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钢琴源自西洋古典音乐,遍用于独奏、重奏、伴奏等演出,作曲和排练音乐十分方便。以下是读文网小编为大家精心准备的:10首世界著名钢琴曲欣赏。仅供欣赏!
世界著名钢琴曲欣赏视频:(出埃及记 南宋皇城图)
10首世界著名钢琴曲欣赏:
1、舒伯特《降B大调钢琴奏鸣曲》
这首奏鸣曲属于舒伯特才华横溢的力作之一,第一乐章的主题音乐刚刚开始,就让人沉浸在歌唱性的美妙动听之中。舒缓的音乐旋律中暗涌着一种紧张和惊慌感;第二部分以活跃的伴奏为背景,自由而宽广的流动。渐渐进入正题以后,以颤抖的三连音为伴奏,奏出了最强音。逐渐地,曲调慢慢又转入和缓,另有一种暗淡和忧郁。第二乐章的内容则以悲痛的情感为主调,旋律起伏不大,暗含了一种忧伤的叹息。第三乐章是一首优雅的谐谑曲,音乐进入无忧无虑,活泼轻快地气氛之中,跳跃不止的音符表现了一种轻快的心情。第四乐章也延续了第三乐章的轻快和跳跃,最后结局是欢快的,充满朝气和乐观精神。
2、莫扎特《D大调双钢琴奏鸣曲》
莫扎特作于1781年,这一年,再也不能忍受欺压和凌辱而毅然脱离大主教,这也使莫扎特成为了一位真正意义上的自由音乐家。这首奏鸣曲可能是广大观众相对最为熟悉的双钢琴作品,也是很多音乐爱好者听到的第一部双钢琴作品。轰动世界的“莫扎特效应”,最初也是源于一次对这首作品的试验所发现的:1993年,美国威斯康星奥什科什大学的神经科学家罗谢等人发现,大学生听10分钟的莫扎特《D大调双钢琴奏鸣曲》后,在空间推理测试中的得分有了明显的提高。一直以来,这首作品因其机智活泼的基本情调、乐观明朗的主要情绪而深受广大观众的喜爱。
3、贝多芬《降A大调第31号钢琴奏鸣曲》
贝多芬的《降A大调第31号钢琴奏鸣曲》,完成于1821年,这首曲子是在《庄严大弥撒》创作中抽空而作,全曲笼罩着一层深沉的悲叹色彩。全曲共分三个乐章:第一乐章音调和缓而且温柔,第二乐章比较有律动性,和前面一章相比反差较大,更为豪放和自由,最后的一个乐章则比前面两个乐章更为轻快和紧张,最后在高昂的节奏中结束全曲。
4、肖邦《第三钢琴奏鸣曲》
《肖邦第三钢琴奏鸣曲》创作于1844年夏天,这首作品仍是肖邦与乔治·桑一起在诺昂时创作的,制作这首曲子的目的是为了献给波尔德伯爵。它包括4个乐章,第一主题开始是进行曲风格,但不久便雾气茫芒,加入了悲叹,美丽崇高的第二主题,渐渐地,奏鸣曲又冲破悲叹的基调,诱导出如歌的旋律,变得优雅而轻快。富含感情的音调变化,表现了创作者经历磨难后重新振作的心情。
5、拉赫玛尼诺夫《降B小调第2钢琴奏鸣曲》
钢琴曲一开始就进入了欢快跳跃的节奏中,轻松舒适,而后和缓温柔。这首奏鸣曲式拉赫玛尼诺夫1913年在创作生涯的黄金时期所留下的力作,体现了拉式在近现代和声技法上独特的开创性,而又不失浪漫主义,它广泛运用了转调、离调以及频繁地对材料进行所见、延伸、倒叙和升华、组合,不断地把主题变化,充分体现他几句个人魅力和韵味的个人风格。
6、贝多芬《月光奏鸣曲》
几乎没有一首名曲像这首奏鸣曲一样,因“月光”这一俗称而名满天下、家喻户晓。《月光》这一名的由来众说纷纭,但最多的是源于德国诗人路德维希·雷尔施塔布(1799-1860)形容这首乐曲的第一乐章为“如在瑞士琉森湖那月光闪耀的湖面上一只摇荡的小舟一样”。这部作品,贝多芬自己称为“好像一首幻想曲一样的”,第一乐章情感的表现极其丰富,有冥想的柔情,悲伤的吟诵,也有阴暗的预感。虽然伴奏,主题和力度的变化不大,但仍通过和声,音区和节奏的变化,细腻地表现了作者心弦的波动。第二乐章比较短小,用截然不同的欢快气氛把第一和较为紧张的第三乐章连接在一起。第三乐章表现了热烈的情感和坚强的意志。
7、斯卡拉蒂《G小调奏鸣曲》
斯卡拉蒂曾与著名音乐家亨德尔比赛琴艺,以古钢琴弹奏取胜,后去伦敦、里斯本、梵蒂冈、马德里等地活动,担任过宫廷乐长等职。作有单乐章、两段式的古钢琴奏鸣曲近六百首(自称“练习曲”)。其中以《小猫赋格》最为有名。这些乐曲以色彩绚烂、对比鲜明、手法灵活多变而被公认为是奏鸣曲发展进程中的一个重要阶段。
这首曲子的灵感来由十分有趣。有一天,意大利作曲家多美尼科·斯卡拉蒂(1685—1757)书房里的古钢琴盖子打开着,一只小猫跳上了键盘,一脚脚踏在一个白键和五个黑键上,弹出了一古怪的旋律。斯卡拉蒂听了这个旋律,觉得很有意思,就把它作为主题,写成了一首赋格曲,世称“小猫的赋格”(即《g小调奏鸣曲》)。
