 6 7。下面我们将学习黑键的音符。
五分钟学会五线谱
一、以下图示五条线,就是五线谱.分一、二、三、四、五条线。
二、五条线中间的空白处为间,共有四间。
三、放在五线谱开头 、 分别为高音谱号和低音谱号。
四、五线谱、简谱音阶对照示意图
五、简谱唱法与五线谱的音名唱法对照表
六、简谱与钢琴(电子琴)键盘位置对照图
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吹口琴怎么看五线谱?相信小伙伴们都会在学口琴的路上碰到这样的难题,别怕,读文网小编这就为你整理好了吹口琴看五线谱的方法,让你轻松看懂五线谱!
若想吹出标准的单音,如按说明书上说的o型技法也可以,但比较累,那么就必须使用舌头添堵多余的音孔,只留一个单纯的单音孔。
必须学会偷气,因为的是通过吹吸完成,吹得有1、3、5,吸的音符有2、4、6、7,吸多吹少,其设计目的就是怕气量不足,尽量多吸,但在实际演奏中会出现连续吸音或连续吹音,就接不上茬,偷气技法就是弥补气量不足或气量过足,偷气必须在瞬间完成吸或吹,偷气要提前卡好时间,该偷时突然张大嘴唇,但要有口依然含着的假象,一般不到一秒,否则音乐的旋律不等人,就会中断演奏。
舌头点拍,一般将舌头压住左边的低音区,留出要演奏的单音孔进行演奏,舌头点拍有同步、后步;同步:演奏节奏鲜明、动感强劲的或狂舞曲,后步:适合演奏较为浪漫、节奏稍缓的。
吹吸弹性练习,要做到吹吸之间快速转换,肺部扩张收缩同样要协同嘴唇周围肌肉完成此技法,因为在演奏四分之一音符时,在一拍中完成吹吸吹吸、吸吹吸吹、吹吹吸吸、吸吸吹吹的频率太多,如果不熟练掌握此技法,许多歌曲将无法演奏。
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