8、莫扎特《C大调钢琴奏鸣曲K330》
跳跃灵动是这首曲子的特色,没有太大的起伏和强烈的节奏,全曲的基调简单明朗,适合喜欢轻松和愉悦的心情下倾听,或者在心情不好的时候倾听也是一种不错的选择,这首曲子有三个版本,快板的添加了几分轻松和欢快的气氛,受到更多人群的喜爱。
9、贝多芬第八钢琴奏鸣曲《悲怆》
c小调第八钢琴奏鸣曲《悲怆》,德国作曲家贝多芬作品第13号,创作于1798年至1799年初,作品献给他的赞助人与仰慕者利赫诺夫斯基王子。本曲是贝多芬早期钢琴奏鸣曲之巅峰的杰作,也是因其戏剧性的优美旋律而为世人所熟悉的作品。本曲无论在内容、旋律和结构等诸多方面,都渗透着一种日耳曼民族特有的理性,这也是贝多芬等德国音乐家共有的特质。本曲的演奏技巧并不太难,因此被演奏的机会也非常之多,更是许多钢琴初学者爱不释手的曲目。
10、罗科菲耶夫《第七奏鸣曲》
《降B大调第七号钢琴奏鸣曲》(Op.83)完成于1943年,又称为《斯大林格勒奏鸣曲》,这是一首用现代技法与风格写成的乐曲,被誉为20世纪现代钢琴音乐中最杰出的作品之一。第一乐章采用无调性手法,作者在打击乐般尖锐的音响中融入一些带有哀愁气氛的歌谣式曲调,表现出战争年代人们的情感变化;优美而抒情的第二乐章洋溢着作者年轻时的浪漫气息;最后是托卡塔曲般急速的终曲,坚决无情的技巧风节奏和尖锐的不协和音,以及大块的和弦织体,描绘出一幅前苏联人民不屈不挠夺取最后胜利的英雄画卷。
几个世纪,漫长的时光,历经岁月考验,有一种声音至今依然令人感动,依然散发着无穷魅力,这就是经典。钢琴奏鸣曲的发展和演变极大地丰富了音乐世界,音符组合后的强大表现力,也是其经久不衰的重要原因之一。
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读文网小编给大家整理了有关观看的眼睛 摄影师必读著名影像批判理论论著,分享给你们!
文艺复兴以后,艺术上的透视法聚拢在单个观察者的身上,他只能于一时一地存在。有个观念说图像是永恒的。而摄影,尤其是电影摄像机,却改变了这个观念。你所看到的事物,取决于你当下所处的时间和空间。照相机改变了艺术家观看事物的方式。印象派画家在不断流动的变化中观看可见物(正如当光线改变时,事物的外观也会同样改变),立体派画家不再囿于单一的视角(所以,譬如他们在绘画面孔时,会从某一角度去画眼,又从其他角度去画鼻子)。
第二个主要的冲击是,摄影破坏了图像的唯一性。在摄影术出现之前,图像本是建筑物整体的一部分,因而也是图像意义的其中一部分。即使可以移动图像,但永远也只有唯一的那一幅图像。相机通过复制图像,增加并打破了图像的意义。图像可以随意挂在你家客厅的墙上,也可以在电视中播放,又或者印在T 恤衫上。
复制品打破了图像的唯一性,改变了原作品独特的物理存在。现今它的价值不在于它的内容,而在于它的稀有性和所能达到的价格。这里存在一个冲突,因为一般认为艺术要高于商业。那些将艺术神秘化的人士,回应的方式是宣称商业价值能够反映精神价值;至少在现代社会,宗教已非当年左右生活的势力了。决定图像价值标准的,不是它的意义或者绘画质量,而是它的唯一性,为此伯格援引了这个例子:两幅几乎相同的列奥纳多•达•芬奇画作《岩间圣母》(Virgin ofthe Rocks)。其中一幅在国家美术馆,另外一幅在罗浮宫。在这两个机构之中,艺术史家最关心的不是图像的意义,而在极力地证明它们所藏的才是真迹,另外一幅只是复制品。同样地,当某些图像的价格攀升时,它们的重要性也会随之水涨船高。为了遮掩这种艺术价值和市场价值之间的关联,艺术作品都会被赋予虚伪的虔诚,从而疏远了普罗大众。
复制品可以从一幅图画分离出意义,而且它的意义或多或少会有所改变。比如说,通过选取一幅寓言画的局部,可以将其转化成一幅肖像画。电影摄制者可以这样去建构一个主题:选取画作的多个局部,并按照特定顺序将它们展示出来。如果让观者面对画作自身,他就能在瞬间对画作一览无遗,即便他正在观看其中的某个局部,也总归可以参考全貌。
文字与图像并置,同样会改变意义。图像的意义会随文字语境而改变。图像可能被用于广告宣传,这往往再一次印证了艺术的神秘性,又或者,某人可能在板上钉上一幅复制品,在图像中看到一些非常具有个人色彩的东西。伯格依然认为图像原作具有特定的价值。原作沉默,但有绘画者行为的痕迹,拉近了画家和观者之间的距离,因此从这一特殊的意义上说,所有的油画都是当代作品。伯格认为有必要全面接近艺术,意在使艺术与普罗大众的经验相关联,经验既可来自于天然的自发性,也可来自于艺术的专业人士。艺术今非昔比,它曾经是被孤立的,是等级制度的一部分,但现在艺术图像却变得唾手可得和有形无实了。不过,艺术向大众展示的方式依然故作神秘,这使得艺术疏远大众,割断了大众与历史之间的关联,艺术也变成了一个政治问题。
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伯格指出,裸体画是欧洲油画的一个类别,其中女性是反复出现的主题。这些裸体画向我们揭示了女性如何被视作和判定为景观。传统上最早描绘的裸像是亚当和夏娃的故事,通常作为一系列的图像,类似于连环漫画那样。在伯格看来,这个故事蕴含了两个极为重要的元素。第一,吃了苹果之后,亚当和夏娃察觉到自己与对方不同,所以裸体乃是旁观者思想的产物。第二,女性受到责备并以向男性屈从作为对她的惩罚。
在文艺复兴时期,画家不再叙述这个故事了,只剩下描绘那个羞愧的瞬间。然而,这份羞愧却更多是面向观者的,并非亚当和夏娃面对彼此的羞愧。逐渐地,羞愧变成了一种炫耀。即使世俗主题使用得越来越多,但从这些图画中还是可以看出,女性意识到有人在观察着自己。结果就是,她并非以原本的裸体形象,而是按着(男性)观者眼中的裸体模样出现。
伯格给出了许多例子。裸像正在观看那些观看她们的人;当女性看镜中的自己时,她自己也加入到观赏者的行列中;或者,她们看镜子而被视作虚荣,但实际上她们只是在满足男性对她们裸体的欲望而已;女性的美被男性裁判。所有这些图像的共通之处在于女性被观赏的感觉;通过画中的男性;通过她自己;通过她的身体所常常扭转朝向着的观赏者。经常地,她看着观看她的观赏者。她的裸露并非自我情感的呈现,而是为了男性的观者。这与其他文化的艺术作品有着显著差异,它们的裸露不那么被动,并且具有一定程度上的性别平等。
当伯格制作《观看之道》时,研究裸像最为权威的著作是肯尼斯•克拉克(Kenneth Clark)的《裸像》(The Nude)。克拉克将裸体和裸像区分开来。在他看来,裸体无非就是脱光衣服而已,裸体与艺术无关。但裸像,相反地,却是一种艺术形式。主体可以是裸体的人,但他们之所以能够成为裸像,在于绘制的方式,譬如,一种观看的方式。(伯格并没有说得很清晰,而克拉克却最想要否认裸体的性欲。)
伯格继续展开对这种差别的论述。“裸体是恢复自我之道。成为裸像则是要让人观看自己裸露的身体,并非自主。裸露的身体要成为裸像,必先被当成一件观看的对象。”
一般而言,裸像油画的主角从不出现;画面中的一切都为这位男性观赏者而起。伯格援引了布龙齐诺(Bronzino)的《时间和爱情的寓言》(Allegory of Time and Love)来描述这个观点。在画中,丘比特正在亲吻维纳斯,但他们所摆成的姿势却与他们的亲吻毫不相干。维纳斯的身体扭曲着,为的是摆给赏画的男性观看。画面激起的是他的性欲,而与维纳斯自己的性欲无关。这幅图像还符合另外一项欧洲惯例:并不描画女性的体毛。因为体毛暗示了性能力和激情,男性观赏者一定会认为这些特质唯他独有。
在这种传统下依然有例外,伯格指出,具有这些特质的画作与其说是裸像,倒不如说是“……受宠女子的画像,或多或少有点赤裸”。它们必须超越那个瞬间,因为伯格认为,在实际的性经验中,赤裸与其说是一种状态,倒不如说是一个过程,所以任何瞬间的图像都有扭曲变形的风险。图像必须有主观意图,而且最后必须具有平凡(平常)这个要素。
为个人摇旗呐喊的欧洲人文主义精神,极大地影响了当时的欧洲思想界,可是裸像却恰恰漠视了画中女性的个体。原因是画作所涉及的各方利益互相矛盾:赞助人,艺术家和模特。例如丢勒(Durer),他相信理想的裸像应该从不同的身体选粹而成,这种做法极度漠视了任何个人的身份。个人主义精神允许某些艺术家成功解决这种矛盾,但就整体而言,绘画传统却未能妥善解决。
尽管理想裸像的概念已被马奈(Manet)的《奥林匹亚》(Olympia)破灭,取而代之的是以妓女为主角的写实主义,但油画所利用的两性不平等关系,如今却依然深深地烙印在我们的文化之上,塑造了我们对许多女性的看法。今天,创作裸像的想法还可以在大众媒体中看到,“……观看女性的基本模式,以及女性图像的基本用途,仍无变更”。理想的观赏者仍然是男人,女人的图像都是用来讨好男人的。
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伯格从语言和观看之间的关系开始谈起。他指出,观看和辨识先于言语。正是观看确立了我们在世界的位置,但我们却用语言来解释这个世界。尽管如此,他还是认为,在我们所见和我们所知之间永远隔着一道鸿沟。他举出的例子是,我们看见太阳在围绕地球旋转,但我们知道并非如此。
他先是提出了如下观点:我们先观看,然后使用语言来解释世界,就如我们的知识那样;然后他接着说,知识或者信仰会影响我们观看事物的方式。这造就出一个动态的关系;兴许我们开始于观看和辨识,但最终还是会发展成这样一个系统:在其中,我们过去的经验或者知识会改变我们观看事物的方式。比方说,今天我们观看火的方式与中世纪的人相异,因为他们相信地狱作为实体的确存在。
观看的行为是主动的;它是一种选择的行为。我们观看到的是我们所注视的事物,以及围绕它的事物链。我们同样意识到别人也能观看我们,我们也意识到我们自己置身于这个可观看的世界中。结果使我们理解到,每个人观看事物的方式或会不同。这种视觉的双向(交互)性质,比口头对话更为根本。
伯格说,“图像是再造或者复制的景观……已经脱离了当初出现的时间和空间……” 。这种分离可大可小,但所有的图像,包括照片在内,都体现出图像创作者的观看方式。进一步说,当我们在观看别人的图像时,我们对它的理解取决于我们的观看方式。
伯格认为,制作图像是为了表现不在眼前的事物,但后来,图像比原来所表现的事物更具有意义,更能经得起岁月的磨炼。图像现在提供了某物在旧时人们所看到的模样。其后,随着个体意识的不断增强,图像成为了特定艺术家的特定视角。任何其他事物都不如图像那样,能够把过去记录得如此出色,作品越见想象力,我们就越能够理解艺术家对世界的体验。不幸的是,当过去的图像被用作艺术品来展出时,它们的意义就会被臆断为诸如美、真理、形式等,因而变得含糊(神秘)了。当我们改变时,我们对于历史的理解也会永远随之而改变。然而,这种神秘化的后果就是,图像被置于遥不可及的境地,而且还使我们能够从历史汲取到的结论日渐匮乏。
当我们看见过去的艺术品时,我们便有机会置身于历史之中。这种神秘化企图,妨碍我们真正地观看这些图像,我们因而被剥夺了属于我们的历史。伯格认为这是故意的,“……只因少数特权人物极力编造历史,它能从回顾的角度,将统治阶级的作用合理化……”。
伯格以弗兰斯•哈尔斯的两幅油画为例:一幅是中老年济贫院的男管事,另一幅是女管事。在着手绘制这些肖像画时,哈尔斯是个穷老头,依靠画中人的救济为生。伯格援引了一部权威的艺术史,这本著作单纯以形式元素来评价画作,使用到的词语诸如“……浑然一体……令人难忘的对比……强烈的白色……”。这本历史著作进一步展开论述,批驳了那些认为单从画面就能够解读出画中人个性的观者。在伯格看来,这就是神秘化,他认为我们可以理解人物的个性,“……因为它与我们观察人物的方式相符……而且……我们依然生活在一个社会关系和道德价值可与之相比较的社会中”。伯格认为,这些人的个性、穷困潦倒的老画家以及他所依靠的济贫者,这三者之间的关系是这幅画作的本质所在。
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整个世界沦为了广告的舞台,这是一个超越冲突的世界,广告甚至能够将革命转化成自己的词汇。然而,现实世界与广告世界之间仍然有着悬殊的差异。有些时候,这种差异会非常显眼,伯格援引了一本杂志作例子,它在广告图像旁边并排地印着令人震惊的展现第三世界贫穷的图像。这激起了多番议论,其中就有嘲讽将这些图像放在一起进行展示的文化。伯格并不希望强调这种道德上的震撼。他指出,甚至广告商自己也有考虑到这种冲击,所以他们会谨慎地使用图像。
伯格认为,倘若发生的是一件快乐的事情,新闻或专题摄影与广告图像之间的对比依然强烈。造成这种对比的原因在于,“广告以平静无事为根本……置身于遥遥无期的未来”。它取代了一切实在的事件,它所展示出来的一切,全都是等待着被购买的商品。广告只承认购买力。在资本主义文化中,所有期望都被混淆在一起,并被简单化。观赏者- 买主收获的只是模糊但奇妙的许诺:只要你购买,所有这些希望都将一一实现。
广告生存的手段就是强使“……受它影响的大众,将自身的利益规定得狭隘无比……将判断事物吸引与否的虚假标准强加于人……”。
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歌剧院是歌剧爱好者的艺术天堂,今天读文网小编就为大家盘点一下世界哪些著名的歌剧院吧。
Royal Opera House, Covent Garden
英国
英国皇家歌剧院是伦敦最负盛名的老牌歌剧院,被法国大作曲家德彪西曾称之为“能代表英国人最优秀的一面”,不但装修富丽堂皇,而且音效尽善尽美。
1892年,科文特花园剧院得到了“皇家歌剧院”的荣誉称号,这期间,享有国际声誉的艺术家们,纷纷来此登台献艺,剧院也跻身于世界一流歌剧院之列。皇家歌剧院曾经两次被大火烧毁,经过几次改建,已经成为一个新旧交融的现代时尚生活空间。
Alex Beard阿莱克斯.彼尔德,英国皇家歌剧院院长
阿莱克斯.彼尔德是英国皇家歌剧院院长,获大英帝国勋章。2013年3月他被指派出任皇家歌剧院院长一职,并于同年9月上任。
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“可用光就是您可以利用的任何光线!”,著名摄影师W. Eugene Smith曾经说过。下面是读文网网络小编搜集整理的一些著名摄影师W. Eugene Smith利用光线经验的内容,希望对你在摄影探索道路上有帮助。
Edward Hopper的绘画作品《夜鹰》就像该流派中其他所有美国绘画作品那样表现了现实主义者的活动。大学生们将这幅作品挂在宿舍中,这幅作品的印刷量如此之大,使之成为了一种标志性的绘画。这张画的内容是从昏暗的街道观察被美丽光线所笼罩的用餐者,它出色地展示了增加或减少光线如何会影响图像的效果。画家使用白色的画布,首先添加较暗的色彩,中间被多个较冷的明亮色调所隔开,将欣赏者的注意力逐渐吸引到这个孤独场所中那刻板的、被荧光灯照亮的室内。
50-200mm镜头,焦距158mm,1/160秒,f/3.5,ISO 125
我的首次南极之旅是作为美国《国家地理》Endeavour号上的“专家”成行的。我的工作是服务于探险队的旅行者们,为他们提供有关摄影方面的专业知识和建议。这是一次让人精疲力竭的旅行,因为一天中的大部分时间天空中都有光线,早晨从大约4点就开始了,而日落则出现在晚上接近11点的时候。在Terror湾的入口,我们看到了美丽的南极半岛那无与伦比的景色。所有美丽的场景都出现了—船只缓慢通过这个半岛,一座冰山移到了最佳的位置,企鹅用优雅的姿势跳入空中和水中。太阳的光线照亮了背景中嶙峋的山峰,并绘出了冰山美丽的边缘,光线让蓝色的冰更漂亮了。
摄影师也是在他自己的“画布”上完成相同的工作,通过增加、减少和控制光线来“绘制”拍摄对象。没有光线,我们根本不可能完成拍摄工作。本章介绍不同类型的光线,以及控制和捕捉光线方面的问题。
相机可让光线照射到其传感器上,然后记录照片。如果光线太多,照片就会发白;光线太少,照片又会太暗,无法看出细节。正确的光线量代表着正确的曝光。
50-200mm镜头,焦距200mm,1/500秒,f/5.6,ISO 100
墨西哥Baja California Sur市中央Loreto的街道被一层深深的锈红色所笼罩。我当时在美国《国家地理》/Lindblad探险队中工作,我们看到一群工人正在铺设新的道路。我看着他们工作了一会,随着黄昏的光线越来越美丽,工人们开始在湿的混凝土表面洒上红色的粉末,让红色看起来更漂亮。我很喜欢这些粉末被洒出时飘浮在空中的效果。粉末从手指中洒出时,逆光突出了粉末的质地,并且让它显得更清晰了。
取景器就是画布,光线就 是画笔
12-60mm镜头,焦距20mm,1/80秒,f/13,ISO 100
能够在最佳的光线中拍摄当然最好,但有时这根本不现实。我在埃及的开罗拍摄这张照片时就是如此,当时我只有很短的时间拍摄这种金字塔照片,而且还是在中午,而不是一天中最好的拍摄时间。我跑到这个人的旁边,这是一个很好的位置,可看到3座金字塔,而我只有不到3分钟的时间拍照,因为我们的大巴还要去机场。几小时前这里刚刮过一场沙暴,所以空气中还残存的一些尘埃散射了光线。我让这个人看着画面的侧面,用不对称的方式完成了构图,让3座金字塔中的2座位于他的一侧。在这张简单的人像中,我充分利用了头顶的光线和散射后的光线,因为充满尘埃的空气就像巨大的“组灯”,形成柔和且迷人的光线。
12-60mm镜头,焦距12mm,1/250秒,f/5.6,ISO 200
Guadalupe峰是得克萨斯州的最高峰,这张照片是为《Texas Highways》杂志拍摄的,是该州有关“7个伟大奇迹”故事的一部分。我找到George West和Richard Davies载着我在黄昏前飞过这片崎岖的地区,这样我可充分利用位置较低的太阳来突出这处风景的结构和地形。我故意在画面中包括了Cessna飞机的机翼,因为我想这可为这片让人吃惊的风景提供一点人类的痕迹。
12-60mm镜头,焦距12mm,1/500秒,f/6.3,ISO 100,
Singh Ray Galen Rowell的2挡硬边渐变中灰密度滤光镜
作为世界上最美丽的陵寝之一和最美丽的摄影地点之一的印度泰姬陵,要想拍出与众不同的照片,这对摄影师而言是个挑战。我参加了美国《国家地理》的探险队,而泰姬陵是其中的一站。在黎明前,我召集了一群喜欢摄影的探险队成员去拍摄这座建筑物。我以前来过这里,知道在Yamuna河对面有一个非常好的拍摄位置。我们到的比较早,摄影师散开后从各自的角度进行拍摄。太阳升起后不久,这个赶骆驼的人出现了,让骆驼在Yamuna河中饮水。被充分散射的太阳光照亮了这个场景(此时空气污染是个好东西,因为空气中的颗粒非常多,所以就像巨大的“组灯”,让较暖的刺眼光线变柔和了),但是我还需要使用Singh Ray Galen Rowell渐变中灰密度滤光镜,让前景的曝光与较亮的天空曝光相符。
有时最简单的光线就是最好的
20-35mm镜头,1/15秒,f/3.5
阿拉斯加州的Kotlik是育空河边最靠近上游的村庄,Tom Prince是这个村庄中最高寿的人。我用一个小手电照亮他的脸部。
所有照片都是用7-14mm镜头拍摄的,焦距7mm,ISO 100
我要用Photomatix Pro软件“组合”这3张照片,这款软件是专门用于混合或“色调映射”HDR照片的软件程序之一。我拍摄的第一张照片是针对外面最亮的区域曝光的,另一张是针对内部中间色调曝光的,最后一张是针对屋内的阴影区域曝光的。最后一张照片说明了场景的动态范围远远大于传感器在一张照片中所能捕捉到的动态范围。
这是最终的照片,是用上面3张照片合成的
作为American Photo Mentor Series长途跋涉活动的讲师,我在清晨自己造访了比利时的Ruins de Montaigle要塞。我想要展示反光板对照片效果有多大影响。这张照片是在没有任何额外光线(包括闪光灯和反光板)的情况下拍摄的。这是一张不错的照片,没有什么特别之处。
17-35mm镜头,1/125秒,f/5.6
这是同一个场景,但在拍摄时我用反光板将光线反射到放鹰者的脸部和猎鹰身上的阴影处。这点光线让照片的效果更上一层楼。
12-60mm镜头,焦距23mm,1/30秒,f/4,ISO 200
孩子们,可不要在家里尝试这个!摄影师最不想使用闪光灯设备的地方就是水边:飞溅的水滴可能导致短路,从而烧毁器材,并且到处可能都是绳索—可能出现的问题很多。但是,使用这些独立的闪光灯设备,我就能够使用闪光灯上的TTL功能控制每个闪光灯的光线输出。为了拍摄此照片,我将相机设为机上无线控制模式,此时相机的LCD显示屏上出现一个窗口,从中可设置每个闪光灯设备的输出。然后使用相机的机上闪光灯触发其他闪光灯闪光,每个设备都在乘船者脸上打上了准确的光线量。
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当地时间2月12日,2015世界新闻摄影比赛结果在荷兰阿姆斯特丹揭晓,来自丹麦的摄影师迈德斯·尼森作品《同性恋情侣:乔和阿历克斯》获得年度图片。
中国摄影师刘嵩凭“被告”作品获得表演肖像类单幅二等奖。2014年5月6日,中国重庆。一名女子涉嫌因为从事非法性交易正在派出所被询问。
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开始摄影吧,它能保留你曾经的观望。下面是读文网小编为大家整理著名纪实摄影作品赏析图片的相关资料,供大家参考!
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相机如果不是诗人脑袋上的一只眼睛,其中的胶卷就没用。下面是读文网小编为大家整理关于经典新闻摄影作品,供大家参考!
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“新闻价值”和“形象价值”历来被认为是新闻摄影的两大要素。新闻摄影的形象价值主要是指新闻照片的视觉冲击力或称之为视觉吸引力。长期以来,许多新闻摄影的研究人员和实际工作者都认为在这两大要素中,新闻价值是首位的,因为新闻摄影是属于新闻范畴而不是属于艺术范畴。下面是读文网小编为大家整理的相关资料,供大家参考!
求新思维具有鲜明的喜新品质。它的思维指向是活跃的、积极的、向上的。朝向那些过去没有发生过的、没有见到过的、没有报道过的对象。这种思维符合报刊属性。报刊的存在是为了报道新闻,一切着眼于一个“新”字。
新闻摄影的求新思维主要表现在两方面:一是求内容之新;二是求形式之新。
内容的求新,要求新闻摄影去寻找、发现值得报道的对象。新华社总编辑南振中先生在“影响新闻发现力诸要素的分析”一文中,对此提出了六个主攻方向:
一是善于发现或者找到世界上迄今还没有通过大众传播媒介广泛传播的、鲜为人知的新鲜事实。二是善于发现或者澄清社会上众说纷纭、莫衷一是的重大事件的事实真相。三是善于发现或者提炼出有助于解决当前各种困难和社会矛盾的新鲜经验。四是善于发现和捕捉能给人以启迪的新思想,深刻地揭示改革开放大潮中人们观念上的新变化。五是善于发现和表现最能体现时代精神、对人们有较大激励和鼓舞作用的典型人物。六是善于发现能够体现事物发展规律的新的苗头、新的动向,准确地预测和描绘事物发展的趋势。
以上六个方面都是紧紧围绕一个“新”字。
内容之新,还不是新闻摄影的全部。新闻照片怎么拍,即形式创新更是至关重要。有了再好的新闻内容,照片拍得俗套、拍得老一套、拍得图解式、拍得司空见惯,这样的新闻摄影报道,没有视觉吸引力,读者会不屑一顾。
形式的求新主要可从两方面入手,一是拍什么,二是怎么拍。
形式求新中的“拍什么”主要指同一新闻内容是直接表现还是间接表现。例如要报道一家大型医院破土动工,既可以拍摄正在破土动工的画面(直接表现);也可以拍摄老医院里挤满了人的画面(间接表现),这正是新医院破土动工的原因。究竟拍什么,要看哪种画面效果对读者更有视觉冲击力。又如报道外事送往迎来的新闻图片,我们司空见惯的是“握手”、“献花”、“检阅”等正规、严肃、庄重的画面。这样的画面对外事活动是应该拍的,但是否只能这样拍呢?严肃的题材是否也可用幽默、轻松的画面来表现呢?如“奥,你的帽子”是报道时任美国国务卿的奥尔布赖特访问韩国的新闻。图片的文字说明是:“10月25日,美国国务卿奥尔布莱特在结束了对朝鲜的访问后抵达汉城,对韩国进行访问。图为奥尔布赖特在专机抵达汉城军用机场后,走下舷梯时,帽子被风吹飞”(新华/路透)”。这样的画面效果既有视觉吸引力,也无损美国国务卿的形象,同时又报道了严肃的外事新闻。
形式创新中的“怎么拍”是指拍摄时的画面构图,如拍摄点的选择、景别的运用、前景与背景的运用、虚实的运用、画幅的选择、用光技巧、镜头焦距的运用等等。那种认为新闻摄影只需要抓拍技能的观点是狭隘的。摄影的技术技巧对新闻摄影同样重要。例如表现环境题材的新闻摄影报道“天鹅啊,你为何不南飞”,画面上充满虚实、光影和效果。没有高超的摄影技巧,是拍不出这样优美的具有视觉吸引力的图片的。
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1948 年,史密斯被《生活》杂志派往科罗拉多州的克瑞米林拍一个工作中的医生,这次史瑞米林之行也促成了史密斯第一本摄影作品集的诞生。史密斯曾经作为战地摄影 记者随美国空军来到了太平洋战争的战场。但最终,由于他的成果不受编辑的肯定,史密斯曾被辞退。但他拍摄《乡村医生》这组作品震撼而细腻,深刻地反映出这 位谦逊勤劳乡村医生的心态,所面临的情感和身体挑战,并逐步揭露了独特的有回报的生活方式,所需要内在工作和外在的生活环境。
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新闻纪实摄影作品图片1
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摄影技艺的获得是靠花功而不是靠花钱。下面是读文网小编为大家整理的相关资料,供大家参考!
《论数字时代的新闻摄影》
【论文关键词】数字技术;新闻摄影
【论文摘要】数字时代使新闻摄影产生了飞跃,同时也带来了一些隐患。如何消除隐患、应对隐患,数字时代给新闻摄影带来了哪些新的要求?文章作了如下阐述。
1. 数字技术给新闻摄影带来的隐患
科学是把双刃剑。有人曾预言,数字技术的运用将会葬送新闻
摄影。这话虽嫌偏激,但有一定道理。
数字时代使新闻照片的真实性受到了空前的挑战。过去,传统摄影也可把摄影特技运用到新闻摄影中而造成新闻照片失真,但其操作方法复杂,需要具有专业水平的人才能完成,且经过处理后的照片效果差,加工痕迹明显。而当今的电脑技术不仅能够对照片进行改头换面,甚至可以无中生有,使用PhotoShop这种功能强大的图像编辑软件,在一台普通的电脑上就可以随心所欲地将新闻照片修改得面目全非且天衣无缝。
真实性是新闻摄影的基本属性,也是新闻摄影的生命。摄影记者只有选择拍摄角度的权利,没有变动新闻真实的权利。
2003年海湾战争期间,有着25年从业经历的《洛杉矶时报》摄影记者布赖恩.瓦尔斯基与3月30日向报社传回一张英军士兵和伊拉克平民的照片,该照片令图片编辑激动不已,因为画面要素和构图等显示是一幅足以竞争普利策奖的作品。时报将它刊登在2003年4月1日头版,但有细心读者将照片放大到一定倍率后发现是合成照片,合成的照片将英军士兵和伊拉克平民的距离拉近,目的是为了改进构图,增加视觉冲击力。此事在世界新闻媒体引起震动。《洛杉矶时报》立即在其网站上刊登更正和道歉声明,并作出了开除布赖恩.瓦尔斯基的决定。又如2004年7月14日,我国西安连续暴雨,地面严重积水,某报记者将拍摄到的照片用PhotoShop软件中的“橡皮图章”修改,结果原来没膝深的水改成了齐腰深的水,“积水”也就变成了“洪灾”。照片经美联社采纳发稿后被芬兰读者在报纸上发现了修改痕迹,芬兰报纸编辑通知了美联社,美联社对照片仔细鉴定后确认其造假,从而将该照片删除,同时通知用户不要使用该照片,此事在我国新闻摄影界引起了很大反响,这说明新闻照片的真实性不容忽视,数码相机拍摄的新闻照片中任何内容都不能被随意修改。
利于电脑技术制作各种类型的假新闻照片,使得新闻摄影的真实性在数字时代变得十分脆弱,以往新闻照片的“眼见为实”、“以图为证”的权威性和见证性受到了强烈冲击。如果放任这种电脑技术的滥用,将会使新闻摄影失去存在的意义。这绝非危言耸听。
2. 如何消除和应对隐患
2.1 制定相应的规章制度。可从以下两方面对所发表的新闻照片进行规范和把关:第一,不绝对排斥对新闻照片进行电脑处理,因为数字技术在新闻摄影中的发展和应用已成必然,但运用数字技术对新闻照片作改动应制定一个底线----以不损害新闻的真实性为前提,允许作者为突出新闻主题,对照片的清晰度进行调整,对一些污点、划痕等进行处理。第二,对那些违背了新闻真实性的照片,要加强加大惩处力度。
2.2 对那些制造和发布假新闻照片者,要有相应的法律来进行制裁,使造假者不敢轻举妄动。
2.3 利用技术手段规范互联网上的新闻照片。一方面可以运用类似于微软浏览器中关于网站内容分级的软件,对网上的新闻照片进行可信度分级。另一方面,还可以开发一种程序,对收到的已经过电脑处理的照片进行过滤和提示,甚至可以在一定程度上还原照片的本来面目。所谓“魔高一尺,道高一丈”。随着技术的进步,这是应该做得到的。
3. 数字时代对新闻摄影记者的新要求
过去对新闻照片的评价标准是:见报快就是好照片。数字时代,摄影技术已经不再是问题,那么对新闻摄影的新要求则体现在新闻应该在更深内容层面上拓展。要求新闻摄影记者在更高层面以新的视角把握时代脉络,在新闻选题、价值判断和新闻深度等问题上下功夫。数字时代,对新闻摄影记者提出了以下三方面的要求。
3.1 对职业道德的要求
数字技术让作者对影像的改变更容易了,这就对新闻摄影记者的道德修养提出了更高的要求。新闻摄影记者的职责决定了他是公众舆论的代表,他要向社会负责,要遵循新闻规律、社会公德和法律法规,用真诚客观的态度报道新闻,如果我们的新闻摄影记者坚持了道德规范,那么新闻摄影的真实性就不会因数字摄影的产生而遭到怀疑。
3.2 对独创性和快速传递的要求
数字时代对新闻摄影产生的影响,将不仅仅停留在新闻照片的物理形态的改变和传输手段的先进。数字相机和互联网将新闻摄影的时效推向了极致。随着数字技术的发展,以前从事摄影之前那种较长时间的技术训练可以在短时间内掌握,新闻摄影变得越来越强调如何获得信息,如何在新闻现场选取独家角度,如何迅速传递信息等。
3.3 对数字化管理的要求
数字相机方便了摄影记者,但是比传统底片更多的数字照片只能无序地保存在各种电子储存盘上,没有统一的管理标准。照片和文字信息分离,图片杂乱保存在临时目录下,经常被丢失、删除,这些缺乏管理的照片无法成为媒体可以有效利用的资源。
对照片资源进行高效管理的最普遍和有效的方法之一就是建立数据库。图片数据库依赖的是规范标准的图片相关信息,包括拍摄内容、时间地点等信息。
总之,数字时代的新闻摄影决不是纯技术层面的较量,而是新闻摄影观念、新闻摄影深度、新闻摄影记者综合素质等若干方面的竞争。
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